Publié le 15 juillet 2025 par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog

Il y a trente ans, Jacques Osinski créait son premier spectacle d’après La faim de Knut Hamsun avec un certain Denis Lavant. Au fil des années, ils devaient se retrouver plusieurs fois autour des textes de Beckett. C’était encore le cas la saison dernière avec Fin de partie (lire ici). Et donc, cette année, avec En attendant Godot. Denis Lavant dans le rôle de Vladimir dit Didi et Jacques Bonnaffé dans celui d’Estragon dit Gogo, deux vagabonds qui n’en finissent pas de ne pas se séparer et qui attendent un certain Godot qu’ils attendront encore à la fin de la pièce.

La pièce En attendant Godot a été publiée en 1952 aux Entions de Minuit ( comme tous les textes de Beckett) et,depuis, souvent rééditée avec en couverture une image reprise de la mise en scène de Roger Blin qui créa la pièce dans un petit théâtre parisien aujourd’hui disparu. La pièce, traduite dans bien des langues, a été jouée, et reste toujours jouée, de par le monde, sur une multitude de scènes. En France, Jean-Pierre Vincent puis , plus récemment Alain Françon l’ont servie avec force.

Comme Françon, Osinski part non de la version publiée en France mais d’une version dite de Saint Quentin dans une mise en scène de Walter Asmus, version reprenant la mise en scène signée par Beckett lui-même en 1975 au Schiller théâtre de Berlin et où Asmus était son assistant. Beckett assista aux répétitions de son ancien assistant, modifia quelque peu le texte ( ajoutant « de la chair aux os » aux dires des acteurs) et plusieurs didascalies. Ainsi, au tout début de la pièce, Beckett note : «  Estragon est sur le sol. Il appartient à la pierre. Vladimir est lumière. Il est orienté vers le ciel. Il appartient à l’arbre ».

Estragon (Denis Lavant) est donc assis sur une pierre, il essaie d’ôter son soulier. Plus loin, se tient Vladimir (Jacques Bonnaffé), non loin de l’ arbre aux branches nues. Au deuxième acte, l’arbre sera pourvu de « quelques feuilles » . « J’aime cette attention que Beckett porte aux éléments : minéral (pierre), végétal (arbre), animal (homme). Il y a quelque chose de très concret, très terrien qui m’intéresse, j’ai envie de partir de ça pour mettre en scène Godot » note Osinski.

Je ne sais pas si Lavant et Bonnaffé ont déjà joué ensemble, l’un terrien, l’autre plus aérien, ils font merveilleusement la paire. Plus tard, apparaîtront Pozzo (Aurélien Recoing qui fut proche de Vitez ) tenant au bout d’une corde son serviteur, esclave soumis, Lucky (Jean François Lapalus qui appartenait à la troupe du TNS dans les années Vincent). Le dernier et éphémère personnage, un enfant, apparaît en impression virtuelle, informant Estragon et Vladimir que « monsieur Godot » ne viendra pas le soir. Personnages moins éphémères, Pozzo et Lucky, gardent un part de leur mystère quant à leur identité et à leur relation, l’un tenant l’autre par une corde. Ils quitteront la scène laissant seuls Estragon et Vladimir lesquels  pour finir, disent vouloir partir et ne bougent pas. La force d’Osinski est là : loin d’expliquer ces quatre personnages, il .en accentue progressivement l’ insaisissable mystère. 

Jean-Pierre Thibaudat 

Avignon off, au Théâtre des Halles, 21h jusqu’au 26 juillet. Puis tournée : le 27 juil au festival de Figeac, le 29 juil  au festival Beckett à Roussillon et la saison prochaine du 25 mars au 3 mai au Théâtre de l’Atelier à Paris. .

