Revue de presse théâtre

par Ève Beauvallet et Anne Diatkine,  publié  dans Libération  le 6 mars 2022 

Qu’ils soient contraints au silence ou aient frontalement exprimé leur opposition à la guerre, de nombreux créateurs russes vivent désormais dans la crainte d’une répression accrue du régime. En outre frappés par les boycotts occidentaux, ils cherchent massivement à fuir le pays.

Malgré les risques encourus, malgré la sidération, l’opposition des milieux artistiques et culturels russes à l’invasion de l’Ukraine par la Russie se poursuit. Elle n’est pas générale, comme en témoignent entre autres les recteurs des écoles de théâtres d’Etat qui ont réexprimé il y a peu leur allégeance au régime, mais elle est déterminée et a débuté dès l’entrée en guerre le 24 février. Dans le spectacle vivant, l’une des premières à avoir manifesté publiquement son opposition est Elena Kovalskaya, à la tête du théâtre d’Etat Vsevolod-Meyerhold. La native de native de Kertch, en Crimée, qui a beaucoup de famille en Ukraine, a annoncé son départ en des termes non équivoques, écrivant sur les réseaux qu’elle ne pouvait pas accepter «d’être payée par un meurtrier».

Depuis sa prise de position, le metteur en scène Dmitri Volkostrelov qui travaillait avec elle a été licencié et le centre Meyerhold a fermé. Disparu le nom de Meyerhold, célèbre dramaturge exécuté par le pouvoir stalinien en 1940 et dont la réhabilitation de l’œuvre fut le fruit d’une lutte acharnée ! D’autres démissions ont suivi, dont celle du Lituanien Mindaugas Karbauskis, directeur du théâtre Maïakovski à Moscou – dont on ne sait à quel point elle fut entièrement libre… Vue de France, la forme qu’a pu prendre l’engagement de quelques grandes institutions culturelles peut paraître mineure – une colombe de la paix affichée au fronton et sur les logos de six grands théâtres à Moscou et à Saint-Pétersbourg –, pourtant, souligne une spécialiste des arts vivants en Russie, «dans un contexte où le mot «guerre» est banni, cette manifestation a déjà une réelle portée». Et de fait, l’affichage d’une colombe est susceptible de mettre en difficulté ces directions dépendant financièrement de l’Etat.

Depuis vendredi, Facebook est bloqué et l’accès à Twitter limité. Avant cela, sur les réseaux sociaux, un simple post ou un like pouvait suffire au licenciement. Autres sinistres nouvelles d’allégeance au pouvoir, la directrice du musée Pouchkine vient de se séparer de tous les collaborateurs ayant signé une pétition contre la guerre. Pourtant, dès le début de l’offensive russe en Ukraine, les «non» à la guerre et les écrans noirs ont afflué. Tout comme les pétitions qui ont déferlé jusqu’au blocage des réseaux, portées par toutes les professions intellectuelles, chercheurs, anthropologues, scientifiques, sociologues. La première fut celle de la directrice de la revue Teatr et d’un festival international de théâtre Marina Davidova, qui, lancée après les premiers bombardements le 24 février et diffusée sur son compte Facebook, a rassemblé plus de mille signatures. On y relève entre autres celle de l’acteur et metteur en scène Evgueni Mironov, à qui Poutine a confié la gestion du Théâtre des nations de Moscou. «Il y a trois semaines, on aurait pu penser qu’il était du côté de Poutine, aujourd’hui, il prend le risque qu’on lui retire son théâtre, et d’être exclu du jeu», relève cette même spécialiste.

Risque d’être tabassés

Dans une lettre ouverte et alimentée quotidiennement, le directeur de festival Alexander Rodnianski, qui jusque-là ménageait ses relations avec le pouvoir, dénonce la violence des attaques tout en invitant acteurs et cinéastes à se joindre à lui. Autre initiative : celle du critique Anton Dolin, qui a rassemblé plusieurs artistes dans une vidéo d’opposition à la guerre, dont les jeunes cinéastes Kira Kovalenko, Andrei Zviaguintsev, Kantemir Balagov. Notons aussi l’inventif et étonnant geste des auteurs de films d’animations qui, sous la bannière «Animators against war», ont créé un collectif et réalisent des courts métrages contre la guerre, visibles sur YouTube. Plus de 400 cinéastes ont rejoint le groupe, dont beaucoup vivent à Moscou. Le rappeur russe Oxxxymiron, de son côté, a immédiatement annulé six concerts à Moscou et à Saint-Pétersbourg, refusant de «divertir» ses fans quand des bombes tombent sur Kyiv. Initiative qui ne doit pas masquer celle d’une scène musicale plus underground qui, elle aussi, exprime son effroi au péril de sa survie artistique.

Malgré l’interdiction de manifester, des milliers de personnes se sont retrouvées dès le début de la guerre, dans cinquante et une villes russes, prenant le risque d’être arrêtés et tabassés. Vendredi, le Kremlin a durci l’arsenal répressif en adoptant une loi qui punit de quinze ans de prison toute publication d’«informations mensongères sur l’armée». C’est dans ce contexte qu’il faut évaluer le sort d’artistes et de responsables culturels. Et le silence de certains, probablement contraint, comme celui du metteur en scène et cinéaste Kirill Serebrennikov, actuellement en tournage à Moscou de l’adaptation de Limonov, d’après le livre d’Emmanuel Carrère. Pour l’heure, les artistes qui lèvent publiquement un sourcil contre la guerre en Ukraine sont qualifiés de «traitres» et pour la plupart immédiatement démis de leur fonction. C’est le cas du chef d’orchestre de 36 ans Ivan Velikanov qui a prononcé un discours pour la paix avant une représentation des Noces de Figaro à l’Opéra de Nizhny Novgorod. Il a été remplacé pour toutes les représentations et son nom rayé de la liste des chefs d’orchestre retenus pour concourir au festival Le Masque d’or, où il devait diriger cet opéra de Mozart. Le comique et animateur Ivan Urgant a lui aussi disparu des écrans et vu son émission à forte audience suspendue à la suite d’un «non à la guerre» posté sur Instagram.

«La question de l’asile devient centrale»

Toutes ces manifestations courageuses contre le régime doivent être inventoriées et l’on s’en voudrait d’oublier la supplique du metteur en scène et directeur de théâtre Lev Dodine, publiée dans Libération, ou celle de la grande autrice Ludmila Oulitskaïa   «sur la folie d’un seul homme et ses complices dévoués» parue dans l’Obs. Cependant, selon le spécialiste du cinéma de l’Est chez Unifrance Joël Chapron, «aujourd’hui, on n’en est plus là. Quelques jours après le début de la guerre, ces initiatives sont déjà entrées dans l’histoire. Beaucoup des opposants tentent de quitter la Russie quand ils le peuvent. Ils sont en très grand danger».

Selon nos informations, un grand nombre d’entre eux chercheraient en effet à rejoindre la France entre autres, par voie indirecte. A Paris, l’Atelier des artistes en exil, structure cofondée en 2017 par Ariel Cypel et Judith Depaule, se prépare à en accompagner certains (juridiquement, professionnellement), qui pourraient prétendre notamment au dispositif Pause – déclinaison dans le champ artistique du programme du Collège de France mis en place pour les universitaires exilés. «Nous sommes bien sûr en lien avec plusieurs artistes ukrainiens, mais la question de l’asile n’est pas encore centrale pour eux (beaucoup veulent rester pour l’instant, et il est encore tôt pour en parler), expliquait à Libé Judith Depaule jeudi. En revanche, elle le devient vraiment pour les milieux culturels russes, notamment tous les professionnels qui ont démissionné de leurs postes et qui cherchent à fuir.» Metteure en scène, Judith Depaule connait bien la scène artistique russe pour avoir notamment exercé en tant que traductrice et avoir publié une thèse issue de sept ans d’enquête en Russie sur la vie théâtrale dans les camps staliniens. Ses amis du secteur, là-bas, «ont tous démissionné» et cherchent eux aussi à quitter le pays.

«Immense colère»

Au moment où l’offensive a débuté, d’autres artistes russes étaient de passage en France et n’entendent plus rentrer. A commencer par la jeune cheffe d’orchestre russe Maria Kurochkina, qui avait quitté Moscou le 25 février pour participer à partir du 3 mars à la Philharmonie de Paris au concours international «La Maestra», et qui disait jeudi à RFI : «Je ne vais définitivement pas retourner en Russie. C’est dangereux pour moi et je ne veux pas vivre dans un pays qui est aussi agressif envers nos voisins. Je n’ai pas d’avenir là-bas. Des sanctions contre des institutions qui soutiennent cette guerre sont absolument justifiées, mais les pays qui imposent ces sanctions doivent sérieusement réfléchir contre qui elles les dirigent.»

Et en effet, l’impressionnante déferlante de boycotts de la part des Occidentaux s’est parfois abattue à l’aveugle sur les milieux culturels russes, amalgamant artistes proches de Poutine et opposants plus ou moins déclarés dans une même eau marécageuse. Un effet «double peine» contre lequel plusieurs voix commencent à s’élever. Parmi lesquelles celle de David Bobée, metteur en scène et directeur du Théâtre du Nord à Lille, proche collaborateur de nombreux artistes russes, qui fait part à Libé de son «immense colère» sur le sujet des boycotts et de son sentiment «d’impuissance». «Tous les artistes avec qui je suis en contact veulent partir et demandent désespérément si nos lieux pourraient leur offrir l’hospitalité si la situation empire.»

Lui – qui a accroché au fronton du théâtre un drapeau ukrainien et reversera les recettes de toutes les premières représentations des spectacles de mars de son institution à la Fondation de Lille (très active pour l’aide aux Ukrainiens) – plaide pour que l’aide aux artistes russes, parallèlement, s’accélère. «J’espère qu’on prendra vite conscience que bien des artistes russes aujourd’hui ne craignent pas simplement pour leur travail mais pour leur vie,   insiste-t-il. On les abandonne à la dictature au moment où ils auraient le plus besoin d’aides internationales. Du fait de leur puissance symbolique, de leur pouvoir d’expression, les artistes sont parmi la catégorie de population la plus menacée là-bas.» Un de ses amis artiste, depuis Moscou, l’a supplié de nous dire : «Dis-leur que nous sommes dans une totale impuissance. Dis à nos amis que le peuple russe est pris en otage.» Des appels qui viennent amèrement conforter la position poutinienne du réalisateur Nikita Mikhalkov incitant les opposants le 26 février, dans son émission à grande audience, à «mettre les voiles si le régime leur est insupportable».

Par Jean- Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 6 mars 2022

Légende photo : Vlad Troïtskyi à Kiev en février 2010 © jpt

Figure du renouveau du théâtre ukrainien, Vlad Troïtskyi a créé son propre théâtre à Kiev, formé de jeunes acteurs pour constituer une troupe. Un lieu unique, le théâtre Dakh, mieux un esprit qui suscitera la création du fameux groupe musical DakhaBrakha et, dans son sillage, l’ensemble des Dakh daughters. Il est la voix vaillante du théâtre ukrainien.

Avec ses cheveux en bataille, l’air de celui qui semble éternellement s’ébrouer d’une nuit agitée, l’Ukrainien Vlad Troïtskyi n’a rien du profil d’intellectuel à petites lunettes et barbiche de son quasi homonyme, Léon Trotsky. Et pourtant c’est un intellectuel qui a fait de brillantes études scientifiques  devenu  un artiste, un metteur en scène de premier dans son pays, , un rassembleur et enfin un sacré manager. Bref, cet homme est un agitateur qui a, de fait, révolutionné le théâtre ukrainien. .

Sorti diplômé de l’école polytechnique de Kiev, Vlad Troïtskyi avait été pris dans le tourbillon de la perestroika, de l’indépendance de son pays, bref d’un charivari de l’histoire ouvert à tous les possibles. Vlad a converti son savoir scientifique en se lançant dans des affaires tout allant étudier au GITIS, la grande école de théâtre moscovite, tout en rencontrant Anatoli Vassiliev. Résultat : en 1994, avec l'argent gagné dans les affaires, il fonde à Kiev le théâtre Dakh (mot qui en ukrainien veut dit toit), un théâtre indépendant. Il y réunit de jeunes acteurs qu’il forme auprès des meilleurs maîtres russes et ukrainiens et  constituent la troupe du Théâtre Dakh.

C’est un modeste théâtre de 60 places avec une scène bien moins grande qu’une salle de classe nichée au bas d’un immeuble de Kiev, près du terminus d’une des lignes de métro. Un étroit couloir tient lieu de caisse, l‘hiver on vous fournit des chaussons en 

film plastique bleu pour protéger le sol de la neige fondue qui s’est accrochée à vos godillots. Un minuscule bar sert du vin chaud et autres douceurs, la barmaid est aussi actrice comme la caissière et le préposé au vestiaire (lieu stratégique de tous les théâtres dans les pays d’Est où les hivers sont rudes et longs). C’est là, dans ce mouchoir de poche, que le théâtre ukrainien a commencé une nouvelle époque. C’est là que Vlad invente ses spectacles que sa jeune troupe joue à guichets fermés (il faudrait que je conjugue ces phrases au passé, mais je n'y parviens pas).

C’est là aussi qu’a été créé en 2004 le groupe de musique DakhaBrakha (nom formé à partir de deux verbes : donner et prendre) devenu la coqueluche de la jeunesse ukrainienne avant d’être reconnu dans le monde entier. On sort à la fois comblé et envoûté d’un concert du groupe DakhaBrakha (trois jeunes femmes en longues robes blanches et portant de hautes coiffes sidérantes et un homme hirsute) Envoûté, parce que leurs mélodies et leurs instruments puisent au plus profond des chants traditionnels ukrainiens que le groupe est allé collecter dans les villages. Comblé parce que le groupe a su, avec maestria, réinvestir en se l’appropriant ce fabuleux héritage en y mêlant des sons et des rythmes venus d’ailleurs, inventant ce qu’ils nomment un « ethno-chaos ». Le groupe tourne actuellement aux Etats-Unis.

Enfin Vlad Troïtskyi et son équipe ont mis sur pied et organisé un grand événement, le « Gogolfest » (Nicolas Gogol est né en Ukraine) , une manifestation monstre réunissant des artistes de toutes disciplines. Les premières années dans le gigantesque arsenal de Kiev puis dans les anciens studios de cinéma de la ville. Tout cela semble loin à l’heure où j’écris ces lignes, comme irréel.

