Revue de presse théâtre

par Fabienne Darge dans Le Monde  23/10/2020

La Norvégienne présente, à la Semaine d’art en Avignon, son théâtre de marionnettes adapté du chef-d’œuvre d’Herman Melville.

Une grande Norvégienne au regard doux et rêveur part à la chasse à la baleine. Avec ses armes : ses marionnettes et son théâtre multisensoriel. Yngvild Aspeli est la découverte artistique de la Semaine d’art en Avignon, où elle présente rien de moins qu’une adaptation de Moby Dick, le titanesque roman d’Herman Melville, insondable comme la mer elle-même.

L’immensité ne semble pas faire peur à Yngvild Aspeli, née il y a 37 ans au milieu des montagnes norvégiennes. Le petit village est entouré de forêts, enveloppé de neige la moitié de l’année, et la maison remplie de livres, notamment les albums pour enfants qu’écrit le père d’Yngvild. « Le goût de la littérature et de la poésie m’a été donné d’emblée », note-t-elle.

« Théâtre à la croisée des arts »

Entre cette enfance magique et sa vie d’aujourd’hui, celle d’une marionnettiste et metteuse en scène dont on commence à beaucoup parler, il y a une jeune femme qui est partie seule à Paris, à 19 ans, pour entrer à l’Ecole internationale de théâtre Jacques-Lecoq, un endroit où l’on apprend le théâtre par le corps et l’image plus que par les mots.

Yngvild Aspeli faisait du théâtre depuis toujours, mettant en scène ses camarades d’école, un théâtre où elle fabriquait tout elle-même, comme elle le raconte au moins autant avec les mains, qui dansent dans l’air quand elle parle, qu’avec les mots. Chez Lecoq, elle a creusé son désir de « créer un théâtre à la croisée des arts » et d’« utiliser les outils visuels de manière dramaturgique ».

La marionnette est arrivée comme une évidence, et elle a alors intégré l’Institut international de la marionnette de Charleville-Mézières, dont elle est sortie en 2008 en créant sa compagnie, Plexus polaire. « Dès le début, j’ai voulu par le théâtre parler de ce qu’on ne dit pas, ce qu’on ne montre pas, de l’invisible, l’inexplicable, dit-elle. Je m’intéresse aux histoires qui ne sont pas racontées, et à ce qu’elles révèlent d’une société. »

L’inquiétante étrangeté de la marionnette s’est conjuguée chez elle à une recherche sur le son, la vidéo, la lumière et la scénographie. « Ce qui m’obsède, c’est la manière dont une histoire peut devenir une expérience physique, sensorielle, précise-t-elle. Il y a des choses que l’on peut comprendre par le ventre, par le cœur, et pas seulement par le cerveau. Le théâtre est un espace où tout ce qui est inexprimable peut être vécu, et pas expliqué. »

Yngvild Aspeli : « Je m’intéresse aux histoires qui ne sont pas racontées, et à ce qu’elles révèlent d’une société »

Dès son premier spectacle, Signaux, créé en 2008, son univers était là. Elle l’a rêvé d’après un recueil de nouvelles de l’auteur norvégien Bjarte Breiteig, intitulé Douleurs fantômes, un titre qui pourrait résumer toute la recherche de cette exploratrice de l’âme humaine dans ses recoins les plus secrets et les plus troubles. Dans Cendres, créé en 2014 et inspiré par le récit d’un autre écrivain norvégien, Gaute Heivoll, elle partait sur les traces d’un jeune pyromane. Dans Chambre noire, créé en 2017, et qui est toujours en tournée, elle a adapté le formidable roman que la Suédoise Sara Stridsberg a consacré à la féministe Valerie Solanas, prisonnière de son image de « femme qui a tiré sur Andy Warhol ».

Yngvild Aspeli s’interroge d’elle-même, elle qui vit en France depuis quinze ans, sur ce goût des artistes nordiques pour l’invisible, les créatures imaginaires, les présences absentes. « Sans doute est-ce lié à la nuit, qui chez nous règne une bonne partie de l’année, observe-t-elle, songeuse. Dans le noir, on s’imagine que l’on n’est pas seul, et on imagine des créatures d’autres mondes, des “sous-le-monde” », comme on les appelle chez nous… Mais oui, je suis assez occupée par les fantômes de toutes sortes », dit-elle avec un rire léger, et ce regard qui sans cesse se perd vers des horizons lointains.

« Affronter le monstre »

Moby Dick, sans doute, rôdait depuis longtemps dans les parages, quand elle a décidé qu’elle était prête à s’attaquer au chef-d’œuvre de Melville, à « affronter le monstre ». « C’est bien un monstre, inépuisable, que ce livre qui est aussi complexe que son sujet principal, la mer, médite-t-elle. La mer et l’humain s’y superposent, en une infinité de profondeurs inconnaissables. Le livre est si poétique et si concret, il arrive à rendre ses questionnements existentiels tellement vivants… »

Le grand-père d’Yngvild Aspeli était marin, il avait une femme nue tatouée sur le bras, sa petite-fille se souvient de sa maison, remplie de souvenirs de ses voyages. « Il y avait un bébé alligator empaillé, des petites tasses chinoises, un éléphant sculpté en bois indien… La mer était une ouverture vers le reste du monde. » Elle-même a passé des semaines à Stamsund, une des îles Lofoten, où elle était en création quand la Norvège a décidé de confiner sa population.

Elle sait que Moby Dick est un défi à la représentation : la mer, la baleine, le bateau, la folie d’Achab… La capitaine Aspeli affronte l’aventure avec un certain nombre d’atouts : son talent dramaturgique, ses marionnettes à taille humaine, qu’elle sculpte elle-même pour leur donner l’expression recherchée, le travail sur l’image sophistiquée de son vidéaste, David Lejard-Ruffet, la musique portée par Ane Marthe Sorlien Holen, forte personnalité à la Björk… « Il faut faire un voyage à la mesure de celui du capitaine Achab, il faut plonger… », conclut Yngvild Aspeli, une grande fille qui n’a pas peur de regarder le monstre en face.

Moby Dick, d’après Herman Melville. Mise en scène : Yngvild Aspeli. Semaine d’art en Avignon, du 27 au 31 octobre à 16 heures, à la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon.

 festival-avignon.com.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale)

Légende photo :  « Moby Dick », par la compagnie Plexus polaire. CHRISTOPHE LOISEAU

Par Jean-Marc Lalanne dans Les Inrocks - 20/10/2020

Laure Calamy et Nicolas Maury ont tourné pour la première fois ensemble sur le plateau de Dix pour cent, dont on découvre aujourd’hui la saison 4. Au moment où se termine la série, c'est une forme d'accomplissement qui se fait jour : avec le succès populaire d'Antoinette dans les Cévennes pour la première, avec un premier long métrage très réussi, Garçon chiffon, pour le second. 

Par Jean Couturier / Théâtre du blog  21 octobre 2020

La Peste c’est Camus mais la grippe est-ce Pagnol ? Performance conçue par Jean-Christophe Meurisse.

Avant le couvre-feu, les acteurs de plusieurs générations de la compagnie des Chiens de Navarre et des invités exceptionnels se réunissent pendant une heure afin de jouer ou lire, dans la plus totale improvisation, une pièce, différente à chaque séance. Dans une société malade de multiples troubles qui la détruisent peu à peu, l’irrévérence n’est plus de mise et cette parole libre, sur le plateau des Bouffes du Nord, fait du bien. L’humour permet toutes les audaces. Six comédiens à la table, munis de micros, feuilles blanches,  gel hydro-alcoolique et masques chirurgicaux. Derrière eux, une dizaine d’autres attendent leur tour de parole, devant des malles et des  costumes de scène qui... ne seront jamais utilisés. Ce spectacle rappelle les exercices d’improvisation que beaucoup ont connus lors des cours d’art dramatique. 

 Ces petits-enfants du Théâtre de l’Unité d’Hervée de Lafond et Jacques Livchine sourient de leurs délires et nous avec.

Cette pièce, qui change de style au fur et à mesure des improvisations, aime se moquer du théâtre lui-même.  Soit de son enseignement : « Je comptais faire du théâtre, pas me faire violer ». Soit de ses thèmes de prédilection comme les pièces de Tchekhov : «Il pleut à la fenêtre » ; « Une chèvre s’est suicidée » ; « Piotr tu me dois cinq roubles. »«  J’aimerais tellement aller à Moscou. ». Les artistes s’adaptent aussi à la réalité politique : «Je me méfie des gens du Sud, tout ce que vous pouvez dire, avec votre accent, ne vous permet pas d’être légitime. »

Parfois l’actualité les rattrape et on entend : « Je suis la liberté d’expression, je vais prendre la parole et on me décapite. »   Pendant une heure, cette forme d’irrévérence salutaire incite une fois de plus à retourner au théâtre.

Jean Couturier

Jusqu’au 24 octobre, Théâtre des Bouffes du Nord, 37 bis bd de la Chapelle  Paris (X ème). T. 01 46 07 34 50..

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Autre critique, signée Denis Sanglard parue dans le blog « Un fauteuil pour l''orchestre»

Un peu embarrassé là, votre chroniqueur. Dernier opus Des chiens de Navarre, plus enragés que jamais, La Peste c’est Camus mais la grippe est-ce Pagnol ? ressemble à s’y méprendre et comme deux gouttes de gel Hydroalcoolique à cet hilarant et caustique exercice de style qui était Regarde le Lustre et Articule soit une lecture de pièce qui n’existe pas, improvisation plus que foutraque, pages blanches tournée avec application et texte ânonné comme si… Bref on reprend la chose à l’identique à ceci près que la meute de nos chiens est augmentée. Il y a là les anciens et les nouveaux. On ne s’en plaindra pas, bien au contraire. Curieux de voir comment les uns et les autres vont s’amalgamer. Et comme annoncé, un invité surprise, ce soir-là c’était, échappé des Chiche-Capon, Frédéric Blin qui s’y collait, quelque peu dépassé par les événements mais cœur vaillant et ne rechignant pas à la tâche. Improvisation donc, pas plus de six autour de la table (tiens donc ! comme à la maison.) et se passant le relais de grés ou de force, en douceur ou avec chausse-trappes. Improvisation donc où il est question de pintades atteintes d’un mal mystérieux, de notre éminente confrère Fabienne Pascaud, du professeur Raoult, de conseil municipal, de conseil des ministres, de bergers et de moutons, d’homosexualité, d’immigration, de la Covid et de ce foutu couvre-feu arbitraire, et j’en passe… D’ailleurs à 20 heures pétantes surgit Jean-Christophe Meurisse sifflant sans ménagement la fin de la récréation. Retour brutal à la réalité.

