Revue de presse théâtre

Tribune publiée par Libération le 9 novembre 2023

Le dramaturge libano-québécois, directeur du Théâtre de La Colline, appelle à ne pas tomber dans le piège tendu depuis le 7 octobre par l’esprit destructeur du Hamas qui veut faire en sorte que «l’après» soit avant tout la haine du Juif.

par Wajdi Mouawad, auteur libano-québécois et directeur du théâtre de la Colline

Cela vient à peine de commencer et il nous faut déjà «panser» l’après. Un après qui, au rythme où vont les choses, nous arrivera aussi meurtri que l’effroyable 7 octobre dernier. «Panser» l’après, c’est se préparer à accueillir quelque chose dont nous ignorons encore tout, c’est tenter de soigner un temps pas encore arrivé, pour que, défait de ses pulsions de meurtres, il puisse être un réel après.

La volonté des gouvernements qui nous dirigent tout comme leurs enjeux géopolitiques échappent à notre volonté. Et si nous pouvons nous exprimer, nous ne pouvons pas, sur un temps court, agir sur les événements qui nous impactent et cette incapacité, à partir du moment où la question de l’action se pose, crée chez chacun un insupportable sentiment d’impuissance.

Qu’y puis-je, moi, contre le Hamas ? Qu’y puis-je contre la frange suprémaciste du gouvernement israélien ? Qu’y puis-je contre le Hezbollah ? Qu’y puis-je contre le gouvernement iranien ? Qu’y puis-je contre la politique américaine au Moyen-Orient ? Qu’y puis-je contre le cynisme sanglant de Vladimir Poutine ? Qu’y puis-je contre la zizanie qui mine la communauté européenne ? Qu’y puis-je contre l’opportunisme de Xi Jinping ? Peut-être que la question ne devrait pas se poser en ces termes et au lieu de viser ce qui est hors de ma portée, rapprocher la cible et me demander : «Sur quoi suis-je capable d’agir ?»

A cette question la réponse la plus concrète est aussi la plus simple : sur moi. Je peux commencer par agir sur moi et me demander, à l’aune de la situation, qui suis-je réellement. Qu’est-ce que cette situation est en train de faire de moi ? Comment est-elle en train de me transformer ? Comment me révèle-t-elle à moi-même ? Qu’est-ce qu’elle dit sur ce que je suis et sur ce que je crois être ? Quel est l’œdème qu’elle met en lumière et qui menace mon cerveau ?

Si «panser» dès à présent l’après c’est faire en sorte que ce qui l’a précédé ne se reproduise plus, alors un changement drastique incombe à chacun. Il ne suffit pas de dire que les autres, Israéliens ou Palestiniens, doivent changer, mais reconnaître que quelque chose en moi doit se transformer. Pour de bon. C’est la somme de la transformation de chacun qui fera en sorte que cet après en sera un.

Une fleur immortelle et indéracinable : la détestation

Né au Liban en 1968 au sein d’une famille chrétienne maronite, je n’ai nullement manqué d’amour. Mes parents ont tout sacrifié pour moi, fuyant la guerre civile libanaise dans le seul but de me permettre d’étudier sereinement. Mais, du fait de l’ignorance et des préjugés ; du fait, aussi, que le Liban a vécu cinq siècles sous le joug ottoman obligeant chaque confession à se refermer sur elle-même, du fait de paramètres autant historiques qu’intimes, mes parents, en plus de l’amour et l’affection, ont aussi planté en moi la graine d’une fleur immortelle et indéracinable : la détestation. Et dès mon plus jeune âge j’ai su détester ceux qui n’étaient pas de mon clan. A l’âge de huit ans, j’ai dansé à l’annonce de la mort du chef druze Kamal Joumblatt et en septembre 82 j’ai considéré qu’après l’assassinat de Bachir Gemayel [trois semaines après son élection à la présidence du pays, ndlr], les civils palestiniens des camps de Sabra et Chatila, massacrés par les miliciens chrétiens, n’avaient eu que ce qu’ils méritaient.

Je n’ai pas eu à apprendre à détester : je détestais par héritage. Et si je détestais consciemment, heureux de détester, heureux de haïr, je n’avais pas conscience de combien j’étais esclave de cette détestation car ma haine était viscérale et, ne m’animant pas de manière intelligible, je n’avais aucun moyen de l’interroger. Car cette détestation vient de loin et se transmet de génération en génération. En prendre conscience est difficile, comme il est difficile à celui qui porte un sac à dos vide de sentir le poids s’additionner si, de jour en jour, quelqu’un y déposait un caillou. Le poids augmente sans que l’on s’en aperçoive. Ainsi en est-il de cette détestation. Elle pousse à notre insu, grandit, fait des ramures, s’enracine à jamais, s’intrique tant à notre identité que l’on finit par élaborer des schémas de pensée pour la légitimer, nous transformant par la même occasion en victime éternelle.

Paradoxalement, il a fallu la guerre, l’exil, la découverte d’une autre langue, la découverte de l’art, la qualité de certains professeurs (Gérard Pouchain, Sylvette Montale, Philippe Guettier, soyez ici éternellement remerciés) ; il a fallu l’amitié, la mort de ma mère, Sophocle, Kafka, François Ismert, le théâtre, des voyages, des mots, des poèmes, des histoires d’amour, pour que je prenne conscience de sa présence. Elle m’est apparue dans toute son horreur, sorte d’épiphanie impitoyable et, réalisant ma monstruosité, j’ai voulu l’arracher de moi. Mais la détestation plantée dès la naissance ne se déracine pas. C’est une plante immortelle, imbriquée à jamais et, chez qui elle a été semée, elle demeure. Me découvrant une terre propice à sa floraison, je ne pouvais plus me fier à moi-même, je ne pouvais plus présumer de moi. Je me devais à jamais de monter la garde, faire preuve de prudence et m’assurer constamment que rien n’allait ni la nourrir ni l’abreuver car si on ne peut pas s’en débarrasser, on peut cependant l’isoler, la mettre sous verre, cesser de nourrir sa terre, travailler jour après jour à l’assécher pour l’empêcher de fleurir.

Mais pour y parvenir, il faut commencer par ne plus nier sa présence et, au contraire, l’assumer. Se souvenir que tout fleuve a un marécage qui le tient en santé. Marécage où vont se déposer les poisons et les pollutions qui pourraient le tuer. Si c’est vrai des fleuves, c’est vrai aussi des humains. Cette plante de la détestation est mon marécage où se dépose tout ce qui est nauséabond chez moi. Ma responsabilité consiste alors à empêcher le débordement du marécage, l’empêcher, par des digues fortes, d’envahir mon esprit, putrifiant mon lien au monde. Cette responsabilité, ces digues, cette vigilance, sont ce que j’appelle effort d’empathie, d’humanité, de sensibilité et d’amour.

Volontés inhumaines

Delphine Horvilleur [rabbin et philosophe, ndlr] m’a fait remarquer qu’une image biblique qui pourrait correspondre à celle du marécage pourrait être celle de l’arbre de la vie du jardin d’Eden. Pourquoi au paradis fallait-il un arbre interdit ? Justement pour rappeler que le mal n’est pas séparé de la vie, rappeler la vigilance constante que nous devons avoir face à sa présence. En ce sens, ce n’est pas le marécage qui est mauvais : il rend puissant le fleuve ; ce ne sont pas les sentiments que nous éprouvons qui sont mauvais : ils nous apprennent à les dépasser ; c’est le fait de nous laisser aller à leur bestialité qui est mauvais.

Or, si la plante de la détestation a la capacité de donner des fleurs de haines multiples, chacune déployant un parfum différent envers un groupe différent à haïr (musulman, noir, homosexuel), il se trouve qu’une des fleurs qui se déploie le plus aisément en nos contrées et qui dégage le parfum le plus envahissant, est la fleur de l’antisémitisme. Je l’ai observée partout où j’ai vécu. Au Moyen-Orient, en Europe, en Amérique du Nord. Un instant de distraction et la voilà qui refleurit. Tous les clichés qui incombent à cette détestation sont au fond de nous. Il est si aisé de détester le Juif. C’est un peuple d’une commodité extraordinaire. Tout est de sa faute. Maux passés, maux présents, et même maux futurs, il est x dans l’équation de nos frustrations, l’inconnue qui s’accorde comme on veut à nos haines.

A l’heure où les images de Gaza nous parviennent dans toute leur violence, où les morts se comptent par milliers, à l’heure où la colonisation de la Cisjordanie se poursuit, que des volontés inhumaines issues du pire de l’extrême droite ont droit de parole dans un gouvernement israélien ouvertement raciste et pour qui la brutalité militaire est la seule réponse possible, à l’heure où des forces d’une obscurité folle travaillent des deux côtés pour empêcher le moindre espoir, où les empathies vont vers les civils palestiniens mais où la mémoire des victimes israéliennes du 7 octobre est en train de se diluer et que les otages ne sont plus, pour l’opinion publique, qu’un détail secondaire, il est vital de voir le piège dans lequel nous jette le Hamas en nourrissant et abreuvant la plante de la détestation faisant fleurir partout l’antisémitisme. Deux mille ans d’un christianisme dont une partie de la propagande consistait à répéter que les Juifs ont assassiné le Christ nous ont formatés pour en être une terre fertile. Cela l’Europe le sait bien.

Jamais la fleur de l’antisémitisme n’aura été si bien nourrie

Ce qui se passe à Gaza est monstrueux. Il faut que les bombardements cessent, que les morts cessent, que les otages soient libérés. Il faut trouver comment faire pour que le Hamas ne puisse pas recommencer son ouvrage de destruction, lui qui n’a de cesse d’affirmer qu’il recommencera. Il faut trouver une autre voie à la justice qui ne soit pas celle de la destruction dont les Palestiniens depuis si longtemps paient un effroyable prix. Il faut que le gouvernement israélien accepte de s’intégrer en intégrant les Palestiniens et les pays arabes dans cette bataille contre le Hamas et qu’il cesse de croire qu’Israël seul contre tous peut assurer sa survie. Mais pour que tout cela advienne je n’ai, pour ma part, que des vœux. Par contre, je sais que jamais la fleur de l’antisémitisme n’aura été si bien nourrie, si bien arrosée par les images qui nous proviennent d’Israël et de Gaza, jamais depuis longtemps elle n’aura été aussi opulente. L’islamophobie gronde partout en France et c’est une lèpre aussi dévastatrice que l’est toute forme de détestation. Un constat pourtant s’impose. Bien des personnes à qui l’ont dit «antisémitisme» répondent avec raison «oui, mais il ne faut pas faire l’impasse de l’islamophobie», et ils ont absolument raison. Mais lorsqu’on dit «islamophobie», la plupart d’entre nous qui ne sommes pas juifs n’avons pas le réflexe de dire «oui, mais il ne faut pas faire l’impasse de l’antisémitisme». Cette petite différence est un des symptômes du danger qui nous guette.

Je dois, à la lecture de l’actualité de chaque jour, ériger en moi des digues de plus en plus hautes pour empêcher le débordement du marécage. Or c’est précisément là que se trouve le piège tendu depuis le 7 octobre par l’esprit destructeur du Hamas : faire en sorte que l’après soit avant tout antisémite. Que l’après soit un tombeau pour tout Juif où qu’il se trouve. Que l’après soit un temps où chaque Juif vive dans l’effroi, terrorisé, viscéralement méfiant envers le monde. Que l’après soit une autre forme de diaspora. Que l’après soit synonyme d’exil pour tout Juif. C’est contre ce piège que nous devons lutter, chacun. A cet endroit il est possible d’agir : prendre conscience de ce que la situation tente de faire de moi, lutter contre elle, faire en sorte que le marécage ne déborde pas et par tous les moyens assécher la plante de la détestation pour espérer que les prochaines générations, sans doute encore lointaines, parviennent un jour à couper le fil macabre de sa transmission.

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - 10 avril 2024

TTT   Très Bien

L’autrice Claudine Galea et la metteuse en scène Laëtitia Guédon revisitent le mythe. Face à trois femmes qui l’ont affronté, aimé – Hécube, Calypso, Pénélope – on découvre un Ulysse tiraillé entre doutes, désirs, envies de fuite et de retour. Jusqu’au 8 mai au théâtre du Vieux-Colombier.

C'est un spectacle-poème, un spectacle-rituel comme on n’en voit peu. Comme peu d’artistes ont le courage d’en rêver, d’en écrire, d’en mettre en scène en nos temps où l’emportent les obsessions et angoisses quotidiennes. Sauf que les mythes disent autant nos tourments que la photographie théâtralisée de nos existences actuelles.

