Revue de presse théâtre

Par Fabienne Darge dans Le Monde : 

Trente ans, c’est un bel âge, pour un festival, si celui-ci a réussi à traverser ses crises de croissance. Le Printemps des comédiens de Montpellier, qui s’est ouvert le 3 juin et se poursuit jusqu’au 10 juillet, en est un bel exemple. Le festival est en pleine forme depuis 2010 qu’il vit sous la conduite curieuse et chaleureuse de Jean ­Varela. Et ce malgré l’annulation de 2014, due au conflit des intermittents du spectacle.

C’est un programme riche, varié et de très bonne tenue, mêlant le théâtre, le cirque et la danse, ­qu’offre ce Montpellier 2016. Il s’est ouvert avec une représentation d’Arlequin, serviteur de deux maîtres, de Goldoni, dans la mise en scène de Giorgio Strehler, créé par le maître italien en 1947. Jean Varela tenait à cette ouverture. « C’est le spectacle qui a inauguré le premier Printemps des comédiens, note-t-il. Et puis, c’est une manière pour moi de lancer le festival avec ce que représente Strehler : une certaine idée de l’Europe et du théâtre, ouverte et généreuse. »

Jean Varela a conscience de sa responsabilité dans une ville, Montpellier, où « la situation du théâtre est historiquement faible », puisque Georges Frêche, l’imperator local (maire de 1977 à 2004), avait plus de goût pour la musique et la danse. Une ville, aussi, où le Centre dramatique national a été fragilisé par les quatre années ­calamiteuses de la direction de Jean-Marie Besset (2009-2013), dont le projet ne correspondait pas au cahier des charges d’une institution de ce type, et par le repli sur un positionnement confidentiel de Rodrigo Garcia, le CDN n’ayant attiré que 18 000 spectateurs lors de la dernière saison.

Répertoire et création

C’est donc à Jean Varela qu’incombe la charge, un mois par an, de présenter aux habitants de la ville et de la région « un état possible du théâtre actuel » qui, comme tel, mêle le répertoire et la création. L’édition 2016 fait montre d’un équilibre remarquable, entre les maîtres plus ou moins anciens et les jeunes troupes, entre des formes pointues et des classiques joués pour aujourd’hui, mais toujours dans l’esprit d’un théâtre à la fois populaire et exigeant.

Le Printemps a ainsi commencé, outre Arlequin, avec ­Battlefield, le dernier spectacle de Peter Brook, et avec la création du Rosaire des voluptés épineuses, de Stanislas Rodanski, par Georges Lavaudant. Il s’est poursuivi avec le Dom Juan, de Jean-François ­Sivadier et On achève bien les ­anges (élégies), de Bartabas et son Théâtre Zingaro. Ensuite, il y aura (entre autres) Simon McBurney avec son extraordinaire The Encounter/La Rencontre, le déjà historique Ça ira (1)-Fin de Louis de Joël Pommerat, ou encore La Grenouille avait raison, le dernier opus de James Thierrée.

Petites formes et « nanodanse »

Mais avant cela, le festival a offert deux bijoux : Tentatives d’approches d’un point de suspension, par Yoann Bourgeois, et Cold Blood, par Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael. Le premier n’est pas une création mais une nouvelle composition, par l’acrobate-danseur-performeur Yoann Bourgeois, de ses Fugues, une série de petites formes spectaculaires qui explorent ce fameux « point de suspension » dans l’espace cher au circassien. Mais ce bouquet de variations sur les Fugues de Bach ou les Metamorphosis de Philip Glass était particulièrement beau, au cœur du Domaine d’O, le parc où se tient le festival.


Cold Blood, lui, était présenté en première française, après avoir été créé à Mons, en Belgique, en décembre 2015, et avant une tournée en France et en Europe. Il était très attendu, par les spectateurs et les programmateurs. En 2012 et 2013, quand ils ont créé (à Mons, déjà), et présenté en France (à Montpellier, déjà), Kiss & Cry, la chorégraphe Michèle Anne de Mey, le cinéaste Jaco Van Dormael et leur équipe ont remporté un succès fou, avec ce spectacle qui mêlait de ­manière inédite la « nanodanse », le cinéma, le théâtre d’objet et la narration littéraire.

Cold Blood reprend le même dispositif, en l’affinant, et en développant la « danse avec les mains » ­inventée par Michèle Anne De Mey. Le spectacle procure un plaisir aussi vif que le précédent, qui tient notamment au dialogue jouissif entre ce qui est bricolé à vue sur le plateau, avec des figu­rines et des maquettes, et les images qui en résultent, projetées sur l’écran qui barre la scène.

« COLD BLOOD » PART DE LA MORT POUR RACONTER DES INSTANTS DE VIE. UNE VIE CONTENUE DANS LES MAINS DE CEUX QUI LA RACONTENT
C’est donc à un nouveau voyage sensoriel que nous convie le couple, non plus sur le chemin des souvenirs, comme dans Kiss & Cry, mais sur celui… de la mort – d’où le titre, Cold Blood. Rien de sinistre pourtant, mais plutôt le désir de jouer de toutes les manières avec l’idée de traversée du miroir. Mettre en scène sept façons de mourir – en avion, en voiture, en mangeant… – est surtout une façon de déployer sept histoires, qui naissent comme par ­enchantement dans leurs décors lilliputiens.

Cold Blood nous emmène ainsi dans une forêt de conte, au milieu du bombardement de Dresde, pendant la seconde guerre mondiale, à une soirée dans un drive-in des années 1950… Cold Blood part de la mort pour raconter des instants de vie, et voyager dans le temps, puisque les bricolages de la chorégraphe et du cinéaste leur permettent d’inventer tous les mondes possibles.

Et cette vie est tout entière contenue dans les mains de ceux qui la racontent : mains des manipulateurs de figurine et des cameramen qui filment en direct, et ­surtout mains de Michèle Anne De Mey et des danseurs Grégory Grosjean et Gabriella Iacono. Des mains comme des corps, anthropomorphes, qui exaltent toutes les formes de danses, en des scènes réjouissantes.

Le boléro en miniature

Ainsi se recréent, version « nano », le duo entre Ginger Rogers et Fred Astaire, avec des doigts revêtus de dés à coudre en guise de claquettes ; les évolutions aquatico-chorégraphiques d’Esther Williams ; une scène érotique de pole dance dans une boîte de nuit… Et, clou du spectacle, la reconstitution en miniature du Boléro, de Ravel, ­chorégraphié par Maurice Béjart et interprété par Jorge Donn, qui procure une émotion indicible.

