Revue de presse théâtre

: A la veille de la présentation des travaux de la Mission nationale pour l’art et la culture dans l’espace public, les 14 Centres Nationaux des Arts de la Rue publient une Tribune incisive sous le titre : "Un espace public en état d’urgence artistique".
Ce texte pointe notamment le rôle bien marginal du Ministère de la Culture et de la Communication dans le développement d’un secteur artistique pourtant en plein bouillonnement.

Retrouvez le texte intégral de la Tribune par ici : http://www.lefourneau.com/sites/www.lefourneau.com/IMG/pdf/8/a/7/tribune_du_reseau_des_cnarep.pdf

Par Frédérique Roussel pour Libération :

Pérégrinations, en compagnie de l’écrivain Serge Mestre, sur les traces du destin tragique du poète et dramaturge espagnol assassiné en Andalousie par les phalangistes.

Son souvenir hante l’Espagne, en particulier Grenade et sa région, ce coin d’Andalousie où il était né. L’aéroport porte son nom, comme le parc central de la ville, comme de nombreuses places un peu partout en Espagne… Serge Mestre, fils de républicain espagnol, a rencontré Federico García Lorca à 15 ans en se plongeant dans la lecture des poètes de la lutte et de la liberté. Eluard, Aragon et surtout Lorca lui ont donné envie d’écrire. Son dernier roman (1) revisite à sa manière la vie du poète andalou, en forçant le trait sur des épisodes méconnus, décrivant un personnage engagé et joyeux. L’écrivain et traducteur l’a écrit sans se rendre sur les lieux. Découverte avec lui de la Grenade de Federico García Lorca.

Ainadamar

L’endroit n’est pas simple à dénicher. La route monte en lacets dans un paysage vallonné au-dessus d’Alfacar, à 9 kilomètres de Grenade. «Seul compte le charme de cette région de collines, de montagnes caillouteuses boisées de hêtres, de chênes, de pins, de micocouliers encore en fruits en ce milieu de l’été 36, où ronces, taillis sont tout mouchetés du rouge, du noir, du violet et du mauve des baies», décrit Serge Mestre dans son roman. Les restes de Federico García Lorca se trouveraient dans cette zone semi-aride et escarpée. Le 19 août 1936, le poète a été fusillé par des phalangistes avec deux anarchistes, Francisco Galadi et Joaquín Arcollas, et un instituteur, José Dióscoro Galindo.



Serge Mestre demande aux rares passants croisés sur la route où se trouve «Ainadamar». Ainadamar, titre de son roman, nom de la source aménagée par les Arabes au Xe siècle à Fuente Grande. «On perçoit le murmure de la source qui file tout près, jadis canalisée par les Maures d’Al-Andalus, pour conduire l’eau pure jusqu’au quartier de l’Albaicín, à Grenade. Elle bruisse de minuscules bulles se hissant à la surface depuis les profondeurs de la roche, distillant un filet de pérennes, pures gouttes d’eau. On l’appelle ainadamar, oui, la fontaine aux larmes», a imaginé l’écrivain.

Le pèlerin voit enfin de ses propres yeux cette splendide fontaine, un peu en contrebas de la route. Elle a la forme d’une grande goutte d’eau, entourée d’un muret et joliment recouverte de verdure. Serge Mestre, surpris, ne trouve aucune inscription relative à Lorca sur les lieux, ému à la pensée que le poète ait pu être tout près il y a quatre-vingts ans. «Où est-il ? On ne le saura jamais…» Son récit démarre précisément par cette nuit d’août 1936, tout au début de la guerre civile, pour remonter librement la chronologie, à la différence de la biographie de référence, celle de Ian Gibson (2). Il l’a d’ailleurs emportée avec lui sur les traces de Lorca.

Parc García Lorca

A quelques centaines de mètres de la fontaine, au milieu d’une pinède, se situe le parc García Lorca. A part une aficionado du poète, il n’y a pas âme qui vive dans cet espace vert créé en 1986. «Vacarme assourdissant de son absence», murmure Serge Mestre. Les marches solennelles de l’entrée mènent à une place principale entourée de stèles sur lesquelles figurent des fragments de poèmes de l’auteur de Noces de sang. Pensif, Serge Mestre traduit à voix haute les mots gravés. Plus loin sur la gauche, près de l’olivier où l’on dit qu’il mourut, se dresse un grand bloc de pierre. «A la memoria de Federico García Lorca, y de todas las víctimas de la guerra civil 1936-1939.» Dessus, des visiteurs ont posé des petites fleurs ou des morceaux de papier griffonnés de vers.

En novembre 2009, une partie du terrain a été retournée pour tenter d’exhumer les dépouilles de l’exécution d’août 1936. A la demande des autorités régionales et des descendants de l’instituteur et des deux anarchistes, contre l’avis de la famille Lorca. «Sa nièce pense que Lorca est bien là où il est.»De nouvelles recherches ont recommencé en 2014 pour le localiser. «Tout le monde cherche cette tombe. Ecrire ce livre avec les mots de la littérature, c’était la réouvrir et dire symboliquement ce qu’il y avait dedans.» Car il n’y a pas que des hommes dans la tombe. «On l’a tué parce qu’il avait des opinions politiques et humanistes.»

La Ruta de Lorca

En redescendant la colline d’Alfacar, Serge Mestre justifie de ne pas s’être déplacé à Grenade pour son roman qui lui a demandé sept ans de travail. «Ce voyage me montre que j’ai eu raison. Si j’étais venu ici, je ne vois pas ce que ça m’aurait apporté. C’est bien plus émouvant après.» Impossible de ne pas être alerté par la Ruta de Lorca à Alfacar, ville réputée pour son pain et ses eaux thermales. C’est comme si on prenait l’itinéraire du poète à l’envers. La voiture qui l’emmenait vers sa fin serait passée là, d’où le nom de l’hôtel Ruta de Lorca («la route de Lorca»). Sur les murs du restaurant de cuisine traditionnelle, les images du poète abondent. Dans un cadre ancien, un portrait noir et blanc le montre la main enserrant une feuille manuscrite, les yeux vers son destin. Une grande affiche, réalisée pour le musée de la maison natale à Fuente Vaqueros à une quinzaine de kilomètres de là, retrace sa vie en bande dessinée. Et, fin du fin, il y a aussi sous verre son certificat de décès.

La Huerta de San Vicente

Retour dans le cœur battant de Grenade, dans un autre parc… Lorca. La Huerta de San Vicente, qui était la villégiature de sa famille, se trouve au détour d’une allée. C’est désormais un musée où la plupart des pièces ont été laissées dans leur jus. Dans le salon, il y a le piano, dont Lorca était un virtuose. Dans Ainadamar, Serge Mestre l’imagine jouer la cantate de Bach. Sa chambre se trouve au premier, avec un lit, un bureau et la fenêtre donnant sur les oliviers. «Après avoir gravi les marches de l’escalier pour se rendre dans sa chambre, il s’enferme à clé, puis s’assoit à son bureau, piles de livres s’élevant aux deux angles du plateau collés au mur, pieds nus sur la mosaïque du sol, sortes de parallélépipèdes imbriqués avec des carrés plus simples dans une sorte de pavage géométrique, tête tournée vers le balcon lui-même.»

Le poète se trouvait là, trois jours avant son arrestation. A Madrid, quelques jours avant, il était apparu pour la dernière fois en public lisant la Maison de Bernarda Alba, son ultime pièce. Mais il avait décidé de venir se réfugier à Grenade pensant à tort s’y trouver plus en sécurité. C’est dans la Huerta de San Vicente que l’escadron de phalangistes mené par Francisco Estévez fait irruption le 15 août et menace d’emmener le père si Concepción ne dit pas où son frère se trouve. On connaît la tragique suite. A la boutique du musée, Serge Mestre a acheté l’affiche de la Barraca, le théâtre qu’avait fondé Lorca. «Pour lui, la Barraca n’est pas une simple troupe de théâtre, c’est un outil d’éducation du peuple. Son engagement. L’instrument politique qui porte les valeurs de l’égalité. De la République.»

Le Chikito

Sur la Plaza del Campillo, le restaurant Chikito a pour devise : «El arte de hacer amigos» (l’art de se faire des amis). Dans les années 20, sous le nom de café Alameda, il était le principal lieu de rendez-vous artistique de Grenade. C’est là qu’est né El Rinconcillo («le petit coin»), un groupe de discussion littéraire auquel participaient Federico García Lorca, Manuel de Falla, Manuel Angeles Ortiz, Hermenegildo Lanz… H. G. Wells, Rudyard Kipling ou Arthur Rubinstein leur rendirent visite.

Pour commémorer ce lieu d’ébullition grenadin et son pilier, une statue grandeur nature du poète trône à une table du fond depuis le 26 février 2015. Sans doute accompagné d’un café avec un doigt de rhum motrileño, Federico García Lorca, crayon à la main, semble chercher l’inspiration. Comme encore vivant.

(1) «Ainadamar, la fontaine aux larmes», de Serge Mestre, Sabine Wespieser Editeur, 284 pp., 21 €.

(2) «Federico García Lorca, une vie», de Ian Gibson, Seghers, 546 pp., épuisé.

Ce reportage a été réalisé en partenariat avec Sabine Wespieser Editeur.

Frédérique Roussel

Photo Dans les environs de Grenade, où Federico García Lorca a été fusillé en 1936. Photo Georges Bartoli. Divergences

Par Sonia Legendre, pour l'Hebdo du Vendredi : 

Récemment, avec l'aide des étudiants du Cnac, plusieurs pistes de recherche explorées au sein d'ICiMA ont été présentées à Châlons. (© l'Hebdo du Vendredi)


Peu connu du grand public, le volet innovation s'impose pourtant comme l'une des composantes majeures du Cnac. « L'innovation fait partie intégrante de notre projet d'établissement, dixit Gérard Fasoli, le directeur. Il faut sans cesse réinterroger nos pédagogies, et donc développer la recherche, tant sur le plan technique, sur les rapports avec les agrès, que sur la prévention des risques, physiques comme psychologiques. » Impulsée par la Région et financée jusqu'en 2018 par ses partenaires, la Chaire d'innovation cirque et marionnette est un dispositif unique en son genre, au niveau national mais également mondial. Sa vocation : fédérer le plus grand nombre de synergies autour de chantiers de recherche menés par les deux établissements. « Il ne s'agit pas de créer une usine à production de spectacles circo-marionnettiques, précise Raphaèle Fleury, titulaire de la Chaire au sein de l'IIM. Et l'on parle bien d'innovation sociale et territoriale. Nos deux structures sont sur la même dynamique en la matière. Nous avons identifié plusieurs problématiques, soit communes, soit complémentaires, sur lesquelles travailler.  » Avec un leitmotiv : ne rien s'interdire, décloisonner cette démarche et garder une trace écrite de toute l'aventure, des hypothèses étudiées jusqu'aux résultats des travaux.

