Técnicas digitales de representación espacial

En este ejemplo podemos ver como se aplica el overlap a un personaje. 

Tipos de Overlap

- Follow Through

- Cadena de huesos 

- Principio de la ola (Drack)

Esta es una división mas teórica que practica porque al final estos tres tipos de overlap hablan exactamente de lo mismo, del desface entre las partes, pero si logramos conceptualizar en que parte ocurren estos desfaces podremos aplicar mejor este principio tan importante a nuestras animaciones.  

Cadena de Huesos

El principio de la cadena de huesos se aplica al esqueleto humano y a los animales y consiste en que los movimientos generados por una cadena de huesos así como vemos en este ejemplo se mueven en diferentes tiempos. Imaginemos que quiero mover un brazo hacia arriba, levantar la mano, lo que en verdad se esta produciendo es un inicio de movimiento en la clavícula, seguida por el hombro, luego del brazo, después el antebrazo y por ultimo la muñeca y los dedos. Esto en cualquier parte del cuerpo humano que contenga una cadena de huesos, como las piernas, la columna, cuello y cabeza. El timing del movimiento afecta el overlap, a un timing mas rápido, más overlap.         

Les comparto este ejemplo que hice para explicarles el comportamiento del timing en un objeto simple.

Para profundizar en el timing debemos revisa unos cuantos conceptos. La primera cosa que debe quedarnos clara es la división del tiempo en numero de fotogramas, en el cine, un segundo son 24 fotogramas, en videojuegos 30 por lo general, es decir que en un segundo vemos 30 imagenes. Para nuestras tareas usaremos 30 o 24 segun se requiera, pero para nuestros primero ejercicios les recomiendo usar 24 fotogramas como si fuera para cine ya que esto nos facilitara dividir nuestro segundo en dos y en tres.
En televesion con el sistema PAL que se usa por ejemplo en España y otras partes de Europa, un segundo representan 25 fotogramas, es decir 25FpS.

Peso

- Fuernza con que la tierra atrae a un cuerpo a través de la gravedad.
La idea basica de peso y gravedad es que entiendas que la Tierra nos esta atrayendo al suelo y que no podemos despergarnos de ella a no ser de que apliquemos una fuerza que nos direccione en sentido contrario, si saltamos estamos aplicando una fuerza en sentido contrario, pero enseguida caheré porque la fuerza G me atrae al suelo, si dejamos caer un libro o cualquier objeto, no necesita ninguna fuerza para llegar al suelo, simplemente la gravedad esta atrayendo los objetos y eso tambien tiene que ver con el peso, cuanto mas pesa una cosa mas atracción tendra al centro de la tierra
El peso influye mucho en el timing. A grandes pesos timings lentos y a pesos ligeros timings rápidos.
La colocación de la pose clave, el breakdown y el inbetween irá determinando el timing, el ritmo de movimiento animado. Con esto crearemos aceleraciones y desaceleraciones y tendremos en cuenta el spacing. El Spacing es la posicion de los dibujos en el espacio o dicho de otra forma el espacio entre los dibujos.

He escuchado muchas veces a profesores, colegas y alumnos que la parte mas importante es el movimiento, pero para mi lo mas importante es la pausa, porque en las pausas diferenciamos el ritmo. Un ejemplo muy sencillo de la vida cotidiana consistiría en preguntarle a dos personas diferentes exactamente los mismo, dos personas que conocemos muy bien, una persona mas lista, mas despierta, mas rápida en entender las cosas a una persona que parece que siempre esta cansada, una persona un poco mas lenta o atontada, probar hacer la misma pregunta, seguramente la diferencia de respuesta entre las dos personas es el timing de reacción. Justo este tiempo lo tenemos en las pausas, cuando el personaje esta pensando y por su puesto a este le debemos agregar su edad, su condición física, su actitud, y hasta su capacidad de pensar, IQ y su inteligencia emocional.      

En este video veremos a profundidad las características del timing, tanto en 2D como en 3D los conceptos son los mismos, lo único que varia es la profundidad.

El timing es la variación del ritmo, el timing le da vida y realismo a nuestras animaciones. Sin timing en nuestras animaciones nos sentimos el peso, ni variaciones ni fuerza.

Otro vídeo de pose to pose para realizar el rebote de una pelota, esta vez en Maya para los que usan este software relacionarse un poco mas con el editor de curvas. 

En animación el concepto de poses es resolutamente fundamental y quiero que a partir de esta lección les quede muy claro como jerarquizamos la importancia de las poses.

Existen 3 categorías, la pose clave o key, el breakdown pose intermedia y el inbetween.

La pose clave explica la historia, en cualquier acción existen muchas poses, pero hay ciertas poses que se destacan, por eso son las claves porque definen los demás movimientos y nos cuentan esa historia.  

