Revue de presse théâtre

Par Amandine Cabon dans La Terrasse - 7 fév. 2025

Après le succès de sa première création, An Irish Story, Kelly Rivière revient avec un nouveau seule en scène où elle interprète son double fictif, Kelly Ruisseau. Mêlant musique et théâtre, la comédienne retrace son parcours d’artiste, du rêve à la réalité.

Les applaudissements retentissent. Une danseuse en tutu blanc, pointes aux pieds vient saluer. Cela ressemble de loin à une fin, mais ce n’est que le début d’un rêve éveillé. Celui de Kelly Ruisseau, comédienne de quarante ans et alter-ego fictif de Kelly Rivière, créatrice et interprète de ce seule en scène épatant. La machine à remonter le temps est lancée. Kelly Ruisseau nous embarque sur les rapides de sa mémoire, un périple semé d’embûches, entre « Cluedo » de Comité d’Entreprise, casting foiré et rêve de danseuse étoile envolé. Sans jamais faire naufrage, elle se raccroche aux bouées de sauvetage lancées par la vie : Liam, son fils, Mamie Nana, sa grand-mère paternelle, Max, son ami et comparse de théâtre. Un tourbillon de personnages, tous plus drôles et attendrissants les uns que les autres, jaillit sous nos yeux, incarnés ou réincarnés pour certains, par le corps et la voix de Kelly Rivière. Elle se métamorphose, change d’aspect et d’accents, tour à tour mère irlandaise cinglante ou mamie montpelliéraine déboussolée. L’artiste déploie un jeu savoureux, s’amusant des codes implicites du théâtre avec talent. Un hommage à l’art dramatique qui se double d’un hommage à ses proches disparus (Max, son ami comédien et Mamie Nana). N’est-ce pas une des missions du théâtre que de dialoguer avec nos morts ?

Une mise en scène aussi drôle que poétique

Dans l’œil de l’ouragan, se lovent la beauté et la douceur d’une éclaircie. Dans cette mise en scène, se logent la musique et la poésie. Ainsi, la superbe composition scénographique d’Estelle Gautier s’ajoute à la douce mise en lumière de Laurent Schneegans, offrant au spectateur un espace noué de souvenirs. Un macramé noir et doré tisse le fond de scène tandis qu’un piano recouvert de photos et de partitions trône à jardin. Avec celui-ci, Kelly Rivière nous emporte dans les mélodies de Jacques Debronckart : « Je suis comédien, je dors le matin… », ou dans ses rêves de Broadway de jeune comédienne. Des plumes aériennes tapissent le plateau. La métaphore de l’oiseau se file quand la comédienne s’affranchit des ramages et des plumages du milieu théâtral. Elle ne devient pas le cygne de Tchaïkovski, comme l’aurait peut-être voulu la Kelly de treize ans, mais la libre Pie Voleuse de Rossini. Piquant, tournoyant et virevoltant, Kelly Ruisseau s’envole avec panache vers le firmament.

Amandine Cabon / La Terrasse

La Vie Rêvée
du lundi 3 février 2025 au samedi 15 février 2025
Les Plateaux Sauvages
5 rue des Plâtrières, 75020 Paris.

du lundi au vendredi à 19h et le samedi à 16h30. Tél. : 01 83 75 55 70. Durée : 1h15.

En tournée : le 13 mars au Théâtre de la Tête noire de Saran. Le 10 avril au Théâtre du Garde-Chasse, Les Lilas. Les 17 et 18 avril au Théâtre le Pilier de Belfort.

Par Rosita Boisseau dans Le Monde - 5 février 2025

A La Villette, six diplômés du Centre national des arts du cirque proposent un spectacle de fin d’études énergique et réjouissant.

Lire l'article sur le site du "Monde"

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/02/05/bruler-d-envies-ou-la-rage-fougueuse-des-jeunes-artistes-circassiens_6533439_3246.html

Pas besoin de chauffage sous le chapiteau de La Villette, à Paris. Non seulement les six jeunes artistes de la 36e promotion du Centre national des arts du cirque (CNAC) sont fermement décidés à « brûler d’envies », comme l’indique le titre du spectacle, mais ils charbonnent si fort qu’ils ont mis le feu à la piste, et aux spectateurs avec. Et qu’est-ce que c’est bon de taper des pieds de concert sur les gradins, de crier, d’applaudir en souriant béats jusqu’au bout des oreilles !

Chaque début d’année depuis 1996, le CNAC, installé à Châlons-en-Champagne, prend ses quartiers dans le parc de La Villette. Il dépêche ses émissaires frais diplômés après trois ans d’études et les lance à l’attaque du milieu professionnel et à la rencontre du public dans une production « carte d’identité », destinée à tourner si succès. Sous la direction d’un metteur en scène et d’un chorégraphe reconnus, ici David Gauchard et Martin Palisse, cette création affiche un cahier des charges complexe. Elle doit accorder les différents tempéraments au travail dans un geste commun en proposant une synthèse des talents de chacun. Le pompon ? Sortir du lot de l’exercice de style et affirmer sinon une signature, du moins un esprit, une couleur.

Question palette, noir, c’est noir sur la piste de Brûler d’envies. A l’écoute des jeunes acrobates, David Gauchard et Martin Palisse ont pris à bras-le-corps le défi que représente ce spectacle tremplin de fin d’études. Ils répercutent leurs météos orageuses et inquiètes. Il fait sombre, l’avenir est bouché. « Il n’y a plus rien à faire », entend-on répéter dans la bande-son caverneuse signée par le compositeur électro Pangar, qui va bientôt accélérer les percus qui cavalent fort.

Envie d’en découdre

Un texte en arabe, traduction de la chanson Paix, de Catherine Ribeiro + Alpes, dite par le surprenant spécialiste de l’équilibre sur les mains Jaouad Boukhliq, résonne sous la toile : « Paix à nos esprits malades, à nos cœurs éclatés, paix à nos membres fatigués, déchirés, paix à nos générations dégénérées, paix aux grandes confusions de la misère… » Une seule issue au désespoir qui étouffe : voir rouge, se jeter à fond dans sa passion et foncer sur ses agrès encore et encore pour évacuer la tension et tenter de venir à bout du feu qui consume.

Si la vulnérabilité juvénile des interprètes, tous habillés en noir et blanc, affleure parfois au cours de la pièce et fait filer un frisson épidermique, elle ne bride pas leur envie d’en découdre. Elle est même sans doute l’un des carburants de leur rage fougueuse qui les projette sans répit sur scène. Mano Vos porte sa roue Cyr de 1,85 mètre de diamètre et de 22 kilogrammes à bout de bras au-dessus de lui ou en équilibre sur une épaule, avant de la faire tournoyer autour de son cou comme un collier démesuré. L’Irlandaise Heather Colahan-Losh s’enroule dans sa corde lisse et se love dans son refuge rien qu’à elle. L’acrobate au sol Marine Robquin bondit et voltige entre les bras de ses partenaires. Courses et sauts du haut d’un mur de baffles s’enchaînent et activent des circulations de plus en plus urgentes, comme si tous les bouchons qui retiennent l’énergie avaient explosé dans une fièvre indomptable.

Cette libération prend le ton d’une frénésie d’exploits, de culbutes incroyables. Entre les deux mâts chinois plantés au bord de la piste, le duo Antonin Cucinotta et Uma Pastor, vivants projectiles, tracent, s’accrochent et s’imbriquent dans des étreintes à la renverse sidérantes. Grimper, se contorsionner, chuter, recommencer, tester, s’obstiner. Chaque interprète se distingue tandis que le collectif s’enflamme et décolle dans un climax. Du risque, du muscle, de la grâce et cette foi en l’autre qui auréole le jeu du cirque, aussi dangereux soit-il, d’une beauté joyeusement humaine.

