Par Sonya Faure dans Libération, 17 juillet 2025

«La Neige est blanche», «le Journal de Maïa» et «la Peau des autres» : pensés pour être joués dans les établissements scolaires et destinés aux adolescents, ces trois spectacles sondent leurs tourments.

«Ce que tu vis, c’est normal et ce n’est pas si grave»

S’offrir aux adolescents

La neige est blanche, jusqu’au 26 juillet à 11 heures à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (cinquante minutes).

Le Journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (cinquante minutes).

La Peau des autres, jusqu’au 23 juillet, à 13 h 15 les jours impairs au théâtre du Train bleu (une heure et vingt minutes).

Analyse par Fabienne Darge / Le Monde du 16 juillet 2025

A mi-parcours de la manifestation, le réel a fait une incursion dans la 79ᵉ édition, les artistes cherchant comment le dire, avec plus ou moins de naïveté ou de bonheur.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/16/au-festival-d-avignon-le-theatre-bouscule-par-l-actualite-immediate-livre-toujours-ses-lecons_6621572_3246.html

Que Gaza ou l’Ukraine ont semblé loin d’Avignon, en cette première partie de la manifestation créée par Jean Vilar, en 1947, dans l’esprit issu de la Résistance… Le Festival a donné, jusque-là, le sentiment d’être une bulle. Certes, de nombreux artistes, dans cette 79e édition, qui met la langue arabe à l’honneur, sont apparus, à l’heure des saluts, avec un keffieh palestinien sur les épaules. Certes, un rassemblement a eu lieu et une « nouvelle déclaration d’Avignon » prononcée, le samedi 12 juillet, sur le parvis du Palais des papes, pour dénoncer « les massacres orchestrés par l’Etat israélien à Gaza et dans les territoires occupés » – une déclaration lue par des artistes comme Anne Teresa De Keersmaeker ou Milo Rau, en présence du directeur du Festival, Tiago Rodrigues. Mais, annoncée tardivement et mal diffusée, cette initiative n’a pas attiré les foules : moins de 1 000 personnes devant le Palais des papes.

La profession théâtrale, traditionnellement très politique, semble, en cette année 2025, tétanisée par les problèmes budgétaires qui la touchent et qui ravagent un écosystème déjà fragile. On attendait la soirée Nour (« lumière », en arabe) du mardi 15 juillet pour voir si Jack Lang, président de l’Institut du monde arabe, à Paris, allait prendre la parole, mais, finalement, c’est Radhouane El Meddeb, directeur artistique de l’événement, qui s’est exprimé en son nom propre avec autant de gravité que de sobriété : « Nour dénonce l’anéantissement programmé de la Palestine et le silence complice de ceux qui ne dénoncent pas cette barbarie. »

Cette soirée poétique et musicale, magnifique, a sans doute plus fait pour la Palestine que bien des discours, dans le partage du sensible mis en œuvre ici, qui n’attaquait pas frontalement le sujet, mais l’a distillé de manière subtile. « La poésie est aussi une méthode qui nous permet de résister à une vie inhumaine », disait le grand poète palestinien Mahmoud Darwich, disparu en 2008.

Le réel est donc là et bien là, dans cette édition, et l’on voit bien que les artistes cherchent comment le dire, quitte à vouloir le faire entrer le plus directement possible dans la représentation, avec plus ou moins de naïveté ou de bonheur. Les curseurs entre réel et imaginaire ne sont pas toujours évidents à ajuster, le théâtre documentaire, souvent réduit à un théâtre de témoignages, n’étant pas toujours le mieux à même de permettre à l’art de jouer le rôle qui est le sien, et qui n’est pas celui du journalisme ou de la politique.

Aussi émouvante que réjouissante

Ces questions, largement brassées ces temps-ci, ont donné lieu à l’une des créations les plus formidables de cette édition. Il se trouve qu’elle est aussi celle qui sera vue par le public le plus varié et le plus éclectique, puisqu’il s’agit du traditionnel spectacle itinérant du Festival, joué, jusqu’au 26 juillet, dans des villages de la région, de Vacqueyras (Vaucluse) à Vallabrègues (Gard). Il a été confié au metteur en scène suisse Milo Rau, actuel directeur du Festival de Vienne, en Autriche, découvert ici, à Avignon, en 2013, avec une extraordinaire pièce documentée sur le génocide rwandais, Hate Radio.

Milo Rau a, depuis, développé un théâtre du réel, notamment sous la forme de représentations de procès. C’est donc lui qui sera aux commandes, également, de la soirée d’hommage à Gisèle Pelicot, programmée vendredi 18 juillet au Cloître des Carmes. Un théâtre du réel qui n’a pas toujours évité certains écueils, celui de la communion entre personnes bien-pensantes, entre autres, avec Antigone in the Amazon, présenté au Festival en 2023.

Avec La Lettre, il est contraint à une forme modeste, qui s’avère ici une vraie petite leçon de théâtre aussi émouvante que réjouissante, et entrelace le réel et l’imaginaire avec autant de simplicité que de maestria. Le réel étant d’abord, dans l’art vivant du théâtre, celui de l’existence en chair, en os, en âme et en esprit des êtres humains présents de part et d’autre du quatrième mur (lequel n’existe plus beaucoup, de nos jours), le metteur en scène est parti de l’histoire personnelle de ses deux jeunes acteurs.

Elle, Olga Mouak, est d’origine camerounaise et réunionnaise. Elle a grandi à Orléans, s’est passionnée très tôt pour la figure de Jeanne d’Arc, et a toujours rêvé de jouer Nina, dans La Mouette, d’Anton Tchekhov. Ce qui, jusque-là, n’a pas été possible, parce qu’elle est noire, qu’elle a un corps de femme terrienne et bonne vivante, et que cela ne correspond pas aux clichés éthérés attachés à ce rôle.

Lui, Arne De Tremerie, est le petit-fils d’une femme, Nina De Tremerie, présentatrice star d’une émission culturelle de la radio flamande, qui aurait rêvé d’être actrice et de jouer Nina ou Arkadina dans La Mouette. C’est d’elle que tout part, et de cette fameuse lettre qui donne son titre au spectacle. Une lettre que Nina De Tremerie a trouvée sur une table de sa maison, quand elle avait 9 ans, et où sa propre mère, l’arrière-grand-mère d’Arne, donc, lui disait qu’elle partait, et qu’elle ne savait pas quand elle reviendrait. C’était en 1949, la mère de Nina n’est jamais revenue. Depuis qu’il est devenu acteur, Arne a un rêve : mettre en scène La Mouette de Tchekhov.

La lettre est-elle vraie ou inventée ? Milo Rau entretient le flou à dessein – il semblerait qu’il y ait bien eu lettre, mais qu’elle ait été réécrite pour les besoins du spectacle. Elle est en tout cas le point de départ d’une mise en acte aussi vertigineuse que ludique sur la manière dont nos vies sont tissées d’imaginaire et de fiction, qui repose sur le talent éblouissant de ses jeunes interprètes. Lesquels joueront bien Constantin et Nina, les deux jeunes héros de La Mouette, mais aussi une foule d’autres choses, dans ce spectacle qui orchestre de troublantes correspondances biographiques.

Tous deux ont un charme fou, lui, Arne, avec son côté showman, sa manière de décaler par l’agilité burlesque son air de petit prince blond aux yeux bleus. Elle, Olga (prénom tchékhovien lui aussi), avec une transparence de jeu renversante, une forme de naturel pour autant jamais banale ni ennuyeuse. Théâtre et réel, la question n’est pas épuisée, jamais épuisable, toujours à remouliner dans les coordonnées spécifiques d’une époque.

La Lettre, par Milo Rau. En itinérance dans la région d’Avignon, jusqu’au 26 juillet. Puis tournée jusqu’en mai 2026, notamment au Théâtre Silvia Monfort, à Paris, du 28 décembre au 31 janvier 2026, et au Théâtre public de Montreuil (Seine-Saint-Denis), du 20 au 30 mai 2026.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Arne De Tremerie et Olga Mouak dans « La Lettre », mis en scène par Milo Rau, au Festival d’Avignon, en juillet 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE/FESTIVAL D’AVIGNON

Par Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 15 juillet 2025

Pour la première fois, la troupe de la Maison de Molière se produit dans les deux Festivals, dans la Cour d’honneur avec « Le Soulier de satin » et à la Scala Provence avec « Les Serge (Gainsbourg point barre) ».

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Pour la première fois, cette année, la Comédie-Française est à l’affiche des deux Festivals d’Avignon. Dans le « in » avec Le Soulier de satin au sein de la Cour d’honneur du Palais des papes, du 19 au 25 juillet, et dans le « off » avec Les Serge (Gainsbourg point barre) au théâtre La Scala Provence, du 15 au 26 juillet. Pas moins de 28 comédiens et comédiennes de la vénérable institution se répartiront sur ces deux scènes. Pour le public avignonnais, qui navigue entre le « in » et le « off » sans se soucier de savoir s’il assiste à un spectacle issu du secteur subventionné ou privé, cette double présence peut paraître anecdotique. Mais pour le milieu théâtral, elle a une portée symbolique forte.

Avec un tempérament toujours prompt à s’emballer, Frédéric Biessy, directeur de La Scala Provence, parle d’un « moment de bascule. Ce qui paraissait improbable devient soudain naturel ». Pour l’occasion, l’entrepreneur a organisé, lundi 14 juillet, une conférence de presse, avec à ses côtés Françoise Nyssen, présidente de l’association de gestion du Festival (« in ») d’Avignon et ancienne ministre de la culture, et Harold David, coprésident de l’association Avignon Festival & Compagnies (AF&C), qui coordonne le « off ». Soit un trio très rarement réuni autour d’une même table. « Après avoir été face à face, le “in” et le “off” sont côte à côte », se réjouit Frédéric Biessy, persuadé que « les lignes bougent » et que cette initiative « aurait fait sourire Jean Vilar [créateur du Festival d’Avignon en 1947] ».

Décloisonnement public-privé inédit

Autour d’eux, les comédiens et comédiennes du Français qui joueront Les Serge écoutent, presque surpris, ces prises de parole enthousiastes sur ce décloisonnement public-privé inédit. « Je n’ai pas le sentiment d’appartenir à une caste ou à un milieu social du théâtre, résume Noam Morgensztern. Quand on nous a annoncé que la tournée des Serge irait à La Scala, on s’est dit “chouette !, on va à Avignon”, sans penser à ces histoires de “in” et de “off”. » Benjamin Lavernhe, sociétaire de la Maison, se souvient : « En 2006, je jouais aux Ateliers d’Amphoux dans le “off” et rêvais de la Comédie-Française. » « En 2009, je jouais à La Manufacture dans le “off” et dans un spectacle de Christophe Honoré dans le “in” », rappelle Sébastien Pouderoux, pensionnaire.