Or donc ceci étant une reprise augmentée (on peut dire ça), autocitons-nous, reprenons ce que nous écrivions le 25 février 2014, ce qui nous évitera de se répéter.

« La pièce se fabrique sous nos yeux. C’est parfois franchement drôle, parfois laborieux, c’est du n’importe quoi. Le n’importe quoi c’est un peu leur marque de fabrique, cette explosion joyeuse et transgressive de la théâtralité et de ses codes. Oui, mais là ça coince un chouïa. L’impression confuse que l’exercice atteint ici ses limites. Peut-être parce que nous savons à quoi nous attendre et qu’évidemment la surenchère guette. Les chiens de Navarre sont sur le fil du rasoir, ça dérape souvent mais quelque chose ne fonctionne plus, ne fonctionne pas. Le niveau reste bas, les sujets patinent, aucun envol. Pas d’explosion. On le sait, l’improvisation ne s’improvise pas. Si Une Raclette et Nous avons les machines participent de l’improvisation – et là c’est du nanan – ces deux créations n’en sont que le fruit maturé. On peut objecter ici de la fragilité de l’exercice brut de coffre avec tous les défauts inhérents à ce genre de performance.

À moins, à moins que tout ceci ne soit foutrement organisé et que bernés nous soyons. On ne sait jamais avec les Chiens de Navarre… Donc reprenons à l’envers le raisonnement du méchant critique, on se dit alors que tout ça n’est que le carnaval grotesque des cuisines théâtrales, de la fabrication d’un évènement. L’envers possible d’Une Raclette.  En somme une parodie orchestrée de main de maître. C’est bien ça le problème avec Les Chiens de Navarre, on ne sait jamais si c’est du lard ou du cochon. La position du spectateur s’en trouve quelque peu agitée qui louvoie entre plusieurs positions dont celle de regarder le lustre et de laisser articuler ceux dont c’est sans doute le métier. Et que dire de celle du chroniqueur, de position, qui essaie tant bien que mal de saisir quelque chose au vol pour se raccrocher un tant soit peu à cette non-représentation avant d’écrire son désarroi, son impuissance devant un tel machiavélisme… ou ce foutage de gueule. »

Mais ça c’était avant. Parce qu’au regard de cette nouvelle et aléatoire création et des précédentes modérons grave notre propos. Et restons sur le second chapitre de cet article. Battons méchamment notre coulpe. Il ne s’agit plus ici des cuisines de leur métier mais comme à leur habitude de chiens fous d’un regard mordant sur le monde. Les chiens de Navarre montrent les crocs et happent au mollet, ne lâchent pas leur proie qu’ils déchiquettent jusqu’à l’os. Le rire énorme qui secoue la salle fait trembler avec bonheur la bienséance. Le monde, la société, rien n’échappe à leur regard aiguisé de Basilic. Même dans cet exercice périlleux de l’improvisation ce qui est avant tout célébré c’est cette liberté absolue de dire que le théâtre permet, quelle que soit la forme. Et de ça, avec leur foutu talent, indéniable, ils n’en démordent pas. Au vu de notre actualité désespérante, à l’heure des politiques incompréhensibles qui jettent la culture avec l’eau du bain sanitaire, des obscurantismes nauséabonds qui tuent la liberté d’expression, ça fait un bien fou !

La Peste c’est Camus mais la grippe est-ce Pagnol ? performance conçue par Jean-Christophe Meurisse
Avec les Chiens de Navarre et chaque soir des invités exceptionnels.

Du vendredi 16 au samedi 24 octobre à 19 h
Matinée les samedi et dimanche à 16 h
Durée 1 heure

Crédit photo : © Ph. Lebruman

Par Françoise Sabatier-Morel dans Télérama Sortir Grand Paris

le 20/10/2020

Une petite fille joue à s’inventer une maison. Avec la force de l’imagination, quelques bouts de bois et des petites maisons de papier, elle délimite la porte d'entrée, les pièces, la fenêtre qui donne sur un pré avec des moutons. L’enfant, bientôt remplacée par une vieille femme qui s’étonne que le temps soit passé si vite, réapparaît, et toutes deux entrent dans un dialogue, qui s’interrompt, reprend, au rythme d’une alternance de noir et de lumière. Une présence magique passe sur scène, intervient parfois, patiente… Dans cette pièce de Philippe Dorin, auteur contemporain de théâtre jeunesse, impossible d’enfermer les personnages dans un seul rôle, une seule histoire (l’enfant n’est peut-être qu’un souvenir, un rêve…). Toute la poésie du texte réside dans cette multiplicité de sens, dans cette ouverture aux possibles. Cette poésie émeut, étonne, et c'est avec habileté et délicatesse que le metteur en scène Julien Duval réussit à la garder intacte.

Françoise Sabatier-Morel (F.S.-M.)


Auteur : Philippe Dorin
Interprète : France Darry, Carlos Martins, Juliette Nougaret et Camille Ruffié
Metteur en Scène : Julien Duval

Lieux et dates
Théâtre Paris-Villette
de 10 € à 16 €
211, avenue Jean-Jaurès, 75019 Paris
infos
Du 21 au 22 octobre 2020 14h30 
Samedi 24 octobre 2020 19h00 
Du 28 au 29 octobre 2020 14h30 
Vendredi 30 octobre 2020 19h00 
Dimanche 1 novembre 2020 15h30 

Le Monde avec AFP Publié le 19/10/2020

Apprécié particulièrement pour ses prestations avec Andrzej Wajda ou au Théâtre national de Chaillot à Paris, Wojciech Pszoniak est mort lundi à l’âge de 78 ans.


Grand homme de cinéma et de théâtre polonais et français, Wojciech Pszoniak, apprécié particulièrement pour ses prestations avec Andrzej Wajda ou au Théâtre national de Chaillot à Paris, est mort lundi 19 octobre d’un cancer généralisé, a annoncé un proche ami de la famille de l’acteur.

« Wojciech Pszoniak est décédé aujourd’hui, à 6 h 08 du matin, à l’âge de 78 ans. Un des plus grands, un des géants du film et du cinéma polonais de l’après-guerre », a écrit sur le site du journal catholique Wiez le père Andrzej Luter, qui accompagné l’artiste jusqu’aux dernières heures de sa vie.

Né le 2 mai 1942 à Lviv (aujourd’hui en Ukraine), il a mené une carrière très riche en films et en spectacles, tous d’une grande diversité. Il s’est éteint à Varsovie, selon les médias polonais.

Insallé en France depuis les années 1980
Sous la houlette d’Andrzej Wajda, il a interprété Robespierre dans Danton, le Juif Moryc Welt dans la série La Terre de la grande promesse, ou encore le rôle éponyme de Korczak. Il a également collaboré avec Volker Schlöndorff ainsi qu’avec Peter Handke, et ce aux côtés de Gérard Depardieu, de Michel Piccoli ou de Michel Aumont.

Dans les années 1980, il avait fui le régime du général Wojciech Jaruzelski pour s’installer en France. Il s’y était vu remettre, en 2008, les insignes d’officier de l’ordre national du Mérite.

Légende photo : Wojciech Pszoniak en 1990 dans « Korczak », d’Andrzej Wajda. BBC / ERATO FILMS / ERBOGRAPH CO / REGINA ZIEGLER FILMPRODUC / Ronald Grant Archive/The Ronald Grant Archive / Photononstop / BBC / ERATO FILMS / ERBOGRAPH CO / REGINA ZIEGLER FILMPRODUC / Ronald Grant Archive/The Ronald Grant Archive / Photononstop

Ses grands rôles au théâtre en France :

2007 La Locandiera de Carlo Goldoni mise en scène Philippe Mentha

2001 La Boutique au coin de la rue d'après Miklós László… mise en scène Jean-Jacques Zilbermann

1998  L'Atelier de Jean-Claude Grumberg mise en scène Gildas Bourdet

1994  Marchands de caoutchouc de Hanoch Levin mise en scène Jacques Nichet

1992  Ubu roi d’Alfred Jarry mise en scène Roland Topor

1983  Par les villages de Peter Handke mise en scène Claude Régy

1980  Ils ont déjà occupé la villa voisine de Stanislaw Ignacy Witkiewicz mise en scène Andrzej Wajda

1978  Les gens déraisonnables sont en voie de disparition d'après Peter Handke mise en scène Claude Régy

Montage par Jean-Pierre Jourdain, à partir des archives des enregistrements radiophoniques de Michael Lonsdale. Diffusé sur France Culture sur le programme des Fictions  le 18 octobre 2020

Lien pour écouter l'émission en ligne (2h)

Suite à la disparition de Michael Lonsdale (21/09/2020) nous avons voulu partager avec vous ces 2 heures durant lesquelles nous retrouvons Michael Lonsdale et des auteurs, Duras, Ionesco, Beckett, Aperghis, Césaire… autant d’auteurs, d’inventeurs, avec lesquels il dit avoir été le plus heureux à la radio.

Photo : Michael Lonsdale (en 2012)• Crédits : ullstein bild - Getty

Par Armelle Héliot dans son blog 17 octobre 2020

Fine et blonde, allure d’éternelle jeunesse, comédienne remarquable, elle nous raconte sa vie en confidences et chansons, très bien accompagnée.

C’est un moment musical rare et chaleureux, extrêmement touchant et rigoureux.

On a vu ce spectacle cet été et il n’a été repris qu’il y a quelques jours, simplement le samedi et le dimanche. Depuis est tombé le couperet du couvre-feu, les horaires ont donc été modifiés pour les dernières représentations.

Vincent Leterme, piano, Laurent Valero, violoniste, deux musiciens excellents, véritables partenaires, soutiennent la mise en scène, précise, fluide, utilisant tout l’espace de ce lieu qui va bien à l’esprit cabaret, au récital. Une mise en scène signée Olivier Cruveiller, comédien dont on loue depuis longtemps le talent ondoyant.