Brûler d’envies, par les étudiants du CNAC, dans une mise en scène de David Gauchard et Martin Palisse. Jusqu’au 16 février, à La Villette, Paris 19e. En tournée : les 28 et 29 mars à Elbeuf, les 20 et 21 juin à Lyon.

Rosita Boisseau / Le Monde 

Légende photo : « Brûler d’envies », par la 36e promotion du Centre national des arts du Cirque (CNAC), à La Villette, en novembre 2024. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE

Par Vincent Bouquet dans Sceneweb - 5 fév. 2025

À la tête de sa compagnie, La Raffinerie, la metteuse en scène place la fable populaire à hauteur d’Hommes, et ouvre, avec juste ce qu’il faut d’audace, les portes d’un méta-conte en forme de turbulent laboratoire théâtral.

« Ceci n’est pas un spectacle jeune public ». L’avertissement délivré par Marion Pellissier dès les premières lignes de sa note d’intention n’est pas superfétatoire, tant le titre de sa dernière création, Trois petits cochons, fait immédiatement référence dans l’imaginaire collectif, et malgré son sous-titre Les monstres courent toujours, au conte pour enfants dont elle s’inspire. Sans cette mise en garde, parents et enseignants, alléchés par leurs propres souvenirs de jeunesse de ce conte européen hérité de la tradition orale du XVIIIe siècle, pourraient être tentés d’y emmener les plus petits – ce qui pourrait leur provoquer, prévenons-les d’emblée, quelques jolies frayeurs. Ce réflexe serait d’autant plus compréhensible que l’univers du conte a, ces dernières années, envahi les scènes théâtrales avec, dans l’immense majorité des cas, une forme appropriée au jeune public. De Blanche-Neige à La Petite Sirène, d’Hansel et Gretel au Petit Chaperon rouge, en passant par Cendrillon, nombre de fables populaires sont devenues des sources d’inspiration pour des artistes aussi différents que Géraldine Martineau, Rose Martine, Joël Pommerat, Igor Mendjisky, Michel Raskine ou encore le collectif Das Plateau – pour ne citer qu’eux. Le plus souvent adaptées, de manière plus ou moins fidèle, parfois réécrites par des auteur·rices, telle Marie Dilasser, il est remarquable d’observer leur capacité à résister à l’écoulement du temps, à parler, grâce à leurs multiples couches narratives, autant aux adultes qu’aux enfants, et à se parer de reflets nouveaux une fois éclairées par les lumières contemporaines.

Ce travail de réactivation, voire de réappropriation, des contes anciens, Marion Pellissier le mène avec l’audace de celles et ceux qui n’ont pas peur de passer à la vitesse supérieure. Plutôt que de raconter l’histoire de Naf-Naf, Nif-Nif et Nouf-Nouf – pour peu que l’on veuille bien reprendre les noms donnés, au XXe siècle, par Disney –, la fondatrice de la compagnie La Raffinerie plonge dans le quotidien de la famille Cochon, et plus particulièrement dans la vie de Nina, Nouria et Naël. Installés à Villeton, une petite commune du Lot-et-Garonne, depuis leur enfance, les trois membres de la fratrie décident de quitter le domicile familial à la suite de la mort de leur mère, Andrea, une chanteuse de cabaret à succès. Tandis que leur père, dévasté par le chagrin, se montre un rien tyrannique avec eux, les deux soeurs et leur frère veulent chacune et chacun bâtir une petite maison pour poursuivre leur parcours en solo : l’une, celle de Nouria, en paille, l’autre, celle de Naël, en bois, et la dernière, celle de Nina, en briques. Par rapport au côté un peu évaporé de la première et au caractère inconséquent du second, la troisième, qui prend son rôle d’ainée très à coeur, apparaît beaucoup plus anxieuse, maniaque du contrôle, comme si quelque chose la poussait toujours à se préparer au pire. Future mère, son existence sérieuse et solitaire tranche avec celles de son frère, qui végète en mari un peu mollasson, et de sa soeur cadette, qui se rêve déjà en future star de la chanson. C’est d’ailleurs par ce biais que le loup va entrer dans la porcherie, en se faisant passer pour un producteur intéressé par les compositions de Nouria, avant qu’elle ne se rende compte que l’homme n’est autre que Claude Michel, surnommé « le cannibale des Causses ».

À travers cette réécriture à hauteur d’Hommes, Marion Pellissier remonte le cours de la parabole qui, à l’origine, sous-tendait le conte et chargeait des figures animales avec des sentiments humains. Cette opération de distanciation littéraire, l’autrice et metteuse en scène la renverse et (ré-)humanise la fable pour mieux la rapprocher de nous. Dans chacun des individus mis en jeu, elle s’attache à injecter certaines caractéristiques de l’histoire et des personnages animaliers dont elle s’empare – le départ du cocon familial pour vivre sa vie, la minutie presque un peu trop pointilleuse de Naf-Naf, l’assurance frivole de Nif-Nif et Nouf-Nouf, le besoin de chair fraîche du loup… –, et ouvre alors les portes d’une forme de méta-conte. Car, à l’image du fonctionnement de la fable qui sert à formater les petits esprits humains à coups de sentences moralisatrices – en l’espèce : si tu te tiens sage et que tu travailles, tu t’en sortiras mieux face aux difficultés de la vie qu’en étant turbulent et paresseux –, Marion Pellissier interroge la manière dont les traumatismes familiaux influent, eux aussi, sur les individus, comment ils conditionnent leurs comportements et orientent leur trajectoire de vie. Consciente que les contes répondent, pour remplir leur fonction éducative première, à une série de codes narratifs, la metteuse en scène ne s’arrête pas là et redouble son geste en tentant de les subvertir. Au lieu de se servir d’un vecteur théâtral dramatiquement classique, elle multiplie les styles, et, scène après scène, passe du thriller au vaudeville, de la sitcom américaine à la Nouvelle Vague, de l’opéra à la comédie musicale, de la danse contemporaine au western, du documentaire à la pantomime, de l’installation d’art contemporain aux bruitages en direct, ou encore du road-movie façon série B à la tragédie en alexandrins.

Aussi audacieux que déroutant, ce kaléidoscope de genres, empruntés aussi bien aux domaines littéraire, théâtral que cinématographique, transforme le plateau en laboratoire scénique prolifique et turbulent. Si la mise en oeuvre de certains styles pourrait parfois être plus accentuée, ou rallongée, pour produire pleinement ses effets, si le récit fictif est enchevêtré avec une histoire méta-théâtrale qui, malgré sa justesse – en même temps que les coulisses de la fabrication du conte, Marion Pellissier éclaire celles, pas toujours roses, de la création d’un spectacle, où le metteur en scène peut se montrer, lui aussi, monstrueux et les atermoiements privés et professionnels des uns et des autres peuvent venir percuter l’acte artistique –, tend à le parasiter et n’apparaît pas suffisamment aboutie dans l’écriture, ce procédé multi-formes trouve sa pertinence dans sa façon de mettre le conte à l’épreuve. Tantôt cocasses, tantôt organiques, tantôt iconoclastes, tantôt adéquats, les multiples styles, leur hybridation et leur alternance occasionnent des frottements emplis d’étincelles, et révèlent la force des codes et leur capacité à influencer le récit délivré – à la manière de la fonction poétique du langage de Jakobson –, soit en l’amplifiant, soit en le décalant, soit en le parasitant, soit en pointant l’un de ses reliefs jusqu’ici restés dans l’ombre. Pour réussir cet exercice, à la fois culotté et périlleux, Marion Pellissier peut compter sur une belle et solide bande de comédiennes et comédiens, visiblement réjouis de participer à cette expérience théâtrale qui, de style en style, les challenge autant qu’elle nous stimule.

