Par Anne-Laure Pineau -  Libération -  Publié le 26 oct. 2026

Avec 354 000 euros en moins sur son budget, la structure normande devra réduire ses activités et sa programmation. Une baisse d’activité qui pénaliserait l’ensemble du département.

«Tout le monde s’inquiète»

Propos recueillis par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 25 octobre 2026

« Je ne serais pas arrivé là si… » Chaque semaine, « Le Monde » interroge une personnalité sur un moment décisif de son existence. Le metteur en scène issu d’un milieu populaire évoque une époque où « tout était plus facile ».

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/10/25/alain-francon-metteur-en-scene-je-voulais-bouffer-de-la-culture-bourgeoise-pour-pouvoir-prendre-la-parole_6800039_3246.html

Metteur en scène réputé, longtemps directeur d’institutions théâtrales, Alain Françon est toujours à l’affiche. En près de soixante ans de carrière, ce Stéphanois a créé plus d’une centaine de pièces mêlant auteurs classiques (Tchekhov, Ibsen, Feydeau, Marivaux…) et contemporains (Michel Vinaver, Edward Bond, Peter Handke…). A 81 ans, il continue de signer des mises en scène remarquées, à l’image de La Folle Journée, ou le Mariage de Figaro, de Beaumarchais, au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, à Paris, jusqu’au 31 décembre.

Je ne serais pas arrivé là si…

Je n’avais pas appartenu à la classe populaire et si je n’avais pas pris la parole grâce au théâtre.

Dans quel milieu avez-vous grandi ?

Mon père était mineur et ma mère sténodactylo. J’ai été élevé par mes grands-parents paternels, qui tenaient un bistrot dans le quartier ouvrier Le Soleil, à Saint-Etienne. Je n’avais pas de chambre, j’étais tout le temps dans leur café au milieu des clients. Beaucoup étaient des habitués et avaient très peu d’argent. Quand je ne faisais pas mes devoirs, cela m’arrivait de jouer aux cartes ou de faire un billard avec eux. Lorsque ma grand-mère fermait les volets du bistrot, ils se mettaient à chanter. Je garde de cette période une humilité et le souvenir d’une grande gaieté. Mes parents étaient très soucieux de moi, mais pris par leur travail. Mon père passait le matin et ma mère le soir au bistrot. Le dimanche et le samedi, j’allais chez eux. C’était très bien organisé.

Quel était votre rapport à l’école ? Aviez-vous une idée de ce que vous vouliez faire plus tard ?

L’école primaire était attenante au café. Les instituteurs y venaient souvent. Donc si je faisais une connerie, tout le monde le savait ! A l’époque, j’étais plutôt préoccupé par le foot. Jusqu’à l’âge de 13 ou 14 ans, j’allais tous les dimanches avec mon père au stade Geoffroy-Guichard. J’ai joué dans le club Sainte-Barbe du Soleil. Je n’étais pas au collège-lycée huppé de Saint-Etienne. Dans la section de mon collège, nous avions chaque semaine quatre heures de travail manuel. Nous ne faisions ni de latin ni de grec. Petit à petit, j’ai commencé à comprendre ce qu’était la différence de classe. Je me suis dit qu’il ne fallait pas se laisser impressionner.

J’ai passé le bac, j’ai fait une année de propédeutique puis une licence et une maîtrise en histoire de l’art à la faculté de lettres de Lyon. Lors de son premier cours, un professeur nous avait posé une vingtaine de questions sur des tableaux. La seule à laquelle j’ai répondu, c’est lorsqu’il nous a montré La Joconde, de Léonard de Vinci. C’est tout ce que je savais ! Cette unité d’histoire de l’art était récente, nous n’étions que douze étudiants. Mais, à chaque cours, des dizaines de femmes d’avocat, de dentiste, etc. venaient en auditrices libres pour faire leur culture de salon.

Pourquoi avoir choisi histoire de l’art ?

Justement parce que c’est le vernis de la classe bourgeoise. Donc autant aller dans le vernis ! Dans le bistrot où j’ai grandi, il n’y avait pas de livre. Je voulais bouffer de la culture bourgeoise pour pouvoir prendre la parole. Si quelqu’un me parlait d’un tableau du XVIIIe, je voulais pouvoir lui répondre.

Quand avez-vous commencé le théâtre ?

A Saint-Etienne, on disait « les Dasté » pour le théâtre, comme on disait « les Verts » pour le football. Les deux étaient presque aussi importants pour la ville. La troupe de [Jean] Dasté passait dans toutes les écoles. Je me souviens les avoir vus au lycée venir réciter les lettres du ghetto de Varsovie. Dasté, grâce à son idée géniale du chapiteau, allait aussi dans tous les quartiers. C’est comme cela que je suis devenu spectateur de théâtre. C’était une effervescence incroyable.

Après votre maîtrise d’histoire de l’art, vous allez cofonder en 1971 le Théâtre éclaté…

Les spectacles de notre groupe avaient un peu circulé dans la région. Le directeur de la MJC [Maison des jeunes et de la culture] Novel, à Annecy, mandaté par le ministère de la culture pour préfigurer une scène nationale, m’a appelé pour me proposer un poste d’animateur théâtre. J’ai refusé et lui ai proposé une autre idée : créer une compagnie et monter ainsi une unité de création au sein de la MJC. Il a accepté. J’ai appelé mes amis de Saint-Etienne, André Marcon, Evelyne Didi, Christiane Cohendy, etc., on est partis à Annecy et on a créé le Théâtre éclaté.

Pourquoi ce nom ?

Parce qu’il s’agissait d’un théâtre éclaté dans les lieux et dans les formes, pour reprendre la formule du dramaturge Armand Gatti, avec qui on était un peu potes. On a joué partout, dans les foyers, dans la rue, sur les places, dans les manifs.

Quant aux formes, nous étions dans un théâtre d’agit-prop. On a créé La Farce de Burgos [1972] avec l’aide de Gisèle Halimi [1927-2020], qui nous avait passé les minutes du procès ayant opposé des militants basques à l’Espagne du dictateur Franco, ou encore Soldats, de Carlos Reyes [1973], inspiré de la répression par l’armée d’une grève des travailleurs colombiens de la multinationale américaine United Fruit.

Combien de temps l’aventure militante du Théâtre éclaté a-t-elle duré ?

Nous avons vécu quatre années formidables pendant lesquelles nous avons tout appris. Nous logions tous ensemble dans une maison au bord du lac d’Annecy, prêtée par des amis. C’était vraiment un collectif. Mais au sein du conseil d’administration de la Scène nationale, des gens ont commencé à dire : « Les gauchistes ça suffit, il faudrait un peu les calmer. » Poussés par le maire de la ville de l’époque [Charles Bosson, centre droit], ils ont essayé de nous éjecter.

Pour trouver une issue, le directeur de la Scène nationale a proposé de maintenir au moins une aide à la création. On répétait alors dans une immense baraque, et un jour, on a vu arriver une grosse boule pour abattre les murs. Furieux, on a occupé le lieu, des soutiens venaient y dormir.

Une nuit, on a couvert Annecy d’affiches noires faites en sérigraphie pour dénoncer la mort du Théâtre éclaté ! Un autre jour, on a lâché des ballons « liberté de création » devant la mairie, pendant que se tenait un conseil municipal. Et puis, un matin, à 5 heures, le maire est arrivé avec les CRS. Le lieu a été démoli. Le maire nous avait reçus pour nous dire : « Messieurs, dans mon conseil municipal, nous avons tous fait la Résistance, vous ne nous faites pas peur. »

Qu’est devenue la compagnie ?