Natalie Akoun est une interprète que l’on a très souvent applaudie au théâtre dans des registres très différents. Des personnalités de théâtre très différentes l’ont dirigée. Elle-même s’est mise à l’écriture : Les Madones, Une histoire de clés, La Femme aux sandales d’été. A chaque fois, des chansons, mais prises dans le fil dramaturgique.

« Chanter au théâtre, dit-elle, c’est continuer sa pensée quand on ne trouve pas les mots ou quand on n’a plus forcément conscience de ce que l’on ressent. Comme une boîte noire au fond de sa tête » dit-elle.

Le fil de Mon âge d’or, que l’on pourrait prendre pour un clin d’œil décalé à Ariane Mnouchkine, est celui de l’autobiographie. Ses parents l’ont initiée au théâtre et ce chemin est souvent passé par la Cartoucherie. Natalie Akoun et Olivier Cruveiller ont joué à –et ils s’y sont même mariés… Mais cet Age d’or est aussi celui de Léo Ferré….

Sur le fil de la mémoire, des perles précieuses : les chansons qui l’ont marquée et qu’elle interprète de sa jolie voix, très bien placée lorsqu’elle parle, très juste, mélodieuse et nuancée lorsqu’elle chante. Ce qui est très intéressant c’est qu’elle n’imite jamais, elle ne reprend pas les manières des chanteurs qui ont fait connaître ces textes, ces airs. Elle a forgé, pour chaque chanson, sa propre manière. Elle glisse de Trois petites notes de musique –Delerue/Colpi en 61- à L’Age d’or de Léo Ferré. Il y a aussi, très important, Saltimbanque de Maxime Le Forestier, puisque « saltimbanque » c’est le métier dont rêvait la petite fille.

Boris Vian, Renaud, Barbara, Rezvani, Gréco, Béart, Louis Amade et Bécaud (La Ballade des baladins, évidemment), Roda-Gil et Julien Clerc, Moustaki, on ne vous dévoilera pas ici tous les titres. On aurait bien ajouté une chanson de Pierre Mac Orlan, mais cela, c’est par goût personnel, ou encore des textes d’Aragon…mais c’est une question de génération.

Ce récital est une pépite d’émotions chatoyantes, une manière merveilleuse d’être plongé dans la musique, la poésie, l’esprit. Natalie Akoun est une fée, une fragile silhouette mais qui possède une force de jeune déesse et un irrésistible charme.

Les Rendez-vous d’ailleurs, 109 rue des Haies, 75020 Paris (Métro Maraîchers). Téléphone : 01 40 09 15 57. Vendredi et samedi à 18h30 et, normalement, ensuite, reprise le 4 décembre à 21h00, jusqu’en janvier, chaque vendredi et samedi, 21h00. Puis au Théâtre de l’Epée de Bois du jeudi au dimanche, du 28 janvier à février.

Par Mireille Davidovici dans Théâtre du blog - 16/10/2020

Croquis de voyage #2 par les élèves de l’École du Nord de Lille

Les voyages, dit-on, forment la jeunesse. Maxime confirmée par les premiers Croquis de voyage vus à l’automne 2017 (voir Le Théâtre du Blog). On se souvient encore, parmi d’autres, de la prose de Mathias Zachar descendu en train, en bateau, en stop, de la source à l’embouchure du Danube… Des expériences inoubliables aux dires des anciens élèves venus voir les travaux de la sixième promotion. « C'est peut-être cela, le pari du voyage? disait François Maspero. Au-delà des émerveillements ou des angoisses de l'inconnu, retrouver le sentiment d'être de la même famille. Parfois ça rate. Parfois même, ça tourne mal. Mais le pari vaut d'être fait, non ?» Marquée par les récits de l’écrivain-voyageur, Balkan-Transit ou Les passagers du Roissy-Express, Cécile Garcia Fogel actrice et enseignante à l’Ecole du Nord avait proposé aux élèves de la promotion 5 ( 2015-2018) de partir seuls sur les chemins de l’Europe.

 Pour cette deuxième édition, les règles étaient les mêmes : départ fin août de la gare de Lille, téléphone mobile et ordinateur débranchés pour une immersion totale dans l’inconnu. En poche, un petit pécule : de quoi manger, se loger et voyager pendant un mois. Chacun(e) a dû faire, en fonction de sa destination, un budget prévisionnel et s’y tenir. Cette fois, la plupart des jeunes est restée à l’intérieur de l’Hexagone. Moins exotique peut-être mais fructueux en rencontres, comme en témoignent les petites formes présentées à la maison Folie Moulins.

 En amont, Jean-Pierre Thibaudat, homme de théâtre et grand voyageur, parrain de l’expédition, les a aidés à affiner leurs objectifs, puis, au retour, à peaufiner leurs pièces. Il dit être très peu intervenu, si ce n’est : « raccourcir un texte, supprimer des passages superflus, resserrer les boulons, c’est tout. Et pour certains c’était déjà bouclé.»  Pour la mise en scène, Cécile Garcia-Fogel, qui connaît bien ses élèves et leurs projets, a été un précieux œil extérieur : «Je les ai aidés à préciser leurs intentions de départ. A circonscrire leur sujet, en évitant les généralités. A rechercher des choses moins sexy mais plus vraies. Au retour, je leur ai donné quelques conseils pour leurs textes et leurs réalisations, sans jamais rien leur imposer. » Reste qu’après un mois de solitude absolue, écrire, répéter et présenter son Croquis de voyage, en dix jours a été, pour ces dix-huit jeunes, un pari  difficile mais largement gagné.

L’ancienne brasserie en briques rouges est en effervescence. De la cour aux Petits et Grands Germoirs et à la Petite Cuve, par des escaliers métalliques, le public est invité au voyage…D’une salle à l’autre, il faut garder ses distances et s’asseoir loin les uns des autres. Jauge réduite oblige, chaque pièce a dû être jouée de quatre à six fois…  Soit un marathon de trois jours.

« En route, le mieux c’est de se perdre, lorsqu’on s’égare, les projets font place aux surprises, et c’est alors, mais alors seulement, que le voyage commence », écrivait Nicolas Bouvier. C’est vrai pour Et tu ne diras rien de Pierre-Thomas Jourdan. Parti à la rencontre de marins au long cours, le comédien s’arrête dans la maison d’un vieil homme en fin de vie. Impressionné par le personnage et la situation, il écrit une partition remarquable. En scène, il incarne sobrement un vieillard attablé qui ressasse ses souvenirs, devant un frère de dix ans son ainé qui lui sert la soupe « avec lenteur », en silence. Le cadet commente méticuleusement, avec force précision, la photo des noces d’or d’une tante, le 16 mai 1994, sur laquelle figure ses parents, son frère, et lui enfant : « Josiane notre tante au centre de la photo et moi toujours habillé de cette veste verte et de ce sourire déjà malade… » Le frère encaisse, muet les rabâchages et les sarcasmes du moribond… La vie de ce des deux êtres, en attente de la mort, semble s’être figée dans ce monologue glaçant.

 Suzanne de Baecque, avec Cluster, opère une plongée dans les coulisses du concours Miss Poitou-Charentes. Elle s’y est elle-même présentée, et a vécu la violence de cette course à l’écharpe. Elle est ainsi entrée en contact avec plusieurs aspirantes : des filles très seules mais qui se sont confiées à elle. Devant nous, Suzanne devient Laureline, au mot près : une langue d’aujourd’hui, de là-bas, vitaminée au globish : «Je suis pas une fille de groupe, tu vois. Mais, meuf, la vie elle est courte, alors, profite ! …Go, go, go !… » La comédienne a su trouver la bonne distance pour faire exister, sans la caricaturer, cette jeune femme très « girly », fan des séries Gossip Girl et Pretty Little Liars… Une prestation émouvante qui donne voix à l’une de ces personnes qu’on n’entend jamais, confinées dans ces « territoires perdus de la République » pour citer le titre du livre d’Emmanuel Brenner.

Oscar Lesage, avec Dear Nanni, raconte l’histoire d’une obsession : rencontrer le cinéaste Nanni Moretti pour lui dédier une chanson de sa composition. Il est à Rome, à Venise… Il bombarde le réalisateur de mails, rencontre des personnes influentes qui peuvent le mettre en relation avec lui, soudoie Pietro Moretti, le fils de son idole… Micro en main, il nous donne un aperçu de son talent de parolier et chanteur ; il a aussi un don pour passer du français à l’anglais et à l’italien… L’acharnement finit par payer : il rencontrera Nanni Moretti et nous aurons bien ri de son voyage…

Tout aussi rocambolesque : L’Exil d’Hortensius d’Antoine Heuillet. Le pédant Hortensius quitte les pages de La Seconde Surprise de l’amour de Marivaux et débarque dans la Creuse en août 2020. « J’ai  cent-quatre-vingt seize ans et je suis perdu dans ce monde qui n’est pas le mien. » dit-il;  en habit d’époque, il cite Sénèque en toute occasion. Il aura tôt fait d’entrer en contact avec une famille de chasseurs qui l’entraînent à tuer un sanglier « Mon index avait décidé de faire de moi un meurtrier ». Repéré par des journalistes, il alimente la chronique de La Montagne et le voici promu citoyen d’honneur de la ville de Guéret… L’acteur a en quelque sorte trouvé la vérité de son personnage dans l’imprévu.