En 2011, le festival Passages à Metz (dont Charles Tordjman était le directeur et dont j’étais alors le conseiller artistique), pour leur première venue en France avait voulu montrer tous les pans de cette aventure en invitant le groupe DakhaBrakha, le photographe Igor Gaïdaï repéré au Gogolfest et trois spectacles de la troupe du Dakh théâtre (d’où allaient naître les Dakh daughters) mis en scène par Vlad Troïtskyi. Soit Le roi Lear, prologue, Presqu’une pièce de Pirandello et La maison des chiens, Œdipe à partir d’un texte de Klim. Par la suite, Vlad Troïtskyi et le Dakh théâtre seront invités au Festival d’automne, au Théâtre Monfort, au printemps des Comédiens. Et ailleurs.

Hier soir, sur France-Inter, en préambule à la veillée organisée au Théâtre de Chaillot (retransmise sur France-Culture et France télévisions) à l’initiative de Lucie Berelowitsch  (qui a monté un spectacle avec les Dakh Daughters) et Stanislas Nordey, joint au téléphone à une trentaine de kilomètres de Kiev, Vlad Troïtskyi déclarait : « Beaucoup d’artistes prennent les armes pour défendre l’Ukraine, je pense cependant que certains artistes doivent lutter par les moyens de leur art. Hier je voulais rester à Kiev, aujourd’hui je veux partir pour exercer mon art.» Où qu’il aille, en Europe ou ailleurs, il en trouvera les moyens. Façon de compenser, un tant soit peu, ce qu’il disait hier soir en conclusion : « L’Europe ouvre bien tard les yeux sur ce monstre qu’est Vladimir Poutine ».

Propos recueillis par Fabienne Darge dans Le Monde - 4 mars 2022

L’actrice revient sur sa première expérience sur scène dans la pièce autobiographique « Le Ciel de Nantes », de Christophe Honoré.

Légende photo L’actrice Chiara Mastroianni, à Paris, en juin 2019. PATRICK SWIRC/MODDS

A 49 ans, Chiara Mastroianni s’est lancée dans le théâtre, et bien lui en a pris. Mêlée à une troupe de comédiens formidables, elle traverse Le Ciel de Nantes, spectacle où Christophe Honoré remonte le temps perdu de sa famille maternelle, avec une grâce et une fraîcheur irrésistibles. L’actrice raconte ce pas de deux avec la scène, qui n’avait rien de gagné au départ.

Le désir de théâtre, chez vous, était-il là depuis longtemps ?

Ah non, pas du tout. Le théâtre n’était pas dans mes radars. Cela fait longtemps que Christophe Honoré me proposait de jouer dans un de ses spectacles, et jusque-là j’avais toujours refusé. Pour la simple raison que j’étais tétanisée par la peur. Et puis, là, quelque chose s’est débloqué. L’envie a pris le pas sur la peur : le désir de participer à ce projet dont Christophe Honoré me parlait depuis longtemps, qui devait être un film au départ, et de travailler avec sa troupe de comédiens, que j’avais adorée dans Les Idoles, son précédent spectacle.

Pourquoi aviez-vous une telle appréhension face au théâtre ?

C’est très lié à l’histoire de ma famille, et plus particulièrement à la relation avec mon père. Comme on le sait, car elle ne s’en cache pas, ma mère, Catherine Deneuve, a toujours eu ce blocage par rapport à la scène. Mais sa sœur, Françoise Dorléac, avait fait du théâtre, et ma grand-mère maternelle, Renée Simonot, était comédienne : elle avait appartenu plus de vingt ans à la troupe du Théâtre de l’Odéon.

La relation au théâtre, pourtant, est passée pour moi par mon père. Il me parlait beaucoup de son expérience, de ses débuts, de la chance qu’il avait eue de travailler notamment avec Luchino Visconti [entre 1949 et 1955, Marcello Mastroianni a joué Shakespeare, Tchekhov ou Goldoni sous sa direction]. Puis, adolescente, je l’ai vu jouer dans Partition inachevée pour piano mécanique, sous la direction de Nikita Mikhalkov, à la MC93 de Bobigny, et, en Italie, dans une pièce intitulée Le ultime lune [de Furio Bordon]. Il était déjà très malade, il jouait un homme mourant, c’était très lourd. Le théâtre et l’inquiétude se sont liés, pour moi.

Comment expliquez-vous que cette inquiétude ait finalement disparu ?

Quand j’ai voulu devenir actrice, c’était beaucoup pour retrouver quelque chose de notre relation, à lui et à moi. L’endroit où je l’ai le plus fréquenté, ce sont les plateaux de cinéma. C’est là qu’il était le plus accessible, parce que c’est là qu’il était le plus heureux – il ne l’était pas quand il ne jouait pas. Le plateau, c’est donc très lié à lui, comme un endroit réconcilié, un peu magique. Mais, jusque-là, c’était uniquement le plateau de cinéma, pour moi. Il fallait aller plus loin, vers le théâtre, sur ce territoire auquel je l’associe. C’est comme la conversation que l’on aurait pu avoir, s’il était encore là, si j’avais commencé le théâtre plus tôt…

« Le Ciel de Nantes » est aussi une histoire de famille, et de fantômes… Comment avez-vous travaillé ? Christophe Honoré est-il venu avec une pièce et des personnages déjà écrits ?

Pas du tout. Le processus de travail ne ressemblait ni à celui d’un film, avec un scénario déjà écrit, ni à celui d’une pièce de théâtre classique. On a commencé par des improvisations, qui étaient filmées, et à partir desquelles Christophe Honoré retravaillait et écrivait les dialogues. C’est particulier, car on part de l’histoire d’une famille réelle, la sienne, et de personnes qui existent ou ont existé et vivent dans la mémoire de ceux qui sont encore vivants.

Pour nourrir ces improvisations, on a dialogué directement avec la mère de Christophe Honoré, son grand frère, une cousine… On leur a posé beaucoup de questions, souvent assez crues. Même si je me suis sentie tenue à une certaine pudeur, par rapport au personnage que je joue, une tante qui s’est suicidée. Il y a de la délicatesse à avoir, à s’accaparer ce réel-là… Ce sont des personnes qui ont existé, qui ont vécu des drames. Ce qui était très intéressant, c’est que d’un membre de la famille à l’autre le souvenir n’était pas forcément le même. C’est le cas dans toutes les familles : l’interprétation du réel, ce que chacun a retenu, varie d’une personne à l’autre. Avec tout cela, petit à petit, on fabrique un personnage.

Avez-vous été surprise de la dimension emblématique et tragique de cette famille, dont l’histoire semble traverser les grands mouvements de la société française ?

Oui, tous, au début, face à cette histoire, à cette accumulation de drames, on se disait que ça ne pouvait pas être vrai. Et pourtant, c’est la vérité de cette famille-là. Les destins peuvent paraître romanesques, tant ils sont chargés. Les destins de femmes, notamment, même si c’est le cas aussi pour cet oncle qui ne s’est pas remis de la guerre d’Algérie, et qui vit ensuite des drames très lourds avec son fils. Mais l’histoire de la grand-mère, Mémé Kiki, et de sa fille que je joue, Claudie, est très révélatrice des effets dévastateurs d’une époque où l’avortement était interdit, où les femmes étaient soumises à leur mari et au « devoir conjugal », avec des grossesses multiples, et l’impossibilité de s’occuper correctement de tous leurs enfants.

Ce personnage de Claudie accumule les fragilités, mais pourtant vous le jouez en y mettant beaucoup de lumière, de légèreté. Était-ce une volonté de Christophe Honoré de ne pas en rajouter dans le drame ?

Christophe Honoré a vraiment voulu construire ce spectacle avec l’idée d’un contraste permanent entre tragique et comique, il ne voulait pas d’une couleur unique. Tous les personnages, même si leur destin est plombé, ont une vitalité, comme Mémé Kiki, ou une part d’humour et de légèreté, à l’image de Claudie : elle est certes fragile mais, comme tous les êtres qui sont un peu à part dans une famille, qui se vivent comme des vilains petits canards, elle apporte quelque chose de différent, une ouverture. Christophe Honoré d’ailleurs fait dire à son propre personnage, dans la pièce, qu’elle était « la fée de [son] enfance »…

Comment avez-vous inventé votre jeu théâtral ? Vous avez réussi à garder beaucoup de naturel sur scène, sans que votre jeu reste trop cinématographique…

Christophe Honoré ne m’a pas demandé de changer mon jeu. Il compose ses distributions comme des orchestres, où chacun arrive avec son instrument. Quand je lui ai demandé s’il fallait jouer d’une manière particulière, il m’a répondu que non, que j’amenais un élément plus cinématographique dans l’histoire. La pièce elle-même est très cinématographique : c’est comme un long plan-séquence de plus de deux heures. La différence, évidemment, c’est qu’au théâtre on est là, en permanence, dans l’entièreté de son corps, en présence. Et cela, passé le premier moment de panique, j’ai trouvé que c’était assez génial.

Avez-vous envie de continuer sur cette voie théâtrale ?

Je ne sais pas du tout… Je ne rêve pas de grands personnages ou de grandes pièces classiques. Peut-être que je ne m’y autorise pas. Nous allons beaucoup tourner au cours de la saison 2023-2024 avec Le Ciel de Nantes, déjà, et je m’en réjouis. Après, on verra !

Fabienne Darge

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello - 3 mars 2022

« Le soir au coucher, mon grand-père contait à l’enfant que j’étais des histoires écrites à la place des bêtes. Des contes terrifiants qu’il faisait d’une voix sourde, enjouée ou menaçante. Je croyais alors que les « animots » étaient doués de parole. J’étais envoûté par ses sourcils qui dansaient comme des corbeaux sur son front. Plus il parlait fort, plus les corbeaux se soulevaient et se dressaient; surprenante sérénade aux accents pointus… » (p.11)

Ecuyer rare, chorégraphe, metteur en scène, scénographe et réalisateur, Bartabas invente une forme inédite de spectacle vivant : le théâtre équestre – cheval, danse, musique et comédie.

En 1984, il fonde sa compagnie, Le Théâtre Equestre Zingaro, dont les créations triomphent de Paris à New York, d’Istanbul à Hong-Kong. En 2003, il crée l’Académie équestre nationale du domaine de Versailles, corps de ballet unique au monde attaché au manège de la Grande Ecurie.

Après D’un cheval l’autre (2020), Bartabas, figure singulière et passionnée, emblématique d’un art équestre exigeant et pointu qu’il a réinventé, signe ici son deuxième livre, preuve qu’il aime écrire :

« Il m’aura fallu une vie à côtoyer les chevaux pour comprendre que cet autre est un peu de moi-même. Les bêtes ont perdu leurs mots pour raconter leurs histoires, et l’animal que je suis, s’il possède le langage, ignore son premier récit, celui de la genèse. L’esprit humain a-t-il voulu à jamais oublier la honte de n’avoir été qu’une prise sans défense ? La nuit, l’animal me regarde et je lis dans ses yeux de nobles histoires, des chants qui m’invitent au voyage. » (p.12)

A travers les vingt-deux chants composant ces Cantiques du corbeau, Bartabas offre un récit fantasmatique des origines de l’humanité. Dans une préhistoire rêvée, où hommes et bêtes ne font qu’un, et sont tour à tour proies et prédateurs, l’homme acquiert les facultés à asservir la terre et le règne animal. Une superbe méditation poétique sur la place de l’homme parmi les vivants.

Dans ses songes et rêves, où le locuteur emploie le féminin, puis le masculin, le jeu entre les genres alterne d’ailleurs malicieusement, d’un chant à l’autre, la narratrice alors côtoie des animaux singuliers ou va jusqu’à faire l’expérience de se métamorphoser en bête étrange : 

« Je suis venue au monde sous une lune gibbeuse, et nouveau-née déjà, je riais sur la mousse. A peine ai-je ouvert les yeux, dans la lumière du petit matin, que j’ai perçu les notes perlées de la rosée s’échapper en cadence. » (p.47)

A la lecture de cette prose poétique ajustée, le lecteur intrigué fait connaissance avec des animaux dont il ignorait les noms. Certes, les suricates, les lumériens, les chiens sauvages, les antilopes, les gnous, les louves, les hyènes, les coyotes, les cormorans, les singes araignées, les loups, les sangsues, le rouge-gorge, l’éléphant, l’écureuil, les poissons munis de crocs…, sont bien connus de tous et disent bien quelque chose de ce qu’ils sont  communément.

Or, on se représente beaucoup moins l’outarde, le titanoboa, l’éohippus, les hesperornis, oiseaux au corps marin et torpilles, ou le monstre marin gigantesque, le « mysticète ; la baleine à fanons ».

Il suffit ainsi de plonger dans la lecture des Cantiques du corbeau pour se laisser conduite ailleurs.

« J’avais vu autrefois comment les lionnes simulaient leurs chaleurs pour désamorcer un conflit entre mâles, détournant leur rancoeur en se pavanant d’un air vague et rêveur, essayant des poses. » (p.20)

S’impose la beauté sauvage et irréductible de paysages primitifs bien frappés – sommets et monts, éblouissement du soleil dans un ciel d’azur -, loin des sociétés contemporaines urbanisées : 

« A mes pieds repose un vaste champ de fleurs d’une blancheur impalpable, un tapis de cristaux vibrant dans les éclats diffus de la lumière venue des cieux. Devant cette vacuité impassible, je laisse entrer en moi le silence et m’emplis de quiétude. » (p.34)

Notre plus grand bonheur ne se trouve-t-il pas dans la contemplation taciturne ?

Il suffit aussi de faire preuve de patience et de constance pour saisir le passage des saisons :

« Le bourgeon au bout de la branche et le papillon de nuit nous enseignent le cycle éternel; comment la mort et la vie s’absorbent pour renaître. »

Et c’est en passant bon nombre d’aventures auprès des animaux et de la nature profonde des origines, en connaissant leur langage à tous qui est fait de cris – de reconnaissance, de défiance, de  provocation ou d’attirance – que la narratrice prend conscience qu’elle n’est pas comme eux : 

« Un matin, alors que je consultais le chant brumeux des corbeaux, je fus saisie de l’indéfectible nécessité de dire je, de le dire au présent mais aussi au passé et bientôt au futur. J’irais cueillir des mots pour aller trouver l’autre et parler de moi-même. »

Le chant  – la mélopée – porte l’homme, le seul chemin et le seul terrain d’échange avec l’autre, complainte expulsée des profondeurs du coeur et mélodie des songes : « Parce qu’ils viennent combler un vide très ancien, tous les chants de la terre sont empreints de mélancolie. » (p.55)

On ne sait qui on est, éléphant à genoux, licorne debout, cheval ensellé, guépard alangui ou chien errant …, si ce n’est qu’il faut savoir, en dépit de tout, accueillir la mort, quoi qu’on prétende être.

Jolie méditation poétique sur les débuts de l’humanité tout juste sortie de son animalité, et sur soi.