Vincent Bouquet – www.sceneweb.fr

Trois petits cochons / Les monstres courent toujours
Texte et mise en scène Marion Pellissier
Avec Yasmine Berthoin, Charlotte Daquet, Julien Derivaz, Steven Fafournoux, Morgan Lloyd Sicard, Sabine Moindrot
Création sonore Thibault Lamy
Création vidéo Nicolas Comte
Création lumière Jason Razoux
Costumes Julien Derivaz, Sabine Moindrot
Scénographie Marion Pellissier, Gabriel Burnod
Construction, décoration Gabriel Burnod, Jean Bastien Savet, Denis Collas, Claire Bochet
Composition des chants Eugénie Bernachon, Yasmine Berthoin

Production La Raffinerie
Coproduction ZEF, Scène nationale de Marseille ; Théâtre de Châtillon ; Théâtre Jean Vilar de Montpellier ; Théâtre SORANO, Scène conventionnée de Toulouse (GIE FONDOC) ; Scène nationale Grand Narbonne (GIE FONDOC) ; Collectif En Jeux
Avec le soutien du Théâtre Joliette (Marseille), de la Maison Jacques Copeau, de La Ferme du Buisson, du Centquatre-Paris, du Théâtre de Malakoff, du Festival FRAGMENTS#11 (la Loge) et du Warm UP / Printemps des Comédiens de Montpellier

Ce spectacle reçoit le soutien de la SPEDIDAM et d’Occitanie en scène dans le cadre de son accompagnement au Collectif En Jeux. Le texte est accompagné par le collectif À Mots Découverts.

La Raffinerie est conventionnée par la DRAC Occitanie, soutenue par la Région Occitanie et la Ville de Montpellier. Marion Pellissier est associée au ZEF, Scène nationale de Marseille.

Durée : 2h10

Théâtre de Châtillon
les 3 et 4 février 2025

Centquatre-Paris, dans le cadre du Festival Les Singulier·es
du 7 au 9 février

Photo Elven Sicard

Par Gérald Rossi dans L'Humanité - 2 février 2025

Dans la Peur, François Hien s’interroge sur les dégâts du silence de certains prélats de l’Église catholique confrontés aux révélations d’abus sexuels.

Légende photo : La Peur fonctionne comme un polar. Il ne s’agit à aucun moment de s’en prendre à la religion catholique (ni à aucune autre d’ailleurs) mais de déboulonner une omerta mortifère.   Photo © Bertrand Stofleth

La plus longue assemblée de l’histoire italienne

Renouveau des luttes

«Si on ne gagne pas ici, on ne gagnera nulle part»

Giovanni Simone / Libération

Sur la page de l'émission le Book Club, de Marie Richeux - 31 janvier 2025

Aujourd'hui, c'est le comédien Nicolas Bouchaud qui nous fait visiter sa bibliothèque. S’y côtoient un poème d’Ingeborg Bachmann, un texte de Paul Celan, des romans de Thomas Bernhard et de Samuel Beckett, et un essai de Hannah Arendt.

Propos recueillis par Anaïs Héluin dans La Terrasse - 16 déc. 2024

Après Massacre de Lluisa Cunillé en 2020, Tommy Milliot choisit pour son retour à la Comédie-Française de se pencher sur l’écriture de Maurice Maeterlinck. Sous la forme d’un diptyque, il en monte deux pièces de jeunesse, L’Intruse et Les Aveugles, paraboles de la condition humaine.

Depuis Lotissement de Frédéric Vossier (2016), jusqu’à L’Arbre à sang d’Angus Cerini (2023), en passant par des textes de Fredrik Brattberg, Lluisa Cunillé et Naomi Wallace, votre théâtre se concentre sur les écritures contemporaines. Pourquoi travailler maintenant sur Maeterlinck, figure de proue du symbolisme

Tommy Milliot : L’idée de monter des textes de Maurice Maeterlinck est entièrement liée à la Comédie-Française. Je n’aurais pu aborder ailleurs ce grand auteur du répertoire, qui révolutionnait en son temps l’approche du drame alors très naturaliste en proposant tout autre chose : des paraboles de la condition humaine qui ne nous font comprendre qu’une chose, notre incompréhension du monde.

Pourquoi avoir choisi de rassembler deux pièces, et de les séparer par un entracte ?

T.M. : L’Intruse et Les Aveugles sont des pièces de jeunesse de l’auteur. Elles paraissent toutes les deux dans un même ouvrage en 1890, avant d’être rééditées en 1901 avec une troisième, Les Sept Princesses, en une Petite trilogie de la mort. La mort est en effet omniprésente dans ces deux courts drames dit « statiques ». Dans le premier, elle survient au sein d’une famille rassemblée pour veiller une femme dont l’accouchement récent fut difficile. Dans le second, la mort est là d’emblée bien que seul le spectateur le sache : le guide de douze aveugles a en effet péri, laissant ces derniers seuls dans une forêt septentrionale.

« Nous devons faire entendre les silences de Maeterlinck, aussi importants que ses mots. »

Quel type de jeu faut-il selon vous déployer pour faire exister cette écriture si particulière ?

T.M. : Il faut tendre vers un jeu neutre. Le théâtre de Maeterlinck étant absolument privé d’héroïsme, et même d’action, c’est cette absence qu’il est nécessaire d’atteindre. Cette écriture pousse à l’humilité, et c’est cette attitude que je cherche à adopter avec les comédiens. Nous devons faire entendre les silences de Maeterlinck, aussi importants que ses mots.

Quel type de scénographie avez-vous conçu ? Car c’est ici comme à votre habitude vous qui assumez cette fonction en plus de la mise en scène.

T.M. : Mon désir de fidélité à l’esprit de Maeterlinck m’a très naturellement poussé à une grande simplicité en la matière. Dans mes recherches dramaturgiques, j’ai découvert un scénographe très célèbre à l’époque de l’auteur, Adolphe Appia, qui m’a beaucoup inspiré dans mon traitement de la profondeur afin de créer volumes, ombres et lumières. Cela afin de stimuler l’imaginaire du spectateur.

Propos recueillis par Anaïs Heluin / La Terrasse

Par Jean-Pierre Léonardini dans L'Humanité - 26 janvier 2025

Gerold Schumann, qui a fondé en 1992 le Théâtre de la Vallée, sis à Écouen (Val-d’Oise), met en scène l’adaptation, par René Fix, de Vie et destin, vaste fresque romanesque de 1 200 pages publiée par Calmann-Lévy 1. L’œuvre valut à son auteur, le journaliste et écrivain juif soviétique Vassili Grossman (1905-1964), une effroyable cascade de déboires et de menaces, avant et jusqu’après la mort de Staline.

Il eut droit à tout : foudres de la censure, fouilles du KGB, trahisons d’éditeurs et de collègues écrivains. Dès ses débuts, il flirtait   « entre le bannissement et les honneurs ». Ses écrits ne collaient pas au « réalisme socialiste ». Il fut célèbre en sa qualité de correspondant de guerre pour l’Étoile rouge, organe de l’Armée rouge, durant la bataille de Stalingrad et la découverte des camps nazis. Sur le front en Ukraine, il éprouve l’ampleur des massacres perpétrés contre les juifs. Il y apprend la mort de sa mère dans le ghetto de Berditchev, sa ville natale. Dans la clandestinité, Vie et destin passa en Occident sous la forme de microfilms, pour être publié en Suisse et en France.