André Marcon est parti au Théâtre de Gennevilliers, Evelyne Didi et Christiane Cohendy au Théâtre de Strasbourg. Moi, j’avais des bouquins à lire, je suis resté à Annecy. J’avais la chance immense d’être logé chez le dramaturge Michel Vinaver. Il avait été un supporteur du Théâtre éclaté. J’étais devenu très ami avec lui. Il m’a très généreusement laissé le bas de sa maison. Pendant près de deux ans, je n’ai fait que lire, notamment les ouvrages de Jean-François Lyotard et Gilles Deleuze.

Quelles sont les rencontres qui ont contribué à faire de vous le metteur en scène que vous êtes ?

D’abord, Michel Vinaver. On a souvent travaillé ensemble, j’ai monté plusieurs de ses pièces. Il m’a appris à lire. J’ai l’impression qu’avant lui, je lisais trop vite ou trop en surface. Il a été à l’origine d’une formidable collection d’analyse de textes dramatiques.

L’autre rencontre fascinante a été avec Edward Bond. A l’époque, je cherchais ce que voulait dire le mot « politique » au théâtre. Je ne voulais pas être dans le déclaratif. J’ai eu la chance de découvrir sa pièce La Compagnie des hommes [1990]. Nous avons beaucoup discuté. Un jour, je lui ai dit que j’allais monter La Mouette [Anton Tchekhov, 1896]. Il m’a écrit quinze pages sur la dramaturgie de cette pièce, c’était incroyable et une merveille pour le travail des comédiens. Et puis, il y a Peter Handke, autre rencontre magnifique avec un immense auteur. Quand j’avais 30 ans, je lisais tous ses livres.

Comment avez-vous été amené à diriger le Théâtre du Huitième à Lyon (de 1989 à  1992) puis le Centre dramatique national de Savoie (de 1992 à 1995) et le Théâtre national de la Colline à Paris pendant quatorze ans (de 1996 à 2010) ?

Le ministère de la culture voulait que je dirige un centre dramatique. Je n’étais pas pour. Je trouvais que ces institutions étaient lourdes. J’ai refusé à trois reprises. A la quatrième proposition, Robert Abirached, alors directeur du théâtre et des spectacles au ministère, m’a dit que si je n’allais pas au Théâtre du Huitième, on ne me proposerait plus jamais rien. C’était le moment de se décider !

J’ai succédé à Jérôme Savary. Il devait y avoir 12 000 abonnés, la première année, j’en ai fait 3 000… Heureusement, il y a le succès de La Dame de chez Maxim, de Feydeau. Tout a été compliqué au Théâtre du Huitième. J’ai dirigé ce lieu comme un pirate. J’ai très vite compris que je n’étais pas la personne que voulait la municipalité. J’avais prévenu Jack Lang [alors ministre de la culture] que j’en avais marre. Mais j’avais pris mes précautions pour partir à Annecy avec le titre de « centre dramatique » et la subvention. J’avais rencontré les maires d’Annecy et de Chambéry, ils étaient tous les deux d’accord. C’est ainsi qu’on a créé le Centre dramatique de Savoie. Ce fut une structure formidable. Quant au Théâtre de la Colline, on est parvenu à donner une identité au lieu. A mon départ, il y avait plus de 10 000 abonnés et aucune dette.

Comment votre formation initiale en histoire de l’art a-t-elle nourri votre théâtre ?

Quand je monte Le Mariage de Figaro, de Beaumarchais, par exemple, pendant un an, je lis cinquante bouquins autour de ce sujet. Et je vais toujours regarder des tableaux. J’ai eu la chance, durant mes études en histoire de l’art, d’avoir Henri Maldiney comme professeur d’esthétique. Cet auteur m’a appris ce qu’est le rythme et ce qu’est de commencer un travail en ayant le moins d’intentionnalité possible pour ne pas, par exemple, être dans les clichés.

Du bistrot de Saint-Etienne aux grandes scènes nationales, un parcours comme le vôtre est-il encore possible aujourd’hui ?

J’ai eu la chance de faire les bonnes rencontres. Et pour toute ma génération et celle qui a suivi, les choses étaient plus faciles. On était moins nombreux et dans un contexte économique moins difficile. Quand Jack Lang a nommé Robert Abirached à la direction du théâtre au ministère de la culture [en 1981], le budget du Théâtre éclaté a doublé, sans qu’on ait rien demandé.

A 81 ans, vous continuez à créer. Quel rapport entretenez-vous avec le temps qui passe ?

J’ai fait beaucoup de transmission pour des générations d’acteurs. J’ai passé ma vie à monter des spectacles de sortie de promotion au Conservatoire et dans plusieurs écoles supérieures d’art dramatique à Lyon, Strasbourg, Montpellier. Ça a été des moments rêvés. On apprend beaucoup de choses aux côtés des jeunes. Pour l’heure, j’ai encore quelques projets.

En mars 2021, à Montpellier, vous avez été violemment agressé au cutter dans la rue, sans raison. Y a-t-il eu un avant et après ?

Ce jour-là, le réel m’a rattrapé au sens où il est ce qu’on n’attend pas. Le réel dans son idiotie brutale et insurmontable en apparence. On se promène dans la rue, il y a quelqu’un qui arrive par-derrière, j’ai l’impression qu’il me bouscule, je le vois partir devant, et c’est tout. Il n’y a rien, il n’y a pas de visage, pas de mots. Tout l’inverse du théâtre.

Le problème, c’est ce qui s’est passé dans ma tête. La vague dégueulasse du ressentiment et de la vengeance m’a habité un moment. Je ne pouvais pas le supporter parce que j’ai passé ma vie à combattre la haine de l’autre. Petit à petit, la rancœur s’est dissipée grâce à mon retour à la psychanalyse, à la création, quelques mois après, de La Seconde Surprise de l’amour, de Marivaux, et grâce à la lecture de Ci-gît, l’amer, de Cynthia Fleury [Gallimard, 2020]. Etre allé au procès d’assises m’a aussi beaucoup aidé. J’avais besoin de parler. Ma femme, Dominique Valadié, m’a dit que je n’avais jamais parlé si fort.

« La Folle Journée, ou le Mariage de Figaro », de Beaumarchais. Mise en scène : Alain Françon. Avec Vincent Dedienne, Micha Lescot, Noémie Lvovsky, Alix Poisson. Théâtre de la Porte-Saint-Martin, Paris 10e. Jusqu’au 31 décembre.

Propos recueillis par Sandrine Blanchard /Le Monde

Par  Marie-Céline Nivière dans "Coups d'oeil", le 20 octobre 2026
 

Partant de ce cri de colère qui ne cesse de gronder et de ces femmes qui ont entrepris depuis des siècles une marche vers leur liberté, Catherine Morlot signe un spectacle surprenant, parfois ardu, mais incontestablement marqué d’un lyrisme puissant.

Depuis trois jours une femme, vêtue de haillons tissés dans les costumes de toutes les époques, harangue le vide. Elle déverse, dans une parole fleuve, un chant de douleur, digne d’une tragédie grecque. Son nom est Paradis. Si elle apostrophe la terre entière, injurie les hommes, c’est pour mieux « déterrer la peur » que les femmes vivent au quotidien dans l’espace public, depuis la nuit des temps. Son invocation en appelle à la création d’une permanence des rêves, « un endroit douillet où tu serais accueillie par le regard bienveillant d’une personne qui ne comprendrait pas ta langue. »

Des maux ancestraux

Parcourant les strates de l’histoire de l’humanité, fort peu humaine pour les femmes, les mots de Catherine Morlot claquent. S’il arrive qu’ils nous échappent par instants, ils volent dans l’espace théâtral et impressionnent. Formée à l’école de clown du Samovar puis à L’ERCAM (École régionale d’acteurs de Cannes et Marseille), ayant travaillé pour Ludovic Lagarde et Rémy Braché au CDN de Reims, Louise Dupuis incarne de tout son corps cette femme blessée dans sa chair. La jeune comédienne s’est emparée de cette langue poétique avec une belle sensibilité. Sa performance est remarquable.