Depuis longtemps passionnée par ces légendes visionnaires, Laëtitia Guédon, directrice des Plateaux sauvages à Paris, a l’habitude de commander à des dramaturges des pièces qui s’en inspirent. Ayant déjà travaillé sur la guerre de Troie (Troyennes. Les morts se moquent des beaux enterrements, en 2014), cité rayée de la carte par les Grecs sous prétexte d’y récupérer la belle Hélène, elle a ainsi demandé à Claudine Galéa, un texte sur Ulysse, tiré d’Homère. Et c’est merveille de redécouvrir grâce à la belle autrice féministe, un modèle masculin qu’on a tant dit « rusé, ingénieux, sagace, divin, unique, brillant, vaillant, avisé, subtil et à la langue de miel », et qui se révèle ici face à trois femmes qui l’ont affronté, aimé — Hécube, Calypso, Pénélope — dans toute sa violence forcenée comme sa vulnérabilité, son désarroi comme sa solitude.

Sur le sable pâle qui couvre la scène, le blanc squelette d’une énorme tête de cheval. Symbole de l’immense statue de bois laissée aux Troyens sur la plage par les Grecs faisant mine de s’enfuir après dix ans à assiéger la ville. Une ruse d’Ulysse : la statue est pleine de guerriers qui ravageront Troie dès qu’elle y sera emportée. Et sur le plateau, le crâne bougera selon les trois femmes confrontées à Ulysse dans une langue à la fois archaïque et pleinement actuelle, brutale et douce, incantatoire et guerrière. Derrière le squelette, un immense écran vidéo, comme un tableau aux couleurs changeantes et lancinantes : Laëtitia Guédon est fille du peintre martiniquais Henri Guédon (1944-2006).

Un héros clé de notre humanité

Tout au long du spectacle, se promènera encore de la salle à la scène le chœur chanté d’Unikanti, pour accompagner la tragédie. Ou plutôt la révéler. Car Hécube (Clotilde de Bayser, impressionnante de puissance meurtrie), Calypso (la spectaculaire Séphora Pondi, éclatante de sensualité), Pénélope (la lumineuse Marie Oppert) vont ici rendre Ulysse à sa vérité trop souvent tronquée. Face à celle qui lui a été donnée en butin comme esclave, Hécube, épouse aux dix-neuf enfants du roi de Troie Priam (la plupart massacrés par les Grecs), le premier Ulysse (Sefa Yeboah, étonnant tragédien) prend conscience de sa rage destructrice et combien l’instinct de mort, la mort même lui sont intimes. Face à l’amante Calypso qui aura su le retenir amoureusement sept ans avant de le laisser repartir, le second Ulysse (Baptiste Chabauty) endure le doute, l’angoisse de la séparation, le questionnement sur le retour, l’amour. Face à Pénélope, enfin, celle qui l’aura attendu vingt ans et sur laquelle, justement, le temps n’a plus de prise, le troisième Ulysse (Éric Génovèse, bouleversant) découvre l’énigme d’une existence : « qu’est ce que nos yeux nous empêchent de voir ? / qu’est-ce que nos paroles remplacent ? / as-tu remarqué : / dans l’obscurité le silence est plus vaste / le repos plus grand », lui murmure l’épouse.

Prélude à une vie nouvelle, à la mort ? « Marchons », ainsi Pénélope conclut-elle cette épique traversée, où l’on aura avec beauté redécouvert un héros clé de notre humanité, de ceux qui ont forgé des millions de petits hommes après lui. Au travers de ses femmes délaissées ou maltraitées, Claudine Galea interroge majestueusement la masculinité. Non sans compassion et tendresse pour cet Ulysse ballotté entre doutes, désirs, envies de fuite et de retour, toujours en quête de femmes protectrices que raconte vaillamment Laëtitia Guédon. Sacrée et dérangeante odyssée…

Fabienne PASCAUD - Télérama 

Par Nathalie Simon dans Le Figaro - 8 avril 2024

L'écrivain Claudine Galea et la metteuse en scène Laëtitia Guédon revisitent L'Odyssée d'Homère à travers un oratorio.

Publié par Le Monde avec AFP le 8 avril 2024

La police croate a ouvert une enquête après les aveux du réalisateur de 49 ans, qui a souvent utilisé ses films pour faire la critique de la culture patriarcale et des violences faites aux femmes.

Lire l'article sur le site du "Monde" :

https://www.lemonde.fr/international/article/2024/04/08/prime-au-festival-de-cannes-dalibor-matanic-celebre-realisateur-croate-avoue-plusieurs-agressions-sexuelles_6226678_3210.html

L’un des réalisateurs les plus célèbres de Croatie, Dalibor Matanic, 49 ans, a avoué dans un long post sur Facebook, après la publication de plusieurs articles de presse, avoir agressé sexuellement plusieurs femmes, déclenchant un tonnerre de réactions. La police croate a ouvert une enquête.

« Tout ça a eu lieu à des moments où j’étais sous l’influence de l’alcool ou de drogues. Notre travail est terriblement stressant – mais cela ne justifie certainement pas mon comportement », a-t-il écrit, après la parution d’articles de presse faisant notamment état de gestes et d’invitations déplacés et d’envois de photos et de messages à caractère sexuel. Environ deux cents femmes seraient concernées par les agissements du réalisateur, qui a annoncé qu’il allait entrer dans un centre de désintoxication.

« D’après les informations publiées dans la presse, il pourrait s’agir d’actes criminels », a déclaré le responsable de la police, Antonio Gerovac, cité par l’agence de presse officielle HINA, annonçant l’ouverture d’une enquête. Jusqu’à présent, la police n’a enregistré aucune plainte, a-t-il ajouté.

« Il se présentait comme un allié »

Par ailleurs, l’Académie des arts dramatiques de Zagreb, où M. Matanic donnait occasionnellement des cours, a annoncé que leur coopération avait « pris fin à la fin du semestre d’hiver » et qu’elle ne serait pas renouvelée.

Le réalisateur, primé à Cannes en 2015 pour son film Soleil de plomb (Prix du jury Un certain regard), a souvent utilisé ses films pour faire la critique de la culture patriarcale et des violences faites aux femmes. « C’est un choc terrible, car il se présentait comme un allié », a réagi la militante des droits des femmes Sanja Sarnavka.

La violence et les agressions sexuelles ont longtemps été considérées comme des sujets tabous dans les Balkans, où les valeurs patriarcales restent très ancrées.

Ces questions ont cependant pris davantage d’importance ces dernières années après l’avènement du mouvement #metoo et une affaire en Serbie voisine où une actrice a accusé son ancien professeur d’art dramatique, Miroslav Aleksic, de viol, ce qui a incité des milliers de femmes à raconter leur propre histoire.

Le Monde avec AFP

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par LIBERATION

La chape de silence entourant le cinéma français se fend-elle, pas à pas ? Ce mardi 9 avril, c’est un nouveau réalisateur qui est mis en cause, après les cas Doillon et Jacquot en début d’année. Pas moins de dix comédiennes dénoncent auprès de la cellule investigation de Radio France le comportement de Philippe Lioret, mêlant baisers forcés, gestes et demandes inappropriés. C’est en particulier le casting de son film Toutes nos envies, inspiré du roman D’autres vies que la mienne d’Emmanuel Carrère, qui est pointé. En été 2010, le cinéaste, auréolé des succès Je vais bien ne t’en fais pas et Welcome, effectue des castings avec le Tout-Paris. «Une cinquantaine d’actrices», reconnaît-il auprès de Radio France, dont Judith Godrèche, Emma de Caunes, Mélanie Bernier, Cécile Cassel, Laetitia Casta, Virginie Efira ou encore Marie Gillain, auditionnées pour le rôle de Claire, magistrate en couple avec Stéphane (joué par Vincent Lindon) et Céline, une mère surendettée.

Les témoignages recueillis par Radio France font état d’un même procédé, Lioret donnant rendez-vous pour une séance de travail, parfois le samedi alors que les bureaux de production sont fermés, et choisissant une scène intime dans laquelle il donne la réplique à l’actrice auditionnée. «Je me dis : “Pourquoi ce choix de scène ? Il est le réalisateur, pas l’acteur avec lequel je jouerai.” C’est gênant, relate Hélène Seuzaret, l’une des actrices qui témoignent, avec Elodie Frenck, Emilie Deville, Marie Gillain, Amandine Dewasmes et d’autres qui ont préféré garder l’anonymat. Une fois dehors, alors qu’on retourne à nos véhicules respectifs, [Philippe Lioret] essaye de m’embrasser sur la bouche. Ce n’est pas du tout ce dont j’avais envie. C’est comme un abus de pouvoir : il se permet, parce que je suis en attente de ce rôle, de me voler un baiser.»

«Avec le recul, je pense que c’est une agression sexuelle»

Une comédienne, anonyme, ayant vécu la même chose dans les années 90, raconte : «C’est humiliant de se faire embrasser violemment comme ça. D’où a-t-il le droit de m’embrasser sans que j’aie donné mon consentement ? D’où a-t-il le droit de me traiter comme ça, de manière brutale ? A cette époque, je ne me disais pas que c’était une agression sexuelle. Mais aujourd’hui, avec le recul, je pense que c’en est une.» C’est le cas aussi d’une autre actrice, embrassée sur la bouche par surprise après un dîner vécu comme un «piège», en marge des auditions de Toutes nos envies : «Il voulait sans doute savoir si j’étais ‘‘souple’’, si j’étais prête à ça pour avoir un rôle, raconte l’actrice. J’ai été utilisée à cette fin de pouvoir me consommer. Voilà comment je l’ai vécu. Il n’y avait rien d’artistique là-dedans.»

La comédienne Emilie Deville, elle, parle «d’abus de pouvoir». Elle raconte, lors d’un essai pour ce même film, le choix d’une scène entre une mère et son enfant. «[Philippe Lioret] fait l’enfant de 6 ans, il se met à genoux et il attrape mes hanches. Il colle son visage sur mon sexe en disant : “Maman !” Il me demande de caresser ses cheveux, de consoler le soi-disant enfant que j’ai entre les jambes, lui qui à l’époque avait 53 ans !»

Certaines comédiennes, relate Radio France, affirment que le réalisateur leur aurait demandé de «montrer leurs seins». L’assistante de la directrice de casting témoigne également que le cinéaste «ne se privait pas de toucher la naissance des seins, de se mettre dans le cou des comédiennes. Les actrices étaient tellement mal à l’aise dans les bras de Philippe de se faire tripoter comme ça». «Je n’ai jamais eu la sensation d’essayer d’abuser de qui que ce soit de toute ma vie», s’est défendu Philippe Lioret, interrogé sur ces témoignages. «Qu’il ait pu tenter de séduire, ça, c’est tout à fait possible. Mais il s’est toujours arrêté dès lors qu’il s’est trouvé face à un refus», a réagi son avocate, Solange Doumic.

Article publié sur le site d'Artcena - 2 avril 2024

RAPPORT
Son rapport déplore principalement que le pilotage des Programmes d’investissements d’avenir et de France 2030 ait contribué à dessaisir le ministère de la Culture de ses missions stratégiques.

Article de Gilles Costaz dans Webthéâtre - 8 avril 2024

Une grande figure du théâtre parisien vient de nous quitter. Renée Delmas, qui dirigea le Poche-Montparnasse avec Etienne Bierry, vient de mourir à la Résidence retraite du cinéma et du spectacle, à Vigneux, le jour même de ses 94 ans. Après de bonnes études, elle avait pensé suivre la voie de la médecine mais, suivant des conseils d’amis, elle avait tenté sa chance comme comédienne. Interprétant un petit rôle au théâtre de Poche après quelques années de formation, elle avait appris que la salle où elle jouait était à vendre. Son père, commerçant et inventeur, la lui offrit. Elle requit le concours d’un comédien très brillant, Etienne Bierry, très connu à la radio. C’est ainsi qu’un couple se forma puis une famille : Marion et Stéphane naquirent et devinrent des acteurs qui commencèrent au Poche avant de jouer avec succès dans d’autres réseaux (ils dirigent actuellement le Girasol à Avignon). Le duo fonctionna merveilleusement sans renoncer à la politique des risques. Ils montèrent surtout les auteurs novateurs de leur temps : Ionesco, Eduardo Manet, Billetdoux, Dubillard, Weingarten (L’Eté fut un triomphe historique avant et après 1968), Duras, Orton, Horovitz, Robert Poudérou, Gérald Aubert, Daniel Delabesse, Charles-Louis Sirjaq, Sergei Bebel… Ils s’intéressèrent plus rarement aux classiques mais Marion Bierry en mit en scène quelques-uns selon son style très subtil – d’ailleurs, alors même que le Poche n’appartient plus à sa famille, elle y a récemment monté, à l’invitation de Philippe Tesson, un Menteur de Corneille tout à fait éblouissant, où joue le dernier-né de la dynastie, Alexandre Bierry.

