Par Anne Diatkine dans Libération - 12/01/2026

Pendant plus de cinquante ans passés sur les plateaux de l’institution, la grande comédienne au regard perçant et à la diction parfaite s’est illustrée dans des mises en scène qui firent date. Elle avait 92 ans.


C’est une actrice d’un autre temps qui s’est éteinte ce dimanche 11 janvier, à 92 ans, et le mot lui va bien, elle dont le visage avait l’allure d’une flamme vive et indomptable, fine et dansante, une chandelle dans la nuit. Une actrice qui aura passé plus de cinquante ans sur les différents plateaux de sa «maison», la Comédie-Française, dont elle aura été aussi la vénérable doyenne pendant une quinzaine d’années. Cette maison, Catherine Samie y était entrée toute jeune, à 23 ans, en 1956, après avoir suivi des cours à la rue Blanche et au Conservatoire. Elle parlait de hasard : «Une porte s’est ouverte, et puis une autre. Et je les ai prises. Ça a été le hasard, et puis plus le hasard mais l’exercice de toute une vie», expliquait-elle en 1989 au micro de Fabienne Pascaud pendant des répétitions de la Cagnotte de Labiche.

Pourtant, à son époque, il n’y avait pas de hasard pour entrer au Français : il fallait réussir le concours de sortie du Conservatoire, on devenait alors pensionnaire, et dans l’illustre bâtiment de la place Colette où régnait une hiérarchie sévère, on n’avait pas l’autorisation de prendre les mêmes ascenseurs que les sociétaires. C’est le temps des emplois, et dans un premier temps Catherine Samie, grande tragédienne, fut non pas «jeune première», comme on disait, mais «servante». Donc pour la jeune actrice, ce fut d’abord Dorine, Zerbinette, Lisette, Mathurine avant d’incarner, chez Feydeau, toutes sortes de «cocottes», autre vocabulaire suranné. «Où elle fit preuve de capacités d’excentricités extraordinaires», se souvient avec émotion l’acteur, metteur en scène et ancien administrateur de la maison Marcel Bozonnet. Qui remarque : «Alors que dans Oh les beaux jours de Beckett, elle tenait une forme de minimalisme. Catherine avait une immense culture du mouvement et une amplitude de jeu exceptionnelle.»

«Sa voix inimitable»
Comme d’autres comédiennes aujourd’hui disparues dont Christine Fersen dont elle fut proche, Catherine Samie donnait le sentiment d’incarner la Comédie-Française, de donner sa vie à la maison vue comme un abri protecteur, loin des compromissions, dans lequel il était possible d’exercer son art aux antipodes de toute médiatisation. Du reste, Clément Hervieu-Léger, administrateur général de la maison, évoque «une histoire qui s’en va avec elle» avant de dresser son portrait : «Nous nous souviendrons avec émotion de son regard bleu à l’œil rieur, si acéré et pourtant toujours un peu lointain […], de sa voix inimitable et de sa diction parfaite. Nous nous souviendrons de ses bras grands ouverts et de ses mains tendues vers l’avant, comme si elle embrassait en un même élan nous tous, notre avenir et nos fantômes.»

Catherine Samie parlait de la chance d’entrer sur un plateau régulièrement afin de «muscler son cœur», en jouant les travers et les petites mesquineries qu’elle observait chez les autres et elle-même, et de sa voix formidablement articulée, elle se questionnait : «Qu’est-ce qui ne va pas en nous ? Pourquoi on crie autant ?»

«Je vis étrangement»
La comédienne a travaillé avec les metteurs en scène de son temps et de la maison : Jacques Charon, Jean-Pierre Miquel, Jean-Paul Roussillon. Et parfois dans des mises en scène qui firent date et effraction : elle fut de la partie dans Bérénice de Gruber en 1984, notamment. D’autres grands noms du théâtre jalonnent son parcours : Jean-Pierre Vincent, Jean-Luc Boutté. Et même Eric Ruf pour qui elle fut Ase, son dernier rôle, dans Peer Gynt en 2012.

L’une de ses vraies rencontres artistiques fut avec le cinéaste Frederick Wiseman, dans la Dernière Lettre de Vassili Grossmann, en 2000, rare seule en scène qu’elle tint, puis dans Oh les beaux jours de Beckett donc.

Toujours dans son entretien télévisé avec Fabienne Pascaud, elle explique : «On a l’impression qu’on nous fait répéter cette vie. Je vis étrangement. Avec une sensation de monde d’ailleurs.» Elle conclut : «On joue avec les mondes d’ailleurs.»

Anne Diatkine / Libération

Légende photo :  Catherine Samie dans «la Dernière Lettre» de Frederick Wiseman (2002). (Arte France Cinéma/Collection ChristopheL. AFP)

A Paris puis aux Célestins à Lyon, Olivia Corsini met délicatement en scène les personnages nébuleux et quasi fantastiques du nouvelliste Raymond Carver.

Sonya Faure / Libération

Légende photo : La comédienne Olivia Corsini signe ici sa première mise en scène. ( photo Christophe Hagnere)

Par Sandrine Blanchard et Rosita Boisseau

Publié dans Le Monde, le 21 déc. 2025

Longtemps mal-aimées par les Français, les comédies musicales prolifèrent dans la capitale, de « La Cage aux folles » à « Chicago », en passant par « Le Roi Lion », ou « Les Demoiselles de Rochefort ».

Lire l'article dans le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/21/paris-prend-des-airs-de-broadway-sur-seine_6658993_3246.html

La liste est impressionnante : La Cage aux folles au Châtelet, Les Demoiselles de Rochefort au Lido, Chicago au Casino de Paris, La Petite Boutique des horreurs au Théâtre de la Porte-Saint Martin, Cher Evan Hansen au Théâtre de la Madeleine, Le Fantôme de l’Opéra au Théâtre Antoine, sans compter la reprise des Producteurs au Théâtre de Paris, de La Haine à La Seine musicale, mais aussi le retour de Notre-Dame de Paris et pas moins de deux adaptations de Monte-Cristo en janvier et février 2026…

Rarement la capitale a-t-elle accueilli autant de comédies musicales. S’il serait abusif de dire que Paris devient le nouveau Broadway, force est de constater que l’offre n’a jamais été aussi diverse, mêlant adaptations ou copies anglo-saxonnes, nouvelles productions en langue originale et créations françaises. Avec quelques beaux succès à la clé.

« Une renaissance »

« Ce n’est pas encore l’âge d’or, mais c’est une renaissance », considère Laurent Bentata, directeur général de Stage Entertainment France. Sa société, qui possède le Théâtre Mogador, produit actuellement Le Roi Lion (à l’affiche depuis cinq ans avec 440 000 spectateurs en moyenne par an), Les Producteurs et Chicago. « Cela fait vingt ans qu’on adapte des grands classiques de Broadway pour le public hexagonal et aujourd’hui ça paie, constate-t-il. Les succès aiguisent les appétits. » Auteur du beau livre 42e Rue. La grande histoire des comédies musicales (nouvelle édition augmentée, Marabout, 304 pages, 42 euros), Laurent Valière estime que les succès du Roi Lion et de Starmania « ont permis un saut qualitatif et nourri le terrain ».

Sur France Musique, où il est producteur, ce journaliste spécialisé anime chaque dimanche, depuis plus de quinze ans, l’émission « 42e Rue » consacrée à la comédie musicale. « Cette saison est un crash test, ça passe ou ça casse, poursuit-il. Il y a beaucoup de propositions, si le remplissage n’est pas au rendez-vous, ça retombera. Surtout, il a le sentiment que « les cloisons sautent. Des artistes comme Natalie Dessay (avec la fable musicale Gypsy à la Philharmonie) ou Laurent Lafitte, des metteurs en scène de théâtre comme Olivier Py ou Alexis Michalik osent la comédie musicale sans avoir peur des quolibets ».

Cette nouvelle ardeur du public pour la comédie musicale a mis du temps à jaillir. Les spectateurs français ne sont pas les Anglais, encore moins les Américains. Broadway, avec ses 41 salles à New York, et son correspondant West End à Londres, n’ont pas (encore) d’équivalent à Paris même si les adresses se multiplient dans la capitale.

« On attendait depuis longtemps cet engouement du public français, qui a peu à peu changé d’avis sur ce genre, souligne Luc Perin, président de l’association des Trophées de la comédie musicale. Les spectateurs français considéraient la comédie musicale comme un divertissement léger, manquant de sérieux, de fond, de sens. Mais cette vision a évolué grâce à l’attention des créateurs à la qualité du livret, à la création de personnages plus aboutis, avec des enjeux narratifs plus fouillés. » Comme le résume Kamel Ouali : « Le public est plus exigeant aujourd’hui mais on maîtrise beaucoup plus ce que l’on propose. On a pris de la bouteille ! »

Le succès de « Notre-Dame de Paris »

Au pays de Molière, la comédie musicale, considérée comme trop populaire, n’a pas toujours eu bonne presse. « Elle a longtemps été jugée comme un sous-art », constate Laurent Valière. Selon l’expert et auteur Patrick Niedo, qui a notamment écrit Hello, Broadway ! (Ed. Ipanema, 2017), « les Français ont commencé à aimer la comédie musicale dans les années 1970. Le phénomène a démarré avec des productions comme La Révolution française (1973), Mayflower (1975), de Guy Bontempelli et Eric Charden, et surtout Starmania (1978-1979). Les Américains, eux, qui se prennent moins au sérieux que les Européens du Vieux Continent, et dont la culture du spectacle est plus divertissante, sont les “inventeurs” de la comédie musicale qui s’est ensuite exportée en Angleterre, à partir des années 1930. »

Tout le monde s’accorde à dire que le virage historique remonte à 1998 et à Notre-Dame de Paris, de Luc Plamondon (parolier) et Richard Cocciante (compositeur), présentée au Palais des Congrès, à Paris. Enorme succès, adapté en dix langues et jouée dans vingt-quatre pays, ce best-seller, dont le tube Le Temps des cathédrales colonise les mémoires, campe en tête du palmarès. Il est de retour à partir du 19 décembre, toujours au Palais des Congrès.

Il est rejoint par Les Misérables, d’Alain Boublil et Claude-Michel Schönberg. Dans la mise en scène de Robert Hossein en 1980, repris en anglais par le producteur Cameron Mackintosh, la version anglophone tient l’affiche à Londres depuis 1985 ! Un carton qui se solde par une traduction en vingt-deux langues, des tournées dans le monde entier et 130 millions de spectateurs. C’est en accord avec le producteur britannique Cameron Mackintosh, avec Ladislas Chollat aux manettes, que la saga de Victor Hugo (1802-1885) a repris du galon en 2024, au Théâtre du Châtelet à Paris, où elle a fait salle comble.