Cette double venue de la Comédie-Française correspond aussi à une édition avignonnaise qui, pour la première fois depuis vingt-cinq ans, affiche des dates communes pour les deux Festivals. Une concordance dont se félicitent aussi bien Harold David que Françoise Nyssen. « Il faut coopérer, sortir des silos ; “in” et “off”, c’est absurde, il y a d’abord un public et du théâtre », insiste l’ancienne ministre. Mais un tel rapprochement nécessite d’« inventer un autre modèle économique », précise le coprésident d’AF&C. Car si la Comédie-Française peut venir dans le « off », c’est parce que La Scala dispose d’une salle de 600 places (la plus importante de ce festival) et a les reins financiers suffisamment solides pour acheter un spectacle du Français et équilibrer, grâce aux recettes de billetterie, avec un tarif des places (48 euros à l’orchestre, 37 euros au balcon) bien plus élevé que ce qui se pratique habituellement dans le « off ».

Le Soulier de satin, mis en scène par Eric Ruf. Cour d’honneur du Palais des papes, Avignon, du 19 au 25 juillet.

Les Serge (Gainsbourg point barre), mis en scène par Stéphane Varupenne et Sébastien Pouderoux. La Scala Provence, Avignon, du 15 au 26 juillet.

Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale)

Par Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 13 juillet 2025

Avec sa nouvelle pièce, qui réunit six personnages dans un chalet bavarois, le metteur en scène suisse offre un spectacle jubilatoire, à la fois politique et poétique.


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C’est comme une drogue. Un shoot de folie douce dans la dureté des temps, qui vous enivre et vous fait entrer en lévitation. Une ivresse indéfinissable, comme si l’air des montagnes s’était engouffré dans la fournaise avignonnaise. Avec Le Sommet, le maître suisse Christoph Marthaler, 73 ans, a offert au Festival, où il n’était pas revenu depuis 2013, une merveille de spectacle, où son sens de l’absurde aérien le dispute à l’acuité politique sur les temps de désagrégation que nous vivons. Un cadeau.

Alors, d’abord le décor. Un chalet en bois qui semble construit directement sur la roche de la montagne, puisque celle-ci affleure à même le plancher. L’endroit est tellement perché que l’on n’y accède que par un monte-charge, qui recrache en premier lieu une copie de La Joconde ainsi que divers objets tout aussi inattendus, déclenchant l’hilarité générale. Avant de laisser la place à un petit groupe d’humains, arrivant un par un, trois femmes, trois hommes.

Chapeaux à plumes, gilets en laine jacquard, culottes de peau tyroliennes et chaussures de randonnée, il semblerait bien que l’on soit dans les Alpes bavaroises – peut-être suivez-vous notre regard, déjà. Que viennent-ils faire là, ces humains qui parlent en français, en italien, en anglais (d’Ecosse), en allemand et même dans un dialecte autrichien aux accents archaïques ? S’agit-il là d’un de ces sommets entre grands de ce monde, réunis discrètement en lieu sûr (en apparence, du moins, comme on le verra plus tard) ?

Absurdité des temps

Après avoir chanté mezza voce à l’unisson, histoire de mieux établir leur communauté, les voilà qui ouvrent de grands classeurs pour se livrer à une irrésistible séance de traduction simultanée, d’autant plus drôle qu’elle ne porte que sur des mots aussi simples que « one », « yes », « no », et surtout « but » – le « mais » étant visiblement l’alpha et l’oméga de ces négociations entre dirigeants réduites jusqu’à l’os. Comme pour mettre à nu une structure révélant l’inanité de ces prétendus échanges.

Le sens de la poésie sonore de Christoph Marthaler et de son dramaturge, Malte Ubenauf, atteint ici des sommets, avec ce concert itératif suivi d’une séance de sauna, laquelle fera dangereusement grimper la température alors que dehors il neige, en plein été. Il faut bien se détendre, après un tel effort, une telle accumulation de « mais ». Et avant la cérémonie officielle qui va suivre, réduite elle aussi, mais cette fois par l’expression des corps, à la vanité de sa représentation.

Peu à peu, pourtant, l’inquiétude gagne. Un hélicoptère passe très près du chalet, et le bruit d’une forte explosion se fait entendre. Un autre appareil survole les lieux, et largue un gros paquet, qui s’avère rempli… d’extincteurs gonflables – un objet qui, oui, existe bien dans notre monde réel, destiné notamment à tous ceux qui voudraient se déguiser en pompiers. Artefact en lequel Christoph Marthaler semble avoir trouvé le symbole parfait de l’absurdité des temps. Dans la montagne, une voix résonne, annonçant que les routes sont coupées, que la zone est condamnée, pour une durée « de quinze à dix-huit ans ».

Puzzle délicat

La dramaturgie en apesanteur, d’essence profondément musicale, de Christoph Marthaler tisse sa toile de manière impalpable, laissant le spectateur faire les liens lui-même. Des textes du poète – trop méconnu – Christophe Tarkos, de Pasolini, d’Olivier Cadiot ou de Dylan Thomas se mêlent à des morceaux de Schubert, de Mozart ou d’Adriano Celentano, dans ce puzzle délicat qui sans cesse se redistribue entre cacophonie et harmonie, loin des formes documentaires parfois paresseuses et souvent lourdement démonstratives qui se multiplient sur les plateaux.

La jubilation provoquée par ce Sommet marthalérien vient aussi, bien entendu, de la vision de ces pompiers pyromanes que sont les grands de notre monde pris à leur propre piège – celui qu’ils ont fabriqué pour les autres, d’une société invivable. Le rire est doublé d’une note de fond d’une gravité sans appel, dans ce spectacle fourmillant de détails dadaïstes, qui peu à peu, sans que ce soit jamais explicite, convoque les réminiscences d’un autre chalet : le Berghof, à Berchtesgaden, dans les Alpes bavaroises.

Adolf Hitler passa la moitié de sa vie, avant et pendant la guerre, dans ce refuge où, en tant que chef d’Etat et de gouvernement allemand, il reçut nombre de personnalités en visite officielle, des Britanniques David Lloyd George et Neville Chamberlain à l’amiral français François Darlan en passant par le duc et la duchesse de Windsor et une noria de diplomates. Pour un homme de la génération de Marthaler, l’histoire du nazisme n’est pas une abstraction. Ne reste alors, sur scène comme dans la salle, qu’à fredonner « Now it’s time to say good night », variation tout en douceur sur Good Night, des Beatles. En attendant la fin du monde.

Le Sommet, par Christoph Marthaler. Festival d’Avignon, La FabricA. Jusqu’au 17 juillet. Puis tournée française et européenne jusqu’en avril 2026, notamment à la MC93 de Bobigny, dans le cadre du Festival d’automne, du 3 au 9 octobre.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE 

Légende photo : « Le Sommet », de Christoph Marthaler, au Festival d’Avignon, le 12 juillet 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE/FESTIVAL D’AVIGNON

Propos recueillis par Laurent Goumarre / Libération du 13 juillet 2025

De passage dans la cité des Papes pour trois jours, la metteuse en scène raconte son Festival, où «tout va plus vite qu’ailleurs».

Par Fabienne Darge, envoyée spéciale du Monde à Athènes - 12 juillet 2025

Le metteur en scène né en Albanie et installé en Grèce présente à Avignon sa nouvelle création, «Mami », dans laquelle il explore les figures maternelles.

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Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’Athènes ne ressemble pas à un cliché pour touristes, en ce jour de mai. Un vent venu d’Afrique a recouvert la ville d’une fine couche de poussières sahariennes, comme un voile de cendres. On suit Mario Banushi dans un quartier modeste et tranquille aux immeubles assoupis, et l’on se croirait dans une petite ville des Balkans, loin, bien loin de la grandeur athénienne. Le jeune metteur en scène, qui est l’artiste à découvrir dans ce Festival d’Avignon 2025, où il présente sa création intitulée Mami, a grandi entre ce quartier d’Ilioupoli et la périphérie campagnarde de Tirana, en Albanie. Il emmène sur les lieux de son enfance comme autant de stations sur un parcours qui l’a vu, en quelques années et trois spectacles, devenir à 26 ans la coqueluche des programmateurs de théâtre du monde entier, d’Avignon à Taipei en passant par Montréal ou Sydney. Un « conte de fées » dont il ne revient pas lui-même.

D’emblée, dès sa première création, Ragada (2022), il a imposé son univers, totalement singulier : un théâtre sans paroles, marqué du sceau du rituel et gorgé d’images à la beauté irradiante, qui fait irrésistiblement penser dans son étrangeté poétique au monde du grand cinéaste géorgien Sergueï Paradjanov. « Comme j’ai grandi dans un milieu totalement éloigné de l’art, et dans l’idée que personne n’allait m’aider, j’ai vraiment dû partir de moi-même, de mes émotions, de mes sensations, pour créer », dit-il en montrant le petit terre-plein, dans le parc jouxtant l’immeuble de son enfance, où il venait seul, en son adolescence, déclamer des monologues.

Mario Banushi a très vite su que sa vie se construirait entre les arts plastiques, la musique et le théâtre, sans avoir la moindre idée de ce qui avait pu le conduire vers ce désir. Pour lui permettre de mener ses études au Conservatoire d’Athènes et économiser le loyer de leur appartement, sa mère est allée vivre avec lui dans le minuscule local qui surplombe la boulangerie qu’elle tient aujourd’hui encore à Ilioupoli. « Ma mère est vraiment mon héroïne, et plus généralement les femmes de ma famille, qui traversent tous mes spectacles, affirme Mario Banushi. C’était extraordinaire pour moi d’intégrer le conservatoire, mais, pour autant, je ne me suis pas du tout reconnu dans l’enseignement, qui était globalement très classique, stanislavskien [du nom du comédien, metteur en scène et professeur d’art dramatique russe Constantin Stanislavski]. J’ai vite compris que le théâtre de texte n’était pas mon truc et que ce que je voulais, c’était chercher dans le corps, dans l’énergie, pour pouvoir exprimer des motifs très personnels. »

Intimité dans l’étrangeté

C’est au conservatoire, pourtant, qu’il découvre le travail de Pina Bausch ou de Christoph Marthaler, dont il se sent beaucoup plus proche, et qui s’est combiné chez lui avec son « amour » pour la musicienne-performeuse Laurie Anderson et pour le cinéaste Andreï Tarkovski. Ces découvertes ont ouvert des portes, même si son univers n’a rien à voir avec celui de ces illustres prédécesseurs, de même qu’avec celui de Romeo Castellucci, avec lequel on le compare pourtant souvent. « J’ai vu mon premier spectacle de Castellucci il y a deux ans, alors que j’avais déjà créé mes trois premières pièces », dit-il en s’amusant.

« Je n’ai pas créé mon propre univers parce que je me suis dit que je voulais le faire, insiste Mario Banushi. C’est vraiment venu de mon esprit, de mon âme, et de ceux de mes performeurs, et surtout performeuses, que je choisis d’abord pour les personnes qu’elles sont, ce qui émane d’elles. Mon premier spectacle, Ragada, qui a été imaginé dans une maison d’Ilioupoli, en dehors de toute institution, a été déterminant pour la suite, dans la manière de créer un sentiment d’intimité, de familiarité avec les spectateurs, au sein d’une forme d’étrangeté. » « Cette pièce, avec son parfum balkanique, a d’emblée séduit le public grec, qui se sent très coupé de cette culture, en raison de l’européanisation et de l’américanisation générales », explique Konstantinos Tzathas, le programmateur des spectacles vivants du Centre Onassis d’Athènes, qui a produit Mami.

