Revue de presse théâtre

Propos recueillis par Olivier Frégaville-Gratian d’Amore pour l'Oeil d'Olivier - 27 mars 2021

A l’affiche de Mithridate de Racine, mis en scène par Eric Vigner, diffusé récemment sur France Télévisions, et bientôt présenté au TNS, Yanis Skouta trace tranquillement son chemin. Sorti, il y a deux ans, de l’école du TNS, le jeune et volontaire comédien prépare actuellement avec la metteuse en scène Sophie Lagier, l’adaption de Genes 01 de Fausto Paravidino. Rencontre avec un artiste engagé et pugnace. 

Quel est votre premier souvenir d’art vivant ?

Je n’ai pas d’image de spectacle. En revanche, j’ai un lieu. C’est la grande salle de la Maison des Arts de Créteil. Je suis né et j’ai grandi à Créteil, et forcément ma première expérience a dû avoir lieu dans cette salle, puisque régulièrement on allait avec l’école y voir des spectacles. C’est une salle immense de 1100 places à peu près, disposées frontalement à la scène. Ce n’est pas l’image d’un spectacle que je retiens, mais l’image des grands escaliers de cette salle. Quand on entre par le haut et qu’on se tient devant la première marche, avec tout le public en bas et le brouhaha, c’est assez vertigineux. J’ai été ouvreur 4 ans dans ce théâtre quand j’ai commencé ma formation, et je ne me suis jamais lassé d’être là debout porte impair côté gauche, en haut des escaliers, au seuil de la représentation, quand le public s’agite et que la lumière se baisse.

Quel a été le déclencheur qui vous a donné envie d’embrasser une carrière dans le secteur de l’art vivant ?

Il s’agit plus du moment où j’ai reconnu ce qui était là depuis toujours. Je venais de recevoir les résultats du concours de première année de médecine (oui, oui), et je n’étais pas assez bien classé pour le réussir du premier coup – moi qui ai toujours été en tête sans efforts, et sans passion. Cela voulait donc dire redoubler, pour ne pas forcément l’avoir, pour peut-être se réorienter, avoir perdu 2 ans etc… Et c’est en discutant de mon avenir avec ma mère qu’elle m’a dit « Et le théâtre, tu as toujours bien aimé, non ? »… Je suis resté choqué, en silence, un petit moment. Bien sûr j’avais depuis toujours l’appétit du jeu, j’avais fait du théâtre à 8 ans déjà, et puis au lycée… Mais en faire un métier ? C’était une évidence. C’est surtout une barrière sociale qui a sauté. Ce jour-là, j’ai vraiment écouté mon désir, plutôt que de suivre la voie héritée de mon milieu : bonne études – bon métier – sécurité.

Qu’est ce qui a fait que vous avez choisi d’être comédien ?

Ce n’était pas un choix. C’était instinctif. C’était jouer. Je ne connaissais rien au théâtre. À partir du moment où j’ai pris ce virage, ça ne pouvait être rien d’autre que comédien. Et si je devais prendre une autre position que comédien, metteur en scène par exemple, ce serait jouer. Pédagogue, jouer. Assistant, jouer. Écrivain, jouer.

Le premier spectacle auquel vous avez participé et quel souvenir en retenez-vous ?

Mis à part un spectacle d’école à 6 ans dont je ne me souviens plus très bien, mais où j’ai dû interpréter un nuage ou la mer, tu connais, c’était Le Procès du Loup. On juge le Grand-méchant Loup pour son crime. J’avais 8 ans, je faisais le juge. C’était un pur moment de joie, j’avais une énergie folle, je tapais comme un dingue avec le marteau « Silence dans la salle !… Et dans les spectateurs… ». Mais avant ce jour J, j’avais beaucoup trop de pression pour apprendre toutes les petites répliques… C’est un peu ce qui m’a fait ne pas reprendre l’année suivante.

Votre plus grand coup de cœur scénique – une pièce, une équipe, une personne, plusieurs personnes ?

Si je dois dire une claque majeure, ce serait La barque le soir de Claude Régy. Forcément ce genre de claque arrive quand on ne connaît pas encore tout à fait le théâtre. J’étais au début de mon apprentissage, j’avais pris quelques mois plus tôt la décision de ne faire que du théâtre. Je n’étais juste pas prêt. Ça a été une expérience profonde, et, en sortant, je regardais tout différemment. La pluie, la lumière des lampadaires dans la nuit… Je me suis dis « en fait le théâtre ça peut être ça aussi ? ». – Le fait qu’une pièce de théâtre soit aussi une expérience du corps. Ensuite j’ai lu tout ce que j’ai pu sur ce grand metteur en scène, et j’ai couru pour aller voir Intérieur et Rêve et folie. Je dirais que c’est à partir de cette œuvre que j’ai commencé à me construire théâtralement.
Après ça j’ai eu des beaux coups de cœur, mais peut-être que j’avais trop mûri pour me faire prendre comme pendant La barque le soir.
Tout de même il y a quelques spectacles qui m’ont bien marqué,   2666 de Julien Gosselin, Au pied du mur sans porte de Lazare,   Clôture de l’amour de Pascal Rambert, Une Femme de Marcial Di Fonzo Bo, Le dernier spectacle de Jerôme Bel, What if they went to moscow ? de Christiane Jatahy, Passim de François Tanguy, Médée Matériau de Anatoli Vassiliev…

Quelles sont vos plus belles rencontres ?
Dans l’ordre je peux dire Sophie Lagier, qui a été mon intervenante tôt dans ma formation. J’y ai découvert mes auteurs, et un certain regard sur l’art plus largement.

Ensuite, et je dois l’admettre, principalement Stanislas Nordey, que j’ai rencontré lorsque j’ai intégré le programme Ier acte. C’est une personne généreuse, et, pour moi, un exemple en pédagogie. J’ai vraiment découvert dans ce qu’il nous a proposé ce que je cherchais jusque-là. Et après durant ma formation, ça a été Veronique Nordey, Bruno Meyssat, Loïc Touzé… d’autres évidemment. C’étaient des ateliers sans attente de résultats,  inscrits dans un temps non productif. On avait un plateau, un cadre pour creuser et aller chercher des outils très spécifiques. Et pour fouiller, ça demande d’être vraiment à l’écoute de soi, et ça fait du bien. J’ai l’impression que tous les outils qui ont été acquis par sa propre expérience, dans la joie, non seulement sont très spécifiques à qui l’on est comme comédien, mais aussi sont ancrés pour toujours en nous.

En quoi votre métier est essentiel à votre équilibre ?

En tout. Je ne fais essentiellement que ça, j’ai envie de ne faire que ça, pour l’instant bien sûr. Et heureusement, pour moi pratiquer, ça peut prendre plusieurs formes. Par exemple, monter au grenier et sortir de la poussière les albums de famille.

Qu’est-ce qui vous inspire ?

La lumière.

De quel ordre est votre rapport à la scène ?

Vital.

À quel endroit de votre chair, de votre corps situez-vous votre désir de faire votre métier ?

Le ventre.
Et puis le cœur, la sensibilité. La gorge, la rage. Et les dents.
Pour mordre ou pour sourire, c’est selon.

Avec quels autres artistes aimeriez-vous travailler ?

Plein. Par pudeur je ne vais pas tous les citer, et puis comme ça, ça fait de la place à ceux que je ne connais pas encore, et aussi aux jeunes metteur·e·s en scène de ma génération.
J’ai aussi surtout envie de vivre des expériences d’équipes et de porter des écritures : Fosse, Duras, Müller, Racine, Rambert, Lemoine, Pellet, Galléa, Ndiaye… et d’autres. Et des plus contemporaines encore. Je crois que c’est important de prendre le risque de jouer et de donner sa chance à des écritures naissantes. C’est elles qui vont essayer de parler au plus proche de là, maintenant. C’est excitant.
Un peu à contre-pied, j’aimerais vraiment faire l’expérience de l’acteur chez François Tanguy.
Sinon j’aurais plus que tout, aimé jouer dans un film de John Cassavetes. C’est brut.

À quel projet fou aimeriez-vous participer ?
En rêvant dans mes moyens, je dirais un long projet fleuve à la Julien Gosselin, ou les 18 heures de Thomas Jolly. Et aller jouer dans un pays étranger, je ne l’ai pas encore fait.
Et fou fou, faire du théâtre dans l’espace, mais là le théâtre devient un prétexte.

Si votre vie était une œuvre, qu’elle serait-elle ?
Ouvrir la voix de Amandine Gay. Dans le processus d’être renvoyé à une image, alors qu’en réalité ton identité est profondément plus complexe et paradoxale.

Mont vérité de Pascal Rambert
Printemps des comédiens 
Domaine d’O

Sur le site de l'émission de Pascal Paradou "De vive(s) voix" sur RFI - 23 mars 2021

Les théâtres sont fermés depuis le 30 octobre 2020. Seize départements sont de nouveaux confinés. Certains théâtres, comme l'Odéon, sont occupés par des comédiens pour protester contre la fermeture.   

Ecouter l'entretien avec

Denis Podalydès (29 mn)

Qu'à cela ne tienne, salles de spectacles et comédiens se préparent à la réouverture...

J'ai très mal supporté la réouverture puis la refermeture des salles

Denis Podalydès nous parle de son spectacle à venir «La disparition du paysage».  

Théâtre : réduit à l’immobilité après un attentat dont il a été victime, un homme parle. Il se souvient de la déflagration, puis tout s’est volatilisé, dispersé.

Le voilà devant une fenêtre à Ostende, livré, condamné à ses pensées, ses souvenirs, ses observations minutieuses. Il aperçoit un chantier important en train de s’édifier : on construit apparemment un haut mur qui, peu à peu, envahit l’espace de la fe­nêtre, cache la vue, obscurcit et enferme la chambre où il est. Pensées et souvenirs s’obscurcissent à leur tour.

Invité : Denis Podalydès, comédien de théâtre et de cinéma. Sociétaire de la Comédie Française, il interprétera prochainement  «La disparition du paysage», un texte écrit par l’écrivain Jean-Philippe Toussaint, publié aux éditions de Minuit. 

Par Richard Schittly (Lyon, correspondant) pour M, le magazine du Monde 26 mars 2021

Le Théâtre national populaire est occupé depuis le 12 mars. Chaque jour, une cinquantaine d’artistes mêlent pratiques culturelles et militantes pour questionner l’avenir de la société dans la lignée du mouvement Nuit debout. En attendant une éventuelle « convergence des luttes »…

Une poignée d’intermittents du spectacle a investi le Théâtre national populaire (TNP) à Villeurbanne, dans la foulée de l’occupation de celui de l’Odéon à Paris, dans un mouvement de protestation qui dépasse la seule question de la ­réouverture des lieux culturels. Depuis vendredi 12 mars, la vie s’organise à l’intérieur du bâtiment monumental au fronton élancé, hérité de l’architecture socialiste.

Les assemblées générales se succèdent quotidiennement. Pas plus de cinquante participants à l’intérieur, par précaution sanitaire. Sinon, la réunion se tient sur le parvis, au milieu des gratte-ciels, du nom du quartier érigé au tournant des années 1930 au centre de la ville ouvrière, voisine de Lyon la bourgeoise.

