Revue de presse théâtre

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello  -  19 mars 2021

Dissection d’une chute de neige de Sara Stridsberg, traduction du suédois de Marianne Ségol-Samoy (éditions de L’Arche), mise en scène de Christophe Rauck.

Les reines régnantes et puissantes ne sont pas si rares en Europe, au-delà des britanniques notoires, ainsi la reine de Suède Christine, dernière représentante de la dynastie des Vasa, qui se fit couronner « roi » en 1650, six ans après avoir pris le pouvoir assumé par le chancelier. 

Toute reine est perçue comme épouse de roi, non détentrice du pouvoir souverain, sinon par délégation et provisoirement. Dans une perspective masculine gouvernée par les préjugés et les fantasmes, elle est figure de débauche, de Cléopâtre à Marguerite de Valois, la « reine Margot ». A l’opposé, froideur et puritanisme, se tient Elizabeth I ère d’Angleterre, « reine vierge » et redoutée.

La pièce de Sara Stridsberg s’inspire de l’histoire de la reine Christine de Suède (1626-1689), enfant du roi Gustave II Adolphe, tué au champ de bataille en 1632. A six ans, elle accède au trône, élevée en garçon, elle gomme la féminité dans ses vêtements et son comportement. Solitaire anticonformiste, elle déroge aux conventions, refusant de se marier ou d’avoir un enfant. Refusant une identité duelle, elle est entière, perçue comme « anormale », selon les normes du corps social et religieux. Diplomate et mécène, passionnée des arts et des lettres, amie de Descartes, elle abdique à vingt-huit ans, en 1654, avant de se convertir au catholicisme et de quitter son pays pour Rome. La nation suédoise plutôt protestante juge qu’elle a trahi son pays.

Et pourtant, en monarque qui rêve de rapprocher la vertu personnelle et la qualité humaine de la fonction royale, elle estime, tel Platon dans la République, qu’« il faudrait pour le bonheur des Etats que les philosophes fussent rois ou que les rois fussent philosophes ». Cette opinion se vérifie dans ces étranges associations entre « despote éclairé » et penseur célèbre, Frédéric II et Voltaire, ou ici, la Fille Roi et le Philosophe, rappel lointain et cocasse de Descartes que la première a fait venir réellement d’Europe et qui s’ennuie dans le froid d’un exil hivernal et neigeux. Habib Dembélé dans le rôle, pantin mécanique et facétieux, singulier et provocateur, est excellent.

Quand il lui demande si elle est homme ou femme, reine ou roi, l’élève dit avoir pris le meilleur des deux sexes. Il répond: « Je comprends. Vous voulez être une anomalie. Bien sûr. Vous voulez être quelque chose qui n’existe pas, mais j’ai peur que ce soit votre perte puisque, par définition, vous ne pouvez pas exister en dehors de… l’existence. Soit vous existez soit vous n’existez pas.. Alors vous allez à l’encontre du monde et de la théorie du monde, de tout ce à quoi nous croyons. » Une remarque d’humour : la maison royale est une anomalie – illusion aveuglant des peuples entiers.

Le titre de la pièce de Sara Stridsberg, Dissection d’une chute de neige pose question; un signe de résistance, pour le clown-philosophe, signifiant « Que tout est possible. Que vous n’avez même pas à accepter la neige qui tombe dehors. Vous devez disséquer chaque idée, chaque chute de neige et la démonter en pensée, la couper en morceaux comme le corps mort sur la civière. »

Une incitation à la réflexion, à la volonté de connaître, de raisonner et de ressentir – la vraie liberté.

Entre Maeterlinck et le théâtre élisabéthain, note Christophe Rauck, artiste inspiré qui quitte la direction du Théâtre du Nord pour celle du Théâtre Nanterre-Amandiers, et dont la création de Dissection d’une chute de neige correspond à son départ de Lille, la prose poétique de Sara Stridsberg se penche sur le pouvoir au féminin, à partir de la figure historique suédoise sulfureuse.

La sexualité, le rapport au pouvoir, la provocation, le féminisme, la question du genre, la solitude existentielle sont les thèmes de prédilection de la Fille-Roi, et ceux de l’auteure Sara Stridsberg.

Atmosphère de conte : « Le temps est éternel, un non-temps. Peut-être le présent, peut-être est-ce un conte ou peut-être un siècle passé, froid et violent. Un royaume en Europe. Les derniers temps de pouvoir d’un souverain avant qu’il ne s’en aille. Fleuves figés, oiseaux qui meurent de froid en plein vol et qui tombent du ciel. Crasse. Maladies. Famine. Sang. Violence. Froid. Non-humains. »

La pièce est une variation à sept personnages sur la Fille Roi, opposée au mariage et à l’enfantement, attirée par la chasse, l’érotisme, les livres, les étoiles, prête à déposer sa couronne.

Dans la neige et sa blancheur glacée, un paysage d’arbres et de brumes, l’esprit vif et décidé, la Fille RoI de belle énergie arpente l’espace de la représentation du pouvoir royal au féminin. Marie-Sophie Ferdane dans le rôle de la figure souveraine est un personnage de conte, romanesque dans un monde imaginaire de fastes, d’héritages merveilleux et d’alliances prestigieuses -, portant une magnifique robe de princesse – costumes de Fanny Brouste – avec grâce et distance amusée.

La scénographie d’Alain Lagarde, inventive et ludique, propose au regard une boîte rectangulaire blanche qui traverse la plateau de jardin à cour, mobile – avancées et reculs – face public, posée de biais ou perpendiculaire, elle contient la blancheur tombée du monde – volume neigeux -, l’espace même du palais de la souveraineté, ses appartements, comme jetés sur la Terre et dans la Nuit.

La neige offre une vision et un imaginaire de sensations, de sentiments, d’images et de rêves inscrits dans le froid et la blancheur. Tombée en flocons, la matière plumeuse danse et tournoie : les mouvements des comédiens s’amusent de ce duvet immaculé et léger – promesse de pureté non souillée, fleurs blanches printanières, clair de lune et nuit, spectacle visuel et silence.

Les « voyages d’hiver » du romantisme allemand – mélancolie, errance, froid, beauté, blancheur nocturne … La neige, représentation de la fragilité des choses du monde, enferme sa propre mort. 

La Fille Roi et son amante Belle, interprétée par Carine Goran, dont elle est amoureuse, et qu’elle oblige à se marier pour se détacher d’un amour coupable, dessinent des scènes intimes de joute verbale et de duel amoureux qui prennent toute leur mesure dans la blancheur de l’espace.

La boîte dans laquelle les deux femmes évoluent souligne même des effets de flocons dans des miniatures de paysages sous verre, sous les lumières de Olivier Oudiou, la vidéo de Pierre Martin et les sons de Xavier Jacquot. Une image poétique splendide entre jeu et facéties. Toutefois, ce fond immaculé, page vierge ou toile d’un tableau, est propice aux taches de couleurs, comme l’exaltation du rouge sang des blessures du Roi Mort, le fantôme du père de la Fille Roi, héros mort à la guerre qui revient sur scène, l’éduque en homme et la soutient de ses conseils. 

Le Maître Roi est un soleil, une figure céleste que le comédien Thierry Bosc interprète en irradiant le plateau de ses apparitions lumineuses, fantôme vivant et tenace, portant ses blessures ensanglantées et la force sourde d’une voix posée de maître. Reconnaissant la grande guerrière en sa Fille Roi qui le dément, il explique : « Vous n’avez pas besoin de savoir pourquoi vous faites la guerre. Si vous tenez absolument à avoir une raison. La belle raison. La grande raison. Chaque état aspire à étendre son territoire. C’est tout à fait naturel. L’instinct du sang, la convoitise de la carte, de la terre, de l’homme, du coeur, du lion, du roi. Les belles lois de la guerre. »

Par contre, la chasse est un passe-temps favori de la Fille Roi. Depuis le Moyen Age, elle est une initiation aux valeurs aristocratiques et leur illustration aux connotations courtoises : « La chasse est le jeu des forts, la lutte de l’homme contre la bête, de l’adresse contre la brutalité. Elle prépare à la guerre. Prouve qui peut son habileté, son courage, sa vigueur, son endurance. » ( René Maran, Batouala, 1921).

La mère de la Fille Roi, Maria Eleonora, chassée par le Pouvoir, défend sa fille qui lui ressemble, incarnée par la détermination et la provocation séditieuse de la comédienne Murielle Colvez : « Elle n’est encore qu’une enfant. Elle a besoin de moi. Je ne crois pas qu’elle soit une guerrière. Je crois qu’elle est autre chose. Je ne sais pas quoi, mais elle est autre chose. Je crois qu’elle est quelque chose qui nous échappe encore. Peut-être le comprendra-t-on dans le futur. »

Il est vrai que le Pouvoir est oppressant, exigeant, rigide, sévère, dictant sans faillir ses volontés et ses exigences, représenté par le comédien Christophe Grégoire au jeu percutant, froid, exsangue.

Un jeune homme, Love, alcoolique, promis au mariage dès son enfance rêve d’épouser la Fille Roi pour régner à ses côtés. Quand il lui parle d’amour, celle-ci lui rétorque : « Vous aurez une armée, une couronne, une fortune. Ça ne vous suffit pas ? » Emmanuel Noblet exprime sa joie d’accéder au pouvoir, en dansant son désir vif de réussite personnelle déguisé en passion amoureuse.

Quand le Philosophe, reprise malicieuse cartésienne, désorienté, comique et loufoque, apprend que son élève a peur de la catastrophe, il lui explique : « Avoir peur de la catastrophe signifie généralement que la catastrophe a déjà eu lieu. Ce que vous redoutez est déjà arrivé. Vous avez déjà abandonné le trône. Une fois cette pensée bien en vous, il est impossible de la chasser. »

La Fille Roi et le Philosophe jouent à l’avant-scène au jeu des Reines, des dynasties royales dont la Fille Roi, à leur seul nom évoqué, doit décliner et faire le récit de leur brève souveraineté. Un délassement royal, un divertissement princier, une frivolité enfantine et un plaisir pour le spectateur. L’actrice aime jouer, court, s’essouffle, éprouve son habileté, se mesure à son petit Philosophe, manifestant une spontanéité et une vitalité scéniques, le signe d’une pulsion ludique.

Christophe Rauck décrit l’héroïne : « Force et paradoxe, elle est fille par moment et Roi par d’autre; femme et amie, éclairée et despote, amante et amant, promise et promesse; elle est à la fois l’amour au masculin avec l’autorité du tyran et l’amour au féminin avec les interrogations que cela pose sur le désir et la passion de l’autre. Elle aime et est aimée d’une jeune femme, elle est promise à un homme qui ne l’aime pas d’amour, et la question ne se pose pas ».