Renée Delmas était la responsable du Poche (qu’elle rebaptisa Poche-Montparnasse) côté affaires. Etienne Bierry gardait la main du point de vue de l’artistique. Il ne s’attribuait pas tous les rôles. S’il jouait et mettait en scène – très brillamment -, il accueillait avec amitié et curiosité de jeunes auteurs et de nouvelles équipes. Le couple Delmas-Bierry, intégré au système du théâtre privé (Renée Delmas développa beaucoup le principe du Fonds de soutien) mais aidé par le ministère de la Culture, fit des étincelles pendant cinquante ans, en cherchant essentiellement à monter des spectacles inédits. Agés, fatigués, héroïques, ils vendirent le théâtre à Philippe et Stéphanie Tesson en 2011.

Renée Delmas fut une grande directrice, sachant s’aventurer entre le goût traditionnel du public et l’insolite des poètes audacieux. Elle tenait fermement le bateau, à son bureau comme au contrôle dans l’étroit hall du théâtre. Elle s’entretenait avec franchise avec auteurs, acteurs et spectateurs. Elle racontait que Ionesco l’appelait tous les jours quand l’une de ses pièces était représentée là, moins pour savoir ce qu’il allait toucher que pour vérifier que le public aimait encore ses pièces. Elle s’en est allée, riche de tant de secrets.

Photo Laurencine Lot : le trentième anniversaire du Poche, 1986, de gauche à droite, Marion Bierry, Stéphane Bierry, Renée Delmas, Etienne Bierry.

Par Cristina Marino dans Le Monde - 5 avril 2024

Le spectacle jeune public, mis en scène par Olivier Letellier à partir d’un texte de Rodrigue Norman, est servi par l’interprétation tout en sensibilité du comédien Alexandre Prince.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/04/05/venavi-un-conte-initiatique-pour-parler-de-la-mort-aux-enfants-sans-tabou_6226193_3246.html

Le Lavoir moderne parisien (LMP), en plein cœur du quartier de la Goutte-d’Or, à Paris, s’est de nouveau associé aux Tréteaux de France et au Théâtre de Sartrouville et des Yvelines pour la deuxième édition du festival Le Lavoir en famille, qui se tient jusqu’au 14 avril. L’occasion pour parents et enfants de découvrir ensemble, en cette période de vacances scolaires, trois spectacles, dont deux créations.

Le premier des trois à être présenté est Venavi (ou pourquoi ma sœur ne va pas bien), créé en 2011. Olivier Letellier, directeur des Tréteaux de France depuis juillet 2022, spécialisé dans le théâtre pour la jeunesse, a travaillé avec deux auteurs, Rodrigue Norman et Catherine Verlaguet – cette dernière a déjà adapté plusieurs textes pour ses mises en scène, notamment Oh, boy !, d’après un roman de Marie-Aude Murail, récompensé en 2010 par le Molière du spectacle jeune public et recréé avec succès à Broadway, en 2017.

Pour Venavi, Rodrigue Norman s’est inspiré d’une croyance encore très présente dans son pays, le Togo. Les jumeaux y sont vénérés comme des dieux. Lorsque, par malheur, l’un des deux enfants meurt, il faut fabriquer au plus vite une statuette à l’effigie du défunt, le « venavi », et l’offrir au survivant pour qu’il ne soit pas tenté de rejoindre l’autre dans la mort.

C’est l’histoire tragique qui arrive à Akouété et à Akouélé. Le garçon, Akouété, est emporté par une mauvaise fièvre dès ses 6 ans, laissant sa sœur, Akouélé, seule face au deuil et à l’absence. Mais, plutôt que de dire la vérité à Akouélé et de lui donner le « venavi » en bois représentant son frère, les adultes du village, ses parents les premiers, ont préféré lui mentir et lui raconter que son jumeau est parti dans la forêt pour couper du bois. Alors Akouélé décide d’attendre son retour et, pendant des années, coincée dans son corps d’enfant, elle refuse de grandir sans son frère.

Objets astucieusement manipulés

Pour raconter l’histoire de cette fillette qui apporte deux assiettes quand on ne lui en demande qu’une et qui redouble cinq fois de suite son CP à l’école pour attendre son jumeau, l’auteur a choisi de se placer du point de vue d’Akouété : c’est de sa bouche que l’on apprend les mésaventures de sa sœur. Le comédien Alexandre Prince, dont la famille est originaire du Togo, et qui a un frère jumeau, incarne avec finesse et sensibilité le jeune narrateur.

Il donne également vie à toute une galerie d’autres personnages, notamment les parents d’Akouélé et Akouété, mais aussi les villageois, l’institutrice de l’école, etc. Et ce, grâce à un simple changement de voix, à une gestuelle différente ou à l’aide de quelques objets astucieusement manipulés et dotés parfois d’une simple paire d’yeux : une anodine paire de chaussures à talons, un banal morceau de bois retourné…

Les rares éléments de décor se transforment ainsi, au fil du spectacle, en personnages, en arbres, en bancs d’école, en maisons, en cercueils… L’interprétation d’Alexandre Prince constitue indéniablement l’une des clés de la réussite de ce récit initiatique sur un sujet souvent tabou, la mort – et a fortiori celle d’un enfant.

Venavi est la parfaite illustration que l’on peut parler de tout au jeune public, même des thèmes les plus graves, à condition de savoir le faire avec intelligence et subtilité, en y apportant une nécessaire touche d’humour pour donner, comme l’explique Olivier Letellier dans un entretien recueilli en novembre 2010, « une lueur d’espoir », et « créer des respirations dans l’histoire et rendre le propos plus accessible ». Avec pour objectif de « faire travailler l’imaginaire des spectateurs, petits et grands, et générer des questions à se poser en famille ».

Venavi (ou pourquoi ma sœur ne va pas bien), par les Tréteaux de France, Centre dramatique national. Texte : Rodrigue Norman. Adaptation : Catherine Verlaguet. Mise en scène : Olivier Letellier. Scénographie : Sarah Lefèvre. Avec Alexandre Prince. Au Lavoir moderne parisien (LMP), 35, rue Léon, Paris 18e, jusqu’au 13 avril. Dans le cadre du festival Le Lavoir en famille, jusqu’au 14 avril.

Cristina Marino / LE MONDE

Par Faustine Kopiejwski dans Les Inrocks - 2 février 2024

Dans un premier livre sidérant, “Notre silence nous a laissées seules”, l’actrice, comédienne et chanteuse lyrique Judith Chemla livre le récit des violences conjugales qu’elle a subies. Et éclaire les mécanismes les plus sombres de l’âme humaine, ainsi que de la société.

Le premier livre de Judith Chemla est un chemin. Un chemin vers la lumière et vers la vie, d’abord, pour celle dont le visage tuméfié s’est affiché sur Instagram un 4 juillet, en 2022, révélant les violences subies un an plus tôt au sein de son couple. Dans Notre silence nous a laissées seules, qui vient de paraître chez Robert Laffont, Judith Chemla raconte : deux relations conjugales consécutives violentes (l’autrice a souhaité anonymiser les protagonistes, qu’elle désigne par “Le Prince” et “Le Loup”), aussi bien physiquement que psychologiquement, qui l’ont vue mourir un peu, avant qu’une sage-femme ne lui annonce, au cours d’un avortement, sa propre (re)“naissance”. L’amour qui n’en est pas, le mécanisme infernal de l’emprise, la sidération, les rechutes, l’aliénation, l’impuissance de la justice, l’incapacité de la société à protéger les mères et les enfants, l’impunité des agresseurs. Mais aussi l’extrême consolation de l’art, la bienveillance qui répare, la sororité qui panse, la maternité qui exige.

Par Olivier Milot dans Télérama - 4 avril  2024

INFO TÉLÉRAMA – Sous pression de Bercy, le ministère de la Culture est contraint d’effectuer 28 millions d’euros de réduction de subventions. L’Opéra et la Comédie-Française sont les plus touchés.

Le couperet est tombé. Les grandes institutions culturelles qui doivent mettre la main à la poche pour financer en partie les 96 millions d’euros de baisse de crédits du ministère de la Culture dans le secteur du spectacle vivant savent désormais à quoi s’en tenir. Le plus touché est l’Opéra de Paris qui voit sa subvention réduite de six millions d’euros. Sans doute pour le récompenser d’avoir dégagé pour la première fois depuis six ans un bénéfice en 2023 (2,3 millions d’euros). « C’est une nette amélioration mais cette performance ne pourra pas être reproduite tous les ans », avait pourtant prévenu son directeur général Alexander Neef.

La Comédie-Française est elle aussi lourdement ponctionnée puisqu’elle perd cinq millions d’euros sur une subvention de 25,5 millions. Un coup dur pour la prestigieuse institution qui ne dispose après paiement de ses coûts fixes (salaires, énergie…) que d’une marge artistique de deux millions d’euros. « Comme la Comédie-Française marche bien, qu’elle a un taux de fréquentation moyen de près de 95 % sur les quelque 900 représentations qu’elle donne chaque année, on a l’impression qu’elle est riche, ce n’est pas vrai du tout, s’agace Éric Ruf. Il faut en permanence faire un effort considérable pour arriver à équilibrer les comptes. Avec cette baisse de subvention, on a l’impression d’être complètement fragilisé. »

Réserve de précaution

D’autres établissements sont également touchés à des degrés divers : la Villa Médicis à Rome et la Manufacture de Sèvres pour un montant d’un million d’euros, le Théâtre de la Colline et le Théâtre national de la danse de Chaillot (500 000 euros), la Philharmonie (250 000 euros de crédit d’investissement). D’autres encore.

Selon nos informations, la plupart des ces établissements ne verraient également pas la dernière tranche de leur subvention « dégelée » cette année. Cette « réserve de précaution » est généralement débloquée à l’automne et représente des montants non négligeables à l’échelle de certains lieux : 500 000 euros pour la Comédie-Française, 300 000 pour le Théâtre national de la Danse et 230 000 euros pour Le Théâtre de la Colline. « Au total, c’est une perte de 730 000 euros, soit un peu près la moitié de notre capacité de programmation », déplore son secrétaire général Arnaud Antolinos.

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« C’est beaucoup, confirme en écho Rachid Ouramdane, le directeur de Chaillot. Nous travaillons tous à plus d’élargissement et plus d’ouverture, notamment en direction des territoires fragilisés, explique-t-il. Une institution comme la nôtre dispose certes d’un ancrage parisien mais elle rayonne sur l’ensemble du territoire. Quand on touche à Chaillot, on touche un écosystème qui va bien au-delà du périmètre de nos murs. Et, c’est cela qu’on met en péril quand on baisse notre subvention. C’est incompréhensible, surtout dans le moment de tension sociale extrême que nous vivons. »

Ces baisses de subventions qui n’ont pas encore été notifiées officiellement aux directions des établissements culturels, représentent en cumulé 28 millions d’euros. Pour le reste, le ministère de la Culture a, comme il l’avait annoncé, abondamment puisé dans sa réserve de précaution (47 millions d’euros), une enveloppe de crédits gelée en début d’année pour faire face aux aléas survenant en cours de gestion. Il a également utilisé ce qu’on appelle des « décrets de virement », un mécanisme qui permet de redéployer des crédits entre les différents programmes du ministère. Il est ainsi allé chercher sept millions d’euros dans le programme « livre » et sept autres dans celui dit des « industries créatives ».

Ce mécano fait de baisses de subventions et de mesures techniques qui auront néanmoins un impact pour ces deux secteurs touchés, permet au ministère de la Culture « de ne pas enlever un euro au spectacle vivant en région » comme il s’y était engagé. Promesse tenue donc, du moins pour l’instant. Tant que tous les théâtres, les centres chorégraphiques, les salles de spectacles labellisées par le ministère n’auront pas touché l’intégralité de leur subvention, la prudence reste de mise. D’autant que de nouvelles coupes budgétaires sont à prévoir dans le projet de loi de finances rectificative qui s’annonce pour le mois de juin.

De même si le ministère a promis à tous les responsables des établissements culturels qui voient leur subvention baisser cette année qu’il n’en ira pas de même en 2025, beaucoup se montrent circonspects sur une promesse qui n’engage que ceux qui la donne.