Le jour, une cinquantaine ­d’artistes occupent les lieux dans un roulement permanent. La nuit, une dizaine dort sur place, à tour de rôle. Parmi eux, Ophelia Llorens-Cornet, 24 ans, qui a passé trois nuits dans une loge, tout près des fantômes de Jean Vilar, Roger Blin, Antoine Vitez… « On a trouvé un moyen de revenir ! », ironise la jeune comédienne aux blonds cheveux en bataille.

« Réinvestir ce lieu, c’est ouvrir une tribune populaire. On peut se demander quel monde on va vraiment réouvrir. » Ophelia Llorens-Cornet, comédienne

Privée de toute production artistique depuis un an, la jeune femme, bien décidée à ne plus subir les événements, a choisi de retourner au théâtre par une porte dérobée. « Depuis des mois, j’ai la sensation de travailler dans le vide. Je répète, j’écris, je répète, je crée à l’infini, sans public. J’ai voulu sortir d’une bulle. Ici, je rencontre des galériens comme moi », confie Ophelia. La jeune artiste est sortie de l’école de théâtre Art en scène, fin 2019, à Lyon.

Dans les mois suivants, elle a créé un spectacle fondé sur des témoignages de la guerre en Bosnie. Une histoire racontant le siège de Sarajevo par la voix d’orphelins. Puis, pour assurer sa subsistance, elle a enchaîné plusieurs petits boulots, dont celui d’ouvreuse… au TNP. Sa pièce n’a jamais pu être jouée. Dix dates ont été annulées à cause des restrictions. La crise sanitaire a cassé son calendrier et ébranlé un peu sa confiance.

Issue d’une famille modeste, sans tradition militante, Ophelia n’affiche pas de convictions politiques précises. Elle ne sait pas si elle doit voter ni pour qui. Elle a suivi plusieurs manifestations récentes, pour la défense du climat, contre la loi de « sécurité globale », sans vouloir formuler de discours théorique. « Mon engagement se retranscrit surtout dans mes spectacles », résume la jeune femme.

Son sentiment indéfini de révolte, intégré dans sa création naissante, l’a naturellement incitée à investir le TNP. L’ancien théâtre de la Cité, fondé en 1957 par Roger Planchon, devenu TNP en 1972, n’est-il pas le symbole de l’ouverture de la culture aux publics de toutes conditions ? « Réinvestir ce lieu, c’est ouvrir une tribune populaire. On peut se demander quel monde on va vraiment réouvrir », dit-elle.

Sans RSA possible

« C’est rassurant de se rassembler, tout est tellement flou autour de nous », confie aussi Haldan de Vulpillières, 24 ans, qui assiste aux assemblées générales du TNP depuis le jeudi 18 mars. Originaire de Marne-la-Vallée (Val-de-Marne), le jeune régisseur a suivi une prépa scientifique à Paris, puis la filière conception sonore de l’Ecole nationale ­supérieure des arts et techniques du théâtre (Ensatt) de Lyon.

Après sa sortie d’école, en octobre 2020, son premier contrat de deux mois, décroché au Théâtre national de Bretagne (TNB), a été annulé pour cause de Covid-19. En un an, Haldan a travaillé une petite semaine au Théâtre La Mouche, à Saint-Genis-Laval, non loin de Lyon. Depuis, le rideau reste désespérément baissé, sans RSA possible, puisque le revenu minimal est réservé aux plus de 25 ans.

« C’est une année vide que je n’avais pas ­prévue. J’espère encore faire ce métier », témoigne Haldan, cherchant sa façon de ­participer au mouvement de ­protestation naissant : « C’est encore assez émergeant, pas trop coordonné. Pendant mes études, je n’étais pas très impliqué dans les questions politiques. Ce qui se passe en ce moment m’intéresse. » Le jeune homme a suivi une manifestation contre la loi travail, une autre pour la défense du climat et quelques journées des « gilets jaunes ». Il passe régulièrement au TNP pour se tenir au courant de l’évolution du mouvement.

Chant des canuts

A l’intérieur du grand théâtre de Villeurbanne, la brasserie est transformée en agora. Masque obligatoire, gel à disposition, tout est soigneusement organisé, avec le bienveillant assentiment du directeur, Jean Bellorini. Les syndicats CGT, SUD et Solidaires ont accroché leurs drapeaux dans l’entrée, en signe de soutien, accompagnant discrètement un collectif autogéré. Les roulements d’occupation des locaux sont affichés, des ateliers sont montés : actions, communication, artistique, assurance-chômage…

Le collectif Rhizome, spécialisé dans le ravitaillement des collectifs en lutte, propose d’apporter des légumes. Le tout dans une ambiance à la fois festive et studieuse, spontanée, grave et incertaine, qui rappelle irrésistiblement Nuit debout, du nom du mouvement né de la protestation contre la loi travail, en 2016. Personne ne commande véritablement.

A l’étage, devant les grandes baies vitrées, une chorale s’est formée. Ils sont une douzaine, en cercle, à entonner le chant des canuts, écho révolutionnaire des ouvriers de la soie. Dans la mezzanine baignée de lumière, tout autour d’eux, sont accrochés les portraits des grands acteurs du TNP – Jean Bouise, Guy Tréjean –, ses directeurs – Patrice Chéreau, Georges Lavaudant, Christian Schiaretti… Après la répétition, les chanteurs se fixent de nouveaux rendez-vous. Ils veulent s’inscrire dans la durée.

« Au-delà de la défense du droit des intermittents, nous sommes dans un mouvement de protestation. » François Tramoy, auteur et chanteur

Rouvrir les lieux culturels ? Oui, évidemment. Mais l’occupation du TNP va bien au-delà de cette question purement sanitaire. Si les artistes revendiquent la sauvegarde de leur statut d’intermittent, s’ils s’inquiètent de la réforme de l’assurance-­chômage, ils interrogent ­surtout l’avenir d’une société qui, pour eux, a délibérément choisi d’oublier la culture en chemin.

« Ça fait du bien d’ouvrir un nouvel espace. Tout le monde était bâillonné, le bec cloué par les contraintes. Au-delà de la défense du droit des intermittents, nous sommes dans un mouvement de protestation », dit François Tramoy, 45 ans, auteur et chanteur. A ses côtés, Syldie, 42 ans, approuve. Présente à la manifestation contre la loi de « sécurité ­globale », cette infirmière qui préfère rester anonyme, a suivi la petite délégation qui partait en direction de Villeurbanne. La professionnelle de santé se retrouve à l’intérieur du TNP aux côtés des artistes, avec la conviction qu’il faut « se soutenir dans la revendication d’une vie meilleure ».

A l’écart, dans le grand hall, son ordinateur posé sur un guéridon, Ophelia parcourt l’iconographie de la révolte des canuts et celle de la Commune de Paris. Les images de barricades pourraient inspirer leur action, en puisant dans l’énergie des révoltes passées.

Deux jours plus tard, pendant que les artistes occupent la place du TNP, elle décide de rejoindre une manifestation, « gilets jaunes » et black blocs, qui descend vers la préfecture. Le maigre cortège affronte rapidement les forces de l’ordre, au pied de la tour Part-Dieu. Explosions de grenade, fumées irritantes, Ophelia prend fébrilement des photos, à la recherche d’un passage entre la création artistique et la lutte sociale.

Richard Schittly (Lyon, correspondant)

Article rédigé par  franceinfo Culture avec agences
France Télévisions Rédaction Culture  Publié le 26/03/2021 

Le mouvement d'occupation, lancé au théâtre de l'Odéon à Paris le 4 mars, a été suivi par près de 100 salles à travers la France.




Au Théâtre de l'Odéon, on chante, on danse, on rit. Une scène qui peut sembler banale, si ce n'est que depuis trois semaines, ses acteurs occupent les lieux pour alerter sur la situation des précarisés du Covid.

Un petit air de déjà vu puisque l'Odéon a été occupé pendant un mois en mai 68, ainsi qu'en 1992 et 2016 pour protester contre une réforme du régime des intermittents. Mais le mouvement actuel, parti le 4 mars de ce théâtre national situé à Paris, a fait boule de neige avec près de 100 salles occupées à travers la France.

"On ne lâche rien"
Sur la façade, le message est clair : "On ne joue plus, on lutte", lit-on sur une banderole. "Plus de 500 heures qu'on occupe l'Odéon et on ne lâche rien", répètent la cinquantaine occupants du lieu interviewés par l'AFP jeudi. "Tant qu'ils (le gouvernement) ne répondent pas, nous serons présents sur tout le territoire, la mayonnaise prend", renchérit Rémi Vander-Heym, régisseur de théâtre et représentant syndical de 53 ans.

Les manifestants préparent des banderoles alors qu'ils occupent le théâtre de l'Odéon depuis le 4 mars, à Paris, le 25 mars 2021 (ALAIN JOCARD / AFP)

Tribune publiée dans Le Monde 25/03/21

Alors que la tenue de l’édition 2021 est menacée, un collectif de députés et de professionnels du monde du théâtre, dont Irène Jacob, Agnès Jaoui et Jean-Michel Ribes, appelle, dans une tribune au « Monde », à penser le festival de demain pour qu’il soit en phase avec les évolutions de la société.

Ce festival, où chaque théâtre conçoit sa programmation, concentre tous les enjeux artistiques et économiques de ses acteurs dans un temps réduit et dans un espace contraint par les remparts de la cité des Papes. Echappant aux idées généreuses de ses créateurs, il est devenu un marché, une foire, un ogre insatiable qui menace de dévorer ses propres enfants.

Fruit d’un impensé politique depuis ses débuts, fonctionnant sans gouvernance, sans régulation, et selon les lois de l’économie de marché, ce festival est devenu un paradoxe : il concentre les aspirations d’auteurs et d’artistes qui inventent la culture de demain, et, pourtant, il semble passer à côté des débats et mouvements de fond qui transforment la société française.

Comment une création artistique contemporaine peut-elle faire l’économie de penser son propre mode de production et de diffusion ? Qu’en est-il de l’impact écologique du festival, des conditions de travail des divers corps de métier qui œuvrent à son bon déroulement ? Que dire des hausses des loyers qui les rendent inabordables ? Pourquoi la diversité culturelle et sociale n’est-elle pas davantage représentée ?

L’édition 2021 doit avoir lieu

Si le festival n’est pas directement subventionné, de nombreuses compagnies sur l’ensemble du territoire sont soutenues par l’Etat et les collectivités pour pouvoir y participer. N’est-il pas temps de nous préoccuper de l’usage qui est fait de tout cet argent public ? L’enjeu n’est pas seulement celui du Festival « off » d’Avignon, mais au-delà, celui de la politique du spectacle vivant en France.

L’annulation de l’édition 2020 pour cause de pandémie et les craintes qui pèsent sur l’édition 2021 rendent l’avenir du festival incertain. Elles sont l’occasion de renverser un système à bout de souffle et de le réinventer. Il en va de la survie du festival, et de la fierté pour les compagnies de pouvoir se produire à la hauteur de leurs exigences, et, pour les théâtres d’Avignon, de pouvoir y répondre.