« Etre traitée dignement en France »

Parallèlement, deux changements vont concourir à cette adhésion du public : le rachat en 2005 par Stage Entertainment du Théâtre Mogador et, un an après, l’arrivée de Jean-Luc Choplin à la tête du Théâtre du Châtelet. Entre les deux, le cœur des spectateurs balance. D’un côté, Cabaret, Chicago, Cats, Le Roi Lion… De l’autre, les tubes de Broadway (My Fair Lady, Kiss Me Kate, Show Boat, West Side Story…) et quelques œuvres de Stephen Sondheim.

« A l’époque, j’étais animé par deux choses, se souvient Jean-Luc Choplin. D’abord, casser les murs entre les catégories, qu’il s’agisse d’opéra, d’opérette ou de comédie musicale. Ensuite, permettre à la comédie musicale d’être traitée dignement en France, ce qui n’était alors pas encore le cas, les spectacles qui tournaient étant pauvres et ne pouvant convaincre le public. » Et d’inviter de belles équipes de production, des chanteurs lyriques fameux, des orchestres impeccables. « Il s’agissait aussi de faire découvrir au public français un répertoire d’œuvres qu’il ne connaissait pas et n’avait jamais eu l’occasion de voir sur scène », défend celui qui est désormais directeur artistique du Théâtre du Lido.

Pour revisiter Starmania en 2022, le metteur en scène Thomas Jolly a eu, dit-il « beaucoup de chance. Il y avait une vraie volonté des producteurs de créer un nouveau type de comédie musicale. Ils m’ont encouragé dans la prise de risque, ont eu l’audace de proposer une expérience spectaculaire pour créer du désir ». Ladislas Chollat partage le même type de constat. Le triomphe remporté, en 2024, par sa version des Misérables s’explique selon lui par un faisceau de paramètres. « Les propositions sont plus qualitatives et les producteurs donnent les moyens pour de beaux spectacles qui éblouissent le public, affirme le metteur en scène. Les écoles sont aussi de plus en plus nombreuses en France et forment des artistes de talent. »

A l’Académie internationale de comédie musicale, installée à Paris depuis 2004, est venue s’ajouter la classe libre de comédie musicale du Cours Florent, créée en partenariat avec Mogador en 2017. Les promotions de cette formation gratuite de perfectionnement varient de neuf à vingt élèves par an. « Antoine Le Provost, le premier rôle de Cher Evan Hansen, et Jacques Preiss, qui interprète Billy Flynn dans Chicago, sortent de cette classe », relève Laurent Bentata. « Il existe un vrai terreau d’artistes qu’il n’y avait pas il y a vingt ans », reconnaît Laurent Valière.

De plus en plus de jeunes gens tombent sous le charme de cet art complet, qui exige de savoir aussi bien danser que chanter et jouer la comédie. Fraîchement revenu du Canada où il a fait passer des auditions pour remonter Les Misérables – la production sera présentée à partir de juin 2026 au Théâtre Saint-Denis, à Montréal –, Ladislas Chollat souligne que « le niveau des Français vaut aujourd’hui celui de nos amis québécois ».

L’Ile-de-France compte actuellement onze écoles, selon l’association des Trophées de la comédie musicale. Pour leur huitième édition, en juin 2026, le show de remise des prix sera interprété notamment par des étudiants. « Nous les sélectionnons sur audition dans les onze centres de formation », précise Luc Perin. Ce sont au total une trentaine d’artistes sur environ 300 élèves qui participent au spectacle et décrochent ainsi leur premier contrat de travail.

Jean Robert-Charrier dirige le Théâtre de la Porte-Saint-Martin, où se produit actuellement La Petite Boutique des horreurs mise en scène par Valérie Lesort et Christian Hecq. Lui est beaucoup plus mesuré sur ce nouvel essor des comédies musicales. « Ça me déprime un peu d’en voir partout. C’est un genre que j’adore, je suis sidéré par ce que je peux voir à Londres ou à New York, mais on ne saura jamais aussi bien faire que les Anglo-Saxons. Ce qui distingue Paris, c’est l’exception théâtrale. Or, il y a actuellement un goût pour le divertissement musical qui se développe au détriment du théâtre », regrette-t-il.

Selon lui, la hausse des propositions relève d’une simple « mode qui s’était perdue, qui revient, et qui repartira. Quand on se penche sur l’historique du Théâtre de la Porte-Saint-Martin, on découvre que, dans les années 1970-1980, plusieurs grosses créations comme Hair, Mayflower, Chantons sous la pluie, et, déjà, La Petite Boutique des horreurs en 1987, y avaient été programmées ainsi que dans d’autres théâtres privés ».

Manque de salles

S’il a mis à l’affiche La Petite Boutique des horreurs, c’est « par fidélité » au travail du couple Lesort et Hecq et parce qu’il trouvait « insupportable que ce formidable spectacle n’ait été joué que neuf fois à l’Opéra-Comique ». Mais on ne l’y reprendra plus. Vingt techniciens, vingt artistes, un décor impressionnant, malgré le succès public et critique du spectacle, le théâtre enregistre une perte de 800 000 euros. Monter une comédie musicale coûte cher.

Par définition, le genre nécessite une troupe nombreuse, des musiciens, des costumes et une scénographie flamboyante. « On pourrait faire un lien avec l’opéra, tant il faut réunir de métiers », avance Thomas Jolly. Pour amortir une création, il faut qu’elle se joue longtemps. Mais les salles manquent, constate Laurent Bentata, à la recherche d’un deuxième Mogador dans la capitale. « Certaines comédies musicales, comme Le Roi Lion ou Chicago, ne peuvent pas tourner. Dans des Zénith, par exemple, conçus pour des concerts, on est obligé de construire des arcs de scène », dit-il en ajoutant : « Faute de lieux, j’ai plein de spectacles qui attendent dans des cartons : Aladdin, Mary Poppins, Michael Jackson. »

En aurait-on fini, comme l’appelle de ses vœux Thomas Jolly, avec le « complexe français » vis-à-vis des Anglo-Saxons et « une forme de mépris » vis-à-vis de la comédie musicale ? « Nous sommes à l’aube d’un décloisonnement des disciplines et des registres, un corset est en train de se desserrer », veut-il croire. Le directeur artistique des cérémonies des Jeux olympiques en 2024 rêve désormais d’adapter Sweeney Todd, de Stephen Sondheim. « Derrière ces spectacles, il y a une envie d’air. »

Sandrine Blanchard et Rosita Boisseau

Légende photo : Laurent Lafitte (Albin- Zaza) dans « La Cage aux folles », d’Olivier Py, au Théâtre du Châtelet, à Paris, en décembre 2025. THOMAS AMOUROUX/THÉÂTRE DU CHÂTELET

Par Victor Inisan dans Libération - le 19 déc. 2025

La metteuse en scène, incontournable en Allemagne, clôt sa trilogie avec une déambulation collective dans sa psyché. Malgré des moments brillants, la pièce ne décolle pas vraiment.

Diablement frustrant

Légende photo : «The Work» clôt une trilogie sous la forme d’une rétrospective d’artiste. (Moritz Haase)

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - 19 déc. 2025

Jeudi, pour clôturer sa 17ᵉ édition, le public et le jury ont récompensé “Erdal est parti” de Simon Roth, récit d’un réfugié kurde. Les pièces “Ma nuit à Beyrouth” et “Ce Soir j’ai de la fièvre et toi tu meurs de froid” ont aussi été distinguées.

Parce qu’il a révélé bien des metteurs en scène d’aujourd’hui – de Thomas Jolly à Séverine Chavrier, de Tommy Milliot à Julie Deliquet - on attendait avec curiosité la 17e édition d’un Festival Impatience qui a toujours eu du nez, coordonné par le Centquatre-Paris avec la complicité de Télérama qui l’a créé. Forcément, les neuf spectacles sélectionnés y ont reflété la scène actuelle : nombre de pièces documentaires (4), de seuls en scène (3), écritures souvent « faites maison » par les metteurs en scène. Peu de grands textes.

Les créateurs émergents veulent se faire entendre eux-mêmes dans des sociétés qui n’écoutent plus guère. Ainsi le Prix des Lycéens est-il allé à Ma nuit à Beyrouth, de Mona El Yafi, autour des confidences chorégraphiées — dans un onirique et sombre espace — d’un danseur libanais après l’explosion du port de 2022. Il échoue à faire refaire son passeport, et témoigne avec émotion d’un monde dévasté.

On imaginait naïvement que les lycéens seraient davantage scotchés par Ce soir j’ai de la fièvre et toi tu meurs de froid, emprunté à l’irrésistible Alexandrie-Alexandra (1978) du défunt Claude François. Mais sont-ils devenus plus prudes que bien des sexas (et plus) à leur âge ? Récompensé par le Prix de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques, ce spectacle délirant et funèbre retrace la destinée chaotique et provocatrice de Lune de fiel, émission de conseils sexuels de Fréquence Gaie, la première radio libre homosexuelle autorisée à émettre en continu, de 1981 à 1998.

On est d’abord abasourdi, voire agacé par la liberté verbale d’animateurs gays insolentissimes, tout en laissant peu de place à leurs collaboratrices lesbiennes… Tous époustouflants, les comédiens jouent à la fois à l’oreillette, selon d’authentiques enregistrements d’archives, et « à l’ancienne », dans de tristes solos évoquant les années sida. Nourri de vrai, ce théâtre documentaire imaginé par Julien Lewkowicz nous fait alors basculer en un temps pas si lointain où le rapport au sexe, à l’autre, à la vie, se nourrissait de drames comme de fêtes, de courage comme de défi. Un temps de combats et de tolérances que la compagnie Tous les jours de la vie ressuscite superbement.

Comme Simon Roth le cheminement d’un exilé dans l’inspiré Erdal est parti, Prix du jury comme du public. Réfugié kurde rencontré par hasard, Erdal aime à raconter sa vie cabossée de Turquie à la France, via la Suisse. Sans être jamais allé au théâtre, il demande à Simon d’en tirer spectacle. Pour laisser trace de ses tourments. Mais il veut un acteur français pour l’incarner, histoire d’avoir une « meilleure image » auprès du public. Même au théâtre, la représentation de soi n’en finit pas d’être un problème… Simon filme ses confidences, qui apparaissent sur de multiples écrans. À tour de rôle, en play-back ou pas, quatre comédiens virtuoses portent chacun sa parole, tel un chœur antique. Qui donc est finalement Erdal, démultiplié dans ce poignant parcours d’images, de sons, de verbe, de danse ? De quoi sommes-nous faits, individuellement, collectivement ? Avec délicatesse, Simon Roth met en scène « l’identité ». Et comment elle se révèle davantage par l’autre. Une troublante histoire de secret familial le relie ainsi mystérieusement à Erdal. Comme lui, son aïeul n’a avoué sa tragédie — sa déportation à Auschwitz — qu’à un inconnu. Du besoin de l’étranger pour nous accepter. Et aussi, peut-être, de ce nouveau théâtre documentaire enfin sans didactisme, sans complaisance, mais mûri, et entêtant de poésie.