Louis Albertosi avec Veiller sur le sommeil des villes, marche sur les traces de l’ange Daniel dans Les Ailes du désir de Wim Wenders. Il parcourt des cités « à demi-mortes, dépeuplées »  de Calais à Dunkerque en passant par Saint-Omer, fait une brillante chronique de « ces cités palimpsestes grands territoires qu’on déconstruit et sur les ruines desquels on reconstruit.  » Entre polémique et mélancolie, il s’en prend aux jeux de mots foireux en « hair » aux enseignes d’improbables salons de coiffures. Pour connaître sa ville, dit-il, il faudrait « inventer la vie des détritus que l’on croise »… Il fustige aussi les mesures sanitaires, comme les gestes barrière :  «  Sauver l’humanité c’est s’en tenir à l’écart ! » Annuler la fête de l’andouillette d’Arras, est pour lui le symbole de ces liens qu’on coupe entre nous… Il y a du mensonge :  cette apparence de reprise n’est qu’une  parodie et il conclut: « J’espère que cette parodie n’était qu’une hibernation et j’attends notre printemps sauveur. » Un périple en forme de prophétie où Daniel, l’ange de la communication, devient une sorte de lanceur d’alerte…

Sept jours d’Adèle Choubard résume, en sept temps, son ascension quotidienne d’un terril à Loos-en-Gohelle le plus haut d’Europe. Vingt-six fois, Adèle a gravi les cent-quatre-vingt six mètres de ce monticule qui marque le paysage de son enfance. Et de jour en jour, lui revient l’image de son père, récemment disparu  et les glaces qu’elle partageait avec lui au bord de la mer du Nord. Avec humour et tendresse, elle dédie son exploit sportif aux hommes du plat pays chanté par Jacques Brel, qui, grâce à leur dur labeur, ont édifié de leurs mains cette colline de terre noire. Un émouvant hommage…

 Avec Confessions au silence, Rebecca Tetens raconte sa quête du silence sur le chemin de Saint-Jacques de Compostelle. Mais le bruit est partout, à commencer par ses pas qui martèlent lourdement la scène. «Quand je suis avec ta cousine, la solitude, j’ai l’impression de te trouver un peu, silence », dit-elle. Pourtant, elle prend plaisir à écouter d’autres marcheurs et à faire un bout de route avec eux. Et quand ils se quittent et que son équipée prend fin, elle éprouve peut-être ce silence inaccessible et qu’elle ne cherchait plus…

Mathilde Auneveux a installé sa voiture dans la cour de la Folie-Moulins. Entre deux croquis, elle propose aux spectateurs des intermèdes musicaux. Perchée sur le capot, elle chante des titres de sa composition. Des romances piquantes ou un slam aux paroles douces-amères : « And if you want my soul/Ask for it, I’ll send it by mail ». Un style affirmé et une voix prometteuse. Si l’on entre dans la voiture qui l’a amenée d’un point à un autre du territoire, on trouve pêle-mêle les traces de son  voyage : interviews, lettres, musiques… 

 Dans le même esprit, le croquis de voyage de Paola Valentin se décline en une installation : bric-à-brac de photos, enregistrements audio, dessins et messages gribouillés, qu’elle a amassés en traversant les villages dans un camion aménagé pour le camping. Elle expose ainsi les portraits de Georges, Marie, Damien et les autres : rencontres éphémères mais qui  lui ont confié leurs histoires et leurs souvenirs…

Devant quitter la maison Folie-Moulins à mi-parcours, nous n’aurons pas vu les travaux de Maxime Crescini, Orlène Dabadie, Simon Decobert Joachim Fossi, Nicolas Girard Micheletti, Solène Petit, Constance de Saint-Rémy, Noham Selcer, Nine d’Urse… Mais la plupart des croquis que nous avons découverts, ont un point commun : la rencontre souvent intime avec d’autres mondes, aux périphéries de l’Hexagone, aux confins de « l’Archipel français » selon les mots de Jérôme Fourquet. Les habitants de ces territoires ruraux ou périurbains constituent 60 % de la population mais restent sous-représentés dans la sphère publique… Laureline dit dans Cluster : « Quand t’es Miss, t’as beaucoup de voix ». C’est pour sortir de l’anonymat et mettre sa voix au service d’une cause, qu’elle espère remporter le concours…

Avec l’aide du scénographe Christos Konstantellos, les jeunes artistes ont donné corps et vie à ces voix. Chacun(e) à sa manière et selon sa personnalité a su traduire en théâtre son expérience personnelle. Et certaines de ces formes brèves pourraient aboutir à un spectacle…

Pour Christophe Rauck, directeur de l’École et du Théâtre du Nord qu’il va bientôt quitter pour le Centre Dramatique National de Nanterre-Amandiers, cette démarche fait partie de l’apprentissage du théâtre : «Imposer dans ce cursus un voyage en troisième année, ce n’est pas de l’exotisme. Le voyage, c’est difficile. Ça demande du courage, une certaine connaissance de soi, de l’inventivité, une curiosité. Ce n’est pas fuir, c’est tirer une ligne de fuite pour regarder autrement »

En attendant, le nouveau directeur ou la nouvelle directrice recrutera en mars prochain la septième promotion, soit douze élèves-comédiens et quatre élèves-auteurs. Inscriptions au concours: du 2 novembre au 14 février.

Mireille Davidovici

Présentation publique des travaux d’élèves du 9 au 11 octobre, à la maison Folie Moulins, Lille (Nord).
Prochaines présentations: les 20 et 21 novembre avec Toujours la Tempête de Peter Handke, mise en scène d’Alain Françon.

 En janvier : tournée régionale de Marivaux en balade

 Ecole du Nord, adresse provisoire : 7  rue du Sec Arembault, Lille (Nord).  T. 03 20 00 72 64

Légende photo : Oscar Lesage, élève-comédien de l'école du Nord Photo  © Simon Gosselin-

Propos recueillis par Jérémie Couston, Joëlle Gayot et Jean-Baptiste Roch dans Télérama 16/10/2020

Concerts déprogrammés, sorties de films reportées, climat anxiogène… Interrogés par “Télérama”, les trois artistes commentent l’annonce des restrictions horaires décrétées par le gouvernement et l’impact qu’elles auront sur les salles de spectacles et de cinéma.

Suzane : “Le live, c’est vital pour moi !”

« Moralement, ces annonces sont difficiles à encaisser. C’est un peu les montagnes russes. Après cinq dates cet été, j’ai entamé début octobre une tournée de vingt-cinq concerts, et j’avais la sensation de retrouver un semblant de vie normale. Les concerts avec les masques, les gens assis et espacés : ça ressemble à la série Black Mirror, mais au moins, pendant une heure dix, tout le monde oublie le contexte ! Ces annonces relancent l’incertitude : que va-t-il se passer dans les semaines qui viennent ? Les restrictions vont-elles s’étendre ? Pour l’heure, sur ma tournée, cinq concerts sont directement touchés, dont un au Trianon prévu à Paris début novembre. On va s’adapter : a priori, tous auront lieu, il faudra juste jouer plus tôt. Mais ce couvre-feu nous replonge dans le flou. J’espère sincèrement que ces mesures vont permettre d’atténuer la flambée de l’épidémie.

Pour ma part, je n’ai pas modifié ma scénographie en fonction des conditions sanitaires, ni réduit la voilure : mon concert est tel que nous l’avions pensé en résidence, en février dernier, avec énormément de visuels. De ce point de vue, c’est un vrai plaisir de voir les choses se concrétiser. En ce début d’automne, je me sens enfin redémarrer. J’ai été très active dès le déconfinement, notamment en sortant un morceau avec Grand Corps Malade, mais le spectacle vivant me manquait terriblement. Le live, c’est ma came, c’est par lui que je suis arrivée, je n’ai pas émergé comme d’autres sur TikTok ! C’est vital pour moi. Ces derniers mois, il a fallu exister quasi exclusivement à travers les réseaux sociaux, mais ce n’est pas mon but dans la vie. Ce que je veux, c’est jouer sur scène, l’essence de ma musique, c’est ça. La période est morose, mais il faut continuer à se battre. »

Vincent Macaigne : “C’est l’éducation par la fessée. Le couvre-feu doit être le dernier recours”

« Je suis sous le choc. D’un côté, on nous dit que les conditions sanitaires sont bonnes dans les lieux culturels, d’un autre, on impose un couvre-feu. Si les salles de cinéma et les théâtres sont sécurisés, il devrait y avoir une dérogation. La semaine dernière, je suis allé voir l’Iphigénie de Stéphane Braunschweig à l’Odéon : le public était parfaitement discipliné, les gestes barrières respectés. Avec une place de théâtre ou un ticket de cinéma dans la poche, on devrait pouvoir rentrer chez soi après 21 heures. Le gouvernement est en train d’assassiner un secteur. Les films risquent d’être annulés les uns après les autres. Aucun distributeur ne prendra le risque de sortir un film sans la séance de 20 heures, la plus importante en termes de fréquentation.

La culture permet aux gens de se rassembler, de croire en la réalité d’une société. En particulier dans les grandes villes où les appartements sont trop petits et où la population vit beaucoup dehors. S’il n’y a plus de proposition culturelle, ni bars ni restaurants, la vie en ville devient absurde. Les gens vont péter les plombs. Et je ne prends pas la maladie à la légère. Mon frère est médecin ; j’ai des amis de 30 ans en parfaite santé qui ont attrapé le virus et en gardent des séquelles.

J’adore aller au restaurant et boire des verres dans les bars, et j’ai pu constater qu’il y avait un relâchement sur les gestes barrières. Hier, je suis allé me faire tester [résultat négatif, ndlr] et dans la file d’attente du laboratoire, une dame, qui trouvait que je laissais trop d’espace entre moi et le patient devant, m’a doublé. Ne pas respecter les distances physiques avec des personnes toutes potentiellement malades… Nous ne sommes pas encore capables de vivre ensemble. Mais il faut de la pédagogie, pas de la répression. On doit tous apprendre à vivre autrement. Une fois encore, le gouvernement nous infantilise, il nous supprime nos jouets d’une semaine à l’autre, sans explication, sans concertation. C’est l’éducation par la fessée. Le couvre-feu doit être le dernier recours. Peut-être fallait-il que Macron n’aille pas faire du jet-ski cet été pour mieux préparer le pays à cette deuxième vague… »

Couvre-feu : comment les salles de spectacle s’adaptent aux restrictions horaires 10 minutes à lire

Denis Podalydès : “J’aimerais que nous sortions de la rhétorique de la survie”

« J’avoue avoir été soulagé en écoutant Emmanuel Macron car je m’attendais à un reconfinement. Même si je sais que changer les horaires des spectacles ne sera pas simple lorsqu’ils sont longs. Nous devons obtenir une dérogation ! L’impact de la crise a déjà eu lieu sur le théâtre. On ne peut plus imaginer la mise en scène de textes fleuves (comme La Servante, d’Olivier Py, qui durait vingt-quatre heures). Peut-être sommes-nous en train de prendre la mesure d’un âge d’or révolu. Moi qui me refuse au déclinisme, je n’arrive pas à jouer les Cassandre. Tout est toujours en transformation et les mutations des représentations ne datent pas du Covid. Ma génération pensait que sa culture, nourrie de Corneille ou Racine, était immuable. Or cette culture s’est métamorphosée. Racine n’est plus un passage obligé pour les jeunes compagnies qui veulent s’asseoir dans le paysage. J’ignore si c’est pour un bien ou pour un mal, je note juste l’évolution. Sur les tournages, je me promène au milieu de personnes masquées alors que moi, je ne le suis pas. Ça me plonge dans une sorte d’abstraction, comme si ma condition d’acteur m’extrayait et me mettait à part.