Pour nous, il est évident que le Festival d’Avignon « off » 2021 doit avoir lieu. Comment l’Etat peut-il imaginer que nous, artistes, techniciennes et techniciens, directrices et directeurs de compagnies et de théâtres, qui sommes des employés et des entrepreneurs de spectacles, ne serions pas conscients de la gravité de la situation actuelle et moins capables d’assurer les mesures sanitaires qui sont demandées par le gouvernement que les entrepreneurs et employés dans d’autres secteurs tels que ceux du commerce, de la grande distribution et de tous les autres secteurs d’activité actuellement ouverts ?

« Déjà des propositions abondent, comme celle d’un label qualitatif “théâtre équitable” »

Au sein des Etats généraux du « off » (Egoff), nous sommes 300 auteurs, comédiens, metteurs en scène, techniciens, administrateurs, directeurs de théâtres, responsables de compagnies, représentants de sociétés de droits d’auteur à avoir fait le même constat. Nous avons mis en place une organisation qui nous permet de penser le festival de demain, de façon horizontale et inclusive. Celui-ci sera issu d’une concertation collective, car nous croyons le dialogue indispensable à l’émergence d’une structure plus juste et plus solidaire.

Préserver la diversité culturelle

Déjà des propositions abondent, comme celle d’un label qualitatif « théâtre équitable », qui pourrait s’appliquer à des domaines aussi divers que les conditions d’accueil du public et des compagnies dans les théâtres, l’extension du festival hors des remparts du centre-ville et l’inclusion de tous les publics du Grand Avignon dans les projets des théâtres et des compagnies, l’engagement des compagnies sur le respect des conventions collectives, la lutte pour la transparence des comptes, la participation à l’encadrement des prix et à la régulation des pratiques.

La question de la lutte contre le réchauffement climatique est également au cœur des débats, avec des réflexions sur la climatisation des salles, la mise en place de cantines bio et solidaires travaillant avec des producteurs locaux, ou encore la mutualisation des transports et du matériel technique des compagnies ou d’achats groupés pour les théâtres. Il appartient au ministère de la culture et aux collectivités territoriales locales interpellées à plusieurs reprises d’accompagner ce changement.

Le chantier est vaste. Nous nous laissons trois années pour mener à bien une réflexion collective qui proposera un écosystème fondé sur la préservation d’une diversité culturelle, en adéquation avec les principes d’une économie sociale et solidaire.

Avignon « off » est l’un des festivals les plus importants d’Europe. Nos propositions ont pour objectif d’en faire un événement exemplaire pour la diffusion du spectacle vivant en France et pour la politique culturelle européenne. Il est temps que tous les partenaires, publics et privés, participent à la réflexion pour faire de ce festival un des moteurs du changement.

Parmi les signataires : Jean-Philippe Daguerre, auteur, comédien, metteur en scène ; Irène Jacob, comédienne ; Agnès Jaoui, comédienne, réalisatrice ; Sébastien Jumel, député GDR de Seine-Maritime ; Michel Larive, député LFI de l’Ariège ; Virginie Lemoine, autrice, comédienne, metteuse en scène ; Jean-Luc Mélenchon, député LFI des Bouches-du-Rhône ; Richard Ramos, député MoDem du Loiret ; Jean-Michel Ribes, auteur, metteur en scène,
directeur du Théâtre du Rond-Point ; Michèle Victory, députée PS d’Ardèche.

Sur la page  de France Culture le 25 mars 2021

Journée spéciale Il y a tout juste trois semaines débutait à l'Odéon, à Paris, une vague croissante d'occupations de théâtres. Au coeur des revendications, la réouverture des lieux culturels, l’assurance chômage et l’indemnisation des intermittents. Avec aussi l'opportunité de penser, tester, l'avenir du théâtre.

Le Théâtre de la Manufacture à Nancy, le 22 mars 2021, est l'une des dizaines de salles occupées en France, essentiellement à l'appel de la CGT Spectacle. Parmi les revendications, la renaissance des lieux d’art, de culture, de pensée.• Crédits : Cédric Jacquot / L'Est républicain - Maxppp

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan le 24 mars 2021

Sans être ouvertes au public, les Zébrures de printemps des Francophonies, consacrées aux nouvelles écritures et à leur traduction scénique, se sont tout de même tenues. Avec, en particulier, une nouvelle pièce de Guy Régis Jr et un retour sur la vie de Kateb Yacine par Mohammed Kacimi accompagné par la sublime Souad Massi

Hassane Kassi Kouyaté, le nouveau directeur du festival des Francophonies de Limoges devenu  « Les francophonies des écritures à la scène » entend proposer chaque saison des « zébrures d’hiver » puis des « zébrures de printemps » . C’était compter sans la Covid, mot phare d’une nouvelle langue internationale: le desesperanto. L’an dernier, les Zébrures de printemps n’avaient pas pu fleurir, la Covid les ayant mises sous cloche. Elles reviennent cette année dans une « seconde première édition » comme il est indiqué sur le programme aux pages, ici et là, tamponnées d’un sans appel : « annulé ». Malgré cela et malgré l’absence forcée de tout lieu de convivialité et de public, les Zébrures de printemps se sont ouvertes le 20 mars et dureront jusqu’au 28 mars, devant un public réduit à la peau de chagrin de quelques professionnels et journalistes . « Annuler c’est cesser de vivre » clame Hassane Kouyaté qui tenait à cette édition. Il est, par ailleurs candidat à la direction du Théâtre de l’Union et de l’école y attenant, rêvant de la synergie d’un vaste ensemble. Ce qui serait partiellement un retour aux sources, le festival étant né du Centre dramatique de Limoges lorsque Pierre Debauche le dirigeait.

Au programme des zébrures printanières, dix textes inédits, certains bénéficiant de l’accueil et de l’aide de la maison des auteurs liée au festival, tous lus en scène avec un début de mise en scène rappelant les mises en espace de Théâtre Ouvert. Ces textes tous neufs seront présentés dans les lycées de la région, les spectacles en milieu scolaires étant autorisés, il y a là un « »vivier » où puiser « les spectateurs de demain » souligne Kouyaté. Pas de gros spectacles, clefs et réputation en main, venus d’Afrique, du Canada ou d’ailleurs francophones mais, plus modestement, un suivi d’aventures, depuis les balbutiements de l’écriture jusqu’au rendu scénique. « Ne pas faire beaucoup mais accompagner mieux », c’est le credo d’Hassane Kouyaté.

Le premier week-end présentait une pièce venue de Suisse, Chaos, écrite et mise en scène par Valentine Sergo, premier volet d’un vaste ensemble autour d’une femme matrice nommée Hayat .A suivre , donc. Suivaient trois pièces haïtiennes : . Elle voulait ou croyait vouloir et puis tout à coup elle ne veut plus ! », la seconde pièce d’Andrise Pierre, une écriture en devenir ; Que ton règne vienne, la première pièce de Gaëlle Bien-Aimé bien connue à Port au Prince pour #JeSuisGaelle son stand-up évolutif en fonction de la situation, justement apprécié pour son ton caustique et humoristique .

La troisième pièce venue d’Haïti, L’amour telle un cathédrale ensevelie est écrite par l’une des figures phares du théâtre haïtien, Guy Régis Jr. A Port au Prince il dirige et anime le Festival des quatre chemins (lire ici). Un auteur affirmé dont trois pièces sont publiées aux Solitaires intempestifs. Cette nouvelle pièce mêle le créole haïtien et le français, ce n’est pas la première fois que Guy Régis écrit en créole mais, à ma connaissance, c’est la première fois que les deux langues cohabitent dans une même pièce. D'ailleurs la pièce parle de la  cohabitation entre une femme « La mère du fils intrépide » qui vit avec un homme beaucoup plus âgé qu’elle, « le retraité mari ». La femme, mère d’un grand garçon, ayant suivi l’homme âgé dans son pays (non explicitement nommé).

Dès le début, on est dans l’ambiance, électrique et vindicative d’une dispute domestique ; « Gifle-moi. Vas-y. Gifle-moi. Va crétin ! Chien ! »  lance la femme. Son vieux mari propose de sortir pour respirer.. Elle refuse, veut enfin qu’ils se parlent, que ce qui est tu, ressurgisse. «Nous ne sommes pas en guerre mon amour » tente le vieil homme. « Je ne parle pas de guerre vieux cacochyme. Je parle de l’amour, de cet amour mort entre nous. De l‘amour telle une cathédrale ensevelie » réplique la femme. Une métaphore (qui reviendra plusieurs fois) parlante pour tous les haïtiens. Elle leur rappelle les désastres du tremblement de terre il y a plus de dix ans et la destruction de la cathédrale Notre Dame de Port au Prince aux pierres ensevelies.. D’un désastre l’autre, en quelque sorte. Le fils a arrangé  le départ de sa mère auprès de cet étranger, une union arrangée via les réseaux sociaux.. « Tout ce que j’endure, tout cet effort, je le fais pour lui » dit "la mère du fils intrépide". Mais où est ce fils ? Qu’est-il devenu ? On est sans nouvelles depuis deux mois.

Alors la pièce bascule du côté du fils (et du film car cette partie devrait être filmée). Il a fui son pays sur un boat people. Nous voici en haute mer, le fils a emporté pour tout bagage sa langue natale. Le créole haïtien envahit la scène, la barque chavire. Mort ? La pièce, bien mise en scène par Catherine Boskowitz, s’achève par un magnifique monologue de la mère dit par la non moins magnifique actrice Nathalie Vairac pour laquelle Guy Régis Jr a écrit cette pièce et à qui il l’a dédiée.

Le dernier spectacle de ce premier week-end des Zébrures de printemps (un second et dernier week-end suivra le 27 mars) ne rentrait dans aucune case puisqu’il y était qu’est question d’une vie et non d’une pièce, d’un auteur mort et non vivant, mais quel auteur ! L’incasable et irréductible Kateb Yacine.

Dans Sur les pas de Kateb Yacine,Mohamed Kacimi a eu la formidable idée de raconter la vie de l’auteur de Nedjma et de Mohammed prends ta valise en piochant dans les nombreux interviews que Kateb ( dont le mot veut dire, livre et écrivain) a donné et en les arrangeant. Un bon nombre d’entretiens entre 1958 et 1969 (année de sa disparition) ont été réunis par Gilles Carpentier sous le titre Le poète comme un boxeur (éditions du Seuil, éditeur principal de Kateb) à partir des archives de l’auteur déposées à l’IMEC.  Kacimi a aussi puisé dans des films et des émissions de radio (France-Culture) aisément trouvables sur Internet. La seconde idée de Kacimi, tout aussi formidable, a été de demander à Souad Massi de ponctuer musicalement cette vie avec ses propres compositions portées sa voix enchanteresse. Un régal entre deux langues. Une triple complicité. Un enchantement.

Kacimi avait effectué un premier montage pour Marcel Bozonnet lorsque ce dernier dirigeait la Comédie-Française. Une représentation avait eu lieu au Centre Culturel Français d’Alger en 2007. Bozonnet déclara alors dans la presse : « Pour moi, Kateb Yacine reste essentiellement un poète qui a connu les tragédies de ce siècle et qui les a traduites avec l’émerveillement et la violence d’un enfant resté amoureux de son enfance jusqu’à la fin de sa vie. Kateb Yacine est certainement l’une des plus grandes figures de la littérature algérienne » On ne saurait mieux dire.