« Mes pièces sont très balkaniques dans leurs inspirations, confirme Mario Banushi. Et cela ne pose aucun problème : que l’on joue à Londres ou à Taipei, les spectateurs se reconnaissent quand même, parce que je parle à leur âme, depuis la mienne. » Le metteur en scène reste marqué par l’Albanie de son enfance, où il a vécu jusqu’à l’âge de 6 ans, chez sa grand-mère, à qui sa mère, qui élevait seule ses enfants, l’avait confié. « L’Albanie est un pays où les traditions ont été beaucoup plus sauvegardées qu’ailleurs en Europe. Les rituels y sont encore très présents dans la vie quotidienne, avec leurs costumes, leurs chants polyphoniques. Toutes ces sensations, ces couleurs, ces odeurs, ces sons sont encore très présents en moi. Et le fait d’avoir été élevé entre deux langues a certainement produit chez moi un rapport particulier au langage. »

De ses spectacles sans paroles Mario Banushi dit qu’ils sont « des livres immatériels », qui doivent conduire chacun à la rencontre avec soi-même. Il les travaille en peintre, plus qu’en metteur en scène au sens classique du terme, en réinventant des formes de rituel de deuil et de renaissance : ses deux précédentes créations, Goodbye, Lindita (2023) et Taverna Miresia. Mario, Bella, Anastasia (2023), sont parties de la mort de sa grand-mère, puis de celles de sa belle-mère et de son père, qui tenaient un restaurant à Tirana.

Substrat pictural

Toute création commence donc par un intense travail pictural, reposant sur le dessin et la photographie. Puis vient l’étape de la composition, directement sur le plateau. « Je travaille beaucoup avec les couleurs, les corps, la lumière. Je choisis moi-même le moindre élément scénique, costumes ou objets : je veux que tout soit exactement comme le sentiment que j’ai. C’est un travail très particulier pour les performeurs : il faut essayer, essayer encore, et petit à petit on choisit, on enlève, pour que finalement il y ait une histoire, et pas seulement des images. C’est le montage entre les images qui fait histoire, il ne s’agit pas de faire de l’image pour faire de l’image. »

Même si le substrat pictural est fondamental chez ce grand amoureux de Jérôme Bosch ou de Fra Angelico, de Sophie Calle ou de Nan Goldin, Mario Banushi fuit comme la peste le côté « vitrine » que pourraient avoir ses spectacles. « Même si la beauté compte beaucoup pour moi, on ne doit pas en rester à ce niveau-là, ce que l’on cherche avant tout, ce sont les formes du réel, l’expérience profondément vécue. Idéalement, ce que je veux, c’est faire pleurer les spectateurs… »

Avec Mami, il revient vers la figure de la mère, qui était déjà au cœur de son premier spectacle, Ragada (mot qui, en grec, signifie « vergetures », celles que laisse la grossesse sur le corps des femmes). Mais une mère multiple, diffractée. « Cela peut paraître étrange, mais le mot “mère” a toujours désigné pour moi plusieurs personnes. J’ai été élevé par toute une série de figures maternelles, grand-mère, sœurs aînées, femmes travaillant à la boulangerie… » En Albanie, avant de venir vivre en Grèce, la mère de Mario Banushi était sage-femme. Le jeune homme a grandi entouré d’histoires d’accouchements. Après les pièces précédentes, baignées par la douleur et le deuil, Mami se tourne donc vers la naissance et la vie.

« Depuis longtemps, je me demande qui protège qui, dans une famille. Est-ce toujours le plus grand qui veille sur le plus petit ? Rien n’est moins sûr. Je suis un grand amoureux d’Alice au pays des merveilles, et j’avais envie de jouer sur les rapports entre des corps très grands et très petits. J’aime travailler cette dimension onirique, de conte de fées. » En regardant le théâtre du parc d’Ilioupoli, où il a vu ses premiers spectacles, des tragédies venues du théâtre antique d’Epidaure, Mario Banushi sourit : « Mon théâtre est aux antipodes de la tragédie classique, tellement remplie de mots… Mais, finalement, nous parlons de la même chose, de ce foyer fondamental qu’est la famille. »

Sauf que Mario Banushi a injecté dans le bruit et la fureur de la grande forme grecque une mélancolie et une douceur toutes balkaniques. Sa Grèce à lui n’est pas celle, calcinée par le soleil et les passions, de la tragédie canonique. Elle s’offre dans l’ombre cendreuse de sentiments plus ordinaires mais intensément éprouvés, passés au tamis des souvenirs qui forment l’étoffe de nos vies.

Mami. Création et mise en scène de Mario Banushi. Avec Vasiliki Driva, Dimitris Lagos, Eftychia Stefanou, Angeliki Stellatou, Fotis Stratigos, Panagiota Υiagli, Ilia Koukouzeli. Gymnase du lycée Aubanel, les 13, 14, 16, 17 et 18 juillet à 18 h 30. Durée : 1 h 10.

Fabienne Darge (Athènes)

Légende photo : Ilia Koukouzeli et Fotis Stratigos dans « Mami », de Mario Banushi, lors d’une répétition à Athènes, le 4 février. ANDREAS SIMOPOULOS

L'hommage de Philippe Lançon dans Libération - 2 juillet 2025

Jeanne d’Arc devant la caméra de Robert Bresson, l’écrivaine et académicienne s’est éteinte mardi 1er juillet à 84 ans.

«Je dois une chandelle à ce tricot»

«Obstination splendide»

«Impeccable»

Par Nathalie Simon dans Le Figaro - Publié le 19 juin 2025

Selon une étude de Médiamétrie présentée ce mercredi matin au Théâtre des Bouffes Parisiens, la fréquentation dans les salles privées se maintient. Et rajeunit.

Par Gilles Renault, envoyé spécial à Villeurbanne, pour Libération, publié le 29 juin 2025

Satire à haut risque autour des violences conjugales et de la place de l’humour dans la société, la neuvième création de la compagnie s’en sort très honorablement.

Jeu de quilles sociétal

Gilles Renault / Libération 

Par Calypso Joyeux dans Le Monde - 27 juin 2025

Mi-juin, le Théâtre du Vieux-Colombier, à Paris, accueillait le troisième cycle de découverte d’œuvres contemporaines émergentes, consacré aux écritures théâtrales étrangères.

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La salle du Vieux-Colombier, à Paris, attend le silence. Dans la scénographie de bois sombre de La Souricière, d’Agatha Christie, pièce donnée dans la deuxième salle de la Comédie-Française jusqu’au 13 juillet, ont été installées une table et deux chaises. Aristeo Tordesillas, metteur en scène, dramaturge et élève à l’académie de la Comédie-Française, dirige, ce soir de juin, la lecture d’un texte de Paco Bezerra, traduit de l’espagnol par Clarice Plasteig. Accoutumée des mots anciens, la comédienne Françoise Gillard rejoint le plateau pour prêter sa voix à un texte d’aujourd’hui.

Le contemporain a toujours eu sa place à la Comédie-Française, ne serait-ce que par les auteurs dits « classiques » qui, rappelons-le, ont écrit de leur vivant pour le Français. « Aujourd’hui, un théâtre de répertoire se doit de découvrir de nouveaux textes », affirme Laurent Muhleisen, conseiller littéraire à la Comédie-Française, président du Bureau des lectures depuis sa création, en 2007, par Muriel Mayette-Holtz. Contrairement au Comité de lecture, qui décide de l’entrée de textes au répertoire, celui-ci vise la découverte des écritures théâtrales émergentes.

Cinq cents manuscrits d’œuvres dramatiques sont envoyés chaque année à la Comédie-Française et étudiés par les membres du Bureau. Comédiens et comédiennes de la troupe, poétesse, bibliothécaire, responsable du service éducatif… douze personnalités originaires de différentes branches du spectacle vivant débattent des qualités théâtrales et stylistiques de leurs lectures. S’il y a des thématiques éternelles (la famille, l’amour, la mort), d’autres résonnent avec l’actualité. « Depuis quelques années, nous recevons beaucoup de textes sur la domination masculine, la guerre, le climat, la question du genre, celle qui interroge la résurgence de formes d’oppressions de type fasciste », poursuit Laurent Muhleisen.

Thème de la résistance

A l’issue des sessions d’échange, les œuvres retenues rejoignent une sélection annuelle lourde d’une trentaine de textes, consultable sur le site Internet de la maison de Molière. Neuf font l’objet de lectures publiques au Vieux-Colombier et au Studio-Théâtre, organisées sous forme de cycles, respectivement consacrés aux écritures françaises, jeunesses et étrangères.

Ce jour de juin, c’est au tour des littératures venues d’ailleurs d’être mises à l’honneur. Les trois textes sélectionnés pour l’occasion se retrouvent sur le thème de la résistance. Le premier, Le Poisson rouge de Berlin, de Pat To Yan, provient de Hongkong. Plume en exil, Natalia Lizorkina, autrice du deuxième (Vania est vivant), a quitté la Russie en 2022, dès le début de la guerre en Ukraine. Le cycle de lecture s’est clôturé avec Je meurs de ne pas mourir (la vie double de Thérèse), de Paco Bezerra, qui raconte la réincarnation de sainte Thérèse d’Avila, courant après ses reliques. La religieuse carmélite est junkie, prostituée, stand-uppeuse, en marge pour toujours. Pour l’heure, la création de la pièce ne peut avoir lieu en Espagne, le parti d’extrême droite Vox ayant exercé une pression qui a conduit à sa censure.

Chaque mise en lecture est un pari. A l’approche d’un nouveau cycle, la distribution des directeurs et des interprètes s’opère par affinités électives. Aristeo Tordesillas a été conquis par la prose espagnole franche et vive de Paco Bezerra et la « grande force » avec laquelle celui-ci parvient à « rendre des conceptualités historiques de manière très simple ». Le metteur en scène ajoute : « Quand on associe une langue piquante à des idées pointues, ça réveille. » Et cela séduit également Françoise Gillard, elle aussi membre du Bureau, qui se propose pour interpréter Thérèse.

Trois après-midi de répétitions

Les directeurs de lecture disposent de trois après-midi de répétitions pour « pointer les intentions, la dynamique de l’écriture sans esquisser le moindre geste scénique », développe Laurent Muhleisen. Il ne faut pas perdre de vue que le texte sera lu dans un décor qui lui est étranger. Dans l’écrin de La Souricière, sainte Thérèse rencontre Agatha Christie. Et qui sait ce que pourrait provoquer l’entrée d’une sainte sur une scène de crime ?