Un chœur au diapason

Pour casser le rythme de cette rhétorique du ras-le-bol, Catherine Morlot a injecté quatre personnages représentant le quotidien. Ils sont les membres d’un groupe de musique qui répète dans l’entrepôt situé là où Paradis s’est posée. Il y a Sien (sensible Anthony Audoux), l’homme qui s’arrête pour écouter. Merry (impeccable Félicité Chaton), la femme qui ne veut plus entendre les cris. Astrid (Sarah Taradach), celle qui veut trouver la paix. Et Valence (exceptionnel Samy Zerrouki), qui questionne cette masculinité imposée par les pères. Ce personnage bouleverse par le regard qu’il pose sur les autres.

Cherchant leur place, tous les quatre se débattent avec leurs défaillances. Si leurs dialogues sont écrits dans une langue plus familière. Leur monologue retrouve, d’une manière moins lyrique, cette musicalité poétique. Grâce à cette femme venue des abîmes du passé, regardant ce vol d’étourneaux, écoutant cette murmuration, symbole de la colère des femmes, ils vont se fédérer pour enfin aborder l’avenir.

Une poétique visuelle

Ce texte est porté par la très belle mise en scène de l’autrice. Un plateau vide sur lequel est posé, à jardin, un cercle de terre. Cette matrice qui nous nourrit. Au fond un long rideau de tulle, derrière lequel se situe l’extérieur, le quotidien, mais aussi l’endroit où les comédien·nes vont se poser. Il permet également de réfléchir la lumière. Ce magnifique travail de Laurent Bénard sculpte sans cesse l’espace. Les personnages s’y déploient comme dans un rêve, survolant l’espace, s’y arrêtant, souvent en adresse directe avec le public, se regardant ou se croisant, pour terminer en faisant corps. Ce spectacle audacieux, qui peut dérouter par sa densité et sa forme, a le mérite de ne pas laisser de marbre.

La permanence des rêves de Catherine Morlot
Spectacle vu le 16 octobre en sortie de résidence au Théâtre Hublot – Colombes
Théâtre La Reine Blanche – Paris
Du 21 octobre au 14 novembre 2026
Durée 1h40.
Texte et mise en scène de Catherine Morlot
Avec Anthony Audoux, Félicité Chaton, Louise Dupuis, Samy Zerrouki, Sarah Taradach
Assistante mise en scène et dramaturgie : Anne de Queiroz
Création Lumières : Laurent Bénard
Musique originale : Sylvain Jacques.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 18 octobre 2026

La metteuse en scène de « Ruy Blas » de Victor Hugo se penche au chevet de la démocratie sur des scènes de théâtre qu’elle ne cesse d’humaniser.

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/10/18/a-la-comedie-francaise-julie-duclos-ou-l-art-du-theatre-qui-va-de-soi_6797064_3246.html

« Petite fille, si je disais à ma mère “je m’ennuie”, elle me répondait : “Ennuie-toi, tu trouveras bien quelque chose à faire”. » Julie Duclos, qui présente à la Comédie-Française Ruy Blas, de Victor Hugo, n’a pas oublié les mots de Geneviève Schwoebel, metteuse en scène aujourd’hui à la retraite. Une phrase comme ça, ajoute sa fille, « est magnifique et fondatrice ». On ne doute pas que son père approuve : le comédien Philippe Duclos est l’autre courroie d’une transmission familiale réussie. A telle enseigne que l’ex-juge Roban de la série Engrenages fait désormais régulièrement l’acteur pour sa fille. Dans la famille Duclos, le théâtre coule de source.

Née le 10 juillet 1985, entrée en 2007 au Conservatoire national supérieur d’art dramatique (promotion 2010), Julie Duclos a-t-elle vraiment eu le choix des armes en matière de destin ? Dès l’enfance, son imaginaire a été tapissé de théâtre par les conversations de ses parents. Elle aurait pu, concède-t-elle, s’orienter vers la psychanalyse, un temps envisagée. Mais le désir de jouer (« je me pensais actrice ») et l’envie de faire du cinéma (« j’ai tourné un court-métrage et je travaille à la réalisation de mon premier film ») ont été les plus forts.

Ce qu’elle n’avait pas prévu, en revanche, c’est sa bascule vers la mise en scène. Un atelier mené en troisième année d’école à partir des Fragments d’un discours amoureux, de Roland Barthes, sera suivi en 2014 par la création à Besançon de Nos serments, variation remarquée autour de La Maman et la Putain, le film de Jean Eustache sorti en 1973. Le pli est pris. Son futur ne s’écrira pas sur les planches mais juste en face, dans les gradins. Là où, le temps que durent les répétitions, se trouve le cœur du réacteur : la table de régie d’où fusent les consignes de jeu, de lumière, de rythme, de musique, de décor. C’est sa place. Elle ne la partage pas.

Œuvres actuelles

Julie Duclos entraîne à sa suite des équipes au complet. Acteurs et techniciens : elle tient ses ensembles sous sa coupe. « Je peux plier sur beaucoup de choses mais jamais sur ce que je veux faire au plateau. C’est l’endroit de mes rêves. L’art demande du courage pour rester entier et fidèle à ses visions. En ce qui concerne mon travail, je suis intraitable. » Main de fer et gant de velours, elle fuit les conflits mais elle ne lâche rien. « Je suis très directive avec les comédiens mais j’essaie d’avoir une forme de sagesse. Si je suis effondrée par ce que je vois, je me tais. Je prends dix minutes pour moi avant de parler. Je ne suis colérique ni au théâtre ni dans la vie. »

Elle ne fait pas carrière, ne postule à aucune direction, mais chemine vers ses absolus. « Impose ta chance, sers ton bonheur et va vers ton risque. A te regarder, ils s’habitueront » : les mots du poète René Char semblent taillés pour elle. Depuis douze ans, elle signe des représentations singulières dont pas une ne ressemble à la précédente. Toutes racontent où elle en est de son rapport au monde au jour J de la création. Sans jamais se dupliquer, elle étire sur les scènes une ligne esthétique subjective qui progresse de dérèglements en dérèglements : ceux de l’amour avec Barthes, ceux des liens avec Eustache, du réel avec Maeterlinck (Pelléas et Mélisande, 2019), de la normalité lorsqu’elle crée Kliniken, de Lars Noren (2021). Avec Brecht (Grand-peur et misère du IIIe Reich, 2024), elle révèle les désordres d’individus gangrenés par le fascisme. Ce spectacle fulgurant n’a pas cessé d’être talonné par l’actualité. « La vibration du réel avec la pièce est vertigineuse », souligne-t-elle en annonçant sa reprise sur les scènes françaises de mars à mai 2027, soit au moment précis de l’élection présidentielle.