Véronique Hotte 

Les Cantiques du corbeau de Bartabas, éditions Gallimard, collection Blanche. Pour la 24 è édition du Printemps des poètes, dédiée à l’Ephémère, rendez-vous le 21 mars, Théâtre équestre Zingaro : « Les Cantiques du corbeau – Cabaret Poésie – écrit et mise en scène par Bartabas ».

Par Rosita Boisseau dans Le Monde - 3 mars 2022

Dans la lignée d’artistes comme la contorsionniste Angela Laurier et la jongleuse Phia Ménard, une nouvelle génération ouvre les vannes.

La ligne est encore fine mais elle s’élargit. La problématique de l’intime, territoire enfoui et mouvant, plancher de notre identité, s’infiltre depuis quelques années sous le chapiteau. Incompatible avec le cirque, ses prouesses, ses acrobaties ? Sans doute, mais ôtons l’armure de la virtuosité, écartons les couches de muscles. Apparaissent des corps blessés, vulnérables, qui se risquent à faire le travail autrement qu’en s’appuyant sur les compétences techniques. « Alors que le théâtre et la danse se sont depuis longtemps emparés de la question, il y a aujourd’hui de plus en plus de jeunes acrobates qui commencent à oser parler d’eux au plus profond, de ce qui est difficile à dire, souvent douloureux, et qui les constitue », commente Yveline Rapeau, directrice du festival Spring.

Dans la lignée d’artistes comme la contorsionniste Angela Laurier et la jongleuse Phia Ménard, une nouvelle génération ouvre les vannes. Dans son solo intitulé La Dimension d’après, Tsirihaka Harrivel parle de sa chute de 8 mètres de haut lors d’une représentation du spectacle Grande –, en 2017. Il revit son accident, sa perplexité sidérée, comme un film au ralenti.

Dans un autre registre, Alice Barraud, voltigeuse, gravement mitraillée aux bras lors des attentats du 13 novembre 2015, tisse le récit de son retour difficile sur la piste dans MEMM. Au mauvais endroit, au mauvais moment. Quant à la question du genre, elle est convoquée, notamment, dans la pièce Dicklove, par l’acrobate au mât chinois Sandrine Juglair, qui joue « une femme qui est un homme qui veut devenir une femme… » Elle sera à l’affiche du Festival d’Avignon dans le cadre de Vive le sujet !, avec Julien Fanthou, alias Patachtouille, du cabaret de Madame Arthur.

Jongleur et directeur depuis 2014 du Sirque, pôle national des arts du cirque de Nexon, en Nouvelle-Aquitaine, Martin Palisse prend pour la première fois la parole dans Time to Tell, co-mis en scène avec David Gauchard, à propos de sa maladie, la mucoviscidose.   

« J’ai 41 ans, confie-t-il. Lorsque j’étais enfant, on avait dit à mes parents que je ne dépasserais pas 20 ans. J’ai ressenti le besoin essentiel de raconter en jonglant la réalité de mon corps. Je me dévoile complètement en retrouvant une liberté de créer jamais expérimentée. Elle va me permettre de continuer dans cette voie, en rappelant que le cirque n’est pas qu’une discipline sportive. »

Spring, Festival des nouvelles formes de cirque en Normandie, du 3 mars au 10 avril dans 60 lieux.

La Dimension d’après, de Tsirihaka Harrivel. A Rezé (Loire-Atlantique), le 30 mars, et à Lille, le 5 avril.

Time to Tell, de Martin Palisse. A Aubusson (Creuse), le 3 mars, et à La Manufacture, Avignon, du 9 au 22 juillet.

Rosita Boisseau

Par Fabienne Arvers dans Les Inrocks - 2 mars 2022

Ce 3 mars au TNP de Villeurbanne aura lieu la création des “Irresponsables” d’Hermann Broch. L’Ukrainien Maksym Teteruk, assistant d’Aurélia Guillet à la mise en scène, témoigne de l’actualité poignante du spectacle avec la guerre en Ukraine menée par la Russie.

Article publié dans Sceneweb le 1er mars 2022

Le metteur en scène Russe, Lev Dodine, s’est adressé dans un courrier à Vladimir Poutine lui demandant d’arrêter la guerre publié sur le site du du magazine THEATR. Lev Dodine dirige le Maly Drama Théâtre de Saint-Pétersbourg. Il a souvent été invité en France. Fin 2009, la MC93 Bobigny avait présenté une rétrospective retraçant vingt-cinq ans de ses mises en scène. En 2012, il met en scène La Dame de pique à l’Opéra Bastille. En 2015, le Monfort avait présenté La Cerisaie. 

1 MARS 2022/PAR DOSSIER DE PRESSE

Propos recueillis par Joëlle Gayot dans Télérama 1er mars 2022

Le directeur du Théâtre Dakh à Kiev a quitté la capitale ukrainienne pour se réfugier à une vingtaine de kilomètres de la ville. D’où il nous parle de la situation dramatique du pays et insiste sur l’absolue nécessité de ne pas s’exiler.

Né en Russie en 1964, grandi en Ukraine, Vlad Troitskyi dirige le Théâtre Dakh à Kiev. Dakh veut dire « théâtre sur le toit », façon d’évoquer une aventure artistique née, littéralement, sur le toit d’un immeuble de la capitale ukrainienne. Dans son minuscule lieu, où soixante spectateurs seulement peuvent prendre place, il travaille des formes expérimentales mais aussi les classiques, Shakespeare et Gogol. En 2015, il a présenté à Paris, au Monfort Théâtre, La Maison des chiens. Contacté le 28 février, il explique pourquoi il a décidé de rester en Ukraine.

Êtes-vous toujours à Kiev ?
Non, je me suis replié dans une maison à une vingtaine de kilomètres, avec ma famille, ma mère, ma femme, ma sœur, des enfants et des amis. Nous sommes une dizaine. Aux alentours du 25 février, nous avons décidé d’évacuer Kiev car je sentais qu’y rester devenait impossible. Maintenant, évidemment, nous faisons face à d’autres problèmes : les supermarchés sont fermés, les magasins ont du mal à être approvisionnés. Aujourd’hui, nous avons dû ramasser des pommes de terre près de notre maison. Chaque jour nous nous attendons à être bombardés car nous avons entendu les premières explosions à une quinzaine de kilomètres de la maison.

Mon sentiment est que depuis le 23 février s’est engagée une grande bataille contre Vladimir Poutine, ce monstre. Nous sommes désespérés. Mais la vie est la vie. Alors notre armée et notre peuple vont se battre pour cette liberté qui nous est fondamentale. Pour vous, les Occidentaux, c’est très différent. Vous êtes libres depuis bien plus longtemps que nous. En France, aux États-Unis, vous vivez des vies confortables. Vous buvez du vin à l’apéritif, au matin vous mangez des croissants, je comprends que vous ayez peur de perdre cette vie-là. Je le sais d’autant mieux que, voici deux ans, j’étais à Avignon, avec le groupe ukrainien les Dakh Daughters, pour un concert à l’Opéra. C’était formidable de sentir ce souffle de la liberté. Mais aujourd’hui, le monde entier, et pas seulement l’Ukraine, doit comprendre de quelle nature est le danger. Poutine est comme Hitler.

Que voulez-vous dire ?

Le 24 février, à 5 heures du matin, je me suis réveillé en me souvenant qu’Hitler avait attaqué la Russie en bombardant Kiev. La même histoire se répète. Aujourd’hui en Ukraine, on bombarde des militaires mais aussi des civils, donc des citoyens. Sur une vidéo, on voit, couchés au sol, les cadavres de personnes âgées et d’enfants. Je le répète : le monde doit comprendre que ce qui se passe est dangereux bien au-delà des frontières de notre pays. Ce qui se joue, c’est une bataille pour la civilisation entre les Européens et ce dictateur. Je tiens aussi à rappeler que l’Allemagne nazie était un pays d’une grande culture. La Russie de Poutine également est un pays de grande culture. Il est incroyable de voir que d’éminents théâtres russes sont soutenus par cet État criminel et ne réagissent pas. À partir de maintenant, à mon sens, chaque personne qui travaille avec l’État russe participe à cette action criminelle et devient, même si elle n’en a pas l’air, une arme au service de Poutine. Je parle ici de tout le monde, artistes, musiciens, chanteurs. Tout le monde.

Nous demandons donc à chacun, en Europe, au Canada, aux États-Unis, en Grande-Bretagne, partout, de sanctionner la Russie non seulement sur le plan financier, diplomatique, sportif…, mais aussi culturel. Nous devons nous réveiller et faire ce qu’il faut faire. Des artistes soutiennent que chanter n’est pas de la politique mais de l’art. Non. Ce n’est pas seulement de l’art. Au moment où je vous parle, l’art est éminemment politique. Car en ce moment, dans « ma » Kiev bombardée, les artistes, ceux qui travaillent avec moi mais d’autres aussi, se réfugient dans les abris. Avec leurs enfants agrippés à leurs doudous, ils gagnent le métro où ils restent assis toute la nuit. Nous avons des problèmes d’eau et de lait. Mais nous restons malgré tout dans notre pays parce que c’est notre pays. C’est notre liberté, notre vie. C’est notre avenir. Et pas seulement le nôtre mais le vôtre également.

Avez-vous des amis artistes qui vivent en Russie et savez-vous comment ils vont ?
Il y a huit ans, lorsque la Russie a attaqué la Crimée, beaucoup de Russes ont cessé d’être mes amis. Je n’ai plus d’amis en Russie. Dans le monde du théâtre, seuls trois directeurs ont à ce jour démissionné de leurs postes en disant qu’ils ne pouvaient plus travailler dans une institution publique soutenue par un État criminel. Ils sont seulement trois dans toute la Russie. C’est, pour moi, très difficile à vivre. Ceux qui restent font de la communication : nous sommes si tristes, disent-ils. Mais merde ! vous êtes tristes… Et alors ?

Savez-vous que de très nombreux pays vous soutiennent ?
Oui nous le savons, nous avons nos téléphones portables et la Russie a échoué à désactiver nos connexions Internet. Beaucoup m’appellent pour me dire à quel point tout le monde veut aider l’Ukraine, même financièrement. C’est essentiel. Mais nous ne pouvons et ne voulons pas partir d’ici. Nous voulons rester. C’est là que nous devons être.

Publié par Valérie Hernandez dans la revue en ligne Lokko - 26 février 2022

Après avoir lu notre entretien avec Mitia Fedotenko où il parlait de son ami danseur ukrainien Viktor Ruban, qui vit à Kyiv (*), Mathilde Monnier lui a écrit. La chorégraphe et ancienne directrice du Centre national de la danse l’a rencontré en 2013 à Montpellier lorsqu’elle dirigeait le Centre chorégraphique national qui recevait de nombreux étudiants étrangers dans le cadre de Exerce, la seule formation en France qui dispense un diplôme universitaire. Nous publions, avec l’accord de Viktor Ruban, cette correspondance.

(*) Les Ukrainiens tiennent à cet orthographe qu’ils préfèrent à Kiev, “la prononciation russe”.

 

“Désoviétiser les corps”

Deux mots sur Viktor Ruban. C’est une figure de la danse contemporaine en Ukraine et particulièrement à Kiev, où il vit, cette riche et si vivante capitale culturelle. « Danseur, performeur, metteur en scène, chorégraphe, chercheur et coach », il y a fondé le Ruban Production ITP : structure foisonnante qui produit des masterclasses, des ateliers et programmes de formation dans le monde entier, et est aussi une plate-forme de recherche sur le développement de « pratiques artistiques modernes en Ukraine ».

Dans une interview publiée sur son site, il explique son projet : « C’est un processus complexe et vaste de se libérer du soviet. Malgré le fait que l’Union soviétique a cessé d’exister en 1991, elle continue d’exister encore aujourd’hui. Notre projet est une tentative de commencer par nous-mêmes, de voir et de retracer comment le Soviétique est présent dans la vie quotidienne, dans les relations et dans nos corps ? Où vit notre tyran intérieur ? Comment cela submerge-t-il chacun de nous ? Qu’est-ce qui nous empêche de profiter de la diversité du monde ? »

-Le 25 février à 17h40

Cher Victor,

C’est Mathilde. Je voudrais t’envoyer tout mon courage pour ce moment très difficile pour ton pays.
Si nous pouvons faire quelque chose pour toi, s’il te plaît, dis-nous le. On peut t’aider ! N’hésite pas à nous dire si quelque chose est possible, on peut essayer de faire quelque chose.
J’aimerais avoir de tes nouvelles.
Je t’embrasse.

Mathilde

-Le 25 février à 20h50

Chère Mathilde

Merci énormément. Il est très important de sentir votre soutien. Je suis à Kiev. Difficile d’exprimer la folie de ce qui se passe.

Ces deux derniers jours, je fais des mises à jour sur la situation en relayant différentes demandes de soutien à des manifestations.

La façon dont l’Europe et l’OTAN traitent la situation, les jeux politiques dans les coulisses nous ont coûté tellement de vies et de dommages qu’il est difficile de les mesurer jusqu’à présent.

Aujourd’hui est un jour critique. Nous avons réussi à nous battre et tenir la plupart des positions dans 15 ou 16 régions de l’Ukraine (hier, c’était 9). Mais la Russie à ce moment précis approche de Kiev avec les forces aériennes russes et les roquettes pour les aider. Nous tenons.

Bien sûr, il n’est pas délirant de penser que c’est le dernier jour de cette guerre folle mais enfin, nous avons de l’aide, pas seulement des sanctions. Je ne sais pas si on le doit aux manifestations ou aux pétitions, je ne sais pas exactement ce qui a fonctionné mais cela donne de l’espoir. Nous avons été entendus.

C’est une expérience folle, les émotions sont plus intenses que sur les montagnes russes. La réalité se sent surréaliste.

Nous savons que cette guerre de Poutine n’est qu’une mission de génocide de plus contre les Ukrainiens. Il l’a exprimé dans sa déclaration avant le premier attentat hier matin, l’appelant “opération spéciale pour la dénazification” (cela n’a rien à voir avec notre réalité).

L’Ukraine a obtenu le document qui contient la liste des intellectuels, des personnalités publiques et de la politique à tuer en premier. Cela ressemble à de la science-fiction, mais c’est un document qui existe. Toutes les personnes qui n’ont pas de position pro-russe sont en danger d’extinction massive.

S’il vous plaît, ne laissez pas ce génocide se produire si cela se produit. Restez avec nous, nous avons besoin de toute l’Europe pour être avec nous dans ce moment historique fou.

Si vous voulez suivre la situation presque en temps réel, les nouvelles en direct en anglais avec la plupart des mises à jour sont ici : https://youtu.be/V9KZGs1MtP4

Ce soir, je ne sais pas comment les choses vont se passer, nous nous attendons à des bombardements plus massifs pour faire paniquer les gens. Nous devons y survivre.

