Revue de presse théâtre

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 28 août 2020

Dans les villages du Grand Est, Michel Didym remet en selle « Comment réussir un bon petit couscous », bijou écrit et mis en scène il y a huit ans par Fellag avec et pour l’acteur Bruno Ricci. L’acteur revient nous faire savourer ce texte au nez fin.

C’était une soirée de cette fin août. Venus de Nancy, via Pont-à -Mousson, ils montèrent jusqu’à Atton, un petit village de Meurthe et Moselle qui espère, un jour lointain, atteindre les mille habitants. Là, les attendait une femme blonde et souriante, Marlène Carina, Prilleux, Madame le maire- l’enseignante qu’elle est, tient à cette appellation. A peine élue aux dernières élections municipales, Madame le maire s’était rendue à Nancy, à une poignée de kilomètres d’Atton, voir le directeur du théâtre, Michel Didym, et son administrateur, Jean Balladur, le Centre d’Art dramatique de cette ville étant le plus proche grand théâtre du petit village. Sa demande était simple et belle : elle voulait que le théâtre entre à Atton. Il y avait bien une compagnie amateure qui s’y produisait de temps en temps, mais Marlène voulait plus, du « théâtre professionnel » , a t-elle dit. Il n’y en avait jamais eu à Atton. Ses habitants en méritaient autant que ceux de la ville, question de justice culturelle.

L'homme au 147 couscous

Bingo, le CDN était en train de mettre sur pied une tournée pour l’été d’un « spectacle pouvant se déplacer aussi bien en plein air, sur les places, que dans les salles et dans les établissements scolaires, qui soit un moment de culture et d’apprentissage mais aussi de partage avec les spectateurs » écrivait Didym en parlant de Comment réussir un bon petit couscous de Fellag conçu avec et pour Bruno Ricci..

Le spectacle, créé il y a plus de huit ans, avait beaucoup tourné avant d’être remisé dans la malle aux souvenirs. Michel Didym a eu la bonne idée de lui donner une seconde vie en allumant le gaz sous ce plat préféré des français. C’est du moins ce qu’affirmait un sondage, lu dans la presse de l’époque par Fellag et c’est ce qui donna le déclic pour écrire cette pièce à l'auteur algérien, réfugié en France depuis longtemps (le régime au pouvoir à Alger rudoie artistes indépendants) et écrivant aussi en français. Le couscous, venu du Maghreb, écrasait de sa superbe avec le steak-frites à demi belge, la paella espagnole, la pizza italienne et le pot au feu « bien d’cheu nous ».

Bruno Ricci se souvient de ces jours passés en résidence à Châteauvallon avec Fellag. « Au départ c’était un spectacle fait pour être joué en appartement. Fellag écrivait le matin, je répétais l’après- midi et je jouais le soir dans des villages, cela durait vingt minutes. Je revenais vers Fellag pour lui dire les moments qui fonctionnaient bien et ceux où j’avais merdé, il rectifiais le tir le matin suivant jusqu’à ce qu’on parvienne à une forme qui dure environ une heure dix qui fonctionne aussi pour les grands plateaux. On l’a joué plus de deux cents fois. La moitié du public c’était la communauté maghrébine, venue sur le nom de Fellag. On faisait travailler les associations et avant le spectacle une petite maman venait dans la loge et me disais « après le spectacle il y a une petite surprise... » Un couscous pour tous bien sûr. Je me souviens avoir mangé 147 couscous. c’était magnifique, tout le monde ressortait avec un sourire énorme. j’ai retrouvé à travers cette tournée tout ce dont mon père et la mère italiens me parlaient. »

Ca tombe bien Marlène, pardon Madame le maire, est aussi d’origine italienne. Elle avait bien fait les choses. Dans la très grande cour de l’école primaire entourée d’arbres ( un vaste espace a rendre jalouses bien des cours de récréation), une scène sommaire a été dressée par l’équipe technique du CDN, avec vue sur la mairie et le clocher de l’église. Les employés de la mairie ont installé des sièges espacés en principe (mesures sanitaires) mais bientôt rapprochés ( rapprochent familial ou amical). Il a fallu bientôt ajouter des bancs. Et le théâtre est entré dans Atton en apportant avec lui des effluves de couscous.  Seule contrariété, en raison de ce que vous savez, le « couscous citoyen » devant suivre la représentation a dû être annulé. En guise de compensation chaque spectateur est reparti avec un paquet d’épices de ras el hanout pour cuisiner un couscous maison. L’acteur n’ a pas pu « échanger » autour d’un repas comme il le fait habituellement après chaque chaque représentation.

"Mais où sont-ils?"

« Quand on va dans des lieux comme Atton en dehors des grandes améliorations, on sait que les gens n’ont guère la possibilité d’aller à 20, 30 kilomètres voir un spectacle dans un théâtre, alors on vient chez eux. Il suffit que le théâtre vienne à eux et qu’ils l’accueillent pour qu’ils ressentent tout. Je viens d’une famille d’émigrés italiens où mon père me disait : «  le théâtre c’est pas fait pour nous ». Mais si, c’est fait pour nous, pour nous tous. Il se sera passé quelque chose entre nous, une émotion nous aura traversée en commun, au même moment. C’est de l’humanité, de la fraternité, de la convivialité, de la chaleur humaine, j’adore» s’enthousiasme Bruno Ricci.

« Le fait d’accepter que nous faisons désormais partie de votre environnement social et culturel, ça va vous rasséréner, vous faire du bien en nous intégrant, vous nous oublierez comme vous avez oublié les Italiens, les Espagnols, les Russes, les Chinois, les Bretons, les Normands et les Wallons...un jour viendra où en regardant autour de vous vous direz : « mais où sont-ils ? Où sont nos maghrébins ? » lance Fellag tout en racontant en détails la recette du couscous. Entre deux grains de semoule, il multiplie les digressions, les histoires, les réflexions malines. « C’est fin, diabolique, intelligent, Fellag envoie plein de messages, poursuit Ricci. On retrouve souvent cela chez ces auteurs de l’ancienne école « coloniale ». Il s ont un rapport à la langue qui est quasiment perdu. Dans son texte, j’ai des phrases qui font six lignes. Avec le sens qui vient, qui part, revient, c’est une ode à notre langue. Dire Fellag, c’est très agréable en bouche, comme un bon vin que l’on ferait rouler sur le palais pour en découvrir les saveurs. »

Il y a huit ans, une bande son accompagnait l’acteur. Aujourd’hui c’est un musicien, Taha Alami. Le spectacle y gagne en souplesse et la musique live fortifie sa belle amicalité. En bon conteur et en fin politique, tout en nous faisant saliver, Fellag raconte ce qui se trame depuis des lustres entre la France et l’Algérie. Un double régal.


La tournée de Comment réussir un bon petit couscous se poursuit ; ce soir à Châlons-en-Champagne, demain à Blénod-lès-pont-à-Mousson, le 9 septembre au CDN de Nancy et le 11 septembre à Dieulouard (54). Suite cette nouvelle saison en cours d’ élaboration.

 

 

Par Fabienne Arvers dans Les Inrocks  - 31/08/20 

Prouvant une fois encore sa créativité sans borne, Lætitia Dosch porte au plateau un drôle de spectacle collaboratif, qui prend la forme d’une radio libre consacrée aux arbres.

Propos recueillis par Rosita Boisseau - Le Monde du 27 août 2020

Nouveau directeur du Centre national de danse contemporaine d’Angers, le danseur et chorégraphe explique comment il voit son rôle et envisage sa pédagogie.

La rentrée au Centre national de danse contemporaine (CNDC) d’Angers, pôle de premier plan pour la formation des danseurs contemporains depuis 1978, a lieu sous la houlette d’un nouveau directeur, le chorégraphe Noé Soulier, nommé fin 2019 et en fonctions depuis le 1er juillet. A 32 ans, ce jeune artiste régulièrement programmé au Festival d’automne, succède à Robert Swinston, ex-interprète de l’Américain Merce Cunningham (1919-2009).

Pour quelles raisons, jeune chorégraphe, avez-vous postulé à la direction du Centre national de danse contemporaine d’Angers ?

Le CNDC est unique en son genre, en France mais aussi à l’international. Il rassemble trois missions : la création, l’enseignement dans le cadre d’une école pour former des danseurs professionnels, et la diffusion avec l’élaboration de saisons pour Le Quai [son espace culturel].

Ces trois dimensions se retrouvent dans la démarche chorégraphique que je mène depuis dix ans. Je suis en train d’élaborer un vocabulaire et une technique autour de gestes familiers ; je développe une recherche théorique avec l’écriture de livres, comme Actions, mouvements et gestes, publié en 2016 [Centre national de la danse, « Carnets »].

Enfin, l’aspect curatorial fait aussi partie de mon travail. C’est donc très enthousiasmant de créer une synergie entre ces trois missions qui seront unies par une vision commune.

Quels sont les axes autour desquels vous avez élaboré le programme pédagogique de l’école ?

Il s’agit pour moi de comprendre et de montrer ce qui se joue depuis quelques années dans l’approche du mouvement. Nous ne sommes plus dans l’opposition entre danse conceptuelle et écriture chorégraphique.

On ne sait pas toujours, lorsqu’on commence un cursus à 20 ans, ce que l’on est ou veut devenir

J’ai défini trois axes pédagogiques avec un parti pris général, celui de commencer à partir de la rupture postmoderne des années 1960-1970. Le premier axe est centré sur l’enseignement de techniques et de répertoires, comme ceux des Américains Steve Paxton ou Trisha Brown [1936-2017], avec l’ambition d’ouvrir le champ des références au-delà de la danse occidentale. Il inclura des pratiques contribuant à enrichir le rapport au corps comme le yoga ou les arts martiaux…

Le deuxième axe est consacré à l’analyse concrète de la composition d’œuvres chorégraphiques, par exemple celle de la pièce la plus récente de William Forsythe, A Quiet Evening of Dance, qu’il considère comme l’une de ses plus pédagogiques, mais aussi d’œuvres musicales, littéraires ou cinématographiques.

Enfin, l’aspect théorique sera exploré à partir de problématiques centrales dans la danse contemporaine, telles que le rapport de l’art au pouvoir, qui mobilisent des disciplines comme la philosophie, la sociologie…

Comment votre parcours d’interprète, entre danse classique, contemporaine et philosophie, a-t-il influencé l’élaboration de ce cursus pédagogique ?

Mon parcours a sans doute contribué à imaginer ce projet, car je me suis rendu compte de la diversité des manières d’aborder le mouvement. Ce qui me semble important, c’est de ne pas déterminer dès l’école l’étudiant comme interprète danseur ou chorégraphe. On ne sait pas toujours, lorsqu’on commence un cursus à 20 ans, ce que l’on est ou veut devenir.

Je pense que la théorie peut être réellement émancipatrice, et c’est ce que j’espère démontrer

Sans compter que, dans les créations contemporaines, depuis quelques années, les frontières entre les rôles sont de plus en plus poreuses. Des chorégraphes se retrouvent à être interprètes dans des pièces signées par d’autres artistes. Il ne s’agit pas non plus pour moi de former des danseurs qui appliquent les recettes de travail qu’on leur a apprises, mais des personnes qui progressent dans la réflexion et une forme d’artisanat de la danse.

Jeune élève, j’ai aussi constaté que certains étudiants trouvaient les cours théoriques intimidants. Soit par manque de confiance en eux ou par rejet d’une sorte d’intellectualisation. Je pense que la théorie peut être réellement émancipatrice, et c’est ce que j’espère démontrer au CNDC.

Quel est aujourd’hui le profil de l’interprète contemporain, dont on sait qu’il est de plus en plus techniquement outillé ?

Selon une enquête menée auprès de nombreuses compagnies de danse en France par la direction générale de la création artistique du ministère de la culture, réalisée en 2018, la qualité la plus recherchée chez les danseurs et danseuses aujourd’hui est la singularité.

Il ne s’agit plus uniquement de maîtriser un large éventail de techniques, mais de développer un profil unique

Il y a une trentaine d’années, l’expertise technique était au premier plan. Il ne s’agit plus uniquement de maîtriser un large éventail de techniques, mais de développer un profil unique. J’ai donc décidé d’être très attentif à la spécialisation des danseurs. Si quelqu’un a envie de creuser une voie spécifique, je veillerai à ce qu’il puisse personnaliser son parcours au CNDC.

En tant que chorégraphe, selon quels critères choisissez-vous les danseurs avec lesquels vous collaborez ?

Le travail que je développe repose sur une virtuosité motrice liée à des mouvements familiers comme frapper, éviter… qui, sortis de leur contexte, possèdent une puissance d’évocation. Sur cette base, je développe un vocabulaire de distorsion. Je tente de renouveler l’approche du mouvement pour capturer la sophistication, la poésie et les émotions que peuvent susciter ces actions quotidiennes.

J’ai besoin de danseurs qui ont un gros bagage technique et beaucoup de précision. Mais si ma démarche va évidemment nourrir chacune des missions du CNDC, il n’est pas question de calquer mon seul travail sur cet outil.

Dans le contexte de la crise sanitaire, de nombreux artistes se retrouvent à performer en extérieur. Un élan déjà présent dans l’art chorégraphique qui s’affirme en ce moment. Allez-vous proposer des interventions in situ à Angers ?

Nous allons faire exister la danse dans la ville d’Angers et dans la région Pays de la Loire. A l’automne, je vais présenter Passages, en collaboration avec le Centre des monuments nationaux, qui est destiné à tourner dans toute la France, et pourquoi pas dans le cadre du château d’Angers.

Les élèves vont, dès la rentrée, interpréter la performance Roof Piece (1971), de Trisha Brown, sur les toits de la ville. Le désir de présenter cette pièce est né pendant le confinement où j’ai eu la sensation d’un effacement des corps. Pendant cette crise sanitaire, au-delà du fait que ces opérations en plein air occasionnent la rencontre avec de nouveaux publics, confronter le corps aux éléments naturels, au vent, à la pluie, avec ces danseurs-vigies en action sur les toits va tout simplement permettre de se sentir vivant.

Rosita Boisseau

Passages, de Noé Soulier. Les 9 et 10 septembre à 20 heures (45 min), à La Conciergerie, Paris 1er, dans le cadre CDCN Atelier de Paris. De 10 € à 20 €.

Performing Art, de Noé Soulier. Du 10 au 12 septembre, Festival Actoral, au Mucem, Marseille 2e. De 9 € à 12 €.

Roof Piece, de Trisha Brown, par les étudiant.e.s du CNDC d’Angers sur les tours du château d’Angers, la terrasse du Quai et les rives de la Maine. Les 19, 20 et 26 septembre, 3 et 10 octobre à 16 heures (30 min). Gratuit.