Jouant sur les sexes et les identités, la Fille Roi déplace le problème du pouvoir, et le Philosophe déclame : « Le doute est le commencement de la certitude. Vous, comme tous les autres, êtes condamnés à la liberté. Je suis désolé si cela vous accable. Et pour répondre à votre question : ce que vous faîtes est totalement dénué de sens. Nous nous trouvons à l’intérieur d’une machine qui travaille jour et nuit, indépendamment de nous. En gros, une reine n’est qu’une pierre. »

La mise en scène lumineuse, servie par d’admirables comédiens, est un régal visuel et sonore, une invitation onirique à explorer non seulement l’écriture poétique et philosophique de Sara Stridsberg mais encore le décor enchanté et vivant d’un conte de fées mi-figue mi raisin, entre la neige, la chasse, la guerre, le jeu, l’amour, le pouvoir, la femme et l’homme – valeurs existentielles.

Véronique Hotte

Représentation professionnelle du 16 mars 2021 au Théâtre du Nord à Lille – Centre Dramatique National Lille Tourcoing Hauts-de-France. Tournée : Théâtre de Caen, les 18 et 19 novembre 2021. Théâtre des Amandiers-Nanterre, du 25 novembre au 18 décembre 2021. Dates à venir, Le Quai, Centre Dramatique National d’Angers, Théâtre National Populaire de Villeurbanne, Théâtre de Lorient, Centre Dramatique National.

Par Joëlle Gayot dans Télérama le 19 mars 2021

Dans la capitale des Gaules, la politique culturelle se bâtit pas à pas, quitte à prendre aux institutions phares de quoi aider de petites structures moins nanties. Un rééquilibrage des priorités, porté par l’adjointe à la culture Nathalie Perrin-Gilbert, qui ne fait pas du tout l’affaire de l’Opéra national, dont la subvention se trouve amputée de 500 000 euros.

S’il y a une chose qu’on ne peut pas reprocher à Nathalie Perrin-Gilbert, c’est son absence de cohérence. Peu après sa prise de fonction, la nouvelle déléguée à la culture de Lyon, ville remportée par l’écologiste Grégory Doucet en juin 2020, a annoncé la couleur. « Sur un budget de 115 millions d’euros alloués à la culture, l’enveloppe pour la création n’est que de 1,8 million d’euros. Je veux très vite la monter à 3 puis à 5 millions. Nous allons donc réaffecter une partie des subventions attribuées aux institutions », avait-t-elle déclaré à Télérama en octobre 2020.

Près de six mois plus tard, cette élue de gauche passe à l’acte et ampute l’Opéra national (qui n’a pas démérité) de 500 000 euros, pour rediriger cette somme vers de plus petites structures dont elle souhaite accompagner l’essor. Saluée en juillet 2020 pour avoir activé, en pleine crise du Covid, un fonds d’urgence de 4 millions d’euros pour la culture, Nathalie Perrin-Gilbert se retrouve aujourd’hui sur le banc des accusés : veut-elle la peau d’un art qui fait la fierté de la ville ?

L’actuel directeur de l’Opéra, Serge Dorny (il cédera sa place en septembre 2021 au metteur en scène Richard Brunel) monte au créneau : « Cette coupe budgétaire est le fruit d’une vision politique qui commence à se répandre aujourd’hui avec quelques nuances. Elle oppose institutions, petites structures, associations, et semble préférer, dans le domaine culturel, les circuits courts et le localisme par rapport à l’ouverture et l’universalisme. »

“Culture écolo” et “culture de droite” face à face

Étienne Blanc, chef de file du groupe Droite, centre et indépendants dénonce, pour sa part, une idéologie verte qui veut affaiblir le rayonnement de la ville. L’Opéra payerait, déplorent certains, sa réputation de maison élitiste destinée à un public d’initiés. La guerre des tranchées fait rage, offrant un spectacle « navrant qui oppose d’un côté la culture écolo, c’est-à-dire un sectarisme anti-institutionnel et, de l’autre, la culture de droite qui monte au créneau dès lors qu’on touche à l’Opéra », regrette Luc Hernandez, rédacteur en chef d’Exit, magazine culturel local.

Le face-à-face est tranchant. Or, la décision prise par l’adjointe à la culture semble, à l’en croire, répondre à une gamme infinie de nuances, d’ajustements, d’examens scrupuleux des urgences des uns et des autres. « Mon sujet n’est pas d’avoir un discours anti-institutions. J’ai toujours dit que nous avions besoin de nos grandes maisons, elles doivent être une locomotive de notre projet », avance-t-elle, bien convaincue que 500 000 euros en moins ne menacent en rien l’Opéra.

Second bénéficiaire des subventions municipales (après le réseau des bibliothèques), l’Opéra verra ses aides passer de 18,5 millions à 18 million. Une goutte d’eau ? Pas vraiment, d’après Serge Dorny : « La baisse touche le budget variable disponible pour nos activités artistiques, culturelles et sociales. Pas le budget fixe de fonctionnement (salaires, énergie et fluides, maintenances, etc.). » Effective dès cette année, l’amputation pourrait contraindre le futur directeur, Richard Brunel, à revoir ses ambitions programmatiques à la baisse. « 500 000 euros en moins peuvent obliger à jouer des coudes », confirme Pierre-Yves Lenoir, codirecteur du Théâtre municipal des Célestins, qui néanmoins temporise : « Dans un moment de difficulté tel que celui que nous traversons, sachant que les réserves de l’Opéra sont importantes, il faut savoir relativiser. »

Les Célestins ou l’Auditorium de Lyon doivent leur salut aux 100 000 euros que la ville leur a versés à chacun cet été. Le déficit créé par la perte de recettes fragilisait ces lieux très dépendants de leur billetterie. Forte d’une enveloppe qui constitue 19 % du budget de la ville de Lyon, Nathalie Perrin Gilbert jongle au gré des besoins du terrain et de ses convictions : « Je veux bâtir une proposition culturelle qui soutient la création, encourage l’émergence artistique, favorise la professionnalisation et accompagne certaines disciplines ou esthétiques un peu délaissées ces dernières années. »

Dirigée par le réalisateur Claude Mouriéras, l’école publique de cinéma et d’audiovisuel La CinéFabrique fait partie des “petits” projets soutenus par la Mairie.

CinéFabrique

Le choix du soutien aux structures modestes

À première vue, sa méthode tient du saupoudrage. Quinze mille euros ici, 30 000 euros là, 100 000 euros ailleurs. Mais en réalité, le procédé obéit à une ligne rigoureuse, pensée au cas par cas, et dont bénéficieront de modestes structures censées être, demain, les fers de lance d’un Lyon qu’elle veut revivifier. Le Théâtre des Clochards Célestes, l’École d’art circassien, la Compagnie de marionnettes MA, l’école La Ciné Fabrique, dirigée par le réalisateur  Claude Mouriéras, ou encore la villa Gillet : ces lieux ne sont pas choisis au hasard. Ils portent en eux les aspirations de Nathalie Perrin-Gilbert pour qui la création, si elle s’exerce dans de prestigieuses institutions, a aussi le droit d’exister au sein de niches moins spectaculaires. Vision à courte vue ? Pas si sûr.

Fidèle à ses engagements, l’élue brasse dans un même geste art, social et parité. Lyon a ainsi initié un budget dit « genré ». Budget « sensible au genre », précise-t-elle, comme il doit l’être « aux inégalités sociales ou à l’empreinte carbone ». En clair : la municipalité sera désormais vigilante sur la façon dont ses subventions trouveront leurs résonances concrètes : « Nous serons attentifs au pourcentage d’artistes féminines sur les scènes, à la composition des conseils d’administration et des équipes de direction. »

Un pas après l’autre, la politique culturelle lyonnaise prend tournure, mue par une volonté de démocratisation tous azimuts. Au cœur du 8e arrondissement, l’un des plus pauvres de Lyon, va être construit le futur bâtiment dédié aux Ateliers de la danse, pour lesquels Dominique Hervieu (directrice de la Maison de la danse) a reformulé son projet (initialement prévu au musée d’Histoire naturelle Guimet) : « Les Ateliers, qui seront livrés fin 2023 ou début 2024, vont se situer à 500 mètres de la Maison de la danse. Dans ce quartier réhabilité, il y aura un gymnase, une piscine, une école, un parc. Des fonctions associant l’éducatif, le corporel et l’environnement qui ricochent pleinement avec le travail d’éducation artistique que je mène depuis toujours. Ce changement convient aux enjeux qui me paraissent aujourd’hui importants pour l’art et la création. »

À Lyon, les symboles changent de nature, de carrure et d’allure. Pour un art plus et mieux partagé ? C’est le pari des maîtres d’œuvre écologistes.

Par Sandrine Blanchard et Rémi Barroux dans Le Monde du 18 mars 2021

Des études scientifiques sont en cours, en France, pour prouver l’absence de sur-risque de contamination au Covid-19 dans les salles de spectacle, musées et cinémas.

Les épidémiologistes et virologues seraient-ils les meilleurs alliés du monde de la culture, qui réclame haut et fort la réouverture des musées, cinémas et salles de spectacle ? Alors que tous ces lieux sont interdits au public depuis cent quarante jours (sans compter le premier confinement du printemps 2020), les responsables culturels ne cessent de citer des études scientifiques, qui prouveraient l’absence de sur-risque de contamination au Covid-19, pour étayer leurs revendications. Et des médecins n’hésitent plus à s’associer au débat.

Le 25 mars, c’est avec Eric Caumes, chef du service des maladies infectieuses de l’hôpital de la Pitié-Salpêtrière, à Paris, et l’urgentiste Patrick Pelloux que se tiendra l’« Assemblée des théâtres », au Rond-Point, à Paris, pour réclamer une « réouverture urgente des lieux de culture ». Le 4 mars, c’est avec   l’épidémiologiste Antoine Flahault, professeur de santé publique et directeur de l’Institut de santé globale (université de Genève), que s’est tenue la première table ronde de la mission commune d’information du Sénat, consacrée aux conséquences des mesures de confinement sur les salles de spectacle.

Le 11 mars, Constance Delaugerre, professeure de virologie à hôpital Saint-Louis à Paris, et le psychiatre Serge Hefez ont cosigné dans Libération, au côté de nombreux acteurs du monde culturel, une tribune demandant au gouvernement de soutenir les protocoles validés scientifiquement qui permettent, sans risque supplémentaire, de visiter un musée, d’assister à un spectacle ou à une séance de cinéma.