Aristeo Tordesillas maîtrise l’angle sous lequel il aborde le personnage : « Thérèse ne construit pas son identité autour de la révolte. » Ne pensant pas comme la majorité, elle se retrouve naïvement à ébranler ce qui l’entoure. « On l’entendrait presque dire : “Excusez-moi si j’ai changé le monde. Je n’ai pas fait exprès.” » Muée en sainte Thérèse d’Avila des temps modernes, Françoise Gillard opte pour une lecture expressive. Tranchants sont les mots qui coulent de sa bouche pour faire ressortir une littérature piquée d’humour.

Il arrive que de belles découvertes adviennent pour certains metteurs en scène. « A la lecture de L’Arbre à sang, sélectionné par le Bureau en 2021, le metteur en scène Tommy Milliot, qui se trouvait dans la salle, a été envoûté par l’écriture d’Angus Cerini. Il a alors décidé de monter la pièce dans le cadre d’une collaboration avec la Comédie de Béthune [Pas-de-Calais] », raconte Laurent Muhleisen. De la même manière, il sera possible de découvrir, début 2026, au Studio-Théâtre, Bestioles, texte australien de Lachlan Philpott repéré par le Bureau des lectures, mis en scène par Séphora Pondi.

Le public ayant assisté aux trois lectures du cycle est invité à prendre part à une discussion de laquelle ressortira un texte coup de cœur. Ce sera celui de Paco Bezerra, cette année. Avant de quitter le Vieux-Colombier, une spectatrice applaudit la volonté de la Comédie-Française de faire entendre des écritures venues d’ailleurs.

Calypso Joyeux / Le Monde

Par Gilles Renault dans Libération  - 24 juin 2025

La création de Camille Boitel et Sève Bernard, célébration joyeuse de l’effondrement, a égayé l’ouverture du festival, marquée par l’annulation de la compagnie israélienne Batsheva.

45e festival Montpellier Danse, jusqu’au 5 juillet. « »

Gilles Renault / Libération

Par Anne Diatkine dans Libération / 22 juin 2025

Les deux grands lieux culturels parisiens vont bientôt renouveler leurs dirigeants. Pour le premier, c’est le président de la République qui le nommera, sur proposition de la ministre de la Culture. Pour le second, subventionné par la mairie de Paris, ils sont trois en lice : Fériel Bakouri, Valérie Senghor et l’artiste Mohamed El Khatib.

Pour candidater au CentQuatre, un projet d’une trentaine de pages est requis

Au CentQuatre, les usagers dessinent la configuration de l’espace

Anne Diatkine / Libération 

Légende photo : Le CentQuatre. (Quentin Chevrier/Le 104)

Par le service Culture de Libération - 17 juillet 2025

L’équipe théâtre de «Libé» vous aide à vous y retrouver parmi les 1 724 spectacles du off. Du dancefloor aux lycées en passant par l’industrie musicale, sélection de 10 spectacles.

«L’ouvrir», le génie lesbien de Morgan·e Janoir

Jusqu’au 24 juillet à 11h45, Théâtre 11 Avignon, 11, boulevard Raspail (84 000). Une heure.

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«Album» de Lola Molina et Lélio Plotton

Album de Lola Molina, mise en scène Lélio Plotton, à La Manufacture, Festival off Avignon, jusqu’au 22 juillet. Texte édité aux éditions Théâtrales

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«Fast», d’Olivier Lenel et Didier Poiteaux

Fast- Festival OFF d’Avignon, Théâtre des Doms, 1 bis rue des Escaliers Sainte-Anne (84000). A 10h30 jusqu’au 26 juillet, relâche les mercredis 16 et 23 juillet.

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«L’Evénement» de Joëlle Fontannaz

Jusqu’au 20 juillet à la Manufacture à 18h15 (durée 1h15). Dans la sélection suisse.

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«Azira’i», de Zahy Tentehar

Azira’i, mis en scène par Zahy Tentehar avec l’aide de Duda Rios jusqu’au 13 juillet à la Manufacture à 17 h 25 (relâche le 10 juillet).

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«Annette», de Clémentine Colpin

Annette de Clémentine Colpin au Théâtre des Doms, festival Off jusqu’au 26 juillet.

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«Décoloniser le dancefloor», de Habibitch

Décoloniser le dancefloor, Habibitch, jusqu’au 22 juillet au Château de Saint-Chamand, navette 19h15, spectacle 19h40. Relâche le 17 juillet. Retour à Avignon 21h35 en navette.

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«Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer» d’après Virginie Despentes

Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer  de Virginie Despentes, mis en scène par Anne Conti, jusqu’au 26 juillet à 18 heures (durée : 1 heure), à la Scierie (relâche les 8, 15 et 22 juillet).

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«La neige est blanche» de Marine Mane

La neige est blanche jusqu’au 26 juillet à 11 h 00 à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (50 minutes).

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«Le journal de Maïa» de Cédric Orain

Le journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au Théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (50 minutes).

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 16 juillet 2025

Proposé dans le « off » du festival, le spectacle, créé en mars 2024 à Villeneuve-d’Ascq pour deux acteurs, connaît un tel succès que trois duos se succèdent désormais à la distribution.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/16/a-avignon-l-abolition-des-privileges-poursuit-son-exceptionnel-parcours_6621650_3246.html

Histoire paradoxale d’un succès qui fait du bien, mais ne protège de rien : l’épopée de L’Abolition des privilèges (adapté et mis en scène par Hugues Duchêne à partir d’un roman de Bertrand Guillot) est l’exemple même d’un projet modeste qui a su rencontrer un large public. La raison de cet engouement ? Sa forme souple et son contenu percutant qui, sous prétexte de retracer une séquence historique, tape au cœur de préoccupations contemporaines.

La fiction ressuscite la nuit du 4 août 1789, au cours de laquelle représentants du tiers état, du clergé et de la noblesse en finissent avec les privilèges et instaurent l’universalité de l’impôt. Une heure quinze de débats jubilatoires que perturbe l’insertion hilarante de thèmes sociétaux tels que le féminisme, le patriarcat ou encore le « wokisme ». « Le roman décrit un bouleversement politique qui renverse un ordre établi depuis quatre cents ans et prouve qu’il est possible de faire advenir du nouveau. Or, de quelle nuit du 4 août rêvons-nous aujourd’hui ? », s’interroge le metteur en scène qui reprend, à sa manière, le flambeau d’illustres prédécesseurs. Ariane Mnouchkine, Sylvain Creuzevault ou Joël Pommerat ont, avant lui, redonné des couleurs à la Révolution française.

Proposé au Train bleu, dans le « off » d’Avignon, dans un dispositif quadrifrontal, avec deux acteurs au plateau, L’Abolition des privilèges nécessite désormais une triple distribution, les comédiens étant dans l’impossibilité d’assurer les représentations prévues dans les mois à venir. Un premier duo a ouvert le festival, le second l’a relayé du 7 au 17 juillet, le troisième fermera le ban jusqu’à la clôture de la manifestation. Ces trois équipes seront sur le pied de guerre pendant la saison 2025-2026, et c’est là l’heureux karma d’une aventure née il y a un peu plus d’un an.

Quelque chose d’inédit

En mars 2024, lorsque Hugues Duchêne, directeur de la compagnie Le Royal Velours, donne le coup d’envoi de L’Abolition des privilèges au Théâtre de La Rose des vents, à Villeneuve-d’Ascq (Nord), il est loin de se douter de ce qui l’attend. Quelques jours plus tard, à Paris, où le spectacle se reprend dix fois au Théâtre 13, c’est le jackpot : record d’affluence dans la salle. Trois mois plus tard, l’artiste casse la tirelire familiale pour s’offrir un créneau d’exposition dans le « off » du Festival d’Avignon. Le marché est concurrentiel, mais la rumeur, excellente, sait trier le bon grain de l’ivraie. Trois cents professionnels se bousculent à la porte : « Certains n’ont pas pu entrer, ce qui a aiguisé leurs convoitises, dit en souriant le metteur en scène, pas dupe. C’est un spectacle léger et qui ne coûte pas cher : 3 500 euros la session. »

En octobre 2024, Léa Serror, la directrice de production, l’avertit : il se passe quelque chose d’inédit : les demandes d’accueil affluent de toutes parts, pas question de décliner les sollicitations. Revers de la médaille : Maxime Pambet, le créateur du rôle principal, ne pourra pas être de toutes les soirées. Duchêne monte donc une équipe B, puis, en janvier, une équipe C. Il anticipe à juste titre : entre mars 2024 et juin 2026, L’Abolition des privilèges devrait cumuler 290 dates de représentation. Un nombre « inespéré et fou » dans un laps de temps aussi resserré.

A la croisée des chemins

Cette performance, qui rassure l’intermittent en quête de cachets, ne fait pourtant pas de Hugues Duchêne un homme riche. « Je gagnais mal ma vie, je la gagne un peu mieux, mais sans plus. » D’un point de vue économique, l’opération n’est pas une martingale. Venir à Avignon coûte cher. Location de la salle, logements, repas, voyages, communication : la note grimpe à 54 000 euros (assumée par Le Royal Velours et trois autres partenaires). Pour récupérer l’argent investi, il faut vendre 25 dates du spectacle : « Nous y parviendrons. Mais, une fois amorti le coût avignonnais, ce qui restera dans nos caisses ne suffira pas à financer ma prochaine création. »

Pour son futur projet, il a besoin de 140 000 euros. Des coproducteurs ont répondu présent, mais ne peuvent, pour l’heure, préciser le montant de leurs apports. La subvention récemment attribuée par la direction régionale des affaires culturelles des Hauts-de-France (25 000 euros annuels pendant deux ans) et l’aide de la région Hauts-de-France ne suffiront pas à boucler le budget : « Je fais avec les moyens de production du théâtre public, et ils ne sont plus ce qu’ils étaient. » S’il admet malgré tout faire « partie des privilégiés du système », Hugues Duchêne est à la croisée des chemins. Réclamé par les directeurs de théâtre, plébiscité par le public, le succès de L’Abolition des privilèges n’a en rien aboli l’incertitude des lendemains qui tremblent.

L’Abolition des privilèges. D’après Bertrand Guillot. Adaptation et mise en scène : Hugues Duchêne. Train bleu. Avignon Jusqu’au 24 juillet. Distribution : Maxime Pambet en alternance avec Maxime Taffanel et Oscar Montaz ; et Hugues Duchêne en alternance avec Baptiste Dezerces et Matéo Cichacki.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Par Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 15 juillet 2025

L’ancien président de la République, qui avait l’étoffe d’un personnage de théâtre, est évoqué dans deux spectacles à l’affiche du Festival, « Lettres à Anne » et « Génération Mitterrand ».

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/15/le-retour-de-francois-mitterrand-devenu-personnage-du-off-d-avignon_6621383_3246.html

La légende raconte que François Mitterrand (1916-1996), président de la République en exercice, avait l’habitude, au mois de juillet, d’échapper à la vigilance de ses gardes du corps pour débarquer, sans crier gare, au Festival d’Avignon, où le directeur, averti d’un coup de téléphone, lui réservait une place discrète dans les salles obscures.