Textiles innovants et agrès en papier froissé

Concrètement, trois grandes pistes sont explorées par le biais de la Chaire : le geste et le mouvement, les matériaux et la terminologie multilingue. « On se rend compte que nos disciplines utilisent un vocabulaire et des termes très différents d'un pays à l'autre. L'idée, c'est de créer des référentiels internationaux pour notre documentation et nos archives. » Autres domaines de réflexion : le numérique, la santé, la biomécanique, le recyclage des matériaux du spectacle vivant ou encore les textiles innovants. Co-titulaire au Cnac, Cyril Thomas revient sur une rencontre avec des artistes plieurs-froisseurs, lors du festival Orbis Pictus. « A la base, il était question d'imaginer une scénographie en papier froissé, en travaillant sur la technique du froissage structuré et la résistance du matériau. Très vite, la réflexion s'est portée sur la création d'agrès. Nous ne nous substituons pas aux chercheurs, mais nous créons des passerelles et des équipes interdisciplinaires autour des chantiers. En croisant différents métiers, comme les philosophes, les laborantins, les artistes, etc. Ce sont des expériences extrêmement enrichissantes et stimulantes. »

Associer le grand public à l'expérience

Plusieurs rendez-vous sont d'ores et déjà imaginés pour associer le grand public et vulgariser tous ces travaux. Lors des Journées du patrimoine ou de la Fête de la science, par exemple. « On souhaite démontrer qu'il n'existe pas de frontière entre la société et la Chaire. Le cirque et la marionnette sont des arts de très haute technicité, et pour autant très populaires. Ils touchent tout le monde. Les citoyens doivent participer à l'expérience. »

Sonia Legendre

Lettre aux spectatrices et spectateurs du "81 avenue Victor Hugo"

Soutien au collectif du 81 avenue Victor Hugo

Aubervilliers le 9 juin 2016
Vous avez vu 81 Avenue Victor Hugo, la pièce d'actualité n° 3. Nous vous écrivons aujourd'hui pour vous informer de la situation du collectif du 81 avenue Victor-Hugo, dont sont issus les acteurs du spectacle, et solliciter votre soutien.

Lire sur le site du Théâtre de la Commune CDN Aubervilliers : http://us6.campaign-archive2.com/?u=dce5591efc03c9012c4797bf5&id=b96aa68052&e=354a65208f

Le spectacle, si vous vous en souvenez, racontait la violente et paradoxale situation dans laquelle se trouvent prises les personnes sans-papiers qui vivent au 81, avenue Victor-Hugo à Aubervilliers. Beaucoup d'entre elles travaillent mais sont condamnées par l’arbitraire des lois de notre pays au travail au noir ou clandestin, et se retrouvent coincées dans une situation kafkaïenne inextricable : pour être régularisé, il faut pouvoir justifier d'un contrat de travail, mais comment faire un contrat de travail à une personne sans-papiers ?

Le fait que des hommes se dressent avec courage pour dire l'insupportable de leur situation sur une scène de théâtre, qu'ils fassent la claire démonstration de l'absence du droit, appuyés par le soutien du public et l'attention de la presse, a poussé Didier Leschi, alors préfet à l’égalité des chances de la Préfecture de Bobigny à venir assister à la pièce. Sensible à la singularité de leur aventure en tant que collectif, il a alors promis de regarder avec bienveillance les dossiers et de régulariser l'ensemble du collectif « au fil de l'eau ».

Pour maintenir vive cette promesse et continuer à faire entendre l’intenabilité de nos lois, nous avons continué et continuons à jouer le spectacle : au Festival d'Avignon, au festival Homo Novus de Riga, à Marseille, bientôt au Festival d'Automne à Paris...

Car la promesse est ambiguë : la préfecture de Bobigny a en effet décidé d'assouplir ses critères dans l'examen des dossiers, mais elle a posé une condition à ces régularisations : la présentation pour chacun d’eux d'une promesse d'embauche. Cette condition minimale demeure insurmontable pour la plupart alors même qu’ils travaillent. Ces promesses sont en effet très difficiles à obtenir : soit que les patrons craignent des contrôles mettant au jour le recours à des travailleurs illégaux, soit parce qu’ils gagnent à garder à leur merci une main d’œuvre invisible, sans droits ni exigences salariales.

Devant ces inextricables difficultés, en collaboration avec le collectif et le théâtre de La Commune, nous avons travaillé à obtenir ces promesses d’embauches. Nous avons sollicité les réseaux associatifs et les entreprises culturelles que nous connaissions. 41 personnes ont pu ainsi être régularisées, et 22 dossiers sont actuellement en cours de traitement. Mais les forces dont nous disposons sont insuffisantes. Et il reste toujours une vingtaine de personnes sans-papiers car ne pouvant fournir de promesse d’embauche.

Bientôt, la porte qui a été entrouverte par la préfecture risque de se refermer sur le collectif comme un piège. Une nouvelle préfète a été nommée et elle demande au collectif de quitter le squat du 81, avenue Victor-Hugo d'ici le 20 juin. Les personnes qui ont déjà été régularisées sont à priori assurées d'être relogées, mais les autres seront mises à la rue. De plus, la préfecture fait peser la menace d’OQTF (Obligation de Quitter le Territoire Français) pour ceux qui chercheraient à résister à l’expulsion dans le but de diviser la force politique qui fait l’union du collectif.

Nous ne pouvons l’accepter. Nous avons donc demandé un délai pour pouvoir mener à terme la régularisation de tout le collectif, comme cela avait été envisagé au départ par l'ancien préfet. Quand ces 20 personnes auront été régularisées, elles pourront quitter le lieu qui leur sert aujourd'hui d'abri. Mais sans titre de séjour comment pourraient-elles espérer trouver un logement ?

Devant l'urgence de la situation, nous nous permettons de lancer un appel. Si vous êtes en mesure de fournir une telle promesse d'embauche pour l'un d'eux, vous pouvez prendre contact avec le théâtre de La Commune qui vous expliquera la procédure à suivre. Il doit s'agir de contrat en CDI aux ¾ temps minimum (homme de ménage, garde d'enfant, jardinier, agent d'accueil, travaux dans le bâtiment, etc. )

Soyons clair, il s'agit de défaire le cercle infernal dans lequel se trouvent pris nos amis. Il s'agit de leur permettre d'obtenir des papiers pour qu'ils puissent ensuite trouver un logement pérenne, un travail déclaré, et leur permettre ainsi de mener une vie décente.

Nous espérons que cette lettre trouvera en vous un écho.
Et nous vous remercions pour votre soutien passé et futur.

Pour résumer :
1/ nous vous demandons, si vous le pouvez, de nous aider à établir des promesses d’embauche. Le théâtre de La Commune vous expliquera la démarche, qui est simple, un peu contraignante sur le plan administratif (fournir des pièces justificatives) mais qui ne vous engage pas de façon définitive. Le Théâtre peut vous aider à les remplir.
Écrire à :
direction@lacommune-aubervilliers.fr
ou téléphoner au +33 (0)1 48 33 16 16

2/ nous vous demandons d’écrire au Préfet du 93, M. Galli, et à Mme Benrabia (Préfète à l’égalité des chances) pour demander que l’engagement pris par l’ancien Préfet Leschi soit maintenu, qu’il n’y ait pas rupture de la parole de l’Etat, que la situation de nos amis soit traitée avec l’intelligence et la confiance qu’avait instaurées M. Leschi.
- que nos amis aient le temps de déposer leurs promesses d’embauche
- que l’expulsion du 20 juin soit abandonnée; ou si ça n’est pas possible, que nos amis en attente d’examen de leur situation, soient relogés ensemble. Il existe à Aubervilliers un local désaffecté, ancienne gendarmerie, propriété de l’Etat, qui sert aujourd’hui d’hébergement d’urgence, et qui peut aisément accueillir nos amis. Il est important qu’ils ne soient pas renvoyés à la rue, et qu’ils demeurent ensemble. La solution existe à Aubervilliers!
Écrire à :
M. Le Préfet/ Mme La Préfète à l’égalité des chances
préfecture de Bobigny- 1, esplanade Jean Moulin - 93007 Bobigny Cedex

3/nous vous invitons à nous rejoindre lors d'un rassemblement de soutien, mercredi 15 juin à partir de 14h30 devant la préfecture de Bobigny, 1 esplanade Jean Moulin, Bobigny (métro ligne 5, station Bobigny Pablo Picasso).

« La lutte continue, on n’est pas fatigués ».
Merci.

L'équipe artistique du 81 Avenue Victor Hugo,
Olivier Coulon-Jablonka, Barbara Metais-Chastanier, Camille Plagnet

Par Jean-Pierre Thibaudat pour son blog de Mediapart

Il faut  savoir terminer une occupation après avoir eu satisfaction, il faut aussi savoir présenter un spectacle au public après en être un tantinet satisfait. C’est à cette double confrontation qu’ont dû faire face les initiateurs de l’occupation du théâtre de la Bastille.

L’idée initiale en revient à la directrice adjointe Géraldine Chaillou, bénie par son directeur Jean-Marie Hordé : que le théâtre soit occupé d’avril à juin (fin de la saison) par une soixantaine de spectateurs volontaires, complices d’une équipe de six d’acteurs avec à leur tête un meneur, à la fois acteur, auteur, metteur en scène et agitateur d’idées et de projets, le Portugais Tiago Rodrigues.

68 jours d'occupation

Le dit Portugais (parlant français) avait fait son entrée dans ce théâtre la saison dernière par la salle du haut avec « By heart », un spectacle où  il parlait de sa grand-mère, et, chemin faisant, entouré de spectateurs volontaires, partageait avec eux le pain d’un sonnet de Shakespeare, lequel sonnet, à la fin du spectacle, était collectivement récité. Une merveille de douceur. On  allait retrouver Tiago Rodrigues quelques mois plus tard au festival d’Avignon avec une autre proposition autour de Shakespeare tout aussi merveilleuse (lire ici). C’est là qu’on apprenait  conjointement sa nomination à la direction du Théâtre National de Lisbonne et le projet d’occupation du théâtre de la Bastille.

Avec jubilation, j’ai raconté les deux premiers épisodes : le début de l’occupationavec « Bovary » (lire ici), puis le savoureux épisode acteurs-spectateurs que fut « Ce soir ne se répétera jamais » (lire ici). On attendait en ce début juin la fin programmée de l’occupation avec ce qui aurait pu être son apothéose ou sa sortie de crise (de rire) : « Je t’ai vu pour la première fois au théâtre de la Bastille ». Seul le titre fut joli. Ce fut une soirée souvent maussade, assez vide, une soirée de trop.  Faux rythmes, fausses bonnes idées, ravages de l’entre soi. Au mieux un vague bout à bout d’une première étape d’un spectacle futur où l’on se dirait : ça on garde, ça on jette, ça c’est pas mal mais il faut le faire à l’envers, etc.

Capitaine Tiago

Dans la salle, le soir de la première de « Je t’ai vu pour la première fois au théâtre de la Bastille », on reconnaissait parmi les spectateurs bon nombre d’occupants qui, dans le précédent spectacle, étaient sur scène et chacun d'entre eux pouvait s’approprier le titre du spectacle. Un  paquet de « gags » (les guillemets sont de rigueur) qui adviennent sur scène leur sont destinés,comme il est fait aussi plusieurs fois référence à « Bovary », à « By heart »  et à certains spectacles donnés à la Bastille. Mieux vaut avoir suivi le feuilleton.