Nous vivons une période de bouleversements. Il y a toujours quelque chose d’exaltant dans ces déplacements de structures, lorsque nos perceptions sont chamboulées. Ce vacillement peut rendre fou de colère ou de désespoir. Mais passer son temps à regretter ce qui a été et qui n’est plus empêche de voir ce qui va apparaître. Ce n’est plus comme avant, se lamentent certains. Mais de toute façon, rien n’est jamais comme avant. Nous manquons d’esprits clairvoyants qui nous aident à percevoir, de manière fine, ce qui se passe actuellement. Nous manquons de nuances, il n’y a qu’à voir, à cet égard, ce qui se déploie sur les réseaux sociaux. Ce que j’aimerais, c’est que l’art me rende cette période, qu’il me la réinvente, qu’un livre, un spectacle me fasse comprendre ce que je vis. Alors j’y verrais plus clair. J’aimerais que nous sortions de la rhétorique de la survie. La survie, ce n’est pas la vie. »

Par Olivier Joyard dans Les Inrocks - 12/10/20 

Il était l'une des révélations de 120 Battements par minute en 2017. Aujourd'hui, Arnaud Valois illumine la série Moloch aux côtés de Marine Vacth et le premier long métrage de Nicolas Maury, Garçon chiffon. Rencontre avec un acteur lucide sur son travail et son parcours.

Dans les premières scènes de Moloch, le contraste est saisissant entre le jeune homme que nous connaissions dans 120 Battements par minute il y a trois ans, un militant d’Act Up amoureux et endeuillé, et le flic qui arrive sur une scène de crime après une étrange affaire de combustion spontanée. Mais dans son jeu, Arnaud Valois ne semble pas perturbé par cet effet d’étrangeté. Bientôt, il forme avec Marine Vacth (qui joue une jeune journaliste) le couple le plus désirable que l’on puisse imaginer dans une série française.

Ce déplacement naturel des attentes lui ressemble. Mais comment l’expliquer ? “Après le film de Robin Campillo, je m’attendais à recevoir énormément de scénarios dans la même veine, explique-t-il. En fait, j’ai suscité des projections complètement différentes chez les cinéastes : un pompier, un militaire, un vétérinaire et donc, ici, un flic dans un récit fantastique. On me dit que la façon dont j’incarne les personnages laisse ouvertes beaucoup de perspectives. Pourquoi pas ! Mais, évidemment, je ne joue pas en me disant que je vais laisser ouvertes des perspectives !” (rires)

Arnaud Valois ne semble jamais dépassé par le désir qu’il inspire. Il s’en accommode comme d’une donnée parmi d’autres, dont il est inutile de chercher l’origine. Il se montre plus prolixe quand il exprime son propre désir. Sa partenaire dans Moloch l’a stupéfait. “Pendant les lectures du scénario avant le tournage, je ne pouvais pas m’arrêter de regarder Marine.”

“C’est très impressionnant. Je ne parle pas forcément de sa beauté, mais vraiment du magnétisme qui se dégage d’elle. Quasiment toutes mes scènes sont en duo avec elle et nous avons pu faire fructifier le contraste entre nous. On ne travaille pas de la même façon. Marine est d’abord instinctive sur le moment, moi je suis davantage dans la réflexion et le travail en amont.”

Un jeune premier vingtenaire

Créateur et réalisateur de Moloch, Arnaud Malherbe confirme la méthode Valois. “Ce grand écart avec Marine Vacth m’a passionné. Même pour un rôle moins important en termes de présence à l’écran, Arnaud arrive en ayant pris trois pages de notes, tout le scénario est annoté, il s’est imaginé le background du mec qu’il incarne. Dans le chaos de la préparation d’une série, c’est bien d’avoir quelqu’un qui ne vient pas en touriste. En même temps, Arnaud a eu le désir enfantin de jouer un flic. Il m’a dit qu’il en rêvait, ça m’a fait rire. Il veut devenir de plus en plus acteur, même s’il l’est déjà : ne pas être seulement ce qu’il est ou ce qu’il peut donner malgré lui, mais s’emparer d’un projet de personnage et le travailler. Se dire qu’il peut tout faire.” 

>> >> Lire aussi : “120 Battements par minute” : un choc émotionnel, l'un des plus beaux films de l'année

L’intéressé n’exprime pas encore cette ambition (“Je pense que je ne suis pas capable de tout jouer, et je ne me fais pas de bile à ce propos"), mais la problématique a du sens au regard de son parcours. Il a été un jeune premier vingtenaire dans Selon Charlie (2006) de Nicole Garcia, puis dans La Fille du RER (2009) d’André Téchiné notamment, avant de sortir du métier d’acteur par lassitude et manque de sollicitations. On a retrouvé Arnaud Valois en Thaïlande, où il a suivi une formation de masseur thaï, avant d’ouvrir un cabinet de sophrologie à Paris – il a été récemment un lecteur attentif de Yoga d’Emmanuel Carrère, qui l’a passionné.

“Si j’avais continué à être comédien de ma vingtaine à mes 36 ans aujourd’hui, je serais un acteur différent. Mais il y a eu ce break énorme de sept ans où j’ai travaillé sur les autres, sur moi, sur comment aller bien. J’imagine que cela ressort dans ma façon d’interpréter des personnages et d’être avec les gens sur un plateau. De cette période, j’ai conservé tous les outils que je connais (sophrologie, méditation) pour me les appliquer à moi-même. Pour sortir de la bulle d’un tournage et pour y entrer, c’est vraiment intéressant.

“Je connais ma chance d’avoir ces boussoles pour mieux vivre les hauts et bas du métier, les variations d’émotions et de sensations qui impactent la tête et le corps. La vie n’est pas un plateau de cinéma. Je comprends très bien mes camarades qui ont envie d’y passer tout leur temps, puisqu’on peut y trouver un plaisir extrême, mais j’avoue que je prends plus de plaisir dans les énergies un peu plus neutres.”

“Cela m’a paru impossible après un hiatus de sept ans de faire semblant”

Clairement, Arnaud Valois peut arpenter avec joie d’autres territoires que ceux du cinéma ou de la télévision, ce qui rend son désir d’autant plus fort. “120 Battements par minute a tout bouleversé, dans le bon sens du terme. Pendant la tournée promo qui a duré des mois, je me suis demandé si j’allais tourner à nouveau, parce que la vie que je m’étais créée me satisfaisait énormément. Mais j’ai compris que j’aurais été idiot de ne pas saisir tout ce qui se passait. Quand on ne voudra plus de moi, ou quand je n’aurai plus envie, je repartirai ailleurs sans regrets.” 

Un tel niveau de tranquillité intérieure, voilà peut-être ce qui a guidé le comédien dans son choix d’évoquer publiquement son homosexualité – lors de la tournée internationale ayant suivi 120 Battements par minute –, ce qu’aucun acteur français de sa notoriété n’a fait. Il s’affiche ce mois-ci sur la couverture du magazine Têtu avec ce titre : “Fier, haut et fort.” “Pourquoi j’en ai parlé ? Cela m’a paru impossible après un hiatus de sept ans de revenir et de faire semblant. Je n’ai aucun jugement à porter sur les autres, mais on m’a posé la question et j’y ai répondu sincèrement. Je ne pouvais pas faire autrement, moi en tant qu’Arnaud. La question de ce qui me paraît juste ou non est la seule qui vaille.

“Quand je reçois des scénarios, par contre, je ne me base pas sur l’orientation sexuelle du personnage. L’affirmation de qui je suis n’a rien changé à mon moi d’acteur. Je ne l’ai pas vécu comme quelque chose dont j’aurais dû me délivrer. Simplement, je suis revenu au cinéma avec un film dont les personnages, au risque de leur vie, revendiquaient tout. Je l’ai donc fait, à ma hauteur. Soyons clairs : je ne prends pas de risques en tant que comédien. Je vis dans un monde ouvert et fluide où je me sens à ma place.”        

Le résultat de cette fluidité, c’est qu’Arnaud Valois passe cet automne d’un personnage de flic amoureux d’une journaliste torturée (Moloch) à celui d’un trentenaire qui tape dans l’œil d’une lycéenne (16 Printemps de Suzanne Lindon, en salle le 9 décembre), ou encore d’un vétérinaire en couple avec son compagnon très jaloux dans Garçon chiffon de Nicolas Maury, l’une des sensations de la fin d’année (à lire dans notre prochain numéro).

Bien plus qu’une beauté saisissante

Dans ce beau film, la masculinité à la fois classique et légèrement hors norme d’Arnaud Valois fait de lui bien plus qu’une beauté saisissante. “Je joue souvent des hommes en couple, c’est vrai, comme si j’étais une épaule sur laquelle se reposer. Si les gens savaient… (rires) Dans la vraie vie, généralement, c’est plutôt moi qui ai besoin d’une épaule." Le film de Nicolas Maury a été pour lui une expérience intensive et joyeuse" et l’occasion d’une découverte.

>> Lire aussi : Rencontre avec Nicolas Maury : “Je suis trop freak pour devenir l’acteur du moment”

“Nicolas m’a choisi après un seul essai, en une seule prise. J’ai eu la sensation d’être vraiment regardé. Mais quand j’ai vu le film terminé, j’ai compris quel degré de cinéaste il avait atteint, ses plans, ses références, cette mélodie qu’il arrive à mettre en place. Pour moi, un cinéaste se reconnaît au fait que tu rentres dans une espèce de transe en voyant un film, qu’elle soit très joyeuse ou très angoissante. Avec Nicolas, tu passes par tous ces états.”