Le spectateur clandestin d’autrefois est aujourd’hui l’un des héros du Festival « off ». Il fait son entrée à pas de loup sur les scènes de deux théâtres. Il s’immisce à la Scala Provence, où Alice Faure dirige Samuel Churin et Céline Roux dans une adaptation des Lettres à Anne (magnifique et impressionnant recueil des courriers de Mitterrand, publié chez Gallimard par Anne Pingeot vingt ans après la mort de son compagnon). Il se glisse aussi au Train bleu, où Léo Cohen-Paperman, son coauteur Emilien Diard-Detœuf et trois comédiens revisitent avec impertinence et lucidité les années fastes, puis crépusculaires qui ont suivi le 10 mai 1981.

Deux faces d’un même homme surgissent. L’une intime et privée, l’autre publique et populaire, les deux formant l’envers et l’endroit d’un Mitterrand qui a l’étoffe d’un personnage de théâtre. Sa personnalité, sa vie, ses secrets, ses manœuvres, ses stratégies, son ambition : qu’on l’aborde de l’intérieur ou qu’on le contemple de l’extérieur, il a toute sa place sur les scènes.

Du flux ardent des lettres envoyées à Anne Pingeot émerge la figure d’un amant déterminé, dévorateur, et dont le désir relève d’une forme de prédation. Emprise intellectuelle autant qu’amoureuse et sans doute sexuelle : la jeune fille de 18 ans qu’entreprend de séduire Mitterrand n’avait aucun moyen de lui échapper. Samuel Churin n’enlace d’ailleurs pas Céline Roux, qu’il domine de toute sa hauteur. Il la sculpte, la modèle, la soumet à la caresse autoritaire de sa main. Superbe duo qui trouve son point d’équilibre lorsque l’actrice, relevant la tête, abandonne le sourire pour la rage, le hurlement et la révolte. « Laisse-moi partir », lui écrit-elle à 28 ans dans une lettre furieuse (mais qu’elle n’enverra pas).

A partir de là, la balance penche vers plus d’égalité. La transposition théâtrale de ce brasier épistolaire souligne la force d’âme identique de deux partenaires qui s’enrichissent mutuellement. Elle s’émancipe peu à peu, il s’enfonce dans la vieillesse. Il a plus besoin d’elle qu’elle de lui. Leur relation et ce qu’en restitue le spectacle, tout, dans ce qui se joue à la Scala, est d’une grande intelligence.

Illusions et désillusions

Ce même amant consumé par la passion est élu en 1981 président de la République. La fiction mise en scène par Léo Cohen-Paperman a pour point de départ le 10 mai 1981. Jour de liesse pour les trois protagonistes qui se partagent la narration des illusions et des désillusions : un professeur à Vénissieux (Rhône), une journaliste parisienne, un ouvrier à Belfort. Quatre décennies plus tard, en 2022, le temps a fait son œuvre : l’enseignant vote pour Jean-Luc Mélenchon, la journaliste pour Emmanuel Macron, l’ouvrier pour Marine Le Pen.

Ce condensé de trajectoires ne travaille pas par hasard sur les clichés. Ces clichés sont la matière première d’une représentation où chaque mot prononcé est familier aux oreilles d’un public quinquagénaire (et plus). Mais, qu’ils aient voté ou non en 1981 (beaucoup de jeunes assistent à la pièce), les spectateurs, de près ou de loin, connaissent les épisodes mis en jeu : la maladie de Mitterrand, sa détestation de Rocard, le tournant de la rigueur, l’entrée du Front national à l’Assemblée nationale, la réélection de 1988, l’Europe enfin.

Ces événements, petits et grands, sont entrés dans l’histoire de la France. Ils appartiennent au peuple, sont commentés par la vox populi, qui peut en chanter par cœur les refrains. Assumant plusieurs rôles (leurs personnages, ceux des politiques), les acteurs se mettent au diapason d’une comédie endiablée piquée de politique vivante, à vous redonner le goût du militantisme. Avec son lot de volte-face, de reniements, de ruses, son précipité de cocasseries, cette farce a le rythme d’un vaudeville à la Feydeau. Et le tragique d’un drame shakespearien sur lequel plane, dès les premières lignes, dès 1981, l’ombre d’une mort à l’œuvre.

« Lettres à Anne », mis en scène par Alice Faure. Avec Samuel Churin et Céline Roux. La Scala Provence, Avignon, jusqu’au 27 juillet.

« Génération Mitterrand », mis en scène par Léo Cohen-Paperman. Avec Léonard Bourgeois-Tacquet, Mathieu Metral, Hélène Rencurel. Théâtre du Train bleu, Avignon, jusqu’au 23 juillet. Festivaloffavignon.com

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale)

Par Rosita Boisseau et Fabienne Darge (Avignon, envoyées spéciales) publié dans Le Monde du 12 juillet 2025

Le danseur et chorégraphe flamenco Israel Galvan et l’auteur et metteur en scène Mohamed El Khatib sont réunis dans un joli spectacle dans lequel ils auscultent le rapport aux pères.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/12/a-avignon-israel-mohamed-un-facetieux-duo-d-iconoclastes_6620876_3246.html

L’occasion était trop belle. Réunir le danseur et chorégraphe flamenco Israel Galvan et l’auteur et metteur en scène Mohamed El Khatib, c’était la promesse d’un titre choc, symbole de vivre-ensemble – et titre un peu trompeur, puisque Israel Galvan n’est pas juif, mais issu d’une famille andalouse appartenant aux Témoins de Jéhovah. Comment les deux compères allaient-ils se dépatouiller avec ça et faire la paire ? On pouvait craindre le pire, un spectacle de circonstance, mais après quelques minutes d’échauffement de ceux qui rêvaient de devenir footballeurs, la question a trouvé sa réponse positive. Israel et Mohamed sont bien assortis et ont offert une jolie surprise, lors de la première au cloître des Carmes, le 10 juillet.

A gauche, donc, Mohamed, tee-shirt jaune flashy imprimé « Morocco ». A droite, Israel, en djellaba bleu ciel, gentiment prêtée par le père de Mohamed. Chacun a installé son petit univers, ramassé en quelques objets sur une table en bois surmonté d’un portrait de son papa, en une sorte d’autel. Car ce duo, léger et grave à la fois, ausculte le rapport aux pères, deux pères ogres aussi écrasants que touchants. Présents en vidéo sur le plateau, ils racontent sans fard leur relation complexe avec leurs fils, qui ont taillé leur chemin d’émancipation sans pour autant renier leurs origines.

La parole revient au premier, c’est son rayon, il est rompu au théâtre documentaire, qu’il pratique depuis des années. C’est lui qui raconte leurs deux histoires, les liens qui se tissent entre elles, et qu’Israel, taiseux parce que bègue, va incarner par sa danse follement crépitante. Pour Galvan, né dans une famille flamenca traditionnelle, à la tête d’une école à Séville, devenir cet artiste iconoclaste, pourfendeur tranquille des clichés, n’a pas été sans mal. Pour El Khatib, une famille ouvrière de la région d’Orléans, musulmane pratiquante, et un père archi-strict, qui n’hésitait pas à cogner, et n’envisageait pour son fils que la place de premier de la classe. Un père pour qui le théâtre n’était pas une option.

Veine expérimentale et burlesque

La lutte pour le choix d’être soi explose dans le zapateado (frappes de pieds) de Galvan. Plus que jamais intrépide, en bottines, chaussures à crampons et babouches – encore un cadeau El Khatib ! –, Galvan pique et repique à la veine expérimentale et burlesque qui est la sienne depuis plusieurs années. S’écraser un œuf sur la tête ne lui fait pas peur tant son art puise au plus profond, au plus tragique de son être. Alors qu’il se met autour du cou les dizaines de médailles en or récoltées dans les concours et festivals de danse, au risque de s’en étrangler, il souligne aussi combien ces prix n’ont pas compensé pour son père, gardien de l’orthodoxie flamenca, sa sidérante liberté.

Chez Mohamed El Khatib, l’adresse au géniteur est moins rageuse, tout en étant sans concession, au fil d’une longue (trop, peut-être) lettre au père inspirée de celle, célèbre, de Kafka. Le filtre de la distance et de l’humour n’entrave pas l’analyse au rasoir d’une vision patriarcale du monde : « Avec tes amis, tu disais : “Les enfants, il faut les dresser” », constate, désolé, le fils. Ce qui n’empêche pas une certaine tendresse d’affleurer dans ce duo « sol y sombra », où la lumière et l’ombre se distribuent de l’un à l’autre des protagonistes en permanence. Avec l’humour en trait d’union, cet Israel & Mohamed s’offre une merveilleuse apparition, celle de la coupole d’une mosquée posée sur les pierres du cloître. Un pied de nez facétieux parmi d’autres à toutes les orthodoxies.

Israel & Mohamed, par Israel Galvan et Mohamed El Khatib. Cloître des Carmes, jusqu’au 23 juillet.

Rosita Boisseau et Fabienne Darge (Avignon, envoyées spéciales du Monde) 

Par Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 14 juillet 2025

Le comédien belge donne toute l’intensité de son jeu dans une pièce aux allures de western contemporain.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/14/au-festival-off-d-avignon-felix-vannoorenberghe-enthousiasme-dans-la-s-ur-de-jesus-christ_6621173_3246.html

Dès que Félix Vannoorenberghe revêt, en arrivant sur scène, une robe rouge écarlate en hommage à l’héroïne de La Sœur de Jésus-Christ, le public est saisi par l’intensité de sa présente et la puissance de sa narration. Impossible de décrocher de ce récit qui nous plonge dans un village du sud de l’Italie où Maria, la sœur de Simenone (surnommé « Jésus-Christ »), va s’emparer d’un pistolet rangé dans un tiroir de la cuisine familiale, sortir de la maison et se rendre, sans un mot, chez Angelo, l’homme qui l’a violentée la veille.

La prestation de ce jeune comédien belge est si étincelante qu’on a la sensation tenace de découvrir un futur grand nom du théâtre. Accompagné de la musicienne Florence Sauveur, Félix Vannoorenberghe nous entraîne, comme dans un long travelling, dans un récit captivant aux allures de western contemporain. A l’image de cette foule de villageois (les gars du chantier, les chasseurs, les bikers, les femmes jalouses de sa beauté, les enfants, etc.) qui va suivre ou invectiver Maria, jeune femme à la détermination imperturbable, le spectateur est pris dans un suspense, dans le besoin de comprendre pourquoi elle a décidé de prendre une arme, comment cette violence a pu se développer dans un silence collectif coupable.

Félix Vannoorenberghe est à la fois le narrateur et le reflet de la communauté villageoise à laquelle il donne vie à travers une multitude de costumes qu’il endosse puis suspend au fur et à mesure de l’histoire à l’arrière-scène pour figurer le cortège des habitants. « Je suis comme un observateur qui a assisté à une histoire tellement dingue qu’il a besoin de la raconter en faisant vivre tous ses protagonistes », résume, hors scène, Félix Vannoorenberghe.

« Plonger dans la parole »

A 30 ans, ce comédien au visage juvénile, au corps longiligne et à la voix profonde et douce – croisé notamment dans quelques séries télévisées (Hippocrate, Salade grecque) – a suivi à la lettre les conseils du metteur en scène Georges Lini (1966-2025) : « Plonger dans la parole », travailler le texte comme une « partition de musique » et l’accompagner d’un « investissement physique ».