L’idée, pas sotte, consiste à imaginer ce que serait le théâtre dans vingt ans, toujours occupé. Mais la proposition tourne vite en rond, patine. Faute de temps ? D’écriture ? Les deux, mon capitaine. Et d’ailleurs, il est où le capitaine Tiago ? Reparti à Lisbonne ? Non, à la fin, il vient saluer.

La fin, justement, il en est question dans le programme qui, contient implicitement la critique du spectacle. « Le théâtre s’est toujours confronté à un problème de fin » écrit Tiago Rodrigues avec un sens aigu de la prémonition. Il tire humblement et honnêtement le bilan de cette occupation nullement contestataire mais assurément salutaire : « Nous avons vécu des moments d’incroyables activité et participation. Nous avons vécu des moments de crise et de paralysie quasi totale. Nous nous sommes tantôt attendris, tantôt ennuyés. (…) Aujourd’hui, nous pouvons dire sans l’ombre d’un doute que nous avonstravaillé ensemble au théâtre. Nous avons essayé ensemble ».

Un manifeste de  l'"essayé ensemble"

C’est  beau cet « essayé ensemble ». Dans ce spectacle de fin (d’année), il y avait bien l’essai (quel beau mot qui dit à la fois le processus et ce qu’il en résulte que cela soit dans le rugby ou en littérature) mais il manquait un « ensemble » plus conséquent. Comme si le spectacle portait en lui ce qui résulte de sa disparition le soir de la dernière : on se sépare et chacun retourne chez soi.  L’occupation de la Bastille avait rendez-vous avec sa mélancolie.

Tiago Rodrigues : « Je ne sais même pas si elle [l’occupation] a donné du courage ou rassuré quelqu’un. Par contre, je sais que nous avons essayé.  Et que peut-on espérer de plus du théâtre que la tentative ? ». C’est cela qui nous restera. Ce « théâtre des tentatives », ce théâtre qui retrouve le goût de l’essai et nous invite à le partager.  

Théâtre de la Bastille, jusqu’au 12 juin, 20h, dim 17h,  sf jeudi, entrée gratuite.

Publié sur le site du Syndeac

(à retrouver dans le dossier Télérama  « A bout de sous » )
 
L’enquête sur les financements publics menée depuis plusieurs années par le SYNDEAC a été le point de départ d’une collaboration avec Télérama concernant le dossier spécial « A bout de sous » à paraître dans leur numéro daté du 8 juin 2016.
 
Malgré des financements de l’Etat stables et le maintien sur certains territoires de politiques culturelles ambitieuses, la baisse des dotations aux collectivités territoriales apparaît sur la moyenne des politiques culturelles. Au-delà des situations de retrait observées jusqu’ici sur certains territoires, l’enquête élargie aux adhérents du SNSP, de PROFEDIM, des Forces musicales et du CIPAC, révèle l’amorce nette d’une baisse à échelle nationale en 2016, signifiant la généralisation du repli des budgets culturels. Une moyenne cachant de très fortes disparités de situation entre les territoires, mais aussi les typologies de structures. 
 
L’échantillon ne comprenait pourtant que des structures crées avant 2013 et ayant conservé au moins un partenaire public en 2016. Que dire de la situation de jeunes projets ou des projets qui se sont déjà éteints ?

Cette tendance pourrait rapidement s’amplifier, à mesure des attributions des subventions.
A titre d’exemple : 32% des structures de l’échantillon n’ont à ce jour aucune confirmation écrite ni information orale sur le montant qui leur sera attribué par la Région en 2016, 24% sont dans la même situation concernant les financements des Conseils départementaux.

http://www.syndeac.org/action-syndicale/communiques/baisse-financements-publics-de-culture-moyennes-cachant-de-tres-fortes-disparites/
 

Publié dans Info-Tours :

La nouvelle saison vient d’être présentée par Jacques Vincey.

« Vous remarquerez que le récapitulatif de la saison est écrit en plus petit que l’an passé » s’amuse le directeur du Théâtre Olympia de Tours en débutant la présentation du programme septembre 2016-juin 2017 du théâtre régional devenu national il y a peu. 20 rendez-vous contre 16 la saison passée, dont deux récemment auréolés d’un Molière lors de la cérémonie annuelle de récompenses pour le théâtre français.

Un mot barre aussi le programme des réjouissances : OSER. « Il faut oser pour ouvrir de nouvelles propositions, notre mission c’est de défricher, éclairer, proposer au public ce qu’il aime et ce qu’il ne sait pas encore qu’il aime. Entretenir une curiosité dont la flamme est fragile, ne jamais se reposer. Le théâtre est un chemin fait de bonnes surprises, parfois de déceptions » argumente Jacques Vincey qui parcourt les salles de spectacles toute l’année pour établir sa programmation et planifie aussi plusieurs créations dans les murs de l’Olympia.

Pour 2016-2017, deux nouveaux artistes associés travailleront à des projets inédits pour Tours : Bérangère Vantusso et Mohamed El Khatib : « ils ont une esthétique très différente de la mienne, et très différente l’un de l’autre. Bérangère travaille avec des marionnettes et Mohamed sur la réalité brute, pour coller au plus près de ce qu’il ressent » détaille le directeur du théâtre qui présentera le duo au public lors de la soirée de lancement de saison le 17 juin, avec des balades urbaines dès 17h, la fameuse présentation à 20h puis une soirée dancefloor dans le théâtre à 22h avec DJ Squirrell (entrée libre sans réservation).

Dans les prochains mois, le Théâtre Olympia compte également poursuivre l’extension de sa galaxie. Via la tournée de La Dispute de Marivaux mise en scène par Jacques Vincey (une quarantaine de dates) ou des partenariats de plus en plus poussés avec La Pleïade de La Riche, l’Espace Malraux de Joué-lès-Tours, le futur CCCOD, l’Opéra, l’Université ou le Centre Chorégraphique National de Tours.

« On a faim et on pousse le bouchon » commente encore Jacques Vincey à propos de la liste de représentations qui débutera par la création de Bérangère Vantusso, L’Institut Benjamenta, du 29 septembre au 7 octobre, l’histoire d’un bon domestique trop insignifiant (avec des marionnettes, donc). Puis on évoquera la mémoire avec Presque l’Italie de Laurent Cogez en octobre (création, aussi), Didier Girauldon présentera Les Paratonnerres début novembre (histoire d’une famille au cœur de la guerre), le travail de Mohamed El Khatib sera sur scène dès la fin novembre (Moi Corinne Dadat), Molière sera totalement revu par de jeunes comédiens presque sans décor du 31 janvier 2017 au 11 février (ça s’annonce déstabilisant et très intéressant !), la jeunesse théâtrale qui tiendra de nouveau le premier rôle fin avril pour la deuxième édition du festival WET° juste avant l’un des temps fort de l’année : Qui a peur de Virginia Woolf ?

Olivier COLLET

Par Emmanuelle Bouchez et Sophie Rahal dans Télérama :

Alors que le modèle culturel français de financement croisé vacille, “Télérama” a donné la parole a plusieurs directeurs et administrateurs d'établissements culturels qui décryptent leur relation avec les tutelles. Aujourd'hui, certains n'hésitent plus à chercher les subventions ailleurs.

Lire sur le site de Télérama : http://www.telerama.fr/scenes/subventions-et-spectacle-vivant-la-parole-aux-directeurs-de-lieux-culturels,143478.php

“Des projets se sont faits avec le seul argent de nos tournées.”

Boris Charmatz, directeur du Musée de la danse, CCN de Rennes.

 Budget global 2015 : 2 172 360 euros, dont 64 % de subventions.
« En 2011, le département d'Ille-et-Vilaine a baissé toutes les structures culturelles de 20 %, et l'on n'a jamais inversé la tendance depuis. L'Etat est notre premier financeur, la Ville de Rennes vient juste derrière, suivie de la Région. Ces subventions sont stables depuis ma nomination, en 2009, je dois donc m'estimer heureux de ne pas subir de baisse. Mais le coût de la vie augmente... Alors que notre projet Musée de la danse est novateur et explose les chiffres de fréquentation, de tournées, de coproductions, on aurait pu s'attendre à davantage de soutien. Des projets nouveaux comme Fous de danse, où interviennent de grands chorégraphes toute une journée sur la plus grande place de Rennes, se sont faits avec le seul argent de nos tournées. » Propos recueillis par E.B.
“Il est compliqué de trouver d'autres ressources que l'Etat.”
Nathalie Garraud, directrice de la Compagnie du Zieu (Aisne). Budget 2015 : 437 634 euros, dont 26,1 % de subventions.
« L'aide de l'Etat est importante (convention de 50 000 euros annuels sur trois ans) et c'est la condition sine qua non au développement de nos productions. Elle nous assure une certaine stabilité et une visibilité financière, donc de l'autonomie. Depuis 2012, nos ressources propres ont augmenté tandis que les financements publics restent stables, avec une légère diminution cette année (en raison d'une baisse de 10 % du Conseil départemental). Mais nous n'avons plus de perspective d'augmentation, et cela rend notre structure fragile. D'autant qu'il est compliqué, pour une compagnie de théâtre, de trouver d'autres ressources : répondre à des commandes pourrait distordre le projet artistique, et puis comment s'engager dans le montage de projets européens sans poste dédié à la recherche de fonds ? Comment engager des mécènes à soutenir notre création quand il y a peu de retour sur investissement comparé à ce que peut offrir un événement public d'ampleur ? » Propos recueillis par Sophie Rahal
“Réussira-t-on l'équilibre mixte public-privé ? On l'espère.”

Paul Rondin, directeur délégué du Festival d'Avignon. 

Budget 2016 : 12 365 786 euros, dont 52 % de subventions.

« Le festival, depuis toujours, est un projet national en région : l'Etat est donc pour nous un vrai partenaire. Il vient même de renforcer son soutien de 100 000 euros en 2016 pour notre action culturelle dans 200 établissements scolaires de la région. Mais aujourd'hui, il n'y a que l'Etat et la Région qui tiennent leurs engagements : Christian Estrosi (Région PACA) vient d'augmenter sa subvention. Signée pour quatre ans dès 2014, notre convention n'a empêché ni la Ville (PS) ni le département, certes parmi les plus pauvres de France, à baisser leurs subventions en 2015. Pour ne pas peser sur l'artistique, nous avons baissé notre coût de fonctionnement de 8 % en renégociant tous nos contrats, et nous cherchons de l'argent partout. Le mécénat - 86 % de notre action éducative - fait arriver de l'argent parce que le festival est un symbole fort. Notre nouvelle piste de revenus est l'activité numérique : nous avons créé un incubateur de start-up en partenariat avec l'Université d'Avignon. Tout cela pour continuer à servir l'esprit de Jean Vilar ! Réussira-t-on cet équilibre mixte public-privé ? On l'espère. » Propos recueillis par E.B.