C’est une chose bien troublante et merveilleuse qu’a inventée ­Michèle Anne de Mey avec sa « nanodanse ». Comme si la main, cet organe fabricateur qui est aussi, depuis toujours, l’instrument des marionnettistes, réunissait l’objet animé et l’objet animateur. Ces quelques centimètres carrés de chair remplie de vie, de peau comme un palimpseste, sont pour beaucoup dans l’étrangeté et la magie de Cold Blood, qui déploie tous les points de contact entre le vivant et sa représentation. Histoire de déjouer superbement son titre, puisque c’est un sang bien vif qui irrigue cette nouvelle réussite de Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael.

Printemps des comédiens, Domaine d’O, 178, rue de la Carrièrasse, Montpellier. domaine-do-34.eu. Jusqu’au 10 juillet. « Cold Blood » : tournée jusqu’à fin 2017.

Par Didier Péron pour Libération

Vincent Macaigne en stagiaire du ministère de la Norme et Vimala Pons en chauffeur bourru. Photo Haut et Court dist. 

 
La République, soucieuse de ne délaisser aucun territoire hors les mannes d’une croissance économique intelligente, lance sous les auspices d’un préfet en sueur le projet «Guyaneige». Soit le premier complexe skiable en Guyane, au cœur de la forêt amazonienne, dont l’utilité écologique est moindre que la possibilité de se rafraîchir dans une bulle de neige climatisée comme on en trouve, après tout, dans les pays du Golfe. Mais encore faut-il faire valider le projet par le ministère de la Norme, qui dépêche en urgence Marc Châtaigne, un stagiaire de 30 ans qui espère décrocher un jour un CDD. Une fois sur place, il est rapidement drivé par Tarzan, une jeune universitaire qui lui tient lieu de chauffeur.

Calvaire.
Trois ans après la Fille du 14 juillet, désopilant road-movie bricolé sillonnant une France estivale en déroute, Antonin Peretjatko a changé de producteur, eu plus d’argent et s’est lancé dans l’improbable aventure d’une comédie vraiment tournée dans la jungle. Chaleur accablante, bestioles en tout genre grimpant sur les acteurs, boue et entrelacs indescriptibles de végétations tropicales documentent à l’écran le calvaire qu’à dû être une bonne partie du tournage, d’autant que certaines séquences ne peuvent avoir été faites sans que les acteurs prennent de réels risques, comme celle où une barque se renverse dans les courants d’un rapide où l’on voit clairement les deux principaux acteurs, Vincent Macaigne et Vimala Pons, tomber dans les flots déchaînés.

La Fille du 14 juillet était une sorte d’apologie solaire du débraillé et de l’inconséquence au gré d’un burlesque alcoolisé qui faisait la synthèse entre Max Pécas et Blake Edwards. Ici, tout conspire à ralentir la course folle du récit et de personnages qui ne cessent de s’agiter en pure perte - il y a véritablement une lutte intrinsèque au film entre vitesse du gag et résistance de la matière.

Absurde.
Pourtant, la drôlerie vient plutôt d’accidents plus ténus et dont Macaigne est soit la victime toute trouvée (les litres d’eau de piscine éclaboussée sur lui dès le petit-déj), soit le vecteur paniqué (quand il sort d’une jeep au beau milieu de la jungle en agitant autour de lui une bombe aérosol antimoustique). Le film paraît inaccompli et bancal, il est indéniablement moins drôle que ce dont on pouvait rêver à la seule évocation de son pitch absurde. Mais Peretjatko est habité par une folie intéressante et il essaie, de même que peuvent le faire Eric Judor et quelques autres, de donner de la vigueur à des comédies de situations, avec des personnages caractérisés non par leur appartenance sociale, mais par toute la richesse de leur maladresse opiniâtre et d’une forme d’idiotie supérieure. Le staccato néo-sixties du récit est cependant constamment modulé par l’envasement procédurier d’une France qui n’agit plus que par symboles cassés, discours dingos et cérémonies ratées. Ce en quoi la Loi de la jungle est aussi, en son exotisme même, parfaitement réaliste sur là où nous en sommes aujourd’hui.

Didier Péron

La Loi de la jungle d’Antonin Peretjatko avec Vincent Macaigne, Vimala Pons… 1 h 39.

Actrice, j’ai appris que je devais incarner la langue pour retrouver le corps de l’auteur. Mais dans la vie, c’est d’abord le corps que je jette dans la bataille, comme un cheval, chaque seconde de la vie est de vouloir conquérir un territoire.
 
Valérie Lang était une femme de théâtre. Elle était actrice mais pas seulement. Comment être actrice si la question de savoir où et à qui je m’adresse n’est pas consubstantielle et nécessaire ? Au cœur de ces écrits inlassablement l'amour de l’autre, l’amour des autres et cette conviction incassable que le théâtre aide à vivre, aide à comprendre le monde qui nous entoure et qu’il doit être accessible à tous et pas simplement à des privilégiés.
 
Après avoir suivi une formation au Conservatoire national supérieur d’art dramatique (CNSAD) sous la houlette de Jean-Pierre Vincent, elle enchaîne les rôles pour le théâtre. De 1992 à 1998, Stanislas Nordey est associé à la direction du Théâtre Nanterre-Amandiers et Valérie Lang participe à toutes les créations. De 1998 à 2001, ils dirigent ensemble le théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis.

Mis en cause par le metteur en scène Joël Pommerat, les élus grenoblois défendent leurs choix budgétaires et militent pour une ouverture des lieux et projets culturels.
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«Libéral», «populiste». La tribune de Joël Pommerat (lire Libération du 3 juin) assène des qualificatifs rudes et lourds de sens. Au-delà des réductions assumées depuis deux ans dans l’ensemble du budget de la ville de Grenoble, on y lit l’intention obscure et revancharde que notre équipe nourrirait à l’endroit du monde de la culture.

Dépasser le «logiciel de pensée Malraux-Lang», est-ce considérer qu’une politique culturelle «Malraux-Lang» est nécessairement «dispendieuse et élitiste» ? La culture avoisine 1 % du budget de l’Etat, voilà qui relativise l’idée d’un modèle «dispendieux». Quant à l’existence de cultures élitaires, il serait malhonnête de l’écarter entièrement. C’est bien à cela que Malraux et Lang se sont attelés en lançant le chantier de la démocratisation culturelle, en s’ouvrant aux expressions émergentes tout en actant une séparation parfois douloureuse entre art et culture, éducation, et éducation populaire.