Pour Ruy Blas, elle s’entoure de cadors (les sociétaires Thierry Hancisse, Sébastien Pouderoux, Stéphane Varupenne ou encore Laurent Stocker sont de sa distribution). La pièce, affirme-t-elle, est « poétique, romanesque, sociale et politique ». Sous les dorures d’une salle Richelieu réouverte après neuf mois de travaux (le plancher de scène est flambant neuf), elle veut que tonne l’acuité d’une pensée visionnaire. Brecht hier, Hugo aujourd’hui, Henrik Ibsen dans un avenir proche (elle va monter Un ennemi du peuple), les créations de Julie Duclos parlent moins du passé que de l’ici et maintenant : « J’ai l’impression que mes spectacles enveloppent toujours les précédents. »

Création méditative

Mais c’est quoi, un spectacle ? A quelle nécessité intime répond cette fabrication d’univers éphémères et artificiels qui cloître les artistes des journées entières sous la lumière de projecteurs ? Lorsqu’elle décide de monter un texte (soit un à deux ans avant qu’il n’existe au plateau), Julie Duclos laisse son inconscient prendre l’ascendant sur son cartésianisme. Elle entre en création comme en méditation : « Je m’abandonne à une sorte de vacance intérieure. Je recherche le calme pour laisser les visions me parvenir. Je place et déplace mes figurines dans la maquette du décor qui ne quitte pas mon appartement. J’essaye des configurations. Je prépare la représentation. » Le processus arrive de loin. Enfant, elle réagençait constamment le mobilier de sa chambre. Cette préparation se paye en heures de solitude. Le « dilettantisme » assumé permet au vide de se remplir et à l’informe de prendre forme. D’où le sentiment, lorsqu’on assiste à ses représentations, qu’elles procèdent d’un arrière-pays invisible venu toquer à la surface du visible. Quelque chose y palpite qui n’est pas juste l’exécution d’une technique.

Dans la famille du théâtre, Julie Duclos se tient loin des faiseurs et près des alchimistes. Ceux qui transforment le plomb en or et prennent le risque de déstabiliser le public parce qu’ils ne cèdent pas au divertissement. Elle a de qui tenir. L’une de ses professeurs au Conservatoire était Dominique Valadié, « actrice aussi animale qu’intuitive ». Plus tard, le metteur en scène polonais Krystian Lupa l’a initiée aux puissances du monologue intérieur. Elle sait, depuis, la valeur et le poids des silences.

Ruy Blas, de Victor Hugo. Mise en scène de Julie Duclos. Comédie-Française. Salle Richelieu (Paris). Jusqu’au 27 janvier.

Joëlle Gayot / Le Monde 

Légende photo : Julie Duclos, lors de répétitions à la Comédie-Française, à Paris, en septembre 2026. JULIEN BENHAMOU/COLLECTION COMÉDIE-FRANÇAISE

Propos recueillis par Vanessa Schneider
Publié le 11 octobre 2026 

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/10/11/benjamin-lavernhe-le-cinema-me-ramene-a-ce-qui-m-a-fait-rever-enfant_6791272_3246.html

Benjamin Lavernhe s’est imposé dans la petite liste des acteurs les plus demandés du moment. A la fois sur les planches de la Comédie-Française et au cinéma, il s’est fait remarquer par sa présentation unanimement saluée de la cérémonie des Césars en février. A 42 ans, il incarne l’affreux Thénardier dans Les Misérables, de Fred Cavayé, en salle mercredi 14 octobre.

Je ne serais pas arrivé là si…

… Je ne m’étais pas autorisé à accéder à mes rêves. Cela me ramène à Poitiers, où j’ai grandi, et à ce carrefour de vie : oser ou pas essayer d’être acteur et tirer le fil de l’obsession que j’avais pour ce métier.

Cette obsession venait-elle de loin  ?

Je dirais depuis l’âge de 11-12 ans. J’étais fasciné par le métier d’acteur, j’allais beaucoup au cinéma, mais je ne me sentais pas assez légitime pour tenter de le devenir. Je me posais toutes sortes de questions : « Est-ce que j’ai envie de ça pour de bonnes raisons ? » Je ne lisais pas les textes, je n’allais pas au théâtre, je n’avais pas une cinéphilie très développée, alors je me disais : « Pourquoi moi je serais acteur ? » C’est un métier extrêmement difficile avec très peu d’élus. De Poitiers, cela me semblait être une montagne à gravir qui me paraissait réservée aux plus passionnés des passionnés. Or, je voyais bien que ce n’était pas mon oxygène : si je ne joue pas, je ne meurs pas. Je prenais des cours de théâtre à Poitiers, j’adorais ça, mais si je m’interrompais pendant un ou deux ans, ce n’était pas très grave. Ça ne me dévorait pas.

Ce qui vous fascinait était moins le métier que l’image que vous en aviez ?

J’étais abonné à une revue de cinéma, j’adorais regarder les making of des films, les reportages sur les coulisses des tournages, je regardais les Césars, les Oscars. Le glamour me faisait rêver, mais ça ne suffit pas pour devenir acteur ! Je me souviens qu’en sortant des grands films populaires comme Titanic, Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain ou Le Seigneur des anneaux, je trouvais ma vie assez petite, un peu triste. J’avais envie de passer derrière l’écran et de provoquer, moi aussi, cette magie chez les gens, ne pas être seulement celui qui regarde, mais celui qui joue, qui agit. Alors, un jour, je me suis dit : « Il faut que je m’y colle. » Et j’ai fait ce stage au cours Florent, l’été de mon bac. J’ai été accepté en première année, mais, encore une fois, je n’étais pas sûr de mon coup, alors je me suis inscrit en hypokhâgne, puis en fac d’histoire.

Y avait-il des artistes dans votre famille ?

J’ai grandi dans une famille classique de la bourgeoisie de province, on peut dire ça comme ça. J’ai eu une enfance heureuse, privilégiée, on ne manquait de rien. J’ai eu la chance de partir en vacances, d’avoir un grand jardin qu’on partageait avec les autres locataires de la maison. Mon père était directeur d’une usine qui fabriquait des structures grillagées en acier inoxydable pour une boîte américaine installée à Châtellerault [Vienne]. Il est resté quarante ans dans la même entreprise. Ma mère nous a élevés et elle peignait et sculptait une fois qu’on était couchés. Je revois ses tubes de peinture qu’elle étalait alors sur la table de la salle à manger. Il y avait chez nous un piano et une guitare, des cassettes vidéo, mais nous n’avons pas reçu d’éducation artistique particulière. Pourtant ma sœur, mes deux frères et moi avons tous un métier artistique, c’est assez mystérieux. Mes deux frères sont musiciens, ma sœur est danseuse et également comédienne.

Une ambiance harmonieuse donc…

Mes parents sont restés unis, et on a cette chance de bien s’entendre, de toujours communiquer beaucoup, ce qui ne veut pas dire qu’il n’y a pas des désaccords. Dans ma famille, on n’aime pas s’engueuler. Moi aussi, je préfère toujours essayer de trouver des circonstances atténuantes aux gens, parce que la rancœur me fait souffrir, je déteste ruminer. Je leur trouve des excuses… jusqu’à ce que je n’en trouve plus et, là, je me dis : « C’est un gros connard ! » Mais je n’ai pas beaucoup d’ennemis, les conflits ne m’intéressent pas. Je n’ai pas la rancune et la colère faciles. On partage ça dans ma famille, il n’est jamais arrivé qu’on ne se parle plus pendant une semaine. Il n’y a pas de cris ou de grosses ruptures chez nous.

Quel genre d’enfant étiez-vous ?