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“Je suis déçu par les coupes catastrophiques.”

Yoann Bourgeois, codirecteur du CCN de Grenoble. Budget 2016 : 1 074 744 euros, dont 42,1 % de subventions.

« J'ai quitté ma compagnie de cirque qui fonctionnait très bien pour prendre la codirection, avec Rachid Ouramdane, d'une institution que j'espère régénérer de l'intérieur. Le financement, je l'envisage aussi de manière nouvelle : ce n'est pas qu'une question d'argent, mais aussi d'échanges d'idées et de savoir-faire. Les partenariats avec les fondations - Rothschild ou SNCF sur l'opération 1er Acte, consacrée à la diversité -, les systèmes solidaires ou les petites entreprises me l'ont appris. Je suis déçu par les coupes catastrophiques - - 15 % en 2016 ! - du nouveau maire écologiste de Grenoble, Eric Piolle, alors que nous défendons un projet impliquant les populations. Mais je vais essayer de comprendre cette équipe municipale, d'imaginer avec elle des actions sur le terrain sportif ou social... La nouvelle Région Auvergne-Rhône-Alpes ne s'est pas encore prononcée, seul l'Etat - très attentif - et le département de l'Isère s'engagent. Dans le climat actuel, entre colère sociale et montée de l'extrême droite, j'attends du ministère de la Culture une vision forte. » Propos recueillis par E.B.

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“On nous demande de ne pas tout engager sur l'exercice en cours, au cas où...”

Pascale Boeglin-Rodier, directrice du Théâtre Liberté - Scène nationale de Toulon (Var). Budget 2015 : 4 millions d'euros dont 76% de subventions.

« Même si, pour des raisons historiques, il y a parfois un manque de courage politique pour remettre les choses à plat, on sent de la bienveillance chez nos tutelles publiques, et une réelle volonté d'accompagnement. Nous n'avons que cinq ans d'existence : la réussite de notre projet – un nouveau théâtre à Toulon – a joué en notre faveur et nous avons obtenu le label “Scène Nationale” en décembre dernier. Nous sommes en cours de formalisation d'un contrat avec l’Etat, mais, à ce jour, nous n'avons pas encore la garantie d'obtenir en 2016 la totalité de la subvention plancher allouée aux scènes nationales. On nous demande donc d'être prudent et de ne pas tout engager sur l'exercice en cours, au cas où... C'est complexe de jongler avec des subventions non consolidées ! Cette incertitude fragilise notre façon de travailler car engager une création demande du temps et de l'anticipation.
Les subventions publiques sont essentielles pour mettre en œuvre un projet de théâtre public (avec des prix attractifs, une offre diversifiée). Et si celles des collectivités territoriales sont stables (la ville et l'agglomération s'engageant à hauteur de plus de deux millions d'euros), on ne refuse pas le reste pour autant. On cherche du mécénat, on établit des partenariats, on loue l'établissement, on sollicite même des dons du public via le “billet suspendu” grâce auquel un spectacteur peut acheter deux places et en laisser une “au comptoir” pour les plus démunis...» Propos recueillis par Sophie Rahal

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“Un bloc républicain s'est formé contre la menace du Front National.”

Guy-Pierre Couleau, directeur de la Comédie de l'Est, CDN de Colmar. Budget 2015 : 2 376 000 euros, dont 82% de subventions

« Tous nos financeurs (Etat, Région et Ville) ont augmenté leurs subventions en 2016, sauf le département, en difficultés réelles, qui a baissé de 40 000 euros. Mais en Alsace-Lorraine et Champagne-Ardennes, l'intérêt pour la culture s'est encore renforcé lors des dernières échéances électorales : un bloc républicain s'est formé contre la menace du Front National. Tous les artistes se sont mobilisés et les collectivités territoriales les ont beaucoup écoutés, voire consultés. A la même période, le musée Unterlinden a par exemple réouvert ses portes (grâce à plus de 40 millions d'euros investis par les collectivités locales !)....
Aujourd'hui, on essaye tout de même de diversifier nos sources de financement, en travaillant avec des institutions étrangères (La Comédie de Genève), en multipliant les coproductions, en tournant nos spectacles... Le mécénat, ici, est facilité par notre statut d'association : en droit local alsacien, notre établissement peut bénéficier du mécénat directement (contrairement à beaucoup d'autres centres dramatiques), et le club de quatorze partenaires qui nous soutient peut défiscaliser. Ces « petits » financements (50 000 euros environ) sont essentiels car ils sont le socle de notre action culturelle en faveur des écoles, de l'institut médico-pédagogique, des publics défavorisés... » Propos recueillis par SR

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“Aujourd'hui, le non-accompagnement peut venir de n'importe où.”

Jean-Michel Puiffe, directeur du Théâtre Sénart - Scène nationale (Seine-et-Marne). Budget 2015 : 6,4 millions d'euros (dont 1,5 million de charges de production), dont 74% de subventions.

« Certains élus, toutes tendances politiques confondues, font encore le choix d’investir : en l’occurrence 42 millions d’euros dans le Théâtre-Sénart, reconstruit et réouvert en novembre 2015. Malheureusement, nous avons eu la confirmation début mars que la subvention du département (300 000 euros) allait baisser de moitié ! Cela nous fragilise car cette baisse importante survient en cours d’exercice. La saison artistique va exister, mais on a dû réduire la voilure : reporter des projets, baisser le nombre de représentations… Nous qui n’étions pas rompus à l’exercice des demandes de financements nous tournons aujourd’hui vers l’Europe, et vers la nouvelle majorité de la Région Ile-de-France.  En cinq ans, le changement est radical : auparavant, on savait que « l'attaque » venait de telle ou telle collectivité. Aujourd'hui, le non-accompagnement peut venir de n'importe où. Propos recueillis par SR

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“Comment engager des mécènes quand le retour sur investissement n'est rien ?”

Nathalie Garraud, directrice de la Compagnie Du Zieu (Aisne) et Ariane Salesne, administratrice. Budget 2015 : 437 634 euros, dont 26,1% de subventions.

« L'aide de l’État est importante (50 000 euros annuels sur trois ans) et c'est la condition sine qua non à notre structuration et au développement de nos productions. Elle nous assure une stabilité et une visibilité financière minimale, donc une certaine autonomie. Depuis 2012, nos ressources propres ont augmenté tandis que les financements publics restent relativement stables, avec une légère diminution cette année (en raison notamment d'une baisse de 10 % du Conseil Départemental), mais surtout, sans perspective d'augmentation. Le déséquilibre qui en découle nous expose à une fragilité structurelle. D'autant qu'il est compliqué, pour une compagnie de théâtre, de trouver d'autres sources de financement : répondre à des commandes pourrait distordre le projet artistique, et puis comment s'engager dans le montage de projets européens ? Comment financer un poste dédié à la recherche de fonds ? Comment engager des mécènes à soutenir un projet de création quand le retour sur investissement n'est rien, comparé à ce que peut offrir un événement public d'ampleur ? Propos recueillis par SR

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“On tente aussi le ‘crowdfunding’.”

Vincent Eches, directeur de La Ferme du Buisson - Scène nationale de Marne-la-Vallée, et Philippe Fourchon, directeur adjoint. Budget 2015 : env. 5 millions d'euros, dont 74% de subventions
Pour 2016, la communauté d'agglomération et le département ont diminué leurs subventions, de respectivement 100 000 € et 150 000 €. Nous avions anticipé dès 2015 ces restrictions, mais la confirmation du montant versé par le département n'est arrivée qu'en février dernier ! Du coup, notre position est compliquée : si l'on est trop prudent, on ne peut mener à bien notre mission de service public culturel sur la saison ; si l'on est trop optimiste, on prend un risque. A cause de toutes ces baisses, nous avons donc décidé de prendre quand même un risque financier sur la saison de l'année prochaine, tout en réduisant légèrement la programmation.
Nous allons désormais à la pêche aux soutiens : dans le cadre de co-réalisations avec d'autres lieux, nous partageons les coûts mais aussi les recettes, nous sollicitons les fondations, les sociétés civiles. On tente aussi le « crowdfunding »... Autant de financements hélas difficilement projetables d'une année à l'autre. Propos recueillis par SR

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“En région Nord­-Picardie, l'espoir renaît aussi d'un pari sur la culture.”

Romaric Daurier, directeur du Phénix, scène nationale de Valenciennes (Nord). Budget 2016 : 4,6 millions d'euros, dont 73,9 % de subventions publiques

Nous sommes en pleine re­négociation de la convention d'objectifs 2017­-2020 avec les collectivités territoriales. La ville et l'agglomération, la région, et l'Etat, s'engageant à nos côtés jusqu'à aujourd'hui, à parité et à hauteur de 900 000 euros chacune. Cette convention est un outil précieux parce qu'elle nous offre une visibilité à long terme, mais il ne s'agit pas d'un engagement définitif sur les moyens... Depuis mon arrivée au Phénix en 2009, les subventions sont stables mais pas en hausse ! Or dans notre secteur,­ c'est mécanique puisqu'il s'agit d'abord d'investissements humains les charges augmentent. Et nous ne pourrons jamais faire de gains de productivité sur la répétition d'un quatuor de Schubert... Ma réponse à cette situation fut d'augmenter notre activité de production en cherchant de l'argent ailleurs. Mais je n'aurais jamais pu le faire sans l'apport des subventions car elles servent de levier ! Ces nouvelles ressources sont liées à des actions particulières, la réinsertion des jeunes par exemple, ou le développement d'un réseau européen de partenariat. Le Phénix vient d'ailleurs d'être reconnu « Pôle Européen de création » par le ministère de la Culture pour les projets menés avec le Toneelhuis d'Anvers, le Toneel Group d'Amsterdam, ou le Buda à Courtrai... Avec lesquels on accompagne, dans le cadre du programme européen Interreg, le rayonnement de nos artistes... Cela représente pour Le Phénix 300 000 par an... sur quatre ans. En région Nord­-Picardie, l'espoir renaît aussi d'un pari sur la culture, grâce à Xavier Bertrand, le nouveau président de région, qui a tenu les promesses faites avant les élections à un milieu artistique alors très mobilisé. Il a augmenté son budget de 70 à 110 millions d'euros et souhaite, d'ici le mois de septembre, construire sa politique culturelle en dialogue avec nous. Cela compense le fait que la culture, dans l'état actuel de la réforme, ne soit toujours pas invitée à siéger dans les futures conférences des collectivités territoriales. Propos recueillis par E.B.

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“J'ai encore réduit le festival cette année.”

Pedro Garcia, directeur de l'Abattoir, Centre National des Arts de la rue, Châlon-sur-Saône. Budget 2016 : 1,78 millions d'euros... dont 92 % de subventions publiques.