Je t’écrirai d’autres mises à jour demain matin.

Merci encore pour votre soutien, il est très précieux !

J’espère vous voir bientôt après que tout se termine à Montpellier, Paris ou dans une paisible Kiev pour faire un câlin, boire une délicieuse tisane et vous parler de cette expérience folle mais incroyable, pour vous poser des questions sur vos inspirations, faire une interview avec vous pour mon doctorat (je n’ai pas encore eu la chance de vous écrire à ce sujet, mais il est sur ma liste) et beaucoup d’autres, mais seulement de belles choses.

Gros câlin chaleureux et beaucoup d’amour de Kiev,

Viktor

-Le 26 février à 19h18

Cher Viktor,

Une journaliste veut publier ta lettre et entrer en contact avec toi.
Je ne sais pas si tu as reçu mon deuxième courriel.
J’espère que tu es en sécurité, dis-nous ce qu’on peut faire pour aider.

Love

mm

-Le 26 février à 12h45.

Chère Mathilde,

Je suis 24/7 dans la communication, la situation est toujours critique. Si je n’ai pas répondu c’est seulement parce que je n’ai pas réussi à voir le message encore. Le moyen le plus rapide de communiquer est TELEGRAM, qui a les protocoles de sécurité les plus sûrs.

Définitivement, tant que je peux m’exprimer, partagez mes mots et contactez- moi !

���

Nous avons eu des bombardements massifs, cette nuit. Certains d’entre eux ont causé une véritable catastrophe écologique. Un dépôt de pétrole a été bombardé et va maintenant brûler pendant au moins deux jours.

Hier, une fusée a failli s’enfoncer dans le barrage du réservoir d’eau de Kiev, ce qui pourrait emporter une partie importante de la rive gauche de Kiev avec plus d’un million d’habitants pacifiques touchés, et atteindre d’autres villes vers le sud. La vague d’eau pourrait provoquer l’explosion de la station nucléaire de Zaporizka. Nous avons réussi à abattre cette fusée, mais ils continuent à nous bombarder de manière stupide.

Nous tenons le sol, mais l’OTAN n’ose toujours pas fermer le ciel au-dessus de l’Ukraine.

Nous avons lancé la pétition à ce sujet : https://www.openpetition.eu/petition/online/people-around-the-world-ask-nato-to-close-the-airspace-over-ukraine

N’hésitez pas à utiliser les mots-clés #tribunaltoputin #tribunaltokremlin #SendNatoToUkraine #preventtheworldwar #CloseTheSky #Russiaisoccupant

Nous allons continuer et nous avons besoin que vous soyez tous avec nous, mais chaque minute perdue est cruciale.

Moi, ma famille et mes amis sont en vie. Je suis à Kiev, ma famille aussi. Nous tenons. ���

Lots of love from Kyiv

Viktor

Article publié dans Le Figaro - 26 février 2022

 Légende photo : de gauche à droite : Lucie Bérélowitsch, directrice du Préau, CDN de Vire- Marie-Pia Bureau, directrice de la Scène national de Chambéry, Catherine Marnas, directrice du Théâtre national Bordeaux-Aquitaine (photos alternatives de la Revue de presse théâtre)

De l'Opéra national de Paris au Festival d'Avignon, de nombreuses institutions françaises ont exprimé ce week-end leur soutien «au peuple et aux artistes ukrainiens».

Légende photo : Olivier Py, Jean-Michel Ribes et Charles Berling font partie des quelque 70 signataires de l'appel à la solidarité avec l'Ukraine diffusée samedi 26 février. Bridgeman Images/Â Frederique Toulet/AFP/LIONEL BONAVENTURE/FRANCOIS GUILLOT

De l'Opéra national de Paris au Festival d'Avignon, de nombreuses institutions françaises ont exprimé ce week-end leur soutien «au peuple et aux artistes ukrainiens».

Portrait par Elise Karlin dans Le Monde - 26 février 2022

Légende photo :  Noémie Lvosky, à Paris, le 15 février. AMIT ISRAELI POUR M LE MAGAZINE DU MONDE

La réalisatrice et actrice de 57 ans trace depuis trois décennies son sillon singulier au cœur du septième art hexagonal. Son mélange de force, de fantaisie et de fragilité explose à l’écran dans « Viens je t’emmène », d’Alain Guiraudie, en salle le 2 mars.

« Comment tu te sens avec les scènes de nu et les scènes de sexe ? » Noémie Lvovsky se souvient très bien de sa première conversation avec le cinéaste Alain Guiraudie. C’était au téléphone, alors qu’elle se trouvait sur une petite route de campagne où l’on captait peu le réseau. Ils discutaient du personnage d’Isadora que le réalisateur lui proposait de jouer dans Viens je t’emmène (sortie le 2 mars), une prostituée libre dans ses désirs et expansive dans son plaisir.

Noémie Lvovsky voulait ­vraiment tourner avec Alain Guiraudie, dont elle aime le travail radical, longtemps resté confidentiel jusqu’au succès de L’Inconnu du lac (2013), un thriller qui se déroule dans le milieu de la drague gay. Mais elle lui a quand même proposé d’abord de la voir déshabillée, qu’il sache à quel corps il avait affaire puisqu’il voulait le filmer sans rien en dissimuler. Son interlocuteur a décliné : « Si c’est O.K. pour toi, ça me va. »

Elle a un peu insisté, avec ce grand sourire qui plisse ses yeux et tient éloignées ses fragilités. Elle a souligné qu’elle n’obéissait pas aux canons de beauté habituels. Elle a évoqué son âge – 54 ans à l’époque –, un appétit qu’elle ne bridait pas, son désintérêt pour le sport. « Ça me va, lui a répété le cinéaste très à gauche. Je dirais même que c’est un choix presque politique ! » Trois ans après, elle insiste encore sur ce « presque », qui l’a bouleversée.

Liberté et générosité

Car le cinéma français n’est pas très bienveillant à l’égard des comédiennes de plus de 50 ans qui assument d’avoir l’air de comédiennes de plus de 50 ans. Dans cet univers où il est si malvenu de vieillir, Noémie Lvovsky n’a pas renoncé à rester elle-même – une réalisatrice et une actrice de 57 ans. Elle n’avait jamais joué nue. Elle n’avait jamais joué le sexe cru ni même pensé le jouer un jour. Mais, comme toujours lorsqu’elle accepte un rôle pour un cinéaste qu’elle admire, elle a fait confiance.

Elle dit être entrée dans la tête du réalisateur et s’être immiscée dans son cœur. Elle a regardé celle qu’elle devait jouer avec ses yeux à lui. Elle s’est approprié ce regard avant de s’y abandonner. Elle n’a rien négocié, rien exigé, ni « ne montre pas mes seins », ni « ne montre pas mes fesses ». Elle a juste énormément discuté en amont, au point que le metteur en scène s’en était un peu inquiété – « Noémie se prend énormément la tête, c’est dans sa nature. J’ai cherché à l’amener à jouer de façon plus cash, moins psy. »

« Le désir de jouer, que je croyais enfoui, était intact. Porter un masque, un costume, dire les mots d’un autre… La fiction permet d’approcher plus près d’une forme de vérité. » Noémie Lvovsky

Malgré l’intensité de la préparation, les lectures, les discussions, la première répétition de la scène de sexe est difficile. Sur le tournage, Noémie Lvovsky parle du jour du « grand saut ». « Elle est unique dans sa manière de s’abandonner et de lâcher prise. Même si elle a un côté un peu barjot, reconnaît Alain Guiraudie en riant. Elle ne fait jamais deux fois la même chose, elle joue selon ce qu’elle sent ; du coup, tout est toujours un peu mouvant, instable. Parfois, c’est emmerdant, mais, en général, c’est très agréable à regarder. Les personnages sont des coquilles vides que les comédiens remplissent avec ce qu’ils sont, et Noémie s’est montrée extrêmement généreuse dans son jeu. »

Dans le métier, elle n’a pas la réputation d’être facile. Alain Guiraudie convient que plusieurs de ses interlocuteurs l’avaient mis en garde : « elle est caractérielle », « elle se fout complètement d’être raccord », « elle n’en fait qu’à sa tête »… Au moment de la sortie du film La Bonne Epouse (2020), le réalisateur Martin Provost racontait ainsi dans la presse qu’il avait demandé à Noémie Lvovsky de perdre un peu de poids pour tenir son rôle de religieuse qui seconde la directrice d’une école ménagère interprétée par Juliette Binoche. En guise de réponse, la comédienne avait pris une dizaine de kilos. « Par rapport à ce que j’avais entendu, tout a été facile, souligne au contraire Alain Guiraudie. Je l’ai trouvée très à l’écoute, très en demande d’être dirigée. J’ai posé un cadre ; elle y a trouvé sa liberté et elle s’est donnée à fond. »

Des débuts derrière la caméra

Ce bonheur de jouer, d’entrer dans un autre monde que le sien, Noémie Lvovsky en profite d’autant plus qu’elle a tardé à s’y laisser aller. Une remarque blessante sur son physique, alors qu’adolescente elle passe une audition pour une pièce de Goldoni, Les Amoureux, la pétrifie ­d’humiliation. Si puissant soit son désir, jamais, pense-t-elle alors, elle ne s’entendra dire deux fois qu’elle n’est pas assez belle. La comédie l’attire pourtant depuis l’enfance : petite, la gamine aux boucles brunes que son père, un ophtalmologue fou des Marx Brothers, appelle Harpo, veut être clown pour le faire rire. Il dit non à l’Ecole du cirque, la voilà en fac de lettres.

Elle a envie d’écrire, l’un de ses professeurs lui conseille la section scénario de la nouvelle école des métiers de l’image et du son, la Fémis. Noémie Lvovsky l’intègre l’année de sa création, en 1986. Ce sera donc la comédie, mais… derrière la caméra. Une évidence, finalement : « Il me semble que le premier travail d’un réalisateur ou d’une ­réalisatrice est d’être un bon spectateur ou une bonne spectatrice. Quand je regarde un film, avant de prendre plaisir aux décors ou aux ­costumes, j’entends la voix de quelqu’un d’autre qui s’adresse à moi, je vois la réalité d’un autre. Le film est comme un fil tendu entre lui moi. »

« Les films sont plus harmonieux que la vie, il n’y a pas d’embouteillage, pas de temps mort », disait François Truffaut, l’une des idoles dont Noémie Lvovsky embrassait la photo avec du rouge à lèvres. Plus jeune, elle voulait l’épouser ; elle le lui a d’ailleurs proposé dans une lettre d’amour restée sans réponse. Sa carrière débute auprès ­d’Arnaud Desplechin. Pour lui, elle sera scripte, directrice de casting, et participera à l’écriture des scénarios de La Vie des morts (1991) et de La Sentinelle (1992). Pour son premier long-métrage, Oublie-moi (1994), une réflexion sur le désordre amoureux, elle fait jouer Valeria Bruni Tedeschi, qui termine l’Atelier des Amandiers, dirigé par Patrice Chéreau. Entre elles, c’est un coup de foudre amical, une familiarité immédiate.

« On s’est rencontrées dans un café de la rue de Lille, à Paris, se souvient Valeria Bruni Tedeschi. J’ai aimé tout de suite sa vision du monde, sa poésie, sa liberté, ses fulgurances. Ensuite, j’ai aimé sa manière de travailler. Noémie tourne beaucoup de prises, vraiment beaucoup. Elle recommence même quand on pense que la prise est bonne, elle recommence jusqu’à ce qu’elle obtienne ce qu’elle cherche. Oui, parfois c’est un peu chiant, mais tous les gens très exigeants sont un peu chiants ! Elle l’est aussi avec elle-même. Ce n’est pas quelqu’un qui fait semblant. »

La singularité d’un regard

Dès ce premier long-métrage, Noémie Lvovsky se distingue. Le critique Jacques Mandelbaum notera rétrospectivement, en août 1999 dans Le Monde, « la singularité d’un ton et d’un regard admirablement servie par l’inquiétude hystérique que Valeria Bruni Tedeschi confère à l’héroïne du film ». Noémie Lvovsky confirme cette singularité deux ans plus tard, en 1997, avec Petites, un téléfilm réalisé pour Arte qui devient au cinéma La Vie ne me fait pas peur. Le film, plusieurs fois primé, scrute les tracas de l’adolescence et les tourments du passage à l’âge adulte.

« Noémie a gardé l’intensité de ses souvenirs d’enfance, dit l’écrivain Florence Seyvos, qui collabore au ­scénario avec la réalisatrice depuis vingt-six ans. Elle en a capté à la fois la fantaisie et la sauvagerie… Parfois, je suis trop sage, elle trop débordante, mais nous partageons un même goût pour la saveur d’une situation. Avec le temps qui passe, nous sommes devenues gardiennes l’une de l’autre. Quoi qu’il arrive, nous reconnaissons, sous les strates d’années empilées, celle que nous étions et que nous voulions rester. »

Publié par Anne Diatkine dans Libération (26/02/22)

Le monde de la culture en Russie s’oppose à Poutine. Elena Kovalskaya, directrice du théâtre d’Etat et du centre culturel Vsevolod Meyerhold de Moscou, a annoncé sa démission sur les réseaux sociaux, en protestation contre l’invasion de l’Ukraine. «Je ne peux pas travailler pour un meurtrier et être payée», écrit-elle sans ambiguïté.

Dans le même temps, Marina Daridova, rédactrice en chef de la revue russe Teatr et directrice d’un festival international de théâtre appelle tous les membres de la communauté théâtrale russe à signer «une pétition adressée aux leaders qui nous dirigent et personnellement au président Vladimir Poutine, pour que cessent immédiatement les hostilités sur le territoire d’un état proche» : «Nous considérons l’Ukraine comme un état indépendant. Nous ne voulons pas que la Russie devienne un pays paria ! Nous croyons qu’aucun conflit ou problème au 21e siècle peut être résolu avec des tanks, des artilleries et des infanteries. Nous voulons que cesse immédiatement le bain de sang !»

(Anne Diatkine / Libération du 26/02/22)

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En Russie, après la directrice du centre Meyerhold Elena Kovalskaia, c’est le directeur du théâtre Maiakovski Mindaugas Karbauskis, l’un des grands élèves de Fomenko qui démissionne, ainsi que le directeur du Théâtre Vakhtangov Rimas Tuminas. Respect pour ces grands artistes.