Los breakdowns serán las poses que ayudan a entender que vamos a esa pose principal, son anticipaciones entre una pose clave y otra.

Los inbetweens son las poses que hay entre las poses principales y los brekdows, o entre un breakdown y otro. 

Como les digo la pose clave cuenta la historia, pero la importancia del breakdown "que se encuentra un poco devaluada" no solo nos mostrara el arco y la trayectoria, sino que también le añade mas personalidad a esos movimientos que hay entre una pose clave y otra. Y la importancia de los inbetweens es que ayudan a que hayan arcos coherentes entre las demás poses. 

Gracias a Carlos Salvany https://vimeo.com/carlessalvany

Planificación, Video referencia y bloking

Para una correcta planificación debemos tener en cuenta los siguientes puntos. 

- ¿Que quiere el director?

- Observación

- Tu primera Idea 

- Feedback 

Que es lo que quiere el director? 

Tu como animador eres su herramienta, eres la manera como el director va a demostrar su idea a la pantalla, y con eso tú tienes que escucharlo, vas a ver que en la experiencia como animadores esto no es tan fácil. En ocasiones los directores no tiene las ideas tan claras como pudiera parecer y te pueden llegar a dar muy pocas indicaciones, con eso lo que tienes que hacer es empaparte muy bien de la información disponible, guiones, story boards, game play, etc... y así interpretar de una manera mas amplia la idea principal de tu plano. Nunca olvides lo que quiere el director, muchas veces intentamos hacer lo que queremos y lo que creemos, lo que nos gustaría ver de nosotros en la película o en el videojuego y es por esto que muchas veces nos hacen cambiar todo el plano, por no seguir las indicaciones que nos piden como animadores. 

Como lidiar con lo que uno quiere hacer y con lo que uno pide?

Siempre partir desde la humildad, por alguna razón alguien es el director y alguien es el animador y lo digo desde las dos partes como experiencia de director y en otros casos como animador así que puedo analizar lo siguiente desde los dos puntos de vista en los dos roles: "Nosotros como animadores muchas veces perdemos la objetividad" y es por eso que necesitamos un supervisor o un director de animación y es porque al estar 24/7 de la semana anclados a un plano nos olvidamos aveces del resto de la secuencia y es fácil perder la objetividad dentro del plano haciendo que lo que nos parece fantástico visto desde fuera sencillamente no lo es, entonces saber y ser conscientes de que esto nos pasa y tomar los consejos, cambios y sugerencias por parte del director como algo positivo "en teoría todo lo que nos diga el director debería ser positivo", pero claro, que es lo que sucede cuando el director no tiene esta misma humildad?, en mi caso me a tocado trabajar y sufrir el ego gigantesco de directores y que tienen muchas cosas que demostrar para si mismo y para el resto, tienen deficiencias de autoestima y como demuestran las cosas?: tirando todo hacia tras, perjudicando la vida a sus súbditos, justificando su sueldo con correcciones innecesarias, etc, etc...  Eso esta muy mal!, que hacer en un caso como este? pues intentar pilotear lo mejor posible, es decir, defender nuestro trabajo dentro de las posibilidades, ahí debería entrar un poco algo de conocimientos de psicología, de persuasión, manipulando el ego del director para que no nos afecte ya que si no funciona la relación, no va a funcionar el trabajo. Me ha pasado de ver directores, que una vez entregado el plano al que le he dedicado horas y semanas me dice el director:  "esto es una puta mierda", (perdón la expresión pero es algo literal...) "esto es una puta mierda no lo quiero" siendo una verdadera eminencia de la animación, con muchas experiencia y recorrido. Muy extrañado le digo: -bueno, que es lo que tengo que cambiar?, no entiendo, por eso lo traigo, es lo mejor que he podido realizar y creí que iba a estar bien, que tengo que hacer? y me quede con la respuesta: Hombre!!!, tu sabrás, tu lo has animado, anda, ve a tu tablet y lo cambias hasta que me guste, no me vengas con historias!...

Tristemente he visto este tipo de correcciones, hechas por un experto, siento que un feedback mejor elaborado que esta sosa respuesta me la hubiera dado, mi madre, mi abuela, mi tío que no entienden absolutamente nada sobre animación, pero tengo que decirles que así fue. En mi caso por ejemplo cuando tengo la oportunidad de dirigir animación y como sé como se vive desde el tablero intento ser constructivo y no hay nada que me satisfaga mas a mi que me den un plano que han hecho a la primera y que hayan acertado perfectamente!, no hay nada que me genere mayor placer como director que aprobar ese plano, y eso habla muy bien de mi porque le he transmitido al animador la idea de lo que el plano necesitaba y por supuesto habla muy bien de él porque el plano es excelente. Yo no necesito corregir ese plano al animador para sentirme bien conmigo mismo diciendo: "bueno esta bien, pero vamos a tener que corregirle...." No y no, para que? voy en detrimento de la producción y por corregir este plano que ya esta bien voy a retrasar el proyecto una semana, cuando muchas veces este animador esta cobrando a producción. Si esta mal por supuesto que si, y haré todo lo que este a mi alcance para ayudar al animador y que ese plano salga adelante. 