« Les arts de la rue sont un art désargenté et le plus souvent gratuitement offerts au public. C'est leur philosophie. Quand je co­produis des artistes et m'engage à les soutenir aussi par des résidences de création aux Abattoirs, je refuse de percevoir des droits de suite pour la tournée. Ils sont tous trop fragiles. Voilà pourquoi la subvention publique est si importante dans notre économie : la billetterie comme le mécénat ne peuvent y être que très modestes. Nous étions à Chalon­-sur-­Saône, l'un des Centres Nationaux des Arts de la Rue les mieux dotés en subventions parmi la douzaine de CNAR répartis dans toute la France... Quand la nouvelle mairie LR de Chalon, nous a annoncé brutalement, en 2015, la baisse de sa subvention (majoritaire dans notre budget puisque celle­-ci en représentait 68 %), c'est tombé comme un couperet... 360 000 euros en 2015, et encore 100 000 de moins en 2016. Mais aujourd'hui, après la mobilisation du milieu et la diplomatie menée par le ministère de la Culture, le dialogue reprend. La ville, en finançant 1,15 millions d'euros en 2016, garde tout de même son implication historique et majoritaire. Le reste de la saison, hélas, cherche encore son financement à cause de cette dernière coupe... Pourtant, j'ai encore réduit le festival cette année : 16 spectacles au lieu de 20 lors des éditions normales. La région pourrait sans doute s'engager davantage. 
Nouvel espoir : la ville promet de ne pas baisser à l'avenir et discute avec les autres tutelles d'un nouveau contrat d'objectifs de 2017 à 2019. Le sujet important est le suivant : le festival d'été Chalon dans la rue, qui est une aubaine économique pour la ville, ne va pas sans centre de création permanent à l'année. Parce que c'est grâce à cela que nous pouvons défendre la qualité artistique du IN, seule condition pour faire venir les professionnels et maintenir ainsi la présence du OFF... donc une nombreuse fréquentation. Tout se tient. Pour ma part, à l'âge de 62 ans, et après treize ans de direction artistique, je tire ma révérence et pars au printemps prochain. Une nouvelle direction assurera le festival 2017… » 

Propos recueillis par EB

Yann Frisch, magicien, le 26 Mai 2016 ˆ Paris (Photo Iorgis Matyassy)

Par Gilles Renault dans Libération :

Magicien brillantissime enclin au questionnement, le jeune homme revient avec quelques collègues au Théâtre du Rond-Point.

Question ironie du sort, l’anecdote se pose là : la veille de la rencontre, Yann Frisch s’est fait tirer son portable. Il était au théâtre et, la représentation terminée, on rallume les lumières et… plus d’iPhone 6. Volatilisé. Comme par enchantement. Bien sûr, l’incident l’a contrarié, «pas tant pour la valeur de l’objet que pour toutes les notes qu’il contient». Pourtant, cela n’a pas empêché ses copains de le chambrer copieusement dans la soirée et lui-même a fini par en sourire.

Car, si ce désagrément prête le flanc à la plaisanterie, c’est que Yann Frisch est magicien. Par surcroît, on ne croise pas tous les jours des illusionnistes de ce calibre-là. Sa dextérité lui a valu de devenir champion de France, puis d’Europe en 2011 avec un numéro, Baltass (consultable sur YouTube, où il collectionne les vues par millions), qui allait le conduire l’année suivante au titre suprême de champion du monde, dans la catégorie close-up. Petite incise : la compétition, où accourent des quatre coins de la planète quelque 250 candidats, comporte deux grandes sections, le close-up et la magie de scène, elles-mêmes sujettes à ramifications (micromagie, cartomagie, mentalisme, grande illusion…).

Dans le cénacle de la tromperie, Yann Frisch est donc un caïd du contact rapproché… lequel a trouvé à qui parler, mais tâche de ne pas trop s’en formaliser, «ça n’est pas si grave». Plus généralement, l’illusionniste désillusionné n’est pas ramenard, lui qui, dans la conversation, s’emploie à relativiser à plusieurs reprises un talent pourtant si flagrant à l’œil nu : «A la base, je ne crois pas être particulièrement doué de mes mains. Néanmoins, j’ai quand même dix ans de jonglage dans les bras. La magie est surtout un artisanat qui requiert du temps, de l’obstination, mais pas l’hyper-régularité d’un sportif de haut niveau : arrêter une semaine ne vous fera pas régresser comme un athlète. En fait, l’essentiel, c’est que cette discipline me parle. J’ai le goût du mensonge : faire le contraire de ce qu’on dit, ou l’inverse. Après, de là à être champion du monde… Ça n’est pas comme au tennis, tous les meilleurs ne se présentent pas et je suis le premier à dire que le numéro avec lequel j’ai gagné me semble classique à bien des égards, mais le jury a dû lui trouver une certaine singularité.»

A l’évidence bon camarade, cf. une nette propension à vanter les mérites d’autrui (le comédien Sébastien Barrier, son confrère Raphaël Navarro…), Yann Frisch creuse son sillon depuis quelques années, au gré des rencontres. En 2013, il cosigne avec trois condisciples le spectacle mêlant cirque, théâtre et théâtre Oktobre, qu’il tourne encore. Le trompettiste star Ibrahim Maalouf le convie au beau milieu d’un casting musical franco-libanais. Après le succès du Syndrome de Cassandre, un «seul en scène» qui affirmait en début d’année son talent de comédien dans le rôle ambigu d’un clown limite névropathe, le Théâtre du Rond-Point l’accueille à nouveau dans Nous, Rêveurs définitifs, un cabaret réunissant la fine fleur de l’illusion déringardisée (Etienne Saglio, Eric Antoine…). Et ainsi de suite jusqu’à l’horizon 2018, où l’escamoteur, qui cultive «l’intuition de plusieurs réalités coexistantes», devrait créer deux spectacles : l’un, en hommage à la magie moderne, l’autre, traitant des dimensions rituelle, médicale, religieuse, etc. de la pratique, à partir d’éléments glanés avec une anthropologue aussi bien chez les guérisseurs à mains nues des Philippines, que chez les chamans de Mongolie.

A 26 ans, Yann Frisch en paraît plus. L’air juvénile qu’on lui trouvait sur des vidéos encore récentes n’a pas survécu à une tignasse et une barbe fournies. Les yeux, d’une extraordinaire clarté, n’ont, en revanche, rien perdu de leur aspect perçant. «Un gamin au regard d’enfant halluciné, avec une détermination de vieux briscard», retient de lui José Manuel Gonçalvès, le directeur du CentQuatre, qui l’a côtoyé dans le cadre de résidences. «Il y a chez ce mec quelque chose de totalement flippant et d’une infinie tendresse», complète le patron de l’établissement parisien, où Frisch a déjà fait forte impression sur scène. Comme en dehors, manifestement.

Quand il a fallu fixer un lieu de rendez-vous matinal, l’artiste a suggéré «dans la rue, avec ma valise». Une boutade qui n’en est pas une puisque, dans une brasserie propice au repli stratégique, il se présente sans domicile fixe depuis trois ans et demi, squattant chez les uns et les autres au fil de ses actualités. «Persuadé qu’on s’encombre très vite», il s’imagine toutefois trouver un point de chute l’an prochain en Bretagne. Et de là, pourquoi pas, se remettre au piano, passer du temps en cuisine, voire développer un suivi sentimental auquel le nomadisme vient de payer un douloureux tribut.

Yann Frisch se souvient s’être «ennuyé comme un rat mort» pendant son enfance, passée au Mans entre quatre frères et sœurs. A 10 ans, il découvre tout de même «le vertige émotionnel de l’émerveillement», lorsque, pour l’anniversaire d’un pote, un magicien fait s’enflammer un foulard et déclenche un petit feu d’artifice. Sur ces entrefaites, l’univers du cirque le fascine, car peuplé d’«adultes faisant moins peur que ceux que je connaissais déjà». Fils de médecins issu de la bourgeoisie catholique - d’où une sainte méfiance des dogmes, la spiritualité passant à ses yeux par un questionnement que la religion réprouve - lui préfère cultiver une envie insatiable de «résoudre des problématiques en substituant de plus en plus la sophistication à la simplicité, quand bien même celle-ci pourrait demeurer difficile d’accès par la pensée». Après des débuts «solitaires et autodidactes», sûr de sa vocation, il part suivre une formation à Lyon, puis à Toulouse. La famille tique. Mais finit par se résoudre à l’idée qu’il ne prononcera jamais le serment d’Hippocrate.

L’artiste loue aujourd’hui l’idée d’un travail d’équipe, où l’on associe les compétences pour imaginer des subterfuges qu’hormis les contraintes liées au temps et à l’argent, il juge «rarement irréalisables». Les 52 cartes d’un jeu, par exemple, offrent à ses yeux des possibilités d’exploration infinies. A l’école (bac scientifique), il n’était pas bon en maths. Cela ne l’a pas empêché de prendre le pli : c’est par un biais ludique que Yann Frisch accomplira des prouesses, plutôt que des miracles. «Exténué par ce sentiment générationnel de se faire balader», le citoyen abstentionniste n’imagine «aucune bonne surprise» sortir du prochain chapeau électoral. Mais, à défaut, n’en entend pas moins continuer de rêver très fort.


5 mars 1990 Naissance à Levallois-Perret (Hauts-de-Seine). 

2007 Ecole de cirque de Lyon. 

2012 Champion du monde de magie close-up à Blackpool (Angleterre). 

2013 Oktobre. 

2015 Le Syndrome de Cassandre. 

Jusqu’au 3 juillet "Nous, Rêveurs définitifs" au Théâtre du Rond-Point.

Par Claire Guillot pour Le Monde

Photos Bartek Sadowski pour le Monde

Voir sur le site du Monde avec toutes les photos : 

http://www.lemonde.fr/culture/visuel/2016/06/04/wroclaw-a-l-ouest-toute_4934869_3246.html


Dans un pays gagné par le repli, la dynamique capitale européenne de la culture défend un art ouvert et tire parti de son histoire mouvementée.

En janvier, lorsque le ministre de la culture polonais, Piotr Glinski, est venu lancer en grande pompe les festivités à Wroclaw, la nouvelle capitale européenne de la culture, il s’est fait huer par le public réuni dans le Forum national de musique. « C’est regrettable, soupire Anna Szarycz, ajointe au maire de Wroclaw, c’était un moment de réjouissances, pas de débat politique. » Dans cette ville qui donne ses voix depuis vingt-cinq ans à un maire de la droite modérée et proeuropéenne, l’assistance a peu goûté le discours du nouveau ministre conservateur vantant une culture
« basée sur un système de valeurs polonaises et chrétiennes européennes ».
 