Grenoble est, à cet égard, un territoire singulièrement doté en structures labellisées par l’Etat. On y trouve la MC2, un Centre chorégraphique national, un Centre de développement chorégraphique, le Magasin Cnac, la Belle Electrique, un Conservatoire à rayonnement régional… Quelle autre ville de même dimension accueille autant d’institutions relevant d’un label ministériel ? C’est une chance immense pour les habitants, pour les artistes d’ici et d’ailleurs. Ces lieux sont les creusets des mille mondes de la culture, et rappellent qu’amateur ou professionnel, rayonnant ou de proximité, émergeant ou reconnu, là ne sont pas les questions fondamentales : les liens qui unissent ces mondes y sont évidents et le clivage n’a pas lieu d’être.

Mais cette densité n’est pas le fruit d’un miracle. Grenoble compte 160 000 habitants, sa fiscalité et son endettement font partie des plus élevés de France, les dotations de l’Etat baissent de plusieurs millions d’euros chaque année. Depuis 2014, nous devons réduire drastiquement notre intervention dans tous les domaines, d’abord, dans le fonctionnement interne de la collectivité mais aussi dans la culture, dont la part au budget a toutefois progressé d’un point entre 2014 et 2015.

En période d’augmentation continue des crédits alloués à la culture, la question du sens n’est que rarement posée. Le niveau de subventionnement devient souvent l’étalon de la reconnaissance du projet. C’est lorsque l’arbitrage s’impose que la question de notre rôle se pose le plus strictement.

Se limiter à Malraux et Lang, c’est aussi s’arrêter aux missions du ministère en omettant le rôle des collectivités locales, financeurs majeurs de la culture. Elles ont la responsabilité impérieuse de construire le sens qu’elles placent dans leur intervention. Or, on sait la difficulté qu’il y a à porter un projet culturel de territoire cohérent sans céder au discours stérile de rayonnement ou d’impact économique, à l’injonction d’une utilité sociale obéissant à des critères périlleux à évaluer, ou à la récompense de loyautés. Alors, quelle est notre responsabilité, à nous, ville de Grenoble ? Quel sens donnons-nous à notre intervention ?

On le sait, la contrainte économique n’est pas une politique mais seulement le contexte d’une prise de décision, laquelle est politique. Revenons sur les choix, difficiles, que nous avons assumés ces deux dernières années.

Nous avons supprimé la subvention de 438 000 euros allouée aux musiciens du Louvre Grenoble, estimant que la pérennité de l’orchestre, dont les réserves sont bien supérieures et dont le budget atteint 3,2 millions d’euros, n’en serait pas ébranlée. La mise à disposition gracieuse de locaux et d’outils de communication a été maintenue, pour plus de 100 000 euros annuels.

Notre écot à la MC2 a baissé de 6 % (de 1,75 à 1,65 million d’euros). La ville met le bâtiment à disposition de la structure, pour un montant non facturé de 1,7 million d’euros. Le déficit de la MC2 se creuse depuis sa réouverture en 2004 : il est urgent d’adapter le projet aux ressources disponibles, le département et la région ayant aussi revu leur apport.

Les théâtres 145 et de Poche, occupés jusqu’alors par le Tricycle, font désormais partie d’un réseau de 3 théâtres gérés par la ville, accessibles à l’ensemble des acteurs du territoire pour leurs activités de création et de diffusion. A ces accueils s’ajoute une aide financière soutenant les créations des compagnies locales. Les discussions avec le Tricycle, dont le projet est riche et pertinent, se poursuivent pour dessiner la suite de nos relations.

L’Etat et la région ont supprimé unilatéralement leur subvention à la Régie 2C (Chaufferie + Ciel). Nous ne pouvons assumer seuls ce projet et la Régie est en liquidation : la Chaufferie sera dédiée à la jeunesse ; la réflexion s’est engagée pour sauvegarder l’usage culturel du Ciel.

Nous construisons aussi de nouvelles pistes de travail : tarification solidaire dans nos équipements, nouvelle bourse aux arts plastiques, nouvelles classes à horaires aménagés théâtre, Printemps du livre au musée, festival Street Art…

Ces arbitrages posés, notre démarche culturelle doit continuer de s’écrire, en concertation avec chacun, dans ces pages, comme à Grenoble où nous vous invitons bien sûr à poursuivre la discussion. La culture est affaire d’individuation collective : chacun s’y construit en affinité et en opposition, y trouve les outils de sa propre émancipation.

L’enjeu politique est que chacun soit reconnu dans sa dignité et son humanité et puisse exprimer ses pratiques et appartenances culturelles, que la liberté d’expression et de création artistique soit assurée, que des espaces de fabrication et d’échange s’inventent.

L’enjeu politique est aussi de s’atteler ensemble à construire du sens dans une société en profond questionnement. Pour cela, les espaces publics sont indispensables. La culture est un formidable espace public. Pour cela, les artistes sont indispensables.

Dans un contexte de rareté financière, la richesse réside dans les rapports sociaux. Il est urgent d’imaginer des espaces de dialogue nouveaux entre les habitants, les artistes, les projets culturels. De permettre aux équipes artistiques de se concentrer sur leur travail de création en leur mettant à disposition des espaces fonctionnels. De revoir l’ancrage des projets et l’utilisation des lieux, en accueillant aussi des acteurs non culturels. D’aménager des agoras dans lesquelles on puisse aussi s’arrêter sans autre intention que de boire un verre, de se réunir. De concevoir de nouvelles solidarités. En somme, de nous atteler à mettre les cultures en partage, pour faire culture commune. Est-ce «libéral» ? Est-ce «populiste» ?

Par Eric Piolle Maire de Grenoble et Corinne Bernard Adjointe aux cultures

Avec un bilan de saison qui s’annonce déjà positif avant la fin, l’équipe du Théâtre du Nord a présenté la prochaine saison 2016-2017 pleine de nouveaux projets. Le premier prend déjà forme à Neuville-en-Ferrain où l’atelier de décors a été déplacé. Le deuxième sera célébré au début de la saison : le Théâtre du Nord fête les 40 ans de la Rose des Vents et renforce ses liens avec la Scène nationale en créant un Pôle européen de création et de diffusion. En plus du Next Festival, les deux maisons “accueillent ensemble deux spectacles” : Iphigénie en Tauride de Goethe mis en scène par Jean-Pierre Vincent, et Réparer les vivants d’après le roman de Maylis de Kerangal, adapté, interprété et mis en scène par Emmanuel Noblet. Tour d'horizon du programme à venir...