Fabienne Pascaud / Télérama

Par Télérama, avec AFP - Publié le 11 décembre 2025

Déjà poursuivi pour viols, agressions sexuelles et corruption de mineurs, l’acteur connu pour ses rôles au théâtre et dans “La Gloire de mon père” et “Le Château de ma mère” est cette fois soupçonné de proxénétisme.

Le comédien Philippe Caubère, déjà poursuivi pour viols, agressions sexuelles et corruption de mineurs sur trois mineures, a été mis en examen pour proxénétisme, a indiqué jeudi le parquet de Créteil à l’AFP, confirmant une information de BFMTV. Philippe Caubère, âgé de 75 ans, a été mis en examen le 24 novembre. Il est soupçonné d’avoir contraint sa victime à avoir des relations sexuelles tarifées avec des centaines d’hommes, selon la chaîne d’information. Contactée par l’AFP, l’avocate du comédien, Mᵉ Fanny Colin, n’a pas souhaité faire de commentaire.

Dans une interview au quotidien Libération en janvier, la comédienne Agathe Pujol, à l’origine d’une des plaintes, avait déjà affirmé avoir été victime de viols « organisés plusieurs fois par semaine » entre 2011 et 2018 par Philippe Caubère au cours desquels ce dernier « regarde et prend des photos ».

Figure de la scène théâtrale, Philippe Caubère a été mis en examen en février 2024 pour des faits s’étant déroulés, selon les victimes, en 2012 pour une première, et entre 2010 et 2019 pour une deuxième. Philippe Caubère a reconnu avoir eu une relation intime pendant quatre mois en 2012 avec une mineure âgée de 16 ans, une relation selon lui consentie. Il est aussi mis en examen pour corruption de mineure de plus de 15 ans sur une troisième victime, des faits ayant eu lieu entre 2019 et 2021.

En octobre, son ancienne avocate, Mᵉ Marie Dosé, a elle-même été mise en examen pour soustraction ou altération de document dans une enquête visant son ex-client suite à une première plainte pour viols déposée en 2018. Le parquet avait classé cette plainte sans suite en 2019, « aucun élément » ne permettant « de corroborer les déclarations de la plaignante sur l’absence de consentement ». Selon le quotidien Le Monde, Mᵉ Dosé est soupçonnée d’avoir fait disparaître un ordinateur personnel de Philippe Caubère, dont les contenus auraient pu se révéler compromettants pour le septuagénaire.

Télérama, avec AFP

Légende :  Philippe Caubère. Photo Julien Pebrel/MYOP

Par Sonya Faure / Libération   -  Publié le 11/12/2025

L’actrice, qui a incarné la Marquise de Villeparisis proustienne ou la Dorine du «Tartuffe» au Français, annonce dans une interview à «Télérama» mettre fin à une aventure de près de dix ans.

Par Kilian Orain dans Télérama - 17 déc. 2025

Boris et Kiril, deux cosmonautes soviétiques, se retrouvent coincés dans l’espace. S’ensuit un voyage à travers l’histoire de l’Univers, dans une simplicité savoureuse. À voir jusqu’au 21 décembre à Lyon, puis en tournée. Dès 6 ans.

Réservé aux abonnés - lire sur le site de Télérama

Un piano poussé par sa musicienne (Claudine Simon) déboule, suivi de trois personnages accidentés portant bandages, plâtres et pansements. Rires dans la salle. Cette truculente entrée en matière donne le ton de ce spectacle tout public où fourmillent d’ingénieuses trouvailles. Créé en 2024 par l’autrice-metteuse en scène Jeanne Candel et son équipe, Fusées s’arrime à l’histoire vraie de deux cosmonautes soviétiques coincés dans l’espace, qu’a reprise le réalisateur roumain Andrei Ujica dans Out of the Present (1995). La pièce enjambe des échelles, grandes et petites, pour déplier l’histoire de la naissance du monde jusqu’à celle, particulière, de Boris et Kiril, prisonniers de la conquête spatiale. Sur la scène d’un petit castelet se rejoue d’abord la naissance de l’Univers façon Guignol. Puis vient le tour des deux habitants de l’espace.

Plus d'infos

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• Théâtre Gérard Philipe, 59 boulevard Jules-Guesde, 93200 Saint-Denis

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• Théâtre Jean-François Voguet, 18 allée Maxime-Gorki, 94120 Fontenay-sous-Bois

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• Théâtre des Deux-Rives, 107 rue de Paris, 94220 Charenton-le-Pont

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• Maison des arts, place Salvador-Allende, 94000 Créteil

• Dates

  Du 25/03/2026 au 28/03/2026
  Le 18/04/2026
  Le 09/04/2026
  Le 14/04/2026

Légende photo : Sans emploi de technologie particulière pour les décors, « Fusées » revient à l’origine même du théâtre : le texte et l’oralité. Photo Jean-Louis Fernandez

Par Marie-Dominique Lelièvre dans Libération 
Publié le 15/12/2025 

Le producteur de spectacles et propriétaire de théâtres est un des derniers inconditionnels du couple Macron.

Derrière une porte du salon Ravel, Marc Lavoine répète Qui a peur de Virginia Woolf ? qu’il interprétera avec Béatrice Dalle au Théâtre Antoine, dans le Xe arrondissement de Paris, à partir du 29 janvier. Dans les loges, les Ukrainiens du chœur Homin décortiquent des pistaches avant le récital du soir. Sur les tables du nouveau restaurant, on distribue le menu. Comme s’il déballait une boîte de Lego, Jean-Marc Dumontet (JMD) ouvre des portes, ferme des portes, heureux de montrer la salle prestigieuse qu’il vient d’investir, grand orgue surplombant la scène et 800 fauteuils. «75 000 euros par mois», souffle-t-il. Le loyer.

Légende photo : Jean-Marc Dumontet à Paris, le 19 novembre 2025. (Boby/Libération)

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 10 déc. 2025

La compagnie dirigée par Jean-Christophe Meurisse redouble d’impertinence et d’intelligence avec sa nouvelle création, qui s’inspire de l’affaire Jacqueline Sauvage et du licenciement par France 2 de l’humoriste Tex.

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/10/avec-i-will-survive-spectacle-sur-les-violences-conjugales-la-troupe-des-chiens-de-navarre-mord-fort_6656780_3246.html?fbclid=IwY2xjawOniyJleHRuA2FlbQIxMQBzcnRjBmFwcF9pZBAyMjIwMzkxNzg4MjAwODkyAAEed851Rj6qitIVT9jGglBhNiiB86X1a-F69tulEAiSj_gmVmIYzaj0CMgEfp4_aem_be2H7367xZSG19moW_ID1w

Les Chiens de Navarre gardent le cap de l’actualité et frappent à nouveau les esprits avec leur dernière création, I Will Survive. Comme à chaque charge de cette troupe radicale et explosive, l’humour féroce se mêle à la gravité. S’emparant de deux sujets de société en apparence sans lien – les violences conjugales et la liberté de rire de tout –, la meute de Jean-Christophe Meurisse livre une tragi-comédie grinçante, avec la justice pour fil rouge.

Après s’être attaquée à l’identité nationale (Jusque dans vos bras, 2017), aux névroses familiales (Tout le monde ne peut pas être orphelin, 2019) et à l’impact de l’état du monde sur la santé mentale (La vie est une fête, 2023), la compagnie s’inspire de deux faits réels : l’affaire Jacqueline Sauvage (1947-2020), femme violentée et abusée sexuellement et condamnée à dix ans d’emprisonnement en 2014 pour avoir tué son mari avant d’être graciée, en 2016, par le président de la République François Hollande. Et le licenciement par France 2 de l’humoriste Tex, en décembre 2017, après une « blague » sur les femmes battues (« Tu sais ce qu’on dit à une femme qui a déjà les deux yeux au beurre noir ? On ne lui dit plus rien, on vient déjà de lui expliquer deux fois »).

L’histoire débute dans une école primaire où la directrice (Lula Hugot) reçoit, tout en bienveillance, une mère d’élève (Delphine Baril) pour lui parler de son fils Lucas, dont l’attitude triste et renfermée inquiète l’équipe pédagogique. La scène, interprétée avec une justesse remarquable, pose le premier sujet : si Lucas va mal, c’est parce que sa mère, Cécile Gallot, est battue par son mari et tétanisée à l’idée d’en parler. Fondu au noir. Le rideau s’ouvre sur le studio d’une émission de radio, « Le Grand Midi ». Dans cette parodie de « La Bande originale » sur France Inter, une animatrice, entourée de chroniqueurs, a invité un scientifique. Auteur de Droit dans le mur, un traité sur l’écologie, sa parole est sans cesse coupée par les interventions blagueuses de la petite équipe qui ne cesse de glousser.

Vient alors le tour de la chronique de Didier Moreau (Fred Tousch). L’humoriste, utilisant le « contexte » des cinq fruits et légumes par jour, sort sa blague : « Une femme, quand elle ramène sa fraise, on lui met une pêche dans la poire, elle tombe dans les pommes mais elle garde la banane. » Eclats de rire dans le studio mais réactions outrées sur les réseaux sociaux. Mis en cause par les associations féministes, Didier Moreau est convoqué par sa direction pleutre, écarté de l’antenne et poursuivi pour incitation à la haine et à la discrimination. Le second sujet d’I Will Survive, celui de la liberté d’expression, est énoncé.

Bêtise crasse et vulgarité

Deux récits vont alors se superposer dans lesquels le collectif mené par Jean-Christophe Meurisse fait des étincelles dans la qualité du jeu, maniant aussi bien le grotesque et la tragédie que l’outrance et l’émotion. Un dispositif scénique à étages et de différentes profondeurs permet de passer du commissariat au salon du couple Gallot, d’un bureau de l’Elysée au tribunal, et offre différents niveaux de lecture visuelle à plusieurs scènes. Certaines – comme celle où un policier tente de recueillir la plainte de la femme battue pendant que ses collègues, au-dessus, boivent et dansent à l’occasion d’un pot de départ – fonctionnent de manière quasi cinématographique.