 
En cette festive année 2016, Wroclaw a des allures de paradoxe. La capitale de la Basse Silésie, à l’ouest du pays, vitrine économique avec ses 3,4 % de chômage, offre le visage d’une cité ouverte et accueillante, alors même que le nouveau gouvernement polonais, dominé par le PiS (Droit et Justice) eurosceptique et ultraconservateur, est dans le collimateur de la Commission européenne pour sa reprise en main de la justice et des médias. Côté culture, le nouveau gouvernement a pris position contre les œuvres jugées pas assez « patriotes ». Mais Anna Szarycz précise : « Le ministère de la culture est partie prenante du projet de la capitale européenne de la culture, et il n’a jamais imposé quoi que ce soit ici. Nos commissaires ont eu toute liberté dans leur programmation. »
 
A Wroclaw, malgré les débats politiques, on continue donc de célébrer la culture sur tous les tons : un millier d’événements sont prévus, populaires ou plus pointus, pilotés par huit commissaires. On y insiste sur l’esprit d’ouverture légendaire et le multiculturalisme de la ville. Et sur l’histoire locale heurtée, sans équivalent en Europe. Magdalena Babiszewska, chargée des relations avec la presse pour l’événement, évoque ses grands-parents venus de Vilnius (Lituanie) et de Lvov (Ukraine). Un cas banal ici : « A Wroclaw, nous savons ce que c’est que de devoir tout quitter et de s’inventer une nouvelle vie », dit-elle.
A Wroclaw, nous savons ce que c’est que de devoir tout quitter et de s’inventer une nouvelle vie.

Une population renouvelée à 100 % après 1945
La quatrième ville polonaise du pays a été successivement sous domination polonaise, tchèque, hongroise, autrichienne, prussienne. Devenue l’allemande Breslau, elle est tombée devant l’armée rouge en 1945 après un siège qui l’a laissée détruite à 80 %. La population allemande qui y restait a été chassée en même temps que les nouvelles frontières attribuaient la ville à la Pologne. Les nouveaux arrivants ? Des déplacés venus d’anciens territoires polonais réquisitionnés par l’URSS, contraints de venir peupler les ruines. « Pendant des années, les gens pensaient que les Allemands allaient revenir et récupérer leurs maisons, ils ont eu du mal à prendre racine », explique Magdalena Babiszewska. Une exposition présentée à Wroclaw, « Les Allemands ne sont pas venus », fait référence à cette crainte ancestrale.
 
A l’écart de la ville, un étonnant dôme aux allures de gros gâteau, la halle du centenaire, a été rénovée et son annexe restaurée pour accueillir des expositions. Cet immense auditorium de 10 000 places, construit en 1913, a vu défiler aussi bien les harangues d’Hitler au temps des nazis, le Congrès mondial des intellectuels pour la paix de 1948 organisé par l’URSS où vinrent Picasso et Eluard, mais aussi les messes du pape Jean-Paul II. En ce moment, pas de politique… c’est Julio Iglesias qui y donne un concert.



Quand j’étais étudiant, le passé allemand était un sujet tabou mais je voyais bien qu’il était gravé partout dans la ville.
Marek Krajewski, écrivain

Cette architecture pionnière en béton armé, classée à l’Unesco, incarne surtout le passé allemand que les dirigeants communistes ont longtemps voulu gommer. L’écrivain et universitaire Marek Krajewski a situé toute sa série de polars (Les Fantômes de Breslau, éd. Gallimard) à cette époque-là. « Quand j’étais étudiant, explique-t-il, le passé allemand était un sujet tabou mais je voyais bien qu’il était gravé partout dans la ville. Cela m’a fasciné. » Aujourd’hui, à Wroclaw, les touristes achètent des cartes de la ville de Breslau avec les noms des rues en allemand. Et c’est cette histoire mélangée qui est mise en avant. « Nous avons construit notre identité sur les ruines, la douleur et les destructions… cela nous a rendus résistants, et ouverts à la diversité », souligne l’adjointe au maire.
 
Le QG de la capitale européenne de la culture, le café et centre d’art Barbara, est lui aussi chargé d’histoire. Avec ses grandes verrières et ses mosaïques noir et blanc, le lieu est établi à l’endroit où se réunissaient les trublions d’Alternative Orange : ce mouvement politico-artistique défia le régime communiste et la loi martiale dans les années 1980 par des happenings poétiques. Fondé par un étudiant en art, Waldemar Fydrych, il organisait des manifestations réclamant le retour du père Noël ou des défilés de gens déguisés en nains, coiffés d’un bonnet orange. Le mouvement a réuni des milliers de personnes, sapant le régime par son ironie. Le nain, qu’on croise en statue à chaque détour de rue, est devenu le symbole de Wroclaw. Une récupération qui n’est pas forcément du goût du principal intéressé : furieux de voir « utilisé ce symbole de la bataille pour la liberté sur des gadgets touristiques », Waldemar Frydrych a gagné un procès contre la mairie de Wroclaw.

Architecture en patchwork
La ville, qu’on surnomme « la Venise polonaise » avec ses îles sur la rivière Oder, se présente comme un patchwork architectural compliqué, sans unité mais non sans charme. En 2016, une nouvelle application gratuite permet de repérer une centaine de bâtiments remarquables. Car les couches d’histoire s’empilent : restes allemands, bâtiments soviétiques, constructions modernes… Sans compter les monuments détruits reconstruits à l’identique.
« Notre histoire a créé un paysage, mais aussi une société particulière, égalitaire, raconte Zbigniew Mackow, architecte et commissaire chargé de l’architecture. On a longtemps appelé cette région “Le Far West’’ parce qu’on pouvait y recommencer sa vie, comme en Amérique. Il n’y a pas de gros fossé entre les groupes sociaux. » Le programme architectural qu’il a lancé pour 2016 vise surtout à « rendre les gens de Wroclaw plus proches de l’architecture, et leur donner le pouvoir sur l’environnement ». Ainsi « Wuwa 2 », un projet d’habitat collectif et coopératif inspiré d’un projet immobilier pionnier de 1929, a été élaboré avec les habitants dans un quartier excentré de la ville, Nowe Zerniki.
 
Mais le titre de capitale culturelle a aussi permis à plusieurs bâtiments ambitieux de sortir de terre. Ainsi l’immense Forum national de musique, à la fois centre de conférences et lieu de concerts ultramoderne, dont on salue partout l’acoustique. Le chantier traînait depuis des années, il a finalement abouti : la structure massive aux intérieurs soignés abrite désormais près de 12 formations musicales, et organise pas moins de cinq festivals. Si son budget a été critiqué – près de 100 millions d’euros – le directeur, le chef d’orchestre Andrej Kosendiak, insiste sur son immense succès, partagé par tous : « Tous les concerts sont jusqu’à présent complets. Et nous avons un programme éducatif très important, qui s’adresse jusqu’aux bébés dans le ventre de leur mère ! »

Le Forum national de la musique

Un multiplexe d’art et d’essai
Le cinéma New Horizons est une autre des fiertés de la ville. D’extérieur, le bâtiment ingrat a des airs de multiplexe – c’en était un autrefois. Mais l’intérieur ressemble plutôt à un centre d’art, avec cafés et lieu d’exposition. Dans ses neuf salles, ni pop-corn ni publicité. C’est le distributeur Roman Gutek, qui a beaucoup œuvré pour faire connaître les films d’auteur en Pologne, qui l’a monté à Wroclaw. Soutenu par la ville, il mélange quelques films grand public à une programmation nettement art et essai. Et organise aussi un festival international d’ampleur qui précédera cette année la remise du prestigieux prix du cinéma européen à Wroclaw.
 
Contrairement à d’autres capitales européennes de la culture moins dotées, la ville n’a pas eu à chercher loin pour bâtir son programme. La pratique culturelle locale, souvent commencée clandestinement pendant la période communiste, y était forte. Citons une tradition littéraire intense, couronnée cette année par le titre de capitale mondiale du livre attribué par l’UNESCO. Ou l’héritage laissé par un grand metteur en scène et théoricien du théâtre, Jerzy Grotowski. Ou encore ce centre d’art pionnier dans les nouveaux médias, WroArt, qui a commencé ses activités en 1989 sous forme de laboratoire culturel underground. Piotr Krajewski, l’historique directeur de WroArt, a mis en place pour cette année un important dispositif d’expositions et d’interventions, toutes gratuites, dans les quartiers autour des relations entre art, nature et technologie, intitulé « Ecoexpanded City ».
Ici, l’art s’est développé comme sur une île, avec sa propre dynamique. Varsovie a longtemps été à 7 heures de route, bien plus loin que Berlin et Prague.

Dorota Monkiewicz, directrice du musée d'art contemporain de Wroclaw
Lorsqu’on s’écarte de la ville, on tombe sur le musée d’art contemporain de Wroclaw, installé dans un bunker de la guerre à l’étonnante forme ronde, face à une locomotive écrasée, comme tombée du ciel. Sa directrice, la bouillonnante Dorota Monkiewicz, qui quitte son poste à la fin de l’année, insiste sur l’effervescence de la culture des années 1960 aux années 1980 à Wroclaw : c’est ici qu’ont été lancées les œuvres pionnières dans le champ de la poésie visuelle, de l’art conceptuel. Cigarette à la main, débit de mitraillette, elle explique : « Ici, l’art s’est développé comme sur une île, avec sa propre dynamique. Varsovie était à 7 heures de route, plus loin que Berlin et Prague. Et les artistes, tolérés, avaient le droit d’avoir un passeport, de voyager. » Une grande exposition, « The Wild West », dédiée à l’avant-garde de Wroclaw, tourne en ce moment en Pologne et dans les pays alentour. Mais pas à Wroclaw, faute de place – le nouveau bâtiment prévu pour le musée a été mis sur la touche.

Subventions coupées net
La mairie espère doubler les pratiques culturelles de la population, et augmenter la fréquentation touristique à Wroclaw. Mais la question de l’après se pose ici plus vivement qu’ailleurs. Avec le nouveau gouvernement, qui veut par la culture promouvoir l’héritage national, les institutions culturelles ont déjà senti le vent tourner : le Théâtre polonais, à Wroclaw, s’est attiré l’ire du ministre de la culture en début d’année avec La Jeune Fille et la Mort, en prévoyant des scènes de sexe jouées par des acteurs porno. En guise de protestation, le directeur Krzysztof Mieskowski donne actuellement dans son théâtre Le Procès, de Kafka. « Le héros s’est fait arrêter alors qu’il n’avait rien fait…, souligne le directeur, crinière blonde et yeux bleus tranchants. Aujourd’hui, en Pologne, la culture est vue comme dangereuse. Et nous affrontons la censure économique, pas seulement du gouvernement. »
 
De fait, les musées de Wroclaw ont vu les subventions de l’Etat se tarir. Au centre WroArt, pour la première fois, ni les projets d’art visuel ni les programmes éducatifs, n’ont reçu de soutien ministériel. Au musée d’art contemporain, la situation est identique. « Aucun des quatre musées d’art contemporain de Pologne n’a vu son dossier accepté », explique Dorota Monkiewicz, qui a dû annuler tout son programme de 2017 pour se concentrer sur une seule exposition, consacrée au travail. Elle ajoute : « Il faut repenser totalement le système, faire appel au privé, et collaborer. Il faut avancer, on ne peut pas faire que pleurer. » A Wroclaw, la déploration n’a jamais fait partie de la culture.

Par Hadrien Volle pour sceneweb :

Peu de personnages – ici un quasi duo –, sont baignés dans un amoncellement d’objets sur un immense plateau, ce qui a pour effet de donner à chaque scène une dimension monumentale où l’œil est joué dans de multiples perspectives. On retrouve aussi les platines vinyles, la même étagère – qui porte ici des boîtes de conserves quand elle était parsemée de livres dans « Nous sommes repus (…) ». La vidéo occupe également la même place en arrière plan et, là aussi, les acteurs cassent de la porcelaine. Enfin, on retrouve, dans le rôle du héros principal, Laurent Papot.