Les enjeux majeurs de l’œuvre, mis en pratique par six interprètes.

On se dit que porter en scène une telle somme littéraire relève de la gageure et que qui trop embrasse mal étreint, mais on n’oublie pas que le Russe Lev Dodine avait présenté en 2007 sa version de Vie et destin à la MC93 de Bobigny, avec de grands moyens. Gerold Schumann n’a pas les mêmes. Du moins sa réalisation tient-elle compte des enjeux majeurs de l’œuvre, mis en pratique par six interprètes (François Clavier, Maria Zachenska, Thérésa Berger, Vincent Bernard, Thomas Segouin et le guitariste Yannick Deborne). Ils ont à vite changer de personnage en annonçant la couleur ; officier SS, officier soviétique, soldate russe, soldat allemand, Eichmann, femme ukrainienne, etc.

Parfois, on s’y perd un peu, mais du moins le climat tragique d’un temps de guerre totale, à l’héritage actuel si lourd, est-il synthétisé en ondes concentriques, à l’aide de la vidéo (Pascale Stih), qui cite, en noir et blanc, les ruines de Stalingrad, entre autres terribles épisodes historiques dans lesquels fut impliqué, à son corps défendant, Vassili Grossman, qui osa dire : « En mille ans l’Homme russe a vu de tout, mais il n’a jamais vu une chose : la démocratie. »

Jean-Pierre Léonardini

1. Vu le 13 janvier à la Grange à Dîmes, à Écouen (Val-d’Oise). Jusqu’au 1er février, il est à l’affiche du Théâtre-Studio d’Alfortville (Val-de-Marne) et, le 30 avril, il sera au Théâtre de l’Arlequin, à Morsang-sur-Orge (Essonne). ↩︎

Par Laurent Schteiner dans Sur les planches, 21 déc. 2024

C’est avec un magnifique texte onirique et poétique, autour de l’amour, que Flore Grimaud nous livre dans cette parabole enchantée où le verbe joue à tue-tête une partition magique, celle des choses de la vie. Nous sommes septembre est une ode dédiée à l’amour, celui qui ne dure pas mais aussi celui qui est aussi solide que l’airain. Primesautier ou empreint de fureur, il demeure à jamais notre destin. Heidi-Eva Clavier a transformé avec bonheur cet objet théâtral en un magnifique écrin assis sur une très jolie mise en scène. Nous retrouverons ce très joli spectacle à l’affiche du Théâtre de la Reine Blanche du 30 janvier au 1er mars 2025. 

De la séparation de ses parents dans son enfance à la convocation  du couple iconique que représentaient Alain Delon et Romy Schneider, Flore Grimaud rebat les cartes de l’amour éternel. Elle convoque des figures masculines, iconiques ou non afin de se confronter à ce qui est ou ce qui n’est plus. Ce moment de vérité est pensé comme un tourbillon de maux et de ressentis que trahissent les deux comédiens sur scène. Leurs émotions nous bouleversent tant leur sincérité est prégnante.

La fracture s’opère lentement mais désespérément et soudain la vérité brûle les lèvres et le verdict assassin tombe « Je ne sais plus t’aimer ». Michel Piccoli dans cette chanson interprétée avec Romy Schneider traduit le hiatus le plus terrible d’une fin de relation. Cette histoire de vie autobiographique, hélas devenue ordinaire dans le monde qui nous entoure, crée une construction nouvelle où l’enfant doit s’adapter. Divorce, nouvelle vie avec un beau-père, un père que l’on voit de temps en temps. Flore Grimaud feuillette cet album de souvenirs avec tendresse. Parfois, celle-ci comporte des épines qui font encore mal. La mort de Romy, entrevue dans son cercueil est parlant à plus d’un titre. Flore, à travers un entretien de Romy nous démontre toute la fragilité d’aimer. Une ligne de crête constamment instable où l’un ou l’autre peut chuter. Romy se jetait à corps perdu dans ses rôles pour oublier son quotidien où la tristesse et la nostalgie l’entouraient de son manteau gris. Elle aspirait de toutes ses forces à la liberté et battait en brèche les schémas sociétaux ringards qu’elle abhorrait.  A travers ce couple iconique que formaient Alain Delon et Romy Schneider, Flore Grimaud met en perspective ses attentes, celles d’un monde meilleur où le vieux canevas sociétal cédera un jour la place à une autre voie.

Mais l’amour peut être autre. Comme une large bande de pelouse rappelant le jardin d’Eden où ne règnent que délice, amour et liberté. Délivré du carcan sociétal poussiéreux, cet endroit primesautier jonché de fleurs et de bonheur rend indéfectible l’amour plus libre que jamais et scellé dans le marbre de l’amour.

Ce spectacle, au dispositif bi-frontal permet de partager avec chacun d’entre nous, les errances du sentiment amoureux, sa résilience, l’amertume de ses compromis. Le public est installé au coeur même de la dramaturgie du spectacle. Il devient le témoin et le compagnon de voyage de ces deux personnages qui expriment merveilleusement l’accomplissement de l’amour et de ses errances. Le spectateur se trouve embarqué dans une mélopée de mots autour de la complexité de la psyché humaine. Avec poésie et mystère, Flore Grimaud se fait l’entremetteuse d’un soir d’une réalité sauvage à dompter et déroule avec bonheur son chemin de vie !

Laurent Schteiner
A Alexandre, mon ami.

https://www.reineblanche.com/calendrier/theatre/nous-sommes-septembre

Soutien de la CGT

«Foutage de gueule»

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 29 janvier 2025

La pièce traite des violences sexuelles en dressant deux portraits parallèles, ceux de Maria Schneider et de la comédienne sur scène, Marilou Aussilloux.

Lire l'article sur le site du "Monde": 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/01/29/a-l-athenee-seule-comme-maria-ou-la-rage-de-jouer-d-une-actrice-apres-la-blessure_6521211_3246.html

Un projet théâtral en devenir, une actrice seule en scène, un hommage à Maria Schneider (1952-2011) et un thème qui ne s’épuise malheureusement pas : à l’Athénée, la violence sexuelle subie par des interprètes sans défense, parce qu’elles sont jeunes, inexpérimentées, impressionnables, donne lieu à une représentation fragile mais attachante. Seule comme Maria dure à peine plus d’une heure. C’est assez pour que le spectateur comprenne d’où vient la rage de vivre et de jouer de Marilou Aussilloux, une comédienne à suivre de près (elle est à l’affiche de La Pie voleuse, de Robert Guédiguian).

D’un sourire désarmant, l’actrice interrompt net la représentation : ça ne va pas, elle ne peut pas entrer comme ça sur le plateau. Elle ne peut pas enfiler une perruque constituée de vrais cheveux. D’ailleurs, elle ne sait pas encore de quoi sera faite sa représentation. C’est avec le public qu’elle va la construire. Ce spectacle affirme d’emblée le droit au tâtonnement, à l’incertitude, au ratage. Ce qui veut aussi dire le droit à une seconde chance. Faire les choses ensemble, se tromper en amitié et réussir en confiance : tout ce dont Maria Schneider a été privée.