PAR DAVID ROFÉ-SARFATI dans Toutelaculture.com - 22 AOÛT 2020 
A la Mousson d’été, Charles Berling saisi par le texte du jeune Valérian Guillaume.

Il pleuvait ce soir-là à l’abbaye des Prémontrés, mais une certaine chaleur s’est lentement diffusée pour y régner au sein du public réfugié au fond de la promenade des chanoines autour de Charles Berling pour entendre le texte adapté de son premier roman du jeune auteur Valérian Guillaume : Nul si découvert.

Il salive devant les produits alignés sur les rayons du supermarché. Il prie pour être le gagnant d’un jeu-concours organisé par une marque de nourriture mexicaine. Il adore lorsque les vigiles le palpent à l’entrée du magasin. Il se jette sur les distributeurs de friandises, les buffets en libre-service et les stands de dégustation.Il sue à grosses gouttes et rit lorsque l’on se moque cruellement de lui. Habité par ce qu’il appelle son démon, affrontant cette chose étrange autant que familière il cherche compulsivement la chaleur humaine dans les allées du centre commercial. Lorsqu’il croise Leslie à l’accueil de la piscine, sa vie trouve un sens ou du moins son esprit trouve une chaude rumination. Leslie est un ange, une fée qui le rend fou d’amour. Pour la conquérir, il lui faudra lutter contre le démon qui s’empare de lui dans les pires moments. Il luttera sans y croire contre cet empêchement névrotique étrange et ses symptômes. Nul si découvert nous fait voyager au sein même du cerveau de ce personnage traversé par une pulsion qui déborde, qui le déborde. Son imaginaire s’embrase pour le brûler et par une sorte de rêve, ou pas, il rencontrera son destin, et saluera son démon dans une merveilleuse scène finale.

Le mystique psychiatre Carl Gustav Jung écrivait : ce que l’on ne veut pas savoir de soi-même finit par arriver de l’extérieur comme un destin. Le roman théâtral de Valérian Guillaume construit un récit parabole en écho à la phrase de Jung. Le texte colle au plus près de l’intime du héros, dissèque, déplie puis ausculte le démon névrotique au sein même de la psyché. Les énumérations, l’importance donnée aux détails, l’impudeur et la finesse du choix des mots assure une plongée au plus profond de l’être. Surtout, la grammaire qui adhère au pulsionnel saisit le public qui retient son souffle. Le destin arrivera de l’extérieur sous forme d’une descente aux enfers en même temps qu’aux ordres du penchant secret du personnage.

Charles Berling offre sa voix, son corps et son talent ; il sera lui-même saisi par le texte en ce qu’il raconte cette pulsion qui déborde. Le comédien est rattrapé par une quinte de toux et sans quitter son personnage se précipite sur une bouteille d’eau dissimulée dans le décor. Par ce geste il nous rappelle qu’un grand acteur sait se laisser surprendre et accueillir le symptôme enfermé au sein même d’un texte. Nous rappelle aussi que La mousson d’été reste un lieu unique où ces choses-là adviennent.

Nul si découvert

Valérian Guillaume

lu par Charles Berling

mes par Michel Didym

Credit photo : Boris Didym

 

Fondée en 1995 par Michel Didym, son directeur artistique, La Mousson d’été constitue l’un des événements européens majeurs en matière de découverte, de formation et de promotion des nouvelles écritures théâtrales. Pendant dix jours, au coeur de la Lorraine, l’Abbaye des Prémontrés ouvre ses portes aux auteurs dramatiques, aux metteurs en scène, aux universitaires, aux comédiens et au public pour venir écouter le théâtre d’aujourd’hui. C’est autour de lectures, de mises en espace – de textes inédits ou traduits pour la première fois en français -, de conversations et de spectacles que La Mousson d’été organise ce terrain de rencontres.

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello 22 juillet 2020

Dans la solitude des champs de coton, de Bernard-Marie Koltès, musique et mise en scène de Roland Auzet.

 Dans la solitude des champs de coton, poème en prose oratoire, entre éthique et pathétique, né de la griffe admirable de Bernard-Marie Koltés, est livré sur la scène, comme une longue apostrophe à teneur philosophique, qui engage intimement les deux partenaires en lice à travers ce beau discours ciselé. Un dialogue ouvragé à entaille existentielle qui interpelle l’autre – être bien réel -, un monologue encore adressé à soi, la condition même de tout échange verbal dont on ne voudrait qu’il s’arrête, entre provocation, incantation, prière, imprécation, invocation désespérées. Selon la grammaire classique, l’apostrophe est la production d’un être extrêmement ému qui se tourne de tous côtés, s’adressant au Ciel, à la terre, aux rochers, aux forêts, aux choses insensibles, aussi bien qu’aux sensibles.

Dans la mise en scène contemporaine de Roland Auzet, la Nature romantique et les champs de coton, métaphores de tous les décors possibles et inégalitaires de notre présence au monde, se sont transformés, de façon brute et naturaliste, en quartier urbain de fébrilité parisienne, vers 21h, « à cette heure du jour et de la nuit » – territoire indien et divers, pour la reprise exceptionnelle du spectacle à Paris, dans les arrondissements parisiens des 5 ème, 13 ème et 14 ème, sur le Parvis de l’Institut du Monde arabe, sur le Ponton Milan du Quai d’Austerlitz et sur la pelouse du Stade Didot.

Les adversaires surgissent du lointain d’une rue bruyante et commerçante d’où les voitures défilent, deux figures errantes qui viennent de trajectoires opposées, arrêtées selon les feux de la circulation, mêlées à la foule désordonnée – et les deux femmes finissent forcément par se rapprocher.

Les spectateurs qui portent un casque aux oreilles, suivent les comédiennes : ils saisissent ainsi les moindres signes sonores – gestes, intonations, exaspérations et adoucissements auxquels se livrent les deux combattantes, en même temps que l’on entend la musique composée par Roland Auzet.

Les duettistes, Anne Alvaro – le dealer – et Audrey Bonnet – le client -, s’apostrophent et s’invectivent, répondant à l’expression d’une émotion vive ou profonde, l’élan spontané de leur âme affectée sur la question traitée de la valeur marchande du désir, qu’il soit drogue, drague, arme – objet illicite – ou regard trop appuyé jeté sur l’autre : « Je ne voudrais jamais de cette familiarité que vous tâchez, en cachette, d’instaurer entre nous. Je n’ai pas voulu de votre main sur mon bras. »

Le poids de cette main fait tout le contentieux de l’affaire, une appréhension physique et symbolique, comme celle du bandit sur sa victime ; le client ne le supporte pas, souffrant de ne pas savoir de quelle blessure il est meurtri.

Dealer ou client, brute ou demoiselle, selon la terminologie de l’auteur, chacun est à la fois l’un et l’autre, ne craignant pas ce qu’il est capable d’infliger mais craignant bien ce dont il est incapable – les douleurs distribuées au hasard des rencontres aléatoires. L’instance ultime se tient sur le fil coupant d’une existence ressentie à fleur de peau :

« Alors ne refusez pas de me dire l’objet, je vous en prie, de votre fièvre, de votre regard sur moi, la raison, de me la dire. » Si l’on voulait enfin couper la boucle infernale de la parole, il reviendrait de se raconter un peu, en ne livrant pas tout, en en gardant en réserve pour  soi, hors des mensonges et contre les apparences ludiques – respect, douceur, humilité, amour.

Le dealer d’Anne Alvaro fait entendre les ruptures et les déchirements dont sa voix terrestre et grave est capable, sous les reflets mêmes de l’apparence de l’amour, tandis qu’Audrey Bonnet se rebelle, baroque, contournant sa complice, telle une gazelle qui se cabre, se lance, disparaît puis revient à l’attaque. Un match sublime.

Véronique Hotte

Dans le cadre du « Mois d’août de la culture » à Paris
25 juillet > 1er août 2020
25 juillet – Parvis de l’Institut du Monde Arabe, Paris 5e
26 juillet – Parvis de l’Institut du Monde Arabe, Paris 5e
27 juillet – Parvis de l’Institut du Monde Arabe, Paris 5e
29 juillet – Ponton Milan, Quai d’Austerlitz, Paris 13e
30 juillet – Ponton Milan, Quai d’Austerlitz, Paris 13e
31 juillet – Stade Didot, Paris 14e
1er août – Stade Didot, Paris 14e

Nouvelles représentations :

2 septembre – Parvis de la BNF, Paris 13e
3 et 4 septembre – lieu surprise 
(réservations ouvertes à partir de la fin août)
 

Entrée libre sur réservation, nombre de casques limité. https://www.billetweb.fr/dans-la-solitude-des-champs-de-coton-roland-

Propos recueillis par Lionel Chiuch pour le site Comedien.ch 20 août 2020

Acteur, auteur, scénariste aux côtés du réalisateur Robert Guédiguian, Serge Valletti a mis du baume aristophanesque sur les plaies du festival avorté. Cet homme-là est un puissant élixir de jouvence. Rencontre.

Au début, on s’est dit : « Tiens, si l’on titrait : Valletti, le ponte d’Avignon ! ». D’abord, ça nous faisait marrer, et puis il y a une certaine vérité à affirmer que, cet été, l’homme d’influence à Avignon s’appelait Serge Valletti. Sauf que voilà : le gaillard, soixante balais et des poussières d’étoile, n’est pas du genre à jouer les pontes ni à pontifier. Son verbe truculent n’affecte aucune pose et, quand il cingle, c’est pour mieux gourmander le pouvoir.

Il y aurait pourtant de quoi pavoiser : faute de festival, si la bonne parole s’est répandue sur la cité des papes en cette maudite année, c’est en partie grâce à lui ! Et à cette vieille fripouille d’Aristophane (- 450 – 385), poète comique et géniteur de la comédie, dont Serge Valletti a soigneusement entretenu la progéniture prosodique pour mieux la hisser sur scène. Pendant une décennie, en effet, l’auteur de Saint-Elvis s’est consacré à la réécriture de l’œuvre du dramaturge grec. Une tâche titanesque que seuls la ténacité et le soutien des Nuits de Fourvière (Lyon) ont permis de mener à bien.

En toute logique, ce travail – du moins quelques échantillons – devait trouver sa place dans « Le Souffle d’Avignon », un projet de lecture publique initié par les 5 théâtres permanents et conventionnés d’Avignon. Du souffle, oui, pour compenser celui qui a manqué à un festival réduit au silence. C’est donc un rire cathartique, tonitruant mais jamais méchant, qui a résonné sous les voûtes du cloître Benoit XII – lequel, soit dit en passant, en pinçait plus pour l’Inquisition que pour la satire des mœurs. Réunis sur scène, Philippe Caubère, Ariane Ascaride, Mourad Boulhali et quelques autres ont ainsi livré les meilleurs moments de Les Marseillais (d’après Les Cavaliers) et de Las Piaffas (d’après Les Oiseaux). En congé imposé, Olivier Py est venu saluer l’initiative des Scènes d’Avignon tandis que Roselyne Bachelot, fraîchement nommée Ministre de la Culture, s’est offert l’une de ses premières virées officielles pour goûter l’esprit aristophanesque. Toutes choses au menu de notre rencontre…

Dans la série "Spectacle-culte", Philippe Noisette évoque dans Les Echos une création d'Alain Platel pour l'Opéra de Paris en 2005 - Publié le 19 août 2020

En créant « Wolf », mêlant opéra et danse dans un décor réaliste, le Belge Alain Platel fit chauffer à blanc les ors du palais Garnier, il y a quinze ans. Retour sur ce « spectacle culte », le cinquième de notre série d'août.


Alain Platel délaisse la narration propre à l'opéra pour inventer une forme hybride où Mozart se fait bousculer par des images fortes.
 

Créé au festival allemand de la RhurTriennale en mai 2003 « Wolf » arrive à Paris deux ans plus tard. Ce 17 mars 2005 il y a de l'électricité dans l'air à Garnier. Le spectacle est déjà lesté d'une réputation certaine : il prend certains spectateurs à rebrousse-poil tandis que d'autres crient au génie. Alain Platel, orthopédagogue de formation, désormais chef de file du collectif des Ballets C. de la B., délaisse la narration propre à l'opéra pour inventer une forme hybride où Mozart se fait bousculer par des images fortes.

Dans un décor de centre commercial quasi à l'abandon on brûle les drapeaux des nations, on ose les duos comme des parades amoureuses, on se retrouve dans une communauté de toutes les couleurs. Il y a un message politique, parfois cisaillé par le grotesque des situations. Platel a réuni une équipe singulière avec l'ex-danseuse de l'Opéra de Paris Raphaëlle Delaunay, Serge Aimé Coulibaly ou Franck Chartier. A la baguette de l'orchestre, Sylvain Cambreling.

C'est Gérard Mortier, gantois comme Alain Platel, qui est venu le chercher. Quatre années de patience seront nécessaires pour convaincre le chorégraphe. Une éternité. Entre-temps Mortier a pris la tête de l'Opéra de Paris. On ne sait pas ce qui irritera le plus ce soir-là quelques mélomanes : Mozart détourné ou l'intrusion dans « Wolf » du tube sirupeux de la star Céline Dion « A New Day Has Come » ! Et puis il y a cette meute de 14 chiens accentuant le danger permanent d'une pièce ancrée dans la ville.
Danseur hip-hop en étoile

Platel dira plus tard que, dans son esprit, Gérard Mortier tenait à présenter « Wolf » dans un lieu aussi chargé d'histoire que l'Opéra de Paris. Par contre, les festivaliers d'Avignon ne verront jamais cette œuvre l'été 2003, grève oblige. « Wolf » aurait eu belle allure dans la cour d'honneur du Palais des papes… Ce danseur hip-hop jouant l'étoile du ballet ou ces acteurs sourds-muets imposant la belle langue des signes resteront dans la mémoire du public parisien.