Et enfin, dans son avis en date du 11 mars, intitulé « Anticiper et différencier les stratégies pour sortir des phases aiguës de l’épidémie », le conseil scientifique, chargé d’« éclairer la décision publique dans la gestion de la crise sanitaire » et présidé par l’immunologue Jean-François Delfraissy, classe les lieux culturels parmi les activités à « risque peu élevé ». « Leur fréquentation n’a pas été associée à un sur-risque d’infection  [lorsqu’ils étaient ouverts en octobre 2020], peut-on lire dans ce document. Une réouverture serait ainsi envisageable, certes avec une extrême surveillance, en attendant la vaccination des personnes à risque, puis de la grande majorité de la population pour sortir enfin de cette crise sanitaire. »

« Impact sur la santé mentale »

L’autorisation de rassemblements reste toutefois très dépendante du niveau de circulation du virus. La remontée des taux d’incidence et l’explosion actuelle des taux d’occupation des lits de réanimation dans certaines régions, dont l’Ile-de-France, complique l’équation.

« Les regroupements ne sont envisageables que dans des situations où l’épidémie est contrôlée », prévient le conseil scientifique, qui a établi un système de gradation des mesures en fonction de la sévérité de l’épidémie. Pour les lieux accueillant du public, ont été pris en compte la densité de population prenant part à l’événement, sa tenue en extérieur ou en intérieur, un public mobile ou statique, le niveau d’émission de gouttelettes par les participants (silencieux, chants ou cris), l’aération de l’espace et « l’éventualité que l’événement génère en marge de sa réalisation des rencontres privées (pot, repas, réunion d’amis) ». Les protocoles sanitaires (masques, distance physique…), les jauges et les réservations obligatoires permettraient, expliquent les scientifiques, de faciliter la tenue de ces événements. « Un certain nombre d’activités restent possibles, notamment en extérieur. Elles pourraient avoir un impact positif considérable sur la santé mentale des populations », ajoute le conseil.

Emma Lavigne, directrice du Palais de Tokyo : « Ce qui est grave, c’est d’associer les lieux culturels à des lieux de contamination »

Début février, Roselyne Bachelot avait expliqué vouloir rouvrir d’abord les musées, puis les cinémas et enfin les salles de spectacle. La ministre de la culture évoque désormais une « réouverture groupée, au cours du deuxième trimestre ». « Je viens de démonter l’exposition “Anticorps”, qui n’aura eu que cinq jours de visibilité, c’est à hurler. J’aimerais savoir si je dois monter une exposition pour avril, interroge Emma Lavigne, directrice du Palais de Tokyo, à Paris. Le seul passe-temps proposé actuellement   est le shopping. Ce qui est grave, c’est d’associer les lieux culturels à des lieux de contamination. »

Bertrand Thamin, président du Syndicat national des théâtres privés, lui aussi, ne décolère pas : « Dire que la culture est plus dangereuse que d’autres secteurs, alors qu’on reste assis, masqué, distancié, ça ne repose sur rien. »

Depuis la mi-janvier, les organisations professionnelles de la culture ont établi, en lien avec la Rue de Valois, des protocoles sanitaires – un temps appelé « modèle résilient » – pour préparer la réouverture. Après deux mois de silence du ministère, de nouvelles réunions ont eu lieu, vendredi 12 mars, avec la directrice de cabinet de Roselyne Bachelot et, c’est une première, son homologue du ministère de la santé.

De cinq stades, le protocole envisagé est désormais passé à trois stades, étalés sur deux mois : jauge à 35 %, jauge à 65 %, jauge à 100 %, toujours avec port de masque. Mais, souligne, Nicolas Dubourg, président du Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles, « on ne sait toujours pas quels seraient les seuils sanitaires permettant de passer d’un stade à l’autre ». Celui des 5 000 contaminations par jour semblant, pour l’heure, inaccessible, faudra-t-il retenir le taux d’hospitalisation ? Et quid du couvre-feu, peu compatible avec des sorties culturelles ?

Concerts tests prévus

« Sur la culture, on assiste à une inversion du principe de la charge de la preuve. On doit prouver qu’il n’y a pas de contamination, alors qu’on n’a guère prouvé qu’il y en avait », s’offusque le professeur Eric Caumes. Et les projets de concerts tests prévus à Marseille, Paris, Montpellier et en Bretagne pourraient apporter davantage d’eau au moulin des acteurs culturels.

« La communauté scientifique s’est sentie très investie dans l’idée qu’il fallait aider le secteur culturel », constate le professeur Pierre Tattevin, infectiologue et chef du service des maladies infectieuses au CHU de Rennes, qui travaille au protocole du concert test avec le festival No Logo BZH, près de Saint-Malo (Ille-et-Vilaine). « Face aux grandes difficultés des acteurs culturels, on a eu envie de les aider », témoigne le docteur Marie-Christine Picot. Cette épidémiologiste au CHU de Montpellier supervise les deux concerts tests prévus en avril au Secret Place, un club de rock de trois cents places près de la ville héraultaise.

Pour l’heure, toutes les études mises en avant par le monde culturel, dont ComCor de l’Institut Pasteur, ne documentent pas assez la surcontamination éventuelle dans ces lieux. « Nous n’avons la preuve de rien. Si on était sûr, on ne réaliserait pas le travail de recherche avec nos concerts tests, concède le professeur Tattevin. Même si tout le monde est assez persuadé de l’absence de sur-risque, ce n’est pas assez documenté. »

Selon une étude, le risque de contamination serait deux fois moins important dans les salles de concert que dans un supermarché, et trois fois moins que dans des bureaux en open space

Idem pour l’étude publiée le 15 février, réalisée par l’Institut Hermann-Rietschel de Berlin, qui porte plus spécifiquement sur le risque de contamination par aérosol, soit les microgouttelettes dans l’air, dans les lieux publics. Il y serait deux fois moins important dans les salles de concert que dans un supermarché, et trois fois moins que dans des bureaux en open space. Le 12 janvier, c’était l’Institut Fraunhofer Heinrich-Hertz qui publiait une étude sur la dispersion spatiale des aérosols et du CO2 dans les salles de concert. Elle montre que, correctement ventilées, elles ne sont pas des lieux de transmission plus importante du virus.

Mais ces études n’établissent pas de réelles comparaisons randomisées. « En réalité, on ne dispose pas de grand-chose en termes de données scientifiques. On a besoin d’études avec des chiffres qui permettent de prendre des décisions massives, de documenter pour estimer les risques réels », assure le professeur Xavier de Lamballerie. Virologue à Marseille et directeur d’unité à l’Inserm, il travaille sur la préparation des deux concerts tests au Dôme, avec, à chaque fois, 1 000 spectateurs et un groupe test n’y allant pas de 1 000 personnes : « On veut un risque mesuré, sans hospitalisation à la clé, ce qui pose aussi la question de l’âge pour ces expérimentations. Il y aura un “tracing” et un suivi médical pendant un mois après le concert, le maître-mot, c’est la sécurité. »

En salle ou en plein air

Pendant ce temps, Roselyne Bachelot ne cesse de répéter que les festivals auront lieu au printemps et en été avec un protocole adapté : soit, au maximum, 5 000 spectateurs, tous assis, que ce soit en plein air ou dans une salle.

Mais pourquoi ne pas différencier les situations en extérieur et en intérieur ? « Le plein air devrait être promu, a insisté, devant les sénateurs, le professeur Flahault. Si on a un masque, il n’y a pas de raison d’imposer d’être assis en extérieur. » Le professeur Eric Caumes distingue, lui aussi, clairement deux scénarios : l’extérieur, qui présente un risque quasi nul, et l’intérieur, avec un risque variable selon la situation, sport, musique… « Mais, explique-t-il au Monde, pour l’instant, en région parisienne, l’indoor est inenvisageable, et l’outdoor devient de moins en moins défendable au vu de la situation, avec des services de réanimation pleins. »

Nombreux sont les scientifiques à partager la conviction que rien ne justifie le maintien de la fermeture des musées et des cinémas

Quid d’une approche territorialisée des réouvertures, en fonction de la situation sanitaire ? « Le baromètre ne peut pas être seulement Paris, Paris, Paris, s’agace Nicolas Dubourg. Les théâtres publics dans les régions peu touchées par le virus ne peuvent même pas accueillir les scolaires. C’est absurde ! » Si une territorialisation semble quasi impossible pour les professionnels du cinéma qui raisonnent en « sortie nationale » de films, elle paraît tout à fait envisageable pour les musées et les monuments.

D’ailleurs, nombreux sont les scientifiques à partager la conviction que rien ne justifie le maintien de la fermeture des musées et des cinémas. « Les expérimentations vont permettre de préciser les données scientifiques pour les concerts. En revanche, pour les cinémas et les musées, elles ne sont pas nécessaires, rien n’interdit leur réouverture, plaide aussi Dominique Costagliola, épidémiologiste et directrice de recherche à l’Inserm. Mais je ne vais pas dire qu’il faut le faire maintenant alors que la situation sanitaire est en train de s’aggraver en Ile-de-France. »

Illustration : BORIS SÉMÉNIAKO

Publié sur le site d'Artcena le 15 mars 2021

NOMINATION
À compter du 1er juillet, le metteur en scène et fondateur de la Compagnie Réseau lilas dirigera pour la première fois un Centre dramatique national, avec la volonté d’en faire un lieu accessible à tous les habitants du territoire. 

Depuis plusieurs années déjà, Cédric Gourmelon se préparait à prendre les commandes d’un Centre dramatique national. Non par ambition personnelle, mais avec l’envie de se placer au service d’autres artistes, notamment émergents. « Je considérais le CDN comme un outil afin de continuer à développer mon travail de metteur en scène, transmettre mon expérience à de jeunes talents et surtout accompagner leurs productions », explique-t-il. Après avoir postulé sans succès l’an passé au Théâtre de la Manufacture-CDN Nancy-Lorraine, Cédric Gourmelon se réjouit à l’idée de retrouver la ville de son enfance et plus encore de pouvoir défendre sur un territoire (celui de la Communauté d’Agglomération) essentiellement rural les valeurs de la décentralisation théâtrale auxquelles il reste profondément attaché.

Secondé par sa fidèle complice au sein de la Compagnie Réseau lilas, Morgann Cantin-Kermarrec, le nouveau directeur s’est fixé pour priorité de renforcer le Pôle Production de la Comédie de Béthune et par là même « le rayonnement du CDN sur le plan national ». Les premiers destinataires de cet accompagnement en production seront les quatre artistes associés qu’il a appelés à ses côtés : Pauline Bayle, Louise Vignaud, Tommy Milliot et le jeune auteur et metteur en scène Thomas Piasecki dont la compagnie est établie dans la commune proche de Bruay-la-Buissière. Un choix qui éclaire la ligne artistique définie par Cédric Gourmelon : résolument théâtrale, centrée sur un théâtre de textes (dont les classiques du répertoire) et un théâtre de fiction parfois à la lisière du documentaire ou de la performance. « Ces artistes possèdent en commun d’être de grands directeurs d’acteurs, qui portent une attention particulière à la façon de faire entendre les textes », précise-t-il. Ils seront rejoints par trois metteurs en scène « compagnons » – Jean-François Sivadier, Tiphaine Raffier et Baptiste Amann – que Cédric Gourmelon estime essentiel de faire découvrir au public.