Un monstre est un monstre

Ecrit et mis en scène à quatre mains (par Marilou Aussilloux et Théo Askolovitch), Seule comme Maria trace, du cinéma au théâtre, deux portraits parallèles mais qui se superposent. Sur l’écran, l’actrice du Dernier Tango à Paris (1972), victime d’une sodomie simulée fomentée à son insu par Marlon Brando sous l’œil complice du réalisateur, Bernardo Bertolucci. Elle ne s’en remettra pas. Sur les planches, Marilou Aussilloux, fan de cette muse sacrifiée qui l’a inspirée et lui permet, des décennies plus tard, entrelaçant leurs deux histoires, de raconter à son tour la « blessure » infligée par un partenaire de théâtre plus âgé. Marilou Aussilloux n’en dit pas plus. Mais, dans la pudeur allusive de ses mots, s’engouffre un reste à charge trop souvent occulté : les abus exercés sur de jeunes actrices en formation, les manipulations et les humiliations, l’impossibilité de faire entendre son « non » face à de prétendus pygmalions.

C’est quoi un « monstre sacré » ?, interroge l’interprète. Sacré ou pas, un monstre est un monstre, poursuit-elle. Pas de raison de lui dérouler le tapis rouge. La Cinémathèque française, à Paris, qui avait programmé Le Dernier Tango à Paris, sans précaution d’emploi, vient d’être rappelée à cette évidence.

A l’Athénée, la vindicte n’est pas à l’ordre du jour. Le monologue surfe plutôt sur la connivence avec le public. Un procédé qui n’a rien d’innovant, mais qui se révèle payant.

Seule comme Maria, de Marilou Aussilloux et Théo Askolovitch. Athénée-Théâtre-Louis-Jouvet, Paris 9e. Jusqu’au 1er février.

Joëlle Gayot

Légende photo : Marilou Aussilloux dans « Seule comme Maria », de Marilou Aussilloux et Théo Askolovitch, à l’Athénée-Théâtre Louis-Jouvet, à Paris, le 16 janvier 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 27 janvier 2025

Avec, en toile de fond, « L’établi » de Robert Linhart, en écrivant et en mettant en scène « Indestructible », Manon Worms et Hakim Bah font revivre des luttes militantes au sein des usines Peugeot à

 à l’époque où l’on y construisait des 504. Conditions des émigrés, luttes ouvrières, affirmations féministes font chœur.

L’ histoire de France de la seconde partie du XXe siècle se décline volontiers en bagnoles. Dans les embuscades de la Résistance, il y eut la 202 Peugeot et l’increvable Traction avant Citroën avec ses combattants armés allongés sur les galbes des ailes. Après guerre, ce fut le règne de la deudeuche, (la 2CV Citroen) et de la 4L (la 4CV Renault). Chez Peugeot, on déclina une gamme qui grimpa à coups de centaines depuis la 203. La 504, sortie des usines de Sochaux entre 1969 et 1996 fut l’un des fleurons (comme plus tard la 206, la plus vendue au monde des voitures Peugeot et encore avant la 202). Les robustes 504 d’occasion allaient constituer bientôt la « bête de somme de l’Afrique ». C’est cette « peuge »-là, son époque, ses ateliers de fabrication et ses mouvements sociaux, qui servent de fil rouge au spectacle « Indestructible » signé (écriture et mis en scène) Manon Worms et Hakim Bah.

La 504, c’est elle l’"Indestructible" du titre. Contrairement aux ouvriers qui l' assemblent, elle aura plusieurs vies. On est là dans les ateliers au cœur des luttes, toujours âpres dans ces forteresses ouvrières que sont les usines fabricants des automobiles, à Sochaux, Flins, Billancourt et ailleurs.

L’une des sources du spectacle est le livre, incontournable et magnifique dans sa précision et son humanité, L’établi de Robert Linhart, disponible en poche-Minuit. Le livre raconte comment son auteur, un intellectuel, se fait embaucher aux usines Citroën dans les années 70 où l’on fabrique les 2CV. "Etabli" donc, il y décrit les conditions de travail, l’arrogance des petits chefs, la main d’œuvre largement émigrée, la façon dont une grève s’organise, comment elle est démantelée et, pour finir, comment "l'établi"est licencié. « L'usine est conçue pour produire des objets et broyer des homme, écrit Linhart. Ce mardi matin [ à l’approche de la grève], dès la première heure, la machine anti-grève de Citroën s’est mise en marche. Hier, les chefs nous ont fait le coup du mépris. Aujourd’hui, changement de tactique : ils font de la présence. Et quelle présence !: L’usine entière résonne de leurs coups de gueule, de leur va-et-vient, de leurs interventions tatillonnes ».

Manon Worms et Hakim Bah s'éloignent du livre mais en gardent l’esprit. C’est Cathy, une étudiante et militante parisienne d’extrême gauche qui vient s’établir en travaillant aux usines Peugeot de Sochaux. Elle est amoureuse de Paquita qui milite elle aussi (mouvements féministes et homos). A l’usine, Cathy rencontre Bakary qui, lui, a dû fuir le Mali autoritaire de Modibo Keïta et s’est fait embaucher comme manœuvre.

Tout se passe dans l’usine Peugeot qui fabriquait à l’époque des 504, Manon Worms et Hakim Bah ne choisissent pas de mettre en scène au premier plan l’affrontement avec les chefs et la direction mais plutôt à cerner l’harassant travail posté, les luttes pour humaniser les conditions de travail via la solidarité ouvrière, les alcôves d’affection, d’amitié voire l’amour entre ouvrières et ouvriers. Dans un final onirique, la gréve ayant échoué, Cathy et Bakary s’enfuient en voiture.

Tout se joue dans un espace unique fait de ferrailles, de pneus, de poulies (Clara Hubert et Ninon Le Chevalier signent la scénographie et les costumes) complété par l’excellent travail vidéo de Jean Doroszczuk. En scène, cinq actrices et acteurs : Emilien Audibert, Katell Jan, Adil Laboudi, Julie Moulier, Assane Timbo et Olivier Werner. Bel espace métaphorique, jeu fluide.Ce qui manque, c’est une introspection plus intense des personnages, une narration affirmant plus finement les rapports de force.

Jean-Pierre Thibaudat 

« Indestructible » a été créée à Lyon aux Théâtre des Célestins du 8 au 18 janv, il est à l’affiche du Théâtre de la Cité Internationale du 27 janv au 8 fév, lun et mar 20, jeu et ven 19h, sam 18h

Tribune publiée le 27 janvier 2025 par Télérama 

TRIBUNE - Les organisations professionnelles du spectacle vivant dénoncent le nouveau coup de rabot de 130 millions d’euros dans les crédits à la culture et l’impossibilité de dialoguer avec le ministère. Avant le vote du budget le 30 janvier, elles appellent la ministre à agir devant ce “désastre”.

« Madame la ministre de la Culture,

Mardi 14 janvier, vous receviez l’ensemble des organisations professionnelles du spectacle vivant et enregistré en CNPS – Conseil national des professions du spectacle – avec comme ordre du jour le financement du spectacle vivant ainsi que l’organisation et le financement de l’audiovisuel public.

À cette occasion, vous avez assuré vouloir garantir la stabilité du budget de votre ministère pour 2025. Vous nous avez aussi demandé de vous faire confiance pour y parvenir, arguant que la culture devait être politique. Et vous nous avez aussi dit de ne pas hésiter à venir échanger avec vous lorsque nous étions en désaccord.

À peine trois jours plus tard, dans le cadre de l’examen du projet de loi de finances par le Sénat, vous avez soutenu un amendement gouvernemental, déposé dans la nuit précédente. Ce dernier présente une baisse de crédits de 130 millions d’euros sur la « mission Culture », dont près de 42 millions pour la « Création » et 30 millions affectant la mission « Transmission des savoirs et démocratisation de la culture. » Vous avez aussi essayé d’imposer 100 millions d’économies à l’audiovisuel public.