Même si cette création n'est pas sans faiblesse, elle a le mérite d'oser. Le chorégraphe belge retrouvera Mozart le temps d'un « Requiem » bouleversant. Alain Platel ne se voit pas comme un artiste « extravagant ». Mais il reconnaît : « la meute de 'Wolf' c'était quand même quelque chose ! » On ne saura jamais ce que Wolf (gang) Amadeus Mozart en eût pensé…


Wolf, Chorégraphie d'Alain Platel
A l'Opéra de Paris en 2005

Philippe Noisette

Légende photo : Alain Platel délaisse la narration propre à l'opéra pour inventer une forme hybride où Mozart se fait bousculer par des images fortes. (© Victor/ArtComPress via Leemage) 

Entretien avec Matéo Cichacki*, directeur du festival de Villerville, propos recueillis par Philippe du Vignal, publié le 13 août 2020

 -Alain Desnot qui a créé et dirigé ce festival pendant six ans, a souhaité passer la main et vous a choisi  pour lui succéder. Fait exceptionnel, vous êtes nommé directeur à seulement vingt-trois ans…

 -C’est étrange mais, j’ai par la force des choses, toujours travaillé comme acteur avec des gens plus âgés que moi. Et sans difficulté. C’est un « petit » festival qui se déroule dans un village mais cela implique comme ailleurs  des responsabilités administratives et artistiques. Je demande régulièrement conseil à Alain mais il a choisi cette année de ne pas venir pour qu’il n’y ait pas d’interférences. En raison de la crise sanitaire actuelle, ce sera une édition limitée; j’ai voulu qu’elle ait quand même lieu mais cette fois, sur un seul site: l’ancien garage.


Ce sera sur le plan de la programmation plus facile à gérer pour le jeune directeur que je suis. Et j’ai mis l’accent sur des auteurs contemporains. Restent les contraintes d’ordre sanitaire qui ne sont pas toujours simples à gérer: distanciation physique, mise en place de parcours fléchés avec flacons de gel hydro-alcoolique, billetterie et contrôle des entrées adaptés, réservation par internet avec quand même un petit quota de places à garder. Mais bon, nous n’avons pas de salle de 300 places et Un festival à Villerville c’est une petite manifestation. Le Nouveau Théâtre Populaire près d’Angers, lui,  accueille 1.500 personnes par jour pendant dix jours ! Mais question jauge, ce n’est pas nous qui décidons et cela sera réglé au dernier moment. C’est cela le plus inquiétant…

Comme il a fallu en termes  budgétaires resserrer les boulons, j’ai décidé de pas faire appel à un traiteur et un cuisinier préparera, avec de nombreux bénévoles, les repas pour les artistes, les techniciens et le personnel d’accueil. Et il y aura une buvette pour le public. Je voudrais que le festival ait une dimension plus ludique et attire davantage de jeunes; l’an prochain, si tout va bien, on mettra en place à leur intention un camping à bas prix.
Toujours dans un souci d’économie, nous avons pu nous faire prêter des logements pour héberger les artistes et négocier des contrats  avec des gîtes ruraux. Et l’Hôtel Bellevue, qui nous consent des prix, restera notre partenaire habituel. Ce sont des problèmes d’intendance mais on sait qu’ils sont capitaux dans la bonne gestion d’un festival si l’on veut mettre toutes les chances de son côté. Merci au passage à la municipalité de ce village qui nous soutient. Comme la Région et le Département de Seine-Maritime.  La D.R.A.C. ne le peut pas car je n’emploie pas assez de professionnels: ici la directrice technique est la seule rémunérée. Et moi-même, je ne pourrais pas me payer cette année. Et j’ai juste une jeune administratrice qui, elle non plus, n’est pas  rémunérée mais juste défrayée.

-Autant  dire que vous êtes un peu sur le fil du rasoir… Comment réussissez-vous à faire en sorte que cela puisse quand même fonctionner ?

-Je dois vous avouer que ce n’est pas facile tous les jours, notamment quand il faut cautionner le matériel qu’un grand théâtre nous prête, quand il faut organiser au mieux le transport du dit matériel depuis Paris. Ou quand on dirige toute une équipe de bénévoles… Mais bon, à une quinzaine de jours de la première, tout est dans l’axe et j’ai heureusement avec moi des bénévoles qui sont très motivés…

-Et pour en revenir au programme de cette septième édition hors-normes?

-J’ai essayé dans la mesure du possible de diversifier les choses. Avec des acteurs et metteurs en scène reconnus qui sont déjà venus les années passées à Villerville: ainsi  Sylvie Orcier et Patrick Pineau, créeront Black March, une pièce inédite de Claire Barrabès.Théo Askolovitch avec son équipe, met en scène la pièce bien connue de Fausto Paravidino, La Maladie de la famille M. Et Tigran Mekhitarian réalisera un  Dom Juan de Molière modernisé. Sacha Ribeiro, avec sa compagnie Courir à la Catastrophe mettra en scène Œuvrer son cri une pièce qu’il a conçue. Et je mettrai en scène Le Monte-Plats d’Harold Pinter. il y aura aussi des lectures de textes contemporains, une performance et deux concerts les vendredi et samedi. Et l’an prochain, je souhaiterais qu’il y ait une majorité de spectacles créés in situ. C’est une des marques de fabrique de ce festival….

Philippe du Vignal

 Le festival de Villerville aura lieu du  24 au 26 août.
Réservations à partir du 18 août : par mail (à privilégier) et au  06 71 62 21 57. Et sur place au Garage, 10 rue du Général Leclerc, du 24 au 26 août de 14 h à 19 h et du 27 au 30 août de 10 h à 22 h.

* Le nom a été corrigé, par rapport à l'article original

PAR AMELIE BLAUSTEIN NIDDAM dans Toutelaculture.com

14 AOÛT 2020

Sylvain Maurice : « Je ne suis pas inquiet sur le principe du spectacle vivant, je suis inquiet pour l’économie du spectacle vivant »
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Cet automne, Sylvain Maurice retrouve Vincent Dissez pour Un jour je reviendrai, un montage pertinent de deux textes de Jean-Luc Lagarce. L’occasion de se rencontrer pour parler du confinement, des conséquences du Covid sur le Théâtre de Sartrouville, et  bien sûr, de l’avenir. 

Alors, comment s’est passé le confinement ?

A titre personnel, plutôt pas mal, et le théâtre a toujours continué de fonctionner, on ne s’est jamais arrêté.

C’est-à-dire, comment avez-vous fonctionné pendant le confinement ?

Il y a plusieurs niveaux. Le Théâtre de Sartrouville et des Yvelines est un lieu de création. Il y avait plusieurs problématiques. Il fallait continuer à être en relation avec les artistes, témoigner que malgré tout, l’avenir pourrait s’écrire.

Vous avez annulé les spectacles ?

Nous avons dû annuler beaucoup de spectacles de la programmation. Notamment Penthésilée qui en était au début de sa vie. L’urgence était de ne pas briser la relation avec le public. Notre territoire comporte des publics très divers dans leurs origines sociologiques et culturelles. Les relations publiques ont vraiment bien travaillé ; nous avons réfléchi avec elles à transformer les dispositifs en présentiel en dispositifs numériques, en « zoomentiel » en quelque sorte ! Et clairement nous avons perdu assez peu de public.

Avez-vous des exemples de ces pratiques numériques ?

Oui, par exemple les élevés des  options théâtre des lycées pouvaient se donner la réplique à distance. Nous n’avons jamais fermé boutique, et même certains ont plus travaillé que d’habitude. Les outils nous ont permis de réaliser des séances plénières où tout le monde était là, ce qui devient une transposition de ce qui était normalement de l’acting, du jeu. Il pouvait y avoir aussi des scènes que l’on jouait en numérique ; alors là c’est autre chose, c’est moins sur le groupe que sur des petits comités, des petites conférences Zoom. Et puis il pouvait y avoir aussi un travail de réalisation. Par exemple faire un solo, le filmer et l’envoyer au pédagogue ou à l’artiste qui dirige l’atelier.  Les formats sont finalement assez variés. Mais, il ne faut pas se leurrer, cela ne peut être qu’un moment et qui ne remplacera jamais le vivant. Cela nous a  juste permis de garder le lien, de ne pas fermer.

Et vous avez pour le coup vraiment « ré-ouvert » le 16 juin, je crois ?

Oui, depuis de 16 juin nous avons mis notre nouvelle saison en ligne, nous avons fait pas mal de petits films où je commente toute la saison. Et il y a une bonne réponse du public pour l’instant.

Je pensais que vous aviez reçu du public depuis le 16 juin.

Nous avons effectivement reçu du public, mais pas sur des spectacles. En revanche, nous allons faire des ateliers dès la mi-août. Avant cela, nous avons reçu les publics pour les conseiller pour les abonnements par exemple.

Donc la réouverture de la saison, ce sera avec votre mise en scène de Un jour, je reviendrai, avec Vincent Dissez, qui était immense dans Réparer les vivants. Ce n’est donc pas votre première collaboration avec cet excellent comédien, mais qu’en est-il de Lagarce ?

En fait j’ai déjà monté L’Apprentissage il y a une petite dizaine d’années quand j’étais à Besançon à l’école dramatique. C’était Alain Macé qui était un acteur qui avait travaillé avec Jean-Luc Lagarce qui m’avait proposé de le mettre en scène. Depuis Réparer les vivants, Vincent et moi nous voyons régulièrement, on lit des textes. J’avais l’intime conviction qu’il fallait réunir ces deux textes incroyables de Jean-luc Lagarce qui sont L’Apprentissage et Le voyage à La Haye. Et de les concevoir non pas comme un diptyque mais vraiment comme un spectacle qui aurait sa propre unité.

Ce sont deux textes que Vincent Dissez connaissait ?

Oui, il avait joué dans Le Pays lointain à l’Odéon, mis en scène par Clément Hervieu-Léger. Et il jouait le personnage de A qui est aussi dans L’Apprentissage et qui est plutôt l’assistant, le confident, l’homme de l’ombre qui n’est pas son amant, qui est un personnage avec qui il a des relations plutôt… Je ne vais pas dire d’amitié. Loïc Corbery jouait Lagarce, donc oui c’est une œuvre qu’il connaît bien. Mais là, c’est la première fois qu’il va s’emparer de ces deux textes qui sont à la fois très reliés et très différents.

L’Apprentissage est, au départ, une commande d’écriture de Roland Fichet, qui à l’époque officiait à Saint-Brieuc. Il avait passé une commande à toute une génération d’auteurs dont Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana et Lagarce donc, avec la consigne : un récit de naissance. Lagarce parle d’une personne qui sort du coma, qui renaît à la vie et qui apprend à marcher, enfin d’abord à voir, à parler, à marcher, et donc c’est à la fois comme un jeune enfant, voire même un nourrisson, puis quelqu’un qui ferait ses premiers pas, puis ça s’arrête là, à la sortie de l’hôpital.

Et le second ?

Le deuxième texte s’appelle Le voyage à La Haye. C’est un récit plus factuel. Le premier est écrit un peu avec cette métaphore de la renaissance. A l’occasion d’une tournée à La Haye d’une de ses pièces, Lagarce en profite pour aller à Amsterdam revisiter les lieux de sa grande passion pour G. Mais il est rattrapé par la maladie puisque quand il revient à Paris, il est en train de perdre la vue. D’ailleurs, il en parle dans son journal. Il sait qu’il ne peut plus faire les mêmes choses du fait du Sida, il décide d’écrire des textes autobiographiques. C’est un projet qui est très conscient chez lui. Le voyage à La Haye a été créé par Hervé Pierre, dans une mise en scène de François Berreur, il y a une vingtaine d’années ; d’ailleurs Hervé était magnifique, mais à ma connaissance il n’y a pas eu de nouvelle mise en scène. Ce sont deux textes bouleversants.

Et est-ce que cette idée, monter une pièce qui parle d’un coma, est née pendant le confinement?

Non, mais ça va raisonner avec le confinement. En fait c’est un projet qu’on a depuis un an.

Est-ce un seul en scène ?

Oui c’est un seul en scène, il est tout seul, sans musicien.

Vous connaissez déjà vos axes de direction ?

Oui, on a déjà répété deux semaines. (NDLR : nous sommes alors le 22 juillet 2020). La première est le premier octobre, ça va arriver rapidement. Disons que le travail est très différent que celui sur Réparer les Vivants. L’écriture de Maylis de Kerangal est épique, elle englobe comme ça toute l’humanité, elle est une sorte d’odyssée du cœur, voilà un langage d’une communauté d’êtres humains autour de cette greffe. Là on parle vraiment de l’intime.

Vous l’avez pensé quasiment comme une lecture ?

Non, il y vraiment un dispositif scénique. Notre travail c’est de trouver la parole la plus simple. Celle qui permet de faire entendre toutes les contradictions du personnage. À la fois, il a envie d’être avec les autres parce que la troupe, le théâtre lui sont chers, même le maintiennent vivant, et puis en même temps, il a envie d’être seul dans une position presque de repli. Cela fait écho avec la dissociation entre le metteur en scène qui a toujours envie d’être avec les autres, qui est un homme ou une femme du collectif, et l’auteur qui est quelqu’un qui est plutôt confronté à la page blanche. Et c’est vraiment cette contradiction là, qui explique le titre : Un jour, je reviendrai qui est le projet qu’énonce Lagarce dans son premier texte et qui est une sorte de fantasme, en tout cas une vision.

C’est une phrase qu’il prononce ?

C’est une phrase qu’il écrit, ce n’est pas moi qui l’ai inventée, on en a même discuté avec François Berreur, qui gère les droits de Lagarce, et ce titre correspond tout à fait à un moment. Je cite de mémoire : il indique qu’il se prend à rêver qu’un jour il reviendra, plus élégant, et qu’il marchera dans la rue. Comme une espèce de projet, et c’est pas faux puisque c’est Vincent qui l’incarne. Vincent dit souvent – et ça me touche beaucoup – qu’il est un peu le fantôme de Lagarce, comme sa réincarnation au théâtre, qu’il est visité par le fantôme de Lagarce, et je pense qu’il y a vraiment cette idée là, qu’il est un peu revisité par Lagarce. 

La première partie de votre programmation n’a pas été modifiée.

Et bien si, j’ai dû modifier beaucoup. J’ai fait une programmation avec moins de « gros » spectacles.

Mais vous avez pensé une saison en deux temps.

Alors c’est un peu empirique ; on est un peu comme tout le monde, on essaie d’organiser nos pensées en fonction de l’épidémie.

Vous imaginez une première partie avec les mesures barrières puis une seconde avec un retour à la vraie normale.

C’est le souhait que je formule, j’espère qu’à partir de janvier on puisse retrouver la « vraie normale ». Mais peut-être que les données me donneront tort. De toute façon, on pourra jouer avec de la distanciation physique et des petites jauges aussi en deuxième partie de saison.

Comment ça se passe pour la première partie ?

C’est simple : une personne sur trois dans la salle avec les masques. Nous allons accueillir les gens avec toutes les mesures sanitaires.

Est-ce que cela fait tomber la jauge ?