Ce qui frappe dans ce montage, c’est la sincérité profonde de Kateb Yacine, son esprit indépendance et sa solidarité avec les humbles. Un esprit libre qui déclare sans fard  « l’armée a fait entrer les loups islamiques dans la bergerie algérienne au premier jour de l’Indépendance ». Lui qui avait quitté l’Algérie pour mieux y revenir un jour, revient après l’Indépendance. Il essaie de faire de la radio, du cinéma, d’écrire dans la presse, mais les portes se ferment. « J’ai compris alors qu’il était impossible de sortir de la triade Algérie, Arabe, Islam. Et que pour faire du théâtre il ne fallait parler ni du pouvoir, ni de la religion, ni du sexe. Ce qui revenait à dire qu’on pouvait monter des pièces pour ne rien dire. » Après le coup d’état du colonel Boumédienne en juin 1965, il prend sa valise, revient en France, finit non sans mal Le Polygone étoilé puis, noie sa tristesse en voyageant. Mais vient le moment où « le bordel algérien «  lui manque.Etc.

Bien sûr, Mohammed Kacimi commence par le commencement : l’enfance, la famille, l’éveil de la poésie et de l’engagement, les événements de Sétit et son arrestation, sa mère qui devient folle lorsqu'elle le croit mort, la rencontre amoureuse avec sa cousine Nedjma. Et ainsi de suite.. Quelle vie !

Mohamed Kacimi me choisit pas d’achever le périple par la mort du héros (en 69 à Grenoble) mais par une analyse et un appel qu’il partage assurément. «Si je devais laisser un testament, c'est ma haine des religions. Ce qui a esquinté le monde, ce qui m'a esquinté et ce qui vous esquinte aujourd’hui ce sont les religions. Ces trois religions monothéistes font le malheur de l'humanité  (…) Le malheur de l'Algérie a commencé avec la religion. Nous avons subi les Romains et les chrétiens. Aujourd’hui nous subissons la colonisation arabo-islamique. » dit Kateb Yacine.  Et de conclure : « Je vous le dis ce soir: si on ne se réveille pas, si on ne bouge pas nous allons y laisser notre liberté et notre peau. Debout alors, debout. Y a pas de bon dieu. Et si y a un bon dieu, c'est vous. Le bon dieu,c’est nous et rien d’autre, alors, debout, mes frères, débout...debout, debout.. »Et Souad Massi d’accompagner Kacimi à la guitare et de chanter dans la langue ancestrale des Kateb.

Les Zébrures du printemps à Limoges, s'achèveront le 27 mars, sans autre public que celui, restreint, réunissant professionnels et journalistes.

Légende photo :  Kateb Yacine © Brigitte Enguérand

Par Philippe Chevilley et Philippe Noisette dans Les Echos le 24 mars 2021

Olivier Py a présenté la programmation du 75e festival d'Avignon, espérant qu'elle puisse se tenir dans des conditions normales. Une édition de relance et de combat, forte d'une belle présence féminine et d'une affiche de gala dans la Cour d'honneur : « La Cerisaie », de Tchekhov, mise en scène par Tiago Rodrigues, avec Isabelle Huppert. Côté théâtre, des créations de Christiane Jatahy, Caroline Guiela Nguyen, Angélica Liddell ou Emma Dante. Côté danse, une « dream team » : Maguy Marin, Dimitris Papaioannou, Jan Martens, Dada Masilo, Marcos Morau…

Philippe Chevilley et Philippe Noisette

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Isabelle Huppert vedette de « La Cerisaie » de Tchekhov dans Cour d'honneur. Elle sera dirigée par Tiago Rodrigues. (© Tobias SCHWARZ/AFP)
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Par Clarisse Fabre dans Le Monde le 23 mars 2021

Installé au Théâtre des Amandiers de Nanterre, le cinéaste n’a cessé de faire évoluer sa création à cause de la crise sanitaire.


Vous sortez du RER A, à Nanterre (Hauts-de-Seine), vous traversez le parc André-Malraux et contournez le plan d’eau qui semble séparer la vie terrestre des enfers. Mais nul homme à la barque sur le Styx, la descente commence dans un petit sentier abrupt et humide menant à l’entrée des artistes du Théâtre des Amandiers… Vendredi 12 mars, 9 heures du matin. L’homme à la barbe (brune, foisonnante) qui officie entre scène et gradins se nomme Bertrand Mandico. Né en 1971, auteur d’une trentaine de courts-métrages et d’un premier « long » onirique, sensuel et fiévreux, Les Garçons sauvages (2018), avec des actrices dans les rôles masculins, le cinéaste a été invité par le directeur du Centre dramatique national (CDN), le metteur en scène Philippe Quesne, alors que dernier achevait son mandat aux Amandiers – Christophe Rauck lui a succédé le 1er janvier.

Répondant à l’invitation de créer dans un théâtre, Bertrand Mandico a proposé une « relecture libre » et féminisée de Conan le Barbare, du nom du personnage imaginé dans les années 1930 par l’écrivain américain Robert E. Howard, et du film (1982) de John Milius. Un temps baptisée Conan la Barbare, la création s’appelle désormais Conan la Déviante. Plusieurs actrices incarnent l’héroïne à des âges différents : Claire Duburcq, Camille Rutherford, Sandra Parfait… « Ce sera “la” Barbare et non plus “le” : une femme qui se raconte au travers d’un spectacle depuis les enfers où elle règne, nostalgique de ses propres horreurs », explique Bertrand Mandico, qui entend « vider l’excès de virilité » de l’œuvre initiale, adaptée au cinéma avec Arnold Schwarzenegger.

Féminiser, c’est érotiser, c’est aussi porter un regard décalé, dans une veine étrange ou burlesque, sur cette chaîne de barbaries perpétrées par les hommes depuis la nuit des temps. Bertrand Mandico tourne sur support pellicule et sublime ses scénarios guerriers par la grâce d’images ultra-stylisées, bricolées avec sa caméra super-16. Si l’on reconnaît son esthétique au premier coup d’œil, c’est parce qu’elle est traversée par un tissu d’influences qui n’appartiennent qu’à lui, du cinéma japonais érotique au poète, chanteur et réalisateur punk F. J. Ossang, de Jean Cocteau au cinéaste canadien Guy Maddin, de Federico Fellini à David Lynch.

« Mise en abyme »

L’équipe de Conan…, produit par Emmanuel Chaumet (Ecce Films) et Antoine Garnier (Orphée Films), a investi le Centre dramatique national de Nanterre en novembre 2020, jusqu’aux toilettes masculines et leur rangée de pissotières qui ont été taguées en noir, dans un style no future. Un petit nombre de collaborateurs, fidèles de Bertrand Mandico, participent à l’aventure, rejoints par quelques nouvelles venues, telle la dramaturge de théâtre Marion Stoufflet. Sur le grand plateau, on découvre aussi les vestiges du tournage de la veille, une compression de corps, plus ou moins démembrés, ainsi qu’une mare d’eau rougie sous le filtre d’un projecteur, que surplombe le trône de la « Reine des Barbares ».

A quelques mètres, comme piquée sur un poteau, la tête reconstituée de Pacôme Thiellement, essayiste et vidéaste qui tient conférence – pour de vrai – dans le projet Conan, sous le nom de Lovecraft… Arrive sur le plateau Camille Rutherford, jambes fuselées, petit gilet en fourrure sur la poitrine nue. Regard noir et perçant, elle avance face caméra et manie son épée de la main gauche.

Bertrand Mandico, cinéaste : « A chaque fois que le projet se complexifiait, mon réflexe a été un peu étrange : je me suis dit, on n’a qu’à faire un autre film. Donc j’ai multiplié les films »

Au départ, le projet de Conan… mêlait un spectacle et un tournage, avec la perspective de performances ouvertes au public. Mais la persistance de la crise sanitaire a balayé le programme. « Quand on a compris qu’il serait impossible de faire venir des spectateurs, je me suis mis à travailler sur la mise en abyme de cette création, résume Bertrand Mandico. A chaque fois que le projet se complexifiait, sur le plan logistique ou financier, mon réflexe a été un peu étrange : je me suis dit, on n’a qu’à faire un autre film. Donc j’ai multiplié les films. »

Il y en aura quatre au total, du moins à l’heure où ces lignes sont écrites. Un court-métrage a déjà été tourné, un projet de « long » est lancé, ainsi qu’un film en réalité virtuelle. Le 12 mars, nous assistons au tournage du quatrième opus, un film sur les performances qui n’ont pu avoir lieu devant le public. « L’adaptation filmique de ce qu’aurait pu être le spectacle », résume Bertrand Mandico, à propos de cette œuvre fantôme.

« Bourreaux et victimes »

Robe vintage et talons hauts, le comédien Christophe Bier sort de la loge de « maquillage ». Il incarne Octavia, une metteuse en scène qui fume des cigarettes longues et fines, et semble bien en peine de faire avancer son projet. « C’est un personnage mélancolique, voire dépressif. Si le cinéma est mort, elle n’a plus de raison d’être, la salle est vide », explique l’acteur en faisant référence au film de Rainer Werner Fassbinder, Prenez garde à la sainte putain (1971), l’histoire d’une équipe de tournage confrontée à de multiples difficultés.

Sa partenaire de jeu, Elina Löwensohn, se concentre avant de monter sur scène, dans son blouson orné d’une inscription cloutée dans le dos : « Rainer », tiens tiens… On la laisse filer à regret. Elle porte sur le visage un masque de chien métallique, et campe un personnage potentiellement menaçant.

Dans les couloirs, Pacôme Thiellement passe une tête, la sienne cette fois-ci, en chair et en os. Il ne tourne pas ce jour-là, et veut bien parler de la « mélancolie » chez son ami cinéaste. « Bertrand travaille des variations sur le même thème : ce s1ont des humains qui, dans leur relation à la vie et à l’amour, sont toujours bourreaux et victimes. Dans Conan, on part des temps barbares mythiques, et on arrive à notre époque : il y a l’Europe, des militaires qui sont des sortes de proto-nazis. On est dans un méta-monde, on ne sait pas si les personnages sont morts ou vivants. » Nul ne sait quand se terminera l’odyssée des quatre films. La résidence aux Amandiers a pris fin mercredi 17 mars, en attendant le tournage du long-métrage, avec un casting « en mutation », à l’image du tentaculaire projet Conan.

Clarisse Fabre

Légende photo : Julia Riedler et Camille Rutherford sur le tournage du film de Bertrand Mandico, « Conan la Déviante » au Théâtre des Amandiers à Nanterre (Hauts-de-Seine). MARTIN ARGYROGLO

par Stéphane Roland dans Libération publié le 23 mars 2021

Premier de cordée, le théâtre fondé par Brecht, le Berliner Ensemble, a rouvert deux soirs, avec un protocole sanitaire très rigoureux, dont la mise en place de tests antigéniques compris dans le prix du billet.

Par Léa Iribarnegaray dans Le Monde 23/03/2021

Il était passionné de théâtre avant même d’avoir vu sa première pièce. Ce fils d’un ouvrier et d’une femme de ménage est, à 26 ans, l’un des plus jeunes pensionnaires du théâtre tricentenaire.