Hélas, au terme de débats pour le moins confus, les crédits de la « mission Culture » ont été votés avec une baisse de 130 millions d’euros. L’amendement concernant l’audiovisuel public a, lui, été ramené à 80 millions d’euros par les sénatrices et sénateurs. Le ministère de la Culture accuserait donc une baisse de crédits de 210 millions d’euros pour 2025 si le budget était ainsi voté.

 

Où est la ministre pugnace qui se vantait encore la semaine dernière d’être capable d’aller défendre ses budgets face à Bercy ou à Matignon ?

Comme vous nous y avez encouragés, nos organisations professionnelles vous ont donc immédiatement demandé un entretien pour comprendre les raisons de ce revirement total de situation et travailler ensemble à un scénario de sortie de crise. Après nous avoir d’abord accordé ce rendez-vous vendredi 24 janvier, vous avez finalement décidé de l’annuler. Aussi, nous vous demandons toujours un rendez-vous, impérativement avant que ne se tienne la commission mixte paritaire, le 30 janvier prochain.

Nous aurions préféré la solution du dialogue direct, comme vous aviez dit également le privilégier. Nous n’avons pas d’autre choix aujourd’hui que de vous faire part, dans ce courrier, de notre incompréhension et notre colère. Où est la ministre pugnace qui se vantait encore la semaine dernière d’être capable d’aller défendre ses budgets face à Bercy ou à Matignon ? Depuis votre arrivée à la tête du ministère de la Culture, ce ne sont pas moins de 410 millions d’euros de baisse qui sont à déplorer (200 millions d’euros par décret en février 2024 et 210 millions d’euros qui pourraient être votés dans le cadre du budget 2025). Où est la ministre dont la porte est toujours ouverte pour dialoguer ?

Nous demandons que les crédits « Création » et « Transmission des savoirs et démocratisation de la culture » soient intégralement rétablis, comme vous vous y êtes engagée.

Nous demandons en outre que le fonds d’urgence que vous proposez en guise d’ersatz soit annulé et que ses crédits soient reversés dans la « mission Culture ». Ce fonds ne concerne en aucun cas le même périmètre et va fragiliser le fonctionnement de l’ensemble des structures au profit de quelques-unes choisies arbitrairement.

Par ailleurs, la préservation en intégralité des crédits du Fonpeps – le Fonds pour l’emploi pérenne dans le spectacle – est désormais absolument vitale et ce non seulement jusqu’au dernier jour de l’année 2025, mais également au-delà.

Enfin, nous rejetons le projet de fusion / holding pour l’audiovisuel public et demandons que ces nouvelles économies demandées soient supprimées.

Madame la ministre, lors de ce CNPS, vous avez aussi déploré l’attitude de certaines collectivités qui diminuent de manière drastique leur budget. Que devons-nous en penser ?

En vous remerciant pour vos réponses et actions concrètes devant ce désastre, veuillez croire, Madame la ministre de la Culture, en l’assurance de notre parfaite considération. »

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 7 février 2025

Sollicité par l’historien Patrick Boucheron pour intervenir dans la vénérable institution, le dramaturge n’a ménagé ni sa pensée, ni son humour, ni sa peine.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/02/07/au-college-de-france-le-metteur-en-scene-wajdi-mouawad-fait-couler-le-sang-pour-sa-lecon-inaugurale_6536097_3246.html

Il y avait foule, jeudi 6 février, au Collège de France, à Paris, pour assister à la leçon inaugurale de l’auteur et metteur en scène Wajdi Mouawad. Longue file de gens frigorifiés au-dehors, qui patientaient en espérant entrer, salle pleine au-dedans, avec, aux premières loges, trois anciennes ministres de la culture. Rima Abdul Malak, Roselyne Bachelot et Aurélie Filippetti avaient fait le déplacement. Pas Rachida Dati. L’actuelle locataire de la Rue de Valois a raté un discours dont le contenu et la conclusion ont laissé l’assemblée bouche bée.

Pour sa première conférence, l’artiste n’a ménagé ni sa pensée, ni son humour, ni sa peine. Sollicité par l’historien Patrick Boucheron pour intervenir dans la vénérable institution (où il donnera huit cours et séminaires), le directeur de La Colline s’est livré à une prestation théâtrale radicale et impérieuse, allant jusqu’à se maculer le visage de son sang dans un final digne des performances de l’Espagnole Angelica Liddell.

Veste tombée, en chemise blanche, manches retroussées, il a tendu ses veines à la seringue d’une infirmière. « En attendant que le sang soit ici versé, car il le sera à n’en point douter », avait-il prévenu le public d’entrée de jeu. Wajdi Mouawad ne vient pas faire le beau dans le saint des saints de l’intelligence à la française. Il vient y parler d’écriture. Or, aujourd’hui, pas de doute selon lui, l’encre, c’est le sang.

« Entre le cœur et le crayon »

Joindre le geste à la parole n’était pas de nature à effrayer cet homme de plateau aguerri. Maniant le verbe avec un sens fou de ses rythmes, il a promené ses hordes de mots du passé au présent, de ses origines libano-québécoises jusqu’aux horizons créatifs qu’il habite désormais.

Alors qu’il va occuper la chaire annuelle « L’Invention de l’Europe par les langues et les cultures », il a titré son monologue introductif d’un énigmatique « L’ombre en soi qui écrit ». Et c’est bien elle qui a surgi, l’ombre sans qui « rien n’est possible entre le cœur et le crayon », et qu’escortaient, dans une oraison passionnante, les débris du Liban, les blessures de l’enfant, les questions de l’adulte.

Fustigeant les morales étriquées, les replis sur soi ou la perte du sens tragique, les sommations de Mouawad n’ont poursuivi qu’un but : « Tout ce qui n’est pas poésie est trahison. » Des phrases de ce goût-là, rappels à l’ordre fulgurants de vérités à marteler en temps de crise, il y en avait des dizaines, toutes plus frappantes les unes que les autres. Elles ont fait le show autant que leur auteur, par ailleurs excellent comédien. Prochain rendez-vous, mardi 18 février : « Epiphanie du verbe “être” ». Prenez date, il va y avoir foule.

Wajdi Mouawad au Collège de France, chaire annuelle : « L’Invention de l’Europe par les langues et les cultures ». Jusqu’au 8 avril. Programme détaillé disponible sur le site du Collège de France.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Légende photo : Wajdi Mouawad lors de sa leçon inaugurale au Collège de France, à Paris, le 6 février 2025. PATRICK IMBERT/COLLÈGE DE FRANCE

Par Philippe Lançon dans Libération - 3 fév. 2025

Maniant tendresse et humour, le comédien rend justice aux mots du dramaturge mort du sida il y a trois décennies avec deux spectacles, «Il ne m’est jamais rien arrivé» et «Juste la fin du monde».

Fragilité d’insecte

Chagrin colérique

Philippe Lançon / Libération

Entretien du 16 décembre 2024, émission de France Inter 

À 7h50, l'actrice Adèle Haenel est l'invitée de Sonia Devillers, quelques jours après la fin du procès du réalisateur Christophe Ruggia, qu'elle accuse de l'avoir agressée sexuellement alors qu'elle était mineure. Plus d'info : https://www.radiofrance.fr/franceinter/podcasts/l-invite-de-7h50/adele-haenel-2610582?gdfsvg

Mise à jour du 3 février 2025

Le réalisateur français Christophe Ruggia a été condamné à quatre ans de prison, dont deux ferme à effectuer sous bracelet électronique, pour avoir agressé sexuellement l'actrice Adèle Haenel quand elle avait entre 12 et 14 ans #AFP

Par Fabienne Arvers dans Les Inrocks - 30 janvier 2025

“Il ne m’est jamais rien arrivé” et “Juste la fin du monde”, deux spectacles en une soirée dirigés par Johanny Bert, où Vincent Dedienne se confronte à la vie et à l’œuvre du dramaturge Jean-Luc Lagarce.