Nous avons multiplié les levers de rideau, la jauge reste identique si on la pense dans sa globalité. Par soir, c’est en revanche un tiers de la capacité. Mais là où on aurait joué une fois, ou deux fois, on multiplie par deux ou par trois, donc il y a un coût supplémentaire. Bien sûr économiquement ce n’est pas viable sur le long terme.

Le théâtre de Sartrouville est un lieu public, un CDN, cela vous permet cette pratique.

Oui tout à fait, on peut le faire pendant un certain temps. C’est-à-dire que les budgets 2020, du fait du chômage partiel, vont être équilibrés. En revanche, à partir de 2021 si cela continue, nous allons sombrer. Les scènes subventionnées sont dans une logique économique que le chômage partiel a rendu possible. Sans cela nous serions dans une situation plus que critique. Cela ne pourra pas continuer indéfiniment.

Et donc comment avez-vous pensé la saison à l’année ? Vous avez des spectacles jusqu’en juin, par exemple l’Épopée de Johanny Bert. 

Le CDN est un partenaire constant de Johanny Bert. Nous avions coproduit Elle pas princesse, Lui pas héros qui a été repris au 14, et nous sommes coproducteur de l’Epopée. Concernant la saison, on ne pourra pas programmer plus qu’annoncé. Les budgets sont insuffisants. J’ai davantage privilégié les spectacles avec moins de monde sur scène pour pouvoir jouer plus longtemps. Les grandes formes sont repoussées dans le meilleur des cas. C’est la grande question, si cette crise dure, il faut tout repenser. Il y aura toujours du spectacle vivant, on jouera en plein air, on trouvera des solutions. Je ne suis pas inquiet sur le principe du spectacle vivant, je suis inquiet pour l’économie du spectacle vivant.

Visuel : © CDN de Satrouville

Propos recueillis parJean-Rémi BARLAND  pour le site DestiMed - 11 août 2020

Un homme jouant de la flûte, assis en tailleur au milieu d’une avenue, filmé de dos. Plus loin un autre court à perdre haleine. Des images d’une beauté à couper le souffle. C’est « Cattle » (en français « Bétail ») un court métrage puissant, fort et inquiétant, dérangeant, et magnifique, réalisé en 2019 par Dumas Haddad, un cinéaste anglais qui développe ici une sorte de métaphore quant à notre condition d’êtres humains asservis et pas décideurs de leurs choix.

Celui qui s’enfuit c’est Eliott Lerner, acteur surdoué et au pouvoir d’expression quasi magnétique. « Quand j’ai été contacté par l’assistant de Dumas, je ne savais pas trop ce que j’allais jouer, explique-t-il, je suis parti à l’aventure sans connaître véritablement le thème de ce court-métrage très expérimental car on ne m’avait pas donné le synopsis, et c’est par le retour images que j’ai saisi la force de ce film ». Né le 1er juillet 1990 à Paris, rien ne prédestinait pourtant Eliott Lerner à devenir acteur. Ayant appris le piano dès l’âge de cinq ans au Conservatoire classique de Paris, il découvre le jazz à quinze ans, auprès de pianistes tels que Yaron Herman, et Franck Avitabile. A quinze ans un professeur de français Eric Blaisse lui conseille de faire du théâtre. Mais il n’en fait rien ! Pourtant, trois ans plus tard, le bac en poche, il intègre la formation professionnelle des Cours Simon. « Je me suis dit tant que ça me plaît, je continue ! Il entre ensuite au Conservatoire du 5e arrondissement de Paris, de 2011 à 2014 avec Bruno Wacrenier puis Stéphanie Farison puis la Classe Libre du Cours Florent, où il travaille avec Jean-Pierre Garnier, sur « Les frères Karamazov  » pendant cinq mois. « Il se plaçait entre pédagogue et metteur en scène, précise Eliott Lerner, pas en tant que prof regardant un élève. J’ai beaucoup appris avec lui ».

Création de la Compagnie Charles Filant

Mais l’envie de partage fut si forte que l’acteur créa une compagnie appelée Charles Filant qui développait le concept de jouer dans des lieux publics, dans des cours d’immeuble, à la gare Montparnasse, multipliant les scènes dans des endroits inhabituels. « La Compagnie m’a appris à travailler en groupe, à monter des projets ensemble, en développant l’idée d’autonomie », confie-t-il.

Sur un fil… l’idée de vertige

Un jour qu’il répétait « Œdipe » de Sénèque avec sa compagnie, il s’est vu marcher sur un fil. « Si je tombe je meurs », se rappelle-t-il. « C’est à cet instant que je me suis dit que je voulais faire du théâtre, marcher sur ce fil, me mettre en jeu, me mettre en risque, me risquer. » Il aurait d’ailleurs pu reprendre à son compte la magnifique chanson d’Anne Sylvestre « Sur un fil  » qu’il n’a jamais écoutée. « Je suis le funambule et j’aborde mon fil. (…) Mais je marche, pourtant, je marche lentement. Je ne veux pas penser qu’on me ferait tomber. Pour rien, pour voir, sans méchanceté. Ce n’est pas méchant de souffler, de s’amuser à balancer le fil de ma vie. Le fil de ma vie. »

Le fil, frontière entre le monde réel et le monde de tous les possibles

On ne saurait mieux dire en parlant d’Eliott Lerner qu’il est un comédien funambule, un acteur exceptionnel de densité, dont le travail passe d’abord par le corps et ensuite par un esprit en éveil qui entre en communion avec le corps. D’une force qui s’impose jusque dans ses silences, inoubliable par sa seule présence, dont chaque apparition est un choc pour celui qui la reçoit, précis dans ses gestes, et dans son positionnement sur scène ou face à la caméra, Eliott Lerner tient beaucoup à cette notion de fil pour un comédien. « Le fil symbolise à mes yeux, un endroit sur lequel je marche et la frontière entre deux mondes : le monde réel et le monde d’à côté ; le monde de tous les possibles ». Et par son parcours d’illustrer sa pensée avec une constance rare.

« Iliade » d’Alessandro Baricco mis en scène par Luca Giacomoni créé avec des prisonniers

« En 2016, raconte-t-il, je reçois un coup de fil de Luca Giacomoni, un metteur en scène que je ne connais pas et qui me dit : "Je monte Iliade de Baricco en milieu carcéral, ça vous intéresse ?" Immédiatement emballé, je passe l’audition et j’ai le rôle de Ménélas qui est la cause de la guerre de Troie. Nous répétons en prison, et à l’extérieur et dix épisodes d’une heure sont joués au Théâtre Paris-Vilette, en 2017 et 2018. L’intégrale au Théâtre Monfort en 2018. Les prisonniers pouvaient sortir de prison pour jouer et ils y retournaient le soir. C’était incroyable. La mise en scène se voulait très sobre, comme en prison. Pas de décors, pas de lumières, pas de costumes. Des chaises placées en arc de cercle d’où nous racontions cette guerre, et à certains moments nous nous levions pour l’incarner, pour la jouer. Ces mêmes chaises devenaient alors des armes, des corps, des murailles, et pour finir le cheval de Troie. On racontait ici une histoire très ample avec une économie de moyens et l’accompagnement de la magnifique chanteuse iranienne Sara Hamidi. »

Amoureux des mots

Amoureux des mots, Eliott Lerner accorde une grande place dans son travail à leur signification, à leur force et à l’importance de trouver l’expression juste. « Lors du dixième et dernier épisode, je me suis vu confier le rôle de l’aède, la voix du poète, "la mémoire des gloires humaines". Ce rôle reste à ce jour l’un de ceux qui m’a le plus marqué. » Pas étonnant donc de découvrir que le comédien s’emploie à écrire lui-même, qu’il est un grand lecteur de Dostoïevski, (là encore des romans d’une chute annoncée), et qu’il aime travailler avec des metteurs en scène qui développent des mondes imaginaires. Ainsi Eric Bouvron, avec sa pièce « Marco Polo et l’hirondelle du Khan » dans laquelle Eliott Lerner joua en alternance le rôle titre avec Kamel Isker, un des comédiens fétiches du metteur en scène Jean-Philippe Daguerre. Fort de son succès et de son Molière obtenu en 2016 pour « Les cavaliers » d’après Kessel, Eric Bouvron engagea Eliott Lerner qui se trouva sur la même longueur d’ondes que lui. « Sa façon de mettre en scène m’a particulièrement intéressé , explique le comédien, il était dans l’accompagnement, dans la création et l’imagination d’un monde commun. Ce fut une belle rencontre. »

Le fleuve de larmes d’un auteur congolais

A la suite de l’Iliade Carine Piazzi contacta Eliott Lerner afin de l’embarquer dans l’aventure de sa mise en scène du texte « J’ai remonté le fleuve pour vous ! » du Congolais Ulrich N’toyo. « D’où je viens ? Congo-Brazzaville. Je te regarde en ce jour ô mon pays bien aimé et mon cœur hurle. Toi, posé sur l’équateur, tu avais tout pour devenir un Eden. Le soleil, l’eau et cette terre qui m’a vu naître… Qu’avons-nous fait de toi ? Qu’avons-nous laissé faire ? Alors que l’Eden est fleuri d’ordures, le Congolais lui boit sa bière chassant d’un geste agacé les moustiques qui le dérangent », dit en substance la pièce qui retrace une partie de la jeunesse d’Ulrich N’toyo. « Il raconte l’histoire d’un jeune qui grandit au Congo-Brazzaville avec l’amour de la langue française, avec des rêves, des espoirs qui vont être anéantis par le chaos de la guerre. Des années de colonisation, un pouvoir aujourd’hui gangrené par la dictature et les bakchichs, des arrestations arbitraires, des artistes appelés à se taire… Comment faire pour panser les blessures ? Passer à autre chose ?  », précisent les notes d’intention de la production. Porté par trois comédiens à savoir, Eliott Lerner, Claudia Mongumu, Josué Ndofusu qui incarnent tous le narrateur et les différents personnages : les habitants, les mafieux, les professeurs, la mère, les amis etc, la pièce qui bénéficie de la dramaturgie tout en nuances d’Alice Carré, détaille le contexte historique, et géopolitique précis, et vient dessiner l’évolution de jeunes adultes dans ce pays instable.

« Les 3000 » de Hakim Djaziri, la suite de « Désaxé » donné dans le Off d’Avignon 2019

Energie, sensibilité, émotion, présentes ici sur le plateau, sont également les maîtres-mots de ce qui nourrit le quotidien professionnel d’Eliott. Pour preuve sa participation à la pièce « Les 3000 » de Hakim Djaziri (titre en rapport à un quartier de Seine-Saint-Denis), et qui est la suite de l’exceptionnel « Désaxé  » qu’il nous fut donné de voir au théâtre du Train Bleu en juillet 2019 dans le cadre du Off d’Avignon. Réflexion sur le phénomène de radicalisation et sur le djihad, le propos de l’auteur, acteur, et metteur en scène secoue les consciences. Eliott Lerner qui n’était pas sur « Désaxé » apportera, à n’en pas douter un souffle neuf à l’univers très riche d’Hakim Djiaziri.

« Le théâtre est de l’ordre de l’éphémère »

Toujours en mouvement, sans cesse créatif dans sa manière d’appréhender le monde de l’art Eliott Lerner défend l’idée que « le théâtre est de l’ordre de l’éphémère », et aime qu’« il reste gravé dans le corps et le coeur des gens ». Pour preuve ces deux créations de spectacles auxquelles il participera en 2021. Un monologue écrit par Mariette Navarro, intitulé « Impeccable » qui va se jouer en avril 2021 sur la scène nationale de Dunkerque dans une mise en scène de François Rancillac. « Un jeune gars qui vient d’ailleurs, et qui a quitté son chez lui car il trouvait qu’il se renfermait sur lui-même, une écriture imagée, et naïve au sens propre du terme...tout ça me parle  » précise Eliott Lerner qui participera aussi à « Saint-Denis, Brazza, Lomé » d’Alice Carré -dramaturge sur « Le fleuve  », auteure de « Nous sommes de ceux qui disent non à l’ombre  » et « Et le coeur fume encore »- qui propose là une pièce sur les tirailleurs sénégalais.

Avec Eric Cantona et Guillaume Gallienne

De ses deux expériences télé-cinéma Eliott Lerner se souvient de sa rencontre avec Eric Cantona sur le tournage du téléfilm « Le voyageur  » réalisé par Stéphanie Murat. « Eric est un être assez doux, calme, et même si je ne lui ai donné la réplique que sur une seule scène cela restera comme une belle expérience. » Quant à son rôle de Simon dans le film « Maryline  » de Guillaume Gallienne il l’évoque avec enthousiasme. « J’y suis allé au culot...Je lui ai envoyé un mail pour tourner dans son film. La réponse est venue alors que je ne l’attendais plus. J’étais très heureux d’être pris et j’ai trouvé en Guillaume Gallienne un directeur d’acteurs très précis ».

Une grande connaissance du théâtre avec des propos aussi intelligents que ceux de Laurent Terzieff

Impressionnant de culture, Eliott Lerner, un des jeunes acteurs prometteurs de l’Agence Rush, dans laquelle Marie Brand suit son travail avec un soin particulier, possède ce don pas si fréquent chez les comédiens d’avoir une vision d’ensemble du théâtre. On a loué déjà ici la prestance, l’allant, la force presque animale de son jeu, on saluera également son intelligence esthétique qui se reflète dans des propos sur le théâtre et l’art en général dignes de ceux de Laurent Terzieff, acteur et metteur en scène qui sut mettre comme Eliott beaucoup d’oeuvre dans sa vie et de vie dans son œuvre…

Jean-Rémi BARLAND

Eliott Lerner : "se mettre en jeu, se mettre en risque, se risquer". (Photo Cha Gonzalez)

Par Gaêtane Rohr dans La Dépêche, 23 juillet 2020

 Stéphanie Bulteau, 46 ans, a été nommée directrice de CIRCa, le pôle national des arts du cirque à Auch. Elle succède à Marc Fouilland.

Stéphanie Bulteau, directrice de la scène conventionnée Le Séchoir à La Réunion, prend les rennes de CIRCa, le pôle national des arts du cirque Auch Gers Occitanie. Une décision prise par le conseil d'administration de CIRCa où siègent notamment des représentants de la mairie, du Grand Auch, du conseil départemental et de la Région. Une décision validée par le ministère de la Culture. Elle a donc été nommée à l’unanimité par le conseil d’administration de CIRCa et prendra ses fonctions le 15 septembre 2020.