Cet ensemble produit de belles images, surtout lorsque Séverine Chavrier accepte de jouer avec la lenteur – ce qui est rare. On est captivé par quelques jeux de chute, notamment un vent d’automne qui balaye les feuilles mortes sur la scène, absolument splendide. Dans ces « Palmiers sauvages », Chavrier joue beaucoup des effets météorologiques comme pendant aux émotions d’Harry et Charlotte. La rencontre, le coup de foudre, l’emprisonnement d’une relation fondée en partie sur le mensonge et l’aboutissement forcément mortel.

La structure dramatique est construite comme l’ensemble des souvenirs d’une relation, sans lien vraiment narratif. Le texte de William Faulkner résonne avec celui de la mise en scène de Julie Duclos, « Nos Serments », vue à la Colline ces deux dernières saisons. Mais là où Duclos parvient à trouver l’équilibre entre le calme et la colère, Chavrier sombre trop souvent dans le bruit et l’hystérie exacerbée. Les personnages hurlent, baisent comme des lapins, mais au final la tension n’est pas si constante. Ces « Palmiers sauvages » sont assez beaux, mais le spectacle aurait gagné en force et en profondeur s’il avait été d’une forme plus apaisée.

Hadrien VOLLE – www.sceneweb.fr

Les palmiers sauvages
mise en scène et musique Séverine Chavrier
d’après le roman de William Faulkner Si je t’oublie Jérusalem (ou Les palmiers sauvages)
scénographie Benjamin Hautin
dramaturgie Benjamin Chavrier
son Philippe Perrin
lumière David Perez
vidéo Jérôme Vernez
régie générale Frédéric Aguet
avec Laurent Papot, Déborah Rouach
production 
Théâtre Vidy-Lausanne
/ Compagnie La sérénade interrompue
coproduction 
Nouveau Théâtre de Montreuil
avec le soutien 
de la SPEDIDAM, du Ministère de la Culture et de la Communication,
du CDN de Besançon Franche-Comté, de
Pro Helvetia
durée : 1h45 

Théâtre de l’Odéon
Du 3 au 25 juin 2016

Par Anne Diatkine dans Libération/Next

Depuis trois mois, le Théâtre de la Bastille est investi de fond en comble par le metteur en scène portugais, 70 spectateurs et des comédiens. Retour sur une expérience unique qui a vu émerger une floraison de spectacles.

Des idées merveilleuses ont surgi de l’Occupation Bastille, pratiquée au théâtre de la Bastille pendant soixante-huit nuits et jours par le metteur en scène, acteur, écrivain, directeur du théâtre national de Lisbonne Tiago Rodrigues, accompagné des comédiens Jacques Bonnaffé, David Geselson, Grégoire Monsaingeon, Alma Palacios, Miguel Borges, Ruth Vega-Fernandez, Raquel Castro, ainsi que 70 spectateurs intégrés au processus et toute l’équipe du théâtre - de la direction à l’accueil, en passant par le service de presse. Des idées merveilleuses qui font leur chemin et qu’on garderait bien pour la vie quotidienne, cette vie sans scène pour la jouer ni représentation pour la montrer. Comme le projet de la lettre non écrite qui reste en latence, jusqu’à ce que quelqu’un, en l’occurrence le comédien David Geselson, se propose de la rédiger à notre place. Les spectateurs, acteurs et autres participants à l’occupation se sont emparés de cette occasion rare de dire l’indicible et d’adresser une missive toujours différée, et avec sa rédaction par un autre est venue la première transformation. Ensuite, certaines de ces lettres ont été restituées un mardi soir devant le public.

Grâce
Deuxième transformation. L’expérience intime est bien là, mais les mots résonnent alors pour tous. «C’est comme si leur envers était dévoilé. Le locuteur était moi et pas moi et c’était extrêmement intéressant de l’entendre car je pouvais saisir pourquoi cette lettre était restée si longtemps non écrite», dit une spectatrice à la suite de l’expérience. Entre toutes, celle lue par un spectateur d’une vingtaine d’années qui surgit du public et la découvre en même temps que nous. Il doit s’interrompre à plusieurs reprises, il est bouleversé. C’est la lettre non écrite d’une femme qui, deux décennies auparavant, venait d’apprendre qu’elle ne serait jamais enceinte et s’adresse à l’enfant qu’elle n’a pas attendu. Lui qui n’existe pas peut-il recevoir la lettre qu’elle ne lui a pas écrite ? Moment de grâce sur scène où une actrice et un spectateur qui ne se connaissent pas se retrouvent cependant. La lettre est reprise dans le spectacle final, à voir jusqu’à la fin de la semaine, intitulé Je t’ai vu pour la première fois au Théâtre de la Bastille, belle promesse qui n’est ni un bilan ni un document, mais une transposition rêvée et cauchemardesque de ce qui a pu advenir durant ces trois mois, et des traces de ce trajet.

Ça aurait pu être de l’agit-prop, de l’animation, un atelier théâtre. Ça aurait été intéressant, mais ça n’a été rien de tout cela. Jamais pendant cette occupation les spectateurs n’ont fait de progrès dans la profession d’acteur, et les acteurs ne sont pas non plus devenus de bons spectateurs. Les places n’ont pas été interverties, et quand les spectateurs sont montés sur scène, ont constitué des chœurs, fait entendre des échos ou évoqué des bribes d’histoires, aucune confusion n’était possible. Les uns n’étaient pas les autres. Oui, mais quelle était leur place ? Cette question est l’un des fils conducteurs de cette occupation écheveau, qui mêle et emmêle les pelotes, passionne même quand la présentation est fragile, car peu importe, le critère de réussite et de ratage est ici inopérant. Et il y a toujours des fulgurances.

Ça aurait pu être la réédition d’une vieille expérience des années 70, où l’on voulait mettre le spectateur au cœur de la scène et les acteurs, pourquoi pas, dans la salle. Mais Tiago Rodrigues s’inscrit néanmoins dans le présent d’une manière telle que son occupation a anticipé et fait écho à d’autres occupations : celle de la place de la République ou du Théâtre de l’Odéon par les intermittents, évidemment imprévisibles au moment où le projet a été lancé par la directrice adjointe du Théâtre de la Bastille, Géraldine Chaillou.

Transgression
Troisième hypothèse, ce serait une entreprise sur l’urgence : l’urgence de s’arrêter de fabriquer des spectacles, de vite les programmer, de vite les consommer, de vite pouvoir en penser et dire quelque chose, de vite les oublier. L’urgence, en somme, de prendre son temps - trois mois - et d’appréhender un peu mieux les spectateurs : leur désir et leur besoin d’action. Ne pas se contenter de passer deux jours dans un théâtre d’une ville d’Europe, lorsqu’on a la chance d’avoir un spectacle qui tourne, ne pas considérer le public comme le dernier maillon d’une chronologie qui viendrait quand tout est terminé, quand le spectacle est prêt, à la toute fin. «Alors qu’il est le premier, dit Tiago Rodrigues, c’est lui qui déclenche le spectacle en entrant dans la salle, et en choisissant de traverser la ville pour le voir. On n’entre pas dans un théâtre par hasard». Prendre son temps, peut-être, mais à condition que ces trois mois sans programme préétabli donnent lieu à pas moins de trois types différents de représentation, dont deux qui doivent batailler avec le risque du néant.

Il y a eu celle, longuement travaillée et répétée, de Bovary autour du procès de Flaubert et de la transgression des normes sociales d’un roman «sur rien», selon les mots de Flaubert. Celle de trois impromptus au beau titre générique Ce soir ne se répétera jamais présentés trois mardis de suite, et qui effectivement, dans tous les sens du terme, ne pouvaient pas se répéter. Et celle du spectacle final, donc, qu’on peut voir encore une poignée de soirs de juin. Clôturer une utopie, n’est-ce pas prendre le risque de la tuer ? C’est surtout une expérience qui échappe à toutes les malles où l’on tente de la ranger avec quelques boules de naphtaline pour résister à l’usure et à l’oubli. Une expérience qu’il est impossible de scinder en spectacles disjoints : Bovary, tout comme les trois impromptus et le dernier spectacle forment une boule à facettes mais aussi se diffractent les uns les autres. Leur lumière rémanente persiste.

euphorie
Tout ne fut pas idyllique durant ces trois mois, même si la plupart des participants disent que leur vie en est bouleversée. Il y eut des moments de doutes et de baisse de tension, et au moins une crise : des spectatrices remirent en question âprement la place que le metteur en scène et les acteurs leur accordaient et évoquèrent leur déception. N’étaient-elles pas réduites à une participation passive, marionnettes d’un processus qui leur échappait, simple combustible pour des spectacles élaborés et joués par d’autres ? Des figurantes, en somme. Et pourquoi ne pourraient-elles pas lire des lettres sur scène, de même que les acteurs ? N’y avait-il pas un risque que le jeu et l’action soient confisqués par les comédiens, et que les décisions ne soient prises uniquement par le metteur en scène, finalement auteur ?

Comment crée-t-on à partir de rien, lorsqu’on vient de réussir une présentation euphorique où de la cave au grenier en passant par la rue et les loges, le théâtre a été occupé, rendant matériellement d’ailleurs impossible la vision de la totalité de la présentation ? Ça avait eu lieu un mardi, et entre les jours de pause et l’autre mardi, il ne restait que trois jours, pour tout construire, le propos et le décor, la règle étant que d’une semaine à l’autre rien ne soit réutilisé ou refait. «Est-ce que tout le monde a compris que mardi prochain, la représentation ne se passera que sur ce plateau ?» demande Tiago Rodrigues. Première petite déception. «Je trouve bien que tout le monde ne soit pas sur scène. Il faut travailler les entrées et les sorties. Et qu’on orchestre les échos des spectateurs.» C’en est trop pour Camille, qui sort sans mot dire, avec quelques autres, rapidement suivies du metteur en scène. Conciliabule à l’extérieur. Il obtient qu’elles reviennent afin de parler de leur impression d’être manipulée. Seules des femmes ont contesté le pouvoir du metteur en scène et évoqué une passivité dans laquelle elles se sentaient assignées, les hommes restant mystérieusement silencieux, se laissant porter et imprégner par le processus de création beaucoup plus aisément. La crise n’était pas publique, mais il y avait du public dans la salle, et des journalistes. Jamais personne ne s’est proposé de nous faire sortir. «Bien au contraire, la crise fait partie du processus. Ce qu’on a vécu, c’est ce qu’on vit systématiquement avec les acteurs après une représentation qui s’est merveilleusement bien passée et qu’on baisse la garde. Pour sortir d’une crise comme celle-ci, soit on dit que "l’enjeu de la représentation est social", soit on garde une exigence artistique, et faute de temps et de travail, on se rabat sur le savoir-faire des acteurs», dit Tiago Rodrigues. Qui ajoute : «Ce qu’on a gagné après la crise, c’est d’énoncer que le droit à la participation se gagne par la participation. Ce qui aurait été de la manipulation, c’est que la crise soit dissimulée et n’ait pas lieu. Je l’attendais.»