Olivier Milot / Télérama

Légende photo : La Comédie-Française perd cinq millions d’euros sur une subvention de 25,5 millions. Photo Vincent Loison/1h23

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 4 avril 2024

Le festival a été avancé d’une semaine et se tiendra du 29 juin au 21 juillet, en raison des Jeux olympiques. La langue invitée est l’espagnol, et l’« artiste complice », le chorégraphe français Boris Charmatz.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/04/04/festival-d-avignon-2024-le-programme-de-la-78-edition-cherche-les-mots-d-un-monde-trouble-et-menace_6225858_3246.html

En 2024, Avignon parlera espagnol et les langages les plus pointus de la création contemporaine. Tiago Rodrigues a présenté, mercredi 3 avril dans la cité des Papes, le programme de la 78e édition du festival, et la deuxième sous sa direction. Une édition particulière : en raison des Jeux olympiques, le festival a été avancé d’une semaine par rapport à sa périodicité habituelle et se tiendra du 29 juin au 21 juillet. Mais une édition qui poursuit la ligne, tracée en 2023, d’une évolution en douceur, dans l’équilibre à tenir entre l’ouverture de nouvelles pistes et la redécouverte de chemins oubliés.

Dans un monde troublé, Avignon se devra de « Chercher ses mots », à l’instar du titre choisi par Tiago Rodrigues pour cette édition 2024 : « Nous sommes un festival qui cherche les mots pour parler d’un monde menacé par la guerre, les inégalités, les extrémismes et l’urgence climatique », écrit le directeur dans son éditorial. Après l’anglais en 2023, la langue invitée est cette année l’espagnol, et le festival se pare d’une identité visuelle aux couleurs du Sud (jaune et rose vif), évoquant des taches solaires aussi bien bénéfiques que maléfiques.

C’est d’ailleurs une des papesses hérétiques de la scène actuelle qui aura les honneurs de l’ouverture dans la Cour d’honneur du Palais des papes : l’Espagnole Angélica Liddell, avec Damon. El funeral de Bergman, une création (librement, comme toujours chez elle) inspirée par le grand cinéaste suédois. L’ouverture, forte, de ce festival sera aussi assurée par Séverine Chavrier, une des metteuses en scène les plus électrisantes d’aujourd’hui, qui présentera sa vision d’Absalon, Absalon !, de Faulkner, à La FabricA. Et par Tiago Rodrigues lui-même, avec Hécube, pas Hécube, à la Carrière de Boulbon : cette interprétation personnelle de la tragédie d’Euripide voit aussi le retour à Avignon de la troupe de la Comédie-Française, avec une de ses plus grandes actrices, Elsa Lepoivre, dans le rôle-titre.

Des découvertes venues d’Amérique du Sud

Autre retour très attendu, celui du Polonais Krzysztof Warlikowski, qui prendra la suite dans la Cour d’honneur, avec Elizabeth Costello. Sept leçons et cinq contes moraux, d’après l’œuvre de J. M. Coetzee, qui l’accompagne depuis toujours. Ainsi que celui de Caroline Guiela Nguyen, avec Lacrima, une création originale autour de la confection d’une robe de mariée. Sans oublier Gwenaël Morin et sa façon bien à lui de dynamiter les classiques – en l’occurrence, le Quichotte de Cervantès, avec Jeanne Balibar dans le rôle-titre. Ainsi que Baptiste Amann, un enfant des quartiers d’Avignon, devenu un des meilleurs auteurs d’aujourd’hui, qui se lance dans un thriller théâtral intitulé Lieux communs.

Dans ce menu riche et varié, on compte aussi des artistes qui ont déjà tracé un chemin significatif dans le paysage mais n’étaient jamais venus à Avignon : la chorégraphe La Ribot, avec Juana ficcion ; le collectif catalan pluridisciplinaire Baro d’evel, avec Qui som ? ; l’auteur-metteur en scène Mohamed El Khatib, avec La Vie secrète des vieux ; les metteuses en scène Fanny de Chaillé et Lorraine de Sagazan, avec Avignon, une école, et Léviathan ; le chorégraphe Noé Soulier, avec Close Up.

Les découvertes espérées, elles, s’inscrivent dans la programmation en espagnol du festival, telle que l’a présentée le polyglotte Tiago Rodrigues, avec aisance, dans la langue de Cervantès. La plupart de ces artistes viennent d’Amérique du Sud, et notamment d’Argentine, comme Lola Arias (Los dias afuera) et Tiziano Cruz (avec deux spectacles : Soliloquio et Wayqeycuna). Péruvienne installée en Espagne, Chela De Ferrari présente La Gaviota, une version de La Mouette, de Tchekhov, interprétée par des acteurs malvoyants. La surprise à guetter particulièrement viendra peut-être de l’Uruguayienne Tamara Cubas, avec son Sea of Silence, qui convoque le rituel et les femmes désobéissantes. Rajoutons un autre Argentin, Mariano Pensotti, dont on connaît déjà en France le théâtre fin, drôle et délicat, qui signera le traditionnel spectacle itinérant du festival, intitulé Une ombre vorace.

La Polonaise Marta Gornicka pourra enfin présenter son projet Mothers. A Song for Wartime, mené avec des femmes ukrainiennes et longtemps retardé. De quoi satisfaire tous les appétits. L’achat des places pour cette prochaine édition est ouvert sur Internet dès le samedi 6 avril. Vamos, date prisa, comme on dit en espagnol avignonnais.

Fabienne Darge  (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

par Anne Diatkine dans Libération, le 2 avril 2024

Avec une scénographie captivante, le metteur en scène se réapproprie «Une pièce pour les vivant·e·s» et sauve le spectacle du pensum didactique. 

Une lampe non à pétrole mais à huile de colza nous éclaire lorsqu’on s’installe dans la petite salle de la MC93. Son miroitement dans l’obscurité rappelle les lampes de poche que tenaient les ouvreuses – le féminin s’impose car le métier était genré – quand un spectateur en retard se glissait en catimini au cinéma. L’ouvreuse, en l’occurrence, c’est Juliette Navis, qui accourt sur le plateau. Se présente : elle est dramaturge pour la compagnie Lieux-dits et elle est désolée, David Geselson est à l’hôpital avec sa mère qui a fait une petite chute. Plutôt que d’annuler la représentation, le metteur en scène lui a intimé de prendre le relais, puisque ce spectacle, Vivant.e.s, elle le connaît sur le bout des doigts. Elle va faire ce qu’elle peut. Du reste, les perturbations sur la ligne 5 du métro parisien l’obligent à rester puisque des spectateurs vont arriver très en retard. La petite précision véridique embarque.

Bougies en cire de soja

On se laisse mener par l’actrice, seule en scène avec la violoncelliste Myrtille Hetzel. Aucun projecteur. Pas d’électricité. Des bougies sur le plateau, partout. Des paraboles qui concentrent la lumière et la distillent à la manière d’un kaléidoscope. La scénographie, conçue par David Geselson et Jérémie Papin, nous plonge dans un rituel. L’éclairage à la flamme découvrira à la fin du spectacle des listes inscrites à la craie parmi les 130 000 espèces déjà disparues depuis la sixième extinction en cours, cathédrale d’écriture. Rien que pour ses inventions scénographiques, le spectacle mérite qu’on se déplace, et avec des enfants. Le texte, didactique et direct, rend (beaucoup) plus dubitatif. Le spectateur habitué du travail de David Geselson commence par s’étonner. Comment ça ? Il n’y a pas d’humour, pas de recul, pas de décrochage, pas de second personnage balourd et mauvais écolo qui permettrait de réfléchir et de se projeter ? Pourquoi nous narre-t-on aussi frontalement le désastre de la sixième extinction ?

C’est qu’il y a une consigne : inventer le spectacle le plus écolo possible, sans électricité, ni intervention sur le texte de la jeune autrice américaine très en vogue, vivant à Brooklyn, Miranda Rose Hall. David Geselson a néanmoins pu se l’approprier en le retraduisant avec ses propres mots, comme on dit aux enfants. Assortie à une deuxième consigne : que l’actrice ne soit pas blanche. Ce sont des vélos qui alimentaient les dalles de LED lors de la création de ce texte en Europe par Katie Mitchell. David Geselson a préféré ne pas reproduire ce modèle trop coûteux selon lui en carbone. Une réflexion qui l’a conduit avec son équipe et l’atelier de la MC93 à utiliser des bougies en cire de soja et à inventer un genre de parabole, c’est-à-dire à se poser des questions esthétiques qui, pour le coup, sont passionnantes.

Anne Diatkine / Libération 

Légende photo : Dans «Une pièce pour les vivant·e·s en temps d’extinction», on se laisse mener par l’actrice, seule en scène avec la violoncelliste Myrtille Hetzel, sans projecteur ni électricité, mais des bougies sur le plateau. (Simon Gosselin)

Critique publiée par Stéphanie Janicot dans La Croix - 6 mars 2024

Alors qu’une enquête littéraire tente de prouver que l’œuvre théâtrale la plus célèbre au monde a été écrite par une aristocrate anglaise, un livre de poche réhabilite le roi Richard III… Plongée dans les mystères shakespeariens.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 30 mars 2024

Conférence écolo responsable ou spectacle mortifère ? A travers « Les vivant·e·s », via Katie Mitchell, Miranda Rose Hall et l’actrice Juliette Navis, David Geselson nous parle d’extinctions en cours : humains, chauve-souris, Léopard des neiges, etc, tout va disparaître. C’est une morne veillée subtilement éclairée par l’ingénieux Maurizio Moretti.

Au départ, il y a un texte titré Une pièce pour les vivant.e.s en temps d’extinction écrit par Miranda Rose Hall et mis en scène par Kate Mitchell. Il fallait aller à Lausanne, à pied ou en vélo, au Théâtre Vidy pour voir la chose en spectateur responsable. Le protocole du spectacle stipule qu’il ne tournera mais pourra être recréé partout dans le monde en respectant quelques règles : sobriété (attention aux émissions de carbone), non recours à l’électricité pour éclairer la scène, de plus l’interprète unique du texte ne doit pas être issue de la majorité visible du pays où il se joue. C’est là une application du projet STAGES (Sustainable Theatre Alliance for a Green Environmental Shift) dont les théâtres de Vidy, Liège ou la MC93 sont partenaires avec d’autres théâtres européens ainsi que les artistes Kate Mitchell et Jérôme Bel.

Geselson voit dans tout cela « une provocation  à la pensée ». Il ne cherche nullement à imiter les présentations passées de Lausanne et d’ailleurs, il traduit puis adapte le texte et se pose la question de l’éclairage de la scène sans avoir recours à l’électricité. Pas simple. Comme souvent, tout se noue autour de rencontres. D’une part celle de Monsieur A qui à Paris tient l’unique exemple de magasin de lampes à huile, à pétrole et à gaz. Et, d’autre part, celle de Maurizio Moretti, responsable de l’atelier construction de la MC93 qui construit des paraboles en bois pour accueillir les lampes à huile. Des objets « faits à la main, pas avec une imprimante 3D sur ordinateur » note fièrement Geselson dans ses notes de travail.

Fin novembre dernier, en plein travail sur le spectacle, l’actrice Juliette Navis envoie un mail à David Geselson : « Les vivants, de par ses contraintes de fabrication, permet d’ouvrir une réflexion sur des questions que nous ne pourrons plus éviter désormais: comment le théâtre va-t-il continuer à exister dans un contexte d’épuisement des ressources ? Comment réduire l’impact écologique de nos créations artistiques, de nos tournées ? Comment mutualiser nos moyens et nos forces ? Comment s’entraider et continuer à créer malgré tout ? » Ce questionnement ne figure pas dans le spectacle qui s’avère être plutôt une conférence théâtralisée qui égrène les disparitions en cours (animaux, flore, etc). En contrepoint un violoncelle joue du Bach. Le charme est ailleurs : dans les histoires d’amour qui se nouent entre les lampes à huile et les paraboles de maître Moretti.

Les vivant.e.s, une pièce pour les vivant.e.s en temps d’extinction , MC93, du mar au ven 19h30, sam 18h30, jusqu »au 3 avril

par Lara Clerc et AFP publié par Libération le 11 avril 2024

Le directeur du théâtre de la Colline à Paris devait mettre en scène sa nouvelle pièce au théâtre Le Monnot dans la capitale libanaise à partir du 30 avril. Mais en raison d’une campagne contre lui, que certains jugent trop pro-israélien, la direction a été contrainte d’annuler les représentations.

Une nouvelle conséquence du conflit au Proche-Orient. Le théâtre Monnot à Beyrouth a annoncé mercredi 10 avril l’annulation de la nouvelle pièce de théâtre de Wajdi Mouawad, Journée de Noces chez les Cromagnons. La création du dramaturge devait démarrer dès le 30 avril dans la capitale libanaise, pays en proie à de vives tensions en raison de la guerre entre le Hamas et Israël.