Stéphanie Bulteau, âgée de 46 ans, développera un projet, toujours axé sur la création circassienne, qui accordera une large place aux arts du mouvement au sens large et à l’offre jeune public.
Programmations décentralisées

Elle poursuivra la présence de CIRCa sur le territoire, au plus proche de ses habitants, à travers le développement du festival sur l’ensemble de la ville d’Auch et la mise en place de programmations décentralisées dans le Gers, qui seront accompagnées de résidences et d’actions d’éducation artistique et culturelle hors-les-murs.

Elle poursuivra le travail initié concernant la structuration de la filière professionnelle régionale, notamment en lien avec l’école nationale supérieure du Lido à Toulouse. Très attachée aux valeurs de citoyenneté et de convivialité, elle maintiendra l’ouverture de CIRCa aux pratiques artistiques amateures.

Elle prend la succession de Marc Fouilland, qui, tout au long des 18 années qu’il a passé à la tête de CIRCa, a su faire du Festival du cirque actuel un rendez-vous incontournable pour le secteur des arts du cirque à l’échelle nationale et internationale tout en structurant un projet particulièrement ambitieux, rayonnant bien au-delà du territoire qui l’a accueilli.

Gaetane Rohr

Par Yonnel Liégeois dans chantiersdeculture.com 24-07-2020

Dans le cadre du festival « Un été solidaire », se joue jusqu’au 29/07 au Théâtre de la Ville-Les Abbesses (75) J’ai trop d’amis ! Dans la mise en scène de David Lescot, l’auteur et artiste associé du lieu. Les états d’âme d’un jeune collégien, entre humour et tendresse.

Mains dans les poches et casquette vissée sur le crâne, dans la cour de récréation de son nouvel établissement il fait front ! Il n’en mène pas large, pourtant, celui qui joue au gros  dur… Face à lui, le directeur du collège égrène les noms des élèves qui composeront les diverses classes de sixième : se retrouvera-t-il avec sa bande de copains du CM2 ?

Las, pas de chance, il est projeté seul dans cette maudite classe de 6ème D, au milieu d’une bande d’irréductibles anonymes conduite par Clarence, le fort en gueule mais nul en thème… Un grand moment de solitude pour le jeune gamin qui va devoir gagner sa place en terre inconnue ! D’autant que les déboires s’accumulent en cette fin de journée de rentrée scolaire : sa petite sœur nouvelle élue en maternelle qui accapare l’attention de ses parents, le complot qui l’a propulsé délégué de classe sans même qu’il soit candidat. Pire encore : pas de chaussures de marque aux pieds, ni de téléphone portable en poche… Il y a vraiment de quoi en perdre ses repères, et le moral. Pendant près d’une heure de spectacle, dans un soliloque subtilement entrecoupé des babillements du plus bel effet de sa sœur et des commentaires pas très éclairés de son voisin de table, le jeune promu dans la cour des grands va capter l’attention du public, non sans humour et tendresse.

Un dispositif scénique d’une extrême simplicité, mais très ingénieux avec un coffre de bois qui devient en un tour de main table d’école, chambre ou salon familial, une écriture ciselée au cordeau, au plus près du langage des enfants de ce troisième millénaire…  Avec J’ai trop d’amis, sa nouvelle création à la demande d’Emmanuel Demarcy-Mota, le patron des lieux, David Lescot se la joue fort et juste ! D’abord dans sa prise au sérieux des interrogations et doutes à hauteur d’enfant, ensuite par sa maîtrise du jeu qui plonge tout son monde, petits ou grands, jeunes et leurs parents, sans mise au coin ou au piquet, dans l’imaginaire d’un temps révolu pour les uns et à venir pour les autres. Une interprétation fort ludique et inventive des interprètes, toutes féminines même dans les rôles masculins, entre rire et émotion pas une seule once d’ennui jusqu’à ce que la cloche sonne l’heure de la récré !

Yonnel Liégeois

La pièce sera reprise, du 4 au 14/11 au Théâtre de la Ville, espace Cardin-Studio

Publié par 7 Jours à Clermont le 27 août 2020


En raison de la situation sanitaire, la Ville de Clermont préfère reporter l'inauguration officielle du nouveau théâtre, lieu identitaire de La Comédie de Clermont. La programmation artistique, en revanche, est maintenue. Le premier rendez-vous est fixé au 25 septembre.

L’inauguration officielle du nouveau Théâtre de La Comédie de Clermont devait se dérouler vendredi 4 septembre. En raison du contexte sanitaire, la Ville de Clermont a décidé de repousser cet événement à une date ultérieure, non déterminée. On sait que l’idée initiale était d’organiser une manifestation conviviale et festive pour cette occasion. Il était difficile de la maintenir dans les conditions actuelles.

« Société en chantier » pour démarrer

Le report de l’inauguration ne remet toutefois pas en cause les premiers spectacles prévus dans le nouveau lieu. A commencer par Société en chantier de Stefan Kaegi et du Rimini Protokoll qui lancera la saison de La Comédie de Clermont, le 25 septembre (et jusqu’au 1er octobre). En octobre, le théâtre du boulevard François-Mitterrand accueillera Le lac des cygnes, dans une chorégraphie d’Angelin Preljocaj et recevra le spectacle théâtral de Maud Lefèvre et du Collectif X, Une femme sous influence, inspiré par le film de John Cassavetes. Le mois se terminera avec Wiesenland, l’un des chefs d’œuvre de la chorégraphe Pina Bausch, interprété par les danseurs du Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Propos recueillis par Joëlle Gayot dans Télérama 26/08/2020

Loin de la Comédie-Française, le metteur en scène et comédien se régénère au théâtre de Poche, où il incarne la Mort dans “Le Laboureur de Bohême”.

Quelle est la résonance du « Laboureur de Bohême », texte de Johannes von Tepl (daté de 1401) que vous mettez en scène et interprétez, avec notre monde actuel ?

La pièce est écrite après la grande peste de 1380 en Bohême, au cœur d’un monde livré aux révoltes populaires. Elle déploie un dialogue entre la Mort et un laboureur dont l’épouse vient de périr en couches. Au cours de cet échange, le laboureur, peu à peu, se redresse. À la fin, c’est un homme debout. Comme lui, nous traversons une épreuve à laquelle certains de nos proches n’ont pas survécu. Nous tentons de rester debout.

La parole de la Mort est-elle de bon sens ?

Elle est scientifique. Elle affirme que tout est mortel : plantes, arbres, humains. Le laboureur refuse de se laisser piéger par cet argumentaire. C’est là précisément, ce que chaque jour, en vivant, nous faisons. Nous connaissons des deuils, nous sommes fidèles à nos défunts. Mais nous devons vivre.

La Mort dit : « Nous ne sommes ni visible, ni saisissable […]. Nous sommes un événement qui abat tout le monde. » Difficile de ne pas penser au Covid-19 !

C’est très troublant, en effet. Mais Philippe Tesson, directeur du Poche-Montparnasse, m’avait proposé de mettre en scène ce texte bien avant la pandémie. Avec Pauline Devinat, qui signe le spectacle avec moi, nous ne voulons pas illustrer l’actualité. Nous n’avons besoin de rien d’autre que des mots de l’auteur. Le miroir tendu au public est parfait.

Vous interprétez la Mort. Est-elle un homme ?

Elle n’a pas de genre. Elle porte une longue robe, elle est voilée. Elle arborera sans doute un masque d’art primitif et deux masques du créateur suisse Werner Strub. Mais le masque de théâtre n’est pas celui de l’hygiène.

Si vous deviez être masqué pour respecter les contraintes sanitaires, le feriez-vous ?

Oui. Nous, les artistes, avons la chance d’exercer un métier qui nous plaît. Nous sommes dans des circonstances où, justement, nous avons le devoir de rester debout. Ne pas le faire serait attentatoire vis-à-vis des personnes confrontées à de plus grandes difficultés.

Comment vivez-vous votre passage de la Comédie-Française au Poche-Montparnasse ?

J’en suis très heureux. Ça me rappelle le Théâtre des Marronniers, à Lyon, où j’ai fait mes débuts voici cinquante-cinq ans. Comme le Poche, il était situé au fond d’une impasse.

Que permet la proximité avec le public ?

Elle régénère notre fragilité. Lorsque nous sommes à distance du spectateur, il faut porter la voix. La proximité suppose plus de délicatesse.

La Comédie-Française vous manque-t-elle ?

Absolument pas. J’ai eu la chance d’en être renvoyé avec brutalité, en 2006. J’avais alors 62 ans. Si j’étais resté jusqu’au bout de mon mandat, je serais parti à 65 ans et n’aurais pas recommencé ma vie en fondant une compagnie. Je profite de l’élan de ce coup de pied qui m’a été donné. Ma colère me garde intact. Ce renvoi est un cadeau des dieux du théâtre. Je les en remercie !

Le Laboureur de Bohême, de Johannes von Tepl | À partir du 1er sept. | Du mar. au sam., 21h ; dim., 17h | Théâtre de Poche-Montparnasse, 75, bd du Montparnasse, 6e | 01 45 44 50 21 | theatredepoche-montparnasse.com | 10-20 €.

Par Aureliano Tonet et Guillaume Fraissard dans Le Monde du 26 août 2020

Dans un entretien sur France Inter le 26 août, le premier ministre a annoncé le port du masque obligatoire dans les espaces culturels fermés, ainsi qu’une capacité d’accueil réduite de moitié dans les salles en zones « rouges ».
 

Serait-ce la première défaite de la nouvelle ministre de la culture, Roselyne Bachelot, nommée le 6 juillet ? Auprès des professionnels du secteur, qu’elle a consultés depuis le 19 août, elle avait promis de se battre pour une mesure-phare, espérée par l’ensemble de la filière : permettre à toutes les petites et moyennes salles de spectacles vivants d’accueillir les spectateurs jusqu’au maximum de leur jauge, sans respecter la règle, aujourd’hui en vigueur, d’un siège inoccupé sur deux. Sur les ondes de France Inter, mercredi 26 août, le premier ministre, Jean Castex, a en partie douché cet espoir : dans les départements classés « rouges », où le virus circule activement, les salles devront se résigner à fonctionner avec une capacité d’accueil réduite de moitié. En revanche, selon nos informations, cette règle n’aura plus cours dans les zones « vertes » ; l’annonce devrait être faite jeudi lors d’une réunion au ministère de la culture, avec des représentants du spectacle vivant.
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Par ailleurs, le port du masque, aujourd’hui facultatif, sera rendu systématique dans tous les espaces culturels fermés. Les rassemblements de plus de 5 000 personnes restent interdits, sauf dérogations préfectorales – possibles uniquement dans les départements « verts ».

Conscient des attentes d’un milieu particulièrement frappé par la pandémie, Jean Castex s’est empressé de lui distribuer des signaux autrement positifs : « Le secteur culturel a beaucoup souffert de cette crise, plus que d’autres, a-t-il convenu. Vivre avec le virus, c’est se cultiver avec le virus. » Sur les 100 milliards d’euros du plan d’urgence de relance, qui devrait être présenté le 3 septembre, 2 milliards seront ainsi alloués à la culture – pour rappel, le budget de la Rue de Valois représente entre 0,5 et 1 % des dépenses de l’Etat, en « temps normal ». Cette somme s’ajoute aux 5,9 milliards déjà débloqués depuis le début de l’épidémie pour les secteurs de la culture et des médias.

« Inciter les salles à rouvrir »

Plus spécifiquement, l’Etat ne dédommagera plus les salles qui ont choisi de fermer leurs portes. En revanche, la puissance publique veillera à « compenser l’écart entre les recettes et le point d’équilibre » habituel, promet le premier ministre. Autrement dit, le manque à gagner des salles de spectacles et de cinéma, mais aussi des festivals, sera comblé. Rester à estimer cette différence.

Les professionnels du spectacle vivant assurent ne rentrer dans leurs frais qu’à partir d’un taux de remplissage de 75%

La prochaine bataille que livrera Roselyne Bachelot sera donc une guerre des chiffres : sur quelle base sera calculé le « point d’équilibre » ? Selon leurs syndicats, les professionnels du spectacle vivant assurent ne rentrer dans leurs frais qu’à partir d’un taux de remplissage de 75 %. « La relance n’a de sens que si elle est globale est massive, affirme Stéphane Hillel, directeur général du Théâtre de Paris, qui estime les besoins immédiats pour le théâtre privé à 11 millions d’euros. Si on veut que les gens reviennent dans les salles, il faut que l’offre soit riche et variée, donc il faut inciter les salles à rouvrir. » Les producteurs de festivals de musiques actuelles, où les cachets d’artistes sont souvent plus élevés, avancent de leur côté le chiffre de 95 % de remplissage. Quant aux exploitants de salles de cinéma, ils fixent leur seuil de rentabilité à 4 millions de spectateurs par semaine ; en moyenne, cet été, le box-office hebdomadaire a péniblement franchi le million d’entrées.

Concertations tendues

Interrogé mercredi matin sur France Info, Denis Gravouil, secrétaire général de la CGT-Spectacle, s’est étonné de ces annonces « avant même les concertations qui auront lieu jeudi ». Il a considéré que la somme de 2 milliards d’euros était d’ores et déjà « insuffisante », rappelant que « les services du ministère de la culture avaient évalué à 3 milliards d’euros le manque à gagner des salles en billetterie ». Quant à la jauge des 5 000 personnes, le syndicaliste considère qu’elle doit être rediscutée avec des spécialistes des milieux médicaux, jugeant « absurde » que l’on impose une distanciation dans les salles alors que ce n’est plus le cas dans les transports en commun.

Les concertations des jours à venir s’annoncent tendues. Jeudi, Jean Castex et Roselyne Bachelot rencontreront plusieurs délégations du spectacle vivant ; vendredi, ils affronteront le milieu du cinéma, à Angoulême. Habituée à ferrailler contre les arbitrages budgétaires du ministère des finances, à Bercy, la Rue de Valois s’est trouvé un nouvel adversaire, de taille : le ministère de la santé, qui a fait plier Matignon sur la question ô combien sensible des jauges à 50 %. Un ministère que connaît bien Mme Bachelot, pour l’avoir coiffé de 2007 à 2010. « Nous allons tout faire pour que les Français reprennent leur vie culturelle le plus normalement possible, en se protégeant… Allez au cinéma, allez au théâtre, vous ne risquez rien ! », a enjoint Jean Castex. Le secteur culturel, lui, risque gros.

Aureliano Tonet et Guillaume Fraissard

Légende photo :  Nicolas Demorand et Jean Castex, dans les studios de France Inter, le 26 août à Paris. JULIEN MUGUET POUR « LE MONDE »

Propos recueillis par Catherine Robert - La Terrasse n° 286

Traducteur et poète, André Markowicz anime des ateliers de traduction et de théâtre depuis quinze ans. Tenant d’une pédagogie de la joie, il parle sans langue de bois des paradoxes de son travail avec les lycéens et du sentiment de tragique qui affleure parfois. Surtout, il rappelle l’inutilité, c’est-à-dire la valeur, de l’art en partage.