Le résultat est tellement saisissant que La Sœur de Jésus-Christ a déclenché un bouche-à-oreille immédiat. Le spectacle fait salle comble. Mais cet Avignon qui pourrait être « de rêve » a une dimension « absurde », lâche le comédien. Parce que Georges Lini, l’artisan de ce succès, « n’est plus là ».

Emporté par un cancer à l’âge de 58 ans, ce metteur en scène, personnalité réputée de la scène belge, est mort le 27 juin. « C’était mon mentor, on travaillait ensemble depuis huit ans, il m’a vraiment appris mon métier. » Félix Vannoorenberghe n’oubliera jamais cet e-mail reçu un soir de 2017, « à 0 h 11 », précise-t-il, dans lequel Georges Lini lui proposait de jouer dans La Profondeur des forêts, de Stanislas Cotton (pour lequel il recevra, en 2018, le prix Maeterlinck de la critique, catégorie meilleur espoir).iuge

Alors étudiant en dernière année de l’Institut des arts de diffusion (IAD) à Louvain-la-Neuve (Belgique), Félix Vannoorenberghe avait passé le matin même un examen. Georges Lini était membre du jury et l’a tout de suite repéré. Leur collaboration, au sein de la compagnie belge Belle de nuit, n’a jamais cessé. Désormais, il s’agit, insiste le comédien, de « faire honneur à son travail ». Ce que son élève réussit pleinement.

« Avignon, le lieu saint du théâtre »

La Sœur de Jésus-Christ fait partie de la « trilogie des Antigone » imaginée par Georges Lini. Le premier chapitre, Iphigénie à Splott, avait déjà été l’un des succès du « off » d’Avignon en 2023 et avait révélé le talent de Gwendoline Gauthier. « Il était toujours à la recherche de la beauté dans ce monde dégueulasse, se souvient Félix Vannoorenberghe, et avait engagé plusieurs jeunes comédiens et comédiennes ces dernières années. »

Après soixante dates de tournée en Belgique, La Sœur de Jésus-Christ enthousiasme désormais le public avignonnais, qui se presse au Théâtre des Doms, vitrine de la création belge francophone. « Avignon, c’est un peu le lieu saint du théâtre, la porte d’entrée française pour les compagnies belges. C’est la première fois que je viens à ce festival en tant que comédien. Je l’avais découvert, en tant que spectateur, à l’âge de 18 ans, grâce à un cadeau de ma mère. »

Institutrice, c’est elle qui, en inscrivant son fils très jeune dans une école municipale de musique et de théâtre, a semé chez lui la « première graine » du virus du théâtre. Une « seconde graine » est venue s’ajouter à l’adolescence, grâce à la découverte des spectacles d’Hamadi El Boubsi. « Des claques théâtrales qui m’ont tour à tour ému, émerveillé, secoué, changé », se souvient le comédien.

Cette fois, grâce à son talent, à la délicatesse de l’accompagnement musical imaginé par Florence Sauveur et à la force du texte de l’Italien Oscar De Summa, qui n’est pas moralisateur, mais pose des questions sur les racines et les ressorts de la violence, la « claque théâtrale », c’est lui.

Voir le teaser vidéo 

La Sœur de Jésus-Christ, d’Oscar De Summa, texte français : Federica Martucci, mise en scène : Georges Lini. Avec Félix Vannoorenberghe et la musicienne et compositrice Florence Sauveur. Festival « off » d’Avignon, Théâtre des Doms. Jusqu’au 26 juillet. Tarifs : de 14 € à 21 €. En tournée en Belgique et en France à partir de 2026.

Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE 

Enquête de Joëlle Gayot / Le Monde du 13 - 14 et 15 juillet 2025

Malgré les difficultés financières, nombre de collectivités, de bords politiques divers, maintiennent, voire amplifient, leur appui au secteur artistique.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/14/ces-elus-locaux-qui-soutiennent-la-culture-envers-et-contre-tout_6621056_3246.html

Soutenir ou ne pas soutenir la culture ? Et, si oui, comment et pourquoi le faire dans un contexte économique si tendu que chaque euro sorti des caisses des collectivités territoriales est pesé, soupesé et scruté à la loupe ? Alors que des élus locaux de tout bord, contraints par leurs budgets en berne, diminuent leurs aides aux structures culturelles, d’autres responsables politiques, venus du centre, de la droite ou de la gauche, jouent une autre partition. Ils se battent pour maintenir les crédits alloués à la culture. Ne sacrifier, donc, ni la création, ni l’émergence, ni, en bout de chaîne, le public en quête d’un art qui le bouscule et l’émancipe.

Cette décision transpartisane, qui se traduit par une sanctuarisation, voire – plus rare – par une augmentation des subsides accordés, découle d’un vrai choix politique. Le mot n’est pas galvaudé, avec comme moteurs puissants à cette mobilisation pour les artistes et la liberté d’expression, la lutte contre le complotisme, les fake news, la censure ou l’essor de l’extrême droite. Maintenir le niveau des subventions culturelles, quand il serait facile d’arguer de priorités supérieures, telles que la sauvegarde de l’hôpital, de l’école ou des transports, et alors que le gouvernement cherche encore 40 milliards d’euros d’économie sur le budget 2026, témoigne d’un engagement qui va au-delà de la posture.

« Si, dans les Hauts-de-France, nous y parvenons, alors tout le monde peut le faire », estime Xavier Bertrand (Les Républicains, LR), qui plaide pour une refonte du socle éducatif : « Il faut que, en son cœur, soit placée l’éducation culturelle et artistique. C’est un chantier présidentiel en soi », insiste-t-il. A la tête du conseil régional des Hauts-de-France, il a, depuis son élection en 2016, porté son budget de la culture de 76 millions d’euros à 115 millions d’euros.

« Nous ne partions pas d’une page blanche, mais nous l’avons augmentée de deux tiers, ce n’est sûrement pas pour faire aujourd’hui marche arrière », assure celui qui ferraille depuis près de dix ans avec l’opposition du Rassemblement national (RN) : « Le nombre de fois où ils ont affirmé qu’il ne fallait pas voter des aides à des festivals, car on y déclamait des vers trop crus d’Apollinaire ! Culture ne rime pas avec censure, sauf pour le RN. » Elle ne rime pas davantage, à l’en croire, avec le refrain dévastateur du « non-essentiel » seriné pendant le Covid-19, et qui a relégué les rencontres entre l’art et le public à l’arrière-plan des préoccupations gouvernementales.

Un Etat aux abonnés absents

« La crise sanitaire a été un déclic, renchérit Cécile Helle, la maire (Parti socialiste, PS) d’Avignon. Nous avions accès aux lieux de consommation, mais pas à ceux de culture. Cette privation m’a interpellée sur l’image de société qui était alors renvoyée. » Deuxième confinement oblige, à l’automne 2020, l’édile a vu se profiler le spectre d’une France sans théâtres, sans musées ou sans cinémas. « Ce n’est pas cela que l’on veut pour notre pays et notre République », proteste-t-elle.

Alors que la 79e édition du Festival d’Avignon a démarré, samedi 5 juillet, Cécile Helle rappelle que, derrière la « carte postale » d’un Palais des papes chauffé par le soleil, 30 % de ménages vivent au-dessous du seuil de pauvreté dans sa ville. C’est à cette population-là, plus qu’aux spectateurs qui battent le pavé du « in » et du « off », qu’elle veut prouver à quel point la culture est vitale. Elle y consacre 18 millions d’euros par an ; soit 10 % de son budget de fonctionnement. Elle inaugure des bibliothèques de proximité dans les quartiers populaires, a fait ouvrir, en juin, un sixième musée municipal. L’accès à ces établissements est libre. Si la gratuité n’est pas la recette miracle, « c’est une manière d’affirmer que la culture est généreuse », précise-t-elle. Et désireuse, qui plus est, de se délocaliser au-delà des remparts d’Avignon.

Des mairies aux communautés de communes, des départements aux régions, la décentralisation se met en ordre de marche pour prendre le relais d’un Etat parfois aux abonnés absents. Quand elle ne se substitue pas à lui, en jouant les pompiers de service.

« On sent monter des crispations, des tensions, des appels au secours », note Loïg Chesnais-Girard, président (divers gauche) du conseil régional de Bretagne. Si cette région n’est pas une « arche de Noé » pratiquant « l’open bar », cet élu social-démocrate a posé la culture comme « non négociable dans les arbitrages budgétaires de sa collectivité ». L’enveloppe de 28 millions d’euros n’a pas faibli depuis 2017. C’est peu au regard du budget total de la collectivité (2 milliards d’euros), mais essentiel sur le plan symbolique. « Le message que nous adressons au monde culturel breton est celui d’une volonté politique intangible. »

La sienne se heurte tout de même à un Etat qui concentre à Paris, regrette-t-il, la majorité des ressources. « On nous dit : “Assumez, gérez, menez de grandes politiques publiques”, alors que l’on ne dispose que d’une pince à épiler, soupire M. Chesnais-Girard. Il faut redonner des capacités et des moyens financiers aux élus locaux. Les décisions doivent se prendre dans les territoires. » Une décentralisation qui se réinvente depuis sa base ? L’hypothèse pourrait faire son chemin. Les élus locaux, ajoute le président breton, « savent travailler avec des contraintes, n’ont pas droit aux déficits et peuvent mener des politiques de temps long ».

Mutualiser les moyens

Alors que les ministres de la culture se succèdent – cinq sous la présidence d’Emmanuel Macron –, les maires ou les présidents de région s’installent, eux, dans la durée. Cette stabilité peut-elle être un atout ?

« Avoir une politique nationale est important, mais c’est aussi aux collectivités, quel que soit leur périmètre, de faire des efforts », poursuit Carl Segaud, président (LR) de l’intercommunalité Vallée Sud Grand Paris. Onze communes maillent le territoire dont il a la gestion depuis janvier. Soit onze maires aux couleurs politiques diverses, mais qui savent taire leurs divergences pour se souder autour d’une « offre culturelle qualitative ». L’intercommunalité investit 12 millions d’euros pour ses huit théâtres, plus de 20 millions pour ses huit conservatoires, 5 millions pour les quatre médiathèques. « Ce pourcentage important de notre budget n’est pas remis en cause », se félicite M. Segaud, qui étudie, avec ses partenaires, la meilleure façon de mutualiser les moyens et d’optimiser les coûts.

Au nord-ouest de Paris, Patrice Leclerc, maire (Parti communiste) de Gennevilliers (Hauts-de-Seine), associe le pragmatisme aux idéaux. « Il faut démontrer que l’être humain a besoin de pain et d’imaginaire, mais il faut aussi créer de la compensation culturelle pour les milieux populaires », prévient-il en revendiquant la nature « utilitariste » de son apport. Il n’a pas ôté 1 euro au budget de la culture.