"Dans le nom" Tiphaine Raffier

Les pièces du collectif d’auteurs et d’artistes du Théâtre du Nord
Tiphaine Raffier, ex-élève de l’Ecole du Nord qui fait son entrée dans le collectif a l’honneur de passer la première avec Dans le nom début novembre 2016. Elle reprend cette “pièce créée au Festival Prémices 3 en 2014” avec six comédiens “pour la plupart issus comme elle de l’Ecole du Nord”. Les décors sont construits par l’atelier du Théâtre, et l’équipe l’aide dans la création et le développement de sa compagnie.

En février 2017, Bérangère Vantusso présentera à son tour L’Institut Benjamenta d’après le roman de Robert Walser. “Vingt-corps [de marionnettes hyperréalistes] sont mis en jeu pour raconter les domestiques de l’Institut”. Elles seront même emmenées à la Villa Cavrois pour une nocturne exceptionnelle avec des spectateurs complices qui jouent le jeu de venir répéter avec la metteuse en scène.

En mars 2017, Matthieu Roy nous dévoilera à l’Idéal de Tourcoing une pièce origniale Europe Connexion en français et en mandarin. Il s’est “emparé du texte de la jeune autrice engagée, Alexandra Badea” pour le mettre en scène grâce à “un dispositif immersif : équipés de casques audio, les spectateurs s’installent au cœur du système dans lequel évolue le personnage”... Ce spectacle sera créé à Tawaïan au Taïpei  Arts Festival en octobre 2016 avec une distribution franco-taïwanaise.

On pourra aussi retrouver au cours de la saison Rémi De Vos, Marie Desplechin…

Les concerts, les spectacles en famille...
Cette saison 2016-2017 débute traditionnellement par le rendez-vous des Journées Européennes du Patrimoine samedi 17 septembre. Une occasion de découvrir les coulisses du théâtre avec la participation des élèves de l’Ecole du Nord.

On retrouve ensuite Alexis HK le 23 septembre pour un “concert au théatre” intitulé Georges & moi. Dans ce spectacle, il “informe tonton Georges [Brassens] des mouvements du monde depuis son départ”... Emmanuel Noblet prend le relais le 16 octobre avec la “lecture-concert du prix Goncourt 2015” : Boussole de Mathias Enard. En avril 2017, on découvrira les Odyssées de Lille de la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton composées avec l’aide de Lilloises rencontrées au cours d’ateliers dans des centres sociaux de la ville. En mai 2017, la chanteuse La Grande Sophie et la romancière Delphine de Vigan collabore pour l’une et l’autre...

Les plus petits pourront aussi profiter du Théâtre du Nord avec entre autres la Jeune Fille, le Diable et le Moulin d’Olivier Py et d’après les contes des frères Grimm, du théâtre le Grand Bleu avec Hansel et Gretel, et même de l’Idéal avec Blanche Neige ou la chute du mur de Berlin…
Et ce n’est pas tout, il y aura aussi Richard III de William Shakespeare, Songes et Métamorphoses, Un jour en plus de la compagnie arrageoise Velum, la Ménagerie de verre… Et aussi des spectacles en balade… Découvrez le programme complet de la saison 2016-2017 au Théâtre du Nord.

Par Armelle Héliot pour son blog "Le grand Théâtre du monde"

Ils intitulent leur spectacle "Nous, rêveurs définitifs" et le sous-titrent "cabaret magique". Démons et merveilles surgissent dans la grande salle pour le bonheur d'un public qui les connaît déjà, pour certains.

Pourquoi être trop long quand le message doit passer très vite !

Au Rond-Point, à la demande de Jean-Michel Ribes, Clément Debailleul et Raphaël Navarro ont mis au point un spectacle de "Cabaret magique", très extraordinaire.

Ils intitulent cette "revue" très particulière qui se développe comme un rêve avec des plages de fluidité et des brusques ruptures.

Ils ont réunis des personnalités très fortes.

Par ordre alphabétique (pas celui de l'entrée en scène ! en général plusieurs entrées en scène !)...

Saluons Eric Antoine, Ingrid Estarque, Yann Frisch, Etienne Saglio, Calista Sinclair, et les musiciens Madeleine Cazenave et Camille Saglio.

N'en disons pas plus, vous irez d'étonnements en étonnements, notamment lorsqu'une boule lumineuse drapée en un matériau si léger qu'il se disperse comme une queue de comète, passera au-dessus de vos têtes...Sans qu'aucun d'entre vous n'ose tenter de la toucher, de la saisir. Un homme est là qui semble la guider...Elle est silencieuse.

Mais il y a plein d'autres choses gamines et sophistiquées, merveilleuses, incompréhensibles ou que l'on peut tenter de décrypter.

Bientôt dans le Figaro un "vrai" papier.

En attendant courez-y et juste avant applaudissez Patrice Thibaud et Philippe Leygnac dans "Fair-Play"; Là aussi, on en dira plus.

"Nous, rêveurs définitifs" Rond-Point à 21h (18h30 pour Fair-Play).01 44 95 08 21.

: A la veille de la présentation des travaux de la Mission nationale pour l’art et la culture dans l’espace public, les 14 Centres Nationaux des Arts de la Rue publient une Tribune incisive sous le titre : "Un espace public en état d’urgence artistique".
Ce texte pointe notamment le rôle bien marginal du Ministère de la Culture et de la Communication dans le développement d’un secteur artistique pourtant en plein bouillonnement.

Retrouvez le texte intégral de la Tribune par ici : http://www.lefourneau.com/sites/www.lefourneau.com/IMG/pdf/8/a/7/tribune_du_reseau_des_cnarep.pdf

Par Clarisse Fabre dans Le Monde

Sur le front artistique, rien n’est plus inquiétant pour le gouvernement que la menace de turbulences sociales et de grèves pendant les festivals d’été. Le Collectif du festival « in » d’Avignon le sait bien : déjà mobilisé il y a deux ans lors de la précédente crise des intermittents, il vient d’annoncer, mercredi 15 juin, vers 20 heures, sa décision de faire grève jeudi 16 juin, alors que les partenaires sociaux doivent tenir leur dernière réunion – théoriquement – sur les annexes 8 (techniciens) et 10 (artistes) de l’Unédic.

Actuellement, 210 personnes travaillent à la préparation du festival d’Avignon, lequel aura lieu du 6 au 24 juillet : outre les 28 salariés permanents, figurent aussi des intermittents (artistes ou techniciens) qui sont en répétition, ou montent les décors. Et ce chiffre va croître progressivement au fur et à mesure que l’échéance approche.