Le deuxième volet de son projet concerne le soutien aux compagnies régionales émergentes, dans une double optique : favoriser l’implantation d’équipes artistiques (souvent davantage attirées par des métropoles) sur le territoire et leur permettre d’intégrer par la suite le réseau national. Grâce à la mise en place d’un dispositif d’incubateur, une compagnie bénéficiera d’un accompagnement adapté (aide à la structuration, coproduction, production déléguée…), gage de sa future autonomie. Parallèlement, de nombreuses autres seront accueillies en résidence.

Enfin, le directeur de la Comédie de Béthune souhaite favoriser une présence artistique continue sur le territoire. « Le Pas-de-Calais est un département très peuplé, mais qui compte des zones dépourvues de lieux culturels. L’une des missions du CDN sera donc d’être tête de réseau pour dynamiser l’ensemble de l’Agglomération et du Département », souligne Cédric Gourmelon, qui s’appuiera sur les artistes associés, les compagnons et les compagnies émergentes (lesquelles pourront ainsi côtoyer leurs aînés dans des projets communs) pour programmer des formes en itinérance. Lui-même proposera prochainement un seul en scène autour de textes de Léo Ferré. Par ailleurs, en partenariat avec nombre de communes du territoire, des résidences longues (plusieurs mois) seront organisées dans des équipements municipaux, mais aussi des écoles, des hôpitaux, des EHPAD... Une formidable opportunité de tisser des liens avec les habitants, via des ateliers de pratique artistique, des spectacles participatifs, des collectes de témoignages ou encore des productions mêlant artistes professionnels et amateurs. Cédric Gourmelon n’exclut pas non plus la possibilité de créer des spectacles en décentralisation avant de les reprendre sur les scènes du Centre dramatique national.  

C’est donc un théâtre ouvert à la rencontre avec tous les publics, populaire et artistiquement exigeant, que le nouveau directeur de la Comédie de Béthune entend promouvoir durant son mandat. Cet ambitieux programme  devra néanmoins composer avec un avenir très incertain. Cédric Gourmelon en est parfaitement conscient, partagé entre le désir d’« apporter un maximum d’espoir » et « la nécessité de faire preuve de réalisme, de responsabilité et de solidarité », au premier chef à l’égard des artistes.  

Par Laurent Vermorel dans le Midi Libre  Publié le 18/03/2021 à 13:00 , mis à jour à 15:12

Les nouvelles sont rassurantes concernant Alain Françon, homme de théâtre en résidence à l’École supérieure d’art dramatique de Montpellier, attaqué à l’arme blanche, ce mercredi 17 mars, vers 10 h 45 dans l’Écusson. Quant à l'enquête, diligentée par les policiers du SRPJ de Montpellier, elle se poursuit pour tenter d'identifier l'auteur des faits, qui a pris la fuite.

Qui a agressé l'homme de théâtre Alain Françon, ce mercredi 17 mars, aux alentours de 10 h 45 dans les rues de Montpellier ? Vingt-quatre heures après les faits, la question reste en suspens. L'enquête, diligentée dans un premier temps par les policiers de la Sûreté départementale de l'Hérault et prise en charge, ce midi, par leurs homologues du SRPJ de Montpellier saisis par le procureur de la République, n'a, pour l'heure, par permis d'identifier l'auteur, qui a pris la fuite.

Blessure à l'arme blanche confirmée

En revanche, ce que les enquêteurs ont confirmé, c'est que la blessure a bien été occasionnée par une arme blanche, sans connaître avec précision la nature de l'arme (couteau, cutter...).

Selon les premières investigations, le metteur en scène, âgé de 76 ans, accueilli depuis la mi-février à l'Ecole nationale supérieure d'art dramatique, a été agressé dans le secteur de la rue de l'Ancien-Courrier, alors qu'il allait retrouver ses étudiants de la promotion 2022 avec lesquels il travaille actuellement sur "Toujours la tempête" de Peter Handke.

Une entaille profonde s’ouvrant en diagonale depuis l’oreille entaillée jusqu’à la trachée

C'est là qu'il a été aperçu par une jeune femme, marchant, groggy et tout ensanglanté, en se tenant la gorge. Plusieurs commerçants ont alors prêté main-forte en attendant les secours. Selon plusieurs témoins, il présentait "une entaille profonde s’ouvrant en diagonale depuis l’oreille entaillée jusqu’à la trachée".  Au vu de la gravité de sa blessure, il a été évacué aux urgences de Lapeyronie où il a été opéré avec succès.

Toujours sous surveillance

Aujourd'hui, ses jours ne sont plus en danger, sous réserve bien entendu de complications post-opératoire. Il reste d'ailleurs sous surveillance, le médecin lui ayant délivré une incapacité totale de travail (ITT) de 21 jours !

Une agression qui a été condamnée par Michaël Delafosse ce mercredi soir. "Je condamne avec fermeté cet acte de violence gratuit et lâche et souhaite que son agresseur soit le plus rapidement possible appréhendé", a posté sur sa page Facebook le maire de Montpellier. Avant d'adresser "un message de pleine et entière solidarité au metteur en scène Alain Françon".

Par France Bleu Hérault - franceinfo   Publié le 17/03/2021 15:50 Mis à jour à17h50

Selon les premiers éléments de l’enquête, Alain Françon a parcouru à pied près de 300 mètres, en sang, depuis l’hôtel où il résidait.


Le metteur en scène de théâtre Alain Françon a été agressé à l’arme blanche mercredi 17 mars, en cours de matinée à Montpellier (Hérault), ont appris franceinfo et France Bleu Hérault de sources concordantes. Blessé à la gorge, il a été transporté à l’hôpital dans un état grave et placé en réanimation. Son état n'inspirait plus d'inquiétude mercredi soir.

L’agression a eu lieu en plein centre-ville, près de l’église Saint-Roch, vers 11h30. Alain Françon s’est écroulé devant une boutique. La gérante est intervenue et a découvert le metteur en scène en sang, toujours conscient, son écharpe serrée autour du cou comme pour juguler la profonde plaie. Ce dernier a perdu connaissance peu de temps après.

"Il ne semblait pas se rendre compte de sa blessure"
Selon les premiers éléments de l’enquête, avant de finir sa route devant ce magasin, Alain Françon a parcouru à pied près de 300 mètres en sang depuis l’hôtel où il résidait. Selon une source policière, il perdait tellement de sang que les enquêteurs sont remontés à son hôtel en suivant les traces de sang au sol. Plusieurs témoins affirment avoir vu le metteur en scène marcher, ensanglanté. "Il ne semblait pas se rendre compte de sa blessure", explique un policier à franceinfo. Depuis, la police technique et scientifique effectue des prélèvements dans le quartier. Les enquêteurs interrogent le personnel de l’hôtel où séjournait la victime. À ce stade, la piste terroriste est écartée.

Avant le premier confinement, Alain Françon était à l’affiche du théâtre de la Porte Saint-Martin à Paris. Il dirigeait les acteurs Catherine Hiegel, Noémie Lvovsky et André Marcon dans une pièce de l’écrivain autrichien Thomas Bernhard, qui fait resurgir les démons du nazisme : Avant la retraite. Cette pièce événement n'a pu se jouer que quelques jours en raison de l'épidémie de Covid-19.

Alain Françon, âgé de 76 ans, a notamment dirigé le Centre dramatique national de Lyon, puis celui de Savoie, au début des années 90, avant de devenir directeur du théâtre national de la Colline, à Paris, entre 1996 et 2010. Il a obtenu deux Molières de la mise en scène en 1995 (pour Pièces de guerre, d'Edward Bond) et en 2010 (pour La Cerisaie, d'Anton Tchekhov). Il donnait depuis la mi-février des cours à l'École nationale supérieure d'art dramatique de Montpellier.

Légende photo : 
Alain Françon, lors de la remise du Molière du meilleur metteur en scène de théâtre privé, le 23 mai 2016. (PATRICK KOVARIK / AFP)

 Par Fabienne Arvers  dans Les Inrocks - 15 mars 2021

Alors que l’effet boule de neige de l’occupation des théâtres à Paris et partout en France prend de l’ampleur, Nicolas Dubourg, président du Syndeac (Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles) et directeur du théâtre La Vignette de l’université de Montpellier, réagit aux nouvelles mesures annoncées par le gouvernement le 11 mars pour soutenir la culture. Il appelle en outre à une mobilisation le week-end du 20 mars.

Avez-vous participé à la rencontre du 11 mars avec les organisations syndicales du secteur culturel, le Premier ministre Jean Castex et la ministre de la Culture, Roselyne Bachelot ?

Nicolas Dubourg - Comme je n’y étais pas convié, j’ai écrit à la conseillère de Jean Castex, Florence Philbert, afin de faire part de mon étonnement. Elle m’a répondu que cette rencontre ne concernait que les syndicats de salariés. Or, on avait déjà eu deux rendez-vous avec le Premier ministre à Matignon, en tant que représentants de lieux, et, à l’époque, les syndicats de salariés n’avaient pas été conviés et s’en étaient émus. La réponse avait alors consisté à leur dire : on parle de la question de la réouverture, des protocoles, de l’équilibre financier des maisons. En gros, ça ne vous regarde pas. De fait, aucun de ces points-là n’a été abordé le 11 mars. Les seules questions du jour étaient plutôt relatives à l’emploi, même si l’annonce sur les 20 millions d’euros d’aides supplémentaires pour la culture va aussi concerner des équipes artistiques, c’est-à-dire des entreprises… qui n’étaient pas conviées. 50 % des adhérents du Syndeac sont des équipes artistiques et sont concernés par cette annonce. Leur technique, c’est toujours de nous réunir à des moments différents pour nous dire la même chose.

Par contre, le 12 mars, j’ai eu une réunion avec Sophie-Justine Lieber (la directrice de cabinet de Roselyne Bachelot), Hélène Amblès (sa conseillère en charge de la création, du spectacle vivant et des festivals), ainsi que Marie Francolin (la directrice adjointe de cabinet, en charge du Covid-19 auprès du ministre de la santéà, ce qui était une première. Sophie-Justine Lieber nous a annoncé que le travail en interministériel s’accélérait actuellement  pour essayer d’aboutir à un protocole simplifié. En janvier, le ministère avait parlé d’un protocole en cinq étapes : d’abord la phase zéro, soit la phase actuelle, où les théâtres ne sont ouverts qu’aux professionnels. La phase 1 est l’ouverture aux scolaires, la phase 2, 25 % de jauge ouverte au public, la phase 3, 50 %, la phase 4, 75 % et la phase 5, 100 %. A présent, on nous parle de trois étapes qui s’échelonneront à trois ou quatre semaines d’intervalle pour passer de 33 % à 75 %, puis à 100 % de remplissage des salles de spectacle.