Pierre-Yves Lenoir

https://fr.wikipedia.org/wiki/Mindaugas_Karbauskis

https://www.delfi.lt/kultura/naujienos/del-ivykiu-ukrainoje-mindaugas-karbauskis-palieka-maskvos-vladimiro-majakovskio-teatra.d?id=89557361

Mindaugas Karbauskis quitte le théâtre Vladimir Mayakovsky à Moscou en raison d'événements en Ukraine

www.DELFI.lt

2022 25 février 13:41  Mindaugas Karbauskis, le frère de l'homme politique Ramūnas Karbauskis, qui dirige le Théâtre Vladimir Mayakovsky de Moscou et répète sur sa scène, a annoncé aujourd'hui sa démission sur Facebook

https://fr.wikipedia.org/wiki/Rimas_Tuminas

https://www.lrt.lt/naujienos/kultura/12/1625814/rimas-tuminas-pranese-si-menesi-pasitraukes-is-vachtangovo-teatro-maskvoje

traduction Google (du lithuanien) :

Le réalisateur Rimas Tuminas a déclaré à LRT RADIO ce mois-ci (9 février) qu'il avait quitté le théâtre Vachtangov à Moscou : "Si nécessaire, je présenterai également le document".

Il y occupe le poste de directeur artistique. Il occupe le même poste au Petit Théâtre de Vilnius.

Par Joëlle Stolz  (Vienne, correspondance) dans Le Monde 25 février 2022

Légende photo : Selma Alispahic (au premier plan), Drazen Pavlovic et Dzana Dzanic (en arrière-plan),   en février 2022, à Sarajevo. DZENAT DREKOVIC

« Rechnitz », jouée à Sarajevo, condense des questions sensibles dans un pays déchiré il y a trente ans par la guerre civile.

Un revolver en chocolat offert aux spectateurs pendant la représentation à Sarajevo de Rechnitz (L’Ange exterminateur), une pièce d’Elfriede Jelinek, Prix Nobel de littérature, résume l’ironie mordante avec laquelle l’écrivaine autrichienne et sa compatriote Sabine Mitterecker, qui la met en scène actuellement en Bosnie, abordent le scandale du silence après un crime commis au nom de la pureté ethnique. L’antisémitisme nazi sert ici de prisme à des événements bien plus récents.

Représenté d’abord dans la capitale, Sarajevo, les 18, 19 et 20 février, désormais habitée surtout par des Bosniaques, puis à Mostar les jours suivants, ville de la communauté croate, avant Srebrenica, lieu du massacre de 8 000 hommes et adolescents bosniaques, située en Republika Srpska (l’entité serbe), le spectacle condense des questions sensibles dans un pays déchiré il y a trente ans par la guerre civile.

Symbole de résistance

Ales Kurt, directeur du SARTR, le Théâtre de guerre à Sarajevo, a sollicité Sabine Mitterecker parce qu’elle connaît bien la prose percutante de Jelinek, sa façon de faire claquer tous les tiroirs de la langue. Ce théâtre de 250 places a été ouvert en mai 1992, alors que toutes les autres salles étaient fermées à cause du siège par les milices serbes. Il a continué à jouer pendant toute sa durée – 10 000 morts, 35 000 bâtiments totalement détruits –, devenant un symbole de résistance.

La première, le 18 février, a attiré autant de jeunes que de vétérans du conflit. La culture reste en effet un ferment vivant à Sarajevo, malgré l’exil des diplômés qui émigrent vers l’Ouest en quête d’une vie meilleure. Le manque de perspectives économiques exacerbe la concurrence mémorielle. Au nom de ses propres victimes, la communauté serbe refuse de reconnaître la réalité du génocide, tandis que du côté bosniaque, on exige des anciens agresseurs qu’ils acceptent le verdict de la justice internationale. C’est dans ce contexte qu’a été montée la pièce, avec les défis qu’impliquent des répétitions avec cinq acteurs tous bosniens, mais d’horizons différents. « Certains jours, on aurait dit la tour de Babel », s’amuse Sabine Mitterecker, qui a aussi monté à Tirana, avec des comédiens albanais, Les Présidentes, de Werner Schwab, dont la langue est quand même « beaucoup plus simple que celle de Jelinek ».

La première, le 18 février, a attiré autant
de jeunes que de vétérans du conflit

Rechnitz est un résumé de la culpabilité collective : dans ce village autrichien frontalier de la Hongrie, quelque 200 juifs furent massacrés, à l’issue d’une des « marches de la mort » de travailleurs forcés organisées par le régime nazi à l’approche de l’armée soviétique. La particularité du massacre est qu’il eut lieu, dans la nuit du 24 au 25 mars 1945, pendant une fête au château du comte Ivan de Batthyany, dont l’épouse, Margit, était une fille de Heinrich Thyssen, grand nom de l’industrie lourde allemande et l’un des financiers du IIIe Reich.

« L’hôtesse de l’enfer »

On sait qu’elle a, sinon tué de ses mains, du moins aidé à fuir son amant, intendant du domaine et responsable local de la Gestapo qui avait ordonné la tuerie. « L’hôtesse de l’enfer », son surnom dans la presse, a fini ses jours tranquillement, en Suisse, sans être inquiétée. Malgré plusieurs procès et des fouilles approfondies du terrain (la dernière en 2021), on n’a jamais pu retrouver les restes des 180 victimes. Seuls 18 corps ont été exhumés en 1970, ceux des prisonniers contraints d’ensevelir les autres. La population de Rechnitz a obstinément refusé toute coopération avec la justice.

Le refus de parler du crime est donc le sujet de cette pièce créée à Vienne en 2008. Jelinek a recours à la figure du messager dans le théâtre antique – ni les victimes ni les bourreaux ne sont représentables –, ses personnages sont les domestiques du château, dont les récits vont se recouvrir et se contredire. Mitterecker leur a donné les prénoms des acteurs : voici donc Selma, Dzana et Jelena et leurs comparses masculins, Sead et Drazen, enfermés dans une pièce peuplée d’animaux empaillés et de déguisements, voyant l’horreur par la fenêtre et se rassurant sans cesse sur leur innocence : « Nous non, nous ne sommes que les messagers. »

Pendant les répétitions, ils ont presque toujours refoulé le passé douloureux de la Bosnie. Jusqu’à la générale de la pièce, où il est soudain revenu très fort, surtout quand Selma empoigne un fusil. Puis ils ont réussi un numéro d’équilibriste entre grotesque et tragique. Pour cela, la metteuse en scène a utilisé beaucoup de chansons, comme des intermèdes ludiques, mais chargés de sens : aussi bien Zarah Leander que la valse ou le rock.

Le spectacle doit être montré à Zagreb et peut-être à Belgrade, où la troupe du SARTR a déjà présenté en 2000, avec un impact considérable, ¡ Ay, Carmela !, la pièce de l’Espagnol José Sanchis Sinisterra sur la guerre civile et le fascisme. « Soigner les blessures prendra du temps, explique Selma. Seules les nouvelles générations pourront le faire. Mais je travaille beaucoup avec des jeunes et cela me donne énormément d’espoir. »

Joëlle Stolz  (Vienne, correspondance)

par Anne Diatkine dans Libération - publié le 7 mars 2022 

Depuis le début de la guerre, le metteur en scène ukrainien Vlad Troitskyi envoie des messages à «Libération». Avec sa famille, l’artiste a décidé de quitter la banlieue de Kyiv (Kiev) où il vivait jusqu’alors.

Le metteur en scène Vlad Troitskyi poursuit pour Libération son journal qu’il nous envoie dès qu’il peut. La règle tacite est la même : il n’y a pas de réécriture, et on ne modifie pas son texte, tout au plus se permet-on d’expliciter une référence ou allusion qui échapperaient au lecteur français. Un grand merci à Alexis Berelowitch qui relit ses messages reçus en russe.

Jeudi 3 mars, 23h03

Aujourd’hui, j’ai fait partir vers l’ouest ma femme, ma fille et Solomiya (du groupe les DakhDaughters) avec son fils et son mari. Ils s’approchent maintenant d’Ivano-Frankovsk… Treize heures de route… Ma femme est une femme formidable… Hier soir, quand on a décidé qu’ils partiraient ce soir, j’ai soudain réalisé que c’était peut-être la dernière fois que je les voyais… J’avais envie de pleurer devant cette injustice barbare… Au nom de quoi ? Pourquoi doivent-ils tout quitter et fuir dans l’inconnu… Ma fille va devoir vivre avec des étrangers, ce sont nos amis, certes, mais ce ne sont pas son papa et sa maman… Je ne sais pas quand elle pourra aller à l’école avec nous… Ou juste aller se promener… Aller dans un café ou au cinéma… Rencontrer ses amies… Le monde de Poutine a volé l’enfance de ma fille et de millions d’enfants ukrainiens… Il y a plus d’un million de réfugiés venant d’Ukraine aujourd’hui… Principalement des femmes, des enfants et des personnes âgées… Pour quoi ? Quel grand dessein vaut la souffrance de ces gens ?

Pas de réponse…

Aujourd’hui, la Russie a pratiquement fermé ses frontières à ses citoyens… Demain, selon toute apparence, sera proclamée la loi martiale et la mobilisation en Russie… Shoigu, le ministre russe de la Défense, affirme vouloir envoyer une armée de plusieurs millions en Ukraine… Pour nous tuer tous ?

Vendredi 4 mars, 22h46

J’ai décidé cette nuit de partir… J’ai réalisé que je serais bien plus utile à mon pays si avec les DakhaBrakha et les DakhDaughters nous commencions à présenter des spectacles d’anti-Poutine anti-guerre en Europe et en Amérique…

J’ai appelé Lucie Berelowitsch et elle est prête à nous accueillir et à nous installer dans sa ville… Et nous commençons à monter des programmes de tournées et à préparer des contenus appropriés… Un objectif se dessine… C’est ce que nous pouvons faire !

Je n’ai pas beaucoup dormi la nuit dernière. Le sentiment que c’est très probablement la dernière fois que vous dormez dans votre propre lit, dans votre propre maison… Qu’à partir d’aujourd’hui vous êtes un vagabond… Que vous entrez dans l’inconnu, quittant le monde que vous avez construit pendant trente ans et qui a été détruit au nom de l’idée folle du Reich du Monde russe… Le matin, j’ai encore essayé de persuader ma mère, ma petite vieille… Elle pleurait et disait qu’elle ne supporterait pas la route et ne voulait pas nous être un fardeau… Et de nouveau, se posait la question : qui répondra de ses larmes… Qu’a-t-elle fait de mal à Poutine ? Doit-elle être tuée pour ne pas l’aimer ? Hier, plus de cent paisibles civils ont été tués sous les bombes et les missiles dans la seule ville de Kharkiv…

Dimanche 6 mars, 17h56

Nous sommes au troisième jour du voyage… de Kyiv (Kiev) à la frontière… En cet instant, nous sommes dans la queue au poste de contrôle. Près d’un kilomètre… Je ne sais pas combien de temps ça va durer… Nous sommes dans trois voitures… Nous avons sept enfants, de 10 mois à 16 ans… Plus d’un million de réfugiés déjà… Surtout des femmes et des enfants… Les vieux refusent la plupart du temps de partir… C’est monstrueux… 40 millions de personnes, 40 millions d’Ukrainiens… que le monde de Poutine veut tuer… Le monde d’une Russie folle, assoiffée de sang… Et les militaires russes commencent à prendre le goût de tuer des gens sans-défense… Tuer de paisibles habitants… Ils n’auront pas à en répondre… Vous n’avez pas à répondre de vos actes surtout quand vous lancez des missiles, quand vous tirez à l’artillerie lourde et quand vous bombardez depuis vos avions… C’est fou… Même selon le concept insensé de Poutine d’une seule nation.

Nous avons traversé presque toute l’Ukraine… A Ivano-Frankovsk, nous avons été accueillis par le théâtre local… C’était très chaleureux… A Beregovo, c’est un théâtre hongrois qui nous a ouvert ses portes… La solidarité et l’amour, contre la méchanceté et la férocité… Parviendrons-nous à tenir bon ? J’y crois, même si c’est parfois très dur et que les doutes m’assaillent… David peut-il vaincre Goliath ?… Dans cette guerre les spectateurs européens qui assistent au combat tout en nous accordant leur sympathie ont peur de nous donner la fronde de David (c’est-à-dire les avions) … Que c’est compliqué… Nos trois vieilles sont restées à la maison. Elles nous ont dit qu’elles ne feraient pas un pas hors leur terre natale… Et nous ne sommes pas en train de fuir. Nous allons constituer notre propre front, l’art-front.

Par Fabienne Darge dans Le Monde -  7 mars 2022

L’auteur et metteur en scène, devenu le champion de la conférence-spectacle, revisite de grandes figures tragiques comme Phèdre, Carmen ou Giselle.

Il ne faut pas chercher bien loin sur la planète théâtre, en ce moment, pour trouver un spectacle signé François Gremaud, cet auteur et metteur en scène qui, à 47 ans, ressemble encore à un grand garçon trop vite monté en graine. Depuis leur création, les spectacles Conférence de choses, Phèdre !, et, désormais,   Giselle… et Auréliens sont devenus des « tubes » du théâtre contemporain, qui ne cessent de tourner à travers la France et la Suisse, d’où François Gremaud est originaire.

« C’est vrai que c’est fou ! », s’exclame l’impétrant, l’œil bleu pétillant et joyeux, à l’heure ou son Phèdre ! s’apprête à se jouer trois semaines au Théâtre de la Bastille, à Paris, où il est promis au même succès que partout ailleurs, de Lausanne à Avignon.   Phèdre !, c’est son spectacle emblématique, celui qui a fait de François Gremaud une star – modeste –, celui où il a peaufiné, avec un art consommé, la forme de la conférence-spectacle, dont il est devenu le champion.

François Gremaud la goûte particulièrement, cette joie qui accompagne la reconnaissance, lui qui la cultive, au sens le plus profond du terme, comme un trésor. Peut-être en raison d’une enfance qui ne fut pas toujours simple, aux côtés de frères et sœurs affligés de difficultés diverses, mais portée par des parents pour qui la vie était toujours la plus forte. Peut-être d’ailleurs que tout – le théâtre, le jeu – est parti de là, de sa relation avec son jeune frère sourd-muet, avec lequel il communique en langue des signes depuis toujours.

« Avec mon frère, on a grandi ensemble dans cette langue, et donc dans ce rapport au langage qui est très corporel, très engagé, raconte-t-il. Dans la langue des signes, il y a une nécessité d’habiter le corps, d’accompagner la pensée, sinon on ne se comprend pas. Il ne s’agit pas de caricature, mais juste d’être un petit peu plus grand que la vie, ce qui est un geste très proche du jeu : être naturel, être soi, mais en un peu plus grand. Je suis très habité par cette nécessité de mettre en œuvre les choses pour pouvoir les communiquer, même si je ne l’ai pas identifiée tout de suite. »

« Une liberté absolue »

En attendant, François Gremaud a commencé le théâtre très jeune, à Fribourg, en Suisse, où il vivait. Puis il a fait un détour par les arts plastiques et l’Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL), où il a découvert la liberté infinie de l’art contemporain, en compagnie notamment de la photographe américaine Nan Goldin. Et il est revenu au théâtre, en intégrant l’Institut national supérieur des arts du spectacle (Insas) de Bruxelles. On est au tournant des années 1990-2000, la scène flamande est à son apogée.