Par Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 21 juillet 2025

Avec « One’s Own Room Inside Kabul » et « Radio Live », les deux productrices de radio parviennent à trouver une alchimie singulière pour donner une dimension sensible à l’actualité.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/21/a-avignon-les-voyages-dans-un-reel-en-crise-de-caroline-gillet-et-aurelie-charon_6622681_3246.html

Il y a bien mille et une façons de faire percevoir le réel, sur scène comme ailleurs. Dans ce Festival d’Avignon 2025 qui s’achemine doucement vers sa fin (samedi 26 juillet), les propositions auront été nombreuses, de spectacles tentant de convoquer ce réel sur les plateaux. Avec plus ou moins de réussite : moins, quand la forme documentaire apparaît comme une facilité dispensant de toute vraie écriture. Plus, quand celle-ci s’enrichit d’une dimension sensible et trouve une alchimie singulière, comme c’est le cas avec Caroline Gillet et Aurélie Charon, deux femmes de radio suffisamment rompues à l’exercice journalistique pour mieux le déplacer et le dépasser.

La première, qui a longtemps travaillé avec la seconde, invite à une expérience particulière, en compagnie de la plasticienne et performeuse Kubra Khademi, qui a fui l’Afghanistan en 2015, et vit désormais en France. A savoir, entrer dans l’intérieur des femmes afghanes, cet intérieur qui est devenu sous le régime des talibans leur seul horizon.

Monde du dehors et du dedans

Dans une petite salle du cloître Saint-Louis, le public est invité à se déchausser, et à s’asseoir sur deux banquettes de velours rouge qui se font face. Au milieu, de la vaisselle a été disposée comme pour un repas, avec des pièces de céramique réalisées par Kubra Khademi, où l’on reconnaît ses images de femmes libres et nues, notamment ses amazones armées d’un arc, chevauchant d’étranges montures.

La porte de la pièce se referme, comme elle s’est refermée sur les Afghanes. C’est d’abord par le son que l’on perçoit le quotidien de la jeune femme qui va s’exprimer ici, un quotidien réduit aux tâches domestiques. Depuis août 2021, date de la prise du pouvoir par les talibans, les femmes ont été privées de tous droits, réduites à des ombres : interdiction de discuter entre elles, de chanter, de s’éduquer, de circuler, sauf sous conditions strictes.

Tout se joue ici dans le dialogue entre le son et l’image, dans le contraste entre inside et outside, entre le monde du dehors, tel qu’il apparaît sur les images projetées sur des écrans, et celui du dedans, où le bruit des casseroles et de l’aspirateur prédominent. Le monde du dehors : des rues remplies d’hommes, où apparaît parfois, fugacement, une petite fille.

Par son dispositif même, One’s Own Room Inside Kabul fait éprouver la dimension étouffante de ces vies, et ressentir directement l’absence de présence réelle, qui prend ici tout son sens : les femmes afghanes sont devenues des fantômes. On sort avec une tristesse infinie de cette chambre-prison, à l’issue d’une séance où personne, dans le public, n’a eu l’idée d’applaudir.

Marathon

Le Radio Live d’Aurélie Charon, lui, se déploie au fil de trois épisodes de près de trois heures, qui forment une traversée de neuf heures si on les voit en intégrale. C’est le marathon de ce festival, qui pour une fois se trouve être une épopée du réel. Depuis dix ans, Aurélie Charon, productrice à France Culture, est partie à la rencontre de jeunes gens issus de zones de conflit, de Gaza à la Bosnie, de l’Ukraine à la Syrie, du Rwanda au Liban. Et peu à peu, elle a inventé une forme documentaire qui porte bien son nom, puisqu’elle inscrit l’exercice de l’interview dans le présent partagé du théâtre et dans la présence réelle, tout en faisant du plateau un espace à même de mêler le réel à l’imaginaire.

Un espace accueillant, aussi, autant pour les personnes invitées que pour les différentes formes qui vont dialoguer entre elles, qu’il s’agisse de l’image vidéo, de la musique, du dessin ou des documents d’archives. Au fil de ces trois épisodes, on a ainsi pu rencontrer Hala, qui a fui la Syrie en 2015, après que son père, communiste, opposant au régime des Al-Assad, a été arrêté et torturé à mort.

Ou Oksana qui, avant la guerre, était enseignante, comédienne et animatrice d’un club techno organisant des soirées queer à Kiev, et qui, depuis l’invasion russe en Ukraine, travaille comme fixeuse, sur la ligne de front, avec des journalistes internationaux. Mais aussi Amir et Yannick, le premier venant de Gaza, où il a grandi dans le camp de réfugiés d’Al-Chati, le second du Rwanda, où sa grand-mère a été tuée lors du génocide contre les Tutsi. La liste n’est pas exhaustive.