Mais quand on demande une date pour passer le premier cap, on n’a aucune réponse. Quid du couvre-feu à 18 heures ? Quid de la différenciation territoriale ? Ce n’est pas non plus la même chose si vous êtes dans le secteur privé ou public, on n’a pas le même rapport au remplissage des salles. S’agissant du secteur public, on a donc redit qu’on était prêts à ouvrir à condition d’avoir des aides, mais qu’il nous semblait fondamental de rouvrir les théâtres. On a juste eu confirmation que les festivals de l’été auront lieu. Ce à quoi on a répondu que, dans ce cas, leur protocole doit s’enclencher au moins six semaines en amont. Ils nous disent y travailler en nous rappelant que la situation sanitaire est loin d’être positive, surtout en Ile-de-France.

Comment réagissez-vous à la déclaration de Roselyne Bachelot qui juge l’occupation des théâtres “inutile” et “ dangereuse” ?

La posture de ce gouvernement est très étonnante. Jusqu’au 19 janvier, on était plutôt satisfaits du dialogue, dans la mesure où il y avait régulièrement des réunions au cours desquelles on posait les sujets sur la table et, une fois l’analyse partagée, des réponses étaient apportées. Pas toujours satisfaisantes, mais il y avait la fameuse clause de revoyure qui nous permettait d’espérer que, face à une mauvaise analyse, il y aurait un jour une bonne réponse. Le 19 janvier, après l’annonce du protocole en cinq points sur la question de la réouverture, on est rentré dans la phase : plus d’image, plus de son, et ce pendant quasiment deux mois. C’est proprement hallucinant. Avec d’autres syndicats, on a interpellé le gouvernement le 17 février avec une déclaration pour la réouverture de tous les établissements culturels recevant du public, signée par l’Association des régions de France, tous les présidents de régions, les maires et présidents des métropoles des plus grandes villes de France, en demandant au gouvernement de mettre en place ce protocole. On n’a eu aucune réponse. Le 4 mars, à la suite de cette manifestation à laquelle nous étions associés, la CGT a décidé de mettre en place sa modalité d’action : l’occupation de théâtres.

C’était une surprise pour vous ?

On n’était pas du tout informés. Mais lorsque la ministre de la Culture s’offusque aujourd’hui de l’occupation des théâtres, ce qui m’étonne surtout, c’est qu’elle ne l’ait pas anticipé. C’est ça qui est fou. Le nombre de courriers qu’on a envoyés à ce gouvernement et qui sont restés lettres mortes… On ne peut pas laisser dans un état d’ignorance absolu le seul secteur fermé depuis quasiment un an. Ils ne se permettraient jamais ça avec le secteur aéronautique ou avec l’industrie. Comment peuvent-ils nous mépriser à ce point-là ? Roselyne Bachelot a beau jeu de trouver la réponse du corps social trop forte. En tant que pharmacienne et ancienne ministre de la santé, elle sait très bien que quand le stimulus est puissant, la réponse du patient est forte. A moins qu’il ne soit totalement mort, le fait qu’il y ait une réponse immunitaire est plutôt bon signe….

Nous, on propose autre chose : le week-end du 20 mars, on appelle à organiser des assemblées générales où seront conviés des élus, des responsables de lieux, des intermittents, des artistes et le public. L'idée est de venir débattre, échanger sur la situation du secteur. On va inscrire sur toutes les devantures des théâtres une citation que Roselyne Bachelot avait volée à Pablo Neruda : “Le printemps est inexorable”, en dessous de laquelle on va écrire : “Feu vert pour la culture”, en français mais aussi en anglais (“#greenlightforculture”), car c’est un mouvement européen et cette problématique de fermeture des lieux de culture nous est commune. Elle témoigne du fait que la puissance publique se désengage massivement de la politique culturelle. Notre revendication traverse l’Europe et est porteuse d’une vision politique.

Comment considérez-vous cette occupation des théâtres ?

On est un syndicat d'employeurs et notre métier, c’est de faire fonctionner des théâtres. Nous les occupons donc par notre activité en permanence et ce sur quoi on se bat en ce moment, c’est précisément de pouvoir les réinvestir pour y travailler et y accueillir du public. Historiquement, la question de l’occupation consiste à bloquer l’activité. La CGT parle d’occupation mais je pense que le terme est mal choisi dans la mesure où la CGT et les intermittents se battent aujourd’hui pour faire fonctionner leur outil de travail, et non pas pour le bloquer. Notre position, c’est de nous battre pour la réouverture des théâtres et les modalités d’action que nous mettons en place ne sont pas là pour empêcher le travail, bien au contraire, mais pour pouvoir accueillir du public le plus rapidement possible dans nos établissements.

Qu’en est-il de la prolongation de l’année blanche demandée pour les intermittents ? Quelles sont vos préconisations ?

Il n’y a pas encore d’annonce puisqu’un rapport est attendu pour la fin du mois de mars. Le Syndeac a mis en place un outil de travail pour faire des propositions très concrètes, que nous finalisons ces jours-ci. Ce rapport doit faire une évaluation de la situation parce que l’année blanche est un système un peu aveugle. Cela s’adresse à tout le monde, quelle que soit la situation du salarié intermittent. Or, au bout d’un an, on a observé de grandes disparités avec des intermittents dont la rémunération s’est effondrée, littéralement. Certains vont avoir fait leurs heures, mais là où ils avaient d’habitude un cachet moyen à 200 euros, ils vont toucher le minimum syndical à 120 euros. Cela veut dire qu’au moment où ils vont calculer leurs indemnités journalières, non seulement ils auront perdu beaucoup de revenus cette année, mais ils auront en plus une perte de revenus sur l’année qui suit. On souhaite que cette perte de revenus soit compensée et maîtrisée par l’intermittent lui-même au lieu que lui soit imposé un système aveugle qui ne lui permet pas, in fine, de rester dans le secteur. L’année blanche, c’était simple à expliquer, mais là, c’est plus complexe et on sera en mesure de faire des annonces par rapport à nos propositions d’ici une ou deux semaines.

>> A lire aussi : Samuel Churin : “Nous occuperons tous les théâtres de France”

Sait-on comment vont être utilisés les 20 millions d’euros supplémentaires annoncés le 11 mars par rapport au plan de relance initial ?

Ils vont servir en priorité aux équipes artistiques, notamment pour soutenir l’entrée dans la profession des jeunes compagnies. Il s'agit d'une revendication que l'on porte depuis le début : les dispositifs de relance doivent permettre de financer de l’emploi artistique ou technique. A travers le maintien des subventions, on maintient l’équilibre financier des structures, mais le plan de relance, lui, doit permettre de financer l’emploi. Quand la ministre avait annoncé en août dernier le plan de relance – les fameux 400 millions sur les deux milliards d’euros pour la culture -, elle avait indiqué qu’il était soumis à deux choses : d’une part, qu’il était évolutif et qu’on se reverrait si la crise durait. Cette annonce est donc justifiée et il devra sans doute y en avoir d’autres - c’est comme une clause de revoyure. D’autre part, elle avait annoncé que la manière de dépenser l’argent serait souple en fonction des problèmes à régler. Aujourd’hui, on a une connaissance assez partielle de la manière dont cette crise impacte les entreprises, les lieux, les compagnies. Nous demandons donc qu’à travers le mécanisme de la démocratie sociale et de la négociation avec les partenaires, on puisse régulièrement faire des points de suivi pour modifier ou pas les dispositifs mis en œuvre. Il est important de pouvoir faire évoluer la réponse à la problématique. Pour nous, cette annonce de 20 millions d’euros, c’est une manière de vérifier que l’engagement à ce fameux “quoi qu’il en coûte” perdure, dans le sens où l’on est le secteur le plus impacté par cette crise.

Par ailleurs, on ne parle que de l’Etat, mais je peux vous dire que dans les régions et dans les villes, le maintien des subventions en 2021 n’est pas encore acquis. S’il commence à y avoir des désengagements de ce côté-là, cela va se faire d’une manière beaucoup plus silencieuse et avec des conséquences bien plus graves. Aujourd’hui, si vous prenez le bloc communal, les départements et les régions, elles financent la culture beaucoup plus que l’Etat. Vous pouvez très bien avoir un désengagement financier de la puissance publique qui passe inaperçu parce qu’il est porté par des acteurs qui sont fractionnés et politiquement invisibles. Alors, si les 20 millions qu’on nous annonce d’un côté, on les perd de l’autre, c’est fini.

Comment voyez-vous arriver la saison des festivals ?

Pourquoi insister à ce point sur la réouverture des théâtres ? Parce que l'on est un secteur particulier. Il va y avoir des problématiques très concrètes de disponibilité des plateaux, d’abord pour répéter, puis pour jouer. Les répétitions qui ont lieu en ce moment étaient soit déjà prévues, soit se sont rajoutées sans être corrélées à un calendrier de diffusion. On a besoin d’un calendrier pour réorganiser nos plannings de répétition de manière à être prêts le jour J.

Deuxième point : les équipes. Elles sont laminées par la crise et elles appréhendent une reprise sur les chapeaux de roues. On souhaite une reprise progressive de l’activité. On a besoin de se réentraîner, les publics ont besoin de revenir. L’histoire des festivals est importante parce qu’elle nous permet de nous dire : si les festivals reprennent cet été, on demande que quatre semaines avant, les théâtres aient rouvert de manière à tester les choses, qu’on puisse reprendre les réflexes. On parle bien sûr d’une réouverture avec progressivité. 

Propos recueillis par Fabienne Arvers

Légende photo : 

Etat des occupations en date du 15 mars 2021

L'occupation du théâtre de l’Odéon, un combat d'artistes "pour faire converger les luttes"

article de France 24

-------------------------

Message de Stéphane Braunschweig, directeur de l'Odéon-Théâtre de l'Europe  (15 mars 2021) :

Par Marie Sorbier sur le site de son émission "Affaire en cours" sur France Culture - 15 mars 2021

Affaire en cours poursuit son tour d'horizon des institutions culturelles fermées au public mais toujours actives avec Edouard Chapot, co-directeur du Théâtre 14 à Paris.

Ecouter l'entretien avec Edouard Chapot (8 mn)

La salle du Théâtre 14, à Paris.• Crédits : Carole Sertillanges

Avignon 2007 - Quartett écrit en 1981 est un palimpseste des Liaisons dangereuses de Choderlos de Laclos. La marquise de Merteuil et le vicomte de Valmont, couple de libertins maléfiques, déploient les artifices d'un jeu dont la visée est de détruire la civilisation en usant des moyens offerts par celle-ci

Ecouter "Quartett" enregistré par Sami Frey et Jeanne Moreau (58 mn)

.