La Relève. Tous les mois, « Le Monde Campus » rencontre un jeune qui bouscule les normes. 

Après une longue année de disette, nous avions rendez-vous à la Comédie-Française. Dans la vie réelle : place Colette, au cœur du 1er arrondissement de Paris. On nous avait même dit de passer par l’entrée du personnel, « sur le côté, vers les colonnes de Buren ». Et patatras. Comme toutes les autres, la porte du Théâtre-Français resterait fermée. Notre interviewé, Birane Ba, était débordé. On se contentera d’un pantouflard coup de téléphone.

Malgré la crise, le comédien a conservé un emploi du temps de ministre, à mille lieues du chômage technique. Ce mardi-là, Birane Ba est à Beynes (Yvelines), sur le tournage d’une série pour OCS – Les Sentinelles, de Jean-Philippe Amar. L’artiste aux dents du bonheur se sait très privilégié. Jeune recrue de 26 ans au sein d’une institution publique vieille de plus de trois siècles, Birane Ba est pensionnaire de la Comédie-Française depuis le 25 février  2019 – il récite la date comme une poésie. Alors encore étudiant au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris, le garçon s’est vu offrir un salaire fixe et l’équivalent d’un CDI – chaque année, la Troupe peut décider de le débarquer ou de lui proposer de devenir sociétaire pour cinq ans, renouvelables sans limite. En septembre 2018, Birane Ba avait déjà été engagé au « Français » en tant qu’« artiste auxiliaire » pour interpréter Octave dans Les Fourberies de Scapin de Molière, par Denis Podalydès ; et le rôle-titre dans Bajazet de Racine, par Eric Ruf.

« Etre payé pour faire rêver les gens, c’est un rêve absolu. C’est notre devoir de continuer à faire voyager le public »

« Etre payé pour faire rêver les gens, c’est un rêve absolu, lâche celui qui, en temps de pandémie, se sent investi d’une mission. C’est notre devoir de continuer à faire voyager le public. En tant que comédien engagé par l’Etat, c’est mon travail, mon engagement, de donner du rêve malgré tout. » Depuis le premier confinement, sa « Maison » ne s’est d’ailleurs jamais arrêtée de tourner. Dès le 30 mars 2020, différents programmes ont été lancés en ligne : « La Comédie continue ! », suivi de « La Comédie continue, encore ! », puis « La Comédie reprend », et enfin « Comédie d’automne » début novembre.

Bien sûr, après un triste anniversaire de fermeture des théâtres, Birane Ba évoque quelques « coups durs, espoirs et désillusions ». « Quand on répète sans savoir si on pourra se confronter au public, on a l’impression de ramer et de ne jamais voir le bord », dit-il. Il aimerait retrouver les gens « sur un vrai plateau », loin de la « barrière » de la vidéo. Entendre résonner « leurs rires, leurs pleurs, leurs allées et venues… ».

« Un bosseur formidable »

Pour « Comédie d’automne », Birane s’est tout de même invité à des sessions du « Théâtre à la table » : sans costume ni décor, une équipe prépare en cinq jours la création d’une pièce, filmée et diffusée le samedi à 20 h 30 sur les réseaux sociaux. On le découvre alors en Don Sanche, l’amoureux de Chimène dans la tragi-comédie de Corneille, Le Cid. Ancien joueur de foot, Birane Ba a également failli transpirer en participant à la 62e lecture d’A la recherche du temps perdu, de Marcel Proust : soir après soir, les Comédiens-Français s’y relaient dans un « mini-marathon ».

Il faut dire que Proust, ce n’est pas son truc. Même s’il aime   « malaxer les mots », Birane Ba préfère « les petits formats ». « Je suis prêt à lire un poème d’Hugo chaque soir pour moi, parce que je sais qu’il y a une fin !, assume-t-il. La lecture, ça se cultive… Je n’ai pas pris le pli depuis petit et ça me demande un effort ». Le jeune homme « admire ceux qui ont un rapport au livre » – objet qu’il sacralise. Lui avoue lire avant tout « sous la contrainte du travail, rarement pour le plaisir ».

« Il y a chez ce jeune acteur un mélange étonnant de joie et de profondeur, qui en fait une promesse pour des répertoires très différents », Eric Ruf, administrateur général de la Comédie-Française

Cela ne l’empêche pas d’être un « bosseur formidable », selon les termes d’Eric Ruf, l’administrateur général de la Comédie-Française. « Il y a chez ce jeune acteur un mélange étonnant de joie et de profondeur, qui en fait une promesse pour des répertoires très différents ». D’ailleurs, Birane Ba le répète à l’envi : « Tout n’est pas arrivé d’un seul coup. » Non, le jeune pensionnaire n’a pas partagé sa loge avec Laurent Lafitte en un claquement de doigts. Il a gravi les échelons un à un, convaincu d’avoir un parcours on-ne-peut-plus-classique.

Le garçon a pourtant grandi bien loin de la place Colette et des théâtres parisiens. Son enfance, il l’a passée en Normandie, à Vernon (23 000 habitants), dans le quartier de la Poterie, entre Rouen et Paris. Arrivé après six grandes sœurs, Birane était attendu comme le messie par ses parents, tous les deux Sénégalais et musulmans. Il garde un souvenir ému de « l’insouciance et l’amusement », des centres aérés en forêt, des campings à Merville-Franceville… continuant de chérir cette « part enfantine » du jeu avec ses « blagues à deux balles », « précieuse pour le métier ». Même si, faute de temps, il a fini par lâcher ses flows de rap et la PlayStation.

Son père, ouvrier à la fonderie de Saint-Marcel à Vernon, s’est reconverti au moment de la fermeture des usines : avant de prendre sa retraite, il était « adulte relais » (médiateur) pour le quartier. Sa mère, femme de ménage, s’est surtout occupée des enfants. Quelle fierté pour eux de découvrir Birane grimé en Octave – son « pote imaginaire » –, sur les planches de la Comédie-Française ! « Voir ma mère dans ce lieu, si ancré dans l’histoire de la culture française, elle qui ne connaît rien à Molière mais qui en même temps a tout compris… C’était fort de sens pour moi », observe celui qui est le cinquième comédien noir de l’institution, et qui se contente qu’on le lui rappelle. « C’est magnifique de faire venir des gens qui n’en ont pas l’habitude. Ils ont un rapport au théâtre moins intellectuel, plus immédiat. Je trouve ça très beau et ça nous fait redescendre un peu. »

Tenter sa chance

S’il n’était question ni de Racine ni de Brecht à la maison, c’est au collège que Birane Ba a rencontré sa passion. Après la lecture d’un poème en 6e, son professeur de français, monsieur Morio, lui conseille de s’inscrire au club de théâtre : « Je me souviens de notre première représentation à la cantine. J’étais comme un poisson dans l’eau. J’ai su que c’était ça que je voulais faire. » Birane promet de décrocher de meilleures notes en français pour intégrer une 2de option théâtre au lycée d’Evreux. Interne, on l’emmène voir la première représentation de sa vie… à la Comédie-Française, cela ne s’invente pas. Mais le garçon rentre à Vernon l’année d’après : « Je ne me sentais pas un bagage assez costaud pour faire un bac littéraire », défend-il, ravi de retrouver le cocon familial et de pouvoir s’inscrire au conservatoire municipal.

Son bac ES en poche, il file à Rouen pour suivre un BTS en commerce international, tout en travaillant dans une boutique de téléphonie. Cette fois, Birane Ba découvre le conservatoire régional : « J’enviais ceux qui étaient en cursus professionnel, ils avaient ma vie rêvée… Je ne voyais pas l’intérêt de mon BTS, j’ai fini par me donner deux ans pour tenter ma chance. » L’étudiant boursier valide son diplôme, et c’est à Paris que tout s’enchaîne. Il entre dans la classe libre du Cours Florent avant d’intégrer, au bout d’un an, le conservatoire national, puis de partir, au bout d’une autre année, en tournée avec la troupe du « Français ».

A 26 ans, Birane Ba est actuellement l’un des trois plus jeunes pensionnaires de la Maison de Molière, née en 1680. « La jeunesse est la condition même de notre ancienneté, souligne Eric Ruf. Dans notre théâtre, des comédiennes et des acteurs d’une vingtaine d’années travaillent avec des comédiens et des actrices de plus de 80 ans. Le réveil est mutuel, constant, condition d’une évolution permanente des pratiques et des pensées. »

S’il dit les alexandrins à sa manière, Birane Ba sait que sa génération forme désormais la richesse et la diversité du théâtre. Il incarne avec brio la devise de la Comédie-Française – « Simul et Singulis », être ensemble et être soi-même. D’abord impressionné, Birane réalise que les autres comédiens aussi veulent s’amuser :  « Chacun à son poste, on s’envoie des passes et on joue. On forme une équipe : si quelqu’un trébuche, on va l’aider. Et pour marquer, il faut rendre le public heureux ».

Photo de Birane Ba © Stéphane Lavoué

Christophe Rauck a donc fait ses adieux au Théâtre du Nord en tant que directeur – il dirige le lieu et l’École professionnelle supérieure d’art dramatique depuis 2014 et part pour les Amandiers de Nanterre – avec une adaptation de la pièce de Sara Stridsberg sur la reine Christine de Suède (1626-1689). Avant de tourner à l’automne prochain, cette sublime mise en scène a joué les 16, 17 et 18 mars à 15h pour un public de professionnels et d’étudiants. Nous y étions et vous en rapportons quelques fragments de flocons…

Il y a beaucoup de vie sous une petite pluie fine devant le Théâtre du Nord lorsque nous y arrivons mardi 16 mars dans l’après-midi. Le Théâtre est en état de siège d’autant plus affirmatif, paisible et joyeux que les étudiants passent des examens et jouent pour leurs professeurs. Au même moment, le directeur qui a tellement marqué le lieu propose pour un public de professionnels sa dernière création à ce poste : la pièce de la plus jeune membre jamais élue à l’académie du prix Nobel, l’auteure suédoise Sara Stridsberg. Caustique, féministe et complexe, son univers saisit et fait froid dans le dos, qu’il s’agisse de brosser le portrait de Valérie Solanas (lire notre critique du roman La fabrique des rêves, ici et son adaptation scénique, là) ou pour brosser le portrait de la figure forte féminine de la cour de Suède immortalisée par Greta Garbo dans le film éponyme de Rouben Mamoulian (1933). La reine Christine donc, s’est retrouvée en 1632 seule héritière de son père Gustav II Adolphe, tué à la guerre à l’âge de 6 ans. En l’absence d’héritier mâle, c’est elle qui règne.