J’étais le deuxième, j’avais tout le temps besoin de copains pour m’occuper, je n’arrivais pas à être tout seul alors que mon frère aîné savait s’occuper des heures tout seul. Ma grand-mère disait que, lorsque je voyais que je faisais rire, j’en rajoutais une couche et je faisais le clown. Mon père nous filmait beaucoup avec un caméscope. Je suis retombé sur des extraits où on me voit me mettre sans cesse devant la caméra alors qu’il filme autre chose. Faire rire, c’est séduire. Etre au centre de l’attention, c’est un petit superpouvoir. On ne comprend pas toujours ce qui fait rire l’autre, mais, du coup, on en joue. Plus tard, j’ai compris que c’était un métier assez injuste, ce qui se dégage de nous nous dépasse. Faire rire est un cadeau, mais il faut savoir s’en servir. Quand je monte sur scène et qu’il se passe quelque chose dans le regard des autres, c’est assez jubilatoire. Aujourd’hui encore, je suis un peu ahuri, émerveillé que ça marche.

Après la fac d’histoire, vous vous inscrivez dans une formation de journaliste à Paris, pourquoi ?

J’avais fait mon stage de classe de 3ᵉ à France 3 Poitou-Charentes et ça m’avait plu. Mais j’ai vite compris que ce que j’aimais, c’était surtout de jouer au journaliste, de parler dans un faux micro, de faire semblant de présenter le journal télévisé de 20 heures. Déjà enfant, avec mon frère, on faisait des faux reportages avec la caméra de mon père. On mettait en scène des arrestations de trafiquants de drogue avec des pochons de farine et des pistolets à billes, on floutait les visages, on prenait des voix tremblantes, on s’amusait beaucoup. Mais la méthodologie, écrire un article, etc., ce n’était pas du tout mon truc… Alors j’ai fait ce saut dans le vide en m’inscrivant en première année au cours Florent.

Vos parents ont-ils vu ça d’un bon œil ?

Je pourrais dire que je ne serais pas arrivé là si mes parents ne m’avaient pas soutenu. Je me sens assez gâté. Je suis resté huit ans en colocation, parce qu’après le cours Florent, je suis entré au Conservatoire, et ce sont eux qui m’ont soutenu financièrement, je n’ai pas eu besoin d’être serveur. Oser, c’est bien, mais encore faut-il avoir le luxe d’oser. J’ai eu la chance d’être aidé, aimé, ça donne des ailes, une confiance en soi, un toupet qui fait se dire : « Et pourquoi pas moi ? »

Tout s’est-il enchaîné facilement ?

Quand je suis arrivé au cours Florent, j’ai compris qu’il fallait essayer de décrocher la classe libre, le concours interne de l’école, le Graal. Je l’ai passé deux fois, puis j’ai fini par être pris. Et puis j’ai postulé aux écoles nationales. Les deux premières fois, je n’ai même pas eu le premier tour du Conservatoire, que j’ai finalement décroché à la troisième tentative. Ça calme. Je suis davantage un laborieux qu’un génie à qui tout tombe dans le bec. En sortant du Conservatoire, tout s’enchaîne. Je joue dans mon premier long-métrage Radiostars [film de Romain Lévy sorti en 2012] et Olivier Py me prend dans la pièce Roméo et Juliette. On joue à l’Odéon et on part un an en tournée. C’est en rentrant de la tournée en juin que j’ai reçu un coup de fil de Muriel Mayette, qui m’a proposé d’entrer à la Comédie-Française en 2012. Au même moment, je tourne avec Nicole Garcia. Le cinéma a toujours été en parallèle de ma vie d’acteur au Français.

Est-ce si facile de mener les deux de front ?

Il faut s’autodiscipliner, ne pas accepter trop de choses si on veut continuer à faire le job correctement. Ça a un côté sportif, il est nécessaire d’avoir une hygiène de vie, de compartimenter son cerveau, d’avoir des petits moments de récupération pour passer d’un masque à l’autre. Je me rends compte à quel point l’expérience du théâtre me sert au cinéma. Je l’ai constaté aussi plus récemment avec la présentation de la cérémonie des Césars. La scène, ça muscle, ça arme. L’expérience du plateau, de l’imprévu, le fait de se connaître de la tête aux pieds, de maîtriser son corps dans l’espace, de naviguer dans des répertoires très différents donnent beaucoup de liberté et d’aisance.

Et que vous apporte le cinéma ?

Le cinéma me ramène à ce qui m’a fait rêver enfant. Quand je suis sur le plateau des Misérables sur les barricades avec mes favoris et ma perruque filasse, je suis comme un môme. Au cinéma, il y a le tournage, puis la promotion, on est exposé à la question de la célébrité. Il y a davantage de superlatifs, de faux-semblants, quelque chose d’un peu factice, et, en même temps, on ne peut pas se louper. On peut refaire des prises, mais après, une fois que c’est fait, c’est fait. On ne peut plus revenir sur un film. C’est pour cela que j’essaye de préparer au maximum mes rôles pour essayer de donner le meilleur parce qu’après, ça reste.

Il y a un rôle que vous avez beaucoup préparé, c’est celui de l’abbé Pierre…

Apparemment pas assez… [Sourire]. Le film ne se voulait pas hagiographique, il montrait que l’homme avait des zones d’ombre, il était assez caractériel, se perdait dans l’euphorie de la célébrité, était égoïste parfois. Mais, évidemment, lorsqu’on a appris le nombre de crimes dont les témoignages se font aujourd’hui l’écho, ça a été la sidération. Comment peut-on être à ce point-là en empathie avec l’autre, mettre son existence au service des autres et en parallèle détruire autant de vies ? Je me doutais qu’il n’était pas un saint, mais pas un criminel et un agresseur en série. J’ai été effaré aussi par la puissance du secret, car beaucoup de gens savaient visiblement. C’est très triste en fait. Quand on se prépare pour un tel rôle, c’est une forme de compagnonnage qui se crée : on le lit, on apprend à l’aimer, on rêve de lui, on entre en communion avec lui. D’une certaine manière, je le considérais comme un ami. Et encore, moi, je ne l’ai « fréquenté » que pendant quatre mois, Frédéric Tellier, le réalisateur, ça a été cinq ans de sa vie. J’ai beaucoup pensé aussi à tous les travailleurs sociaux qui avaient son portrait accroché dans les bureaux… La bonne nouvelle, c’est que Emmaüs a survécu à la statue du commandeur.

Est-ce que la politique entre dans vos choix de rôle ?

On se pose toujours la question de la place de l’acteur dans la société, même sans signer de pétitions, on fait des choix en fonction de valeurs ou de ce qu’un film raconte au fond. Il est important d’avoir de vraies discussions avec les metteurs en scène sur leurs intentions. Pourquoi faire ce film à ce moment-là du débat public, pourquoi porter ce sujet à l’écran ? C’est essentiel de se poser ce genre de questions. Le cinéma peut être extrêmement politique, mais ça ne veut pas dire que les acteurs soient les mieux placés pour trouver les bons mots sur un plateau de télévision. Certains sont à l’aise pour parler politique et pour s’engager, d’autres moins. Aujourd’hui, tout est scruté, une phrase mal tournée qui part en vrille sur les réseaux, une maladresse de langage due à la fatigue peut vous coller à la peau.

Comment vous voyez-vous dans dix ans, qu’est-ce que vous souhaitez ?

Je ne me vois pas faire autre chose. Je trouve ce métier bouleversant, un peu mystique. J’ai l’impression d’avoir encore mille aventures à vivre. J’ai eu 42 ans, ça m’a fait un électrochoc, comme une urgence à accomplir mes rêves : chanter, danser, faire de la comédie musicale, jouer en anglais, aller tourner à l’étranger, écrire aussi, peut-être monter un seul-en-scène. A 40 ans, on se dit qu’on a le droit de se planter et qu’on n’a plus d’excuses pour ne pas se lancer.