Processus de reconstruction

Radio Live ne se contente pas d’aligner les témoignages, aussi forts soient-ils. C’est bien à un voyage qu’emmènent Aurélie Charon et son équipe, qui mêle les entretiens menés en direct – aucun texte n’est écrit au préalable – à un vaste travail sensible et mémoriel, par multiples petites touches significatives. Les photos extraites des archives familiales, le travail musical et vocal mené, en live sur le plateau, par Emma Prat sur tout un répertoire appartenant à ces différents univers, la création visuelle, en live elle aussi, de Gala Vanson, dont les dessins apportent poésie et humour… Tout concourt à la réussite de l’ensemble, qui permet de rentrer dans l’épaisseur des vies, avec une humanité et une douceur constantes.

Laisser parler les images, comme lors de ce long voyage en train vers Mostar (Bosnie-Herzégovine) qui provoque une émotion indicible, ou une chanson de Fayrouz, ou des extraits d’une série télévisée arabe digne des Feux de l’amour… Tout autant que laisser la parole, sans la couper systématiquement, à des témoins capitaux, comme cette femme qui, à Kigali, explique le processus de justice et de réconciliation original mis en place au Rwanda après le génocide. Voilà ce qui fait le prix de Radio Live, grâce à un art consommé du montage, qui à ce niveau-là est bien une forme d’écriture.

Les processus de reconstruction sont au cœur de cette traversée qui a reçu un formidable accueil à Avignon, chaque représentation se terminant par une salle debout, saluant ainsi, outre les talents à l’œuvre, l’esprit de fraternité, d’écoute, de courage et de combat qui se dégage de cette odyssée. Il semblerait bien que le réel au théâtre n’ait pas dit son dernier mot.

One’s Own Room Inside Kabul, par Caroline Gillet et Kubra Khademi. Cloître Saint-Louis, salle des colloques, jusqu’au 24 juillet. Radio Live, par Aurélie Charon. Théâtre Benoît-XII, jusqu’au 21 juillet. Puis tournée jusqu’en juin 2026.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Par Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale du Monde), publié le 19 juillet 2025

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Dans une soirée qui fera date, le metteur en scène suisse a transposé sur scène, vendredi 18 juillet, les quatre mois d’un procès hors norme, avec une rigueur sans faille et en évitant tout sensationnalisme.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/19/au-festival-d-avignon-le-theatre-du-reel-au-plus-haut-avec-le-proces-pelicot-par-milo-rau_6622196_3246.html

En apnée pendant quatre heures. Rarement on aura vu au théâtre une telle concentration, un tel unisson entre les acteurs et le public, un tel sentiment de l’essentiel. Transposer sur scène le procès Pelicot exigeait d’être à la hauteur d’un moment judiciaire historique. C’est peu de dire que ce fut le cas, vendredi 18 juillet, à Avignon, lors de cette soirée unique proposée par le metteur en scène suisse Milo Rau : historique, ce Procès Pelicot le sera aussi pour l’art théâtral, et restera dans les annales comme exemplaire de ce que peut être un théâtre du réel.

Comment faire entrer en quatre heures de représentation un processus judiciaire qui s’est déroulé pendant près de quatre mois, du 2 septembre au 19 décembre 2024, et a profondément ébranlé la société française, et bien au-delà ? Comment éviter toute spectacularisation, tout sensationnalisme ? Milo Rau et sa dramaturge, Servane Dècle, répondent par une rigueur sans faille, et une confiance absolue dans les pouvoirs du théâtre, lequel a partie liée avec la justice depuis ses origines grecques.

A quelques encablures à peine du tribunal d’Avignon, où s’est tenu le procès, le Cloître des Carmes, haut lieu du festival, s’est offert comme un écrin parfait pour rejouer les grands moments du procès, et toute la pensée suscitée par cet insondable que sont les événements advenus dans un village tranquille du sud de la France pendant dix ans. Nul besoin de décor ici, tout va se jouer dans la parole. Sur le plateau nu, deux rangées de bancs en bois à cour et à jardin, comme dans une salle d’audience, sur lesquels sont assis les comédiens, vêtus de couleurs sombres. Au milieu, une petite table derrière laquelle se tiennent deux autres actrices, faisant office aussi bien de narratrices que de présidente et vice-présidente du tribunal.