On la saisit au moment où elle passe à l’âge adulte et au moment du couronnement, isolée, sa mère partie vivre dans des contrées plus ensoleillée, et bataillant pour ne PAS se marier et surtout ne pas donner au royaume un héritier mâle. Cette reine rebelle était connue pour s’habiller en homme, aimer chasser et philosopher et refuser toutes les conventions. Sara Stridsberg la dépeint comme un monstre froid, manipulant les autres par perte d’elle-même, et refus d’une condition féminine terminant forcément par la mort en couches. Froid, c’est ce que le public ressent immédiatement ; le froid beau et scintillant de la neige, sur une scène noire cendre, avec dessus un grand bocal de lumière et de plumes blanches où évolue l’héroïne. Étonnamment, elle porte une vraie robe de princesse, soyeuse, vieux rose et à corset. Et pourtant le texte nous la présente toujours comme Roi/Reine, refusant d’épouser le veule et mou (mais gentil et aimant love) pour préférer le corps mince de sa suivante, Belle. De temps en temps, elle sort de sa cage enneigée pour discuter avec le fantôme ensanglanté de son père, où sortir de sa boîte « le philosophe » qui pose toutes sortes de questions de genre et dont elle finit par se séparer quand la leçon sur les destins des princesses de Suède est lumineuse pour tous…

Le texte est cru et parle de genre avec quelque chose qui oscille entre le classicisme d’un théâtre psychologique ou de l’absurde, et l’aspect très contemporain d’un féminisme à la fois affirmé et complexe. La mise en scène est d’autant plus glaçante qu’elle est féérique et Christophe Rauck arrive génialement à nous mettre mal à l’aise avec une beauté presque aussi pure qu’un flocon de neige (musique de Bach, scénographie à couper le souffle de Alain Lagarde, et lumières divines de Olivier Oudiou). En Fille du Roi – Reine Christine – Roi-Reine, Marie-Sophie Ferdane livre une performance d’actrice époustouflante : effrayante, fragile, habitée, perdue, elle campe parfaitement la lutte avec l’animalité et le destin de son personnage qui demeure malgré tout l’archétype d’une femme fatale… Autour d’elle, les autres comédiens s’activent entre grâce et grincement comme des allégories baroques menaçantes du pouvoir, de l’amour, de la mort et de la sagesse. Le tout forme une ronde qui nous encercle et sait nous charmer et nous terroriser à la fois. Dissection d’une chute de neige est une tragédie indémodable qui nous saisit avec violence et clarté.

À voir les 18 et 19 novembre prochains à la Comédie de Caen, du 25 novembre au 18 décembre au Théâtre des Amandiers et puis à Angers, Villeurbanne et Lorient. Captation sur France Culture , le 25 avril à 20h, dans l’émission Fictions/ Théâtre et Cie.

Dissection d’une chute de neige, de Sara Stridsberg, mise en scène : Christophe Rauck, avec Thierry Bosc, Murielle Colvez, Habib Dembélé, Marie-Sophie Ferdane, Carine Goron, Christophe Grégoire, Emmanuel Noblet, 2h10.

Visuels : © Simon Gosselin

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 19 mars 2021

Sous le titre « Le feu, la fumée, le soufre », Jean-Michel Rabeux et Bruno Geslin ont - fidèlement et librement - adapté « Édouard II » de Christopher Marlowe. Geslin signe seul la mise en scène et la scénographie. Claude Degliame habite le rôle-titre mais il faudrait citer toute la troupe de cette sombre, sensuelle et sanglante fête théâtrale.

TRIBUNE  par Un collectif de personnalités du théâtre

Quartiers d’Ivry, Théâtre du Nord, Nanterre Amandiers, Comédie de Saint-Etienne et Comédie de Béthune : les nouvelles directions sont masculines. Le gouvernement réaffirme son conservatisme en écartant les artistes femmes de la direction des lieux culturels publics.

26 MARS 2021 | PAR ANAËLLE PADÉ dans Toutelaculture.com

Malgré les difficultés actuelles rencontrées par le monde du spectacle, La ménagerie de Verre demeure un lieu de vie, d’expérimentation, de création pour les artistes. Le festival « Etrange Cargo » en est la preuve. Ce mercredi 24 mars, à 15h, il accueillait la création de Yuming Hey et Mathieu Touzé.

La réunion de deux talents

Ces deux artistes qui se sont rencontrés lors de leurs études théâtrales à l’Ecole Départementale de Théâtre de l’Essonne ont fondé ensemble le collectif Rêve Concret. Bien qu’ils poursuivent des projets différents – Mathieu Touzé prend la direction du Théâtre 14 et Yuming Hey sort du Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique –  ils se réunissent cette année autour du texte Que font les rennes après Noël ? d’Olivia Rosenthal dans une création intitulée Une absence de silence.

Un spectacle scindé en deux tableaux

Le metteur en scène, Mathieu Touzé, dit que « La rencontre au plateau du texte d’Olivia Rosenthal et de la danse raconte cette reconquête de soi et du monde. » La reconquête dont il est question dans ce spectacle est celle de notre intuition, de notre instinct, aliénés par la domestication dont nous sommes victimes et que nous infligeons aux animaux. La dichotomie entre corps et esprit, instinct et raison, humanité et animalité est présente tout au long du texte, « Votre corps et votre esprit vivent deux vies parallèles », « Le désir d’humanité est équivalent au désir d’humanité »,  et se retrouve également dans la mise en scène grâce à deux tableaux, deux mouvements qui illustrent cette opposition.

Un premier mouvement : la part d’animalité

Il faut saluer l’ouverture de ce spectacle, ce premier tableau fascinant et dérangeant qui étire le temps, qui fait redécouvrir la potentialité bestiale de notre corps.  Il n’y a aucune parole.  Les danseurs, Laura Desideri, Jeanne Alechinsky, Yacouba Sissouko, Yanou Ninja, Zion Garçon, Marlon Valmary et l’interprète du texte, Yuming Hey, pénètrent dans la salle obscurcie. Ils avancent à quatre pattes, reproduisent avec grande justesse le comportement, les déplacements, l’attitude d’une meute de lions. C’est impressionnant ! La souplesse de leurs corps, la cambrure de leur dos dénaturent la démarche de l’homme civilisé qui se veut rigide, droite, bipède. Ils sont simplement vêtus de sous-vêtements noirs. Peu à peu, Yuming Hey se relève, il est rejoint par les autres danseurs, ils avancent lentement dans marche hypnotique.

Le mariage comme symbole de la domestication

C’est dans ce deuxième mouvement que le travail des costumes réalisés par Estelle Deniaud – qui s’est occupée aussi de la scénographie – sera le plus mis en valeur. Dans ce passage, la domestication est associée au mariage.  Nous assistons à un mariage qui se joue des codes de la cérémonie. Le blanc est de mise mais la sobriété de la robe, son élégance est remplacée par une forme bien plus excentrique : mini-jupe ornée de plumes, chaussures à talons avec paillettes, corsets, cuissardes, …  Les danseurs, qui incarnent les invités de cette cérémonie débridée, traversent le plateau avec la démarche assurée et marquée des défilés de mode, les uns à la suite des autres. Ils font « le show » avec des danses qui mêlent le contemporain et le voguing. Cependant, la superficialité des vêtements et des attitudes sera vite balayée au profit d’un retour à l’état de nature. Ils laissent tomber leurs fioritures à terre, redonnent à leur corps une nudité propre à l’état sauvage.  

Une mise en scène qui soutient l’agressivité et la violence du texte

La violence du texte est amplifiée par des procédés d’écho : les danseurs forment un chœur anarchique, murmurant et chuchotant des bribes de phrases. De plus, les effets sonores reprennent certaines phrases percutantes. C’est aussi l’interprétation de Yuming Hey qui donne un ton particulier au texte en le mêlant à des rires moqueurs et inquiétants, en accélérant le rythme de sa parole au cours de certaines digressions ou en créant un effet de contraste entre la lenteur de son corps et le débit ininterrompu de sa parole. Les moments de pause tendent à valoriser le texte. Après une lente traversée du plateau, Yuming Hey offre son visage dur et inquiétant au public, une larme coule sur sa joue et trahit son humanité. Le texte, par son adresse constante au spectateur avec l’utilisation du « vous », provoque une  sensation d’inconfort qui, par l’interprétation de l’acteur, est intensifiée. 

Une création visuelle de Justine Emard fait office de transition entre ces deux tableaux. Sur des rideaux blancs sont projetés une pléthore de vidéos imbriquant des sujets divers : actualité, publicité, vidéos amateurs, extraits de films, clips musicaux… Les images se succèdent, défilent à toute vitesse, forment un kaléidoscope de ce qui constitue l’humanité. Le sensation de malaise est encore renforcée par ce vertige face à cette déferlante de contenus et par la voix de Yuming Hey qui ne cesse de marteler « Vous avez peur »

Un écho à l’imaginaire de la SF 

Au début du spectacle, des ombres pénètrent dans l’obscurité, la fumée opacifie les corps et les rend indistincts. Les contours sont flous, on est presque effrayé de les voir s’approcher de nous, peupler le plateau. La particularité de la scène – une grande profondeur de champ et un plafond très bas –  alimentent cette ambiance anxiogène. Le plateau est plongé dans la brume. On pourrait penser que ce sont des insectes, de grandes araignées qui envahissent le plateau. Cette image rappelle le film Premier Contact de Denis Villeneuve dans lequel les extraterrestres sont représentés par des êtres mystérieux dont la forme nous est inconnue. Est-ce un hasard si l’image qui clôture ce spectacle procure la même sensation de fascination et de mystère propre à la SF ? Les corps des acteurs, marchant au ralenti, sont dos au public et se dirigent vers une lumière aveuglante et blanche, qui découpent leurs silhouettes en des ombres énigmatiques.

La création « Une absence de silence » est dotée d’une véritable richesse visuelle. Les contrastes, qui se retrouvent à la fois dans les corps et dans la mise en scène, prolongent le discours du texte par des procédés scéniques et théâtraux. Tantôt les corps sont rigides, leur déplacements robotiques, tantôt ils sont fluides et libérés. On passe d’une obscurité mystérieuse à une lumière aveuglante, d’un son indistinct et sourd à une musique techno et rythmée. Seul le texte traverse toutes ces fluctuations dans une tonalité hachée, parfois accélérée, mais qui participe, encore, à la dimension hypnotique et mystérieuse de la mise en scène.

Anaëlle Padé / Toutelaculture.com

Visuel :© Christophe Raynaud de Lage

Par Simon Gourru  dans Le Parisien - 60 / 25-03-21

Fermée depuis plusieurs mois à cause de la crise sanitaire, la Faïencerie veut garder le lien avec son public. Elle enregistre actuellement ses spectateurs pour un projet de création sonore sur le thème de l’attente.

par Anne Diatkine dans Libération publié le 25 mars 2021 

Six étudiantes en écoles d’art dramatique vont défendre, ce jeudi, les revendications de leurs pairs auprès du ministère. Si leurs demandes sont proches de celles des syndicats, elles tiennent à porter la voix de la jeunesse dans cette crise, qui a permis de développer une convergence des luttes et de rompre leur isolement.

isolement.

Légende photo : Des étudiants en art dramatique devant le Théâtre de la Colline lors de son occupation, le 9 mars. (Thomas Coex/AFP)

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 25/03/21

Olivier Py a présenté, mercredi 24 mars, les spectacles qui composeraient le « in », prévu pour se tenir du 5 au 25 juillet dans la Cité des papes. Une édition de haute tenue et internationale, en dépit du contexte de crise sanitaire.

« On y croit ! » : c’est le message principal envoyé par Olivier Py, ainsi que par toutes les tutelles, mercredi 24 mars, lors de l’annonce du programme du 75e Festival d’Avignon, prévu pour se dérouler du 5 au 25 juillet. On a d’autant plus envie d’y croire que le programme dévoilé par le directeur du festival est de haute tenue, sans en rabattre, malgré le contexte sanitaire, sur l’exigence artistique ni sur la dimension internationale de la manifestation créée par Jean Vilar en 1947.