 Propos recueillis par Vanessa Schneider / Le Monde 

Portrait de Benjamin Lavernhe  : © JEAN-FRANCOIS ROBERT/MODDS

Singulièrement barrée, la création qui mérite d’être découverte sans en savoir trop impose sa drôlerie entre théâtre, danse et mime au théâtre de l’Atelier.

Par Robin Prudent, pour le site de France Info le 15/01/2022

Ces amateurs et professionnels du théâtre décrivent leur relation avec l'illustre dramaturge français, à l'occasion du 400e anniversaire de sa naissance.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde / 30 sept. 2026

Chacune à sa façon, Audrey Bonnet, Ruth Rosenthal et Elina Kulikova évoquent les drames subis par les victimes du terrorisme sur le sol français, la Russie de Vladimir Poutine envahissant l’Ukraine et le conflit israélo-palestinien.

Lire l'article sur le site du Monde :
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/09/30/pour-un-theatre-de-guerre-audrey-bonnet-ruth-rosenthal-elina-kulikova-levent-des-armees-de-mots_6786029_3246.html

Ni 100 % documentaires, ni purement fictionnelles, mises en scène par des femmes, trois représentations d’un théâtre de guerre percent l’épaisseur du silence et permettent la circulation de paroles complexes. Ces spectacles signés par la Française Audrey Bonnet, l’Israélienne Ruth Rosenthal et la Russe Elina Kulikova laissent de côté les artifices technologiques. Leurs armes sont les mots et ces mots forment une armée.

A la MC93 de Bobigny (Seine-Saint-Denis), la parole prise est née du deuil impossible de Sabine Garrigues, autrice d’un texte poignant sur sa fille, assassinée au Bataclan lors des attentats de 2015. Sur un plateau nu, encadré par trois gradins de spectateurs, Audrey Bonnet déplie les phrases de Rien n’est su (Le Tripode, 2023) dans les corps de huit jeunes acteurs tout juste sortis d’école. La scène est vide : seules comptent les voix qui s’élèvent, se relaient ou s’agrègent. Elles forment un chœur puissant, prenant, voire hypnotique.

Dans un compte à rebours patient et titubant, se repliant dans l’évocation poétique lorsque le réel est impossible à nommer, Sabine Garrigues fait de la littérature son filet qui ramènera à elle sa fillette, son ado, son enfant. Les acteurs deviennent des Orphée partis chercher leur Eurydice. Missionnaires solidaires, ils prennent soin les uns des autres. Ils s’enlacent et se réconfortent. Audrey Bonnet, qui signe ici sa première mise en scène, a compris un fait essentiel : être sur scène n’est jamais neutre, si le théâtre répare, il sait aussi blesser.

Spectateurs comme acteurs, personne ne sortira indemne des charniers, des cimetières et des ruines qu’éclairent les théâtres de guerre. Du terrorisme frappant le sol français, à la Russie de Vladimir Poutine envahissant l’Ukraine, en passant par le conflit israélo-palestinien, les balles font leur boulot. Elles tuent.

Regard furieux de l’artiste

La rage que suscite en elle la pensée de jeunes soldats et soldates embrigadés tient Ruth Rosenthal debout. Cette artiste israélienne fondatrice, avec Xavier Klaine, du duo Winter Family, raconte dans Taglit – Droit du Sang une histoire de son pays qui est pure propagande, ce contre quoi s’insurge son spectacle. Créée au Théâtre Vidy-Lausanne, en Suisse, sa représentation clôt une trilogie consacrée à la question israélo-palestinienne. Plus rude et déprimante que les deux premiers volets, cette partie finale a le goût des défaites.

Sur une scène bricolée de peu qu’elle arpente de long en large, gonflant un bateau pneumatique, plantant le drapeau israélien, distribuant des boissons à un public qu’elle sollicite trop (ce qui dessert même la performance), Ruth Rosenthal fait entendre le récit sioniste officiel destiné à la jeunesse juive mondiale. Un exercice de communication qui a pour contrepoint les drames vécus par les Palestiniens et que rappelle, méthodiquement, une comédienne libano-palestinienne, Mayya Sanbar.

Le tressage documentaire réalisé par Ruth Rosenthal qui utilise la vidéo, la musique, le texte, le chant donne un relief grinçant à l’ultranationalisme israélien. Taglit – Droit du Sang a été créé après le 7 octobre 2023. Ruth Rosenthal déroule les éléments de langage du gouvernement de Benyamin Nétanyahou et ce patriotisme triomphant qui gangrène les esprits. Le regard furieux de l’artiste est plus éloquent qu’un discours.

Une traversée intime et politique

L’espoir est une denrée rare qu’il faut aller chercher loin de sa terre natale. Elina Kulikova et son partenaire, le pianiste Dima Efremov, ont fui la Russie après l’invasion de l’Ukraine. Elle, parce qu’elle était surveillée à cause de son militantisme féministe, lui, parce qu’il est homosexuel. Les deux, parce qu’ils s’opposent à la guerre. Dans leur spectacle, La Trilogie de la guerre – le titre est un hommage au cinéaste Roberto Rossellini (1906-1977) et à sa trilogie néoréaliste –, ils effectuent une traversée intime et politique de cette Russie où ils ne retourneront plus.

Les trois séquences, évolutives, montent en puissance émotionnelle. Basculant d’un faux concert classique à la lecture sidérante d’une lettre de soldat russe envoyé sur le front ukrainien, ils terminent par l’histoire de Dima. Cet activiste de l’ombre aide à l’évasion de ses compatriotes. Les deux partenaires sont d’une jeunesse bouleversante. Elina a 29 ans et Dima juste 25. Elle chante faux, elle danse mal, peu importe. Elle boit de la vodka, qu’elle soit ivre ou fasse mine de l’être, peu importe. Son ivresse la libère. Elle assume son mal-être comme ses excès de pathos.

Dima Efrimov, quant à lui, prend des bêtabloquants quarante  minutes avant de jouer et croit reconnaître sa « maman » dans le public. La peur est là, le manque aussi. Ils parlent en russe, ils disent et redisent « je », ils imposent au public des flots de lectures en français sur écran. Ils sont maladroits, sincères, ils en font trop, ils sont magnifiques. Ils arrivent d’un lieu de terreur, d’un terrain de guerre, d’une zone de non-droit dont eux seuls savent la férocité. Leur don de soi dans ce spectacle turbulent qui ne triche jamais n’appelle qu’une réaction : le respect.

La Trilogie de la guerre. Conception : Elina Kulikova. Avec Elina Kulikova et Dima Efrimov. Théâtre Paris-Villette, Paris 19e. Dans le cadre du Festival d’automne. Jusqu’au 2 octobre.

Taglit – Droit du Sang. Conception : Winter Family. Avec Ruth Rosenthal et Mayya Sanbar. Théâtre Vidy-Lausanne (Suisse), jusqu’au 30 septembre. Puis au Théâtre national de Bretagne, à Rennes, les 19 et 20 novembre.

Rien n’est su. Texte : Sabine Garrigues. Mise en scène : Audrey Bonnet. MC93 de Bobigny (Seine-Saint-Denis), jusqu’au 3 octobre. Puis au Tandem à Douai (Nord), les 3 et 4 novembre ; au Quartz à Brest (Finistère), les 20 et 21 novembre ; au Théâtre national de Bretagne à Rennes, du 25 au 28 novembre.