Squelette
On s’achemine donc vers la fin. Plus que quelques jours pour continuer d’occuper la Bastille. Dans le spectacle final, les spectateurs sont de nouveau dans la salle, et les acteurs sur scène, on pourrait croire que l’espace théâtral est bien ordonné, sauf que non, pas du tout, le plateau est un capharnaüm, un squelette traîne côté jardin et l’enseigne lumineuse de la façade du théâtre placée au fond de la scène est sur le bord de s’éteindre. Je t’ai vu pour la première fois au Théâtre de la Bastille, spectacle écrit en deux jours, et répété en une semaine, nous projette vingt ans plus tard : les occupants n’ont trouvé aucune bonne raison de quitter la scène, et lasses, les autorités ont oublié de les expulser. Certes, la place de la République est devenue place de l’Oligarchie, la France est une tyrannie, et les journaux, cette chose étrange où l’on pouvait trouver les nouvelles du jour, n’existent plus. Les acteurs sont en ligne sur des chaises face aux spectateurs, ils sont vieux. Il y a toujours une actrice portugaise qui, lorsqu’elle entre en scène, perd son français, «c’est le seul moment où Lisbonne lui manque».

Et le comédien Grégoire Monsaingeon continue de poser chaque jour la même question, sur un ton de plus en plus agressif : «Y a-t-il de nouveaux projets ?» Tant que des mains s’élèveront, l’occupation continuera. Il y a la mémoire du théâtre et de tous les spectacles vus et le souvenir de ce metteur en scène si sourcilleux qu’il avait obtenu que la première représentation de son spectacle soit posthume. Et bien sûr, il y a la crise. La fameuse crise. Qui trouve ici une tout autre résolution.

Par Anne Diatkine
Je t’ai vu pour la première fois au Théâtre de la Bastille Théâtre de la Bastille, 76, rue de la Roquette, 75011. Jusqu’au 12 juin. Rens.: www.theatre-bastille.com

Photo : Tiago Rodrigues après une répétition, samedi. Photo Pierre Grosbois

   La ministre de la Culture s'est félicitée mardi d'un "bon accord" concernant l'assurance chômage des intermittents. Audrey Azoulay veut qu'il soit appliqué au 1er juillet.


L'accord sur l'assurance chômage des intermittents du spectacle sera appliqué et mis en place dès le 1er juillet : La ministre de la Culture s'y est engagée ce mardi après-midi à l'Assemblée nationale.

Le problème c'est que cet accord de branche signé à l'unanimité le 28 avril dernier par les syndicats et la partie patronale est pour l'instant rejeté par le Medef, la CFDT, la CGC et la CFTC. Ils s'en remettent à l'état notamment pour son financement. 

"Cet accord prévoit des droits nouveaux mais prévoit aussi un certain nombre de contributions patronales supplémentaires qui fait qu'il génère entre 84 et 93 millions d'euros d'économie. Nous soutenons pleinement ce processus. C'est un accord qui est bon pour tout le monde.       " Audrey Azoulay

Par Martine Pullara pour Lyon Capitale

La 17e Biennale de la danse ressemble à de la danse comme on aime : sans chichis, avec des surprises et toujours le souci des publics. Mais cette édition (dévoilée ce lundi) a ceci de particulier qu’elle donne à voir, de manière intense, ludique et charnelle, la matière corps du danseur et l’âme de l’interprète. Panorama.

 
Un parcours savant-populaire
Avec 15 % de budget en moins (6,7 millions d’euros au lieu des 7,8 millions de 2014) dont 5 % de subventions publiques et une Biennale ramenée à 17 jours, Dominique Hervieu semble avoir redoublé d’imagination pour créer l’événement avec 37 spectacles (dont 23 créations ou premières françaises).
Un des fils conducteurs sera le parcours créé entre la danse savante et la danse populaire dont s’emparent nombre de chorégraphes pour revivifier la création contemporaine. Les comédies musicales qui ont accompagné des crises économiques ou des mutations de société en font partie. Elles seront revisitées par la “French touch” de Jean-Claude Gallotta qui dans Volver expérimente le lien entre la danse de Cunningham (chez qui il s’est formé) et ce genre qu’il considère comme noble, le tout sur des chansons d’Olivia Ruiz. Ou encore par Yan Duyvendak dans un Sound of Music qui s’annonce décapant. Construit comme un show clinquant venu de Broadway, le spectacle fait surgir une bande de jeunes qui dansent sur fond de naufrage économique et écologique décrivant une vie sans espoirs.


Battle of styles / Corbeaux (B. Ouizguen).
On découvrira aussi Bouchra Ouizguen avec Corbeaux dansé uniquement par des femmes âgées, autour du rituel et de la transe. Très attendu, Christian Rizzo présente Le Syndrome Ian, troisième acte d’une trilogie sur les danses populaires qui aborde, après les danses folkloriques méditerranéennes, les danses de club. On n’oubliera pas un événement jubilatoire, le Battle of styles qui confrontera les danseurs du Pockemon Crew (hip-hop), du ballet Preljocaj et de la Forsythe Company (néo-classique) et du Tanznetz de Dresde (contemporain). Un mélange des genres et une première française qui va électriser le palais des sports de Lyon !
Découvrir et discuter avec de grands interprètes

© Virginie Khan
Christiana Morganti dans “Jessica and Me”.
Dominique Hervieu a eu cette très belle idée d’inviter, avec leur création, de grands interprètes ayant contribué au succès de grands chorégraphes. Ainsi Cristiana Morganti, qui a dansé toutes les pièces de Pina Bausch, parle dans le solo Jessica and Me de son travail avec Pina, tout en questionnant son parcours de danseuse et son rapport au corps.
Les Lyonnais retrouveront Louise Lecavalier, la muse du chorégraphe québécois Édouard Lock qui a hélas arrêté sa compagnie. Elle présente un duo qui met les corps dans des états mécaniques, des mouvements presque déshumanisés.
Olivia Grandville a dansé avec Dominique Bagouet dans ses dernières créations. Sa pièce Combat de Carnaval et Carême explore avec dix danseurs le rythme.
Plus jeune danseur à avoir intégré la compagnie Merce Cunningham, Jonah Bokaer vient pour la première fois en France, avec un travail très visuel sur une musique de Pharel Williams.
Ce focus, accompagné de discussions avec les interprètes, est une manière subtile d’approcher la danse autrement que par la notion de représentation, abordant la danse de l’intérieur, celle de l’ombre, des répétitions, du vécu d’artistes que l’on met peu en lumière. Il réjouira aussi les passionnés de danse qui ont vu les œuvres des chorégraphes concernés.

Les événements
La Biennale s’ouvre en même temps que la grande exposition au musée des Confluences sur les “Corps rebelles”, retraçant l’histoire de la danse depuis 1913. Symbole de modernité mais aussi d’un corps rebelle annoncé, celui du danseur Nijinski, Le Sacre du printemps sera à l’honneur avec des films sur les versions de plusieurs chorégraphes.

Maurice Béjart, un autre rebelle, sera également présent, dansé par le CNDC d’Angers sous la baguette du chorégraphe Hervé Robbe, avec un extrait d’une pièce révolutionnaire, Messe pour le temps présent, sur la musique de Pierre Henry.

Le 18 septembre, le défilé de la Biennale sera au rendez-vous autour de la thématique “Ensemble”, avec un final magistral sur la place Bellecour. Le circassien Yoann Bourgeois posera son trampoline circulaire au milieu de la place, entouré de la foule qui terminera la fête par une tarentelle façon “rumba”.

Corps en défis… Corps engagés !
Le Belge Jan Fabre se lance, seul, dans une performance sur un vélo au vélodrome du parc de la Tête-d’Or, histoire de ne pas battre le record du monde de l’heure d’Eddy Merckx.



Catherine Gaudet est à ne pas rater avec un quatuor de danseurs sur la force du désir sexuel.
Inconnu à Lyon, l’Italien Fabrizio Favale réunit huit danseurs masculins et une femme DJ, entre danse virtuose, danse archaïque et hypnotique.
Alain Platel revient avec une nouvelle création, Mahler Projekt (notre photo de une), et neuf danseurs pour se pencher sur l’Europe juste avant la Première Guerre mondiale. On ira les yeux fermés !
Olivier Dubois revient en force avec vingt-quatre danseurs dans Auguri, une quête éperdue du bonheur. Les danseurs s’entraînent actuellement sur l’endurance comme des athlètes de haut niveau pour tenir le rythme de cette course sur scène.
On n’oubliera pas le duo Tordre de Rachid Ouramdane, qui explore les fondements de la danse chez deux femmes dont une a un bras en prothèse et l’autre explore à l’envi, depuis son enfance, la notion de cercles dans l’espace. La rencontre s’annonce fragile et sensible.

Une Biennale au plus près de la danse
Construite pour beaucoup autour de formes légères (restrictions budgétaires obligent) et sans scénographies grandiloquentes, cette Biennale nous donne l’heureuse sensation de nous rapprocher d’une certaine intimité chorégraphique, comme si le corps reprenait sa place. Pour nous dire que c’est de lui que tout jaillit. Le sens du mouvement, l’âme de la danse, l’émotion du danseur… et la nôtre !

Biennale de la danse – Du 14 au 30 septembre, à Lyon.

Défilé le 18 septembre.

Horaires et réservations sur le site Internet de la Biennale. http://www.biennaledeladanse.com/

Appel à projets – Montréal

Nous cherchons des œuvres en construction, dont la mise au jour est considérée comme urgente par leur auteur. Ce qui nous allume, ce sont leur nécessité et leur résonnance actuelle. Vous pouvez nous présenter un projet qui en est à l’étape d’idée, de premier jet ou de version complète. Nous avons l’habitude de lire des œuvres en chantier. La programmation comporte deux volets.

Texte ou projet de texte pour une lecture théâtrale
Le cœur de la programmation du Festival du Jamais Lu est composé de lectures théâtrales d’œuvres inédites d’auteurs émergents. Nous cherchons des œuvres en construction, dont la mise au jour est considérée comme urgente par leur auteur. Ce qui nous allume, ce sont leur nécessité et leur résonnance actuelle. Vous pouvez nous présenter un projet qui en est à l’étape d’idée, de premier jet ou de version complète. Nous avons l’habitude de lire des œuvres en chantier.

Projet spécial
Le Jamais Lu produit des projets spéciaux construits autour de la prise de parole théâtrale sous toutes ses formes : soirée politique, concert littéraire, table ronde, opéra rock, salon littéraire participatif, etc. Si vous avez un projet fou en tête, une envie d’engagement artistique, un événement original dans vos cartons, n’hésitez pas à nous en faire part.

16e Festival du Jamais Lu

Date limite de dépôt : vendredi le 26 août 2016

Date de l’événement : du 4 au 12 mai 2017

Télécharger le formulaire sur le site du Jamais lu : http://www.jamaislu.com/?page_id=35