Sur les 134 personnes qui ont pris part au vote, mercredi, 103 ont répondu « oui » à la grève, 20 ont dit « non ». A cela s’ajoutent 5 votes blancs et quelques bulletins nuls. « Nous, salariés du festival “in” d’Avignon, déclarons à 76,8 % notre total soutien à la grève. Nous prendrons part à la journée d’actions et de mobilisation dans tout le pays pour défendre nos professions et l’application de l’accord du 28 avril », déclare le Collectif du festival « in » dans un communiqué.

Des points d’accord, mais insuffisants

Le 28 avril, un accord a été signé, à l’unanimité, par les syndicats du secteur culturel ainsi que par la Fesac, l’organisation patronale qui rassemble les employeurs du spectacle vivant et de l’audiovisuel. Au terme d’une vaste concertation menée depuis deux ans, en vue de réformer les annexes 8 et 10, les négociateurs ont intégré les revendications essentielles des intermittents : pour être éligible à l’assurance-chômage, les artistes et les techniciens devront effectuer 507 heures en douze mois (et non plus 507 heures en dix mois ou dix mois et demi comme c’était le cas depuis 2003). En contrepartie, diverses mesures ont été votées en vue de réaliser des économies – pour un montant évalué entre 84 et 93 millions d’euros par un comité d’expert nommé par Matignon.

Cela ne suffit pas, ont rétorqué les négociateurs de l’Unédic, à l’échelon interprofessionnel (à l’exception de la CGT et de FO) : dans sa lettre de cadrage, en mars, le Medef avait demandé aux partenaires sociaux de réaliser 105 millions d’euros d’économies ; par ailleurs, l’organisation patronale estimait que l’Etat devait contribuer à hauteur de 80 millions d’euros, au titre de sa « politique culturelle ».

Lire (en édition abonnés) :   Intermittents, si près du but…

Matignon a déjà annoncé qu’il participerait à hauteur de 12 millions d’euros, afin d’atteindre les 105 millions d’euros d’économies réclamées. Au-delà, Manuel Valls ne souhaite pas s’engager sur le financement de l’assurance-chômage, laquelle doit relever de la solidarité interprofessionnelle.

Mais, politiquement, afin de calmer le jeu, le gouvernement entend donner des « garanties » aux négociateurs de l’Unédic en abondant un fond pour l’emploi dans le spectacle pour un montant de 90 millions d’euros. Avec le raisonnement suivant : en transformant des emplois précaires en emplois stables, on allégera d’autant les dépenses d’indemnisation du chômage. Le premier ministre marche sur un fil, à la veille de la réunion du 16 juin.

Lire aussi (en édition abonnés) :   Intermittents : l’Etat prêt à un petit coup de pouce financier

Clarisse Fabre
Reporter culture et cinéma

Publié dans Gomet'

Sophie Joissains vient d’annoncer qu’elle démissionne de la vice-présidence du Conseil Régional où elle était en charge de culture et du patrimoine, pour se consacrer à la ville d’Aix-en-Provence. Elle explique à Gomet’ les raisons de son choix.

 Gomet’: Pour quelle raison avez-vous quitté votre poste au Conseil Régional ?

Sophie Joissains : C’est très simple. Quand je me suis retrouvée au pied du mur où il fallait que je démissionne soit du Conseil Régional, soit du Conseil municipal, je n’ai pas pu quitter ma ville. Je me suis aperçue qu’il était difficile de faire les deux : le poste au Conseil Régional est très chronophage et comporte de nombreux déplacements. Je n’ai pas pu conjuguer les deux.

 Gomet’: Vous  ne l’aviez pas anticipé ?

Sophie Joissains : Pas vraiment. Je suis allée à la Région pour deux raisons : d’une part parce qu’on me l’avait demandé, pour que la ville d’Aix soit représentée, d’autre part parce qu’il fallait gagner le combat contre le FN. Christian Estrosi nous a proposé un beau programme et j’avais très envie de poser les jalons d’une nouvelle politique culturelle. Nous avons réussi à poser un socle ensemble. J’ai donc atteint deux objectifs : la ville d’Aix est bien identifiée à la Région et le FN a été battu.

Gomet’: Vous êtes donc 4ème adjoint à la culture et à la politique de la ville d’Aix-en-Provence, et également sénateur des Bouches-du-Rhône. La loi de non cumul des mandats ne s’applique pas pour ces deux mandats ?

Sophie Joissains : C’est encore possible jusqu’en 2017 mais cela n’empêche pas d’avoir des délégations au conseil municipal. En 2017, je continuerai à être sénateur et je n’aurai plus le titre d’adjointe. Mais cela ne m’empêchera pas d’être conseiller municipal délégué. Ce n’est pas le titre qui m’intéresse, mais la proximité avec la ville.

 

Le communiqué de Sophie Joissains :  « La loi sur le cumul des mandats m’impose de faire un choix avant le 30 juin. J’ai choisi ma ville. C’est avec regret que je quitte la Région où, aux côtés de Christian Estrosi, j’ai travaillé à mettre en place les jalons d’une politique culturelle pérenne, ambitieuse et ouverte. Mais je suis profondément fière d’avoir mené le combat difficile qui a été le nôtre, fière de ma ville qui nous a donné le plus beau score dès le premier tour. Je pars rassurée aussi car je le sais, Aix-en-Provence sera considérée comme elle le mérite à la Région Pour Christian Estrosi l’équité territoriale est une valeur essentielle. Je reviens pleinement avec joie. Aix est ma ville ». Sophie Joissains Sénateur des Bouches-du-Rhône Vice-président du Conseil régional Adjoint à la Ville d’Aix-en-Provence.

Par Patrick Sourd dans les Inrocks

Eric Elmosnino reprend son hommage à Manoel Francisco dos Santos dit Garrincha, figure mythique du football brésilien des années 1960 et plus grand ailier droit de tous les temps.


Les accords lancinants d’une guitare que l’on gratte comme un métronome mesure l’attente… “Ça se voit pas que j’ai pas fini de cirer mes chaussures. Des chaussures de foot, ça se cire sur le dessus et le dessous… Jusqu’entre les crampons”, nous lance l’artiste chopé au début du spectacle par une caméra indiscrète cadrant le désordre de sa loge, son vestiaire pour l’éternité.

Eric Elmosnino est ce monsieur Armand qui joue les stars capricieuses, tarde à se montrer pour donner ce qu’il pense être une interview à un public qu’il prend pour une bande de journalistes. Alors, on attend le début du show devant la façade minimale de sa retraite aux murs peints à la brésilienne.