Tragique

Je fais des ateliers avec des élèves depuis longtemps, à Saint-Denis depuis 2013-2014, alors que Christophe Rauck dirigeait le théâtre Gérard-Philipe ; j’ai continué avec Jean Bellorini et vais continuer avec Julie Deliquet. Je passe une semaine ou deux avec des classes et nous traduisons et lisons ce sur quoi je travaille à ce moment-là. Nous avons ainsi exploré des extraits de Dostoïevski alors que Jean Bellorini mettait en scène Les Frères Karamazov. Je leur donnais le russe mot à mot et je leur disais « traduisez ! ». Ce genre d’aventure est toujours passionnant ! Le niveau de connaissance culturelle est généralement très bas. Dès que je fais une excursion historique et que j’évoque Victor Hugo et Molière, il est fréquent que les élèves en aient entendu parler, mais plus rare que tous s’entendent sur qui précède l’autre ! On note aussi la faiblesse du niveau d’orthographe. La correction orthographique est souvent hasardeuse, un peu comme une montre arrêtée indique l’heure deux fois par jour ! Mais ne caricaturons pas : cela n’est pas vrai pour tous. Là où les élèves sont issus de milieu plus bourgeois, l’orthographe est meilleure, mais le problème demeure d’ampleur, quelle que soit la passion déployée par les professeurs. Il est très cruel de constater la violence qui s’impose et qui fait que certains gosses sont d’évidence condamnés d’avance.

Par Laurent Carpentier pour M le magazine du Monde 
le 22 août 2020

SÉRIE« Une promenade avec… » (6/7). Chaque samedi, pendant les vacances, « Le Monde » suit les pas d’une ou d’un artiste dans un lieu qui lui est cher. Aujourd’hui, on retrouve le metteur en scène sur une ligne de train désaffectée entre Orange et Carpentras.

Sur le vieux pont en charpente métallique qui enjambe la Mède, à la hauteur de Loriol-du-Comtat, au nord-ouest de Carpentras, autrefois passaient les trains. Depuis 2014, on a enlevé rails et traverses, et transformé la ligne, depuis longtemps abandonnée, en « véloroute » : la Via Venaissia, ainsi baptisée en référence au comtat Venaissin qu’elle sillonne. C’est ici, à 7 h 30 du matin, histoire de profiter du reste de fraîcheur que promettait une nuit zébrée par l’orage, que le metteur en scène Cyril Teste a donné rendez-vous. Parce que c’est ici qu’il a grandi, dans un no man’s land dont il avait fait son terrain de jeux, sa « zone », pour reprendre le terme du film Stalker (1979), d’Andreï Tarkovski, avec lequel il fait la comparaison.

« Le théâtre m’a permis d’apporter des réponses sur une forme d’amnésie »

« Regardez ce pont : il est totalement tarkovskien... Très vite, enfant, j’ai créé ici mes premières cosmogonies, des histoires d’Indiens. J’étais plus indien que cow-boy », raconte, souriant, le metteur en scène dont la marque de fabrique est ses « performances filmiques » : des pièces de théâtre où la caméra intervient sur le plateau, créant un dialogue du champ et du hors-champ, comme si on assistait en direct au tournage d’un film. Ainsi de Nobody, de Falk Richter, de Festen, d’après le film de Thomas Vinterberg, ou encore, en 2019, d’Opening Night, avec Isabelle Adjani, d’après Cassavetes.

« Jusqu’à 16 ans, j’étais le propriétaire de la voie ferrée », dit-il alors que des cyclistes très matinaux nous doublent. On l’imagine, trottant à travers les broussailles odorantes, les genêts en fleur, les mûriers sauvages et le sol tapissé de glands, enfant solitaire accompagné de son chien, Sandy. Une haute futaie, des zones maraîchères. Il a grandi là, à la ferme, sous une triparentalité matriarcale : la grand-mère, la mère, secrétaire médicale, et la tante, laborantine, toutes deux à l’Hôtel-Dieu de Carpentras. Il a 8 ans lorsque son père disparaît des radars. Son grand frère rejoindra rapidement l’armée, spécialiste en propulseurs pour les avions. Lui restera là, à parler aux arbres.

« Un métier de la disparition »

« Quand tu perds quelqu’un très tôt, tu as un espace vide à l’intérieur de toi. Après, c’est à toi de savoir ce que tu en fais. Au fond, c’est comme une maison. Une pièce vide. Tu peux y mettre ce que tu veux. » On aimerait comprendre, scruter avec lui la part d’ombre que les arbres projettent sur son visage. Il sourit. « J’ai fait la lumière sur ça, pour moi. Mais le temps n’est pas venu pour moi d’en parler. » On voit bien, il sait bien, que le sujet est central, dans ses promenades d’enfant comme dans son travail d’artiste. « Les histoires de famille, il faut les laisser là où elles sont. Tout n’est pas à résoudre. Mais le théâtre m’a permis de réanimer des histoires inconnues, d’apporter des réponses sur une forme d’amnésie. »

On se le remémore quelques semaines plus tôt alors qu’on lui rendait visite au Montfort, à Paris, en pleine répétition de La Mouette, expliquant aux acteurs : « On se protège rarement au théâtre. On n’est pas là pour se protéger. Tous ceux qui sont là, dans la salle, sont adeptes de la vulnérabilité. Sinon on n’irait pas au théâtre. » Alors qu’on avance le long d’un champ de melons, il explique : « Je n’ai pas envie d’une Mouette savante. Ce ne sont pas les personnages mais l’auteur que je veux entendre. Anton Tchekhov revient de Sakhaline en se disant : “Comment faire du théâtre après ce que j’ai vécu ?” Forcément tu te projettes. Or, quand tu commences à projeter ta mémoire, tu trouves le présent. Metteur en scène, c’est un métier de la disparition. On ne crée pas, on révèle. »

Le père. La parentalité. L’absence… La Mouette est pour Cyril Teste le troisième volet d’un triptyque après Hamlet et Festen. « Trois fois Hamlet…, précise-t-il. De même que Festen est une version contemporaine de la tragédie de Shakespeare, ce n’est pas moi qui le dis, c’est Antoine Vitez, La Mouette en est “une vaste paraphrase”. N’y entend-on pas d’ailleurs Arkadina utiliser jusqu’aux mots mêmes de la reine Gertrude : “Mon fils ! Tu m’as fait voir jusqu’au fond de mon âme, et j’y ai vu de si sanglants ulcères, de si mortels, qu’il n’est point de salut.”»

Des signes apaches ou navajo

L’enfant qui, dans les années 1980, se promène sur la voie désaffectée de Loriol-du-Comtat n’est pas un écolier mirifique. Il souffre de dyslexie, rate le bac. Un prof de dessin au lycée de Carpentras, peintre avignonnais, Jean-Michel Flourac, le « sauve, dit-il, d’une vie scolaire qui [l]’avait perdu ». Il découvre Jackson Pollock et le « dripping » (« Une méthode d’Indien : on peint au sol avec des bâtons »), Gerhard Richter, Joseph Beuys, Bruce Naumann… La liste est longue, et une chose essentielle lui apparaît : apprendre peut se faire dans le désordre, lire n’est pas nécessairement chronologique. « Deleuze disait : commence par le milieu. Il faut partir de ce qui nous touche. » Il réalise ses premières œuvres, est reçu aux Beaux-arts de Marseille. L’œuvre qu’il présente utilise la vidéo : une projection sur son propre corps. Son titre : Œdipe-roi. Déjà.

Si tiraillé qu’il est entre art plastique et spectacle vivant (« Tchekov et Pollock travaillent semblablement, en coulures, en mélanges ») – il choisira finalement de rejoindre l’ERAC, l’Ecole régionale d’acteurs de Cannes plutôt que les Beaux-Arts –, le principal reste pour lui de suivre cette voie ferrée jusqu’au lointain, jusqu’au plus obscur de ses mystères, comme dans le film de Tarkovski. De toute façon, la voie ramène ici. Chez les mères. « Dans La Mouette, le père est nulle part, c’est le rapport mère-fils qui est intéressant à fouiller. Et la question, importante pour Tchekov, d’être à la fois un père de famille – un homme qui vit –, et un metteur en scène – un homme qui crée pour le monde. »

Cyril Teste a 45 ans aujourd’hui et deux jeunes fils, Milo et Marius, pour lesquels il a tatoué sur son corps, à l’emplacement où, bébés, ils posaient leurs têtes, des signes apaches ou navajo dont il garde le secret. « Avec les enfants, tu ne peux pas te dissimuler… Transmettre est fondamental pour moi, explique l’homme qui aime construire avec les étudiants des écoles où il enseigne – à Poitiers, au Fresnoy, à Montpellier où il créa sa première expérience filmique, Park… Il faut aussi savoir s’absenter pour cela. Offrir un espace vide. »

Un hyperactif éclectique

Il dresse l’oreille. A force de traîner dans ces bosquets, le metteur en scène qui fut comédien chez Catherine Marnas, Bernard Sobel et Olivier Py, a développé une ouïe et une mémoire visuelle particulière. « Enfant, déjà, je savais que les arbres parlaient entre eux, confie-t-il, inquiet qu’on puisse le prendre pour un allumé. Si je n’ai plus l’âge de monter dans les branches, j’ai celui de m’asseoir dans les racines. Le rhizome, c’est quelque chose qui s’agrandit en permanence. En vieillissant, j’inverse les choses. En peinture, on appelle cela la perspective inversée. »

Sa compagnie, MXM (pour Monkey Ex Machina) fêtera ses 20 ans en septembre. Au total une trentaine de mises en scènes, sans compter, de façon amusante, en juillet, la présentation digitale de la dernière collection Hermès. Outre La Mouette qui doit être créée cet hiver à Annecy avant de partir en tournée, il prépare déjà un Fidelio pour l’Opéra-Comique en 2021. Derrière la caricature de la balade bucolique, se découvre un hyperactif éclectique qui refuse de séparer nature et technologie, lui dont l’enfance s’est construite entre jeux vidéo et virées champêtres.

Pour le confinement, Cyril Teste s’est retrouvé coincé en Bourgogne à la maison Jacques Copeau de Pernand-Vergelesses. Il y a cultivé un potager de 200 mètres carrés : « J’ai laissé le théâtre en jachère et je me suis mis à travailler la terre. Semis, rotation… Ce sont deux métiers qui ont beaucoup en commun. » Il rêve de faire école dans cette transversalité-là, à l’instar du Black Mountain College , en Caroline du Nord – d’où sortirent, de 1933-1957, des artistes comme le peintre Cy Twombly, l’acteur Robert de Niro ou le cinéaste Arthur Penn – ou du Watermill Center de Bob Wilson.

« Dans La Mouette, Tréplev, c’est celui que j’étais à 20 ans, Trigorine, celui que je suis à 40. Celui qui voulait changer le monde et celui qui l’observe. On ne construit pas une image, si avant on n’a pas construit son hors-champ », affirme-t-il. C’est peut-être ce que nous sommes en train de faire, là, alors que nous déambulons le long du bois de son grand-père. « Trouver n’est rien, le plus difficile est de s’ajouter à ce qu’on trouve », glisse-t-il en souriant, citant son homonyme, Monsieur Teste, le héros de Paul Valéry. En haut d’un pin, un grillon farceur semble se gausser de nous.

Laurent Carpentier

Légende photo : 

Cyril Teste dans l’ancienne gare désaffectée de Loriol-du-Comtat (Vaucluse), le 23 juillet. FRANCE KEYSER/MYOP POUR « LE MONDE »

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Par Guillaume Tion dans Libération 20 août 2020

La ministre de Culture a annoncé la fin des règles de distanciation dans les salles de concerts et les théâtres, pour relancer le secteur dont le chiffe d'affaires a fondu. Les syndicats demandent que les aides soient prolongées jusqu'à la fin de l'année.

Propos recueillis par Christian Jade pour le site de la RTBF. (Belgique), le 17 août 2020

L’autrice, actrice et metteuse en scène Cathy Min Jung a été choisie au mois de juin, parmi 7 candidats pour assumer la direction artistique et générale du Rideau de Bruxelles. Elle prendra ses fonctions au mois de septembre succédant à Michael Delaunoy qui assurera jusqu’en octobre 2020 la direction artistique et générale de sa treizième et dernière saison. Il met en scène "Des Hommes endormis" de Martin Crimp du 22 septembre au 10 octobre.

Par Christophe Levent dans Le Parisien 19 août 2020

La ministre de la Culture a reçu ce mercredi matin les représentants du spectacle vivant. Elle s’est engagée à défendre l’idée de la fin de la distanciation sanitaire dans les concerts et les théâtres lors du prochain Conseil de défense.

On avance, on avance… Mercredi matin, les représentants des professions du spectacle avaient rendez-vous avec Roselyne Bachelot, la ministre de la Culture, pour évoquer l'avenir d'un secteur touché de plein fouet par la crise sanitaire. Une réunion dont ils sont sortis avec le sentiment d'avoir été « entendus » et de commencer à voir les lignes bouger, à défaut d'être totalement rassurés…

Propos recueillis par Jacques Morice et Guillemette Odicino pour Télérama -  Publié le 17/08/20

Après avoir joué pour Éric Judor (Problemos, 2017) ou Éric Lartigau (#Je suis là, 2020), la comédienne collabore pour la première fois avec le duo déjanté Delépine/Kervern.


Avec ses sketchs acides, Blanche Gardin s’est imposée comme la reine du stand-up français. Son irrévérence s’épanouit désormais au cinéma, comme dans le prochain film de Benoît Delepine et Gustave Kervern, “Effacer l’historique” en salles le 26 août. Sans tabous, elle nous parle de ses mille et une vies. De son obsession pour la vérité. Et de son autocritique permanente.

Suicide, dépression, problèmes sexuels ou intestinaux, psychiatrie ou sodomie, nul tabou ne résiste à Blanche Gardin. À travers ses spectacles, Je parle toute seule et Bonne nuit Blanche, la jolie et étrange blonde de 43 ans est devenue la reine de l’humour en France. En le faisant grandir d’un coup pour qu’il atteigne l’âge adulte. Sur scène, elle est éminemment drôle en dévoilant des choses très intimes. Qui viennent d’elle et d’une autre, ce personnage qu’elle compose : une poupée rigide, inquiétante, qui cisèle des raccourcis existentiels foudroyants.