Por eso y sin extenderme más, mi consejo es, intentar ser productivo en todo momento, dicen que una de las tareas mas extensas, arduas y demoradas son realizar videojuegos y cortos, y esto lo dicen precisamente por la animación, por encima esta ser astronauta dicen los de pixar, pero siempre lo fantasioso requiere de mucho esfuerzo y tiempo, así que sean disciplinados, constantes y muy humildes, nuestras ideas no tienen porque ser las mejores y eso habla también de nuestro ego, no necesitamos que nuestra idea llegue al final a como de lugar, simplemente que nuestro trabajo transmita lo que se necesita y si el director es bueno nos va a llevar por ese camino y si el director es malo nos va a volver locos, intenten no volverse locos, intenten que no los afecten, sepan que es una consecuencia de una persona dominada desde el ego o el resultado de una persona con baja autoestima e intenten persuadir o manipular la situación muy reflexivamente pero sobretodo a través de su propio talento.  

PD. Esto es totalmente informal intenten divertirse y apasionarse que de esto se trata no solo la profesión sino la vida misma, así que disculpen las expresiones y un saludo a todos. 

Lo que hacen los arcos es que los movimientos se vean muy fluidos, muy natural, no roboticos, con ellos se pueden diferenciar entre una animación orgánica y una robotica porque la animación robotica es muy lineal, no hay arcos básicamente. Debes pensar que todos los movimientos orgánicos producen arcos en sus trayectorias, cualquier mínimo movimiento que yo haga con cualquier parte de mi cuerpo, de mi cadera, hombros, cara, brazos, piernas va a generar en su trayectoria un arco.      

Este principio habla sobre el método de trabajo que tenemos nosotros los animadores, son distintas formas de animar a nuestros personajes que nos van a dar posiblemente un mismo resultado, pero es muy difícil llegar al mismo resultado con estos diferentes modos. 

En el straight ahead la gran ventaja es la fluidez que se consigue al final nuestra animación, pero tiene la desventaja de que no parece haber una planificación clara anterior ya que no vamos pose a pose sino que vamos movimientos tras movimiento intentando llegar a aquello que tenemos en nuestra mente. En cuanto al pose a pose la gran ventaja es que esta muy estructurado, nosotros vemos y analizamos desde el principio las poses claves, las poses que nos van a contar la historia y luego a partir de ahí le intentamos dar fluidez a nuestra animación esa quizás puede ser la gran desventaja del pose to pose, el peligro de que nuestra animación quede muy seguida, muy pose a pose y no se perciba una fluidez en los movimientos. Para terminar tengo que dejar claro que no hay nada incorrecto en los dos métodos, los dos pueden servirte, es una preferencia personal, como ya lo hemos dicho el pose a pose es cuando el animador se centra únicamente en las poses claves de la escena y el timing de cada pose, es básicamente ir de la pose A, a la B, a la C, y no te preocupas por ninguna pose intermedia, esto es útil porque es fácil de controlar, es limpio y consistente.

¿cuando usar el pose a pose? 

Normalmente lo uso en escenas que requieren muchas acciones físicas, por ejemplo, alguien corriendo, parando y dándose la vuelta, en este caso yo pondría keys en las poses de contacto del correr, la frenada, la parada, y el darse la vuelta, así si el director quiere un cambio, supongamos que quiere que el personaje se pare antes, todo lo que tienes que hacer es coger la clave de parada y moverla unos frames antes, si lo hubiera hecho con straight ahead estaría lleno de intermedios y tendría que descubrir la pose clave y limpiar los keys circundantes.

¿cuando usar y que es straight ahead?  

Básicamente el método straight ahead es animar desde la primera pose y vas consiguiendo las ideas a medida que vas avanzando colocando nuevas poses, así que no te preocupas por las poses claves sino que te focalizas en la progresión de las acciones. Los contras de este método es que si tienes que hacer muchas correcciones sera una mala pasada ya que tienes muchas mas poses que en el método pose to pose, así que se te pueden perder varios movimientos. Este método lo uso en mis animaciones cuando el plano tiene notas especificas del director diciendo que experimentando quedara mejor entonces haré straight ahead. 