Par Olivier Frégaville - Gratian d'Amore dans l'Oeil d'Olivier  10 mars 2021

Dans un TNS pas encore occupé par les élèves de l’École d’art dramatique, Stanislas Nordey et son interprète Cécile Brune répètent, salle Gignoux, Au Bord, un texte intime et politique de Claudine Galea. Insufflant la vie aux maux de l’autrice, les deux artistes sondent les profondeurs de l’âme humaine, sa capacité à évoquer l’indicible, sa résilience introspective. Un travail d’orfèvre en cours. 

En ce début de mois mars où la France est toujours sous couvre-feu dès 18 heures, le pâle soleil d’hiver semble indécent. Ses rayons réchauffent les cœurs, les visages. Devant le TNS, quelques élèves de l’École traînent sur les marches, profitent de ces premiers beaux jours. Démarche décidée, pas assurés, Céline Brune, en grande discussion avec Stanislas Nordey et Claire Ingrid Cottanceau, traverse le parvis, entre dans le bâtiment et file vers les coulisses pour se changer et se préparer à monter sur scène. Bien que reporté à la fin juin en raison des restrictions sanitaire, le spectacle se prépare doucement, sûrement.

Par Marie Sorbier dans AOC -11 mars 2021

Les projets contrariés naissent parfois des épiphanies. Le 16 janvier dernier, après un an de rêves avortés et d’incertitudes, Boris Charmatz présentait enfin sa Ronde dans un Grand Palais vide, totalement offert aux caméras et au ciel. Du lever du soleil rose flamboyant aux flocons de neige qui voilèrent quelques instants la verrière, l’espace tout entier semblait coïncider pour faire de ce moment unique un événement bien au-delà du cercle des aficionados de danse contemporaine. La représentation n’a lieu qu’une seule fois ; une boucle de vingt et un duos pour un peu plus de trois heures de spectacle répétés quatre fois, soit douze heures ininterrompues de l’aube à la nuit.

publicité

Peu importe alors la démesure des premières idées abandonnées, peu importe les compromis, les difficultés de répétitions, le chorégraphe parvient à créer un spectacle-monde, une chaîne contagieuse où les corps, humbles, se frayent un passage dans l’immensité de la nef.

Un documentaire, « Boris Charmatz face au Grand Palais », sera diffusé en parallèle du spectacle pour raconter cet accouchement à rebondissement, mais en se voulant très didactique, il déflore un peu vite l’essence de ce qui advient au final. L’œuvre se suffit et ne nécessite pas d’exégèse tant elle sait s’exprimer avec force, humour et émotion par elle-même. Là se niche le coup de maître du chorégraphe, parvenir avec une forme exigeante à magnifier tous les corps en scène par la diversité des expressions et leurs confrontations à un environnement hors norme. Ce vaisseau déserté que le regard ne peut appréhender pleinement ressemble étrangement, en ce jour glacial de janvier, à cette chape invisible qui nous retient reclus depuis un an. On se sent dépassé, incapable d’en mesurer l’ampleur.

L’ouverture, très intimiste, donne le ton : herses est l’un des premiers spectacles de Charmatz, qu’il danse ici avec Johanna Elisa Lemke, un des plus intimes et crus aussi. Deux corps nus qui luttent autant qu’ils s’étreignent, l’un servant toujours de sol à l’autre. On s’écrase, on prend le dessus et on se retrouve à plat, sur ce béton gelé.

À l’autre bout de la boucle, le boléro 2 de la chorégraphe Odile Duboc et de sa complice Françoise Michel résonne comme une réponse, ce dernier duo, tout en douceur se laisse envelopper par la musique de Ravel sans être submergé. Boris Charmatz et Emmanuelle Huynh, debout, imposant leur rythme non pas contre mais par-delà la puissance entrainante du Boléro, les âmes ont repris possession de leurs peaux. On notera la dentelle de ce montage chorégraphique, chaque transition étant pensée pour surprendre et faire sens, l’une arrivant en courant, l’autre dévalant l’escalier, Salia Sanou en chantant et Djino Alolo Sabin, pieds nus, la tête enrubannée dans un jean.

Les gestes précis qui s’amplifient dessinent des reliefs géométriques qui entrent en écho avec l’architecture de l’écrin, béton et Art nouveau, le frisson se propage.

Le spectateur le comprend vite, il ne s’agira pas d’occuper l’espace mais d’imposer délicatement des corps à corps, des rencontres, des ruptures, des dialogues entre les arts, entre les danses, d’humains à humains. L’érection du Grand Palais en 1900 correspond à la publication du roman sulfureux La Ronde d’Arthur Schnitzler, qui servira de fil dramaturgique. Le principe de ces duos emboîtés, l’un reste et l’autre s’en va, établit un pacte avec le spectateur, à la fois rassuré par le systématisme et avide de connaître le prochain artiste à entrer dans la danse.

Car Boris Charmatz a réuni une distribution à faire pâlir d’envie n’importe quel grand festival au monde : danses contemporaine, classique, urbaine, théâtre, chant, musique s’entrechoquent, entre reprises de morceaux du répertoire et créations. Ainsi, le danseur et chanteur François Chaignaud en arlequin à pointes partage la lumière avec le trompettiste Médéric Collignon, les danseurs de l’Opéra de Paris croisent les acteurs en situation de handicap de la Compagnie de l’Oiseau-Mouche et Marlène Saldana et Johan Leysen prennent la parole pour interpréter un extrait du roman de Schnitzler où le désir contamine les esprits.

Et puis un frémissement, elle arrive majestueuse et austère, son aura la précède et la poursuivra tant elle a donné à la danse contemporaine des paysages à explorer. Anne Teresa de Keersmaeker, chorégraphe flamande associée dans les mémoires à la musique de Steve Reich comme à celle de Bach, les premières notes de piano pour le légendaire Fase, le violon qui s’emballe pour cette relecture de Partita 2 et nous voilà happés par la rigueur de cette grammaire chorégraphique qui hypnotise autant qu’elle offre matière à gloser. Les gestes précis qui s’amplifient dessinent des reliefs géométriques qui entrent en écho avec l’architecture de l’écrin, béton et Art nouveau, le frisson se propage.

Comme le soulignait très justement Florian Gaité dans son essai Tout à danser s’épuise, paru récemment, la danse est essentiellement l’écriture d’une perte :

« Elle ouvre un espace où l’on fait ce que l’on veut de sa fatigue, donnant sa perte en spectacle pour mieux susciter le désir d’une autre économie corporelle. À chacun alors d’entrer dans la ronde et d’accepter l’idée : tout corps qui tend à vivre doit aussi consentir à perdre. »

C’est un cadeau pour les temps contemporains, une invitation à entrer dans le cercle pour nous tous, reclus mais pas repentis, LaRonde comme manifeste d’une révolution possible.

La captation du spectacle réduite à moins de deux heures permet de revivre au plus près des interprètes cette folie organique, sans perdre à l’image le gigantisme de l’environnement dans lequel ils se battent. C’est une lutte, un passage de témoin, une abolition de la distanciation sociale qui contamine avec douceur nos yeux et permet de croire, le temps d’une danse, aux prochains jours heureux.

La Ronde, de Boris Charmatz, filmée par Julien Condemine, le 12 mars à 20h50 sur France 5.

Ndlr : Boris Charmatz a participé à une rencontre en live organisée par AOC et le Festival d’Automne (coproducteur de La Ronde) le vendredi 5 mars 2021. « Faire connaissance : pour une hybridation des arts et des sciences sociales », moment de discussion et d’échange entre artistes et chercheurs et chercheuses, est à (re)voir en ligne.

Par Patrick Sourd dans Les Inrocks - 8 mars 2021

Dans une mise en scène signée François Berreur, Marcial Di Fonzo Bo et Laurent Poitrenaux s’accordent à l’humour pince-sans-rire d’un Jean-Luc Lagarce résolu à témoigner en temps réel des années sida.

Archéologie sensible d’une œuvre, Portrait Lagarce, ultimes ébauches renvoie avec une joyeuse ironie au Journal de Jean-Luc Lagarce en l’éclairant d’un montage d’extraits de ses pièces. Compagnon de route de cette époque pionnière, François Berreur nous rappelle que, avant de devenir l’un des auteurs français contemporains parmi les plus étudiés et montés au monde, Lagarce, mort du sida en 1995, mena une existence en forme de longue traversée du désert. “J’entrepris de ne raconter que ma propre impuissance à raconter, précisait Jean-Luc Lagarce. Et naturellement‚ cette impuissance‚ je fus impuissant à la raconter...”

Le spectacle épingle la myriade des fins de non-recevoir qui menacent ses projets. Si le sentiment d’échec et le doute dominent, l’œuvre incomprise par ses pairs s’explore telle une mine de punchlines où l’humour et la lucidité de l’auteur imposent délicieusement leur loi. Laurent Poitreneaux, dans le rôle du dramaturge, et Marcial Di Fonzo Bo, dans ceux de l’ami, du confident ou du partenaire de jeu, lèvent le voile sur les coulisses de cet enfermement.

Récit d’une moderne solitude, la pièce prend acte d’un temps où dire des vérités aussi politiques que bouleversantes sur le sida était renvoyé à une impudeur n’ayant pas sa place sur les plateaux.

Portrait Lagarce, ultimes ébauches textes Jean-Luc Lagarce, collage et mise en scène François Berreur, avec Marcial Di Fonzo Bo et Laurent Poitreneaux. Théâtre de L’Athénée, Paris, avec La Comédie de Caen. En tournée – dates à préciser

par Julien Gester dans Libération  publié le 19 mars 2021 à 10h46

Comment ça va, la culture ? Tous les jours ou presque, la newsletter «Libé Culture» demande à des artistes et acteurs du secteur des nouvelles de ce qu’ils fabriquent, tant bien que mal. Aujourd’hui, Valérie Massadian, cinéaste, qui nous parle depuis le théâtre parisien occupé.

Par Philippe Noisette dans Sceneweb  7 février 2021

Carnets de création (7/28). Complice de Vimala Pons, Tsirihaka Harrivel se réinvente en homme-orchestre avec La Dimension, objet sonore et scénique. La sortie d’un album de musique d’abord, puis un spectacle “d’après” ensuite. 