Le cinéma n’a pas tardé à faire appel à elle. Elle était dans Problemos, d’Éric Judor (2017) et #Je suis là, d’Éric Lartigau (2020). Mais cette fois, elle est au premier plan du formidable Effacer l’historique, de Benoît Delépine et Gustave Kervern (en salles le 26 août), tribulations de trois voisins de lotissement en pleine mouise financière et technologique. Aux côtés de Corinne Masiero et Denis Podalydès, elle s’y montre minable, cuitée, esseulée, mais fichtrement vivante. Une performance riche de vécu ? Oui, à entendre les récits picaresques de cette clown aussi provocatrice que réfléchie, qui semble avoir déjà eu mille vies et une unique obsession : la vérité.

S’il fallait effacer votre historique ?

J’effacerais des films porno et mes propres recherches sur Blanche Gardin dans Google ! Je m’en veux de m’accrocher à ce que les gens pensent de moi : c’est à la fois une enflure de l’ego et un manque de confiance en soi. Que notre niveau de popularité puisse nous définir est terrible. De plus, à cause de toutes ces « applis » prétendument ludiques, nous devenons tous malgré nous des instruments de contrôle de tout le monde, des mouchards de l’existence. Nous sommes conditionnés pour prendre des photos comme si notre vie n’existait pas tant qu’elle n’est pas immortalisée sur un écran. Un soir, à Lille, où j’avais pas mal bu après mon spectacle, j’ai détruit fièrement mon smartphone : enfin libérée ! Et j’ai pris un portable à l’ancienne. Avant d’être rattrapée par mon entourage, qui m’en voulait : « Tu nous retardes, tu es moins connectée ! »…

C’est l’un des sujets du film de Gustave Kervern et Benoît Delépine…

La critique du progrès est toujours vue comme réactionnaire ou rabat-joie, alors qu’une critique saine et drôle est possible. Gustave et Benoît y parviennent : leurs personnages refusent de s’adapter et on leur donne raison. La nouveauté n’est pas toujours la panacée : ce n’est pas parce que nous sommes la version la plus récente de l’humanité qu’il s’agit de la meilleure.

Comment s’est passée la rencontre avec eux ?

J’éprouvais depuis longtemps un sentiment de familiarité immense avec leurs films, leurs personnages, leurs acteurs fétiches. Un heureux hasard a voulu qu’ils viennent me voir sur scène. Ils m’ont proposé un rôle dans la foulée. J’étais très intimidée. J’avais peur de foutre en l’air leur film en étant incapable d’incarner un personnage ! Nous avons fait quelques réunions où je leur ai fait des propositions sur le scénario. Comme leur travail est très collaboratif, ils étaient d’accord. Mais je restais paniquée. Le premier jour de tournage, ils sont venus dans ma loge : « Ah, au fait, on ne va pas tourner la scène prévue, mais plutôt commencer par un plan où l’on te voit arriver de dos ; tu te grattes le dos contre un arbre puis tu dévales la pente vers ta maison, un peu bourrée. » D’un coup, j’avais la clef : Marie, mon personnage, est une ourse de lotissement qui a des problèmes avec l’alcool ! On a trempé dès lors dans la même soupe avec Benoît et Gustave, dans cette stratosphère poétique, où ils flottent en permanence. En étant imprévisibles, constamment à contre-courant.

Marie, c’est votre premier vrai rôle ?

Oui, ils m’ont dépucelée ! Jusque-là, j’arrivais dans les films avec mon personnage de Blanche Gardin. Souvent pour un passage rapide, comme dans 20 Ans d’écart, de David Moreau (2013), où j’explose la scène, et je repars, c’est facile et valorisant. Mais Marie n’est pas Blanche. Avec Corinne Masiero et Denis Podalydès, nous avons été nos personnages : trois voisins dans un monde de merde, qui s’entraident comme ils peuvent, sans avoir le temps de s’engager totalement dans une amitié. C’est avant tout un rapport de survie, de solidarité.

Le film est raccord avec l’actualité des Gilets jaunes. Vous cautionnez leur combat ?

Je suis solidaire de bien des colères. Mais je n’ai pas une vie de Gilet jaune. En revanche, je comprends l’explosion. L’air est devenu irrespirable. D’ailleurs, aujourd’hui, nous portons des masques ! Mais je refuse d’être militante, car le militantisme exclut la distance et l’humour. Épouser totalement une cause, c’est en épouser aussi les dérives.

Dans vos spectacles, vous n’êtes jamais univoque. Cherchez-vous à déconstruire aussi vos propres convictions ?

Cela doit venir d’une pathologie ! Pour laquelle je suis suivie par un psy… J’ai un souci de vérité maladif. Et vain, car personne ne parvient à être totalement honnête. Et puis les bonnes personnes, il faut aussi s’en méfier. Je suis très cliente de l’examen de conscience. Je fais ma propre police quand j’écris mes sketchs, je traque ce qui peut passer pour de la moquerie. Je hais le mépris social.

Quelle est la conviction personnelle la plus solide que vous ayez renversée ?

Le désir d’être mère. J’étais persuadée que j’aurais des enfants, que c’était normal d’être mère. La nature m’a mis un gros stop. Fallait-il que je fasse appel à la science ? La réflexion a été difficile, mais j’ai décidé de ne pas céder à cette notion, malsaine, selon laquelle nos désirs doivent forcément être solutionnés, si besoin par la technique. Aujourd’hui, c’est fait, j’ai déconstruit la maternité.

Vous semblez ambivalente sur le féminisme…

J’ai besoin d’être une humaine forte. Je résiste à la victimologie. Il y a parfois de la malhonnêteté ou de la simplification à travers certains discours féministes. Les relations hommes-femmes sont plus complexes, souvent de l’ordre de l’alchimie. La différenciation des rôles me plaît. L’égalité salariale, oui, bien sûr ; en revanche, je ne suis pas contre être en couple avec quelqu’un qui m’en impose. Les acquis du féminisme des années 1970 continuent de faire leur effet. De nouvelles filles arrivent, sortent des écoles. Un peu de patience…

Pourquoi avoir refusé d’être décorée dans l’ordre des Arts et des Lettres ?

Je ne voulais rien accepter d’un gouvernement Macron. Une fois élu, le président a promis de manière péremptoire qu’en un an plus personne ne dormirait dans la rue. C’est scandaleux de faire de telles annonces et de ne pas mettre en œuvre ensuite une vraie politique sociale du logement. Tous les jours, on voit des gens dormir par terre dans la pisse de chien. Et on s’est habitué à cette vision d’horreur. C’est atroce.

Vous soutenez activement la Fondation Abbé-Pierre…

J’ai toujours admiré leur travail. Je souscris à leur programme politique « Logement d’abord », qui a été expérimenté avec succès en Finlande, où le sans-abrisme a diminué de 80 %, réduisant par là même le coût financier important qu’il engendre. Une proposition de logement ne doit pas être l’étape ultime de la réinsertion sociale, mais la première. C’est logique : comment demander à un type d’être propre et de se présenter à un boulot s’il dort dans une tente ou un parking ? J’ai fait un Zénith pour reverser les bénéfices à la Fondation et nous avons d’autres projets.

Avant le stand-up, vous étiez en fac de sociologie. Votre sujet de mémoire était surprenant…

Je me suis mise dans la peau d’un flic. Avant la maîtrise, j’avais étudié les toxicos, les concierges portugaises, les sans-abri, les tagueurs. Puis j’ai décidé d’aller voir de l’autre côté, celui de l’ordre. Cela tombait bien car la Police nationale commençait à engager des adjoints de sécurité pour que les policiers ressemblent un peu plus à leurs clients. Sachant qu’entre les gros moustachus avec l’accent du Sud et les petits mecs du 9.3, ce n’était pas la franche entente ! J’ai passé deux mois en internat dans l’Essonne, en plein hiver, avec des gardiens de la paix. Salut au drapeau à 6 heures du mat. Pas beaucoup de filles, pas mal de gouines. J’ai bien rigolé. Même si les cours théoriques se résumaient à apprendre par cœur l’article de loi concernant la légitime défense !

Et où avez-vous été affectée ?

J’ai fait la circulation au carrefour devant le Sénat, mais comme je suis toute petite, les gens se marraient. J’ai gardé aussi le domicile de Laurent Fabius, armée de ce petit six coups qui datait des années 1960, dangereux, car il explosait facilement. J’ai démissionné ensuite pour revenir à la fac, mais mon père est tombé malade. Je crois que je faisais des études pour lui faire plaisir. Quand il est mort, je les ai arrêtées pour être éducatrice pendant quatre ans, en banlieue parisienne. Avant tout ça, je m’étais aussi lancée dans l’ébénisterie, mais là le machisme ambiant du milieu m’a découragée. Pourtant, j’adorais. J’avais eu envie d’un métier manuel, après ma fugue horrible, à 18 ans.

Horrible ?

Je suis partie à Naples prendre des acides et dormir dans la rue avec des punks à chiens pendant neuf mois. Mon père est venu me chercher. À point nommé : six mois plus tard, mon mec napolitain héroïnomane mourait d’une overdose. C’était le bon gros chaos, cette période.

Les raisons de ce chaos, vous les avez éclaircies ?

J’avais besoin d’être réellement actrice de ce qui m’arrivait, quitte à choisir la perdition. En restant près de ma famille, je n’aurais pas réussi à être totalement libre. Il fallait une grosse rupture. En rentrant de Naples, j’avais des cheveux rouges jusqu’aux fesses et des piercings partout. En socio, je me suis progressivement calmée sur le look rebelle. Mais je faisais encore la fofolle : j’étais maquée avec un peintre, on partait au Mexique, on expérimentait les champignons…

Dans quel milieu avez-vous grandi ?

Intello de gauche, avec un père communiste souvent enfermé dans son bureau à cause de son métier de linguiste et une mère bonne vivante. Tous les ans, ils nous emmenaient avec mon frère et ma sœur dans la R9, pour visiter l’URSS, le Maroc, la Turquie… L’ouverture d’esprit était peu commune, mais le cadre affectif pas si rassurant.

Quand avez-vous commencé les sketchs ?

Pendant mes études, avec deux copains, mais sans aucune arrière-pensée professionnelle. Lors d’une soirée, j’ai improvisé une fausse émission de cuisine, où je faisais une Périgourdine qui préparait des canards. J’aimais faire marrer depuis l’enfance. C’était un moyen de survie : j’étais la plus petite de la fratrie, nous avions beaucoup de cousins plus âgés. Il fallait que je me fasse accepter par les grands grâce à l’humour et toujours plus de provocation. Mon père n’était pas très client. Ma mère, elle, filmait mes conneries en vidéo.

Comment avez-vous percé ?

Mon pote Ali, qui était en BTS d’audiovisuel, filmait nos sketchs et a commencé à les projeter dans des squats. Les gens riaient. Il a envoyé nos vidéos à droite à gauche. Elles sont tombées entre les mains du producteur Kader Aoun : il nous a branchés avec Karl Zéro qui avait besoin de petits rigolos pour une de ses émissions. Grâce à la chaîne Comédie, on s’est aussi fait les dents. C’est là que j’ai créé le personnage de Marjorie Poulet, une cagole du Sud. Puis Kader a monté le Jamel comedy club.

Un souvenir de votre premier passage sur scène ?

La première partie de Tomer Sisley, en 2005. J’étais traumatisée. J’enchaînais des personnages que j’avais d’abord expérimentés devant les clients d’un petit bar kabyle à la gare de l’Est : un petit Portugais de 12 ans, une conseillère d’orientation, un vieux toxico… À la fin, Kader m’a dit : tu es marrante mais ce n’est pas du stand-up ! Il m’a donné des DVD de l’humoriste américain Richard Pryor, que je ne connaissais pas. Une claque. J’ai tout de suite été captivée. Mais rapidement, je me suis aperçue que je n’avais pas assez de matière de vie, pas assez de retour réflexif sur mon existence. J’ai quitté la scène pendant cinq ans. Avant de revenir avec mon premier spectacle.

Dans son adresse au public, le stand-up est-il un exercice d’impudeur ?

Il y a sans doute le fantasme d’être aimée pour ce qu’on est, totalement à nu, maniaco-dépression comprise. Avec mon côté sombre et mes joies extrêmes.

On sent aussi chez vous une certaine misanthropie.

Dont je suis la première à me méfier. Le commerce des humains avec sa mécanique sociale m’est difficile. J’ai l’impression que je ne vais pas arriver à suivre. Dans une fête, par exemple, impossible de faire le job, d’être légère, pourtant j’aimerais y arriver ! Mais je préfère discuter avec Nietzsche dans la montagne. De plus en plus souvent, j’ai besoin de partir marcher, seule, dans la nature.

Vos spectacles regorgent de vérités souvent triviales…

Ce sont des choses vécues, désagréables, miteuses ou organiques, comme avoir peur dans une maison isolée ou faire une coloscopie, que je relativise. Tout ce qu’on cache est forcément drôle à explorer. C’est intéressant de parler de caca ! Nous sommes un amas de chair, c’est notre misère. On a tendance à l’oublier dans notre monde qui déréalise tout.

De là l’interdiction de vos spectacles aux moins de 17 ans ?

Ce que je raconte n’est pas pour les enfants. Je parle à des adultes, point. Ça m’énerverait et me déconcentrerait de voir un gamin dans le public, flanqué d’un parent qui a eu l’irresponsabilité de l’emmener. C’est comme les bars : maintenant qu’on ne peut plus fumer, il y a des gosses partout, c’est agaçant !

D’où vient votre jeu de scène si minimaliste ?

J’ai construit ce personnage de Blanche pour me protéger. Mon look avec des robes vintage, c’est la petite fille qui sort du placard. Je ne fais pas semblant d’être pétrifiée, je le suis. Trop timide, incapable de bouger mon corps. Cette rigidité est devenue mon style par défaut. Pareil pour mon débit : il faut que tout soit parfaitement articulé. Cela demande une concentration folle. Si je savonne, tout s’écroule. Je ne peux même pas boire sur scène. La seule fois où j’ai essayé, j’ai renversé l’intégralité du verre d’eau. En général, ce n’est qu’à la centième du spectacle que je suis à peu près satisfaite.

Vous avez récemment enregistré un podcast avec l’humoriste américain Louis C.K. sur les relations à distance. Avant même de le rencontrer, vous déclariez qu’il était l’homme de votre vie.