Une tragédie en deux actes. En décidant de jouer en première partie de soirée une adaptation du Journal de Jean-Luc Lagarce, avant d’enchaîner avec la pièce Juste la fin du monde, le metteur en scène Johanny Bert et l’acteur Vincent Dedienne nous replongent dans l’hécatombe des années sida où s’est convulsé le XXe siècle finissant.

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 2 février 2025

La jeune autrice et metteuse en scène franco-irakienne présente, au Théâtre de La Criée, à Marseille, sa pièce où deux héroïnes expriment de manière différente une même révolte.

Lire l'article dans le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/02/02/dans-taire-tamara-al-saadi-entrecroise-les-fils-d-antigone-et-d-une-jeunesse-fracassee-d-aujourd-hui_6528021_3246.html

Crier ou se taire. L’éternel mauvais choix dans lequel sont piégées les femmes, encore et encore, puisque leur parole est si souvent inentendue. Dans Taire, que crée la jeune autrice et metteuse en scène Tamara Al Saadi au Théâtre de La Criée, à Marseille, deux héroïnes s’offrent en miroir. L’une crie, l’autre se tait, deux manières d’exprimer une même révolte, face à ce que les adultes ont fait de leurs vies.

Celle qui se tait, c’est Antigone, telle que Tamara Al Saadi interprète l’héroïne antique, figure éternellement ardente et vive de la lutte contre un pouvoir arbitraire, pour qui la raison d’Etat sert de rouleau compresseur aux valeurs humaines les plus fondamentales. Antigone a cessé de parler depuis que son frère Etéocle s’est transformé en tyran, bannissant leur autre frère, Polynice. Elle oppose le même silence face à l’absurdité du monde, quand les deux s’entretuent et que Créon, au pouvoir, ordonne de jeter la dépouille de Polynice aux chiens, sans lui accorder le droit à une sépulture digne.

Celle qui crie, c’est Eden, une jeune fille d’aujourd’hui, dont le prénom sonne avec une ironie douloureuse. Née d’un viol, abandonnée peu après sa naissance, elle se retrouve, alors qu’elle avait été recueillie au départ par un couple aimant, ballottée de foyers en familles d’accueil, en raison d’une règle administrative aussi implacable et absurde que celles édictées par les dieux de l’Antiquité. Alors Eden part en vrille, retourne la violence contre elle-même et contre les autres, de manière indifférenciée.

Magie délicate

Tamara Al Saadi entrecroise les deux histoires avec fluidité, et les liens se tissent peu à peu, dans ce spectacle lancé sous les auspices de Désenchantée, la chanson de Mylène Farmer. Taire, qui aurait pu être plombé par un réalisme envahissant, est tenu par la qualité de son écriture, textuelle et surtout scénique. C’est la manière dont Tamara Al Saadi occupe le plateau et le fait vibrer qui emporte ici, en un spectacle limpide, qui sait accorder leur place au temps et au silence, et déjoue tout naturalisme sociologique par une forme de magie délicate.

Cela advient par la grâce d’une écriture du corps, du son, de la lumière et de l’image. Tout respire et palpite ici, sans pesanteur, grâce aux éléments de décor mobiles, qui glissent en un clin d’œil et laissent la lumière (superbe, et signée par Jennifer Montesantos), la couleur, les mouvements des corps faire image et exprimer la violence ou les rêves de réparation. Une coulée de sable rouge sang et deux corps qui tombent, pour la lutte fratricide entre Etéocle et Polynice. Des étoffes aériennes que l’on agite comme des voiles, comme des désirs d’ailleurs, derrière un vaste écran bleu comme la mer ou le ciel.

La forme théâtrale ici reste classique (une histoire, des dialogues, des personnages), mais elle s’hybride constamment et en douceur, non seulement avec l’image, mais aussi avec la musique et un travail sonore bien particulier. Le chanteur et compositeur libanais Bachar Mar-Khalifé signe les chants, magnifiques, interprétés par le coryphée (qu’il incarne lui-même) et le chœur. Le guitariste Fabio Meschini accompagne les accès de rage électriques d’Eden.

Derrière les mots

Surtout, une bruiteuse et créatrice sonore, Eléonore Mallo, est présente sur le plateau, réalisant à vue ses effets étranges et poétiques, qui participent largement de l’atmosphère du spectacle. Les bruiteurs savent que le son crée de l’image mentale, superbe traduction pour aujourd’hui des sortilèges des magiciennes antiques. Et c’est beau de voir ce spectacle reposant sur la question de la parole que l’on n’entend, que l’on n’écoute pas, tisser cette matière sonore riche et subtile, qui invite justement à dresser l’oreille, à écouter ce qui se dit derrière les mots, lesquels ne jouent pas toujours à armes égales face à la violence du monde.

Ainsi se nouent les fils de ces deux histoires, dans ce spectacle porté par une distribution impeccable, emmenée par Mayya Sanbar en Antigone irradiante, très éloquente dans son silence. C’est bien la question de la filiation qui relie ici les différentes héroïnes : Eden aussi bien qu’Antigone et sa sœur Ismène sont des « filles de personne », le fil de la transmission ayant été perverti ou rompu. Antigone, pourtant, prévient, quand elle retrouve la parole, à la fin du voyage : « Celui qui détruit l’enfant est conduit à se détruire lui-même. »

Tamara Al Saadi, autrice et metteuse en scène franco-irakienne, s’était fait connaître en 2018, avec un spectacle intitulé Place, dans lequel elle s’interrogeait sur la « place » à trouver entre deux mondes, entre deux langues. Cette place, il semblerait bien qu’elle l’ait trouvée aujourd’hui dans le théâtre français.

Taire, de et par Tamara Al Saadi (texte publié aux éditions Les Solitaires intempestifs). Théâtre de La Criée, Marseille 7e, jusqu’au 7 février. Puis tournée jusqu’à fin 2025 à Nice, Toulon, Saint-Ouen, Saint-Denis (Théâtre Gérard-Philipe, Seine-Saint-Denis), Aix-en-Provence (Bouches-du-Rhône)…

Fabienne Darge (Marseille) / Le Monde 

Légende photo  : « Taire », mis en scène par Tamara Al Saadi, au Centre dramatique national de Dijon-Bourgogne, en janvier 2025. Photo : CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE

Par Anne Diatkine dans Libération - 1er février 2025

Après nos révélations sur l’abandon des subventions non obligatoires à la culture par le département, Sandrine Mini, directrice de la scène nationale archipel de Thau, à Sète, déplore une attaque brutale contre les artistes, les techniciens et le service public, aux dépens de tous.

Par Annie Chenieux dans le blog "Au Théâtre et ailleurs" 25 jan. 2025

Emmanuel Noblet adapte et met en scène le roman de Tanguy Viel, avec Vincent Garanger, impressionnant.

C’est l’histoire d’un honnête homme qui devient un meurtrier. Le voici face à son juge, à faire le récit de sa vie et des événements qui l’ont conduit à son geste fatal. C’est la matière du roman de Tanguy Viel, dont la formule «Refabriquer du vivant », est reprise à bras-le-corps sur la scène par Vincent Garanger dans la peau de Martial Kermeur. Dans le périmètre d’un chantier à l’abandon, avec en fond des images de la mer froide, de la rade de Brest, ou encore des lumières d’un rêve hypothétique, l’homme coupable est face au juge, interprété par Emmanuel Noblet, qui a adapté le texte. Il dit sa vie, intime et professionnelle, avec les difficultés, le chômage, le divorce, la garde de son fils, l’espoir d’acheter un bateau avec ses indemnités de licenciement, puis l’arrivée d’un promoteur immobilier… Alors l’homme se laisse prendre au piège, vaguement flatté d’être reconnu avant de se sentir dupé.