Fidèles à leur marque de fabrique, Les Chiens de Navarre ne nous épargnent rien : ni la bêtise crasse et la vulgarité de certains personnages, ni le calvaire vécu par Cécile Gallot avant son geste définitif, ni le sang et la violence. Le spectacle est d’ailleurs « fortement déconseillé aux moins de 16 ans, certaines scènes [pouvant] heurter la sensibilité des spectateurs », préviennent les programmateurs. Mais l’impertinence de cette troupe procure aussi un rire terriblement cathartique. Malgré quelques maladresses – l’impudeur sans limite d’un prisonnier, une participation inutile du public lors du procès final –, I Will Survive tisse avec intelligence deux histoires qui dévoilent, petit à petit, les fractures de l’époque jusqu’à une mémorable rencontre finale entre l’humoriste et la femme battue.

Si le procès en appel de Cécile Gallot pose de manière remarquable la tragédie des femmes victimes de violences conjugales, la réflexion sur le comique bas du front pris au piège de ses propres mots aurait mérité d’être plus approfondie. Reste que la capacité des Chiens de Navarre à marquer les esprits demeure intacte. A l’image du cadre supérieur transformé en Joker dans La vie est une fête, le procureur mué en Dark Vador d’I Will Survive est aussi dérangeant qu’inoubliable.

« I Will Survive », par Les Chiens de Navarre. Mise en scène : Jean-Christophe Meurisse. Grande Halle de La Villette, Paris 19e, jusqu’au 13 décembre. Puis en tournée : à la MAC de Créteil (Val-de-Marne), du 8 au 14 janvier 2026 ; à L’Onde, à Vélizy-Villacoublay (Yvelines), les 22 et 23 janvier 2026 ; aux Bords de Scènes, à Juvisy-sur-Orge (Essonne), les 30 et 31 janvier 2026 ; à la MC2 de Grenoble, du 4 au 6 février 2026… et au Théâtre des Bouffes du Nord, Paris 10e, du 29 mai au 27 juin 2026.

Sandrine Blanchard / Le Monde 

Par Valentin Pérez dans Le Monde - 9 décembre 2025

Après une longue carrière dans le théâtre, l’acteur et metteur en scène réalise son premier film, « La Petite Cuisine de Mehdi », en salle le 10 décembre, dans lequel il explore avec humour le thème de la double culture.

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https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2025/12/09/la-petite-cuisine-du-realisateur-amine-adjina-contre-les-prejuges_6656570_4500055.html

Le rendez-vous est fixé dans la chaleureuse brasserie de l’Est parisien Chez Justine, qui s’avère être, précise le réalisateur Amine Adjina, le lieu où il fut barman il y a vingt ans. Après une maîtrise de gestion, il avait pointé son nez à la Sorbonne. « En arrivant dans l’amphithéâtre, je me suis dit : “Je vais partir et je ne reviendrai plus.” »

Une fois la porte claquée, les services du soir dans ce restaurant lui ont permis de financer des cours de théâtre à Garges-lès-Gonesse (Val-d’Oise), puis au conservatoire de Créteil (Val-de-Marne). « Je rêvais de cinéma, mais je voulais surtout jouer, et c’est d’abord le théâtre qui m’a happé. Au fond de moi, c’est bizarre, mais je me suis toujours dit : “Le cinéma, ça arrivera à 40 ans.” »

Derrière les apparences d’une comédie de quiproquos – un chef cuisinier trentenaire (Younès Boucif) dissimule sa mère algérienne à sa petite amie française et demande à une tenancière de bar (Hiam Abbass) d’incarner sa fausse génitrice, jusqu’à s’emberlificoter dans son mensonge –, le long-métrage interroge les tiraillements liés à sa double culture. « Moins en raison de la honte que par des conflits de loyauté que cela provoque », souligne ce Franco-Algérien dont le père a tenu un café-restaurant oriental dans le quartier populaire de Barbès.

Eloge de la mixité

Avant de passer derrière la caméra, Amine Adjina, formé à l’école de cinéma la Fémis en écriture de scénarios, a accumulé quinze années d’expérience dans le théâtre, toutes déjà traversées par la question des identités hybrides, du multiculturalisme ou de la mémoire algérienne.

Comédien, il a donné à entendre au public les mots de l’écrivain figure de l’anticolonialisme Frantz Fanon ou de l’auteur autrichien Peter Handke. Dramaturge et cometteur en scène avec sa complice et compagne, Emilie Prévosteau, il déploie, de pièce en pièce, une œuvre qui propose un éloge de la mixité.

Un garçon français qui ruse pour se faire passer pour arabe afin de garder un ami (Arthur et Ibrahim, en 2018), trois gamins qui déconstruisent le roman national (Histoire(s) de France, en 2021), des citoyens luttant pour la survie d’un jardin ouvrier (Nos jardins, en 2023)…

Son écriture, précise et gaie, questionne la réalité de ce qui lie et sépare des personnages évoluant souvent dans des lieux publics : l’école, le jardin, aujourd’hui la salle de restaurant, et, dans une de ses prochaines créations, le salon de coiffure. « C’est dans ces endroits extérieurs au foyer que la rencontre est possible, que l’altérité peut surgir. »

« Des gens représentés nulle part »

Féru d’histoire, Amine Adjina profite du plateau pour convoquer librement des icônes du passé et les confronter à ses protagonistes. Ainsi, avec lui, un Vercingétorix peut renaître, mais sous des traits féminins ; Louis XIV ou Louis XVI, dialoguer avec la jeunesse des années 2020. « Dans cette période où on voudrait nous raconter une certaine pureté de l’histoire et de l’identité française, j’aime pouvoir détourner ces figures », dit Amine Adjina en sortant de sa poche La France éternelle, une enquête archéologique (La Fabrique, 2025), le dernier livre de Jean-Paul Demoule, dans lequel il bat en brèche les idées préconçues sur nos racines notamment gauloises.

C’est à Oran, sur la côte algérienne, que le primo-cinéaste a passé les étés de son enfance, des journées entières à traîner joyeusement dans le quartier, à jouer avec les cousins, des mélodies de raï pour bande-son. « Des vacances de grande liberté », se souvient-il, avant le retour à Paris, métro Château-Rouge (18e). Les artistes qui l’inspirent sont souvent ceux qui racontent les influences brassées et « une certaine histoire de l’immigration » : Abdellatif Kechiche, Martin Scorsese ou Pier Paolo Pasolini, dont il s’est emparé du Théorème en 2023, pour une adaptation à la Comédie-Française.

« J’essaie, au théâtre comme au cinéma, de faire surgir, sans pathos, des gens que je ne vois nulle part représentés. Je montre par exemple, dans mon film, qu’une mère maghrébine n’est pas cette pauvre petite femme lisse qui s’efface en demandant pardon. En ce sens, bien sûr que mon travail est politique », revendique-t-il.

Il mesure, de façon très personnelle, les effets de la détérioration des relations diplomatiques entre Paris et Alger. « Ma mère, qui vit en France depuis cinquante ans, a dû attendre pas moins de dix mois avant le renouvellement de sa carte de résidente », confie-t-il. La possibilité de voir une de ses pièces jouée à Alger a tourné court récemment, en raison du contexte politique.

Mais cela ne l’empêche nullement de continuer à creuser le sillon de sa double culture. La Petite Cuisine de Mehdi, prévient-il, n’est que le premier long-métrage d’une trilogie consacrée aux relations franco-algériennes. Il prévoit déjà de situer l’intrigue de son dernier volet de l’autre côté de la Méditerranée, sur la terre de ses parents.

Valentin Pérez / Le Monde 

Propos recueillis par Aïnhoa Jean-Calmettes dans Libération - publié le 13 janvier 2026

Rencontre avec la metteuse en scène italienne amoureuse des paradoxes et de la subversion. Trois de ses créations sont jouées en France cette année.

«L’ange est un personnage magnifique, mais il n’est pas heureux»

Une économie de moyen qui transforme tout en symbole

Amoureuse des paradoxes

Aïnhoa Jean-Calmettes / Libération

Légende photo : Emma Dante ne cesse d’ausculter la famille comme matrice des violences. (Carmine Maringola)

Par Laurent Carpentier, Gimel [Suisse], pour Le Monde, publié le 10 janvier 2026

« Wolf », « In bocca al lupo » et « Manières d’être vivant » mettent en scène le canidé. Prédateur, solidaire et carnassier, l’animal est devenu un miroir riche d’enseignements de nos propres comportements.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/01/10/au-theatre-la-figure-du-loup-au-centre-de-trois-spectacles_6661244_3246.html

Lorsqu’on lui apprend que plusieurs compagnies cet hiver s’emparent sur scène de la figure du loup, Yaron Lifschitz éclate de rire : « Donc, nous sommes une meute ? » Le directeur artistique de la troupe australienne Circa présente Wolf au Théâtre Silvia-Monfort, à Paris, du 14 au 24 janvier : entre cirque et chorégraphie, dix acrobates fusionnent et se confrontent, tels une bande de loups.

Au même moment, à Genève, Judith Zagury et le ShanjuLab démarrent les représentations d’In bocca al lupo, créé à l’automne 2025 au Théâtre Vidy-Lausanne et qu’on pourra voir à Paris au Théâtre du Rond-Point, du 11 au 21 février. Un spectacle-enquête élaboré sur quatre ans dans un Jura suisse agité par la confrontation radicale entre pro- et anti-loup. Enfin, en mars, à la Criée, à Marseille, puis du 8 au 11 avril à la MC93 de Bobigny, Clara Hédouin adapte Manières d’être vivant, de Baptiste Morizot (Actes Sud, 2020), qui fait référence sur la question.

Casting esthétique pour le premier, sociopolitique pour le deuxième, philosophique pour le troisième, le loup bénéficie depuis quelques années d’un engouement qui a inversé la nature de ses attributs. La menace est devenue une espèce menacée, et le prédateur, un miroir riche d’enseignements de nos propres comportements. « Le loup, c’est l’incarnation du désir. Le désir n’est pas moral, il est charnel », s’enthousiasme Yaron Lifschitz, les yeux pleins de gourmandise. La troupe australienne est allée chercher chez l’animal la fusion des énergies de familles que nous, humains, préférons appeler « meutes », tant leur solidarité fait leur force. « Tout ce que l’humain fait est bien mieux fait par d’autres espèces. Notre seul but, ici, est de créer une émotion. Au passage, si on peut aider à nettoyer quelques clichés, comme l’idée fausse que ce serait la guerre entre eux… »

Canton de Vaud, Suisse. 1 300 mètres d’altitude. Il a neigé cette nuit. Les raquettes à nos pieds écrasent en sourdine le manteau blanc. Le soleil d’hiver éclaire la voûte d’épicéas d’une clarté sauvage. On guette. Canis lupus, c’est celui qu’on ne voit jamais, presque une chimère, l’essence d’un fantasme carnassier, matière à contes et à mythologie… ou à pièces de théâtre. Voici deux heures que nous marchons sur le territoire de la meute qui hante le Marchairuz. Dariouch Ghavami observe à la jumelle. Judith Zagury retient les chiens.