L’ouverture de cette édition résolument féminine, féministe et diverse, dont le thème est « Se souvenir de l’avenir », a été confiée à deux femmes puissantes. Isabelle Huppert fera son grand retour dans la Cour d’honneur du Palais des papes, en jouant dans La Cerisaie, de Tchekhov, sous la direction du Portugais Tiago Rodrigues. La metteuse en scène brésilienne Christiane Jatahy proposera Entre chien et loup, création inspirée par Dogville (2003), de Lars von Trier.

Du côté des grands artistes étrangers, on retrouvera également l’Espagnole Angélica Liddell, avec L’odeur du sang ne me quitte pas des yeux ; la Sicilienne Emma Dante, avec deux créations, Misericordia et Pupo di zucchero ; le Sud-Africain Brett Bailey, avec Samson ; les Belges Anne-Cécile Vandalem, avec Kingdom, et du groupe FC Bergman, avec The Sheep Song ; le Hongrois Kornel Mundruczo, avec Une femme en pièces.

Diversité

Moins connus, et donc à découvrir, le Rwandais Dorcy Rugamba et le Sénégalais Felwine Sarr s’associent pour proposer Liberté, j’aurai habité ton rêve jusqu’au dernier soir, d’après René Char et Frantz Fanon. Le jeune Palestinien Bashar Murkus doit venir de Haïfa avec une proposition intitulée Le Musée. Le Grec Pantelis Dentakis mêle vidéo et marionnettes miniatures pour adapter La Petite Fille dans la forêt profonde (2008), de Philippe Minyana.

Une même diversité se retrouve chez les Français. Caroline Guiela Nguyen est conviée avec Fraternité, conte fantastique, premier volet d’un cycle théâtral ; Laëtitia Guédon met en scène Penthésilé.e.s - Amazonomachie, de Marie Dilasser. Le jeune et très doué Baptiste Amann retrouve Avignon, d’où il vient, avec sa trilogie Des territoires. Laurent Gaudé a écrit La Dernière Nuit du monde (Actes Sud, 72 pages, 11 euros), dont s’empare Fabrice Murgia. Eva Doumbia propose Autophagies (Histoires de bananes, riz, tomates, cacahuètes, palmiers)… Nicole Garcia joue Marie NDiaye, dans Royan. La professeure de français (Gallimard, 2020). Lola Lafon et Chloé Dabert se retrouvent autour du Mur invisible (Actes Sud, 1992), fantastique texte de Marlen Haushofer. Victoria Duhamel exhume une opérette oubliée d’Offenbach, Le 66 !

Inclassables

On compte aussi un certain nombre d’« indisciplinaires » ou d’inclassables : Théo Mercier avec Outremonde, à la fois une exposition et un spectacle ; Nathalie Béasse, avec Ceux-qui-vont-contre-le-vent ; Mylène Benoit, avec Archée ; Phia Ménard, avec La Trilogie des contes immoraux (pour Europe) ; Madeleine Louarn et son ensemble Catalyse d’acteurs handicapés, avec Gulliver, le Dernier Voyage. On pourra découvrir une troupe de jeunes gens réunis sous le nom de Nouveau Théâtre populaire, proposant Le Ciel, la Nuit et la Fête, soit Le Tartuffe, Dom Juan et Psyché, de Molière.

Désormais incontournables dans la programmation du « in », les spectacles jeune public, le spectacle itinérant, prévu pour tourner dans toute la région, et le feuilleton théâtral sont bien au rendez-vous – un feuilleton dont se charge Olivier Py, avec Hamlet à l’impératif !.

La danse est aussi présente dans cette édition qui voit notamment le retour de Maguy Marin, avec Y aller voir de plus près. Sont aussi au menu Rosalba Torres Guerrero et Koen Augustijnen, avec Lamenta ; la Sud-Africaine Dada Masilo, avec Le Sacrifice ; Jan Martens, avec Any Attempt Will End in Crushed Bodies… ; Dimitris Papaioannou, avec Ink. Enfin, c’est le chorégraphe espagnol Marcos Morau qui a été choisi pour la deuxième création dans la Cour d’honneur, Sonoma. On y croit !

Fabienne Darge

Par Nadja Pobel dans Le Petit Bulletin  | Mercredi 24 mars 2021

Cirque | L’un des grands projets culturels des prochaines années sur le territoire métropolitain, la Cité Internationale des Arts du Cirque portée par la compagnie MPTA et l’école de cirque de Lyon, devrait, selon toute vraisemblance, s’implanter à Vénissieux — et non à Saint-Genis-Laval comme prévu initialement. Explications.


Le constat est ancien et cruel pour les circassiens de la région : il n'y a pas assez de lieux d'entraînement et de pratique. La France, de manière globale, en manque. Seule La Grainerie à Toulouse répond à cette demande. Un espace d'entraînement dans La Chapelle de La Cascade (en Ardèche), seul Pôle National de Cirque en Auvergne-Rhône-Alpes, est bien prévu — mais les travaux n'ont pas encore commencé. Pire, le confinement a accentué ces besoins car ces artistes sont aussi des athlètes qui ont besoin d'entretenir leurs corps. Le récent festival Circa qui s'est déroulé à Auch à l'automne a vu se multiplier les blessures : les artistes n'ont pu suffisamment s'exercer en amont. Julie Tavert, acrobate formée à Lyon puis passée par le Graal qu'est le CNAC (Centre National des Arts du Cirque à Châlons-en-Champagne) dit n'avoir pas du tout su où aller lors des six premiers mois de la crise sanitaire.

Photo : © Brice Robert

Propos recueillis par Cristina Marino dans Le Monde - 23 mars 2021

Le metteur en scène a tenté de mener à bien son projet fleuve à visée familiale, « Une épopée », en dépit des contraintes liées à l’épidémie de Covid-19.

Le comédien, marionnettiste et metteur en scène Johanny Bert, 40 ans, a plus d’une quinzaine de spectacles à son actif, avec sa compagnie Le Théâtre de Romette, fondée en 2001 au Puy-en-Velay (Haute-Loire). Le dernier en date, Une épopée, est le fruit d’un long processus de création entamé il y a trois ans, et rendu compliqué par l’irruption du coronavirus, en mars 2020.

Lire la rencontre avec Johanny Bert (au Festival d’Avignon, en juillet 2019) : « La marionnette, une façon d’être moi sans être moi »

Comment est né le projet d’« Une épopée » ?

J’ai exploré dans mes créations à la fois les formes pour adultes et celles destinées à un jeune public. Je suis très intéressé par le partage entre l’enfant et l’adulte de cette expérience particulière qu’est la découverte d’un spectacle sur scène. Au départ d’Une épopée, il y a ce désir de faire vivre en famille une aventure hors du commun dans un théâtre : enfants et parents viennent voir ensemble le même spectacle, qui s’étale sur une journée entière. Avec, bien sûr, un propos adapté à ces différents publics.

Le processus de création a commencé il y a environ trois ans par un important travail d’écriture avec quatre auteurs et autrices [Arnaud Cathrine, Thomas Gornet, Gwendoline Soublin et Catherine Verlaguet] à qui j’ai demandé de réfléchir avec moi sur cette commande spécifique d’une épopée contemporaine. Nous avons d’abord essayé de dégager des thématiques communes, récurrentes dans les épopées, comme la figure du héros, la défense de grandes causes, les guerres, le mélange entre réel et merveilleux… Puis nous avons cherché un sujet qui pourrait toucher les familles d’aujourd’hui, et, très vite, la question climatique s’est imposée. Réchauffement de la planète, pollution, gestion des déchets… Autant de préoccupations qui touchent les enfants dans leur quotidien.

Comment le Covid-19 a-t-il modifié votre processus de création ?

Une fois achevé ce travail d’écriture préalable, qui a duré plus d’un an et demi, nous devions entamer les répétitions, et c’est là qu’est arrivé le premier confinement, en mars 2020, qui nous a bloqués pendant trois mois. Nous n’avons pu commencer ces répétitions qu’en juin, et nous avons répété d’arrache-pied pendant tout l’été, grâce au soutien des lieux partenaires de notre création, comme Le Bateau Feu, scène nationale de Dunkerque [Nord], où je suis « artiste compagnon » depuis 2018, le Théâtre Paris-Villette et La Cour des Trois Coquins à Clermont-Ferrand [Puy-de-Dôme], où est implantée ma compagnie, Le Théâtre de Romette. Je tiens à souligner le rôle essentiel de ces structures durant cette période si compliquée.

Après un été passé en répétitions, nous avons pu jouer deux fois seulement Une épopée sur scène, à Dunkerque. Ensuite, toutes nos dates de tournée ont été annulées. A l’occasion de ces deux uniques représentations, l’accueil du public a été très positif, les enfants [à partir de 8 ans] se sont vraiment laissé embarquer dans l’histoire. La longueur d’Une épopée, composée de quatre parties d’une heure entrecoupées de plusieurs pauses (goûter et pique-nique partagés), et même d’une sieste acoustique en début d’après-midi, n’a posé aucun problème, même pour les plus jeunes spectateurs. Tout s’est déroulé dans un esprit festif, joyeux.

Cela a été assez frustrant artistiquement pour toute l’équipe d’Une épopée – sept comédiens et comédiennes sur scène, avec un musicien-compositeur multi-instrumentiste qui joue la partition en live, plus toutes les personnes qui interviennent en régie ou qui ont travaillé en amont sur les marionnettes, les décors, les costumes – de devoir tout arrêter. C’est pourquoi nous essayons de réfléchir à de prochaines séances de répétitions, c’est important pour nous de garder le spectacle actif dans les corps et dans les têtes pour pouvoir être prêts à le rejouer dès la réouverture des théâtres.

Que pensez-vous de la fermeture actuelle des lieux culturels ?

Lors du premier confinement, comme beaucoup de gens, j’ai accepté l’idée que la culture n’était pas une priorité en période de pandémie… Mais je pense aussi que nous avons, en tant qu’artistes, un rôle à jouer dans le débat public, une fonction importante dans la société. Il est extrêmement dommageable, me semble-t-il, de couper totalement les gens, et surtout les plus jeunes, de tout ce qui est art, échange, partage, communication.

Je suis actuellement sur un nouveau projet de création itinérante, Le Processus, à partir d’un texte inédit de Catherine Verlaguet sur le thème du désir amoureux et de l’avortement. Avec une comédienne, nous allons faire des lectures dans les collèges et lycées, ce qui nous permet de recueillir les réactions des élèves et de discuter avec eux autour de ces sujets du désir, de la première fois… C’est passionnant et très instructif, cela permet aussi de faire vivre la culture de manière différente.

Plus d’informations sur le site consacré au spectacle Une-epopee.com et sur le site du Théâtre de Romette Theatrederomette.com

Cristina Marino

 Présentation vidéo du projet d'Une épopée, par Johanny Bert

Sur le site de l'émission Affaires culturelles, animée par Arnaud Laporte  -  23 mars 2021

Le 4 mars a paru aux Editions du Tripode Lettres non écrites, un recueil de lettres issues du spectacle du même nom créé par David Geselson en 2017. L’occasion pour lui de revenir au micro d’Arnaud Laporte sur ses méthodes d’écriture et sa conception du travail de mise en scène.