Eric Elmosnino a passé la commande de cet hommage à Garrincha
Fan de foot qui n’a qu’une idole, demi-sel qui conte ses petites arnaques comme autant de blagues qui traînent sur la Canebière, monsieur Armand a eu son heure de gloire quand il jouait à Marseille au Stade Vélodrome. Aujourd’hui, la mémoire transformée en yaourt par des abus de mezcal, il est passé au Fanta orange et interdit que l’on fume. Il débite en has been la quenouille d’une vie qui s’éclaira un jour de sa rencontre avec son héros : l’immense Garrincha.

Les fées du foot et du théâtre se sont penchées sur le berceau de ce spectacle

Une fois n’est pas coutume, l’idée est venue de l’acteur. Eric Elmosnino a passé la commande de cet hommage à Manoel dos Santos dit Garrincha comme un rêve d’écriture. Serge Valletti l’a exaucé au centuple. Les fées du foot comme celles du théâtre se sont penchées sur le berceau de ce spectacle qui se vit comme une finale de coupe.

L’auteur, tout à son affaire, nous surprend. Nous piège à chaque instant. Dribbleur de mots, il s’amuse et louvoie, ne passe jamais en force, a du nerf et du style. Tel que pouvait le faire Garrincha, on croit qu’il va par là, il passe par ici. Il nous fait tourner en bourrique et l’on adore ça.

La performance touche à l’apothéose kitsch

Le cheveu en bataille, la chemise imprimée ouverte sur un marcel épique, l’acteur jubile de ce rôle taillé sur mesure en abattant son jeu en comédien comblé. Belote, rebelote et dix de der, la performance touche à l’apothéose kitsch quand il nous fait un numéro de cabaret pour taper le duo en crooner désabusé avec un merle siffleur aussi noir et cabot qu’un arbitre.
Pour citer la fine équipe au complet, on accordera un coup de chapeau à Patrick Pineau qui signait là sa première mise en scène en l’an 2000 et la reprend aujourd’hui. “Ce qui ne se fait pas avec grâce ne doit pas se faire”, écrit Valletti. On se réjouit de cette grâce qui réunit à nouveau ces trois-là pour notre plus grand plaisir

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Monsieur Armand dit Garrincha de Serge Valletti, mise en scène Patrick Pineau, avec Eric Elmosnino, du 16 au 30 juin aux Nuits de Fourvière, Préau du collège Jean-Moulin, nuitsdefourviere.com

Par Rosita Boisseau dans Le Monde

Des chèvres, des oiseaux, des chiens sauvages, un dinosaure entre deux bungalows, une toile de tente sur une arène de sable jaune et la mer à l’horizon. A 50 kilomètres au sud de Dakar, l’Ecole des Sables, celle de la chorégraphe Germaine Acogny, rendez-vous des danseurs de tout le continent africain depuis 1998, ressemble à sa carte postale. En plus insolite – des rochers noirs lunaires pointent leur nez un peu partout –, plus rudement vivante aussi. Le bruit énorme d’un forage dans le village de Toubab Dialaw, à quelques centaines de mètres, scande les cris et les rires des danseurs au travail que submergent les percussions des musiciens, et ça fouette !

Ambiance électrique et grosse émotion, vendredi 10 juin, pour la présentation des travaux d’élèves, point final d’un stage intensif de deux mois et demi non-stop. Le matin, la sculptrice Claire Lamarque a installé deux statues grandeur nature, l’une masculine, l’autre féminine, dans des postures inspirées par la technique Acogny. « Ce sont les mouvements des danses de l’Aigle et de l’Epervier déconstruites par Germaine », commente la plasticienne, basée à Dakar.

A 72 ANS, GERMAINE ACOGNY EST UNE STAR QUE LE BOULOT ET LA CÉLÉBRITÉ COURSENT SANS RÉPIT

Dans l’après-midi, plus de 300 spectateurs débarquent. Germaine Acogny, « Maman Germaine » pour les danseurs, les rejoint sous la toile et la scène de sable baptisée Aloopho du nom de sa grand-mère, prêtresse yoruba. A 72 ans, Acogny, qui a dansé pour la première fois en soutien-gorge dans la pièce Mon élue noire, chorégraphiée en 2015 par Olivier ­Dubois, est une star que le boulot et la célébrité coursent sans répit. « Heureusement que le succès est venu tard, glisse-t-elle en riant. J’ai échappé à la pression de devoir rester au sommet. »


Germaine Acogny vient d’être élue par le Magazine de l’Afrique parmi les cinquante intellectuels africains qui comptent. A New York, en mai, lors du festival Dance Africa, 4 000 spectateurs lui ont souhaité son anniversaire en chantant. Débordée par les tournées, elle passe la main tranquillement à son fils, le chorégraphe contemporain, chercheur et pédagogue Patrick Acogny, tout en continuant à animer des ateliers. « Ici, la pensée est celle de Germaine, précise-t-il. Nous sommes africains et d’abord enracinés dans les danses traditionnelles. Viennent se greffer là-dessus d’autres techniques corporelles. » Ainsi qu’une analyse critique ajustée de la ­fabrication du geste.

Dans l’arène, les vingt interprètes âgés de 22 à 29 ans mettent la gomme. Dix hommes et dix femmes. « Une première, précise fièrement Patrick Acogny. Jusqu’à présent, nous avions trois garçons pour une fille. Les femmes ne voyagent pas si facilement. La religion, la tradition sont encore très présentes. Décider de devenir danseuse contemporaine ne va pas encore de soi. » En attendant, elles sont bien là et tout le monde fait corps pour enchaîner pied au plancher six petites pièces, six styles différents.