La cause de cette rétractation : une campagne menée contre l’auteur libanais et québécois, directeur du théâtre de la Colline à Paris depuis huit ans, accusé par des militants de «normalisation avec Israël». Cette campagne a entraîné des «pressions inadmissibles et de menaces sérieuses faites au théâtre Le Monnot et à certains artistes et techniciens», selon le communiqué de l’établissement. «Les acteurs ont été harcelés via leur téléphone» précise Josyane Boulos, la directrice du théâtre.

Une ONG demande l’interdiction de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad

En plus de ces pressions, l’ONG The Commission of Detainees Affairs (chargée du bien-être des prisonniers palestiniens dans les prisons israéliennes) a annoncé lundi avoir demandé au Parquet militaire «l’ouverture d’une information judiciaire contre Wajdi Mouawad […] pour délit de communication avec l’ennemi israélien, en contravention de la loi sur le boycott d’Israël». L’ONG demande aussi l’interdiction de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad. Pour cette ONG créée en 1998, les pièces du dramaturge seraient «financées par l’ennemi israélien» et feraient «la promotion de la normalisation» avec Israël.

En cause, la pièce Tous des Oiseaux en 2017 sur le conflit israélo-palestinien et l’identité, création accusée par des militants d’avoir été financée par l’ambassade d’Israël à Paris et le théâtre Cameri de Tel-Aviv – ce que Wajdi Mouawad a réfuté dans un entretien à L’Orient - Le Jour en 2017 : «l’ambassade a payé les billets d’avion des artistes israéliens qui sont sur ce plateau, comme il se fait très régulièrement dans le théâtre. Rien de plus». Autres points de tensions : la présence d’une actrice israélienne dans Tous des Oiseaux, et la collaboration du dramaturge en 2023 avec le réalisateur israélien Amos Gitai dans l’adaptation théâtrale de sa trilogie documentaire House. Autant d’éléments qui ont poussé le 6 avril le collectif «Campagne de boycott des partisans d’Israël au Liban» à demander l’interdiction de la pièce de Mouawad, mentionnant son «passif de normalisation et de promotion de l’occupation israélienne».

Ce «passif» est également alimenté par les prises de position de Mouawad sur le conflit israélo-palestinien loin de correspondre à la ligne de «boycott d’Israël» portée par le Hezbollah, qui interdit à ses ressortissants de se rendre en Israël ou d’avoir des contacts avec cet Etat. Un mois après l’attaque terroriste du Hamas en Israël, le dramaturge publiait une tribune dans Libération avertissant des risques de montée d’antisémitisme et expliquant comment il s’est émancipé d’une haine «par héritage». Le 2 avril, il expliquait au micro de France Inter que «depuis toujours, l’artiste a pris position dans les guerres», et que la solution dans ce conflit était un cessez-le-feu et une empathie pour les deux camps.

Son équipe rentre donc en France pour la suite des répétitions de sa nouvelle création. La première de Journée de Noces chez les Cromagnons aura lieu à Montpellier au Printemps des Comédiens, du 7 au 9 juin 2024.

 Lara Clerc avec AFP / LIBERATION

Légende photo : La pièce du dramaturge libano-québécois fera finalement sa première à Montpellier le 27 juin 2024. (Stéphane de Sakutin/AFP)

Par Roxana Azimi dans Le Monde - 9 avril 2024

Le dispositif, lancé en 2022, par la commune des Yvelines vise à encourager l’accès à la culture des adolescents.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/04/09/a-trappes-les-jeunes-se-font-ambassadeurs-culturels-de-la-ville_6226853_3246.html

Sur la scène du théâtre et centre d’art L’Onde, à Vélizy-Villacoublay (Yvelines), neuf danseurs s’agrippent et s’éloignent, s’apostrophent et s’esclaffent, sous l’œil bienveillant d’une femme aux longs cheveux blancs. Calé dans son fauteuil, Aziz, 13 ans, croque dans son sandwich sans perdre une miette de l’entraînant Portrait, signé du chorégraphe Mehdi Kerkouche. « L’ambiance est très bizarre », chuchote le collégien à sa voisine. « Chut ! », lui intime un spectateur. Un siège plus loin, Kande, 13 ans elle aussi, gratte son cahier. « Le spectacle paraissait bien, les gens dansaient et bougeaient. On aurait dit une secte bizarre, mais c’était bien, ils n’arrêtaient pas de balancer et de tourner », a-t-elle griffonné, surlignant certains mots avec des feutres violet, vert et bleu. « J’aurai plein de choses à écrire au retour », murmure l’adolescente à sa sœur jumelle, Assita. « Moi, ça me fait penser à carpe diem, le temps qui passe », extrapole cette dernière, poétique.

Aziz, Kande et Assita font partie de la troisième promotion des jeunes ambassadeurs culturels (JAC) de Trappes (Yvelines). Pendant une saison, une trentaine de jeunes Trappistes assistent à des spectacles en Ile-de-France avant d’en sélectionner plusieurs, qui seront programmés l’année suivante à la halle culturelle La Merise.

Dans cette commune populaire de 32 000 habitants, qui a vu émerger une génération de stars, comme l’humoriste Jamel Debbouze, le rappeur La Fouine et le comédien Omar Sy, mais dont sont aussi originaires une soixantaine de djihadistes qui, de 2014 à 2016, ont rejoint les rangs de l’organisation Etat islamique, la mairie fait mieux que transformer ses plus jeunes administrés en consommateurs de la culture. « On veut sensibiliser les jeunes à des univers artistiques et à des lieux auxquels ils pensent ne pas avoir accès, mais aussi les aider à développer leur propre argumentaire, se mettre dans la peau d’un programmateur culturel et décider ce qui, à leurs yeux, serait bon à voir pour leur communauté », résume Yohann Nivollet, directeur de la culture à Trappes. Et aussi piquer suffisamment leur curiosité pour leur donner envie d’aller plus loin, par eux-mêmes.

Partenariat avec la Comédie-Française

« La culture, ce n’est pas un luxe, c’est un droit, martèle le maire, Ali Rabeh, qui dégage chaque année 35 000 euros pour financer l’opération. Mon obsession, c’est que les gamins aient accès à ce que je n’ai pas eu à leur âge. » Grandi en politique dans le giron de Benoît Hamon, qu’il a suivi à Génération.s après son départ du Parti socialiste, lui-même n’a découvert le théâtre qu’à l’âge de 27 ans – « et encore, c’était pour accompagner mon enfant ». Aussi l’édile a-t-il sauté sur l’occasion de nouer, en 2023, un partenariat avec la Comédie-Française, permettant à 2 500 jeunes Trappistes de découvrir gratuitement des dizaines de pièces pendant trois ans.

C’est Alain Degois, surnommé « Papy », qui lui a soufflé l’idée de ce jumelage, comme il a encouragé le lancement, en 2022, des JAC. « Je suis le plus vieux des jeunes ambassadeurs de la culture », blague cette figure locale, connue pour avoir révélé Jamel Debbouze au Déclic Théâtre, la compagnie d’improvisation qu’il a fondée en 1993. « Missionnaire de la culture laïque », selon ses mots, l’inlassable militant croit dur comme fer dans la méthode : « C’est une façon de dire aux jeunes : l’espace culturel est aussi à vous. On croit en vous, en votre intelligence et en votre perception du monde. »

Les deux premières années, les équipes municipales embarquaient les adolescents, à l’instar d’une colonie de vacances, au Fest’arts, le festival international des arts de la rue de Libourne (Gironde), et au festival Au bonheur des mômes du Grand-Bornand (Haute-Savoie). Le dispositif, toutefois, ne touchait que les jeunes déjà passionnés de culture. Car les freins, symboliques et géographiques, restent puissants. Apprendre à vaincre le poids des représentations et des codes n’a rien d’aisé. S’aventurer hors de son quartier, prendre le RER pour Versailles ou Paris ne va pas de soi.

Pour ferrer les moins captifs, accros au ballon ou aux consoles de jeux, les animateurs jeunesse de la ville ont été appelés cette année en renfort afin de bâtir six parcours autour du spectacle vivant, de la danse, du cinéma, des musiques actuelles, de la littérature et de la comédie. Rompue à la psychologie adolescente, Sandra Fekir déroule ses arguments : « Je leur dis : “Tu fais quoi vendredi soir ? Rien ? Tu ne veux pas faire autre chose que rester seul chez toi sur ta PlayStation ?” »

Pouvoir transformateur

Pauline Crépy, responsable adjointe de La Merise, le sait. Pour attirer les réticents, il faut « associer la culture au plaisir ». Une sortie dans un théâtre parisien s’accompagne parfois d’un dîner dans un café. Quant au programme, il obéit à un savant dosage de spectacles populaires et exigeants. Car tout l’enjeu, « c’est de ne pas les perdre en cours de route », ajoute-t-elle. Pour harponner les JAC 2024, elle a trouvé un « argument massue » : Le Roi Lion, au Théâtre Mogador, à Paris.

La comédie musicale estampillée Disney a captivé Aziz, regard espiègle, la tchatche qui va avec. « Je me sentais riche, les gens autour de nous étaient en costard-cravate, ils avaient tous payé le prix fort, alors que, pour nous, c’était gratuit, savoure-t-il. Tout est intelligent, bien pensé, les décors sont sublimes. C’est un peu long, mais t’es sûr que tu ne vas pas t’endormir. A côté, tout le reste est fade. » Enfin, presque tout, rectifie le volubile garçon, également bluffé par 3D, un spectacle de cirque à l’Espace Alphonse-Daudet, à Coignières (Yvelines), qui a fait l’unanimité dans le groupe. Du haut de ses 17 ans, Linda a préféré Cendrillon, un opéra de Jules Massenet joué à l’Opéra Bastille, à Paris. « C’était vraiment un autre monde, tout était grand, tout était beau », se souvient-elle, les yeux brillants. Aziz acquiesce : « Les décors étaient magnifiques, surtout le cœur qui brillait. Mais je n’ai pas aimé le chant, qui partait trop dans les aigus, et j’avais mal aux yeux à force de lire les sous-titres. »

Quoique conscient de ne pas atteindre la frange la plus radicalisée des Trappistes, M. Rabeh veut croire dans le pouvoir transformateur de la culture. « Pour certains, c’est juste un intermède, mais, pour d’autres, ça va changer leur vie. » Yasmine Khiari, 21 ans, première génération des JAC, inscrite en 2022, le confirme : il y a un avant et un après. « Avant, je n’allais pas de moi-même au théâtre. Ce n’est pas que j’en avais pas envie, je n’y pensais tout simplement pas, confie l’étudiante en promotion immobilière, vacataire à La Merise en parallèle de ses études. Maintenant, prendre une place à la Comédie-Française, ça me semble banal » − la salle parisienne propose des places à 10 euros pour les moins de 28 ans. Conquise, elle a inscrit cette année sa sœur de 18 ans au parcours littérature des JAC. « Elle est déjà mordue ! »

Roxana Azimi

Légende photo : Présentation du dispositif Jeunes ambassadeurs culturels aux candidats de la saison 2024 au Conservatoire de Trappes (Yvelines), le 12 janvier 2024. VILLE DE TRAPPES

Par Guillaume Lasserre dans son blog - 8 avril 2024

« Nom » ou le droit de vivre libre
Seule en scène sur un plateau entièrement nu, Victoria Quesnel se lance dans une poursuite effrénée de liberté, une quête absolue de soi, époustouflante d’intensité et de rage. Adapté du troisième roman de Constance Debré, « Nom » est un combat, celui d’une femme contre les faux-semblants d’une société qui se ment à elle-même. À quel point peut-on vivre libre ?

« J’ai un programme politique.

Je suis pour la suppression de l’héritage, de l’obligation alimentaire entre ascendants et descendants, je suis pour la suppression de l’autorité parentale, je suis pour l’abolition du mariage, je suis pour que les enfants soient éloignés de leurs parents au plus jeune âge, je suis pour l’abolition de la filiation, je suis pour l’abolition du nom de famille, je suis contre la tutelle, la minorité, je suis contre le patrimoine, je suis contre le domicile, la nationalité, je suis pour la suppression de l’état civil, je suis pour la suppression de la famille, je suis pour la suppression de l’enfance aussi si on peut. »

D’abord, il y a les mots, ceux qui sont projetés sur le mur en fond de scène et qui, tel un prologue, mettent en garde, préviennent, quant à ce patronyme encombrant : cela aurait pu être n’importe quel nom, n’importe quelle famille, l’histoire aurait été la même. C’est l’histoire d’une mue, une transition vers la liberté, l’amour, l’absolu. L’histoire d’une urgence, celle éprouvée par Constance Debré, dont l’œuvre littéraire fait l’objet d’une première adaptation au théâtre à travers la proposition du jeune metteur en scène Hugues Jourdain qui s’empare de « Nom », troisième roman autobiographique, l’aboutissement d’une quête de liberté, une quête de soi, entamée avec « Playboy » en 2018 et « Love me tender » en 2020.