Où est-il allé chercher des ressources ? Il a augmenté la taxe foncière, sollicité des entreprises de Gennevilliers pour financer des opérations culturelles, limité à trois le nombre des agents de la police municipale. Ces solutions ne sont pas du goût de tous les électeurs ? Peu importe. Elles s’élaborent au cas par cas. Un exercice de fine couture, que supervise un maire convaincu que « la liberté de création » est à défendre pied à pied. Et d’autant plus qu’approchent des échéances municipales, en mars 2026. « Du jour au lendemain, tout peut être cassé. Couper les vivres est rapide, reconstruire une action culturelle beaucoup plus difficile, s’inquiète M. Leclerc. Or, le populisme et le poujadisme de la pensée qui se développent dans ce pays constituent un risque sérieux. »

Quarante millions d’euros : c’est le montant stable dont dispose, à Dijon, Christine Martin, adjointe d’une mairie socialiste, chargée de la culture. « Ce n’est pas mal », admet celle dont la mission est de maintenir à flot une barque qui prend l’eau dès que les partenaires (région ou département) se désengagent. « Je ne tire sur aucune ambulance, mais, pour certains de ses équipements, la ville est assez seule. »

Mme Martin active la sonnette d’alarme. Dans sa ligne de mire, une dérive insidieuse qui voit des collectivités se retrancher derrière leurs déficits pour évacuer des projets culturels dont elles ne cautionnent pas les contenus. « Ce manque financier leur autorise des choix qui, en réalité, peuvent être plus idéologiques qu’économiques. » Le risque ? « Une pensée dégradée », « une censure financière », l’essor d’un divertissement sans aspérités et des portes qui se referment devant l’émergence ou la création. Or, note l’élue, « si vous ne donnez pas les moyens aux gens de s’exprimer, ne s’exprimeront que ceux qui en auront les moyens ».

Certains élus s’indignent aussi de voir la culture sacrifiée au motif qu’elle ne figure pas parmi les compétences obligatoires des collectivités. « Mes collègues se posent-ils la question de compétences qui ne sont en rien obligatoires et pour lesquelles ils consacrent parfois beaucoup d’argent ? », s’agace Stéphane Troussel, président (PS) du conseil départemental de la Seine-Saint-Denis. Entre 2021 et 2025, il a hissé son budget de la culture de 18,8 millions d’euros à 20 millions d’euros. « J’assume cette priorité dans un contexte où l’extrême droite approche des portes du pouvoir. »

Ce n’est pas que la Seine-Saint-Denis soit riche. Mais M. Troussel refuse de plier face à des chiffres dont il connaît la teneur par cœur : « La sous-compensation par l’Etat de mes dépenses sociales ne date pas d’hier. » Son projet est d’une franche netteté : faire de la culture un levier pour les politiques qu’il développe en matière d’éducation, de solidarité, de transformation de l’espace public. La replacer au centre de l’arène, parce qu’elle « n’est pas un supplément d’âme, mais un service public à part entière ». C’est dire si l’art, en Seine-Saint-Denis, n’est pas satellisé vers les confins d’un superflu que l’on raie d’un trait désinvolte. L’élu n’en démord pas : la gauche doit se réemparer de la bataille culturelle. « Si les réactionnaires en sont là aujourd’hui, c’est parce qu’ils n’ont jamais cessé de la mener », déplore-t-il.

Cette bataille fut, autrefois, au centre du projet présidentiel de François Mitterrand, lorsque, candidat à l’Elysée, il proposait aux Français, en 1981, d’être, avec lui, « les inventeurs d’une culture, d’un art de vivre, bref d’un modèle de civilisation ». Lointaine époque, il est vrai, mais qui s’envisageait alors de belle et enthousiasmante manière.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Charlie Barreira dans L'Humanité - Publié le 24 juin 2025

Valérie Donzelli filme la mise en scène de la dernière pièce de théâtre d’une promotion du Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris dont la volonté est de briller sur les planches. Un régal.

Par Eve Beauvallet / Libération - publié le 1er juillet 2025

Accusé d’avoir sacrifié l’écosystème artistique local, vilipendé pour ses convergences avec le milliardaire identitaire Pierre-Edouard Stérin, le conseiller culture de la présidente de région, Christelle Morançais, assume de tailler dans les subventions publiques en invoquant «un principe de réalité»

Guerre culturelle

Bon gaulliste

82 millions d’euros de coupes

Accusations de favoritisme

Valses d’étiquettes politiques

«Créer un électrochoc»

Par Laurent Goumarre dans Libération - 27 juin 2025

Esprit de carnaval en ouverture de la Cour d’honneur : la chorégraphe star cap-verdienne rêve ses nuits avignonnaises. Rencontre.

Rituels dionysiaques le cul par-dessus tête

«Tout sauf du porc»

La fiction à la vie, à la mort

Laurent Goumarre / Libération

Tribune de Nicolas Bouchaud lors de la soirée du 23 juin 2025 au Théâtre national de la Colline, publiée le 28 juin par Libération

Opposer élitisme et culture populaire ou invoquer une «attente du public» fantasmée servent à justifier les coupes budgétaires et favoriser le capitalisme culturel, a rappelé le comédien invité par «Libé» au théâtre de la Colline le 23 juin.

«Essayer encore, rater mieux»

Une pure fiction du capitalisme culturel

Le public se crée au contact d’une œuvre

Par Anne Diatkine dans Libération - 24 juin 2025

Loin de la résignation, l’événement organisé au Théâtre de la Colline a fait le lien entre défense des artistes et des services publics, pour une culture émancipatrice et non formatée.

«La création artistique n’a pas vocation à mettre tout le monde d’accord»

Tous debout !

Anne Diatkine  / Libération

Légende photo : Sandrine Mini (directrice de la scène nationale de Sète) et Caroline Brémaud (urgentiste) lors de la soirée «Culture en péril» au Théâtre de la Colline à Paris, le 23 juin 2025. (Corentin Fohlen/Divergence pour "Libération")

Par Armelle Héliot dans son blog - 23 juin 2025

Au Rond-Point, dans la grande salle, le metteur en scène propose son adaptation du cycle des Atrides, sous le titre « Portrait de famille ». Il dirige de jeunes comédiens de la promotion 23 du Conservatoire national d’art dramatique. Un spectacle qui a un an et n’a rien perdu de son énergie.

Il y a un an que l’on entend parler de ce spectacle, créé dans le cadre du Printemps des comédiens de Montpellier, l’an dernier. Il y a un an qu’on lit des articles dithyrambiques. Sans étonnement, tant l’art de Jean-François Sivadier est depuis longtemps puissant. original, insolent, et en même temps sérieux. Une liberté formidable qui n’écrase jamais la vérité des oeuvres.

Donné à la rentrée dernière au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers, on l’avait encore raté, ce spectacle qui donne aux jeunes acteurs du Conservatoire, une occasion extraordinaire de se mesurer au jeu. Exactement comme le fait, mais d’une autre manière, Julien Gosselin avec son Musée Duras. La promotion suivante, le Printemps des comédiens, 2025, et un horizon : les Ateliers Berthier à l’automne prochain, et, ces jours-ci, le festival de Vienne (Autriche).

Des travaux qui appellent des analyses réfléchies. Elles sont, ici, à venir.

Pour ce qui est de Portrait de famille, Une histoire des Atrides, qui se donne jusqu’à dimanche 29 juin dans la grande salle du Théâtre du Rond-Point, il s’agit simplement aujourd’hui de vous inciter à courir découvrir ce spectacle, sans crainte aucune de la longueur annoncé de la représentation. Tout passe à toute allure, tout rebondit sans cesse, tout étonne, enchante et effraie parfois tant le détail des cruautés est parfois d’une écoute proche de l’insoutenable;…Jean-François Sivadier s’est inspiré d’Euripide, Eschyle, Sophocle, Sénèque, Racine. Un théâtre de la cruauté qui galvanise les jeunes…comme les spectateurs enchantés.

A suivre, donc. Mais d’abord, courez au Rond-Point.

Armelle Héliot 

Théâtre du Rond-Point, salle Renaud-Barrault, à 19h de mardi à vendredi, à 18h samedi, à 15h dimanche 29 juin. Dernière. Durée prévue : 2h30, entracte de 20 minutes, puis 1 heure. Evidemment, cela glisse un peu et les 3h50 vous tiennent quatre heures et quelque. Tel : 01 44 95 98 21.

Propos recueillis par Sandrine Blanchard / Le Monde - 22 juin 2025

ENTRETIEN   « Je ne serais pas arrivée là si… » Chaque semaine, « Le Monde » interroge une personnalité sur un moment décisif de son existence. La comédienne, aussi à l’aise sur les planches que devant une caméra, revient sur un deuil qui a bouleversé sa vie.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/06/22/marina-hands-actrice-la-vocation-se-mesure-a-la-maniere-de-se-relever-de-ses-echecs_6615216_3246.html

Sociétaire de la Comédie-Française, Marina Hands, 50 ans, a obtenu, fin avril, le Molière de la comédienne dans un spectacle de théâtre public pour Le Soulier de satin, revisité par Eric Ruf. Cette pièce de Claudel sera reprise du 19 au 25 juillet dans la Cour d’honneur du Palais des papes, lors du Festival d’Avignon. Pour l’heure, celle qui fut récompensée, en 2007, du César de la meilleure actrice pour Lady Chatterley, de Pascale Ferran, incarne avec majesté Arkadina dans Une mouette, d’après Anton Tchekhov, sur la scène du Français.

Je ne serais pas arrivée là si…

… Si je n’avais pas été confrontée, à 30 ans, au deuil brutal de Philippe, mon meilleur ami. On avait le même âge. On s’était connus au Cours Florent puis on était partis ensemble étudier à l’Académie de musique et d’art dramatique de Londres. C’était mon compagnon de route, on formait un binôme. Dans tous les moments de fragilité et de vulnérabilité durant ma jeunesse, il était mon bras armé.

Philippe était un être très lumineux, solaire, il m’encourageait tout le temps. Il est mort du sida après s’être battu contre la maladie pendant plusieurs années. Il m’a laissé, d’une certaine manière, le goût du combat. Les grands chagrins modèlent la réflexion sur soi-même et sur le monde dans lequel on vit. Sa disparition m’a façonnée et a créé pendant très longtemps un certain décalage entre moi et mon entourage.

Un décalage de quel ordre ?

C’était comme une perte d’innocence, je suis devenue très sérieuse. J’avais plus de mal à communiquer avec les gens, j’étais très exigeante sur la profondeur des relations, trop sans doute. J’avais du mal avec une certaine forme d’inconséquence. La disparition de Philippe m’a poussée à me questionner et à me demander si j’étais vraiment contente d’être là où j’étais.

Votre mère, Ludmila Mikaël, est actrice ; votre père, Terry Hands, était metteur en scène et pendant longtemps à la tête de la Royal Shakespeare Company. Vous ont-ils poussée vers un métier artistique ?

Pas du tout. Il y a des familles qui ont envie que leur descendance leur ressemble. Dans la mienne, ce n’était pas le cas.

Pourquoi ?