Tsirihaka c’est un corps, souple et chorégraphique, autant qu’une voix, enchantée. Avec De nos jours (notes on the circus) du collectif Ivan Mosjoukine, on découvrait l’un, dans Grande, en duo avec Vimala Pons, on entendit l’autre. Depuis, on guette chaque pas de côté de Tsirihaka Harrivel, artiste attachant. Son actualité en cette fin d‘hiver ? « Ce sont des journées à travailler autour d’un spectacle qui s’appelle La Dimension d’Après. Comme son nom l’indique c’est un spectacle “d’après” : il est écrit “d’après” La Dimension, un album de musique que j’ai commencé à écrire à partir de 2017 et qui sortira fin février chez Teenage Menopause ; il est “d’après” l’histoire inventée de quelqu’un qui tomberait dans un bâtiment désaffecté (lui-même d’ailleurs serait désaffecté émotionnellement : il n’échouerait pas là par hasard) ; et il est “d’après”, et après, GRANDE- (le spectacle que j’ai imaginé avec Vimala Pons ma partenaire de création) : c’est un zoom sur la 28ème minute de ce spectacle. 2 choses émergent aujourd’hui donc (album et spectacle) qui forment une sorte de diptyque : La Dimension d’après/la Dimension…, et ce diptyque crée lui-même un autre diptyque avec le spectacle que prépare Vimala, Le Périmètre de Denver (2022). Voilà c’est tout plein de raisons, mais concrètement je ne répète qu’un spectacle basé sur une succession de coups ». De ce solo, mais pas seul – « nourri de lectures comme celle de Pacôme Thiellement ou de rencontres »-, Harrivel dit qu’il est « riche d’une part de moi. Avec Vimala, nous avons co-écrit nos spectacles pendant 10 ans. Avoir une respiration c’est essentiel ». Même si Vimala Pons n’est jamais (trop) loin qui le conseille sur des choses de fond.

Comme nombre de créateur-interprète, Tsirihaka a vécu 2020 au (faux) rythme des confinements et autres contraintes. « J’ai été jusqu’ici en période d’écriture mono-tâche sur ce cycle de travail et la plupart des théâtres ont fait le maximum pour assurer les périodes de résidence (donc sans public). Ce qui est une chance absolue dans cette période négative. On va dire que les conséquences étaient moindres (de ce côté-là). Avec les personnes qui travaillent avec moi, on a dû surfer sur cette vague très aléatoire pour continuer à faire tous nos trucs. On se prépare maintenant à la non-création (?) d’un spectacle dans 3 semaines, ça sera surtout une manière pour nous de créer une ponctuation finale à cette période d’écriture avant de pouvoir un jour le présenter à pleins de gens. L’album de musique, La Dimension, sortira donc avant : il jouera vraiment son rôle de bande-son à l’envers. Les choses sont là et j’essaie de tenir les timings car c’est pour moi une manière de ne pas me sentir complètement impuissant face à ce qui arrive et cela permet de commencer à travailler sur les autres projets qui me tiennent à cœur et qui m’attendent ».

Faudra-t-il penser autrement ce monde d’après, celui de la création en tout cas ? « Je ne sais pas quoi répondre…C’est quand même quelque chose tout ce qu’on se prend en pleine face en ce moment, on est obligé de l’affronter et il faudra bien trouver un moyen de transformer cette matière tristoune en quelque chose… ». La solidarité, notion essentielle lorsque l’on pense collectif, est dès lors un horizon possible pour les créateurs aujourd’hui. On pose la question à Tsirihaka Harrivel. « Je ne sais pas si c’est cela la question mais je répondrai que je sens autour de moi une nécessité de se regrouper, de s’organiser, de mutualiser les moyens et de créer pleins de microcosmes pour ne pas dépendre uniquement de ce qui peut se passer : préparer une défense. Bien sûr ce n’est pas nouveau mais cette satanée crise a accéléré cette tendance. C’est maintenant  le futur, en fait. Il faut se ressouvenir qu’on va faire des choses et que c’est puissant de voir un spectacle (parfois) quand c’est autre chose qu’un avis -un peu comme ici- mais quelque chose écrit avec une langue nouvelle et une pensée qu’on aurait jamais pu imaginer. »

Propos recueillis par Philippe Noisette – www.sceneweb.fr

    Écoutez l'annonce du répondeur de notre location individuelle en attendant de nous avoir au téléphone  

Allô, bonjour, ici le Théâtre du Soleil

Ecouter le message audio du répondeur

Écoutez l'annonce du répondeur de notre location individuelle en attendant de nous avoir au téléphone

Allô, bonjour, ici le Théâtre du Soleil,

Nous devons certainement le plaisir de vous entendre aujourd’hui au pavé publicitaire que vous venez de découvrir dans Le Monde annonçant notre spectacle : L’île d'or.

Ce pavé est comme une sorte de profession de foi et c’est donc avec joie et fierté que nous pouvons vous annoncer que nous commencerons le mercr#¥∅∂ §ð∑∫   juin à ᚜ɔɘh30 !

La location ouvrira le lundi‡Þ∴ᚑ   mai.

Et les conditions sanitaires requises pour être accueillies dans la salle seront les suivantes : 
nous vous demanderons de  \Ђɔɘɐɖדᚂ  vos masques, de   ð„ᚏᚗ ᚜ᚢЉЂב
distances  ขกᚠᚇ⠇ ɚ\   de  דᚂ᚜ᚗᚚ   gel, de Ђɔɘɐɖ   tests,  ₢₥⌋₩∠⤈⊇∳  PCR,   ᚥᚗ∅∂ §   logiques  ᚡข∩∭⌊∝╭⤄∇   vaccination. 

Merci de votre de votre appel et de l’humour dont vous faites preuve en écoutant cette annonce qui reflète exactement notre situation à tous.

Si vous saviez, cependant, comme nous sommes heureux de la certitude que nous avons de vous retrouver bientôt.

Au mercr#¥∅∂ §ð∑∫   juin donc !

Nous comptons sur vous et nous vous attendons de pied ferme.

Ariane Mnouchkine

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 17 mars 2021 

Dans « Pourama pourama », Gurshad Shaheman racontait sa vie en trois parties et trois heures. Même durée, même structure pour « Les forteresses » où, sans un mot, il écoute trois actrices raconter la vie intime de sa mère et de ses deux sœurs lesquelles sont présentes sur la scène. De la chute du Shah à celle des illusions, du pouvoir des mollahs à celui des hommes. Magnifique et pénétrant.

Par Stéphane Capron sur le site de France Inter 10 mars 2021

Le mouvement d'occupation des théâtres fait tache d'huile. Après l'Odéon à Paris, puis le TNS à Strasbourg, La Colline à Paris, le Théâtre Graslin à Nantes est occupé par des intermittents ou des étudiants en école d'art dramatique. Ils ont reçu le soutien de nombreux artistes, dont Ariane Ascaride.

Ariane Ascaride fait partie des artistes qui réclament depuis plusieurs mois la réouverture des lieux culturels. Alors l'actrice soutient les artistes et techniciens qui occupent l'Odéon-Théâtre de l'Europe depuis jeudi dernier. "Comme je les comprends !", lance-t-elle. "Car cela fait un an que je suis en colère. Je commence à être un peu fatiguée. On joue la montre au gouvernement. On ne bouge, on ne dit rien, on laisse faire, on laisse les gens s'exciter et se mettre en colère, en attendant de voir comment cela va se passer. Mais cela fait un an que l'on est traités comme ça."

"Nous continuons à être non-essentiels. Et que l'on ne me dise pas que le président de la République adore la culture. Si c'était le cas, il s'en préoccuperait."

En plus de la réouverture des lieux culturels dans le respect des consignes sanitaires, les manifestants réclament, entre autres, une prolongation de l'année blanche pour les intermittents, son élargissement à tous les travailleurs précaires et saisonniers. Il y a urgence, pour la comédienne. "Il y a des intermittents qui sont en train de mourir, qui n'ont plus de quoi payer leur loyer, qui vont faire leurs courses dans les banques alimentaires. Et ces intermittents ne savent plus comment prouver leur existence, puisque tout est fermé."

"Cela fait des mois que la jeunesse est sacrifiée"

Au Théâtre de la Colline à Paris, ce sont des étudiants du Conservatoire national Supérieur d'Art Dramatique (CNSAD), de l'École supérieure d'art dramatique (Esad) et de l'École du studio théâtre d'Asnières qui ont investit les lieux. Au Théâtre National de Strasbourg, 51 élèves en scénographie-costumes, jeu, mise en scène, dramaturgie et régie-création, ont décidé de s'installer 24h sur 24 dans les locaux du Théâtre, "jusqu'à une réponse concrète de l'État".  Cette jeunesse bradée, Ariane Ascaride la défend : 

"Ils n'en peuvent plus et je les comprends. Vous imaginez avoir 20 ans aujourd'hui ? Cela fait des mois que la jeunesse est sacrifiée, et aujourd'hui elle le dit. Comment un étudiant en art dramatique peut-il visualiser son avenir ? C'est impossible."

Et de poursuivre : "C'est un boulot énorme, ils travaillent tout le temps. Ils sacrifient d'autres choses. Et tout ça pourquoi ? De toutes façons, ils ne peuvent pas jouer".

Roselyne Bachelot, la ministre de la Culture, s'est rendue samedi à l'Odéon et a promis de poursuivre les échanges. La CGT Spectacle a affirmé qu'elle poursuivait le mouvement et précise que cette mobilisation s'inscrit "dans le sillage de l'occupation des ronds-points", en référence au mouvement des "gilets jaunes". Pour Ariane Ascaride, c'est le début d'une prise de conscience. "Cela fait 40 ans que les politiques considèrent la création artistique et la culture comme du divertissement. Ce n'est pas ce que nous faisons. Nous racontons le monde. On le fait depuis Shakespeare."

    Par Mireille Davidovici dans Théâtre du blog - 15 mars 2021

Cabaret de curiosités 2021,  au Phénix de Valenciennes

Ce festival consacré à la création contemporaine -une des manifestions-phares de la Scène Nationale- réunit des artistes émergents de toutes les disciplines. Cet immense paquebot rouge inauguré en 1998, est dirigé depuis 2009 par Romaric Daurier rejoint depuis deux ans par Camille Barnaud. Très ancrée dans les territoires du Nord, Le Phénix décentralise les spectacles de ce cabaret en plusieurs lieux dont Le Manège à Maubeuge et l’Espace Pasolini à Valenciennes. Cette année, la programmation est placée sous le signe de la Véhémence : «Le monde d’après se dessine déjà comme une ère vertigineuse de la véhémence, où l’art serait là pour dire ce qui est, au risque de déplaire et pour allumer des contre-feux face aux mises en scène outrancières de la sphère publique… »

Ce Cabaret de curiosités reflète la diversité des propositions de la jeune scène contemporaine, pour partie accueillie  au  Campus Amiens-Valenciennes. Car le Phénix et la Maison de la Culture d’Amiens, désignés Pôles européens de création par le ministère de la Culture, se sont associés pour créer en 2018 un projet commun : accompagner ainsi les artistes de la région Hauts-de-France à l’échelle nationale et internationale, et inviter aussi des équipes étrangères. Cette année, le Cabaret présente douze propositions de différents formats, dont Jamais je ne vieillirai de Jeanne Lazar (voir Le Théâtre du Blog). En une journée, nous avons pu voir trois équipes.