Incarner une époque de la façon la moins volontariste qui soit n’est pas donné à tout le monde. Celui qui joue aussi actuellement dans le spectacle pour enfants Le Vilain Petit Canard, sur une musique d’Etienne Daho, traverse sa période d’intense actualité avec un flegme bienveillant, pas forcément dupe. Tout en ayant le talent de se trouver au bon endroit au bon moment, il est capable de rester légèrement en retrait, sans se formaliser. Il sait aussi que les séries et surtout le cinéma français se trouvent à un tournant, qu’il appelle de ses vœux.

A propos des César, Valois estime que "les choses vont revenir sur le bon chemin car nous avons maintenant une super présidente, l’ancienne patronne d’Arte, Véronique Cayla”, avant d’embrayer calmement sur l’importance de ne plus regarder en arrière. “C’est une excellente chose que l’on agisse pour la place des femmes et la diversité dans tous ses aspects – je déteste le mot ‘minorités’. C’est important que le cinéma et son industrie puissent ressembler à quelque chose de plus paritaire et inclusif, à l’image de la société.”

“Ce qui s’est passé, la vague MeToo, je la trouve nécessaire, bien que la déferlante arrive à retardement en France. Je pense qu’il faut ouvrir la parole. Parfois, les revendications sont extrêmes, mais sans revendications extrêmes, on n’avance pas. Avec des robinets d’eau tiède, on n’y arrivera pas. Nous avons besoin de figures qui prennent la parole de façon assez radicale.”

Quand il prononce ces mots, on pense évidemment à sa partenaire de 120 Battements par minute, Adèle Haenel, comme si le hasard des rôles et des projets n’en était jamais vraiment un. “J’ai été solidaire de l’action d’Adèle Haenel pendant les César, c’était sa façon de l’exprimer, et personne ne peut avoir de jugement là-dessus. Je ne peux que dire bravo. Aller jusqu’au bout de soi de cette manière, c’est remarquable.”

Moloch d’Arnaud Malherbe les 22 et 29 octobre sur Arte, du 15 octobre au 27 novembre sur arte.tv

Garçon chiffon de Nicolas Maury en salle le 28 octobre

Le Vilain Petit Canard spectacle musical, les 21 et 22 octobre, Philharmonie de Paris

Légende photo : A Paris, en octobre © Jules Faure pour Les Inrockuptibles

Par Cédric Pietralunga dans le Monde du 15 octobre 15h00

Concrètement, les séances auraient toujours l’obligation d’être terminées à 21 heures, mais les spectateurs auraient ensuite le temps de regagner leur domicile.

La mesure est réclamée par tous les professionnels de la culture. Selon nos informations, le gouvernement envisage d’aménager le couvre-feu pour les salles de cinéma, de théâtre ou de spectacle, qui se disent effondrées depuis les nouvelles annonces d’Emmanuel Macron et dénoncent une mise à mort de leur secteur. Alerté par certains de ses proches, le chef de l’Etat plaiderait notamment pour cet assouplissement. « Il faut qu’on l’étudie », a répondu le premier ministre Jean Castex lors de sa conférence de presse, jeudi après-midi. « La décision est en débat », confirme son entourage.

Concrètement, si cet assouplissement est adopté, les séances auraient toujours l’obligation d’être terminées à 21 heures, mais les spectateurs auraient ensuite le temps de regagner leur domicile. Une modification destinée à donner davantage de souplesse aux professionnels et à leur permettre de maintenir une activité en soirée. « Le billet électronique, où l’heure de la séance sera inscrite, peut servir de justificatif. Il suffirait aux spectateurs de le présenter en cas de contrôle », assure une source au sein de l’exécutif.

Cet aménagement est au centre des revendications des professionnels du spectacle, qui estiment qu’un couvre-feu obligeant les gens à être rentrés chez eux à 21 heures condamne de facto toutes les séances ou représentations en soirée. « Les séances en soirée représentent 40 % à 50 % de la fréquentation des salles de cinéma en France, il faut qu’on puisse au moins en sauver une si on veut assurer une exposition suffisante des films et inciter les distributeurs à maintenir les sorties », plaide Marc-Olivier Sebbag, délégué général de la Fédération nationale des cinémas français (FNCF).

Nouvelles mesures de compensation financière

Décidée à sauver « quoi qu’il en coûte » le secteur de la culture depuis son arrivée rue de Valois, Roselyne Bachelot devait recevoir les professionnels jeudi après-midi, pour les assurer de la mobilisation du gouvernement. Outre le maintien du chômage partiel à 100 % pour les employeurs et des exonérations de charges sociales, la ministre de la culture devait leur annoncer de nouvelles mesures de compensation financière, à la fois pour les salles qui décident de fermer, mais aussi pour celles qui tentent de rester ouvertes, en prenant en charge le manque à gagner provoqué par le couvre-feu.

« La ministre défend toujours la position qui préserve au mieux l’activité, défend l’entourage de Mme Bachelot. Il y a une grosse demande assez uniforme des acteurs qui disent qu’ils peuvent sauver les meubles si 21 heures est l’heure de sortie du spectacle et pas d’arrivée au domicile. (…) La ministre va relayer cette demande très forte et convergente du secteur. »

Cédric Pietralunga

 Par Sylvain Merle  dans le Parisien - 14/10/2020

À l’annonce, attendue et redoutée, de l’instauration d’un couvre-feu à 21 heures pendant six semaines, les théâtres parisiens oscillent entre colère et abattement. Et cherchent déjà des solutions.

Propos recueillis par  Rosita Boisseau et Guillaume Fraissard pour Le Monde 23/10/2020

Le directeur du Festival se réjouit, dans un entretien au « Monde », de l’impatience du public à venir découvrir les sept spectacles programmés du 23 au 31 octobre.

Après l’annulation du Festival d’Avignon, en avril, Olivier Py, metteur en scène et directeur de la manifestation, a réussi à construire une exceptionnelle Semaine d’art en Avignon, avec sept spectacles programmés entre vendredi 23 et samedi 31 octobre.

Lire le focus : Une Semaine d’art en Avignon à la Toussaint

La ministre de la culture ­Roselyne Bachelot a annoncé de nouvelles aides financières pour le spectacle vivant, ­secteur sinistré. Quelle est l’importance de cette ­Semaine d’art dans le contexte actuel ?

Elle est d’abord un signe pour la ville d’Avignon déjà sinistrée. C’est la cinquième ville la plus pauvre de France et l’annulation de la manifestation a été un coup terrible avec une perte estimée à 100 millions d’euros. Le festival n’a, quant à lui, pas de soucis financiers. Nous avons reçu nos subventions 2020. Les billets à la vente sont partis très vite, et on n’en aura sûrement pas assez. On sent une envie très forte du public de revenir dans les salles. Il sera plus local que pendant le mois de juillet où seulement 35 % des spectateurs sont de la région, mais ce lien est précieux à conserver.

Lire le compte-rendu : 115 millions d’euros pour soutenir le spectacle vivant et le cinéma confrontés aux conséquences du couvre-feu

A Avignon, la Semaine d’art est très attendue par les équipes, les artistes et la ville. A ceci près que nous suivons les normes et n’aurons que 5 000 places au lieu de 10 000 et c’est très dommageable. Mes seules inquiétudes sont la mise en place de nouvelles contraintes sanitaires ou que des artistes aient le Covid-19, qu’ils soient tenus d’annuler.

Pour quelles raisons avez-vous choisi pour ce rendez-vous exceptionnel le titre de Semaine d’art, nom de la première semaine imaginée, en 1947, à Avignon, dans le cadre de laquelle Jean Vilar fut programmé, et que va devenir le festival que l’on connaît ?

Ce titre est venu impulsivement. Ce n’est d’ailleurs pas tellement moi, mais mes collaborateurs qui s’en sont emparés avec évidence. En 1947, cette Semaine d’art en Avignon avait d’ailleurs lieu en automne et était pluridisciplinaire. Je suis revenu à la source en quelque sorte, et aussi à Jean Vilar, qui est mon maître à penser. Il n’a jamais commis d’erreur politique. Même en 1968, il ne nie pas la légitimité du mouvement des artistes et refusera de mettre en scène un opéra commandé par de Gaulle. A chaque fois que le festival est attaqué, j’ai une phrase de lui qui me vient. En ce moment, ce serait par exemple : « Donnez-nous un autre monde et je vous donnerai un autre théâtre. » Le théâtre n’est pas responsable de tout ce qui se passe dans le monde, il ne peut pas raccommoder la fracture sociale, mais il peut en être un peu le remède.

Lire la tribune d’Olivier Py : « La culture n’est pas un luxe mais un devoir impérieux »

Comment avez-vous bâti cette programmation resserrée avec seulement sept spectacles ?

Annuler quarante-sept spectacles en avril, c’est douloureux. On a pu en sauver sept, à l’affiche dans une quinzaine de salles, et en reporter une dizaine sur l’édition 2021. J’étais très fier d’ouvrir la manifestation avec de la danse dans la Cour d’honneur. C’est un deuil de ne pas avoir pu le faire. Pour le reste, ç’a été un Rubik’s Cube. Certains spectacles n’ont pas été répétés ni créés ; les artistes n’étaient pas toujours libres.

Lire le portrait : La marionnettiste Yngvild Aspeli à l’assaut de la baleine de « Moby Dick »

En ce qui concerne l’élaboration de l’édition 2021, tenez-vous compte de la crise sanitaire dans vos projections ?

Le Festival 2021 est construit et fini. Nous travaillons évidemment sur l’éventualité de devoir jouer devant des demi-jauges. On aurait du mal, la ville comme les artistes, à se remettre d’une seconde annulation. Certaines compagnies sont presque en situation de banqueroute et, pour les aider, nous avons décidé d’augmenter les moyens de production pour les spectacles. Nous avons reçu l’intégralité de nos subventions 2020 pour un festival qui n’a pas eu lieu. Notre budget aurait dû être de 14 millions d’euros en 2020, et il est en définitive de 9,4 millions après une perte d’exploitation – billetterie, mécénat, tournées – de 4,6 millions, suite à l’annulation : cela avec une équipe de trente-trois permanents. Nous avons payé tout le monde, artistes, intermittents et saisonniers, ainsi que les compagnies qui ne pouvaient pas être reprogrammées. Une partie de nos mécènes continue à nous soutenir.