« Le Christ a une gueule d’assassin et il porte des Nike Requin, je l’ai croisé souvent, je l’ai croisé dans les taules et les tribunaux, devant les juges… » C’est par ces mots que commence la pièce. Avant de devenir autrice, Constance Debré était avocate. Issue d’une famille de la grande bourgeoisie française, petite-fille de Michel Debré, premier ministre de Charles de Gaulle, nièce du ministre Jean-Louis Debré et du médecin Bernard Debré, elle va se défaire de son milieu, tout quitter. Dans quelques instants, Victoria Quesnel incarnera, seule sur scène, le personnage du roman avec une incroyable puissance, une force bien nécessaire pour porter le récit qui vient, celui d’un dépouillement extrême, un renoncement pour une renaissance. S’émanciper vraiment. S’émanciper de tout : condition sociale, travail, mode de vie, famille… « Mes affaires tiennent dans deux sacs. Je jette quand ça déborde[1] » dit-elle. « Règle morale. Règle esthétique ». Dans l’œuvre littéraire qu’elle élabore depuis 2015, Constance Debré épure, fait le vide, liquide sa vie d’avant. Seule désormais, elle essaie de trouver un moyen de vivre comme elle l’entend, loin des simulacres de la société. Du mieux qu’elle peut, être vraie. Accorder ses actions avec ses convictions nécessite de se battre contre les impensés. Elle accompagne ici son père dans la mort en dehors des voies convenues, sans tabou ni langue de bois, contrairement à sa sœur qui, comme dans un jeu de miroir inversé, en prendra le contrepoint en faisant tout ce qu’on attend d’elle.

Une soif éperdue de liberté

Si le texte se veut libérateur, il dit des choses qui questionnent, qui peuvent agresser parfois. Les écrits de Constance Debré autorisent à penser par soi-même, en tout cas ils démontrent cette possibilité et c’est vertigineux.  Elle dit tout, assène tout, convaincue de détenir la vérité. Le spectacle tente de montrer cela, la vérité de quelqu’un qui essaie de trouver la vérité, une mise à nu bouleversante dans la force mais aussi la vulnérabilité qu’elle offre au monde. La mise en scène s’efface devant le texte si puissant. Être au plus près de soi, se laisser traverser, nécessite de se délester des contraintes matérielles. Sur le plateau laissé vide, seuls une chaise et une paire de Nike requins serviront d’accessoires, Victoria Quesnel – vu chez Julien Gosselin et très récemment dans la création française de « Finlandia » de Pascal Rambert – déploie la pensée et les mots de Constance Debré. Crus, violents, implacables, ils sont prononcés sans le moindre regret par un « corps vivant, seul sur scène, qui dit « Je » et se propose en héros » explique Hugues Jourdain dans sa note d’intention. Ils vont jusqu’à chercher à tuer les symboles : « Ma chance ce n’est pas ma famille de ministres. Ma vraie chance, celle vraiment que tout le monde devrait m’envier, c’est les parents camés ».  

La pièce est née de la rencontre entre Victoria Quesnel et Hugues Jourdain, de l’envie de travailler ensemble et d’une profonde admiration pour le travail de Constance Debré, en particulier pour ce troisième roman. Elle est toutefois augmentée de scènes provenant de ses romans précédents : lorsqu’elle explique son besoin vital de natation, seule activité régulière qui lui permet aussi de prendre conscience du temps : « Alors je nage tous les jours, je ne réfléchis même plus. Je le fais et puis c'est tout. C'est ma discipline, ma méthode, ma folie pour échapper à la folie  [2] ». Si le titre fait bien sûr référence au patronyme de Constance Debré, il s’entend aussi, dans le jeu de l’homonymie, comme le refus, la négation de ce patronyme. « …c’est rien le nom, c’est comme la famille, c’est comme l’enfance, je n’y crois pas, je n’en veux pas… » dit-elle. Peut-on vivre et aimer plus librement ? Quel en est le prix à payer ? À quel point peut-on vivre libre ? La pièce et le texte font naitre chez le spectateur quelque chose d’essentiel, la conscience amère de l’absurdité du monde. « Je trahis pour prouver que la base du monde est un mensonge » dit-elle, « qu’il faut tout réinventer, mais qu’avant il faut tout détruire, que si on veut pouvoir se regarder dans la glace une fois avant de mourir, il faut tout passer par l’acide, l’essence et le feu, avoir fait ça ». On ne sort pas indemne de la pièce, pourtant, on ne s’est jamais senti aussi vivant.

Guillaume Lasserre

[1] Constance Debré, Nom, Paris, Flammarion, 2022, 176 pp.

[2] Constance Debré, Love Me Tender, Paris, Flammarion, 2020, 192 pp.

NOM - Adapté du roman de : Constance Debré. Mise en scène : Hugues Jourdain. Avec : Victoria Quesnel. Création lumière : Coralie Pacreau. Création sonore : Hippolyte Leblanc. Création musicale : Samuel Hecker. Régie générale à la création : Roméo Rebière. Administratrice de production : Virginie Hammel / Le Petit Bureau. Texte publié aux éditions Flammarion. Production Cie Je t’embrasse bien. Coproduction Maison du Théâtre d’Amiens MétropoleAvec l'aide à la diffusion de la Ville de Paris. Avec le soutien du Channel – Scène nationale, Malakoff – Scène nationale, Théâtre Ouvert - CNDC. Compagnie en résidence à la Maison du Théâtre d’Amiens Métropole. Spectacle créé le 16 janvier 2024 à la Maison du Théâtre à Amiens, vu le 5 avril 2024 au Théâtre du Rond-Point, Paris.

Théâtre du Rond-Point Paris, du 19 mars au 6 avril 2024.

Par Philippe Chevilley dans Les Echos - 8 avril 2024

Dans « Trois fois Ulysse », Claudine Galea explore les zones d'ombre du héros grec et rend hommage aux femmes puissantes qui l'ont façonné. Son texte, répétitif et ampoulé, peine à convaincre. Transformé en oratorio tragique par la metteuse en scène Laëtitia Guédon, le spectacle est sauvé partiellement par le jeu des comédiens-français et le beau chant du choeur Unikanti.

Philippe Chevilley / LES ECHOS

Par Lara Clerc dans Libération - 8 avril 2024

L’association des professionnels de l’administration du spectacle estime que les représentations diminueront de plus de moitié l’année prochaine, en comparaison avec la saison actuelle. Une prévision qui s’ajoute à la liste d’effets négatifs des coupes budgétaires opérées dans le spectacle vivant.

Une enquête confirme les conséquences désastreuses des coupes budgétaires dans le milieu culturel – en substance, une baisse de crédits de 204,3 millions d’euros pour le ministère de la Culture. L’Association des Professionnels de l’Administration du Spectacle (LAPAS) a publié le mercredi 27 mars les résultats d’une «enquête flash» effectuée parmi ses adhérents, selon laquelle la saison 2024/25 compterait 54 % de représentations de moins que la précédente.

Une prévision qui confirme ce qu’Arnaud Antolinos, directeur adjoint du théâtre de la Colline, nous expliquait la semaine dernière : quand le budget diminue, les artistes sont les premiers à en pâtir. Ce que Wajdi Mouawad, directeur du théâtre de la Colline, expliquait déjà sur France Inter le mercredi 3 avril, «ces coupes signifient moitié moins de spectacles, moitié moins de créations, […] et que ce sont les jeunes générations d’artistes qui vont écoper». 

Dans les faits, Arnaud Antolinos a déploré refuser de plus en plus de sollicitations de compagnies, alors que son théâtre accuse une amputation de 500 000 euros dans son budget 2024.

En plus de la question des représentations, l’APAS rapporte également un mal-être chez les artistes, parmi lesquels 22 % réfléchissent à arrêter leur carrière ou dissoudre leur compagnie, le manque grandissant de perspectives ou de viabilité de leur activité étant à mettre en rapport avec fla grande instabilité du secteur : «27 % des bureaux de production et 40 % des compagnies ne pensent pas pouvoir maintenir les emplois du personnel administratif tels qu’ils sont aujourd’hui», rapporte l’association.

Pour remédier à ces changements, 25 % des artistes interrogés comptent travailler plus pour le même salaire et 5 % travailler autant pour un moindre salaire. Si le ministère de la Culture estime ses coupes «soutenables», sans «conséquences opérationnelles» sur les projets en cours, LAPAS les qualifie d’une toute autre manière, évoquant «une casse sociale et une casse artistique».

par LIBERATION publié le 6 avril 2024

Alexis Gruss, grand écuyer et figure du milieu du cirque, est mort ce samedi 6 avril à l’hôpital Saint-Joseph de Paris, révèle le Figaro. L’homme de 79 ans, patriarche de la famille Gruss, a succombé après «un accident cardiaque».

«C’est avec une immense douleur et tristesse que la famille Gruss annonce le décès aujourd’hui, samedi 6 avril 2024, à 9h40, de Monsieur Alexis Jacques André Gruss, suite à un accident cardiaque, à l’âge de 79 ans», lui rendent hommage ses proches dans un communiqué. Jusqu’à récemment encore, le saltimbanque, aussi bien trapéziste, que voltigeur, clown ou saxophoniste, se produisait sous le chapiteau familial, niché dans le bois de Boulogne.

«Alexis Gruss était bien plus qu’un homme de talent ; il était un pilier, un maître des arts équestres, du spectacle, dont l’empreinte restera à jamais gravée dans nos cœurs, saluent son épouse, son frère, ses enfants, petits-enfants et arrière-petits-enfants. Il a consacré sa vie à faire perdurer les arts équestres de la piste par ses enseignements   et sa transmission, inspirant des générations entières. Les fondements de sa vie ont été jusqu’à la fin, sa famille, les chevaux, la piste.»

La compagnie Alexis Gruss est issue «d’un couple formé en 1868 par le mariage entre Charles Gruss, initialement tailleur de pierres, et Maria Martinetti, membre d’une famille d’écuyers et acrobates menant son propre chapiteau depuis les années 1850», peut-on lire sur le site de la compagnie. La spécificité équestre de la famille s’est affinée au fil du temps et, à la quatrième génération, Alexis Gruss a donné un nouvel éclat en créant le Cirque à l’Ancienne en 1974. Cette structure, lancée avec la comédienne Silvia Monfort, est considérée comme majeure dans la rénovation des arts du cirque.

Une passion venue de son père

Le Cirque à l’Ancienne «crée une profonde rupture de style avec le cirque dit traditionnel des années 1970, notamment par la prédominance des exercices équestres», peut-on lire sur le site de la Bibliothèque nationale de France (BnF). «En plaçant le cheval au cœur même du projet, les Gruss (...) préfigurent le Théâtre équestre Zingaro et le Théâtre du Centaure, respectivement créés en 1986 et 1989», développe l’institution. La compagnie avait célébré récemment 50 ans de créations à Paris, sous l’appellation «Les Folies Gruss», avec un show pensé comme une comédie musicale, réunissant 50 chevaux et 25 artistes.

Alexis Gruss était né le 23 avril 1944, à Bart (Doubs). Son père, André, était l’auguste «Dédé», clown à la chemise blanche et au chapeau melon. C’est lui qui lui a transmis l’art du spectacle équestre, la musique et la voltige à cheval.

Directeur de cirque dès l’âge de 27 ans, Alexis Gruss a su faire du cirque familial une enseigne reconnue pour sa spécificité équestre. Au cours de sa vie, l’écuyer a reçu de nombreuses distinctions, comme celle de chevalier des arts et des lettres ou chevalier de la Légion d’honneur. Il était aussi titulaire de l’ordre du mérite agricole. Une cérémonie religieuse est prévue jeudi 11 avril à 9 h 30, à l’église Saint-Roch à Paris.

Libération

Légende photo : Alexis Gruss, patriarche du cirque équestre, est mort  | L'hommage de Libération @scoopit http://sco.lt/...

Par Louis Juzot dans Hottello - 5 avril 2024

« Partie », texte, mise en scène et scénographie, Tamara Al Saadi, création sonore Eléonore Mallo, création lumière, conception technique et scénographie Jennifer Montesantos, costumes Pétronille Salomé, regard chorégraphique Sonia AL Khadir avec Justine Bachelet, Eléonore Mallo, Tamara AL Saadi, Jennifer Montesantos.