Dans une vidéo, je l’avais vu en short : il avait la même tache de naissance que moi, à l’intérieur du genou droit ! Je suis partie à New York pour le rencontrer, mais sans succès. Aux César, quand j’ai porté un pin’s à son effigie, on ne se connaissait toujours pas. Puis je l’ai remercié pour son inspiration à la cérémonie des Molières. Il m’a écrit et, après quelques mails échangés, il est venu dîner avec moi à Paris…

En 2017, il a reconnu avoir eu des comportements sexuels répréhensibles : se masturber en présence de comédiennes.

Louis C.K. s’exprime depuis trente-cinq ans sur sa sexualité répréhensible. Par ailleurs, je considère qu’une des définitions du féminisme est la liberté des femmes à disposer de leur cul.

Et le cinéma, envie de continuer ?

En ce moment, j’écris une série où je cherche moins à faire rire qu’à chroniquer l’air du temps. Sinon pas d’aspiration particulière. Cela dépendra de ce qui nourrit le présent. On verra à la prochaine pandémie !

Propos recueillis par Jacques Morice et Guillemette Odicino

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3 avril 1977 Naissance à Suresnes, dans les Hauts-de-Seine.
2006 Première apparition sur scène dans le Jamel comedy club.
2011 Second rôle dans le film Case départ, de Fabrice Éboué, Thomas Ngijol et Lionel Steketee.
2015 Premier one-woman-show, Il faut que je vous parle !
2017 Deuxième one-woman-show, Je parle toute seule.
2018 Bonne nuit Blanche.

Crédit photo : Jean-François Robert pour Télérama 

Par Brigitte Salino dans Le Monde 
Publié le 14 août 2020 
SÉRIE« Théâtres secrets » (5/5). « Le Monde » propose un tour de France des scènes à usage privé. Aujourd’hui, celle de Franck Ciup, qui a imagine sa salle comme un salon de musique pour son Steinway et ses amis. Inauguré en 2006, le Théâtre Saint-Bonnet est devenu le temple des pianistes.

Quand on arrive sur le boulevard Clemenceau, à deux pas de la cathédrale, rien ne l’annonce, sinon un écriteau discret sur une façade étroite. Le Théâtre Saint-Bonnet serait-il là ? Oui, c’est bien là, et on n’en doute plus quand arrive Franck Ciup, avec son grand sourire et ses boucles blanches. L’étonnement du visiteur ne surprend pas le maître des lieux. Il en a l’habitude, comme du « Ah oui » stupéfait quand il ouvre la porte : alors apparaît un théâtre à l’italienne avec ses ors et ses dorures, un lustre et des appliques de Murano, des chaises à l’assise rouge et un Steinway sur le plateau, ou plutôt un plateau sous le Steinway, qui occupe toute la place.

Car le théâtre est le royaume du piano. C’est pour lui qu’il a été construit. « Il sonnait trop fort dans le salon », explique Franck Ciup. Le salon est dans la maison attenante, une maison de ville avec un jardin aux herbes folles, une piscine sous une verrière, un escalier qui craque, à l’ancienne, et des chambres d’hôte, dont l’une est si vaste qu’elle accueille un billard.

Franck Ciup vit là depuis trente ans, avec son épouse Anna. Tous les deux sont des Berruyers d’adoption. Née en Afrique du Nord, elle est arrivée dans la ville du Printemps avec son père, militaire. Né à Clamart (Hauts-de-Seine), il est venu à 5 ans avec ses parents. Un père expert-comptable, une mère dans la confection, et une passion, le piano. « Je l’ai étudié à l’Ecole normale de musique de Paris, dont je suis diplômé, précise-t-il. Mais, comme j’aimais bien être dans les tissus, avec ma mère, j’ai fondé une entreprise, avec ma femme. » Très florissante, l’entreprise de prêt-à-porter : elle s’appelle Col Claudine et a compté jusqu’à une trentaine de boutiques en France.

Franck Ciup s’était fixé un objectif : arrêter à 50 ans. Il s’y est tenu, prenant même de l’avance. Il avait 47 ans, quand son épouse et lui ont vendu la société. Jusqu’alors, il avait mené une double vie. « Je me consacrais à l’entreprise jusqu’à 14 heures, puis au piano, comme compositeur et concertiste. J’ai beaucoup voyagé, pour les deux. En voyant d’autres villes que la mienne, je me suis rendu compte à quel point Bourges était équilibrée et belle. » D’où l’ancrage berrichon et la maison où ont grandi sa fille, psychologue, et son fils, ingénieur du son qui travaille avec le chef d’orchestre Teodor Currentzis.

Ancienne grange

Dès le matin, à l’heure où les hôtes prennent le petit-déjeuner, Franck Ciup se glisse le long de la piscine et ouvre la porte qui donne directement sur la scène de son Steinway D de concert. Le théâtre niche dans une ancienne grange, très haute : « Au XIXe siècle, elle devait faire partie de ce qu’on appelle, à Bourges, les “maisons de colonel”, avec les chevaux en bas, et le foin à l’étage », suppose Franck Ciup, qui s’est passé d’architecte pour les travaux de transformation. Il a imaginé la salle en se souvenant de toutes celles dans lesquelles il avait assisté à des concerts, et en sachant qu’il voulait lui donner les habits d’un théâtre à l’italienne qui ressemblerait à une grande miniature de la Scala : « Et puis, ajoute-t-il, mon épouse et moi avons lu beaucoup de livres. »

Franck Ciup : « J’ai appelé un spécialiste, il demandait 80 000 euros. J’ai décidé de m’en passer »

Même chose pour l’acoustique : « J’ai appelé un spécialiste, il demandait 80 000 euros. J’ai décidé de m’en passer. De toute façon, la plupart des salles de concert ont une très mauvaise acoustique. Et on fait avec. Je dois dire que j’avais un espoir secret : la salle a la forme très simple d’une boîte à chaussures, comme le Concertgebouw d’Amsterdam et le Gewandhaus de Leipzig, dont l’acoustique compte parmi les meilleures. »

Pour l’aménagement et la décoration intérieurs, Franck Ciup a travaillé avec son ami décorateur Jean-Luc Charpagne, lui aussi un passionné de musique « sans qui Saint-Bonnet ne serait pas ce qu’il est ». Du rouge et de l’or, donc, un rideau de scène pourpre taillé dans des chutes du rideau de l’opéra de Monaco, des glaces qui démultiplient sans fin les perspectives latérales et un balcon pas trop pentu – « Je ne voulais pas qu’on ait le vertige, comme dans certaines salles. » Un soin particulier a été apporté au choix des matériaux qui réfléchissent et absorbent le son. Ainsi le parquet a été posé sur lambourdes, par un compagnon de France.

Salle privée et publique

La scène, qui supporte les 500 kg à 600 kg du Steinway est petite : 4,59 m de large, quand le piano en fait 2,76. Il est entré dans la grange par une porte spécialement conçue, et n’en a plus bougé. C’était en 2006, quand Saint-Bonnet a été achevé, après deux ans de travaux, et 150 000 euros d’investissement. A ses débuts, le théâtre n’avait pas de chaises. Franck Ciup l’imaginait comme un grand salon musical avec des canapés, qu’il prêterait à ses amis musiciens désireux de se roder avant de partir en concert. « Tout était conçu pour eux. Mais mon ami décorateur m’a dit : tu n’as pas le droit de faire venir de grands interprètes sans en faire profiter les habitants de Bourges. » Franck Ciup l’a entendu. Et il ne le regrette pas.

La plupart du temps, des pianistes viennent travailler en catimini, ou donner des concerts, eux aussi en toute discrétion.

En octobre 2006, il a invité Bertrand Chamayou à donner le premier concert officiel. Le pianiste a choisi un lied de Robert Schumann transcrit par Franz Liszt. « On s’est mis à pleurer, Jean-Luc et moi, au balcon, tellement le son était miraculeux. » Depuis, la salle est à la fois privée et publique. Chaque saison, une dizaine de soirées sont proposées aux Berruyers, qui ont pu assister au dernier concert en France de Vladimir Ashkenazy en juin, ou entendre Ivo Pogorelich l’année dernière.

Mais, la plupart du temps, des pianistes viennent travailler en catimini, ou donner des concerts, eux aussi en toute discrétion. Franck Ciup est fier de signaler que « c’est au Saint-Bonnet que Brigitte Engerer a enregistré son disque L’Invitation au voyage, avec le violoncelliste Henri Demarquette [sorti en 2007] ». Il précise aussi qu’il ne reçoit aucune subvention et qu’il n’en veut pas. Seul compte pour lui le bon plaisir d’une salle dont la marraine est la comédienne Marie-Christine Barrault et le roi, un Steinway qui sonnait trop fort dans un salon.

 Brigitte Salino  Bourges (Cher), envoyée spéciale

Pour son Théâtre Saint-Bonnet, achevé après deux ans de travaux et 150 000 euros d’investissement, Franck Ciup a fait appel à son ami décorateur Jean-Luc Charpagne. PHILIPPE BRAULT POUR « LE MONDE »

Par Florence Vierron dans Le Figaro - 27 juillet 2020

Installée en Israël depuis une vingtaine d’années, elle avait marqué le théâtre parisien dans les années 1980. Elle s’est éteinte à 61 ans.

 

Même si elle avait quitté la France depuis une vingtaine d’années, on se souvient de la star qu’elle était en France dans les années 1980. La metteuse en scène de théâtre Saskia Cohen-Tanugi s’est éteinte la semaine dernière, en Israël, où elle vivait. Elle avait 61 ans et a été enterrée à Jérusalem.

Née à Tunis en 1959, passée par le Conservatoire national supérieur d’art dramatique, où elle eut Antoine Vitez comme professeur, diplômée de l’Université hébraïque de Jérusalem et de la Sorbonne, elle a rapidement été repérée par ses enseignants. Il faut dire qu’elle n’a que 16 ans lorsqu’elle crée son premier spectacle. Passionnée de théâtre et de cinéma, véritable personnage de roman d’aventures, elle joue, en 1983, aux côtés de Sean Connery dans le James Bond Jamais plus jamais. La même année, on la voit dans Le Faucon, de Paul Boujenah. Lors de son passage en Grande-Bretagne, elle en profite pour suivre une formation au théâtre shakespearien et elle sera même correspondante rock de Libération à Londres !

Audacieuse, volubile, insatiable, elle impressionne très vite les grands noms du théâtre. C’est ainsi que René Gonzalez lui confie la mise en scène du Marchand de Venise, de Shakespeare, au Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis, en 1983. L’année suivante, on la verra à Avignon présenter Docteur X Hero ou le dernier client du Ritz, un spectacle de science-fiction.

Toujours en quête de nouveaux territoires d’écriture, de science et de savoir, elle part en 1988 pour la Nouvelle-Calédonie, où elle travaille pendant un an à la préparation du Festival des arts du Pacifique. Mais elle avait la bougeotte. Dès 1989, elle est de retour à Paris, où elle met en scène au Studio des Champs-Élysées Le Banc, du Russe Alexandre Guelman, avec Élisabeth Depardieu et Jean-Michel Dupuis, un de ses grands succès. Sa curiosité l’entraînera ensuite vers un scénario sur l’Afrique contemporaine avec Patrick Grandperret.

Sa route croisera encore quelques stars, comme Kirk Douglas, qui interprète le rôle principal de Veraz, un film de 1991 qu’elle a écrit avec Xavier Castano. Bernardo Bertolucci lui demande de participer à l’écriture de Little Buddha et Diane Kurys fait appel à ses talents pour le scénario des Enfants du siècle.

Mais sa passion va au-delà de l’écriture. De 1995 à 1999, elle est chargée de la programmation artistique du Théâtre 13, à Paris. Puis elle enseigne quelques années à l’école du Théâtre national de Chaillot. En 1997, elle dirige Jean-Michel Dupuis dans L’Orage et la Prière, de Salomon Ibn Gabirol, un spectacle puissant et éclairé. Et en 1999 vient la consécration puisque son adaptation de Mademoiselle Else est nommée quatre fois aux Molières. Isabelle Carré repartira avec le Molière de la meilleure comédienne et Pascale Bordet avec celui des meilleurs costumes.

Puis elle s’installa en Israël, où elle enseignait et où elle a été responsable d’un atelier de théâtre à l’Université hébraïque de Jérusalem. Elle y a aussi dirigé de nombreux spectacles, des ateliers. Et écrit plusieurs œuvres (Caleb et Yoshua, Judith Epstein…). Attirée par des formes de pensée très différentes, elle s’était écartée du milieu théâtral parisien. Elle restera dans les mémoires comme une personnalité unique et lumineuse.

Légende photo : Saskia Cohen-Tanugi sur le tournage de Jamais plus jamais, au côté de Sean Connery, en 1983. Crédits : Warner Bros/Kobal/Shutterstock

A chacun des metteurs en scène invités pour cette série des « Scènes imaginaires », nous demandons de choisir et partager avec nous les œuvres qui ont fondé et jalonné sa vie d’artiste.

Ecouter l'entretien (1h58)

Dans le cadre des « Bibliothèques de l’Odéon » – coproduction France Culture (service de la Fiction) et l’Odéon-Théâtre de l’Europe.            
A chacun des metteurs en scène invités pour cette série des « Scènes imaginaires », nous demandons de choisir et partager avec nous les œuvres qui ont fondé et jalonné sa vie d’artiste. Il s’agit finalement de s’interroger sur un « art d’hériter » et sur la nature d’une forme de transmission livresque pour des metteurs en scène qui ont choisi de mettre le texte au cœur de leur pratique artistique.            
Sur scène, Ivo Van Hove invite Juliette Binoche et Eric Ruf de la Comédie-Française à lire des extraits d’œuvres qui lui sont essentielles : Journal du voleur de Jean Genet, Les identités meurtrières d’Amin Maalouf, Agatha de Marguerite Duras, Foutainhead de Ayn Rand et "Djihad versus McWorld" de Benjamin Barber Il nous dira en quoi certaines de ces œuvres ont façonné son imaginaire et son esthétique, comment il dialogue secrètement avec elles, quelle connaissance intime il en a aujourd’hui et de quelle manière elles ont contribué à constituer son imaginaire et sa pratique de metteur en scène. Ainsi nous composerons un portrait dessiné sur le vif d’Ivo Van Hove, à travers un entretien, des archives et des extraits d’œuvres qu’il a choisis et qui sont lus par des acteurs qui lui sont chers.

Entretien de Ivo Van Hove par Arnaud Laporte
Lectures par Juliette Binoche et Eric Ruf de la Comédie-Française
Réalisation Sophie-Aude Picon
Equipe de réalisation : Benjamin Perru, Emilie Couet, et Léa Racine

Enregistré en public à l’Odéon-Théâtre de l’Europe le 7 novembre 2016

Légende photo Ivo Van Hove en 2020• Crédits : Bruce Glikas - Getty