Dissonance insupportable

Marie-Christine Barrault s’avance vers le micro posé à l’avant-scène pour évoquer d’abord le cadre de l’histoire, ce village de Mazan (Vaucluse) planté au pied du mont Ventoux chanté par Pétrarque, qui abrita aussi, chose moins connue, l’un des châteaux du marquis de Sade, cruelle ironie. Puis la focale se resserre sur la maison des sévices, cette maison en laquelle Gisèle Pelicot croyait avoir trouvé le havre protégeant son bonheur conjugal, jusqu’à ce jour de novembre 2020, où sa vie a basculé dans l’inimaginable. Une maison dont Caroline Darian, la fille du couple, dit, par la voix de l’actrice Julie Moulier, l’horreur qu’elle lui inspire dorénavant, la dissonance insupportable entre le souvenir des moments joyeux et les actes commis par son père.

A partir de là se met en place le puzzle savamment composé par Milo Rau et Servane Dècle, qui va mêler des moments saillants du procès avec des prises de parole extérieures qui l’ont accompagné tout du long, pour penser aussi bien la culture du viol et le patriarcat que la figure du monstre, la banalité du mal ou la question du punitivisme. Pour réunir toute cette matière, le metteur en scène et la dramaturge ont travaillé directement avec des journalistes, qui ont livré leurs notes, avec certains des avocats, des chercheurs, des membres d’associations féministes ou des habitants d’Avignon ayant assisté au procès.

Ce travail documentaire, d’un sérieux irréprochable, a permis de reconstituer aussi bien les interrogatoires de Dominique Pelicot et de ses coaccusés que les deux grands discours de Gisèle Pelicot, au début et à la fin du procès, les plaidoiries des avocats, les expertises des psychiatres. Sans compter la description des vidéos des séances de viol tournées et archivées par Dominique Pelicot et qui, diffusées lors des audiences à la demande de Gisèle Pelicot elle-même, ont été au cœur du procès.

Saisissant tableau

La représentation s’offre donc comme un processus qui se calque sur celui de la justice, dans la tentative de comprendre ce qui s’est passé dans cette chambre, et ce que cela raconte de notre civilisation et de ses soubassements. Ce processus est tenu de bout en bout grâce aux acteurs et au travail mené sur le jeu : il ne s’agit pas de simples lectures, mais bien d’incarner avec force une parole ou une pensée, plus que des personnages. Plusieurs sommets sont atteints, avec Ariane Ascaride, portant le premier discours de Gisèle Pelicot. Avec Elios Noël, en expert analysant avec complexité le rôle de la pornographie. Avec Philippe Torreton, qui humanise de manière troublante Dominique Pelicot. Avec Clara Hédouin, défendant avec flamme les théories antipunitivisme du philosophe Geoffroy de Lagasnerie. Ou avec Camille Etienne, dans la plaidoirie magnifique d’Antoine Camus, l’un des deux avocats de Gisèle Pelicot.

L’ensemble tel qu’il se présente ainsi, concentré, ramassé sur une seule soirée, brosse un saisissant tableau de cette culture du viol, avec cette interrogation en ligne de fuite : qu’est-ce qui a mené certains hommes dans la chambre de Mazan, tandis que d’autres, sollicités par le « metteur en scène » Dominique Pelicot, s’y sont refusés ? « Le pourquoi n’est pas à chercher dans un dénominateur commun », analyse Antoine Camus. On ne sort pas forcément du Procès Pelicot avec des réponses. Mais avec une méthode et une énergie de pensée et d’action, ô combien.