La force du récit  

Vincent Garanger arpente le plateau comme si Martial Kermeur arpentait sa terre du Finistère, taiseux devenu intarissable, emporté dans des vagues de paroles. « On était assis sur un tas d’or recouvert de choux-fleurs ! » Pendant un temps, l’homme simple a cru à cette chimère, espéré une vie meilleure pour son fils. Avant de déchanter et de revenir à la réalité. Ce retour à soi-même, à ses ressources intimes, ce sursaut d’honneur nourrissent le texte de Tanguy Viel et son personnage. Tout entier emporté dans son récit, Vincent Garanger exprime l’aveuglement, les espoirs, les doutes et les peurs de Kermeur, puis sa colère, sa révolte et sa détermination froide. Sans effets, par son engagement dans l’épaisseur du récit, le comédien est cet homme allé au bout de lui-même pour retrouver sa dignité.

Article 353 du Code pénal           * *

Théâtre du Rond-Point, 2 bis av. Franklin D. Roosevelt, Paris 8e Tél. 01 44 95 98 21. www.theatredurondpoint.fr Jusqu’au 15 février. Tournée : Théâtre de l’Union, Limoges, 20-21 février, Théâtre de l’Etincelle, Rouen, 25 février-1er mars, Les Scènes du Golfe, Vannes, 21 mars, Comédie de Valence, 27 mars-17 avril, L’Estive, Foix, 29 avril, Théâtre de la Madeleine, Troyes, 23 mai.

(photo Jean-Louis Fernandez)

Par Béatrice Bouniol,  publié dans La Croix, le 24/01/2025

Par Véronique Hotte dans son blog, 29 janvier 2025

Indestructible, écriture et mise en scène de Manon Worms et Hakim Bah, scénographie et costumes Clara Hubert et Ninon Le Chevallier, vidéo Jean Doroszczuk, son Marion Cros, lumière Léa Maris, régie générale et régie son Margault Wilkomm.

Avec Émilien Audibert, Katell Jan, Adil Laboudi, Julie Moulier, Assane Timbo et Olivier Werner. 

Indestructible est la Peugeot 504, icône française des Trente Glorieuses, portée à la scène par deux concepteurs inventifs sur l’histoire minoritaire de solidarité engagée, de luttes sociales des années 60/70 et du monde actuel. 

Bakary, jeune Malien embauché aux usines Peugeot de Sochaux, se souvient de son périple. De même, Cathy, étudiante parisienne établie chez Peugeot pour y mener une grève révolutionnaire. Dans cette mémoire de tôle et d’acier, vit la France industrielle d’autrefois – forteresses ouvrières, chaîne et cadences infernales, ordre usinier et contremaîtres. 

Une idée judicieuse que de remettre sur la sellette le travail, la justice sociale, la mémoire collective – re-écouter les voix souvent marginalisées des ouvriers et des immigrés, une prise de conscience, chemin faisant, de notre actualité.

Avec énergie, distance clairvoyante et amusée, Manon Worms et Hakim Bah, auteurs et metteurs en scène avertis, témoignent des luttes ouvrières et des espoirs révolutionnaires de mai 68 – éclairage de la condition ouvrière et de la dynamique sociale. Et cinquante ans plus tard, sont réactivées les mêmes problématiques – prévarication du travail, érosion des solidarités collectives, montée des des inégalités et des tensions sociales liées à l’immigration.

« A l’image du processus de fabrication d’une voiture, l’écriture assemble entre elles des pièces détachées, des éléments tirés du réel, des récits puisés dans L’Etabli de Robert Linhart, mais aussi dans d’autres recueils de témoignages sur les parcours de militants, de travailleurs et d’immigrés – archives audiovisuelles, textes de lois, faits historiques soudés à une fiction imaginée ensemble, réactivant cette rencontre entre immigrés et établis. »

Une langue à la fois lyrique, poétique et exaltée d’un côté, et de l’autre, un témoignage oral et scénique concret sur les capacités politiques de révolte. En même temps, s’invite la dimension politique de la vie privée dans les années 70: Cathy – l’intellectuelle qui oeuvre à l’émancipation de l’usine – vit avec Paquita, militante des cercles de libération féministes et homosexuels. 

Et pendant ce temps-là, est fait l’éloge ludique de la Peugeot 504, dont les couleurs de carrosserie sont infinies: « …Algue Marine pour les bretons, Beige Céramique pour les retraités, Blanc Alaska pour les jeunes lecteurs, de Kerouac, Arosa pour les night clubber, Bleu Argenté pour les VRP… »

La scénographie éloquente est inspirée des usines mythiques, grotte ombreuse de milieu viril métallurgique dont les lumières ne tombent que de morceaux de tôle suspendus dans les airs – ailes de voiture et sigle du fameux Lion de l’écusson Peugeot – symbole d’une réussite scintillante du temps. Des éblouissements soudains surgissent alors que des voiles sombres revêtent le lointain; au sol, des amas de pneus et surtout – clin d’oeil ironique – de tuyaux de caoutchouc de chambres à air de vélo. Des bruits métalliques de chaîne pour les seaux qu’on monte et descend sans cesse.

Car ici, on est actif – les exploités sont sous le joug des contremaîtres, au service de l’exploiteur -: les ouvriers vont et viennent sur le plateau, répétant les mêmes mouvements et les mêmes gestes dans un capharnaüm visuel et sonore, se parlant à peine bien qu’ils se côtoient et se connaissent bien. Ici, l’automobile assourdissante est reine et impose ses bruits et fureurs obligés.

De Marseille à Paris et Sochaux, dans la France des zones frontalières et industrielles, « au volant d’une Peugeot 504 qui conduit la narration », les acteurs battent la campagne, sans s’éloigner de leur sujet ni diverger de leur condition: Émilien Audibert à la présence vive, Katell Jan, décidée et espiègle, Adil Laboudi, responsable inquiétant ou travailleur au fort humour, Julie Moulier, joliment libre et railleuse, Assane Timbo, élégant et incisif, et Olivier Werner, juste et précis. 

Un spectacle tonique qui éveille et revivifie le partage de nos valeurs humanistes.

Véronique Hotte

Du 27 janvier au 8 février 2025, lundi, mardi 20 h, jeudi, vendredi 19 h, samedi 18 h, relâche mercredi et dimanche, Théâtre de la Cité internationale 17, bd Jourdan 75014 Paris. Tél : 01 85 53 53 85 ou sur theatredelacite.com 

Crédit photo: Mathilde Delahaye Répétitions du spectacle Indestructible de Manon Worms et Hakim Bah le 17 septembre au Théâtre de la Cité internationale.

Par la rédaction du magazine Diapason - 29 janvier 2025

Kléber Mesquida, président (PS) du conseil départemental, assume de passer le budget « aux ciseaux, à la tronçonneuse, au sécateur ».

«Absurdie» et «gabegie»

«On navigue à vue»

Alternant parlé et chanté, la nouvelle création du metteur en scène, montée à Gand, se saisit du dernier carnet rempli par son père pour défier la mort.

Des chamailleries pour un rien ou justement essentielles

«Dialogue avec les morts»

 Anne Diatkine / Libération