François Gremaud a fondé sa compagnie, en 2005, sous le nom de 2b company

« C’était vraiment la grande époque, où se croisaient Alain Platel, Anne Teresa De Keersmaeker, le tg STAN, Jan Lauwers, etc., se souvient-il. Un moment particulièrement vivant et remuant, avec des artistes qui osaient tous les mélanges entre texte, danse, musique… Une liberté absolue, à mille lieues des dogmes qui étaient encore en vigueur à Lausanne et dans le théâtre français, relatifs à la façon de dire la langue, de respecter les textes. C’est là-dedans que j’ai eu envie de m’inscrire. »

François Gremaud s’est senti autorisé à chercher son propre théâtre, et il a fondé sa compagnie, en 2005, sous le nom de 2b company, à prononcer à l’anglaise, comme « To be »… à faire suivre d’« or not to be », of course. Ce clin d’œil à la phrase la plus célèbre de l’histoire du théâtre dit bien comment il comptait s’inscrire dans cette histoire, par le décalage, l’humour, la liberté autorisée par l’art contemporain et une figure tutélaire majeure, celle de Marcel Duchamp.

Vrai bijou d’absurde

Il faudra une bonne dizaine d’années encore pour que la 2b accède à la reconnaissance, avec Conférence de choses, vrai bijou d’absurde suisse que les amateurs de théâtre découvrent dans le « off » du Festival d’Avignon, en 2016. La chose en question s’est écrite en surfant sur les pages de Wikipédia, se déploie en neuf épisodes de cinquante-trois minutes et trente-trois secondes chacun, et place en son cœur le savoir et l’« idiotie », au sens philosophique du terme, en élevant la conférence au rang d’art ludique et virtuose.

« La Conférence, c’est un marabout-bout-de-ficelle, une manière de rendre hommage à tout ce savoir humain et à toutes ces personnes qui sur Wikipédia ont pu se passionner pour des choses aussi diverses que la reine Margot ou les pastilles désodorisantes pour les toilettes, explique François Gremaud. Il s’agissait de traverser ces étonnements humains, ce geste primordial qu’est l’étonnement, en partant du principe qu’il est à la base de la pensée. »

Puis il y a eu Phèdre !, deux ans plus tard. Un Phèdre comme on ne l’a jamais vu, où se mêlent l’œuvre de Racine elle-même et le commentaire de l’œuvre, tragique et comique, et où un seul et formidable acteur, Romain Daroles, joue à la fois tous les rôles et celui du prof. Une superbe réussite qui emporte les spectateurs pour une heure et des poussières de pur bonheur théâtral, selon un principe que François Gremaud a décliné ensuite avec Giselle…, autour du célèbre ballet romantique d’Adolphe Adam, en compagnie de la non moins formidable Samantha van Wissen. Avant qu’un troisième volet ne soit créé, un Carmen. (avec un point tout simple, cette fois) qui sera porté par Rosemary Standley.

Agilité intellectuelle étourdissante

« Ce que j’ai découvert avec ces pièces, c’est que, à partir du moment où on essaie de raconter une œuvre, on en crée une nouvelle, analyse François Gremaud. Cette forme de la conférence-spectacle, je l’ai adoptée au départ en faisant le constat de la déconnexion qui s’est opérée entre un certain théâtre et un certain public, et du lien nécessaire à retisser avec ces œuvres. Mais, au passage, j’ai découvert la liberté inouïe que permet cette forme, qui ramène à l’essence du théâtre et du jeu : cette figure du conférencier-acteur, elle peut tout convoquer sur scène, par la seule force de la parole et du corps. L’acteur dit : “Ici, il y a un arbre”, et les spectateurs voient l’arbre, dans leur tête. C’est quand même magique, de pouvoir ainsi mettre en marche l’imagination du public, à l’heure de la société du tout-image, du tout-illustré, de l’information perpétuelle, où l’imaginaire est quand même très orienté. »

La joie semble consubstantielle à François Gremaud, qui confesse avoir toujours « rigolé et fait rigoler »

Avec ces spectacles en solo, François Gremaud a trouvé son langage, qu’il déplie avec une agilité intellectuelle étourdissante : un corps sur un plateau, qui transmet par un geste joyeux un contenu dans une forme chorégraphiée. La joie, on y revient. Elle semble consubstantielle à François Gremaud, qui confesse avoir toujours « rigolé et fait rigoler, et adoré les jeux de mots les plus lamentables, qui sont pour moi la forme première de la poésie ».

Mais il s’agit surtout de la joie au sens où l’entendait le regretté philosophe Clément Rosset : « J’aime la manière dont il la définissait comme la force majeure de la vie, parce qu’elle est susceptible de contenir tout le tragique de l’existence, alors que l’inverse n’est pas forcément vrai : le tragique ne contient que rarement la joie. Ce qui me plaît là-dedans, et que j’essaie de mettre sur le plateau du théâtre, c’est que cette joie, que j’assimilerais à la puissance de vie, elle n’est pas dupe. Elle sait que la vie est tragique. Dans Phèdre !, Giselle… ou Carmen., le geste est celui-là : in fine, ce sont des figures tragiques, mais on passe par la joie de les raconter. C’est une manière de rappeler que la richesse du vivant, c’est justement d’être vivant », conclut François Gremaud.

Fabienne Darge

Par Armelle Héliot dans son blog -  4 mars 2022

Pas facile avec l’époustouflante « Loi des prodiges » de revenir seul en scène. Le secret de « Rencontre avec une illuminée » doit être cherché du côté de la sincérité et de l’amitié. Et vous rirez comme jamais.

Légende photo : Il danse, aussi, ce conteur illuminé. Photographie de Christophe Raynaud de Lage. DR.

Illuminé, on l’est immédiatement, en découvrant le dispositif scénique imaginé pour ce nouveau solo de François de Brauer. Des dizaines et des dizaines de bougies (fausses) dans des verres, à la manière des bougies parfumées. Elles forment un peu plus qu’un demi-cercle, au fond, sur les côtés. Une chaise. C’est tout. On se croirait dans une mystérieuse crypte, avec ces flammes qui tremblotent.

Le grand garçon descend par l’escalier. Il a des bâtons d’encens à la main. On est dans la mystique, c’est clair.

Entre La Loi des prodiges et cette Rencontre avec une illuminée, François de Brauer a écrit un autre texte, que l’on verra plus tard. L’artiste est loin d’être un homme de solos. C’est un enfant de troupe, qui a beaucoup joué, qui joue beaucoup et se met sous l’autorité de personnalités très différentes. Il est toujours convaincant.

Mais dans la liberté de ces solos où il fait surgir des dizaines de personnages, jeunes, vieux, hommes, femmes, se bousculent, il est extraordinaire.

Irrésistible. Jean-Luc Gaget, scénariste de talent, a écrit avec lui. Louis Arène le dirige. Veille sur lui. François Menou a créé les lumières qui ne sont pas seulement cette belle ceinture de bougies.

François de Brauer explique, dans le dossier de presse –et plus rapidement dans le flyer remis aux spectateurs- que cette « illuminée » existe. Estelle est devenue Stella. Mais elle ne surgit que dans la deuxième partie du spectacle. Au début, on plonge du côté de sa famille. Son grand-père maternel est mort. Une de ses tantes lui demande de lire un texte. Mais François regimbe. Il est « non-croyant ». Panique de maman, tempête dans le crâne de sa tante. Et voilà que le grand-père mort, qui avait refusé de voir sa fille depuis des années et qui ne connaissait pas son petit-fils, se lève et parle !

Par Rosita Boisseau dans Le Monde - 3 mars 2022

L’artiste présente son nouveau spectacle, « Blanc », lors du festival Spring qui a lieu en Normandie.

C’est en ralliant à bicyclette son petit village de Plouguiel, situé près de Lannion (Côtes-d’Armor), à Varsovie (Pologne), que l’artiste de cirque Sébastien Wojdan, né en Pologne en 1980, a appris les textes de son solo Blanc, qu’il présentera vendredi 4 et samedi 5 mars, à Spring, festival des nouvelles formes de cirque en Normandie. « C’était l’été 2019, et j’ai passé deux mois à vélo à répéter mon spectacle, raconte-t-il. J’avais décidé de m’arrêter, car j’ai énormément travaillé pendant des années et je me suis brûlé les ailes. Je n’avais plus aucun plaisir à faire mon métier. Je l’ai retrouvé. Etre en mouvement, ça me stimule toujours beaucoup. »

Hyperactif, Sébastien Wojdan ? Gourmand, assurément. Acrobate, jongleur, équilibriste sur corde et musicien, il est aussi un coureur de fond. Depuis l’adolescence, où il découvre la course comme « un exutoire », il enchaîne trois footings réguliers par semaine. Son premier solo ne porte pas pour rien le titre de Marathon. Créée en 2013, cette pièce tresse passé et présent entre chant, piano et guitare électrique, numéro de fil, planche à roulettes, danse des couteaux… pour se conclure par l’explosion d’un bouquet de ballons multicolores sur un cactus. « J’ai tout donné dans ce solo à un rythme effréné et je pensais que je n’avais plus rien à dire… », glisse-t-il.

Sébastien Wojdan, circassien : « Etre en mouvement, ça me stimule toujours beaucoup »

Et pourtant, neuf ans après, la page immaculée de Blanc se dresse pour écrire un autre pan de l’histoire. Avec ce même besoin « d’un état physique et mental modifié ». Avant chaque représentation, Sébastien Wojdan fait grimper son cardio en abattant 10 kilomètres en courant pour débouler sur le plateau déjà en sueur. « Ce que je recherche, au fond, dans le cirque, c’est quelque chose proche de la transe, ajoute-t-il. Et comme je ne suis pas bon comédien, cela m’aide à ne pas tricher et à me relier avec les spectateurs au présent, sans jouer. » Surtout quand le spectacle, dont l’idée est née après la mort brutale d’un ami à l’âge de 30 ans, s’attaque aux thèmes de l’hypocondrie et de ses mécanismes, en piégeant l’acrobate dans une boîte blanche « tel un rat dans une cage ou un labo ». « J’adore les rats par ailleurs, précise-t-il immédiatement. J’en ai eu lorsque j’avais 13 ans et on était très copains. Ce sont des animaux très mignons et intelligents. En fait, dans Blanc, je tente de faire tout ce que je ne sais pas faire et qui me fait peur, comme me retrouver dans le silence, le vide, et sans compter, pour me rassurer, sur les pirouettes habituelles. »

Fulgurance enivrante

A 42 ans, Sébastien Wojdan, membre fondateur du Galapiat Cirque depuis la création, en 2006, de ce collectif issu du Centre national des arts du cirque, à Châlons-en-Champagne, se faufile dans un tunnel peu fréquenté par les artistes de cirque : celui de l’intime, des peurs et des blocages qui nous déchirent. « Les Japonais ont inventé les yôkai pour incarner leurs monstres afin de les dompter, commente-t-il. C’est ce que je tente de faire dans cette pièce pour accepter et apprivoiser mes angoisses. » Un mouvement introspectif déstabilisant qui veut presser un jus spectaculaire. « Qu’est-ce qui se passe lorsqu’on arrête de faire des saltos ? s’interroge-t-il. Comment aller chercher ce qu’il y a sous les exploits ? Par quels moyens échapper à ce que l’on attend du cirque, autrement dit du divertissement ? »

Spontané, bouillonnant, Sébastien Wojdan, dont le nom signifie « qui donne la guerre » en polonais – ce qui n’est pas pour lui déplaire–, se raconte volontiers. Avant le cirque et la danse, qu’il découvre à 19 ans à Montpellier, il évoque un parcours « accidenté ». Il a 2 ans lorsque ses parents décident d’émigrer avec leurs deux enfants pour s’installer à Albi. Alfred, son père, devient alors goudronneur, tandis que Barbara, sa mère, s’occupe de personnes âgées et de leur maison. Si l’école n’est pas son fort, la musique le soulève. « Plutôt punk et rock alternatif à cette époque-là, j’écoutais les Sex Pistols et Clash et je jouais de la guitare, dit-il. Le choc qui m’a transformé a eu lieu l’année de mes 13 ans. J’ai assisté à Albi à un concert, et je me suis retrouvé sur scène et sur les épaules de François Guillemot, le chanteur des Bérus. Il parlait de jeunesse et de liberté. Ça a été un moment de grâce en plein pogo et une révélation. J’ai compris qu’on pouvait choisir sa vie. »

Cette fulgurance enivrante, Wojdan, un peu plus sage avec le temps, la piste encore et toujours à travers ses pratiques. Il jongle avec des marteaux, des clous et des chaînes, entretient avec ses couteaux un lien singulier. « Il y a sans doute un rapport biblique avec ces objets, souligne-t-il. En Bretagne, je croise régulièrement des christs en croix à chaque carrefour. Je sais que ce sont des accessoires porteurs d’un imaginaire violent, mais les couteaux peuvent être doux aussi. » Un paradoxe que ce performeur, régulièrement engagé dans des résidences artistiques de longue durée au sein d’hôpitaux psychiatriques et d’Ehpad, entend bien sublimer sur scène.

Blanc, de Sébastien Wojdan. Les 4 et 5 mars, au festival Spring, à Cherbourg (Manche). En tournée : à Saint-Barthélemy-d’Anjou (Maine-et-Loire), le 26 avril, et à Segré-en-Anjou (Maine-et-Loire), le 28 avril.

Rosita Boisseau

Par Anne Diatkine, publié dans Libération le 2 mars 2022

Depuis le début de la guerre, le metteur en scène Vlad Troitskyi envoie des messages à «Libération» depuis la banlieue de Kyiv où il habite. Jour après jour, le désespoir grandit, l’angoisse est de plus en plus pressante et parfois surgit un bref instant d’espérance. Témoignage brut.

Par Brigitte Salino  (Genève (Suisse), envoyée spéciale) dans Le Monde le 2 mars 2022

Légende photo : Khazar Masoumi (de profil) et Danaé Dario (en arrière plan), le 22 février 2022, à la Comédie de Genève, lors de la générale du spectacle « En transit », mis en scène par Amir Reza Koohestani. MAGALI DOUGADOS

A la Comédie de Genève, le metteur en scène iranien a librement adapté le roman d’Anna Seghers « Transit ».