Metteuse en scène, Judith Zagury dirige à Gimel, un peu plus bas sur les flancs du Marchairuz, le ShanjuLab, un « laboratoire de recherches théâtrales sur la présence animale ». Une école à l’envers. Là-bas, l’exploit n’est pas mouvement, mais lenteur ; le spectaculaire, une approche intime avec l’animal. Ici, personne ne dresse l’autre, mais communique, cohabite, pour, in fine, coexister sur la piste ou le plateau. Cela donne le spectacle Hate, créé en 2019, de et avec Laetitia Dosch et le cheval Corazon ; ou Ahouvi, du metteur en scène israélien Yuval Rozman, avec le chien Yova…

Toute la ménagerie sur scène

Sur le site Internet du ShanjuLab, sous l’onglet Portraits, on retrouve ainsi, animaux et humains confondus, la quinzaine d’animateurs de cette école-atelier : Rostam, le coq ; Dibbouk, le bouc ; Doudoune et Ulrich, les oies… Comme, entre autres, Brian Favre, à qui, à 15 ans, elle proposa de s’intéresser aux chèvres, et qui aujourd’hui est spécialiste en droit du vivant. Ou Nathalie Küttel, la fille de taxidermiste, avec qui, en compagnie du metteur en scène Stefan Kaegi (du collectif Rimini Protokoll), Judith Zagury créa en 2021 le spectacle Temple du présent – Solo pour octopus, mettant en scène des pieuvres. « Les poulpes sont les êtres les plus intelligents du monde, sauf qu’ils meurent au bout d’un an et demi sans avoir su transmettre ce qu’ils avaient appris », témoigne cette dernière, émue au souvenir de ces êtres gluants qui, le soir, au moment de se quitter, ne voulaient pas lui lâcher la main.

Dans un hangar réaménagé (en bas, les écuries, les poulaillers, le manège ; en haut, les habitations), le ShanjuLab vit sur un fil, avec une centaine d’élèves qui viennent pratiquer l’équitation ou dialoguer avec les cochons, et puis des stages, des séminaires, et enfin ces spectacles créés ou cocréés. Dans Paradoxes, en 2016, toute la ménagerie était sur scène pour tenter une réflexion éthique sur la relation animale. Cette fois, dans In bocca al lupo, c’est la figure du loup qui tient la vedette. Les trois chiens (Lupo, le gros patou, Azad, le berger d’Anatolie, et Yova, le border collie) qui s’ébrouent autour de nous dans la neige sont les mêmes qui, sur le plateau, s’agitent au milieu du public, s’agaçant lorsqu’un loup apparaît sur les écrans.

Dariouch Ghavami est monté inspecter sous un épicéa le remblai où, sait-il, parfois les loups viennent se coucher. De loup, évidemment, il n’y a point. « Le loup est toujours là où on ne l’attend pas, souffle le jeune Suisse. Opportuniste, incontrôlable, il est le sauvage non maîtrisé. » Dariouch Ghavami avait 8 ans lorsqu’il a débarqué à l’école-atelier. Il en a 33 aujourd’hui. Fort d’une formation académique en humanités environnementales, le comédien et acrobate a été embauché en 2024 pour travailler sur le Marchairuz avec l’un des spécialistes les plus reconnus de l’animal, Jean-Marc Landry, grand avocat de la coexistence entre éleveurs et loups.

« Ancestralités animales »

A Gimel, on est au cœur de la polémique qui traverse l’Europe depuis que le loup y a fait son retour. Dans cette région d’élevage, pendant près d’un siècle, on n’avait plus vu sa silhouette furtive. Et puis, il y a une dizaine d’années, il a commencé à réapparaître, remontant d’Italie, reconstruisant des familles à la faveur de lois protectrices qui agacent les éleveurs de bovins. Entre la meute du Marchairuz, celle du Mont tendre, et celle, transfrontalière avec la France, du Rissoud, les paysans du canton ont commencé à ruer dans les brancards.

Ici, comme dans les campagnes françaises, on est anti-loup ou on est pro-loup. Et le ton peut vite monter. Tout prédateur a besoin d’un prédateur, plaident les défenseurs du carnassier, et le loup, en s’attaquant aux cerfs qui détruisent la forêt, rétablit l’équilibre. Nos cheptels sont décimés, rétorquent les paysans, et nous n’avons même pas le droit de nous défendre en l’abattant… Dialogue de sourds. C’est tout le sujet d’In bocca al lupo.

« J’ai voulu comprendre quel était l’animal, raconte Judith Zagury de sa voix douce. J’ai fait des pieds et des mains pour rencontrer Jean-Marc Landry, qui finalement est venu s’installer à la maison. C’est un homme qui ressent beaucoup avec les tripes, qui comprend un territoire. Et comme j’avais un ancrage local, les gens se sont livrés à moi. » Avec la Fondation Landry, chargée pendant un an du suivi du loup dans le canton, elle va passer des nuits entières dans l’alpage à surveiller les troupeaux, comme Dariouch Ghavami et des dizaines de bénévoles, seulement armés de jumelles à vision nocturne et de pistolets d’effarouchement.

A 51 ans, la femme aux longs cheveux bouclés porte sa générosité en bandoulière. Est-ce d’avoir tant appris à écouter les autres espèces qu’elle a développé ce don d’empathie ? « Je ne me sens d’aucune identité, je ne me sens chez moi nulle part », se contente-t-elle de dire. Dans la grande pièce, près de la cheminée qui ronronne, Voltaire, croisement entre un chat et un serval, félin des savanes humides africaines, haut comme la table, nous toise, songeur. « Ce spectacle m’a changée. Je suis larguée », s’amuse Judith Zagury. Antispéciste par conviction, elle en ressort « avec plus de questions que quand on a commencé. Ça m’a donné beaucoup de compréhension pour tout le monde : tant pour l’éleveur qui voit ses bêtes dévorées que pour les loups dont les autorités ont décidé la reprise des tirs d’élimination. Pendant toute la création du spectacle, je pensais aux gens d’ici, au territoire dans lequel je vis. Ne pas sacraliser le loup, ne pas minimiser certaines choses. Et en même temps, je ne voulais pas me sentir coincée, et garder une liberté de pensée. »

Rhétorique antispéciste

Quiconque se passionne pour les relations entre humains et non-humains ne peut qu’être intéressé par les travaux de Baptiste Morizot, notamment son essai, Manières d’être vivant, qu’adapte Clara Hédouin au théâtre. De la metteuse en scène, on avait aimé la vitalité de ses Trois Mousquetaires dépoussiérés, joués en plein air, remontés en feuilleton (six épisodes à suivre sur deux jours) ; on avait suivi ses spectacles autour de Jean Giono (Que ma joie demeure, Prélude de Pan), là encore en extérieur. Pour se frotter ici à ce texte philosophique, Clara Hédouin met cette fois en scène six personnages qui pistent un loup. « Plus ils enquêtent, plus ils découvrent quels humains ils sont… Mais le loup n’est pas réellement mon sujet, précise-t-elle, volubile et enthousiaste dans un café de Montmartre, à Paris. L’axe que je creuse, c’est plus précisément l’idée des ancestralités animales sédimentées en nous. Pour Baptiste Morizot, nos milliers d’années se composent et se recomposent à chaque instant pour fabriquer nos manières d’être au monde. »

Clara Hédouin rencontre l’apprenti philosophe à l’Ecole normale supérieure de Lyon en 2008. Ils sont alors toute une bande de copains qui, dix-huit ans plus tard, continuent de se retrouver régulièrement. « A l’époque, [Baptiste] écrivait sa thèse sur la philosophie de Gilbert Simondon [1924-1989] : le hasard et la rencontre. Puis il s’est mis à travailler sur la rencontre animale, et le non-humain. Nous l’avons vu peu à peu s’ouvrir à ces questions, raconte-t-elle. Et nous avec lui. Par contamination. Baptiste est un philosophe de terrain, qui pense avec son corps. Comme lui, on s’est mis au pistage, en amateurs, et à s’intéresser à qui habitait notre monde. »

Comme pour ses pièces précédentes, la première idée de Clara Hédouin sera de monter le spectacle en extérieur – ce qu’elle fera d’ailleurs cet été du côté de Narbonne, puis en Ariège, dans une forêt près de Calais (Pas-de-Calais), et enfin dans la pinède de Châteauvallon, au-dessus de Toulon. Mais la production initiale de Manières d’être vivant, commandée par le TNP de Villeurbanne (Rhône), demandait un plateau intérieur. « Est-ce que je peux faire du théâtre avec de la pensée ? Est-ce qu’il y a un épique, une lucidité de la pensée, qui peut se transposer au plateau ? », s’interroge alors la normalienne qui a fait sa thèse de recherche, intitulée La Tentation épique (Garnier, 2022). C’est la ligne de force de son spectacle.

Quand on grandit à La Roque-sur-Cèze (Gard), avec son vieux pont à 12 arches, ses ruines de château et sa chapelle romane, on imagine que l’épique n’est jamais très loin. « On s’est extrait du monde vivant au point de se penser comme des mangeurs non mangeables. Le loup, raconte-t-elle, a été pour Baptiste la porte d’entrée, avec son premier livre : Les Diplomates. Cohabiter avec les loups sur une autre carte du vivant [Wildproject, 2016]. Tout y est déjà : que ce soit la mise sous cloche de la nature et du monde sauvage – avec ses pratiques, ses cultures, ses sociétés –, ou qu’il s’agisse des comportements que les loups ont en commun avec nous, à commencer par la prédation… »

L’espace d’un instant, on la surprend embarrassée. « Soyons clairs, ce texte est progressiste, décolonialiste, féministe ! », ajoute-t-elle, inquiète d’être mal comprise. C’est que cette rhétorique antispéciste et humble face au loup a son revers. Faire l’apologie d’un animal sauvage, pourchassé et mal aimé, c’est positif.