Lire le récit : Comment le Festival d’Avignon fait face aux conséquences de l’annulation

Est-ce que la crise sanitaire influence les artistes dans leur création ? Avez-vous pu voir et constaté des changements et des nouveautés, dus au Covid-19, dans les spectacles ?

J’aimerais vous dire oui ! J’aimerais qu’il y ait une victoire de l’art et de la poésie sur la fatalité, mais je n’en ai pas l’impression. La réalité est tout de même très dure. On a quand même expérimenté des choses cet été, comme, par exemple, les cent événements du programme audiovisuel Un rêve d’Avignon, en partenariat avec les chaînes de l’audiovisuel public, France Télévisions, Arte, France Culture et RFI. On a décidé, pour la Semaine d’art, d’un tarif unique et solidaire à 15 euros : nous n’avons pas un public de riches. En novembre, nous distribuerons deux mille billets gratuits pour que les jeunes puissent assister, à La Fabrica, au spectacle Le Joueur de flûte, de Joachim Latarjet, qui aurait dû être présenté cet été également. Ce ne sont que quelques exemples pour contrecarrer la fatalité.

Votre contrat à la tête du Festival d’Avignon va-t-il être prolongé jusqu’en 2022 ?

C’est le souhait de la ministre de la culture, Roselyne Bachelot. Il y a d’ailleurs beaucoup d’autres directeurs d’établissement qui sont dans le même cas que moi. En ce qui me concerne, il faut attendre le conseil d’administration qui se réunit début décembre. Il s’agit d’envisager ma succession, d’y travailler pour qu’elle soit bien faite, que la passation de pouvoir se fasse en douceur, compte tenu des difficultés de la fonction. Que la nouvelle présidente du conseil d’administration soit Françoise Nyssen, ex-ministre de la culture, est une bonne chose, car c’est elle qui devra assumer cette passation.

Lire l’entretien avec Roselyne Bachelot : « L’Etat n’abandonnera personne »

Quel bilan tirez-vous des états généraux des festivals qui ont eu lieu les 2 et 3 octobre, à Avignon, à l’initiative de Roselyne Bachelot, et dont vous attendiez beaucoup ?

J’ai été très heureux de ce qui s’est passé pendant ces deux jours. Ces états généraux sont pour moi comme le troisième acte de la décentralisation que j’appelle de tous mes vœux. Après la seconde guerre mondiale, le Festival d’Avignon a été le premier à inviter la décentralisation dans la Cour d’honneur du Palais des papes. Il faut rappeler l’importance d’un service public de la culture et celle des festivals sur les territoires. La décentralisation se réinvente elle aussi avec des manifestations comme celle du Nouveau Théâtre populaire, dans le Maine-et-Loire.

Lire le compte-rendu : A Avignon, Roselyne Bachelot annonce cinq millions supplémentaires pour les festivals

Les festivals sont un moteur économique, mais ils ont aussi un rôle social en créant du lien. Cet aspect est inspirant. Je suis très attaché au travail que nous menons, par exemple dans les collèges et les lycées, mais aussi en milieu carcéral. Quant au budget supplémentaire de 5 millions pour les festivals, il faut le souligner, car ce n’est pas souvent qu’un plan de relance de cet ordre se fasse. L’augmentation de 5 % du budget de la culture est exceptionnelle quand on est resté si longtemps au chiffre de 1 % du budget de l’Etat. Quant au nombre des festivals, qui serait de 5 000 en France, non, il n’y en a pas trop. La France reste une exception culturelle.

Avez-vous continué à écrire pendant cette période difficile ?

Au début, j’ai été tétanisé. Je ne pouvais rien faire, ni lire ni écrire. Mon énergie spirituelle était totalement prise par l’annulation. Ensuite, j’ai travaillé sur un scénario pour un film sur la mort de Molière. Retour au père fondateur dont j’ai relu toutes les pièces et aussi des biographies. Le Covid-19 et la mort au théâtre étaient aussi présents. Pour la première fois, j’ai eu beaucoup de temps. Au lieu d’écrire pendant mes trajets en train ou les vingt minutes de coupure pendant les répétitions, j’ai pu profiter de ce temps, et cela a été une expérience très bénéfique pour moi. Je ne veux pas avoir l’air indécent, mais j’ai pu lire et écrire. J’ai commencé de nouvelles pièces de théâtre, mais, pour l’an prochain, je finirai ma mise en scène d’Hamlet, sur laquelle je travaille depuis trois ans et qui est une grosse production avec des élèves de l’Ecole régionale d’acteurs de Cannes et Marseille.

La culture a été contrainte de se réinventer. Comment voyez-vous votre avenir après Avignon et quel rôle aimeriez-vous endosser ?

La culture et le théâtre populaire se sont toujours réinventés ! Personnellement, j’ai plein d’idées pour l’avenir. Je ne sais pas du tout si j’aurai envie de diriger une maison après Avignon, mais je n’ai pas peur de l’avenir, car j’ai un très beau passé.

Légende photo : Olivier Py, directeur du Festival d’Avignon, au cloître Saint-Louis, à Avignon, le 16 octobre. OLIVIER METZGER / MODDS POUR « LE MONDE »

Le tribunal judiciaire de Besançon a condamné ce mercredi le metteur en scène et professeur de théâtre bisontin Guillaume Dujardin à 2 ans de prison ferme et 2 ans avec sursis. Il était poursuivi pour agressions sexuelles, chantage sexuel et harcèlement sexuel sur d'anciens étudiants et étudiantes.

Par Armelle Héliot dans son blog, le 20/10/2010

Le comédien Robert Plagnol avait réagi dès le moment du confinement, au printemps dernier. La merveilleuse Luce Mouchel propose elle aussi du théâtre à déguster en direct.

Pas plus compliqué que cela, en apparence. Jouer et se filmer, faire de son appartement un espace scénographié.


Voici l’affiche/communiqué de presse. Toutes les informations sont là !

Evidemment, cela suppose un travail fin et délié. On n’a pas encore pu voir Luce Mouchel qui est non seulement une interprète fine, audacieuse et qui écrit très bien. Mais on a vu dès ses débuts en direct, Robert Plagnol. Et franchement, c’est bluffant car on suit vraiment l’interprète avec passion. Il y a du suspens dans son adaptation d’Andrew Payne de « La Femme de ma vie » et l’on passe un excellent moment de théâtre, seul ou entre amis.

Dès que l’on aura eu le bon créneau pour découvrir Luce Mouchel et son texte « Un petit souffle et j’allais tomber », on vous en parlera d’une manière plus précise. Mais il n’y a pas à hésiter !

https://www.directautheatre.com/spectacles

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello 16/10/2020

Avant la retraite de Thomas Bernhard, traduction de Claude Porcell ( L’Arche Editeur, 1987), mise en scène d’Alain Françon.

Le biographe Hans Höller, auteur de Thomas Bernhard – une vie (L’Arche Editeur, 1994) résume ainsi l’argument de la pièce mise en scène par Alain Françon.

Avant la retraite. Une comédie de l’âme allemande (1979), une pièce satirique, se conclut sur une petite fête familiale, célébrée tous les ans pour l’anniversaire d’Himmler. Autour de la table, deux sœurs – Vera et Clara –  et leur frère Rudolf Höller, président de tribunal en République fédérale d’Allemagne, ancien officier nazi reconverti qui s’apprête à prendre sa retraite au terme d’une carrière exemplaire au service du droit et de la justice. Vera éprouve amour et haine pour ce drôle de frère.

La pièce se déroule le 7 octobre, jour de la naissance de Himmler, auquel notre héros voue une admiration sans faille. Tout est prêt, l’uniforme, les accessoires, le repas. Or, le bonheur – retour à un passé douteux – ne peut être complet puisque Clara, la sœur paralysée observe les deux autres crûment, sans nulle complaisance.

« Rudolf déjà légèrement ivre, en uniforme complet d’Obersturmbannführer SS avec casquette, revolver au ceinturon et bottes à tiges noires, à la table (…) Tous les trois mangent et boivent du champagne allemand ».

Au milieu de ce retour orgiaque d’un passé récent dans le plus actuel des présents : « tout va dans notre sens/ il n’y en a plus pour très longtemps/ et finalement nous avons aussi une foule d’autres/ politiciens de premier plan/ qui ont été national -socialistes » – le juge en uniforme de SS s’effondre, totalement ivre : il porte les mains à la poitrine et tombe la tête sur la table ». Profitera-t-il de sa retraite ?

La pièce fait par ailleurs allusion à la « retraite » forcée du ministre-président du land de Bade-Wurtemberg, Karl Filbinger, dont on avait découvert l’activité de juge dans la marine sous le nazisme. Sa carrière politique était terminée : celui qui avait fait en sorte que Claus Peymann quitte la direction du théâtre de Stuttgart en le traitant de « sympathisant du terrorisme », est démasqué comme complice des crimes nazis, il dut partir lui-même avant le metteur en scène qu’il avait conspué. 

Dans la pièce de Thomas Bernhard, Vera a caché son frère dix ans avant qu’il ne puisse revenir à l’air libre sans qu’on ne l’importune pour son passé… « oublié ».

Avant la retraite fait allusion à ce rêve de restauration d’un ordre menacé, dans un prétendu état d’exception qui justifie tous les moyens – le frère et la sœur complices ne cessent de répéter que dignitaires et puissants, sommités politiques et militaires, anciens dignitaires nazis ne pensent qu’à « se débarrasser de l’étranger et du juif ».

Des inepties insoutenables qu’ils s’échangent entre eux, sourds au monde.

Soit la danse macabre d’une restauration rêvée d’ex-puissances démises.

Le juge ne cesse d’attaquer la démocratie et de la nommer « terroriste » : les bombes américaines ont malheureusement détruit une école, à la fin de la guerre – dégâts collatéraux qui ont handicapé la benjamine, rivée à vie à son fauteur roulant.

Clara est de gauche et engagée contre les convictions réactionnaires et iniques du frère et de la sœur aînés, qui vivent aussi, dans leur folie, une relation incestueuse.

La pièce est d’un humour ravageur, donnant à entendre l’inouï et l’infâme, les points de vue les plus bas et irraisonnés, formulés contre le peuple et les étrangers, un discours abject qui résonne encore aujourd’hui de ses relents d’extrême-droite.