Joëlle Gayot / Le Monde 

Légende photo : « Un endroit perdu », dans la deuxième partie de « La Trilogie de la guerre », mise en scène par Elina Kulikova, en 2024. EKATERINA ROMANOVA

Par Kilian Orain dans Télérama - 16 sept. 2026

Elle est militante écologiste, il est préfet. Ils s’aiment, mais leurs convictions s’opposent. Jusqu’où peut-on aller lorsqu’on est persuadé que sa cause est juste ? Sébastien Bizeau revisite le mythe d’Antigone, dans un spectacle engagé et plaisant, au Théâtre Lepic.

TT

La politique est un théâtre et chacun y joue un rôle. Matière à films et séries en tous genres, à des spectacles aussi, ce mantra, Sébastien Bizeau le creuse à son tour avec Pourquoi les gens qui sèment, créé à Avignon en 2025 en résonance aux événements de Sainte-Soline. L’élection présidentielle de 2027 se profilant à l’horizon, avec son lot de mensonges, de contradictions et — on l’espère — de convictions, la pièce tombe à pic. Les personnages principaux ? Un maire, un préfet et une militante écolo, chacun tiraillé entre son devoir et d’incontrôlables sentiments qui viennent tout questionner.

Moins fouillée et subtile que d’autres productions du même genre (ne pas penser à l’extraordinaire série Baron noir), la pièce se déroule néanmoins sans temps mort. Et sonde les tensions entre les mondes d’hier et de demain pour façonner celui d’aujourd’hui. On y rit, on y réfléchit, avec le plaisir d’un théâtre bien ficelé et généreux.

Kilian Orain / Télérama

• Titre

  Pourquoi les gens qui sèment

• Genre

  Théâtre

• Auteur

  Sébastien Bizeau

• Lieux

  Théâtre Lepic, 1 avenue Junot, 75018 Paris

• Dates

  Du 09/09/2026 au 01/11/2026

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 8 septembre 2026

L’auteur et metteur en scène présente, au Théâtre Lepic à Paris, « Pourquoi les gens qui sèment », spectacle qui, en fil rouge, pose la question : jusqu’où faut-il aller pour défendre une cause que l’on croit juste ?

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2026/09/08/par-le-theatre-sebastien-bizeau-veut-revitaliser-l-engagement-citoyen_6768101_3246.html

Sébastien Bizeau appartient à cette nouvelle génération d’auteurs-metteurs en scène qui, à l’instar de Samuel Valensi (Made in France, Coupures) et Mélody Mourey (Big Mother, La Zone indigo), font souffler un vent nouveau sur le théâtre privé en s’emparant de sujets d’actualité à teneur politique pour susciter le débat. Avec Pourquoi les gens qui sèment, dernière création de sa compagnie, Hors du temps, qui a remporté un joli succès cet été au « off » du Festival d’Avignon, Sébastien Bizeau s’appuie sur l’exemple de Sainte-Soline pour s’interroger sur les tensions entre l’action citoyenne, la désobéissance civile, le devoir d’ordre et l’exercice du pouvoir. La commune des Deux-Sèvres avait été l’épicentre, en mars 2023, d’un affrontement violent entre militants écologistes et forces de l’ordre lors d’une manifestation contre l’installation de mégabassines.

« Je voulais un spectacle qui parle d’engagement et de démocratie, dit-il, raconter une histoire avec l’ambition d’amener à un sujet politico-écologique comme Sainte-Soline des personnes qui n’y seraient jamais venues. » Pour y parvenir, Sébastien Bizeau s’est beaucoup documenté sur cet événement relevant, selon Gérald Darmanin, alors ministre de l’intérieur, d’« écoterrorisme » et a discuté avec les deux « camps », rencontrant militants, préfet, etc. Il en a tissé un récit d’une grande acuité avec des scènes bluffantes de réalisme.

D’une réunion de concertation sur les « retenues d’eau de substitution » (trouvaille de langage administratif pour désigner les mégabassines) au procès d’une militante écologiste pour désobéissance civile en passant par une conférence de presse verrouillée d’un préfet ou encore un pathétique talk-show, Pourquoi les gens qui sèment offre une réflexion fouillée sur le dilemme entre légalité et légitimité.

L’humour comme outil de respiration

« J’ai toujours été intéressé par la chose publique », explique ce diplômé de Sciences Po Paris, amateur d’écriture. A 39 ans, après une formation au cours d’art dramatique Le Foyer, Sébastien Bizeau conserve une double vie : auteur-metteur en scène et cadre dans une entreprise mutualiste (dont il ne souhaite pas donner le nom).

« Chaque sphère irrigue l’autre. Je nourris mon théâtre de ce que j’observe dans mon autre métier, où je suis en prise avec des questions politiques et des enjeux de société. » Dans « un monde idéal », il s’imagine garder ses deux activités et « prendre un nom d’auteur, comme l’avait fait Michel Vinaver [1927-2022] – même si je n’oserais jamais me comparer à lui – qui a longtemps été PDG de Gillette tout en écrivant des pièces ».

Etonnant de voir ces diplômés de grandes écoles, Samuel Valensi (34 ans, HEC), Mélody Mourey (37 ans, Sciences Po Aix-en-Provence), bifurquer vers le théâtre citoyen, se saisir de thématiques très contemporaines à travers des créations engagées, accessibles à tous et dans lesquelles l’humour est utilisé comme outil de respiration et de réflexion. Leurs spectacles sont rythmés et étayés par de solides recherches. Dans une société de plus en plus polarisée, ils se font fort, chacun dans son style (dystopie, satire politique, débat théâtralisé) d’oser une part de pédagogie pour redonner goût au dialogue et revitaliser l’engagement citoyen.

Spectacles « à impact »

« En allant au théâtre, on sort de sa bulle numérique. On peut être d’accord ou pas d’accord mais on voit tous la même chose et, après, peut s’ouvrir la discussion, défend Sébastien Bizeau. Le théâtre peut permettre de remettre du lien, de l’empathie et de l’humanité vis-à-vis de l’autre, quelle que soit son opinion. »

Dans Pourquoi les gens qui sèment, tous les points de vue s’expriment avec, en fil rouge, une question : jusqu’où faut-il aller pour défendre une cause que l’on croit juste ? Au centre de cette histoire, dans laquelle les spectateurs deviennent les témoins directs d’enjeux sociétaux, il y a notamment les personnages de Chloé, militante écologique, Antigone des temps modernes, et d’Antoine, préfet légaliste mais tourmenté. Les prises de parole éclairant les motivations et contradictions de chaque camp s’enchaînent dans une mise en scène d’une habile simplicité.

En témoin de son époque, Sébastien Bizeau (déjà auteur d’Heureux les orphelins, sur le pouvoir de manipulation du langage politique, et de Sucrer les fraises, un tendre spectacle jeune public mettant en scène un enfant confronté à la perte de mémoire de sa grand-mère) revendique des spectacles « à impact », pour sensibiliser le public aux enjeux à venir. Dans Pourquoi les gens qui sèment, il fait dire à l’avocat de la militante : « Les faits ne sont pas écoutés, la science n’est pas entendue, les canaux démocratiques sont bouchés. »

« Pourquoi les gens qui sèment », texte et mise en scène de Sébastien Bizeau, avec Gaspard Cuillé ou Paul Martin, Matthieu Le Goaster, Sana Puis et Nastassia Silve. Jusqu’au 1er novembre au Théâtre Lepic, Paris 18e.

Sandrine Blanchard / Le Monde 

NOTE : Cette sélection n'a pas de prétention à l'exhaustivité. Nous nous permettrons de la compléter au fil des jours.  