En 1941, Anna Seghers (1900-1983) écrivait Transit, sur le bateau qui l’emmenait en exil à Mexico. Elle avait fui l’Allemagne nazie, transité par la Suisse et la France, et embarqué à Marseille. En 2018, le 29 décembre exactement, l’auteur et metteur en scène iranien Amir Reza Koohestani lisait Transit à l’aéroport de Munich, d’où il devait rejoindre Santiago du Chili. L’embarquement lui a été refusé au motif que son visa n’était pas valide, et qu’il avait dépassé le nombre de jours autorisés dans l’espace Schengen. Il a été renvoyé en Iran.

Amir Reza Koohestani, qui vit dans son pays tout en voyageant beaucoup, est habitué aux visas et tracasseries consulaires. Mais en 2018, il s’est retrouvé face à un mur : impossible de faire entendre qu’il était de bonne foi, la loi était la plus forte.

En 1940, à Marseille, ceux qui cherchaient à quitter l’Europe se retrouvaient souvent face à un mur, tant était opaque la jungle des visas – visa de sortie, visa de transit pour les pays traversés avant la destination finale… – et la situation fluctuante. C’est cela que relate Anna Seghers dans son roman dont le personnage central, un jeune Allemand, prend l’identité d’un de ses compatriotes qui s’est suicidé.

En 2018, Amir Reza Koohestani voulait porter Transit au théâtre, en lui donnant une tonalité contemporaine. Il le précise dans le spectacle, En transit, qui sera présenté au Festival d’Avignon, en juillet. Son double est en scène, aux prises avec une policière qui lui retire son indispensable crayon (il ne peut pas lire sans annoter) au motif qu’il est trop pointu. La policière lui apprend aussi qu’il sera placé côté couloir, dans l’avion vers Téhéran, pour éviter qu’il ne brise le hublot, comme certains expulsés ont tenté de le faire, lui dit-elle, dans l’espoir désespéré d’éviter le départ.

Distribution uniquement féminine

Amir Reza Koohestani sait que l’épisode de l’aéroport de Munich n’est qu’un mauvais moment à passer. Rien à voir avec d’autres refoulés qui, eux, vont se retrouver dans une situation dramatique, comme, toutes proportions gardées, les candidats affolés au départ, à Marseille, en 1940. Pourtant, dans le spectacle, tous sont là, dans un va-et-vient entre hier et aujourd’hui qui laisse sceptique.

Amir Reza Koohestani précise dans ses notes d’intention que « la question du genre n’est pas un enjeu »

On peut comprendre qu’Amir Reza Koohestani ait voulu jeter des ponts entre les flots des réfugiés, et nous renvoyer à la confusion kafkaïenne de leur situation. Mais il bute sur plusieurs obstacles, dont le premier est la complexité du roman d’Anna Seghers. Quiconque ne l’a pas lu risque fort d’être perdu en voyant le spectacle, joué par quatre comédiennes qui endossent plusieurs rôles : policière, réfugié, consul américain, avocat, Amir, Marie et Seidler – le couple du roman au bord de l’amour et du gouffre…

Amir Reza Koohestani précise dans ses notes d’intention que « la question du genre n’est pas un enjeu », et que le choix d’une distribution uniquement féminine s’est imposé pour des raisons théâtrales. De ce point de vue, le spectacle lui donne raison, surtout pour le choix de Danaé Dario et de Khazar Masoumi, qui sont excellentes. Mais les quatre comédiennes sont insérées dans un décor élaboré et captieux de vitres et de caméras, en rupture avec la simplicité habituelle d’Amir Reza Koohestani. Dans ses précédents spectacles, l’Iranien de 43 ans mettait en scène la réalité brouillée, avec un art subtil et sensible. Il inscrit En transit dans cette veine, mais, à trop brouiller la réalité, sur tous les plans, il s’éloigne de son art. 

En transit, librement inspiré d’un roman d’Anna Seghers et mis en scène par Amir Reza Koohestani. Avec Danaé Dario, Agathe Lecomte, Khazar Masoumi, Mahin Sadri. Comédie de Genève, esplanade Alice-Bailly, Genève (Suisse). Jusqu’au 6 mars. En juillet, au Festival d’Avignon. Transit est publié chez Autrement (397 p., 22,90 €).

Brigitte Salino   (Genève (Suisse), envoyée spéciale)

Sur le site de l'émission d'Arnaud Laporte sur France Culture, "Affaires culturelles" -  28 février 2022

Comédien et metteur en scène incontournable du théâtre contemporain, Marcial Di Fonzo Bo est au micro d'Arnaud Laporte. Le temps d'un entretien au long cours, il nous raconte son apprentissage auprès de Claude Régy et Matthias Langhoff, son goût pour le théâtre de Copi, et son processus créatif.

Ecouter l'entretien (55 mn)

Par Fabienne Arvers dans Les Inrocks 28 février 2022

Le spectacle de Krystian Lupa, “Imagine”, n’ira pas au festival Masque d’Or de Moscou en signe de protestation. Voici le message que le metteur en scène a souhaité partager.

PROTESTATION / Протест / 26 février 2022 à 22:25

“Il n’y a pas de mots pour décrire ce que la Russie de Poutine a fait il y a trois jours. Ce n’est pas uniquement un viol sans précédent de l’Ukraine, mais aussi un viol de tout être humain qui vit, avec confiance et foi en l’humanité, sur notre globe. Le viol le plus odieux de l’être humain se produit à nouveau. En abandonnant la venue au Festival Masque d’Or à Moscou de mon nouveau spectacle   Imagine, que je crée au Teatr Powszechny de Varsovie, je réalise l’insignifiance d’une telle protestation, mais j’espère qu’il y aura des milliers, voire des millions de protestations similaires. Par la même occasion je lance un appel aux artistes russes, pour qu’ils osent témoigner avec courage, d’une manière consciente et radicale, de leur désaccord avec le crime dans lequel les entraîne le leader de leur patrie.“ Krystian Lupa, traduit par Agnieszka Zgieb

Justement, le Syndicat National des metteur·euses en scène vient de publier un communiqué de soutien aux artistes ukrainiens en saluant le “le courage des metteuses et metteurs en scène et directeur·trices de théâtre russes qui ont démissionné de leurs postes pour protester contre l’agression militaire décidée par le Président Vladimir Poutine : à ce jour, Elena Kovalskaia, du théâtre d’État et du Centre culturel Vsevolod Meyerhold, Mindaugas Karbauskis, directeur du Théâtre Maiakovski, Rimas Tuminas, directeur du Théâtre Vakhtangov.”

Nous soutenons et relayons également la pétition mise en ligne par Marina Davydova, rédactrice en chef de la revue TEATP et directrice artistique du festival de théâtre moscovite Net, appelant les autorités de son pays à arrêter immédiatement les hostilités sur le territoire ukrainien : https://www.yabloko.ru/stop-war

par Anne Diatkine dans Libération - 28 février 2022

Légende photo : Paris, le 24 février 2022. Rassemblement contre la guerre en Ukraine, place de la République. (Cyril Zannettacci/Vu pour Libération)

La metteure en scène et directrice du centre dramatique national de Normandie Lucie Berelowitsch, à l’initiative d’une pétition en solidarité aux artistes ukrainiens face à l’invasion russe, salue le rôle du monde culturel dans la résistance qui s’organise dans le pays.

Lucie Berelowitsch est metteure en scène et directrice du Préau, le centre dramatique national de Normandie-Vire, dans le Calvados. Avec Stanislas Nordey, elle est à l’initiative d’une courte pétition signée par un grand nombre des directrices et directeurs de scènes en France qui témoignent de leur solidarité et de leur volonté d’accueillir en France des artistes ukrainiens. Russophone, elle a fait ses études au conservatoire de Moscou et elle s’apprêtait à commencer les répétitions en avril de sa prochaine pièce, avec une troupe ukrainienne, les Dakh Daughters.

Quel est l’impact en Ukraine d’une telle démarche ?

Avec Stanislas Nordey, on a voulu agir de manière très rapide. Le court texte a été traduit en ukrainien et il circule très largement sur les réseaux sociaux. Il aura dès aujourd’hui un relais dans la presse ukrainienne. L’impact est essentiellement psychologique et on peut considérer que ce n’est pas suffisant, qu’il faudrait être en mesure de protéger le ciel ukrainien. Montrer notre solidarité, assurer qu’on sera là pour les accueillir, trouver des logements aux familles est pourtant déjà très important. Dans les messages que je reçois, je m’aperçois que l’attention de toute l’Europe – et dans le cas particulier des artistes, notre engagement aujourd’hui mais aussi à venir – n’est en rien négligeable dans le contexte d’une résistance qui s’organise extrêmement bien.

Paradoxalement, depuis le début de la guerre jeudi, beaucoup d’Ukrainiens et d’Ukrainiennes ont renoncé à quitter leur pays… Voire paraissent déterminés à rester. Est-ce un choix affirmé et un changement de perspective, ou parce qu’ils ne peuvent pas faire autrement, qu’il est trop tard pour prendre la route ?

Ce qui se passe sous nos yeux est impressionnant : on pensait que Kiev allait être assaillie beaucoup plus rapidement. Beaucoup de mes amis qui croyaient prendre la route restent à la fois parce que ça n’a plus de sens quand l’ensemble de l’Ukraine est bombardé, mais aussi parce qu’ils ont décidé de résister et qu’ils disent que leur place est dans le pays. Une partie d’entre eux estime aujourd’hui qu’ils peuvent gagner cette guerre en dépit de la disproportion des forces.

Mon point de vue est parcellaire mais à ce jour, je ne connais personne qui soit arrivé de l’autre côté de l’Ukraine. L’annonce de la France et de l’Allemagne d’armer les Ukrainiens n’y est pas pour rien. Je suis intimement très inquiète, mais chez les gens avec lesquels j’échange, je ressens une très grande détermination qu’il serait trop rapide de placer sous le signe de l’inconscience : ils disent qu’ils ont le droit d’être libres et le devoir de se battre pour leur pays.

Comment expliquer que la résistance se soit si efficacement et rapidement organisée ?

La guerre a commencé il y a huit ans. Ils ont eu le temps de s’armer psychologiquement. D’autre part, les Russes ne pourront pas tenir indéfiniment si Kiev ne lâche pas.

Dans cette résistance, quel rôle joue le monde culturel en Ukraine ?

Dans cette guerre que Poutine légitime en affirmant que l’Ukraine est une fiction et n’a jamais existé, les artistes revitalisent la culture, l’histoire et la langue ukrainiennes. Je pense notamment au Dakh Theatre, l’une des seules troupes indépendantes d’Ukraine – c’est-à-dire qui n’est pas affiliée à un théâtre officiel. Vlad Troitskyi, 57 ans, a créé de toutes pièces un lieu théâtral dans un appartement, il y a vingt-six ans. On entre dans un hall, puis dans une véritable salle de théâtre qu’il a construite. De ce Dakh Theatre sont nés deux très grands groupes de musique : les Dakh Daughters – six femmes actuellement toutes encore en Ukraine – et les DakhaBrakha. Les deux s’ancrent dans le folklore ukrainien, tout en l’ouvrant et le transformant énormément.

Vlad Troitskyi a aussi sa propre troupe et il a créé le Gogol Fest, un festival indépendant avec des cinéastes, des plasticiens, des musiciens et des acteurs, qui a lieu dans plusieurs villes d’Ukraine. Toute cette effervescence artistique est fondamentale en Ukraine, qui se reconstruit comme Etat nation depuis la fin de l’URSS et son indépendance, et la culture se déploie plus librement depuis la révolution de Maidan de 2014. Il y avait deux langues officielles jusqu’à l’indépendance de l’Ukraine. Grâce à la rencontre que m’a permis Stéphane Ricordel du Monfort théâtre, j’ai pu monter   Antigone avec les Dakh Daughters, et des comédiens ukrainiens, on avait choisi que les discours officiels de Créon soit en russe, mais que la langue de l’intime soit l’ukrainien. La différence entre les deux langues est analogue à celle entre l’italien et le français.

Elena Kovalskaya, qui dirige le théâtre d’Etat Vsevolod Meyerhold à Moscou, a annoncé sa démission car elle ne peut «travailler pour un meurtrier et percevoir un salaire de lui». De même, le Garage Museum – l’équivalent de Beaubourg – à Moscou vient d’annoncer qu’il suspend toute activité en guise de protestation. Tout comme le chorégraphe russe Alexeï Ratmansky qui a décidé d’annuler sa prochaine création. Comment s’opère la solidarité avec le monde artistique russe qui témoigne de son opposition ?

Il y a de plus en plus d’artistes, de chercheurs, d’intellectuels qui se mobilisent à travers notamment une pétition lancée par Marina Davydova, directrice de la revue Teatr, critique et organisatrice de festival qu’on devrait relayer. Pour tout vous dire, on ne sait pas encore comment organiser les soutiens, mais un nombre très important de lieux culturels en France se tient prêt à organiser l’hospitalité de ses institutions et artistes en premier lieu ukrainiens, mais aussi russes qui seraient clairement déclarés contre la guerre et mis en danger.

Par Marie-Aude Roux (Genève (Suisse). Envoyée spéciale) dans Le Monde - 27 février 2022

Le chorégraphe Angelin Preljocaj dirige sa première mise en scène d’opéra aux côtés de la plasticienne Prune Nourry et du chef d’orchestre Leonardo Garcia Alarcon.

La belle Sangaride vient de s’affaisser, mortellement touchée à la poitrine d’une blessure qui a ouvert dans le haut de sa robe un bouillonné de tissu rouge. Son amant, Atys, égaré par les sortilèges trompeurs de la jalouse déesse Cybèle, a cru tuer un monstre. « Atys lui-même/Fait périr ce qu’il aime », déplorent en chœur les Phrygiens. Premier filage et dernière ligne droite au Grand Théâtre de Genève qui affiche, du 27 février au 10 mars, une nouvelle et très attendue production d’Atys, de Lully. Une gageure tant la montre baroque semblait s’être arrêtée en 1987 (ne serait la confidentielle production de Lucinda Childs en 2015, à l’Opéra de Kiel, en Allemagne), quand la tragédie lyrique avait été ressuscitée par William Christie et Jean-Marie Villégier à l’Opéra-Comique.

La mode est alors à la danse baroque des Ris et Danceries, emmenés par Francine Lancelot. En 2022, virage sur l’aile : c’est à Angelin Preljocaj qu’Aviel Cahn, le directeur de la maison d’art lyrique genevoise, a confié la mission d’affronter le tabou. Un défi que le chorégraphe relève, lors d’une répétition lundi 21 février, avec une excitation palpable. « Atys est une sorte d’histoire à la Roméo et Juliette, en pire, affirme-t-il, car cette fois les dieux s’en mêlent. » Le Français d’origine albanaise s’attelle pour la première fois à une mise en scène d’opéra, un passage à l’acte jusqu’alors maintes fois repoussé. « Pas question, évidemment, d’aller dans un sens muséal ou historique, assure-t-il, mais au contraire de s’interroger sur la réactivation de l’œuvre au présent. » Et plus encore de ranimer et remailler la cohabitation native du corps entre chant et danse.