 Just Desire, de Soren Evinson 

 Dans une performance très physique, l’artiste catalan s’en prend à la société de consommation. Tel un pantin désarticulé, il s’agite dans un vide sidéral sous des éclairages spectraux, à la recherche d’un sens… Solitude d’une vie où on veut s’emparer de tout et n’importe quoi : vêtements rutilants qu’il décroche de patères, chaussures voyantes, voiture ou téléphone dernier cri… En espagnol et en anglais, Soren Evinson éructe un texte laconique et répétitif sur une musique atone. Le corps devient lui-même objet de son propre désir dans une sorte de transe narcissique. Le travail minutieux de la lumière et du son a une dimension cauchemardesque mais ce délire onaniste peine à convaincre…

 L’Enterrement de David B, conception d’Anne Lepla et Guick Yansen

 La compagnie 2 L a présenté un bref aperçu de sa création avec deux musiciens et un acteur. Sur un écran, l’éloge funèbre de David B. mort dans des circonstances dramatiques. Surnommé la Jardinière, cet avocat célèbre qui vivait la nuit sous les traits d’une femme, a été poussé sous un métro par sa petite amie transsexuelle. L’Enterrement de David B est issu d’un fait divers mais ne s’apparente pas au théâtre documentaire. Félix Jousserand, poète et slameur a écrit le texte de cette performance alliant texte et musique. Un aperçu prometteur mais nous n’avons vu que trente minutes de ce projet.

Feu de tout bois conception d’Antoine Defoort

 Une forêt : arbres, buissons et tapis de feuilles mortes. Une «médiatrice fictionnelle» donne quelques clefs dramaturgiques. Les Pokemon, démons minuscules issus des mangas japonais, ont servi de référence. Tapis dans les recoins, ils donnent à qui les possède, des pouvoirs surnaturels. Il y a aussi les lunettes magiques qui détectent les extra-terrestres dans le film-culte de John Carpenter Invasion Los Angeles (1988).

Chaque performance de l’Amicale, plateforme coopérative de production, relève du loufoque comme dernièrement Amis il faut faire une pause et La Sexualité des orchidées  (voir le Théâtre du blog). Ici la fantaisie est une fois de plus à l’œuvre. Dans la forêt, deux amis se retrouvent et se racontent leurs aventures respectives: l’un a hiberné dans un caisson rempli de liquide amniotique pendant deux ans et reprend difficilement pied dans le monde réel. L’autre s’est lancé en politique, avec la Plateforme Contexte et Modalité  (PCM) qui explore les ressorts de la communication médiatique, au service d’une campagne électorale.

Antoine Defoort et son équipe se moquent à la fois des Bisounours qui, fuyant le modernisme, vont embrasser les arbres et des communicants de tout poil :  Feu de tout bois, fustige gentiment la sphère politico-médiatique où la communication a pris le relais du débat démocratique.  Avec quelques tours de «magie paradoxale» effectués à l’aide de « mnémo-projecteurs»,  les idées conflictuelles prennent corps sous forme de “logomorphes“ incongrus et s’affrontent, comme autant de Pokemons disséminés dans la nature…

Une parodie truffée d’idées et d’images réjouissantes qui pétille d’intelligence mais après un démarrage prometteur se perd dans les fourrés. Nul doute qu’après cette première représentation, elle trouvera sa vitesse de croisière.

 Mireille Davidovici

Représentation pour les professionnels vue le 10 mars au Phénix-Scène Nationale, boulevard Harpignies, Valenciennes (Nord). T. : 03 27 32 32 32.

Feu de tout bois : le 10 avril, Le Vivat, Armentières (Nord). Les  27 et 28 avril, Chambéry (Savoie).
Du 24 mai au 13 juin, Carrefour du Théâtre (Québec).  Les 18 et 19 juin, Théâtre national de Lisbonne (Portugal).
Et du 7 au 13 septembre, festival La Bâtie, Genève (Suisse).

par Ève Beauvallet dans Libération publié le 12 mars 2021 

France 5 diffuse ce vendredi une captation du marathon de duos imaginé par le chorégraphe, présenté en janvier au Grand Palais. 

Le 16 janvier 2021, dans la nef du Grand Palais, finalement sans public, mais devant des caméras, douze heures durant, du petit matin à la tombée de la nuit, une vingtaine de duos se sont entrelacés.  (Photo : Damien Meyer)

Par Thomas Corlin dans Libération du 15 mars 2021

Jouer en extérieur, dans des vitrines, face à un spectateur unique ou au travers d’un enregistrement audio… Depuis le début de la pandémie, les scènes institutionnelles lorgnent des dispositifs jusqu’alors cantonnés aux arts de la rue et aux marges.

Par Armelle Héliot dans son blog 14 mars 2021

Guy-Pierre Couleau s’appuie sur l’adaptation de Peter Brook et dirige un groupe d’excellents interprètes conduits par Benjamin Jungers dans le rôle-titre.

Un privilège : aller au théâtre en ces temps de fermeture des salles et d’interdiction du large public. La Tragédie d’Hamlet s’est donnée au Théâtre 13-Jardin, très bien réhabilité, une salle où l’on reverra cette très bonne version en février prochain…

Guy-Pierre Couleau connaît l’espace du Théâtre 13-Jardin : on n’a jamais oublié son formidable Baladin du monde occidental, donné sur ce plateau presque circulaire, enveloppé des gradins. C’était il y a plus de vingt ans.

Depuis, il a traversé bien des univers et dirigé dix ans durant (2008-2018) la Comédie de l’Est de Colmar, centre dramatique national. Il avait été comédien avant de se lancer dans la mise en scène. Il est rigoureux et fidèle. Il a construit, au fil du temps, une famille d’esprit, une troupe informelle et fertile.

Après avoir monté La Conférence des oiseaux du regretté Jean-Claude Carrière, spectacle qu’il avait créé au Printemps des comédiens, dont le grand écrivain, chaman du sud, était co-fondateur et président, il a choisi la traduction de ce poète clairvoyant, traduction signée également Marie-Hélène Estienne d’après l’adaptation audacieuse qu’en fit Peter Brook, il y a bien des années. Peter Brook présenta cette Tragédie d’Hamlet en 2000, au Théâtre des Bouffes du Nord, avec Adrian Lester dans le rôle-titre.

Huit comédiens seulement pour, en deux heures vives, fluides et sans micro –une rareté de nos jours- donner la beauté et la complexité de la tragédie la plus célèbre et sans doute la plus jouée au monde.

Les costumes de Camille Pénager sont du jour, dans une sorte de neutralité efficace. Le costard-cravate de Nils Ohlund, Claudius, suffit à fixer le personnage dans ses communes faiblesses. C’est le jeu qui dira la scélératesse. Hamlet lui aussi est ainsi. Mais il suffit d’une cravate desserrée, pour qu’il soit autre. De même pour la Gertrude d’Anne Le Guernec, un peu chic province sur ses talons aiguille…Le jeu dira son ambivalence. Et ainsi…

On n’est pas certain que la charmante et douée, et touchante Sandra Sadhardheen soit avantagée par son costume, même s’il lui permet de danser le désarroi, le chagrin, la folie.

Mais c’est un détail et l’équipe a forcément pris ces décisions pour des raisons solides.

On l’a dit, ils sont seulement huit : Nils Ohlund, le traître Claudius est aussi le spectre. Polonius, le père d’Ophélie, Emil Abossolo M’Bo sera aussi le fossoyeur. Les très bons Thomas Ribière et Bruno Boulzaguet, fins et déliés, seront respectivement Guildenstern, le second acteur, Laërte, et Rosencrantz, premier acteur, autre fossoyeur. Horatio est porté par un Marco Caraffa, tout en discrétion et fidélité.

Une adaptation souveraine, huit interprètes ligués dans l’excellence, et un metteur en scène qui possède l’art de raconter, d’approfondir sans jamais surligner, de guider sans enfermer, laissant à chacun sa liberté et l’expression de sa personnalité. C’est franchement un travail remarquable dont nous reparlerons lorsque la tournée débutera et qu’enfin les sourdes tutelles auront admis, comme le disent toutes les études les plus sérieuses, que les théâtres sont des lieux, comme les salles du cinéma, où le virus circule très peu et où les contagions et autres clusters sont inexistants.

Chacun appellerait une analyse précise et participe à la force du spectacle. On est heureux de retrouver Benjamin Jungers qui mûrit sans vieillir et qui déploie ici, en toute subtilité, en partageant chaque scène, chaque mot, en ne quittant jamais le jeu avec ses camarades, son talent sûr et sa lumière.

Bref, une formidable production, forte et vive, tout en retenue, sobriété : et pourtant ce travail est bouleversant d’intelligence et d’émotion.

Spectacle vu au Théâtre 13-Jardin et que l’on devrait revoir le 30 septembre à Auxerre, le 9 novembre à Château-Gonthier, en hiver 2022 à Bagneux, du 8 au 19 février à Paris, au Théâtre 13-Jardin.

Durée : 2h00.

Fiction a à écouter sur le site de France Culture 13 mars 2021

Ecouter "Le bruit du monde" (58mn)

"Marie-Hélène Coulanges, dite Marilène, est née le 18 juillet 1964 dans une famille pauvre. Ce n’est pas noté sur sa carte d’identité. Sur sa carte d’identité, Marilène n’est pas pauvre. Elle est seulement née le 18 juillet 1964 à Pouzauges. Elle peut tout devenir. Fermière. Chirurgienne. Pute de luxe. Ostéopathe. Secrétaire d’Etat. Bouchère. Professeure des universités. Pianiste professionnelle. Catcheuse. D’un point de vue strictement virtuel, Marie-Hélène Coulanges, dite Marilène, a un avenir aussi ouvert que les champs qui bordent la maison familiale. Même s’ils sont hypothéqués."

Marie-Hélène Coulanges grandit à Brigneau, un petit hameau de Vendée : lieu de l’enfance, des cabanes et des jeux, c’est aussi l’endroit où elle prend conscience de la pauvreté dans laquelle vit sa famille. Après un déménagement dans un autre village, il y aura les années de collège et puis de lycée… Le Bruit du monde est le récit d’une émancipation : quand la pauvreté et la honte creusent les blessures, enferment dans la peur et les doutes et obscurcissent toute perspective, comment parvenir à être soi et à trouver sa juste place dans la société.

Adaptation et réalisation : Christophe Hocké
Conseillère littéraire Céline Geoffroy

Avec  Emilie Incerti Formentini
Création musicale : John Kaced
Prise de son, montage, mixage : Pierre Henry, Pierric Charles
Assistante à la réalisation : Laure Chastant  

Le Bruit  du monde est publié aux éditions Noir sur Blanc