Ninguno de los pasos que observamos en la calle son iguales, en esto influyen muchísimas cosas, desde las mas elementales como el sexo, peso y edad, como otras más sutiles como la personalidad, contexto, altura, proporciones, etc... Aprender el caminar estándar tiene que ayudarnos luego para aplicar caminares verosímiles, es decir caminares con personalidad ya que lo que estaremos aprendiendo es la mecánica del caminar. El caminar es una de las cosas mas importantes de aprender en animación, no solo porque se aplica la mecánica del movimiento, sino porque es muy habitual de hacer en series de televisión, películas, videojuegos. Sino porque vamos a aprender ahí juntos todos los principios de la animación, arcos, pose,    overlap, timing, linea de acción, exageración, todo esta ahí en un caminar, cada una de las partes del cuerpo se mueven. El caminar es un ejercicio muy completo y aprender a dominarle les dará una base importante sobre la mecánica del cuerpo.  

El timing

Que es el timing? 

El timing es lo que da significado al movimiento, en animación el movimiento no es lo importante, sino como el movimiento expresa una actitud, una emoción o sensación y esto solo puede conseguirse mediante el timing, mediante el ritmo de las acciones. Como lo expresan anteriormente en los vídeos que hemos visto, para mi es importante que pienses en el timing con la música, que es algo que tienes disponible a diario, no es lo mismo escuchar una canción repetitiva o una canción maquina que tenga un ritmo constante (pa pa pa pa pa pa), o una canción un poco mas compleja, con altibajos, con ritmo y variaciones y pausas. El timing es eso, y tienes que aplicarlo al cuerpo, como si fuera una orquesta, cada una de nuestras extremidades y partes del cuerpo va ser un instrumento de la orquesta y va tocar a ritmos distintos. El timing sirve para mostrar aptitudes, emociones y comportamientos. Con ritmos lentos, abra una expresividad determinada a ese movimiento, si me muevo lentamente, donde mi cuerpo parece que pesara mas de lo normal, estaré expresando una actitud, cansancio, enfermedad, obesidad etc... Pero si me muevo ligero, bailando, jovial, estaré demostrando otra actitud, eso es timing. Para entender el timing hay que entender la vida misma, observar como nos movemos, como un viejo se levanta, como una persona obesa camina, como un niño corre, el timing de cada persona sera muy diferente, y no solo a su condición física o su edad, sino también dependerá de su condición o su estado de animo.  

Les comparto este vídeo tutorial que hice con el objetivo de introducirlos al software de animación, en este caso 3DMax, entender como funciona el time line, el editor de curvas y las tangentes de cada key. También haremos nuestro primer ejercicio, una pelota desplazándose aplicando el concepto de poses clave y el principio de slow in - slow out. 

Observen este otro tutorial solo para 3Dmax donde explican otro desplazamiento pero con modificadores, es una manera automática de hacer slow in - slow out pero no es aplicable para personajes, en el caso de una esfera funciona perfecto.  

https://www.youtube.com/watch?v=Jgwh5DD2nKI

En este otro explica como funciona el timeline y los key en 3D max.

https://www.youtube.com/watch?v=Oo_-VWPT__k

https://www.youtube.com/watch?v=Ztci4gJWjd8

El principio de Slow in - Slow out es uno de los principios que siempre están en la animación, siempre están en la vida real, en la parte orgánica de los humanos y la única forma que no están es cuando animamos un robot, o algún dispositivo electrónico que se mueve de manera lineal.

Este principio lo traduciríamos como aceleración y des-aceleración, significa que cada movimiento que empieza tiene una aceleración y todo que termina desacelera, de tal manera que los movimientos no se producen con una aceleración lineal. Cuando un automóvil comienza su marcha es de notar que no va de 0 a 100 en 0 segundos, sino que para llegar a 100km a tenido que ir secuencial-mente acelerar hasta llegar a su máxima velocidad y cuando llega a su máxima velocidad y quiere frenar tampoco lo hace de golpe, sino que desacelera gradualmente hasta detenerse por completo. Imaginen que cada parte de nuestro cuerpo funciona de la misma manera y necesitan de esta aceleración, de esta manera y con este principio vamos a conseguir mayor credibilidad, sensación de fuerza, peso y fluidez en nuestras animaciones.             

El overlap es un principio que nos va a dar elasticidad a nuestros movimientos, y consiste en que cada uno de ellos nos se mueve al mismo tiempo sino de forma separada. Usaremos el overlap para evitar la rigidez de nuestras animaciones, para darle fluidez y realismo. Todo nuestro cuerpo se mueve en overlap, es decir, en sucesión de movimientos uno tras otro, supongamos cuando levantamos la mano, para señalar hacia arriba con los dedos, lo primero que se mueve es la clavícula, seguido el hombro, brazo, antebrazo y por ultimo la mano y los dedos. Debemos aplicar este principio a prácticamente todas las partes de nuestro cuerpo.