La prétendue bonne conscience est dévoilée et mise en lumière, sans tabous ni censure, au cours d’un repas familial dans une salle à manger dont les volets et les rideaux sont tirés afin de pouvoir cacher l’inavouable infamie des hommes injustes.

Le monde est une scène de théâtre où l’on répète continuellement la même pièce, sans résolution finale – comédie ou tragédie, selon Alain Françon qui cite l’auteur.

Toujours est-il que Catherine Hiégel qui ouvre la bal est somptueuse de précision scénique, déclamant, faisant sonner et résonner les paroles odieuses de son frère et d’elle-même qui les répète, à l’aveugle, les ressasse, les contourne, les reprend à vif.

Tandis qu’elle parlemente sans fin, expose et commente sa foi politique et morale, elle s’occupe dans la grande salle de séjour – décor majestueux, à présent désuet et décrépit de Jacques Gabel, sous les lumières Joël Hourbeigt. Une femme d’intérieur n’en finissant pas d’épousseter les meubles et de repasser convulsivement la robe sans pli de dignitaire de la Justice, l’habit de son frère, ou proposant un café à sa sœur qu’elle craint et qu’elle sait moqueuse et ironique, quant à son raisonnement.

André Marcon, tranquille et déterminé, joue son rôle excellemment, vaniteux, satisfait de ses titres et de sa gloire passée, nostalgique, regrettant que ce temps soit révolu.

Noémie Lvovsky – Clara – se tait et pourtant elle est fort expressive, quand elle entend les sottises énoncées par le duo infâme qui lui reproche son mépris.

Une partition nette et cristalline à la musique étrangement inquiétante et menaçante.

Véronique Hotte

Théâtre de la Porte Saint-Martin, 18 bd Saint-Martin 75010 Paris, nouveaux horaires, le vendredi à 18h, le samedi à 17h, dimanche à 16h. Tél : 01 42 08 00 32.

Crédit photo : Jean-Louis Fernandez.  © Simon Gosselin-

Par Jérôme Skalski dans L'Humanité - 19/10/2020

L’écrivain et dramaturge s’est éteint ce week-end à Concepcion, au Chili, à l’âge de 66 ans. Homme engagé, au singulier comme au pluriel, il avait animé des dizaines d’ateliers de création, afin que ceux à qui on ne donne jamais la parole prennent la plume et s’expriment.

Sur le site de l'émission d'Arnaud Laporte dans Affaires culturelles, sur France Culture - 13  octobre 2020

Sur les planches du Théâtre Marigny dans la pièce "Du Côté de Guermantes", Florence Viala se confie au micro d’Arnaud Laporte sur son métier de comédienne, de son processus de création à ses imaginaires.

Ecouter l'émission en ligne (55 mn)

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan le 17/10/2020

Au Studio-théâtre de la Comédie-Française, le Sociétaire Christian Gonon fait vibrer les mots, on ne peut plus actuels, de Jack Ralite, pour qui le théâtre était « le bêchage incessant du terrain humain ».

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 15 oct. 2020

Dans « L’Aventure invisible », l’artiste suédois met en présence trois êtres qui vivent autrement que les communs des mortels : le premier avec le visage d’un autre, la seconde sans mémoire et sans passé propres, la-le troisième, ni homo ni trans, dans un entre-deux, à la fois homme et femme.

« Je est un autre », disait, vivait et prophétisait Arthur Rimbaud. Je n’est pas seulement un autre mais plusieurs autres, nous raconte L’Aventure invisible, nouvelle aventure du metteur en scène suédois Marcus Lindeen. C'est déjà ce que racontait, à sa manière, sa précédente mise en scène Wild Minds autour des troubles de la rêverie compulsive d’êtres qui, une partie de leur vie, vivent dans des rêves éveillés, côtoient des alter ego qui n’existent pas mais dont ils façonnent la vie imaginaire.

L’Aventure invisible retrouve le dispositif de Wild Minds (version française créée en 2017 au CDN de Caen dans le cadre du festival Les Boréales, reprise brièvement au Théâtre de Gennevilliers) : le public (restreint) est assis sur quelques gradins circulaires. Au premier rang de ce lieu clos sur lui-même, les performeurs parlent, se parlent, se regardent et par trois fois échangeront leurs places. Chacun des trois est muni d’oreillettes qui balancent le texte enregistré d’un témoignage ou du texte mis au point par Marcus Lindeen et la collaboratrice et traductrice Marianne Ségol-Samoy. Le texte est dit, via la reprise de cette écoute, dans un débit calme, jamais ostentatoire, donnant une étrange impression de présence à la fois intense et flottante.

Ancien journaliste, Marcus Lindeen aime les faits, les expériences humaines singulières, et aime les raconter (voir son film The Raft sorti en 2019). Devenu metteur en scène, il aime le montage, le dialogue et donc aime que ces histoires se croisent, se répondent, s’interrogent mutuellement. Et cela, non avec les personnes qui en sont le sujet, mais avec des acteurs professionnels ou pas, des performeurs qui en tiennent lieu. Rien donc à voir avec le théâtre documentaire et ses tranches de vie à pleurer. Aidé par l’intelligence du dispositif en gradins circulaires où performeurs et spectateurs partagent le même espace, Marcus Lindeen ne cherche pas à nous émouvoir mais à nous entraîner dans ses explorations, à nous faire partager ses fascinations pour ces cas où l’individu vacille, et le questionnement identitaire qui s’ensuit. Il y parvient, degré après degré, et, de fait, c’est fascinant.

C. (Jérôme) a quarante-cinq ans. Mais son visage, hormis ses yeux, est celui de son donneur, un homme de vingt ans. Avant sa maladie, son visage était celui d’un « monstre », nous dit-il, et c’est ainsi qu’on le regardait. Aujourd’hui, avec son nouveau visage, il passe inaperçu ; « personne ne me remarque », « je suis devenu invisible ». Avant d’en arriver là et d’en parler avec un certain apaisement, ce fut un long combat. Ce Français est le premier homme au monde à avoir reçu deux greffes totales du visage (la première a été suivie d’un rejet, il a frôlé la mort ; la seconde tient), un exploit du chirurgien plastique Laurent Lantiéri. Mais comment vit-on avec le visage d’un autre ? D’un autre bien plus jeune ? A. raconte un cauchemar où son visage est celui d’un mort, il dit se sentir aujourd’hui comme un « être flottant ». Le chirurgien, lui, se souvient qu’après le dernier geste de l’opération déclenchant la circulation du sang, il a eu l’impression de « regarder un mort revenir à la vie ».

B. (Jill) était une neuroanatomiste, autrement dit : elle étudiait « le cerveau des personnes mortes ». Et puis un jour, en 2002, à 37 ans, elle a été victime d’un AVC. Toute la partie gauche de son cerveau (centre de la logique, du langage et du temps) a été bousillée, elle s’est trouvée sans mémoire, sans passé, donc sans souvenirs et sans identité. « Celle qui était en moi est morte », dit celle qui, aujourd’hui, en partie grâce à sa mère, a pu s’en sortir. « La langue est revenue directement pas les souvenirs. »

A. est liée à ce qui est, en partie, à l’origine du projet : l’artiste surréaliste Claude Cahun dont Marcus Lindeen trouve les photographies « fascinantes, très queer et mystérieuses ». Le titre L’Aventure invisible vient de l’un de ses écrits. A. est une artiste qui comme Claude Cahun n’était pas à l’aise avec son seul sexe. Elle était femme, elle s’est fait retirer la poitrine mais ne veut pas « devenir homme pour autant ».

Claude (prénom qui vaut pour les deux sexes) Cahun était née Lucy Schwov, et la personne qui partageait sa vie, de Suzanne est devenue Marcel. Avec Marcel ou seule, Claude a réalisé des tas de photos durant leur vie commune qui s’est achevée sur l’île de Jersey. Des photos, des autoportraits de Claude en particulier, jamais exposées du vivant de l’artiste et retrouvées miraculeusement. Elles ont vite suscité un grand intérêt, jusqu’à une exposition au Jeu de Paume en 2011 accompagnée d’un catalogue coédité chez Hazan.

A. n’a pas voulu s’identifier à Claude mais la retrouver : « Je la fais revivre à travers ma pratique. Et alors son esprit revient et elle existe à nouveau. » Le résultat (la mise en scène réitérée des photos) comptant moins que « le processus ». A. nous montre cette photo où les yeux de Claude sont obstrués par des capuchons d’objectifs photographiques et se souvient de ses mots qu’elle s’approprie : « s’aveugler pour mieux voir ».

Les trois performeurs sont impeccables. C. est interprété par Tom Menanteau, un jeune comédien, élève du Conservatoire national supérieur d’art dramatique. B. par Claron McFadden, une chanteuse américaine soprano. A. par Franky Gogo, chanteuse de rock et batteuse (pour Bertrand Belin et beaucoup d’autres), elle était en concert à la Boule Noire ce 14 octobre.

Théâtre de Gennevilliers, dans le cadre du Festival d’automne, jeu et ven 19h et 21h, sam et dim 16h et 18h, jusqu’au 17 octobre.

Du 3 au 6 nov à Caen dans le cadre des Boréales.

Par Didier Péron , Gilles Renault , Guillaume Tion , Ève Beauvallet et Sandra Onana — Libération  15 octobre 2020 à 20:21

L’annonce de Macron a été un coup dur pour les théâtres, cinés et autres lieux de spectacles, qui font leurs principaux bénéfices en soirée. Certains vont tenter de s’adapter, encore, d’autres vont être contraints de fermer s’ils n’ont pas de dérogation.

par Fabienne Arvers  dans Les Inrocks - 15/10/2020

Comme un coup de tonnerre, l’annonce de l'instauration d'un couvre-feu dans toute l'Ile-de-France ainsi que dans huit métropoles par Emmanuel Macron, le 14 octobre, met à nouveau un coup d’arrêt au spectacle vivant. Premières réactions.

Par Françoise Dargent, Léna Lutaud, Thierry Hillériteau et Nathalie Simon dans Le Figaro - 14/10/2020

Producteurs, patrons de cinéma ou de théâtre. Tous dénoncent cette décision sanitaire prévue pour quatre semaines, criant même au scandale ou à l'injustice. D'autant plus qu'ils disent avoir respecté scrupuleusement le protocole sanitaire et assuré la sécurité des spectateurs.