« Nous formons une ­famille africaine »

Energie surdimensionnée, maîtrise de la dépense physique et du plaisir – sur du sable en plus ! –, la troupe assume avec un sérieux magnifique la marche un peu raide de la chorégraphe belge ­Karin Vyncke, la souple géométrie de Sophiatou Kossoko, la performance poing levé de Nora Chipaumire. « C’est très émouvant de les voir à fond comme ça, glisse ­Sophiatou Kossoko, basée près de Tours, régulièrement invitée comme enseignante. Travailler avec eux est rafraîchissant, difficile aussi. Aucun n’a la même formation. Cela oblige sans cesse à réévaluer sa propre façon de penser et à calibrer pour chacun d’entre eux ce que nous voulons transmettre. »

Ces vingt danseurs, sélectionnés parmi 60 dossiers pour suivre cette formation sur trois ans – trois mois par session –, viennent de quinze pays : l’Ethiopie, l’Egypte, la Tanzanie, le Rwanda, le Bénin, l’Ouganda… « Nous formons une ­famille africaine », résument certains. Ils parlent anglais, français, différents dialectes aussi. Six sont musulmans et font le ramadan. Un ralliement de toute beauté dans la bonne humeur et la férocité du travail. « La plupart sont ­professionnels mais ne gagnent pas encore leur vie avec la danse », ­précise Patrick Acogny. Un des danseurs, le Sénégalais Pape Ibrahima Fayé, va d’ailleurs intégrer P.A.R.T.S., le centre de formation prestigieux dirigé par Anne Teresa de Keersmaeker, à Bruxelles, avec lequel l’Ecole des Sables crée des échanges depuis trois ans.

PLUS DE 600 DANSEURS AFRICAINS SONT DÉJÀ PASSÉS PAR L’ECOLE DES SABLES, CENTRE INTERNATIONAL DE DANSES TRADITIONNELLES ET CONTEMPORAINES D’AFRIQUE

Merveilleux phénomène que cette Ecole des Sables, centre international de danses traditionnelles et contemporaines d’Afrique. Plus de 600 danseurs africains y sont déjà passés. Pédagogue d’abord et avant tout, Germaine Acogny a bataillé toute sa vie pour une école. Celle qui se présente comme une « femme noire, née au Bénin, ethnie yoruba, grandie au Sénégal, divorcée avec deux enfants, remariée à un Allemand », a d’abord ouvert un studio à Dakar en 1968 « pour arrondir les fins de mois ». Elle y donne des cours de danse africaine à sa façon, raffinant une technique moderne personnelle centrée sur la colonne vertébrale, portée par la connaissance des traditions, l’observation de la nature et des animaux. Sa méthode est désormais enseignée par quinze professeurs diplômés dans le monde entier.

En 1977, elle se voit confier par le président sénégalais, Léopold Sédar Senghor, et Maurice Béjart la direction de l’école Mudra Afrique, à Dakar. Sa fermeture en 1982 la contraint à un nouveau départ. A Toulouse, puis de nouveau au Sénégal. « Au début, je voulais juste bâtir une maison pour ma retraite à Toubab Dialaw et puis… » La fièvre de la transmission est remontée de plus belle.

« C’est un rêve d’être là »

Depuis 1996 et la pose de la première pierre sur 5 hectares, cette entreprise déraisonnablement humaine qu’est l’Ecole des Sables – sans eau ni électricité au départ – est tenue à bout de bras par ­Germaine Acogny et son mari, Helmut Vogt, qui démarche la terre entière pour faire tourner la maison et accueillir les danseurs pour la plupart sans moyens. « La situation reste très fragile, précise-t-il. Il faut se battre de plus en plus pour trouver les moyens. »

Et pourtant, entre 1999 à 2004, grâce au soutien d’Arts International à New York, de l’Union européenne, sont apparus 24 bungalows, un théâtre, un restaurant… Pour les projets de stages en tous genres – celui pour les 20 danseurs coûte 50 000 euros –, l’ambassade des Pays-Bas, la Fondation Doen, l’Institut français à Paris répondent présents. Les interprètes démarchent chacun de son côté pour trouver parfois, mais rarement, le prix de leur billet d’avion. « C’est un rêve d’être là », s’enthousiasment-ils. Un rêve, une vision, une réalité. Une école sur du sable.

Rosita Boisseau (Toubab Dialaw (Sénégal))

L’idée est à la hauteur de ce rebelle de la pesanteur qu’est Mathurin Bolze : inviter un collectif de musiciens-acrobates-circassiens à investir la belle salle à l’italienne des Célestins pour s’y livrer à toutes sortes de folies-pitreries-espiègleries…



Le collectif, 17 anciens élèves de l’école du cirque de Châlons-en-Champagne, c’est le Cheptel Aleïkoum. Tout un programme déjà, qui dit la diversité, l’animalité, l’insoumission, le conglomérat… Ces artistes pratiquent diverses disciplines du cirque, de l’acrobatie aérienne au trapèze, au mât chinois, à la roue allemande. Mais surtout, au-delà même de leur talent personnel, ils manifestent leur caractère propre : le timide, la casse-pieds, la forte en gueule, l’instituteur… Un ensemble hétéroclite composé d’identités marquées qui font les clowns à qui mieux mieux.

Mathurin Bolze a donc introduit une horde de renards dans le poulailler et encore, eh oui, à l’orchestre et au balcon. Nos charmants acrobates qui ne respectent rien, montent sur les fauteuils, bousculent les spectateurs, jouent à saute-mouton par-dessus leur tête, font mine de leur foncer dessus à bicyclette, etc. Bref, ils sèment un joyeux bazar (ici, le mot important est joyeux), car le spectacle qu’ils nous donnent est d’abord une émulsion de gaieté, un hymne à l’insolence, un débordement de bonheur : ils chantent tout le temps, même la tête à l’envers, jouent du trombone ou de la grosse caisse, montent à douze sur un vélo, et ce dans tous les sens, tête‑bêche, en tas, cul par-dessus tête, bien rangés l’un au‑dessus de l’autre, viennent vous embrasser par surprise, échangent entre eux des baisers passionnés entre chaque exercice.

Le spectacle a commencé et se terminera sur la place, dans ce qui semble la plus grande improvisation, et c’est vrai : on ne maîtrise pas la mécanique des fluides, et la foule en est un particulièrement imprévisible. Ne vous y trompez pas cependant : ces gaillards connaissent leur métier sur le bout des doigts et accomplissent des prouesses techniques qui doivent tout à des heures de travail quotidien et ne doivent rien à un amateurisme bon enfant.