AOÛT

A partir du 20 août 

THÉÂTRE TRISTAN BERNARD 

L’ART D’AVOIR TOUJOURS RAISON (reprise)

de Sébastien Valignat 

https://www.theatretristanbernard.fr/lart-davoir-toujours-raison/

https://youtu.be/tdAX8_yyD5o?si=Ej28th5BC9L9b2aG

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A partir du 24 août, les lundis et mardis

ESSAÏON

APRES-MIDI, PISCINE

A partir des récits de Franz Kafka, par Bernard Bloch

https://essaion-theatre.com/spectacle/apres-midi-piscine/

https://blogs.mediapart.fr/olivier-tonneau/blog/250826/etre-la-dans-lexistence-bernard-bloch-joue-kafka

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A partir du 31 août, les lundis et mardis

PETIT MONTPARNASSE

ON NE JOUAIT PAS A LA PETANQUE DANS LE GHETTO DE VARSOVIE

De et par Eric Feldman (reprise)

https://www.theatremontparnasse.com/spectacle/on-ne-jouait-pas-a-la-petanque-dans-le-ghetto-de-varsovie/

https://www.journal-laterrasse.fr/eric-feldman-a-ecrit-et-interprete-on-ne-jouait-pas-a-la-petanque-dans-le-ghetto-de-varsovie-bouleversant-recit-de-soi-autour-du-traumatisme-de-la-shoah-3/

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SEPTEMBRE

Du 2 au 30 septembre

THEATRE DE BELLEVILLE

FRANCE-FICTION

De Nicolas Robinet, mise en scène Tudual Gallic

https://www.theatredebelleville.com/france-fiction

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Du 3 septembre au 20 décembre (jeudi à dimanche) 

THEATRE DE L'OEUVRE

HITCHCOCK ET MARY-ROSE

de Michael Sadler, mise en scène Christophe Lidon

https://www.theatredeloeuvre.com/spectacles/hitchcock-et-mary-rose/

https://www.journal-laterrasse.fr/christophe-lidon-presente-le-texte-hitchcock-et-mary-rose-de-michael-sadler-sous-la-forme-dun-tournage-entre-reve-et-reglement-de-comptes/

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Du 5 septembre au 5 décembre

samedis, dimanches et mardis

LA PEPINIERE

LES GROS PATINENT BIEN (reprise)

de Pierre Guillois et Olivier Martin-Salvan

https://theatrelapepiniere.com/les_gros_patinent_bien.html

https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/02/16/les-gros-patinent-bien-un-spectacle-de-bouts-de-ficelle-qui-fait-carton-plein_6162002_3246.html?srsltid=AfmBOorQbQ9Ec2aGGDKLn9-mKPqMtD2Rnpg_8Nnk8ZPsf_MbDf8jwCnQ

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Du 5 au 12 septembre

THEATRE DE LA VILLE -PARIS (Châtelet)

APRES MOI, LE DELUGE

Par le Ballet national de Marseille (LA) HORDE

https://www.theatredelaville-paris.com/fr/spectacles/saison-26-27/danse/ballet-national-de-marseille-la-horde-apres-moi-le-deluge

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A partir du 7 septembre, les lundis et mardis

ESSAÏON

DOUBLE FRACTURE

Seul-en-scène de Jean-Baptiste Darosey

https://essaion-theatre.com/spectacle/double-fracture/

https://www.telerama.fr/theatre-spectacles/double-fracture-un-joli-spectacle-sur-la-quete-de-soi-a-la-campagne_cri-7044359.ph

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Les 7 et 8 septembre

THÉÂTRE PARIS-VILLETTE

LA DISPARITION DE JOSEF MENGELE

D’après David Guez, mise en scène Benoit Giros, par Michaël Chirinian

Festival Spot#13

https://www.theatre-paris-villette.fr/spectacle/spot-13/

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Du 10 au 18 septembre

THEATRE DE LA VILLE -PARIS (Les Abbesses)

CASTING LEAR d'Andrea Jiménez

https://www.theatredelaville-paris.com/fr/spectacles/saison-26-27/theatre/casting-lear-andrea-jimenez

https://sceneweb.fr/casting-lear-dandrea-jimenez/

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Du 10 au 26 septembre

BOUFFES DU NORD

LES SOEURS HILTON (reprise)

Mise en scène Valérie Lesort et Christian Hecq

https://www.bouffesdunord.com/fr/les-soeurs-hilton

https://www.journal-laterrasse.fr/les-soeurs-hilton-de-christian-hecq-et-valerie-lesort-freaks-inseparables/

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Du 11 septembre au 18 octobre

THEATRE DE LA TEMPÊTE (Cartoucherie)

JOSEF K.

d'après Franz Kafka, mise en scène Clément Poirée

https://www.la-tempete.fr/josef-k

https://www.journal-laterrasse.fr/a-partir-du-proces-clement-poiree-propose-josef-k-une-plongee-dans-loeuvre-de-kafka-entre-thriller-existentiel-et-visions-oniriques/

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15 et 16 septembre

THÉÂTRE PARIS-VILLETTE

SUMMERTIME

Texte et mise en scène Céline Ohrel

Festival Spot#13

https://www.theatre-paris-villette.fr/spectacle/spot-13-summertime/

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Du 15 au 26 septembre

LES PLATEAUX SAUVAGES

PEER GYNT d'Ibsen

Mise en scène Matthieu Roy, avec la promotion sortante de l'ESAD-Paris

https://lesplateauxsauvages.fr/26-27-matthieu-roy-esad/

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Du 15 septembre au 2 octobre

THEATRE DE LA CONCORDE

NE ME LIBEREZ PAS, JE M'EN CHARGE

D'après Michel Vaujour, adaptation et mise en scène Zabou Breitman, avec Yannick Choirat

https://theatredelaconcorde.paris/evenements/ne-me-liberez-pas-je-men-charge/

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Du 16 au 30 septembre

THEATRE DE LA BASTILLE

« JE MEURS DE NE PAS MOURIR »

de Paco Berreza, conception Aurélia Lüscher et Estelle Meyer, interprété par Estelle Meyer

https://www.theatre-bastille.com/saison-25-26/je-meurs-de-ne-pas-mourir-la-vie-double-de-therese

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Du 16 septembre au 25 octobre

THEATRE DE PARIS

UBU ROI

d'Alfred Jarry, mise en scène Daniel Benoin, avec André Marcon

https://www.theatredeparis.com/evenement/ubu-roi/

https://www.journal-laterrasse.fr/ubu-roi-daniel-benoin-cree-une-comedie-macabre-et-absurde-qui-evite-lecueil-de-la-caricature-avec-les-excellents-andre-marcon-et-melanie-page-2/

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Du 17  au 28 septembre

THEATRE DE GENNEVILLIERS T2G

 BUNKER

de Mathieu Bareyre et Marion Siéfert

Festival d’automne à Paris

https://theatredegennevilliers.fr/la-saison/programmation/bunker

Du 17 septembre au 18 octobre

THEATRE DE LA TEMPÊTE (Cartoucherie)

LA MORT DE JEAN-MARIE DE BALMA

De Vincent Guédon, mise en scène Pascal Kirsch

https://www.la-tempete.fr/la-mort-de-jean-marie-de-balma

https://www.artcena.fr/projets-de-creation/la-mort-de-jean-marie-de-balma

https://esseque-editions.com/223-la-mort-de-jean-marie-de-balma-suivi-de-la-lettre-dadieu-au-theatre.html

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Du 17 septembre au 18 octobre

ATHENEE- Théâtre Louis-Jouvet

LES BONNES de Jean Genet

Par la Comédie-Française, mise en scène Carme Portaceli

https://www.comedie-francaise.fr/2026-2027/les-bonnes