Comparer l’homme à ce mâle alpha, vivant entouré de sa meute et dévorant des bêtes qu’il laisse éventrées, souvent à moitié vivantes, ça l’est moins… « Difficile d’admettre que nous sommes fabriqués autant par nos millions d’années que par nos cultures. Mais la philosophie de Baptiste Morizot nous met à égalité avec les autres vivants. C’est le contraire de la phrase de Descartes : “Se rendre comme maître et possesseur de la nature.” Et au fond, c’est joyeux. On est beaucoup moins seul lorsque l’on se repense comme un être parmi les autres. »

Qu’on le veuille ou non, qu’on les aime ou qu’on les pourfende, les loups sont de fait entrés dans le paysage, partie prenante du biotope. Ils sont connus et identifiés, on leur a donné des noms. Sur l’alpage du Marchairuz, le premier de la meute – depuis abattu – s’appelait Gros Pépère. La femelle, baptisée Boucle d’or, connue pour sa peur des bovins, qu’elle n’attaque donc pas, est encore là. Mais celui de toutes les détestations, le grand méchant loup du conte, c’est M351, dit « l’étranger ». Ou « le résistant », parce que, touché à la mâchoire par un tir, il a survécu et court encore. A lui seul, sa vie, sa mort, son œuvre mériteraient une pièce de théâtre, un poème épique, une saga. Sur le tertre enneigé duquel les chiens aboient, on rumine le vers de Rainer Maria Rilke : « Faits de silence, des animaux surgirent. »

Laurent Carpentier (Gimel [Suisse], envoyé spécial du Monde)

Par  Richard Schittly (Lyon, correspondant du Monde) le 8 janvier 2026

Le renouvellement de la direction du centre dramatique national intervient au moment où une étude confidentielle préconise une collaboration renforcée avec le Pôle Pixel.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/01/08/a-villeurbanne-l-identite-du-theatre-national-populaire-en-jeu-avec-le-projet-de-pole-numerique-de-france-2030_6661040_3246.html

Faut-il assigner une dimension numérique au projet artistique d’un centre dramatique national ? La question est au cœur d’un délicat débat sur l’avenir du Théâtre national populaire (TNP) de Villeurbanne (Rhône), au moment où s’opère le changement de direction de l’établissement centenaire. Le successeur de Jean Bellorini, en partance pour le Théâtre de Carouge, dans le canton de Genève, doit être désigné d’ici au mois de mai par un jury composé d’élus et de représentants des services de l’Etat.

Après constitution d’une liste restreinte de quatre à six candidats, les prétendants vont recevoir en février une lettre d’orientation, cadrant les attentes des autorités de tutelle en matière de rythme de créations, de médiations et d’actions culturelles. Ils auront jusqu’au 17 avril pour présenter leur projet ; celui choisi engagera les cinq prochaines années du majestueux paquebot ancré dans le quartier des Gratte-Ciel.

Doté d’un budget de 10 millions d’euros, fort d’une centaine de salariés et de plus de 180 intermittents, le TNP assure 200 représentations par an, une centaine en tournée, et accueille des milliers d’élèves dans le cadre scolaire. Mais sa force de création s’épuise inexorablement. De l’ordre de 1,4 million d’euros, sa marge artistique a baissé de 30 % au cours de ces dix dernières années. Le prochain capitaine devra affronter ce vent général de récession budgétaire plutôt préoccupant.

Dans ce contexte, élus et autorités de tutelle ont l’idée d’associer le TNP à un autre projet culturel, en cours de gestation à Villeurbanne. Il s’agit de la candidature du Pôle Pixel au titre de pôle territorial des industries culturelles et créatives, lancé par un appel à projet de France 2030. Doté d’une enveloppe de 4 millions d’euros, ce label pourrait favoriser une filière numérique de rang national, et changer radicalement la dimension du Pôle Pixel, site qui regroupe studios de cinéma, productions et formations numériques.

Dirigé par Géraldine Farage, le pôle fonctionnait sur un mode associatif hybride, pour un chiffre d’affaires limité à 1,35 million d’euros. Avec une dizaine de salariés, spécialisés dans l’ingénierie de projets, la structure pouvait aussi bien proposer des formations, créer des événements professionnels, que louer ses locaux. Les décideurs se disent que la conjugaison des activités du TNP et du Pôle Pixel pourrait favoriser l’émergence d’une grande entité créative, identifiée et bénéfique pour tous.

« Logiques imposées »

Les promoteurs du projet ont convoqué la mémoire de Roger Planchon, emblématique directeur du TNP entre 1972 et 2002, pour légitimer la démarche. Les ateliers de construction de décors du TNP, considérés parmi les plus performants après ceux de la Comédie-Française, sont implantés dans les anciens studios de l’ORTF de Villeurbanne, devenu le Pôle Pixel. Roger Planchon avait également créé Rhône-Alpes Cinéma, société de production cinématographique, puis les Studios 24, salle polyvalente de tournage et de spectacle, pareillement basés sur le site Pixel. Une interprétation abusive, selon son ancien conseiller artistique, le dramaturge Michel Bataillon. « Roger a été très tôt sensible au développement de la production d’images dans le monde contemporain, d’où son engagement dans le cinéma, illustré par le tournage de son film Dandin [1988], mais sa réflexion sur l’image et sa création théâtrale étaient totalement scindées. Ces deux vies étaient séparées. »

En évoquant hâtivement un « rapprochement » entre le TNP et le pôle Pixel, lors de sa visite à Villeurbanne, en octobre 2025, la ministre de la culture, Rachida Dati, a suscité l’inquiétude des personnels du théâtre. « Le centre dramatique national a une mission de service publique dédiée à la création, nous craignons de voir l’identité du TNP se dissoudre au nom de logiques imposées », prévient Valérie Perriot-Morlac, élue du Synptac-CGT, qui souligne que le TNP sait déjà manier la technologie numérique, comme l’a récemment démontré Les Petites Filles modernes, de Joël Pommerat, spectacle pour lequel neuf vidéoprojecteurs étaient disposés autour du plateau.

Rachida Dati a fait référence à une étude de faisabilité dont les salariés ignoraient l’existence. Effectuée par les sociétés de conseil de Cyril Puig et Dominique Delorme, anciens dirigeants des Nuits de Fourvière, à Lyon, cette étude a été commandée par la ville de Villeurbanne et la direction régionale des affaires culturelles Auvergne-Rhône-Alpes. Le document, que Le Monde a pu consulter, étudie plusieurs hypothèses de collaboration entre le Pôle Pixel et le TNP, tout en excluant formellement toute fusion des deux structures, aux dimensions et vocations trop différentes.

L’étude propose à plus long terme la création d’une société en participation, formule assez courante dans le théâtre, destinée à coproduire des « œuvres composites », et suggère d’autres formules juridiques renforcées, comme un groupement d’intérêt public. Les auteurs citent en exemple Le Voyage à Nantes, festival qui se tient chaque été depuis 2012. Pour Jean Bellorini, cette étude n’engage en rien la prochaine direction du théâtre. « Il ne faut pas chercher le costume avant de trouver la bonne personne. Le projet du théâtre doit résulter d’une volonté artistique sincère, tout le reste en découle, les modalités de coopération existent déjà. »

L’étude estime au contraire indispensable que l’appel à candidatures pour la prochaine direction « mentionne explicitement la nécessité d’intégrer le numérique et les pratiques transmédias au cœur du projet artistique du TNP ». En insistant : « Cette orientation doit être posée non comme une option, mais comme une exigence stratégique, en cohérence avec les politiques locales et nationales. » A ce stade, il n’est pas prévu que la lettre d’orientation du jury porte cette mention. Mais, fait peu habituel, l’étude de faisabilité lui serait annexée.

Richard Schittly  / Le Monde

Légende photo : Le Théâtre national populaire, à Villeurbanne (Rhône), en juillet 2020. JOËL PHILIPPON/« LE PROGRES »/MAXPPP

Mais depuis quelques années, les manifestations, les appels à la censure, à la déprogrammation, les intimidations, se multiplient et ne sont plus seulement le fait de groupes intégristes. Une partie grandissante du champ politique accuse et attaque la création. Selon Carole Thibault, metteuse en scène et directrice du théâtre des Îlets à Montluçon : “Nous ne sommes pas encore en état de censure mais il y a des attaques systématiques sur des endroits de création artistique”.
Car la culture est redevenue sujet de controverse et de “passions tristes” selon Vincent Guillon qui pointe une menace contre l’autonomisation des pratiques culturelles et artistiques.
La liberté de la création, bien que protégée par le droit, perd-elle du terrain en France?

Un documentaire de Bruno Benquey, réalisé par Agnès Cathou.

Avec :
Carole Thibault, actrice et metteuse en scène
Phia Ménard, chorégraphe et metteuse en scène
Joris Mathieu, metteur en scène
Eric Ruf, metteur en scène,
Benoît Lambert, metteur en scène,
Hortense Archambault, directrice de la MC93,
Jean-Yves Coffre, ancien directeur du théâtre de l’Escapade à Hénin-Beaumont
Guy Saez, politologue
Vincent Guillon, politologue,
Sophie Faivre, documentaliste au lycée polyvalent Albert-Einstein à Montluçon

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Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 17 déc. 2025

Après quatre ans d’ambitieux travaux du théâtre de Nanterre, le metteur en scène peut enfin habiter l’établissement où il aime défricher les auteurs contemporains.

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/17/christophe-rauck-un-directeur-discret-et-inspire-pour-le-nouveau-theatre-des-amandiers_6658426_3246.html

Il est né à Creil (Oise) le 7 novembre 1963, mais c’est à Nice qu’il a grandi. Le metteur en scène Christophe Rauck est un homme du Sud, ce dont ne témoigne pas sa longue et cohérente carrière menée dans le nord de la France. Directeur du Théâtre du peuple, à Bussang, dans les Vosges (2003-2006), puis du Théâtre Gérard-Philipe, à Saint-Denis (2008-2013), et du Théâtre du Nord, à Lille (2013-2020), il est depuis janvier 2021 à la tête de Nanterre-Amandiers.

Autant dire qu’il ronge son frein depuis près de quatre ans en banlieue parisienne en attendant que soit enfin achevée l’ambitieuse réhabilitation de l’établissement dont la livraison, prévue pour 2024, a accusé plusieurs retards. Le jeu en valait la chandelle. Métamorphose stupéfiante des espaces d’accueil, création d’une salle de 200 places, modernisation des plateaux équipés de technologies dernier cri, studios flambant neufs pour les artistes en résidence, baies vitrées atteignant près de 12 mètres de haut en façade : les architectes norvégiens de l’agence Snohetta ont vu les choses en grand. La refondation spectaculaire du théâtre le propulse vers l’avenir. Patrice Chéreau, qui l’a dirigé de 1982 à 1991, ne le reconnaîtrait pas.

Incarner l’esprit de la maison

Arrivé juste avant les premiers coups de pioche, Christophe Rauck a installé les pièces de ses premières saisons de programmateur dans une salle éphémère située à côté du chantier. Pas question de fermer boutique. Un lieu inactif est condamné à l’oubli du public et au désintérêt des tutelles politiques. Ce patron expérimenté le sait mieux que personne. Il s’est toujours battu pour qu’existent à la puissance 1 000 les maisons dont il a eu la charge. « Un directeur doit savoir s’effacer, mais être là à des moments précis », explique-t-il.