« Quelle connerie la guerre », disait Prévert, même si cela ne s’adresse pas à Barbara, les mots de la chanson pourraient l’être à Louis, jeune parisien incorporé dans un régiment d’infanterie qui va monter au front du côté de la Somme pendant la Grande Guerre. L’esprit de Prévert habite le spectacle de Tamara Al Saadi :  la tendresse envers les humbles, le goût  charnel de la liberté et de la vie, la haine des puissants et des nationalismes qui broient sans pitié des générations de jeunes  gens…

Louis est vendeur de mouron – plante qu’on donnait aux oiseaux pour les nourrir – et aime écouter chanter ces derniers; sa mère est une marchande de légumes et couve ce fils rêveur et doux. Louis va être emporté dans la guerre, sans vraiment comprendre ce qui lui arrive. 

Son parcours va être  minutieusement circonstancié, de son incorporation jusqu’à son état «  d’obusité », on dirait aujourd’hui syndrome ou stress post-traumatique, après les chocs à répétition subis dans les tranchées et les attaques meurtrières. Les lettres que Louis envoie à sa mère entretiennent le lien avec la vie d’avant, autant qu’elles décrivent les conditions de survie du jeune poilu et de ses camarades, comme son copain Edouard, grande armoire taciturne qui ne sera pas épargnée par les combats.

Justine  Bachelet  incarne Louis, jeune femme jouant le jeune homme,  elle fait  d’autant plus  ressortir sa fragilité et sa délicatesse dans un monde brutal, violent de bêtises et d’horreurs. Elle est seule comédienne, mais pas seule en scène.

L’originalité du dispositif scénique repose sur tout un univers visuel et sonore, incluant le public, qui littéralement porte la jeu de la comédienne en recréant directement et  continuellement l’environnement des situations et des sensations vécues par Louis.

La bruiteuse, Eléonore Mallo, évolue à vue côté jardin, jouant de l’amplification sonore  d’objets manipulés comme d’ambiances enregistrées. De l’épluchage guilleret des légumes  au début de l’histoire, jusqu’aux roulements lugubres des bombardements.

Jennifer Montesantos, éclairagiste et régisseuse, soutient la comédienne, déroulant un tableau qui titre les chapitres de l’histoire de Louis, apportant les matières, comme la terre  ou le sang sur lequel s’appuie le jeu, maniant les projecteurs, incarnant au besoin un Edouard prostré par un choc tellurique.

Tamara Al Saadi  gère en lien avec la salle un ensemble de fiches de lecture dont chaque spectateur est muni. Elle dirige à l’aide d’un tableau les modulations des lectures à voix haute effectuées par le chœur des spectateurs.

Ce dispositif qui joue de multiples registres et techniques est à la fois simple, il utilise surtout des éléments manuels et complexe, car  les interventions autour du cheminement de Louis sont réglées au cordeau.

Le travail est finement ourlé, une ambiance prégnante, et la triste histoire du soldat Louis se déroule telle une tragédie, pleine de bruits et d’innocence martyrisée, à laquelle on prend part sans réserve.

Louis Juzot  

Jusqu’au 6 Avril, vendredi 19h, samedi 18h au Théâtre Silvia Monfort, 106 rue Brancion, 75015 Paris. Tel : 01 56 08 33 88  theatresilviamonfort.eu

Par Gilles Renault dans Libération publié le 4 avril 2024

Metteur en scène sans complexe, jusqu’à être victime de sa fougue, Hugues Duchêne adapte le roman de Bertrand Guillot autour d’un épisode marquant de l’histoire de France.

Quel est le rapport entre la nuit du 4 août 1789 et la méthode masculine de contraception consistant à porter un slip chauffant ? De prime abord, on ne voit pas bien. Sinon, du point de vue de la translation, telle qu’opérée par Hugues Duchêne, qui, aux deux tiers de l’Abolition des privilèges, spectacle historique qu’il met en scène, jaillit inopinément du public pour rejoindre sur le plateau le comédien, Maxime Pambet, le temps d’une mise en abyme contemporaine, mêlant indications dramaturgiques et échanges plus personnels, voire intimes. Dont le mode d’emploi de ce slip, hélas détaillé avec une crudité si scabreuse qu’elle grève la démonstration. Dommage, car, optimisant l‘effet de surprise, l’incise iconoclaste avait pourtant du cran.

Mais plus de deux siècles séparent bien ce moment clé de l’histoire de France, durant lequel, divisée entre noblesse, clergé et tiers état, l’Assemblée nationale va débattre à Versailles pour voter l’universalité de l’impôt, des préoccupations socio-économiques actuelles brassant traque des paradis fiscaux, lutte pour le climat, marasme des banlieues, etc. Avec un trait d’union pérenne : la grogne du peuple – «les paysans n’en peuvent plus d’être écrasés».

Sprint théâtral

Longtemps militant actif au PS, Hugues Duchêne n’a pas tant tourné le dos à la politique, qu’il a commuée en suc sagace d’une exploration théâtrale documentée, mâtinée d’ironie. Insolente odyssée bluffante de culot, sa précédente création, Je m’en vais mais l’Etat demeure, nous avait ainsi scotché, qui cadrait sous tous les angles les premières années du règne d’Emmanuel Macron. «Tu devrais faire un prochain spectacle plus léger, avec deux acteurs maximum, d’une heure tout au plus. Parce que tu comprends, un spectacle de cinq heures sur la politique française, écrit par un metteur en scène émergent, c’est pas ce qu’il y a de plus simple pour remplir.» Appliquant à la lettre ce conseil amical, donné par le directeur de la Scène nationale de Châteauroux, le trentenaire (à la tête d’une compagnie qui, jusque dans son nom, le Royal velours, révèle un intérêt pour les rapports de classes) a donc épluché le roman paru en 2022 de Bertrand Guillot, l’Abolition des privilèges, qui détaille la fameuse nuit du 4 août 1789 ; ainsi qu’il résume, d’une part, les quinze années précédentes, d’autre part, les mois ayant suivi le vote du décret. Ces deux dernières parties formant la portion congrue d’un sprint théâtral, où, au centre d’un dispositif quadri frontal proche du ring, Maxime Pambet ne ménage pas sa peine – au risque d’en faire trop – pour reconstituer la joute oratoire entre les Adrien Duquesnoy, Louis Marie Antoine de Noailles ou Isaac Le Chapelier, entre autres députés tissant un digest didactique, sinon édifiant, ingénument pensé pour être «joué le plus longtemps possible». Y compris en milieu scolaire (version compactée en cinquante minutes), où adresses au public et images filmées maintiendront l’auditoire en éveil.

Gilles Renault / LIBERATION 

Légende photo : Sur scène, le comédien Maxime Pambet.  (Blokaus808)

par Anne Diatkine dans Libération - publié le 3 avril 2024

En plus des metteurs en scène emblématiques de la mémoire avignonnaise, la 78e édition du Festival, dont le riche programme a été dévoilé ce mercredi 3 avril, mettra en avant de nombreux artistes qui n’ont jamais montré leur travail en Europe.

Un peu moins de spectacles mais sur des durées d’exploitation plus longues, autant de nouveaux venus totalement inconnus que d’artistes réinvités, une programmation paritaire sans que ce soit le fruit d’un effort, et constituée à 80% de créations, c’est-à-dire de spectacles sur lesquels le Festival d’Avignon s’est engagé sans avoir pu les voir, puisqu’ils n’existent pas encore. Voici quelques grandes lignes du riche programme de cette 78e édition, constitué de 35 spectacles et de 2 expositions, que le directeur, Tiago Rodrigues, vient de dévoiler ce mercredi 3 avril avec l’élan, l’enthousiasme, et la vélocité qu’on lui connaît.

En juillet, on retrouvera effectivement des artistes attendus et choyés parce qu’ils font partie de la mémoire avignonnaise, et ont provoqué parfois des scissions et débats enflammées – entre autres Krzysztof Warlikowski, ou l’iconoclaste Angélica Liddell qui ouvre la cour d’honneur avec Dämon, une création sur… Ingmar Bergman, cinéaste déifié s’il en est. Mais aussi, et c’est merveilleux, une foule d’artistes qui n’ont jamais eu l’occasion de montrer leur travail en Europe. Cet afflux est sans doute l’un des intérêts du choix d’une langue comme fil conducteur – cette année, l’espagnol – belle idée pour découvrir non un unique pays reclus dans des frontières, mais au contraire leurs traversées à travers nombre d’artistes sud-américains, en particulier argentins, chiliens, uruguayens ou encore espagnols. Concocté avec Magda Bizarro et Géraldine Chaillou, cette édition est aussi le fruit d’un dialogue avec un artiste «complice» : cette année, le danseur et chorégraphe Boris Charmatz, et la team Libé, fan de la première heure, ne cache pas sa joie.

Rituel ancestral

On connaissait depuis longtemps quelques pépites de cette programmation, mais elles étaient éparses : Jeanne Balibar qu’on se réjouit de retrouver dans Quichotte de Gwenaël Morin avec le grand retour de Marie-Noëlle Genod (qui avait annoncé ses adieux) et Thierry Dupont de la compagnie l’Oiseau-Mouche en Sancho Panza, Séverine Chavrier qui adapte Absalon, Absalon ! de Faulkner, ou encore Lacrima, sur le savoir-faire des couturières et des secrets qui entourent la confection d’une robe de mariée par Caroline Guiela Nguyen. Voici à présent qu’un dessin apparaît à la manière des clichés Polaroid qui mettent un certain temps à devenir net : ce dessin est celui de la mémoire, et comment vacillante, elle se transmet, se transforme, et fait l’objet, dans les arts vivants, d’une réappropriation continuelle et non d’une copie. Ainsi dans Cercles, Boris Charmatz transmettra à un groupe de 200 personnes une collection de danse en cercle. Ou encore avec Avignon, une école, Fanny de Chaillé invitera 15 jeunes comédiennes et comédiens à raconter des bribes de leur histoire à travers celles du Festival d’Avignon. Entre mille projets, dont une incursion dans la sexualité des personnes âgées par Mohamed El Khatib (pour la première fois à Avignon) qui elle aussi parle de la mémoire du corps, on peut citer Forever, cette déambulation toujours par Charmatz dans le Café Müller, la pièce la plus connue de Pina Bausch.

On a tendance à se jeter sur les noms qu’on connait, c’est un tort ! Car les fils de la mémoire tissent aussi entre elles les œuvres d’artistes encore méconnus tels Reminiscencia du Chilien Malicho Vaca Valenzuela qui cartographie son histoire familiale et celle des internautes de son quartier, ou encore The Disappearing Act de Yinka Esi Graves qui recherche ses racines africaines dans le flamenco hispanique. Encore un exemple ? Wayqeycuna de l’Argentin Tiziano Cruz qui en se plongeant dans un rituel ancestral remet en cause (et peut-être détruit) le triomphe du néolibéralisme. Parmi les nouvelles initiatives adossées au désir de transmettre citons aussi la constitution d’une académie, confiée à Mathilde Monnier, qui, avec l’aide de la fondation Hermès, promet plein de workshop avec pléthore d’artistes. De quoi s’agit-il ? On n’a pas compris, on verra bien… Quant au café des idées, toujours matinal, il sera renforcé et effervescent avec la venue de personnalités et oratrices hors pair, telles Christiane Taubira qui nous parlera de justice éthique, ou de Delphine Horvilleur…

Motif d’étonnement

Tiago Rodrigues avait promis qu’il ne phagocyterait pas le Festival d’Avignon avec ses propres créations. Il tient parole. On ne verra de lui qu’un seul spectacle – et il serait décevant qu’il se l’interdise ; Hécube, pas Hécube, une écriture libre avec la Comédie-Française, à la carrière de Boulbon, lieu magique réouvert l’année dernière pour sa première édition en tant que directeur.

A propos de lieux, la direction d’Avignon n’a pas eu le choix : une étude géologique commandée par l’étude du Festival a mis en évidence une faille mettant en danger la vie des artistes, du public et des techniciens aux Carmes et à la chapelle des Pénitents blancs. Ces deux lieux patrimoniaux emblématiques du Festival seront donc fermés cette année. Mais le gazon du stade de l’île de la Barthelasse, lui, accueillera bien Boris Charmatz et son cercle. Et sinon ? Et sinon, on ne comprend pas encore très bien comment la majestueuse cour d’honneur sera employée avec trois spectacles prévus dont une seule création, celle d’Angélica Liddell, et très peu de jours d’exploitation à chaque fois ! Dans un tout autre genre, autre motif d’étonnement, à part Mothers de Marta Górnicka à la cour d’honneur, on constate l’absence quasi totale de l’Ukraine, de la Palestine, et d’Israël. Une béance qui ne manque pas de questionner. Attendons le off.

Par Fabienne Arvers dans Les Inrocks - 28 mars 2024

Le “Bérénice” de Romeo Castellucci partage avec son héroïne un désamour avilissant, reflet d’une époque où la grâce est devenue, semble-t-il, anachronique.