Fabienne Darge  / Le Monde

Légende photo : « Le Procès Pelicot », mis en scène par Milo Rau, au Festival d’Avignon, le 18 juillet 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE/FESTIVAL D’AVIGNON

Chronique du Festival d'Avignon par Libération - Le 18 juillet 2025

Les excès ont été cadrés (pour des raisons de respect du voisinage comme dans un souci écologique) mais l’affiche reste un élément central du Festival d’Avignon. Placards d’affiches, amoncellement d’affiches, déversement torrentiel d’affiches, sur les murs ou le long des poteaux, pour vanter les spectacles du Off, les fauchés accrochant leur flyer format carte postale à l’agrafeuse sur les pancartes des plus fortunés. En pressant le pas d’un théâtre à l’autre, un titre de spectacle nous accroche, deux autres lus trop vite n’en font plus qu’un (le Horla d’Annie Ernaux ?), on imagine aussi le brainstorming pour se démarquer dans une concurrence acérée (1 724 spectacles cette année dans le Off, tout de même). Il y a les intrigants (la Sœur de Jésus-Christ, Au-delà de la pénétration) et ceux qui ne mettent pas toutes les chances de leur côté, c’est courageux : Pôvre Vieille Démocrasseuse, Pourquoi je ne suis pas en haut de l’affiche, Rossignol à la langue pourrie, Je me petit-suicide au chocolat ou encore Noir, Juif et Borgne (non là on triche, c’est un spectacle sur Sammy Davis Jr). Il y a les multiples spectacles à prénom (Annette, Alexeï et Yulia, Frantz…) et ceux qui nous rappelle qu’on a oublié notre rendez-vous chez le dermato (la Peau des autres, Dans le silence des paumes, Une peau plus loin). Et nos préférés, les petits malins qui tentent de piquer des lecteurs à Katherine Pancol : la Lente et Difficile Agonie du crapaud buffle sur le socle patriarcal ou le Chemin du wombat au nez poilu.

Les spectacles du jour

On adore

On aime

L’interview fournaise

Les coulisses

Par Thierry Jallet dans Wanderer - 9 juillet 2025

L'enfant de verre, de Léonore Confino et Géraldine Martineau, Présence Pasteur, Avignon OFF 2025 

Avignon OFF 2025 : À quelques centimètres de la vérité…

Par Thierry Jallet dans Wanderer - 11 juillet 2025

"Ancora tu", de Salvatore Calcagno et Dany Boudreault, Théâtre du Train Bleu, Festival OFF Avignon, 2025 

Par Thierry Jallet dans Wanderersite - 17 juillet 2025

Le Dîner chez les Français de Valéry Giscard d’Estaing, de Julien Campani et Léo Cohen-Paperman, Théâtre du Train Bleu, Festival OFF Avignon 2025 

Par le service Culture de Libération - 17 juillet 2025

L’équipe théâtre de «Libé» vous aide à vous y retrouver parmi les 1 724 spectacles du off. Du dancefloor aux lycées en passant par l’industrie musicale, sélection de 10 spectacles.

«L’ouvrir», le génie lesbien de Morgan·e Janoir

Jusqu’au 24 juillet à 11h45, Théâtre 11 Avignon, 11, boulevard Raspail (84 000). Une heure.

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«Album» de Lola Molina et Lélio Plotton

Album de Lola Molina, mise en scène Lélio Plotton, à La Manufacture, Festival off Avignon, jusqu’au 22 juillet. Texte édité aux éditions Théâtrales

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«Fast», d’Olivier Lenel et Didier Poiteaux

Fast- Festival OFF d’Avignon, Théâtre des Doms, 1 bis rue des Escaliers Sainte-Anne (84000). A 10h30 jusqu’au 26 juillet, relâche les mercredis 16 et 23 juillet.

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«L’Evénement» de Joëlle Fontannaz

Jusqu’au 20 juillet à la Manufacture à 18h15 (durée 1h15). Dans la sélection suisse.

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«Azira’i», de Zahy Tentehar

Azira’i, mis en scène par Zahy Tentehar avec l’aide de Duda Rios jusqu’au 13 juillet à la Manufacture à 17 h 25 (relâche le 10 juillet).

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«Annette», de Clémentine Colpin

Annette de Clémentine Colpin au Théâtre des Doms, festival Off jusqu’au 26 juillet.

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«Décoloniser le dancefloor», de Habibitch

Décoloniser le dancefloor, Habibitch, jusqu’au 22 juillet au Château de Saint-Chamand, navette 19h15, spectacle 19h40. Relâche le 17 juillet. Retour à Avignon 21h35 en navette.