Peut-être parce qu’ils étaient en souffrance. J’ai vu l’envers du décor de la condition de l’artiste de théâtre, extrêmement instable, déstabilisante, fragilisante. Mon père était régulièrement en dépression. Quant à ma mère, je l’ai souvent vue pleurer, être très déçue, frustrée.

Quand je leur ai annoncé mon souhait de devenir comédienne, la réaction la plus violente a été celle de mon père. Il s’est mis en colère et a été très dur. Il me disait : « Tu n’as pas assez souffert pour être une grande artiste. » Il venait d’un milieu ouvrier et avait un complexe social fort. Il me ramenait toujours au labeur et avait des jugements à l’emporte-pièce, très destructeurs. A ses yeux, j’étais une bobo, fille d’une actrice reconnue. Il y avait quelque chose d’insupportable pour lui dans le fait que je voulais être comédienne. Il m’a en quelque sorte reniée, il ne m’a plus parlé. Quant à ma mère, elle était un peu en sidération. En fait, je n’étais pas du tout prise au sérieux. Donc j’ai attendu un an, j’ai fait un peu d’études en fac, et puis, j’ai foncé.

Pendant votre enfance et votre adolescence, vous étiez passionnée d’équitation et avez été une cavalière de haut niveau. Pourquoi avoir renoncé à en faire votre métier ?

A cause d’échecs successifs dans des compétitions et surtout de beaucoup de malchance, notamment des blessures. Je me disais : « Ce n’est pas possible, cette poisse récurrente. C’est un signe. » A 15 ans, j’ai fait mes premiers championnats d’Europe. Puis, malgré mon travail et mon investissement, je n’avais pas de résultats suffisants pour avoir des sponsors et devenir professionnelle. Je n’ai pas eu les épaules pour l’équitation. Quelque chose m’anéantissait, je n’arrivais plus à trouver du sens. Je crois que je n’avais pas du tout l’esprit de compétition, ce qui est quand même un problème. Bifurquer a été un vrai constat d’échec et en même temps, ce fut salvateur.

Quand j’ai commencé le métier d’actrice, tout me semblait facile. Les portes s’ouvraient et les petits déboires, les petits refus de castings n’étaient rien par rapport à ce que j’avais vécu avec l’équitation. Je pense que la vocation se mesure à la manière de se dire : « OK, je peux survivre à ça. » J’avais davantage la foi, je me relevais plus facilement des échecs dans ce métier-là que dans celui de cavalière.

Votre grand-mère maternelle a eu beaucoup d’importance dans votre enfance…

Elle s’occupait de moi tout le temps, m’emmenait à l’école, au parc, au cirque, partout. Et puis, avec elle, c’était la liberté, je pouvais faire ce que je voulais. Elle avait un goût pour les arts, la musique, jouait du piano. C’était une figure de femme très forte. Son histoire me bouleversait. Elle avait été abandonnée bébé. Sa mère, femme de ménage, l’avait confiée à ses employeurs, une famille bourgeoise qui avait décidé de garder cette enfant et de l’élever.

Vos parents se sont séparés quand vous étiez très jeune. Vous viviez à Paris avec votre mère et votre père habitait à Londres. Alliez-vous voir votre mère sur scène et rendiez-vous visite à votre père ?

J’ai toujours trouvé malaisant et compliqué de voir ma mère sur scène, et elle ne voulait pas toujours que je vienne. Elle me tenait à l’écart. En revanche, quand j’allais à Londres, mon père m’emmenait partout. Je baignais dans son univers de metteur en scène. J’ai le souvenir de gens au travail, de laborieux pour qui le théâtre était très sérieux, très important. Etre artiste était leur identité, leur religion, particulièrement pour mon père. Donc ça passait avant tout, évidemment avant moi.

Lorsque vous réussissez à intégrer le Conservatoire national, votre mère vous donne-t-elle des conseils ?

Si j’en demandais, bien sûr, elle m’en donnait. Mais j’avais envie de trouver ma propre identité. Autour de moi, tout le monde pensait que j’étais pistonnée. Dès que j’ai commencé à travailler, j’étais toujours « la fille de », il y avait un malentendu total. J’ai beaucoup pleuré et douté. Mais, quand j’ai commencé ce métier, j’ai eu la chance, durant les quatre premières années, de rencontrer les personnes les plus importantes de ma vie artistique, celles qui m’ont donné un sentiment de légitimité, m’ont confié des grands rôles, m’ont prise sous leur aile alors que je balbutiais. Au Conservatoire, j’ai rencontré le metteur en scène Klaus Michael Grüber.

Puis, il y eut Nina Companeez pour la télévision, Andrzej Zulawski au cinéma, Robert Hirsch au théâtre. Et Patrice Chéreau. Sur le téléfilm de Nina Companeez Un pique-nique chez Osiris [2001], j’ai fait la connaissance de Dominique Blanc, Dominique Reymond et Eric Ruf. Ils sont tous devenus des amis, des inspirations. A l’époque, j’étais bébé et ces personnalités m’ont accueillie les bras ouverts. Dominique Blanc n’a cessé de m’encourager, de me donner des conseils comme si j’étais de sa famille. J’ai eu cette chance-là. J’ai cru que c’était la norme, alors que pas du tout.

Est-ce Patrice Chéreau qui vous a donné confiance en vous offrant, en 2003, le rôle d’Aricie dans sa mise en scène de « Phèdre » ?

Pour la première fois, j’étais dans un spectacle auquel j’adhérais complètement artistiquement. Je suis entrée en religion : j’arrivais au théâtre très tôt, je ne vivais que pour ça, je m’imprégnais de son univers et j’étais comme un poisson dans l’eau. Mais c’est grâce à Isabelle Adjani. Au départ, c’est elle qui devait jouer Phèdre. Elle s’était mise à chercher les jeunes acteurs qui seraient ses partenaires. Elle m’avait vue jouer au théâtre et avait dit à Chéreau : « Il faut que tu ailles voir cette fille. » Il est venu, puis m’a convoquée dans son bureau et m’a engagée. J’étais fan de son travail, mais je ne le connaissais pas du tout. Par la suite, Isabelle Adjani a quitté le projet et a été remplacée par Dominique Blanc.

En 2006, vous entrez comme pensionnaire à la Comédie-Française, mais vous n’y restez qu’un an. Que s’est-il passé ?

Marcel Bozonnet, alors administrateur de la Comédie-Française, avait été mon directeur au Conservatoire. On s’entendait très bien et il m’a proposé d’intégrer la troupe du Français, notamment pour deux projets de pièces de Claudel. Je commençais à répéter Tête d’or lorsque mon ami Philippe est mort. Ça a été une déflagration totale. Clément Hervieu-Léger, qui était sur le spectacle, m’a maintenu la tête hors de l’eau. Il est devenu mon meilleur ami depuis.

Ensuite, il y a eu Le Partage de midi. J’étais alors dans les pas de ma mère, qui a joué cette pièce au Français en 1975. Quelques semaines avant la première, je recevais le César de la meilleure actrice pour le film Lady Chatterley. Tout s’entrechoquait. La pièce démarrait, marchait bien, mais j’ai craqué. Trop de pression. Tout d’un coup, je faisais des séances photo, des interviews dans les médias. J’avais deux heures de Claudel à haute intensité au moment où débutait mon exposition médiatique.

Emotionnellement, je n’étais pas prête. Tout me terrorisait. Le succès était fort mais la puissance du négatif aussi. Avec Lady Chartteley, certaines réactions étaient violentes. Notamment sur la nudité, il y avait des réflexions horribles sur mon physique.

Je faisais de grosses crises d’angoisse. J’avais des vertiges en montant sur scène. J’ai commencé à me médicamenter et j’ai complètement craqué. Donc j’ai décidé de rendre un grand rôle à la Comédie-Française, celui de Célimène dans Le Misanthrope, et de partir. Surtout, on me proposait un film international de William Friedkin. Je culpabilisais en appelant la Comédie-Française pour demander un congé. Ça ne se faisait pas pour des jeunes qui venaient d’intégrer le Français. Mais j’ai adoré cette troupe, je l’ai quittée en bons termes, sinon, je n’aurais jamais pu y revenir.

Vous avez aussi joué avec votre père à cette époque-là…

Oui et ce fut une très mauvaise idée. Je n’ai plus réussi à faire de théâtre pendant quasiment cinq ans, parce que j’étais devenue agoraphobe. En revanche, j’arrivais à tourner, ça me faisait moins peur.

Lors de votre discours à la cérémonie des Molières, vous avez dit : « Jeune, j’ai perdu beaucoup de temps à essayer de plaire à des gens qui ne m’aimaient pas. » C’est-à-dire ?

J’ai longtemps été très vulnérable, hantée par le rejet, par les attentes des médias, des agents, de l’industrie. J’étais devenue comme un petit caméléon qui s’adaptait à tout. J’avais tellement besoin d’être validée, de plaire que je me suis un peu perdue. J’aurais pu tomber dans l’alcool, la drogue, j’avais le profil. Mais j’ai eu un instinct de survie. J’étais très borderline quand j’étais jeune, l’expression artistique m’a sauvée. Mais il y a un fossé affolant entre le milieu du spectacle vivant et le milieu de l’audiovisuel.

Que voulez-vous dire par là ?

Je trouve totalement alarmant que l’industrie du cinéma et de la télévision soit écrasée par la quête du profit. J’ai vraiment assisté à cette évolution et aussi à l’arrivée d’une armée d’actrices et d’acteurs qui n’avaient aucune culture de l’art du comédien, qui n’avaient jamais mis les pieds dans un théâtre. Des gens ont pu penser, peut-être à raison, que j’étais dure, hautaine. Mais, pour moi, l’art, c’est un travail, ce n’est pas le culte de la personnalité.

Toute la culture dans laquelle j’ai grandi a été totalement vulgarisée. Il y a eu une époque qui m’a vraiment dégoûtée. Je ne supportais pas la démesure du fric, et j’ai vu, sur des tournages, des attitudes indécentes. Je suis de la génération qui se tapait les premiers talk-shows comme ceux de Thierry Ardisson, où il fallait débarquer en décolleté plongeant. On commençait à vous dire : « Tu as réussi ta promo. » Ça a été un trauma. Des filles arrivaient de la télé, du sketch, du mannequinat, et prenaient le haut du panier parce qu’elles savaient se vendre. Je me suis perdue parce qu’il n’y avait plus de place pour les gens comme moi sauf au théâtre, qui est resté très protégé.

Et, en 2019, vous êtes retournée dans la troupe de la Comédie-Française…

Je pensais que je ne serais plus jamais heureuse dans ce métier. Je me disais que ça n’avait plus de sens pour moi de servir cette profession. J’ai appelé Eric Ruf, je lui ai dit : « Il faut que je te voie. » Quand je suis arrivée, j’ai fondu en larmes. A quoi on sert ? On ne peut pas faire ce métier essentiellement pour soi, il doit être dirigé vers les autres. A la Comédie-Française, cette question est quotidienne. La notion de troupe est capitale. Ce n’est pas rien de penser collectif. Ce quotidien-là, il est joyeux, humble, vivant. Là, je suis heureuse.