Disons-le d’emblée : Bérénice mise en scène par Romeo Castellucci et interprétée par Isabelle Huppert est sublime. Forcément sublime, aurait ajouté Marguerite Duras. Romeo Castellucci, qui n’a cessé de nous éblouir depuis la découverte de Genesi : from the Museum of Sleep en 2000, propose une plongée fascinante aux tréfonds de la détresse du personnage racinien – à la façon du fameux soliloque de Molly Bloom de James Joyce.

Un grand plongeon dans les affres écœurantes et étourdissantes de douleur d’un amour sacrifié, démoli, renié. Une performance qui s’empare de la tragédie racinienne avec une liberté folle et une confiance absolue dans la capacité du théâtre à métamorphoser la condition humaine, à la fois comme objet de contemplation et comme sujet d’expérience, d’autant plus puissant qu’il est vulnérable.

Des relents réactionnaires

Mais voilà… ces derniers jours, après une série de critiques pour le moins mitigées dans la presse quotidienne, on entend surtout parler de Bérénice pour l’accueil (sic) déplorable que lui réserve une partie du public. Celle que l’on connaît bien quand on va à l’opéra par exemple, où il est de bon ton de huer à tout-va les mises en scène qui ne vont pas dans le sens du poil. Krzyzstof Warlikowski en a souvent fait les frais à l’opéra Bastille en proposant des œuvres inoubliables et ça ne l’a d’ailleurs pas empêché d’offrir, depuis des années, quelques joyaux, d’Iphigénie en Tauride à Parsifal.

De même que Romeo Castellucci a subi les foudres de Civitas en 2011, avec Sur le concept du visage du fils de Dieu, les intégristes religieux manifestant devant le théâtre de la Ville pour en empêcher les représentations. Si, depuis août 2023, la dissolution de l’organisation Civitas a été lancée par Gérard Darmanin, la bêtise et la méchanceté gratuite ne se dissolvent pas sur décret gouvernemental, hélas…

S’épargner l’obscurantisme

Suite à la tribune parue dans Libération de Mathieu Bermann et Anthony Berthon, atterrés et attristés par la violence verbale d’un spectateur apostrophant Isabelle Huppert en pleine représentation, l’affaire a pris un nouveau tour médiatique. Notamment sur France Inter, où de la chronique de Lucile Commeaux, revendiquant “le théâtre comme lieu de chahut“ au billet, grossièrement potache, de Daniel Morin, en passant par l’article de Didier Péron dans Libération, il s’avère finalement de bon ton d’en revenir à cette bonne vieille tradition d’un public clamant haut et fort son désaccord. Surtout, écrit Didier Péron : “À l’heure des polémiques flashs sur les réseaux sociaux, où tout le monde s’insulte à longueur de journée, on constate une tendance plutôt inverse dans l’espace des théâtres et cinémas à une grande docilité ou civilité du public, inversement proportionnelle à la foire d’empoigne numérique.“

Eh bien non. NON ET NON. Je pense souvent à ce titre magnifique de la pièce de Jean-Luc Lagarce, Les Règles élémentaires du savoir-vivre. Lesquelles nous font tant défaut aujourd’hui, au point que pour certain·es, il est tout à fait approprié de s’approprier les créations d’une star ou d’une diva, d’en faire un objet de consommation qu’on jette quand il ne nous plaît plus, ou qu’on insulte et qu’on lapide symboliquement, car c’est bien à ça que revient le fait de huer, verbe antonyme d’applaudir ou ovationner.

Il y a effectivement, comme le dit (pour mieux le justifier) Didier Péron, suffisamment de violence dans le monde et les colonnes de nos journaux, pour préserver un espace où la transgression et l’aventure artistique ont droit de cité. Et libre à ceux qui n’aiment pas de partir. En silence. Hier, 27 mars, veille de la dernière de Bérénice à Paris avant une longue tournée européenne, pas une seule huée n’a perturbé le spectacle. Mieux encore, comme il est de coutume de le faire en Russie au théâtre, une spectatrice est venue offrir un bouquet de fleurs lors des saluts à Isabelle Huppert. L’art est précieux, ne le matraquons pas.

Fabienne Arvers / Les Inrocks

Par Mireille Davidovici dans Théâtre du blog - 30 mars 2024

Je suis la Bête d’Anne Sibran, mise en scène de Julie Delille

Julie Delille a fondé sa compagnie, le Théâtre des trois Parques en 2015. Artiste associée à Equinoxe-Scène Nationale de Châteauroux, elle y a créé ce spectacle en 2018.  Depuis l’an passé, elle dirige le Théâtre du Peuple à Bussang (Vosges) et intervient aussi actuellement auprès des jeunes acteurs de la Belle Troupe aux Amandiers-Nanterre.

Plusieurs minutes de noir et de silence avant qu’une voix fluette naisse de l’obscurité: « Nous, c’est le silence qui raconte, les hommes, il leur faut une voix. » Ici, c’est la bête qu’on entendra. Julie Delille, féline et souple, donne chair à Méline, une enfant sauvage qui a appris sur le tard le langage des humains.

Jusqu’à ses six ans, l’enfant quadrupède s’ébat dans les bois, glapit, miaule, rugit et fouit dans les terriers. Avant d’être capturée par un vieil apiculteur et forcée de s’adapter au monde civilisé. Dans une langue poétique et drue inventée par l’autrice, Julie Delille nous fait vivre la forêt, sa beauté et ses dangers… Dans un cache-cache permanent entre lumière et obscurité, d’une voix modulée, Méline raconte sa vie intérieure, ses plaisirs et ses douleurs, le goût du miel et aussi du sang: dans le règne animal, il faut tuer pour vivre. Pas de sentimentalisme: «Les bêtes n’ont pas de larmes, c’est une eau qui part dans leur salive. Les bêtes ne savent pas pleurer. Car il faut la parole pour nourrir un chagrin et le faire durer.»

Anne Sibran, comme son héroïne, réside entre la France où elle a commencé à écrire et l’Equateur. Elle a appris le quechua pour aller auprès des Indiens d’Amazonie, menacés par l’extraction pétrolière et la déforestation: «La langue peut dire : la bête est moins que l’homme. Et la bête se tait.» Ici, l’animal parle. Une langue puissante, crue et organique qui nous fait vivre l’expérience de Méline. La mise en scène est d’une grande beauté et, des savants clairs-obscurs d’Elsa Revol, naît un paysage vierge puissant et sauvage; l’environnement sonore d’Antoine Richard donne toute son intensité à ce conte dramatique. Seule sur le grand plateau nu, la comédienne, enfantine et animale, naïve et rusée, se glisse dans la pénombre brumeuse, rampe sous un sol arachnéen, semble disparaître dans un fourré, échappe à la blessure mortelle d’une fouine… Puis, quand elle rejoint le monde des humains, elle relate l’apprentissage laborieux du langage, les vêtements qui entravent, les murs qui encagent… Quand le jour bascule, dit-elle, alors j’ai besoin de viander. »

Survivra-t-elle parmi ses semblables-les plus cruelles de bêtes qui l’ont abandonnée- et résistera-t-elle à l’appel de la forêt? « Soudain, toutes les paupières s’écartent, en une fois, en même temps. Toutes les paupières des bêtes descendues jusque là, dévalé la montagne pour regarder les hommes en face. Leur ouvrir ces pupilles luisantes comme des miroirs tendus. » (…) « Ainsi, la forêt s’embrase d’une prodigieuse attention où ce qui se cachait depuis toujours, est plus présent que l’arbre. »

Ni femme ni bête, Méline incarne la part animale qui sommeille en chacun de nous, oubliée, et la nature dont l’homme contemporain s’est éloigné, jusqu’à la saccager… Dans certaines scènes, l’actrice happée par son récit nous y entraîne. Il y a d’autres séquences, présentées avec plus de distance où Anne Sibran questionne notre humanité. Un texte admirable porté par une comédienne rare.

On pourra y voir prochainement ici, mise en scène par Julie Delille, La Jeune Parque, un long poème de Paul Valéry sous le titre Le Métier du Temps. Une artiste à suivre.

 Mireille Davidovici

Jusqu’au 4 avril Je suis la bête. Du 30 mars au 7 avril Le Métier du Temps au Théâtre Nanterre -Amandiers-Centre Dramatique National, 7 avenue Pablo Picasso, Nanterre (Hauts-de-Seine) T. : 01 46 14 70 00 RER A arrêt : Nanterre Préfecture. Attention, plus de navette pour venir: prendre le bus 259. Mais il y en a une pour le retour vers le RER.

 Le roman, Je suis la bête, a été a publié aux éditions Gallimard (2007).

Photo © Florent Gouëlou

Publié par le Figaro avec AFP - 31 mars 2024

Lors d’une représentation de la pièce Bérénice au théâtre de la Ville - Sarah Bernhardt, l’actrice-star avait été interpellée par un spectateur mécontent. Le directeur du théâtre Emmanuel Demarcy-Mota évoque un cas «isolé».

L'interpellation récente d'Isabelle Huppert par un spectateur dans un théâtre parisien interroge sur l'attitude du public pendant une pièce et sur ses réactions, complexes, vis-à-vis de mises en scène déroutantes voire transgressives.

L'actrice star interprétait ces dernières semaines Bérénice , personne phare du répertoire de Racine, au théâtre Sarah Bernhardt. Lors de l'une des représentations, un homme l'a apostrophée pour lui lancer : «On comprend pas ce que tu dis Isabelle». L'actrice a néanmoins poursuivi. Entre les fans d’Isabelle Huppert et le public de Racine, le ton est monté jusqu’à la sortie du théâtre.

Romeo Castellucci est connu pour ses propositions clivantes, souvent éloignées du texte original. Cette fois, il a décidé de ne reprendre que les monologues de Bérénice, avec des tirades où la voix est parfois modifiée par ordinateur ou bien marquée par des bégaiements volontaires, a constaté l'AFP.

« Le théâtre, précisément, est un endroit où les acteurs s'exposent. C'est ce qui les rend si vulnérables, même quand ils sont très reconnus. »

Florence Naugrette, professeur d'histoire et théorie du théâtre à La Sorbonne

«Depuis la fin du XIXe, la norme est plutôt au respect de l'œuvre et des artistes. Le silence est donc de mise et les manifestations du public repoussées en fin de spectacle», rappelle Alice Folco, maître de conférences en arts du spectacle à l'université de Grenoble. Pour autant, relativise Florence Naugrette, professeur d'histoire et théorie du théâtre à La Sorbonne, «le théâtre, précisément, est un endroit où les acteurs s'exposent. C'est ce qui les rend si vulnérables, même quand ils sont très reconnus».

«Le spectacle vivant, par définition, comprend ce risque: on a peur pour un danseur qu'il tombe et pour un acteur, qu'il ait un trou de mémoire ou soit interpellé. Un spectacle où il n'y a plus ce risque, ce n'est plus du théâtre, c'est du cinéma», ajoute-t-elle. Isabelle Huppert n'a «pas du tout été dérangée», assure à l'AFP le directeur du Théâtre Sarah Bernhardt, Emmanuel Demarcy-Mota, évoquant un «dérapage» émanant d'une «personne isolée».

Selon lui, un tel incident ne s'est produit qu'une seule fois sur une vingtaine de représentations. Mais il est «important d'empêcher toute forme d'auto-censure, tant pour l'artiste, qui aurait peur d'être interpellé, que pour le public qui voudrait qu'on lui rende Racine et qu'on censure les formes artistiques ne correspondant pas à ce qu'il avait prévu de voir».

Une position assumée par Romeo Castellucci. En 2019, il affirmait à l'AFP qu'«on ne va pas au théâtre, à l'opéra, pour se voir confirmer ce que l'on sait déjà», refusant toutefois le terme de «provocation». Ces réactions peuvent «rejoindre l'indignation qui saisit une partie du public quand on touche aux classiques depuis les années 1960», que ce soit «dans la critique (littéraire, ndlr) et dans les mises en scène», avance Olivier Goetz, maître de conférences en études théâtrales à l'Université de Lorraine.

Ces manifestations du public ne sont cependant pas nouvelles, souligne Jean-Claude Yon, historien du théâtre et directeur d'études à l'École pratique des hautes études. «Dès le XVIIe siècle en France, le théâtre est une arène où les artistes s'attendent à avoir des réactions de la salle». Ce n'est qu'«à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle que le public s'assagit, au moment où le théâtre devient une activité réservée à une certaine élite», dit-il, expliquant que cela coïncide avec «le moment où on se met à faire le noir dans la salle».

Les incidents ne préjugent pas du succès d'une œuvre : Bérénice a été vite «archi-complet» et part en tournée internationale avant d'être repris à Paris «la saison prochaine, car il y a une demande très forte», a annoncé M. Demarcy-Mota.