Si l’ensemble sacrifie volontiers à la célébration de la gaieté, certains moments rompent le rythme par une pointe de gravité ou de beauté ou encore de lenteur. Leur morceau de bravoure est la touche finale : ils réussissent à faire entonner à tous les spectateurs d’une salle bondée pour l’occasion Ti amo (le tube italien guimauve bien connu) et les entraînent, tel le joueur de flûte, sur la place où les attend un bal à leur façon… ¶

Trina Mounier

Ici ou là, maintenant ou jamais, de Cheptel Aleïkoum, Christian Lucas, Mathurin Bolze

Conception et mise en scène : Mathurin Bolze et Christian Lucas

Avec les membres du Cheptel Aleïkoum : Nedjma Benchaïd, Manu Debuck, Mathieu Despoisses, Guillaume Dutrieux, Mathieu Duval, Marie Jolet, Mika Laforgue, Maxime Mestre, Tom Neal, Olivier Pasquet, Sophia Perez, Lola Renard, Thomas Reudet, Rémi Sciuto

Coordination artistique : Marion Floras

Lumières : Jérémie Cusenier, Joël L’Hopitalier

Régie générale : Jérôme Fèvre

Photos : © Christophe Raynaud de Lage

Du mercredi 8 au samedi 11 juin 2016 à 20 h 30



Coproduction : Célestins, Théâtre de Lyon, espace Malraux, scène nationale de Chambéry et de la Savoie, Comédie de Valence-C.D.N. Drôme-Ardèche

les Célestins • 4, rue Charles‑Dullin • 69002 Lyon

04 72 77 40 40

www.celestins-lyon.org

L’anniversaire de la mort du Barde a généré nombre d’ouvrages et de rééditions, dont nous vous proposons une sélection commentée.


Que sais-je ? sur Shakespeare

Une introduction parfaite, claire et précise à l’œuvre et à la vie du dramaturge élisabéthain, par l’un de ceux qui, en France, le connaissent le mieux : Jean-Michel Déprats, traducteur de Shakespeare pour la « Bibliothèque de la Pléiade ». Contexte historique, données biographiques, analyse linguistique et dramaturgique, évolution de la mise en scène, réception de Shakespeare en France : tout est impeccablement cadré.

« Shakespeare », par Jean-Michel Déprats. PUF, « Que sais-je ? » no 4033, 130 p., 9 €. www.puf.com

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Comédies de Shakespeare

Jean-Michel Déprats, en compagnie de Gisèle Venet et de quelques autres, poursuit pour la « Pléiade » son entreprise titanesque de traduction de l’intégrale des pièces, avec les tomes II et III des Comédies, qui comprend les pièces allant de 1598 à 1613. Des ouvrages de référence indispensables, notamment pour la très haute qualité de l’appareil critique. Cette parution s’accompagne d’un formidable Album Shakespeare réalisé sous la houlette de l’acteur Denis Podalydès.

« Comédies de Shakespeare », tomes II et III. Gallimard, « Bibliothèque de la Pléiade », 1712 p. et 1808 p., 72 € et 73 € (64 € et 66 € jusqu’au 31 décembre). « Album Shakespeare » : offert pour l’achat de trois volumes de la « Bibliothèque de la Pléiade ». www.la-pleiade.fr

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Dictionnaire amoureux de Shakespeare

D’« Abécédaire » à « Zigzag(s) », de « Verdi » à « Hamlet », en passant par « Freud », « Laurence Olivier », « Sorcières » ou « Will », François Laroque, autre grand arpenteur français de l’œuvre shakespearienne, vagabonde librement dans cette forêt enchantée, au fil de près de mille pages et plus de trois cents entrées.

« Dictionnaire amoureux de Shakespeare », de François Laroque, Plon, 800 p., 27 €. www.plon.fr

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Hamlet, le vrai

En 2008, un chercheur anglais déniche un trésor dans une vieille armoire : la première version d’Hamlet, l’origine du chef-d’œuvre. L’auteur de Vive la sociale !, Gérard Mordillat, s’amuse avec la pièce des pièces, et avec toutes les spéculations érudites qui l’accompagnent, notamment sur l’existence d’une éventuelle version antérieure. Mordillat imagine un « proto-Hamlet » écrit à quatre mains par Thomas Kyd et Shakespeare, et emmène le lecteur dans un jeu littéraire facétieux. Une bonne façon de fêter Shakespeare sans se prendre au sérieux.

« Hamlet, le vrai », de Gérard Mordillat, Grasset, 180 p., 18 €. www.grasset.fr

Photo : L’un des exemplaires originaux d’un ouvrage de Shakespeare découvert dans la bibliothèque de Saint-Omer en novembre 2014. (c) AP / MICHEL SPINGLER 

Sur le site de l'émission de Joëlle Gayot sur France Culture "Une saison au théâtre"

Au Phénix, à Valenciennes, le metteur en scène Julien Gosselin travaille en paix. Artiste associé de ce superbe théâtre qui coproduit son spectacle, il est ici chez lui. Ces derniers temps, Julien Gosselin et son équipe partent tard. Il est souvent minuit passé lorsqu’ils vont se coucher.


Julien Gosselin• Crédits : Simon Gosselin.
Entre les mains des treize acteurs qui sont sur le plateau, un monument de la littérature contemporaine : 2666, de l’écrivain Roberto Bolano.

Ce roman polyphonique, qui se joue des frontières, qui multiplie les personnages, qui court de fiction en fiction jusqu’à celle ci, terrible, inspirée du réel : les meurtres irrésolus de centaines de jeunes femmes, à Santa Teresa, près de la frontière mexicaine, ce roman titanesque d’un millier de pages au bas mot, Julien Gosselin a décidé de le faire vivre sur scène.

Le défi n’a rien d’étonnant si l’on rappelle que ce jeune homme de 27 ans a adapté et monté Les Particules élémentaires de Michel Houellebecq. Julien Gosselin aime les enjeux qui bousculent l'entendement surtout lorsque ces enjeux servent son amour de la langue. Sa représentation durera 12 h avec entractes. C’est le temps qu’il faudra au public pour circuler de poésie en réalisme, de monologues en dialogues, de l’Europe au Mexique, de l’amour au crime, du passé au présent.

Nous sommes allés à Valenciennes retrouver Julien Gosselin en répétitions. Sur le plateau, trois blocs de cages en verre et tulle tendue que les comédiens déplacent eux mêmes. Un espace qui se reconfigure à volonté (la scénographie est de Hubert Colas.) Vidéos, comédiens sonorisés, musique en live, tout est en place, sous le regard aigu d’un metteur en scène dont l’attention ne faiblit jamais.

2666,   adaptation et mise en scène Julien Gosselin (Compagnie Si vous pouviez lécher mon coeur). Création les 18 et 25 juin en intégrale au phénix scène nationale Valenciennes. Puis représentations au Festival d'Avignon les 8, 10, 12, 14 et 16 juin, également en intégrales. le spectacle sera également présenté à l'Odéon Théâtre de l'Europe en septembre et octobre 2016 ainsi qu'à Toulouse (Théâtre National de Toulouse Midi-Pyrénées) et au Théâtre National de Strasbourg.

Intervenants
Julien Gosselin : Jeune Metteur en scène de théâtre