Les écritures d’aujourd’hui le stimulent. Tout est à inventer avec les dramaturgies pas ou peu défrichées. Il confesse d’ailleurs avoir perdu puis retrouvé le goût du théâtre grâce à Sara Stridsberg, autrice suédoise rarement montée en France : « J’avais l’impression de tourner en rond. Sans la lecture de sa pièce, qui m’a réveillé, je ne suis pas sûr que j’aurais candidaté à Nanterre-Amandiers. » Clin d’œil du destin : le texte s’intitulait La Faculté des rêves (Poche, 2011).

Des trous d’air, des remises en question et même des « angoisses existentielles », l’artiste en a connu. Mais il n’a jamais douté de l’art : « Je savais qu’il devait entrer dans ma vie », assure celui qui, très jeune, cherchait déjà et par tous les moyens à trouver son espace de liberté.

Peut-être serait-il devenu sculpteur s’il n’avait pas, à 20 ans, renoncé à poursuivre ses études à la Villa Arson, à Nice. Peut-être n’aurait-il jamais mis en scène s’il ne s’était glissé en douce à l’Odéon où, en 1984, le maestro Italien, Giorgio Strehler répétait L’Illusion comique, de Corneille. « Sur le plateau, il y avait Gérard Desarthe, Hugues Quester ou Nada Strancar. Mais je ne voyais que le charisme de Strehler. Ç’a été un choc esthétique. A cet instant précis, j’ai su que je voulais être metteur en scène. » Peut-être, enfin, n’aurait-il jamais dirigé de lieux s’il n’avait pas intégré le Théâtre du Soleil, en 1991, et pris des notes au contact d’Ariane Mnouchkine, une patronne qui ne dissocie pas l’activité de son institution de la pensée du public. « Ma vision du théâtre est complètement liée à ce que j’ai vécu à la Cartoucherie de Vincennes », revendique-t-il.

Un solitaire « un peu sauvage »

« Dessine-moi un homme qui dort », lui demande la fondatrice du Soleil lorsqu’il postule pour un stage dans sa troupe. Recalé une première fois, il retente sa chance. Au jour J de la seconde audition, malgré une mâchoire fracturée par un accident de moto, sa performance emporte l’adhésion. Il se forme au masque, une redoutable école de jeu. Il apparaît dans Les Atrides puis dans La Ville parjure, d’Hélène Cixous. « J’ai passé cinq ans dans un autre espace-temps, confie-t-il, j’en suis parti au moment où j’ai senti que c’était la fin de mon histoire avec le Soleil. »

C’est Ariane Mnouchkine (encore elle) qui lui dit : « Tu es metteur en scène », après avoir assisté, dans un squat, à sa version du Cercle de craie caucasien, de Bertolt Brecht. Un spectacle empirique fabriqué avec les moyens du bord et interprété par une bande de copains sur lesquels il a pris l’ascendant sans même en être conscient. La représentation signe son entrée définitive sur les plateaux des théâtres. Ou plutôt en lisière des projecteurs, à la place invisible, mais décisive, du deus ex machina. Une place de l’ombre taillée sur mesure pour ce solitaire « un peu sauvage », qui dissimule son « manque de confiance » en lui en se tenant toujours un pas en arrière des « tribus » théâtrales un peu trop « familières » à son goût.

En arrière, vraiment ? Si le metteur en scène protège ses « complexes et ses complexités » derrière les spectacles qu’il signe, le directeur n’hésite pas à monter au créneau pour défendre le service public : « Les lieux de création enrichissent les intelligences collectives, dit-il. Face à l’effondrement de la pensée chez ceux qui devraient le soutenir, le théâtre n’a pas le droit de démissionner. » Militant infatigable d’un théâtre d’art subventionné, Christophe Rauck vient d’être renouvelé à la tête de Nanterre-Amandiers pour un deuxième mandat jusqu’en 2027.

Presque égal, presque frère. Diptyque de Jonas Hassen Khemiri. Mise en scène : Christophe Rauck. Théâtre Nanterre-Amandiers (Hauts-de-Seine). Du 29 janvier 2026 au 21 février 2026.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 17 déc. 2025

Pour la réouverture du théâtre de Nanterre, l’auteur et metteur en scène invente son propre conte, épique et fantaisiste, misant sur l’étrangeté.

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/17/avec-les-petites-filles-modernes-titre-provisoire-aux-amandiers-joel-pommerat-expedie-le-theatre-dans-une-fascinante-quatrieme-dimension_6658416_3246.html

La dernière fois que Joël Pommerat est venu au Théâtre Nanterre-Amandiers, c’était en 2020, avec Contes et Légendes, une fiction d’anticipation dont les héros étaient des androïdes. Un an plus tard, en mai 2021, le théâtre fermait ses portes pour travaux. Après quatre années d’un colossal chantier, elles vont se rouvrir sur la dernière création en date de l’auteur et metteur en scène. Avec Les Petites Filles modernes (titre provisoire), l’artiste propulse le théâtre vers une quatrième dimension fascinante. Face à son geste qui ne pose aucune limite aux possibles de la représentation, l’enchantement est total et le trouble, absolu.

Sur la scène, une intrigue, ses intrus et des flots d’intranquillité. Joël Pommerat, à qui l’on doit les adaptations du Petit Chaperon rouge (2004), de Pinocchio (2008) et de Cendrillon (2011), invente son propre conte, sans rien oublier de ce qui structure le genre : le merveilleux et l’effroi, l’antagonisme du bien et du mal, le pas-à-pas initiatique des personnages.

Un amour qui dérègle l’ordinaire

Le spectateur scrute pourtant des êtres de chair et d’os sur un plateau dont la nudité apparaît lors du salut des trois comédiens, tous formidables : Eric Feldman, un fidèle de la tribu Pommerat, et deux nouvelles recrues, Coraline Kerléo et Marie Malaquias. Tandis que Feldman incarne plusieurs hommes (un père, un vieillard, un amoureux), les deux actrices épousent la juvénilité de Jade et Marjorie, deux adolescentes bien de leur temps qui n’auraient rien d’exceptionnel si leur amour mutuel ne les poussait aux sorties de route. Leur passion dérègle leur ordinaire, et c’est à force de désobéissance et de transgression qu’elles vont vers l’émancipation.

Comme toujours avec Joël Pommerat, la banalité des situations est un leurre. Ce n’est pas un hasard si un jaguar (en peluche) investit la chambre où les deux amies se retrouvent la nuit, à l’insu des parents, chambre qui est le seul lieu où s’immisce un soupçon de quotidien. Un lit, un fauteuil, un bureau y apparaissent par magie, après un de ces fameux « noirs plateau » dont l’artiste est adepte.

En qui concerne les autres décors, ils appartiennent au fantastique et bénéficient des talents conjugués d’Eric Soyer, créateur lumières, et Renaud Rubiano, créateur vidéo. Deux orfèvres de la métamorphose qui dématérialisent les corps et les espaces, au point qu’on prend pour charnel ce qui est hologramme et pour mouvant un sol immobile.

Dans un écrin fluctuant, strié de lignes, de diagonales, de spirales, d’ondes de lumière ciselées par les lasers de la vidéo, les tableaux déployés par l’auteur et metteur en scène révèlent une suite de visions hallucinantes qui déplacent le public vers les confins de l’irrationnel.

« Une histoire vraie, jamais vérifiée »

D’entrée de jeu, la fiction mise sur l’étrangeté. Or l’étrange est le domaine de l’extraordinaire : là où des créatures invisibles menacent, où l’on ne vieillit pas, où l’on peut vivre des transmutations, mourir et renaître. Le ton est donné dès la première image : deux minuscules silhouettes perdues dans une lointaine galaxie avancent vers le spectateur. En voix off, ce préambule : « Ça commencerait comme ça, par le plus inconcevable, une histoire vraie, jamais vérifiée, une révélation jamais certifiée. Dans d’autres dimensions du vide il existerait des mondes tellement différents qu’il serait vain d’essayer de les décrire ou de les expliquer. Dans ces mondes-là, ce que nous appelons le temps, les distances, l’ombre et le silence n’auraient aucune signification. »

Venues de mondes parallèles, les « petites filles modernes » entraînent le public vers l’onirique. Toute rationalité abolie, on leur emboîte le pas pour atterrir dans une faille spatiotemporelle où les géographies, les durées, les présences échappent au sens commun. Un trou noir sur le sol où sombrent les désirs ; un puits sans fond qui mène vers l’inconnu ; une jeune fille enfermée dans une cage pour cent millions d’années ; des parents qui ne sont pas des humains ; des fillettes qui ont incorporé de précédentes existences dont elles sont, sans doute, la réincarnation.

La noirceur inquiétante du spectacle n’altère pas la dynamique de l’aventure vécue. Elle est épique et fantaisiste. Ici, ailleurs, hier, aujourd’hui, demain : aucun repère ne tient debout. Vraiment, c’est fou ce qu’un artiste est capable d’obtenir du théâtre lorsqu’il ne lui pose aucune limite.

Les Petites Filles modernes (titre provisoire). Création de Joël Pommerat, au Théâtre Nanterre-Amandiers (Hauts-de-Seine), Festival d’automne. Avec Eric Feldman, Coraline Kerléo, Marie Malaquias et les voix de David Charier, Delfine Huot, Roxane Isnard, Pierre Sorais, Faustine Zanardo. Du 18 décembre au 24 janvier 2026.

Légende photo : « Les Petites Filles modernes (titre provisoire) », de Joël Pommerat. AGATHE POMMERAT

Par Armelle Héliot dans son blog - 13 déc. 2025

Personne, à Montpellier et bien au-delà ne peut comprendre l’éviction de l’artiste et programmateur qui a su, en quelques années, donner au Printemps des comédiens, un rayonnement remarquable. Les tutelles ont prétendu qu’il y avait des soucis financiers. L’association qui porte le festival depuis quarante ans, réplique, chiffres à l’appui.

L’association Printemps des Comédiens qui, pendant près de quarante ans, a porté le festival du même nom, tient à rendre publiques les conclusions des experts-comptables et commissaires aux comptes qui procèdent actuellement à sa liquidation suite à la décision de sa dissolution. Elle espère ainsi mettre fin aux spéculations qui entourent sa disparition programmée et ont donné lieu à des déclarations erronées jusqu’en conseil de Métropole.