Si les danseurs ne chantent pas, les chanteurs, eux, dansent. Ce critère a d’ailleurs guidé le choix des artistes lyriques par le chef d’orchestre, Leonardo Garcia Alarcon. Une évidence dès la répétition du lendemain avec le début de l’acte III, scène cruciale qui voit Atys, encouragé par son confident Idas et la nymphe Doris, se résoudre à trahir le roi Célénus, promis en noces à celle qu’il aime – « L’Amour dispense/Les rivaux d’être généreux. » Alarcon vient d’interrompre les trois protagonistes et leurs groupes de danseurs affiliés. « On perd la composition de Lully, on n’y comprend rien ! », lance-t-il. Le chef les fera s’avancer sur le devant de la scène, leur demandera de chanter sans bouger, puis de danser sans chanter. Enfin, de joindre le geste à la parole. « Utilisez la danse pour soutenir la ligne vocale ! » Atys reste seul. Un moment propice pour la déesse Cybèle qui lui envoie un songe lui avouant son amour, tandis que le grand mur antique, scénographié par Prune Nourry, se lézarde de failles noires radiculaires.

Théorie des cordes

La plasticienne fait partie de l’équipe rassemblée par Angelin Preljocaj. Le danseur a été impressionné par son exposition   Catharsis, présentée en 2019 à la galerie Templon, à Paris, notamment par ses sculptures anatomiques en tube de verre de laboratoire d’inspiration baroque, dont River Woman, corps humain hybridé au moyen d’un réseau veineux, qui sert de modèle à la métempsycose scénique d’Atys : le livret de Philippe Quinault (1635-1688) s’inspire en effet des Métamorphoses d’Ovide – le jeune éphèbe, suicidé par amour, est transformé en pin. La jeune femme, qui s’était enthousiasmée à 18 ans pour le Faust de Gounod mis en scène à l’Opéra de Paris par Jorge Lavelli, fait, elle aussi, sa première incursion dans le monde de l’opéra. Tout comme la « costumière », Jeanne Vicérial, sculptrice venue de la mode, également passionnée par l’anatomie.

Tous trois se sont retrouvés autour de mots-clés : « hybridation »  (une variante de la métamorphose), « rhizome » , « fractal » , « rituel » . Mais aussi « cordes », ce mot interdit au théâtre. « On a trouvé par intuition, rappelle Prune Nourry. L’opéra est traversé par l’amour et ses particules vibratoires. » D’où ce succédané inspiré de la théorie des cordes, instrumentales et vocales, mais aussi cordages de matériaux, qui constituent le fondement du travail des deux plasticiennes. Immenses « câbles » noués pour l’une (l’arbre de vie d’Atys), fils suspendus ou frangés, parfois comme tissés en arpège pour l’autre, dans de magnifiques costumes aux lignes japonisantes. « J’ai considéré le chœur, les solistes et les danseurs comme un seul organe », précise Jeanne Vicérial, dont la vision participe au rituel scénique.

« Au début, je n’aimais pas du tout Lully », a lâché tout de go Leonardo Garcia Alarcon. L’Argentin partage avec William Christie, qu’il admire depuis toujours, une foncière détestation pour le compositeur homme de pouvoir, qui fit la pluie et le beau temps à la cour. « L’homme est absolument horrible à tout point de vue », confiait Christie en 1987 dans le numéro 94 de L’Avant-scène opéra. Et puis, en 2015, il y a eu « La Dernière Nuit », célébration du tricentenaire de la mort de Louis XIV dans la basilique de Saint-Denis. Alarcon y interprétait, entre autres, deux grands motets de Lully, corpus sacré dont il donnera en 2018 un éclatant florilège dans la chapelle royale du château de Versailles. Pour Atys, « l’opéra du roi », il a d’abord hésité, avant de se laisser persuader par les chiffres : trois cents ans tout juste séparent en effet la création de l’œuvre, en 1676, à Saint-Germain-en-Laye, et sa propre naissance, en 1976, à La Plata (Argentine). « A l’époque de Christie, revenir à la gestuelle ancienne était moderne. Avec Angelin Preljocaj, nous ouvrons un autre monde », déclare-t-il.

« Transe optique »

Les deux hommes se sont tout de suite entendus. Preljocaj vit depuis trente ans à Aix-en-Provence, l’une des places fortes de l’opéra, tandis qu’Alarcon, dont la sœur aînée était « l’étoile de la famille », exprime volontiers une familiarité avec la danse, comme en témoigne sa direction. Rappelons qu’il était dans la fosse pour Les Indes galantes, de Rameau, version hip-hop de Clément Cogitore et Bintou Dembélé, à l’Opéra Bastille, en 2019. D’un commun accord, ils ont décidé de réduire le prologue à une simple introduction. Ce passage obligé de la célébration royale a toujours constitué, assure Alarcon, une variable d’ajustement dans l’histoire. Preljocaj a aussi supprimé quelques pièces dansées, ramenant le spectacle à un peu moins de quatre heures.

Faire travailler la danse à des non-danseurs, Preljocaj s’y est déjà attelé lors d’un projet de quatre mois à la prison des Baumettes, à Marseille, avec des détenues, dont a été tiré en 2019 un spectacle, Soul Kitchen, ainsi qu’un documentaire signé Valérie Müller, intitulé Danser sa peine. « Ma passion est de faire vivre les corps, de trouver des résonances artistiques avec la réalité concrète qui s’est inscrite en eux », indique le danseur, qui a construit sur le plateau une chorégraphie en quasi-continuum afin de créer « une sorte de transe optique, quelque chose qui fascine ». Preljocaj n’écrit pas sur la musique mais au métronome, dans le silence. « J’essaie de déployer ma propre partition musicale. Il ne faut pas que la danse épouse trop la musique. Toutes deux doivent rester en dialogue. »

Dans la continuité de William Christie, Leonardo Garcia Alarcon a dirigé à partir de l’édition originale publiée par Les Arts florissants, rajoutant à l’orchestration les cymbales antiques qui servaient à la célébration du culte de la déesse Cybèle (dont les Hilaria fêtaient précisément la résurrection d’Atys). Il s’applique à retrouver, dans une écriture qui « a reproduit en musique le contrôle de la nature exercé par les jardins à la française », les traces d’une italianité qu’illustrent les fins de phrase systématiquement ornementées afin d’en masquer l’accentuation. « Atys constitue l’apogée de la tragédie lyrique, conclut-il. Pour la première fois, Lully s’arroge le droit de faire mourir son héros. » Sur le plateau, une monstrueuse mangrove sombre, stylisée. Rendu à la conscience et désespéré par la mort de Sangaride, Atys s’est poignardé sous les yeux horrifiés de Cybèle. « Il est doux de mourir avec ce que l’on aime », chante-t-il. Fresques de danseurs delphiques en robes diaphanes.

La scène dernière ne sera que fureur et lamentations, nymphes des eaux et corybantes guerriers alternant rage et soupirs. Le corps d’Atys s’élève dans les airs, tandis que l’arbre transcendé de Prune Nourry épanouit son labyrinthe noueux de cordes, figurant dans l’espace, entre entrelacs et réseaux, la transmutation végétale d’un corps humain. Saisissant.

Atys de Lully. Avec Matthew Newlin, Giuseppina Bridelli, Ana Quintans, Andreas Wolf… Angelin Preljocaj (mise en scène et chorégraphie), Leonardo Garcia Alarcon (direction). Au Grand Théâtre de Genève (Suisse) du 27 février au 10 mars. Gtg.ch

Reprise à l’Opéra royal de Versailles (Yvelines) du 19 au 23 mars. Chateauversailles-spectacles.fr

Marie-Aude Roux(Genève (Suisse). Envoyée spéciale)

Par Fabienne Darge (Rennes, envoyée spéciale) dans Le Monde - 25 février 2022

Légende photo : Le batteur et percussionniste Gabriel Ferrandini à la comédie de Genève, début février. DOUGADOS MAGALI

Au Théâtre national de Bretagne, le metteur en scène portugais se penche sur des guerres actuelles.

Certains soirs, au théâtre, sont chargés d’une émotion, d’une gravité particulière. Il en est ainsi, notamment, quand un spectacle vient percuter avec force l’actualité. Jeudi 24 février, la Russie envahissait l’Ukraine, la guerre était de retour en Europe. Et Tiago Rodrigues présentait à Rennes sa nouvelle création, Dans la mesure de l’impossible. Une pièce qui fait de l’action humanitaire une question tragique, au sens plein et entier d’un conflit impossible à résoudre, avec lequel pourtant il faut vivre. La question, sans doute, au cœur de notre tragique contemporain.

Pour composer cette pièce, l’auteur et metteur en scène portugais, qui prendra les rênes du Festival d’Avignon en 2023, a d’abord rencontré, à Genève, où Dans la mesure de l’impossible a été créé, des travailleurs de l’humanitaire officiant pour le Comité international de la Croix-Rouge (CICR) ou pour Médecins sans frontières (MSF). Il les a longuement écoutés. Pour autant, son spectacle ne relève pas du théâtre documentaire mais d’un théâtre documenté, qui assume la mise en forme du réel.

Cette mise en forme prend des dehors très simples, qui pourraient être trompeurs, tant le spectacle est tenu par une profonde réflexion sur le théâtre et ses pouvoirs. Rien de spectaculaire, ici, en effet. Les témoignages s’incarnent par la voix, le corps, la présence de quatre formidables comédiens et comédiennes, Adrien Barazzone, Beatriz Bras, Baptiste Coustenoble et Natacha Koutchoumov, qu’accompagne le batteur et percussionniste Gabriel Ferrandini.

Monde de l’« impossible »

Les théâtres de guerre évoqués ici ne sont jamais nommés mais désignés sous le terme générique de monde de l’« impossible », par opposition à celui du « possible », dans lequel nous vivons dans les pays protégés de la guerre. On pourra y reconnaître aisément l’Afghanistan, le Rwanda ou la Syrie qui apparaissent à travers le récit et le regard des témoins incarnés par les acteurs. Sans aucune illustration. La seule évocation sera celle d’une vaste tente en toile claire comme on en voit dans les camps et les hôpitaux de campagne et qui s’érigera, au cours de la représentation, mettant ainsi en scène le temps, la patience et l’effort.

Loin de se vivre comme des héros, ces femmes et ces hommes pointent de manière on ne peut plus concrète, les dilemmes impossibles, les conflits insensés, les situations qui seraient ubuesques si elles ne relevaient de la tragédie pure, l’absurdité du hasard qui fait basculer du côté de la vie ou de la mort. L’un d’eux se souvient de ce jour où il s’est retrouvé avec une seule poche de sang et cinq enfants au bord de la mort entre lesquels il allait devoir choisir. Une autre raconte comment elle a été parachutée, jeune humanitaire inexpérimentée, pour gérer seule un camp en plein chaos, après un génocide dont on comprend qu’il était celui du Rwanda. Une autre encore évoque ce moment insondable, quand une jeune femme qui venait de perdre son bébé s’est penchée vers elle pour essuyer la tache de sang sur sa blouse de médecin.

Pourquoi le font-ils, ce métier étrange, dont ils ont la lucidité de voir qu’il sert bien souvent à reconduire la violence qu’il entend soulager ? La réponse n’est pas dans le spectacle, qui préfère laisser la question ouverte, comme une plaie béante sur l’impuissance politique de notre époque. Tiago Rodrigues parvient, avec sa sensibilité et son talent habituels, à mettre en partage cette interrogation douloureuse avec une netteté imparable. En revenant à l’essence d’un théâtre antique et tragique, qui accorde à la parole la première place et à l’acteur le rôle du témoin et du passeur, il trouve la forme juste, sans esbroufe, toujours vivante dans la chorégraphie des corps et des mots.

A la fin, pourtant, il n’y a pas plus de mots. Tiago Rodrigues laisse le champ libre à Gabriel Ferrandini, devant sa batterie et ses cymbales. Et là, ça cogne. Le chaos du monde est rendu à ce qu’il est : insupportable, inentendable. Sans solution autre que d’agir « dans la mesure de l’impossible ».

Dans la mesure de l’impossible, de et par Tiago Rodrigues. Théâtre national de Bretagne, 1, rue Saint-Hélier, Rennes. Tél. : 02-99-31-12-31. Du mardi au samedi à 20 heures jusqu’au 5 mars, sauf jeudi 3 mars à 19 h 30 et samedi 5 mars à 15 heures. De 10 € à 30 €. Puis tournée jusqu’à fin mai, à Orléans, Besançon, Toulouse, Strasbourg, Lille, etc., et à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, dans le cadre du Festival d’Automne, du 16 septembre au 15 octobre.

Fabienne Darge(Rennes, envoyée spéciale)

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 25 février 2022

Dans le milieu du théâtre russe Marina Davydova est une figure notable très respectée. Critique avisée, experte en organisation de festivals, fidèle spectatrice du festival d’Avignon chaque été, elle est aussi la rédactrice en chef de la revue Teatr. Voici le bref appel qu’elle vient de publier et qui est en train d’être signé par des actrices et acteurs du théâtre russe

« Moi, Marina Davydova, rédactrice en chef de la revue TEATR, directrice artistique d’un festival international de théâtre, dénonce une guerre contre le fraternel peuple de l’Ukraine, appelle tous les membres de la communauté théâtrale russe à signer un appel adressé aux leaders qui nous dirigent et personnellement au président Vladimir Poutine, pour que cesse immédiatement les hostilités sur le territoire d’un état proche.

Nous considérons l’Ukraine comme un état indépendant

Nous ne voulons pas que la Russie devienne un pays paria !

Nous croyons qu’aucun conflit ou problème au 21eme siècle peut être résolu avec des tanks, des artilleries et des infanteries

Nous voulons que cesse immédiatement le bain de sang ! »

Autre information glanée sur Facebook et Twitter : 

« Elena Kovalskaya, directrice du théâtre et centre culturel Vsevolod Meyerhold de Moscou, a démissionné pour protester contre l'invasion russe en Ukraine……. Dans un message partagé sur Facebook, elle a écrit "Amis, pour protester contre l'invasion de l'Ukraine par la Russie, je quitte mon poste de directrice du Théâtre d'État et du Centre culturel Vsevolod Meyerhold de Moscou. Il est impossible de travailler pour un meurtrier et de percevoir un salaire de lui." »

https://www.businessinsider.co.za/moscow-theater-director-calls-putin-a-killer-resigns-over-ukraine-invasion-2022-2