Ecouter l'entretien (55 mn)

Voir la vidéo de la lecture complète de Lettres non-écrites, par plus de 40 comédiens à la Maison de la Poésie le 13 mars 2021

Par Anne Diatkine dans Libération - 23 mars 2021

Intermittents, précaires et étudiants sont toujours installés dans le théâtre parisien, et quelque 70 autres en France. Si le Conseil national des professions du spectacle a été repoussé pour cause de Covid de la ministre de la Culture, la prochaine édition est attendue de pied ferme par les occupants.

Par Caroline Châtelet dans Sceneweb - 23/03/2021

La metteuse en scène Alexandra Tobelaim a pris la direction du NEST – CDN à Thionville en janvier 2020, quelques semaines avant le début du premier confinement. Entre les périodes d’ouvertures et de fermetures, elle a maintenu ses créations, en attendant de les présenter au public.

Ayant pris la tête du NEST – Centre dramatique national de Thionville en janvier 2020, la metteuse en scène Alexandra Tobelaim fait partie de ces directeurs de lieux (comme Thomas Jolly au Quai, à Angers ou, encore Julie Deliquet au Théâtre Gérard Philipe, à Saint-Denis) à n’avoir vécu que quelques rares périodes arrachées à la pandémie d’ouverture au public. Interrogée, la directrice évoque, outre les étranges sentiments d’attente et d’incomplétude suscités par cette situation, une frustration. Cette dernière est autant liée aux incertitudes pesant sur la réouverture aux publics, qu’à l’état dans lequel celles-ci installent – entravant les réflexions à plus long terme. « La situation actuelle nous demande tellement de gestion au quotidien que j’ai parfois l’impression que nous sommes tout le temps en train d’éteindre des feux, plutôt que de vraiment construire », confie Alexandra Tobelaim.

Mais cette drôle d’année a aussi permis de consolider des convictions, dont celle du lien puissant avec les spectateurs. « Je me suis rendue compte à quel point ce sont les spectateurs qui nous portent, nous galvanisent. Ce sont eux qui nous permettent de nous ressourcer et de retrouver le sens de ce que l’on fait. »

Défendant la nécessité de maintenir un dialogue, même différent que celui « de l’en commun autour d’un spectacle », la directrice et son équipe proposent d’autres formes d’approche du théâtre. Expérimenté dès le début du premier confinement, les lectures par téléphone (menées avec la compagnie O’Brother) sont de ces rendez-vous explorant la relation singulière et individuelle entre un spectateur-auditeur, un artiste et une œuvre. De ces projets aussi modestes qu’ingénieux qui déplacent et ouvrent l’imaginaire. Le printemps étant inexorable, Alexandra Tobelaim espère comme tant d’autres une réouverture prochaine des lieux culturels. « Je n’en suis pas encore à faire le deuil de cette première saison. J’ai l’impression qu’elle est encore devant nous, avec cet espoir qu’elle puisse se dérouler sur un temps plus condensé en reprogrammant les spectacles jusqu’en juin et juillet.

C’est dans ce temps suspendu, déroutant en ce que les créations continuent d’être répétées sans être visibles par les spectateurs, que la directrice et metteuse en scène a fait le choix d’organiser des représentations professionnelles. Une décision qui ne coulait pas de source initialement, mais qui lui a permis d’avoir la sensation de mettre un terme à la création de son dernier spectacle, Abysses – qui aurait du voir le jour en novembre dernier. « Je n’en pouvais plus de l’avoir « à l’intérieur », j’avais besoin qu’il voit le jour pour me libérer d’une partie de moi. Émilie Capliez [co-directrice et metteuse en scène de la Comédie de Colmar, ndlr] a une belle formule à ce sujet : elle dit que c’est « comme un parpaing sur l’estomac ». Et depuis hier [date de la représentation pro, ndlr] j’ai retrouvé une sorte de calme, je sens que quelque chose a été digéré. L’acte théâtral se posant à l’endroit de la rencontre avec les spectateurs, tant qu’elle n’a pas eu lieu, le spectacle n’existe pas. » Écrite par l’auteur dramatique italien Davide Enia – dont Alexandra Tobelaim avait déjà monté en 2012 Italie-Brésil 3 à 2 – la pièce, découverte par l’entremise du traducteur de Enia, réunit au plateau le comédien Solal Bouloudnine (déjà interprète dans Italie-Brésil 3 à 2) et la musicienne Claire Vailler

Tandis que cette dernière se tient en fond de scène côté jardin, Solal Bouloudnine est à l’avant-scène, endossant la parole de Davide Enia. Dans une narration à la première personne, l’auteur-conteur entremêle et embrasse dans un seul geste dans   Abysses le récit de ses relations avec son père, de la maladie de son oncle et de son expérience au long cours auprès de sauveteurs et d’associations sur Lampedusa. L’île italienne dont la position géographique stratégique lui vaut d’être l’un des points d’entrée vers l’Europe pour des migrants en provenance d’Afrique du Nord constitue le lieu comme le sujet d’Enia – ceux pour lesquels il importe de trouver les justes mots. Avec son dispositif minimal – le récit étant ponctué ou soutenu par des chansons (issues d’un répertoire traditionnel italien) interprétées par Claire Vailler – Abysses est tout entier dédié à la parole. C’est celle-ci qui est au cœur du dispositif scénique, comme du récit, c’est celle-ci qui relie les protagonistes.

Si parfois les mots manquent (au père d’Enia, de caractère taiseux, comme à Enia traumatisé par ce qu’il a vu et entendu de la part de réfugiés), la nécessité de les trouver, les écrire, les donner à entendre, travaille toute la pièce. Face aux violences du drame humanitaire le langage révèle sa capacité réparatrice et salvatrice. Encore parfois un peu fragile dans son interprétation – Solal Bouloudnine devant trouver son juste rythme sur la totalité du spectacle – Abysses révèle un texte poignant par sa justesse et sa manière de tisser ensemble des vies éloignées les unes des autres. Avec sa mise en scène scrupuleusement respectueuse du texte, son interprétation sincère, l’ensemble porte cet entrelacement  d’histoires, d’expériences et de regards sans jamais tomber dans la simplification ni l’obscénité. Et nous rappelle que la compréhension de l’altérité passe aussi par l’appréhension et le dépassement de ses propres abysses intimes.

Caroline Châtelet – www.sceneweb.fr

Abysses se jouera à huis clos les 29 et 30 mars aux Plateaux sauvages, à Paris et les 1er et 2 avril au Théâtre d’Angoulême. En attendant une tournée en 2021/2022. 

Au moins une soixantaine de salles françaises sont occupées par des étudiants et précaires protestant contre la politique culturelle et sociale du gouvernement. Les différentes mobilisations prêchent la convergence des luttes, créant des ponts avec des agriculteurs à Millau, des migrants à Marseille ou des écologistes à Chambéry.

par Anne Diatkine, Annabelle Martella, (à Gennevilliers), Grégoire Souchay, (à Millau), Maïté Darnault, correspondante à Lyon, Stéphanie Maurice, correspondante à Lille et Samantha Rouchard, correspondance à Marseille

FRANCE 5 - VENDREDI 12 MARS À 20 H 55 - SOIRÉE SPÉCIALE Voir La Ronde de Boris Charmatz en replay (1h30)

« La nef du Grand Palais, c’est un bijou d’architecture, un bâtiment qui était prévu pour être éphémère et qui est fragilisé. Il va être fermé pendant quatre ans. Et moi, j’adore ce bâtiment, j’ai envie de m’inscrire dans cette histoire-là. On m’a demandé de faire un événement pour sa clôture et j’ai toujours pensé que la danse y avait vraiment sa place alors qu’on est dans une cathédrale… » Le chorégraphe Boris Charmatz est seul sous la plus grande verrière d’Europe, en train de se laisser imprégner par cet espace gigantesque et sublime. Il rêve, il imagine, il se projette. Il y crée, le 16 janvier, à huis clos, dans le cadre du Festival d’automne, la performance intitulée La Ronde, collection de duos contemporains, néoclassiques et classiques, sous influence de la pièce éponyme d’Arthur Schnitzler.

Lire le portrait : Les foules en mouvements de Boris Charmatz

Sous la caméra de Claire Duguet et Sophie Kovess-Brun, qui coréalisent ce documentaire-portrait sur le chorégraphe et son énorme projet, on suit Charmatz entre Paris et Bruxelles, où il habite, dans la préparation de cet événement extraordinaire que la crise sanitaire va contraindre sans l’éteindre. On revient aussi sur la carrière de cette personnalité de la scène du spectacle vivant repérée depuis le milieu des années 1990. Boris Charmatz a déstabilisé le mouvement en le juchant sur un échafaudage pour Aatt enen tionon (1996), l’a déshabillé pour libérer le corps collectif dans Herses (une lente introduction) (1997), l’a secoué pour en faire jaillir des milliers d’éclats contradictoires dans 10 000 gestes (2017).

Scène-paysage

Pour La Ronde, que l’on découvre après, Boris Charmatz a invité une vingtaine d’artistes-chorégraphes dont des interprètes classiques de l’Opéra national de Paris, des comédiens handicapés de la troupe de l’Oiseau-Mouche, basée à Roubaix, des artistes-complices comme Anne Teresa De Keersmaeker,   Emmanuelle Huynh mais encore Salia Sanou et François Chaignaud. Entre pas de deux déjà écrits et même repérés comme celui extrait du ballet Don Quichotte, et d’autres improvisés, une vingtaine de séquences vont se relayer.

Lire l’enquête (en 2017) : La danse participative, selon Boris Charmatz

Après le Turbine Hall de la Tate Modern à Londres, ou le tarmac de l’ancien aéroport de Tempelhof, à Berlin, la nef du Grand Palais est une nouvelle expérience de scène-paysage sidérante pour Boris Charmatz. Le lieu est démesuré ; le vide palpable, où le regard se perd, se faufile, s’accroche, s’évade sans jamais épuiser la majesté de l’espace. Entre danse et théâtre, les interprètes y marchent à grands pas, s’y cognent, s’étreignent, faisant résonner autrement l’architecture. Le silence dilate le geste ; la musique, de Steve Reich à Bach en passant par Ravel, y claque. Pendant douze heures, du petit matin au coucher du soleil, La Ronde, ici réduite à une heure et demie, se reconfigure sans cesse dans une chaîne de pas de deux envoûtante. Le cycle de la vie emporté avec fougue par la danse.

Lire le reportage (en 2017) : A Berlin, Boris Charmatz fait danser le tarmac

Voir le teaser vidéo (1 mn 30)

Boris Charmatz face au Grand Palais, documentaire de Claire Duguet et Sophie Kovess-Brun (Fr., 2020, 52 min), suivi de La Ronde, ballet enregistré au Grand Palais à Paris en janvier 2021.

Rosita Boisseau

« La Ronde », une création du chorégraphe Boris Charmatz, au Grand Palais à Paris, en janvier 2021. DAMIEN MEYER/AFP