Bien loin d’être en déficit, l’association achève son existence avec le bilan suivant :

• Comptes positifs avec un excédent de 183 000 euros.
• Solde reversé à l’Établissement Public de Coopération Culturelle du Domaine d’O (EPCC) désormais en charge de la Cité européenne du théâtre : 60 000 euros.
• Cession à titre gracieux d’un matériel scénique évalué à 320 000 euros.
• Cession à titre gracieux de la marque Printemps des Comédiens et d’un fichier de billetterie de 30 000 noms.
• Revenus générés par la reprise régulière à l’international de Bérénice avec Isabelle Huppert. Ce spectacle a été créé à Montpellier sous l’égide de l’association Printemps des Comédiens.
  Forte de ce bilan, l’association, en cours de dissolution conformément à la décision de la Métropole qui a souhaité rassembler sous la bannière d’un nouvel établissement la plupart des activités culturelles du Domaine d’O, ne peut qu’exprimer son désaccord à l’annonce du départ forcé de son directeur artistique Jean Varela. En quinze ans, il a fait du Printemps des Comédiens, avec le soutien de l’État, des collectivités locales et de la fidélité constante du public, le deuxième festival de théâtre en France après Avignon.
• Revenus générés par la reprise régulière à l’international de Bérénice avec Isabelle Huppert. Ce spectacle a été créé à Montpellier sous l’égide de l’association Printemps des Comédiens.
  Forte de ce bilan, l’association, en cours de dissolution conformément à la décision de la Métropole qui a souhaité rassembler sous la bannière d’un nouvel établissement la plupart des activités culturelles du Domaine d’O, ne peut qu’exprimer son désaccord à l’annonce du départ forcé de son directeur artistique Jean Varela. En quinze ans, il a fait du Printemps des Comédiens, avec le soutien de l’État, des collectivités locales et de la fidélité constante du public, le deuxième festival de théâtre en France après Avignon.

Publié par Sceneweb le 18 déc. 2025

Le metteur en scène et ancien directeur du Centre dramatique national La Manufacture à Nancy, Michel Didym a été mis en examen pour « viol » suite à une plainte déposée en 2020, nous a confirmé l’avocate de l’une des victimes.

Fin septembre 2020, une enquête préliminaire pour violences sexuelles avait été ouverte visant le metteur en scène. Celui-ci avait été laissé libre à l’issue de sa garde à vue.

Dans une enquête publiée en octobre 2021 par Libération, plusieurs femmes  affirmaient avoir subi du harcèlement et des violences sexuelles de la part du metteur. Le témoignage d’Alice, accusant le metteur en scène nancéien de l’avoir violée en 2012 quand elle était une élève comédienne de 20 ans, avait ouvert la voie à plusieurs autres témoignages de violences sexuelles subies dans le milieu du théâtre et au mouvement #MeTooThéâtre sur les réseaux sociaux.

En novembre 2021, Michel Didym avait quitté la direction du festival de théâtre contemporain La Mousson d’été, dont il était le fondateur.

En 2021, les révélations autour de Michel Didym avaient constitué un élément déclencheur du mouvement #MeTooThéâtre.

18 DÉCEMBRE 2025  - PAR L'ÉQUIPE DE SCENEWEB

photo Eric Didym

Par Télérama, avec AFP -  Publié le 17 décembre 2025

Avec une quarantaine de films à son actif des années 1950 aux années 1980, l’actrice était habituée aux rôles de séductrices ou de femmes fatales, dont elle a su se moquer. Elle est morte le 12 décembre à l’âge de 92 ans.

L‘actrice Françoise Brion, qui fut en vogue au cinéma à l’époque de la Nouvelle Vague, est décédée à Paris vendredi 12 décembre à l’âge de 92 ans, ont annoncé mardi ses enfants Diane et Simon Doniol-Valcroze à l’AFP. De son vrai nom Françoise German de Ribon, celle qui a tourné pour plusieurs réalisateurs de premier plan sans jamais accéder au rang de vedette était née le 29 janvier 1933 à Paris.

Au Conservatoire d’art dramatique de Paris où elle étudie dans sa jeunesse, l’un de ses copains, Jean-Paul Belmondo, lui conseille de changer de nom. « Laisse tomber le “de”, ça fait aristocrate », lui dit-il alors, selon son récit. Elle devient Brion, l’anagramme de Ribon.

L’actrice débute au cinéma à la fin des années 1950 dans Nathalie de Christian-Jaque, Katia de Robert Siodmak ou Un témoin dans la ville d’Edouard Molinaro. Avant de devenir son deuxième mari, le comédien et réalisateur Jacques Doniol-Valcroze lui propose de jouer dans son premier long métrage, L’Eau à la bouche, sorti en 1960, qui lance sa carrière et contribue à faire connaître la Nouvelle Vague. Jacques Doniol-Valcroze a été un des fondateurs de la célèbre revue Les Cahiers du cinéma, où ont écrit tous les grands de la Nouvelle Vague, comme Truffaut, Godard ou Chabrol.

Elle s’épanouit sur les planches

Françoise Brion, qui avait d’abord épousé l’acteur Paul Guers, tournera au total dans une quarantaine de films jusqu’au milieu des années 1980. Elle connaît avec L’Immortelle, d’Alain Robbe-Grillet (prix Louis-Delluc 1963), l’un de ses plus beaux rôles, celui d’une étrangère courtisée par un homme à travers les rues d’Istanbul.

Légende photo : Dans « L’Immortelle » (1963), d’Alain Robbe-Grillet, Françoise Brion connaît l’un de ses plus beaux rôles. Cocinor/Collection Christophe.L

Par Nina Lacour, Sonya Faure, Gilles Renault, Anne Diatkine, Victor Inisan dans Libération     -    Publié le 14/12/2025 

Un thriller collégien, une comédie musicale à l’américaine, un spectacle d’horreur pour enfants, une boîte à musique ou un cirque pop… les jeunes ont de la chance, il y en aura pour tous les genres.

«Boule de Neige» de Baptiste Amann et Odile Grosset-Grange

«Pinocchio créature» de Sophie Bricaire

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«Un Poyo Rojo» d’Hermes Gaido

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«Nocturne (Parade)» de Phia Ménard

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Pomme chante au «Petit Cirque» de Marie et Yoann Bourgeois

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«Santa Park» d’Ambre Kahan

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«Slam !» de Flip Fabrique

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«I Love You Two» du Circus I love you

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Et aussi

Les 25 ans de «Millésime»

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«Fusées» de Jeanne Candel

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«Suzanne : une histoire du cirque» d’Anna Tauber et Fragan Gehlker

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«Shrek, le musical» de Philippe Hersen

Par Fabrice Leclerc dans Paris - Match - 9 déc. 2025

Écrivain et metteur en scène de théâtre, Amine Adjina tisse un feel-good movie impeccable et profond sur l’émancipation face aux traditions. Avec Hiam Abbas et Younes Boucif.

Le synopsis

Si Mehdi joue le rôle du fils algérien parfait devant sa mère Fatima, il s’adonne à sa passion pour la cuisine française dans un bistrot lyonnais et vit une belle histoire d’amour avec Léa. Dans cet équilibre difficile à tenir entre traditions et modernité, les petits mensonges de Mehdi, sur sa famille ou sa maman commencent à devenir ingérables. Léa, qui en a marre de ses cachotteries familiales, veut rencontrer sa mère. Au pied du mur, Mehdi va trouver la pire des solutions…

La critique de Paris Match (4/5)

La voilà donc la jolie surprise du cinéma français de cette fin d’année qu’on n’avait pas vu venir, si ce n’est un buzz très positif depuis sa présentation dans plusieurs festivals de rentrée, prix du public au Festival de Saint-Jean-de-Luz. Totalement justifié pour le coup tant ce très joli film parle au cœur, porté par la finesse de son écriture et son goût pour le cinéma. Venu qui plus est d’un auteur/metteur en scène de théâtre qui s’est jeté sans filet dans l’aventure du long métrage de cinéma. Et osé sortir des sentiers battus du « drame social » trop facile en regard de son sujet, jouant finement la carte du feel-good movie. Raconter l’immigration, l’intégration, l’assimilation et le poids des traditions sans jamais donner de leçons, voilà le propos de ce joyeux film profond, vaudeville assumé qui croque à pleines dents la figure de la mère et du poids trop lourd de la tradition.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 1er déc. 2025

Dans « Mémoire de fille », la liberté de feu follet de cette formidable comédienne ne fait pas oublier l’armature pesante de la mise en scène.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/01/au-theatre-des-abbesses-suzanne-de-baecque-prolonge-le-recit-autobiographique-d-annie-ernaux-jusqu-aux-filles-nees-au-xxie-siecle_6655546_3246.html

Mémoire de fille, version française incarnée au Théâtre des Abbesses, à Paris, par la très vive Suzanne de Baecque, est née dans l’élan d’une précédente version. Allemande, celle-ci, et portée à la scène dès 2022 à la Schaubühne de Berlin par l’actrice Veronika Bachfischer.

Mémoire de fille est un roman autobiographique d’Annie Ernaux, publié en 2016, dans lequel deux versions de l’écrivaine coexistent qui forment un corps solidaire lorsque Ernaux, soixante ans après les faits racontés, saisit la main d’Annie Duchesne (son nom à 17 ans), pour la hisser à ses côtés et consoler sa peine, reconnaître en elle une victime et, par l’énoncé de ce mot, réparer ses propres blessures.

Un accordéon de paravents

Suzanne de Baecque n’a rien vécu de tel. Quoique. C’est mal à l’aise qu’au petit matin de l’été 2016, elle s’enfuit d’une toile de tente où un garçon vient de la déflorer. Souvenir troublé de sa culotte tachée de sang. Elle voulait perdre sa virginité, c’est vrai. Mission accomplie mais à quel prix ? Cette anecdote, elle la raconte en aparté au cours du spectacle, prolongeant le récit d’Annie Ernaux jusqu’aux filles nées au XXIe siècle. Et qui seraient donc, elles aussi, en proie aux confusions : comment, adolescente, rester souveraine dans son désir sans céder aux pressions d’injonctions héritées de traditions patriarcales.

Pliant et dépliant un accordéon de paravents recouverts de miroirs fumés (jeux de reflets obligent), la comédienne tient la représentation à bout de bras. Elle est chez elle sur la scène du théâtre, d’ailleurs, c’est là qu’elle se trouve belle, et qu’elle pourrait, dit-elle, bravache, s’exhiber toute nue. A raison, son émancipation se donne en exemple.

La liberté de feu follet de cette formidable actrice ne fait pourtant pas oublier l’armature pesante de la mise en scène. Danse transe, micro amplificateur, plateau saccagé : pas un instant de la représentation qui ne soit escorté de son effet gestuel, de son sous-texte musical ou de son hit visuel. A la longue, cette surabondance d’intentions est contre-productive.

Mémoire de fille, d’après Annie Ernaux, création de Veronika Bachfischer, Sarah Kohm et Elisa Leroy, production de la Cité européenne du théâtre – Domaine d’O, à Montpellier. Théâtre de la Ville-Les Abbesses, Paris 18e. Avec Suzanne de Baecque. Jusqu’au 6 décembre.

Joëlle Gayot / Le Monde 

Légende photo : Suzanne de Baecque dans « Mémoire de fille », d’Annie Ernaux, au Théâtre des Abbesses, à Paris, en novembre 2025. MARIE CLAUZADE