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«Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer» d’après Virginie Despentes

Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer  de Virginie Despentes, mis en scène par Anne Conti, jusqu’au 26 juillet à 18 heures (durée : 1 heure), à la Scierie (relâche les 8, 15 et 22 juillet).

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«La neige est blanche» de Marine Mane

La neige est blanche jusqu’au 26 juillet à 11 h 00 à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (50 minutes).

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«Le journal de Maïa» de Cédric Orain

Le journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au Théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (50 minutes).

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 16 juillet 2025

Proposé dans le « off » du festival, le spectacle, créé en mars 2024 à Villeneuve-d’Ascq pour deux acteurs, connaît un tel succès que trois duos se succèdent désormais à la distribution.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/16/a-avignon-l-abolition-des-privileges-poursuit-son-exceptionnel-parcours_6621650_3246.html

Histoire paradoxale d’un succès qui fait du bien, mais ne protège de rien : l’épopée de L’Abolition des privilèges (adapté et mis en scène par Hugues Duchêne à partir d’un roman de Bertrand Guillot) est l’exemple même d’un projet modeste qui a su rencontrer un large public. La raison de cet engouement ? Sa forme souple et son contenu percutant qui, sous prétexte de retracer une séquence historique, tape au cœur de préoccupations contemporaines.

La fiction ressuscite la nuit du 4 août 1789, au cours de laquelle représentants du tiers état, du clergé et de la noblesse en finissent avec les privilèges et instaurent l’universalité de l’impôt. Une heure quinze de débats jubilatoires que perturbe l’insertion hilarante de thèmes sociétaux tels que le féminisme, le patriarcat ou encore le « wokisme ». « Le roman décrit un bouleversement politique qui renverse un ordre établi depuis quatre cents ans et prouve qu’il est possible de faire advenir du nouveau. Or, de quelle nuit du 4 août rêvons-nous aujourd’hui ? », s’interroge le metteur en scène qui reprend, à sa manière, le flambeau d’illustres prédécesseurs. Ariane Mnouchkine, Sylvain Creuzevault ou Joël Pommerat ont, avant lui, redonné des couleurs à la Révolution française.

Proposé au Train bleu, dans le « off » d’Avignon, dans un dispositif quadrifrontal, avec deux acteurs au plateau, L’Abolition des privilèges nécessite désormais une triple distribution, les comédiens étant dans l’impossibilité d’assurer les représentations prévues dans les mois à venir. Un premier duo a ouvert le festival, le second l’a relayé du 7 au 17 juillet, le troisième fermera le ban jusqu’à la clôture de la manifestation. Ces trois équipes seront sur le pied de guerre pendant la saison 2025-2026, et c’est là l’heureux karma d’une aventure née il y a un peu plus d’un an.

Quelque chose d’inédit

En mars 2024, lorsque Hugues Duchêne, directeur de la compagnie Le Royal Velours, donne le coup d’envoi de L’Abolition des privilèges au Théâtre de La Rose des vents, à Villeneuve-d’Ascq (Nord), il est loin de se douter de ce qui l’attend. Quelques jours plus tard, à Paris, où le spectacle se reprend dix fois au Théâtre 13, c’est le jackpot : record d’affluence dans la salle. Trois mois plus tard, l’artiste casse la tirelire familiale pour s’offrir un créneau d’exposition dans le « off » du Festival d’Avignon. Le marché est concurrentiel, mais la rumeur, excellente, sait trier le bon grain de l’ivraie. Trois cents professionnels se bousculent à la porte : « Certains n’ont pas pu entrer, ce qui a aiguisé leurs convoitises, dit en souriant le metteur en scène, pas dupe. C’est un spectacle léger et qui ne coûte pas cher : 3 500 euros la session. »

En octobre 2024, Léa Serror, la directrice de production, l’avertit : il se passe quelque chose d’inédit : les demandes d’accueil affluent de toutes parts, pas question de décliner les sollicitations. Revers de la médaille : Maxime Pambet, le créateur du rôle principal, ne pourra pas être de toutes les soirées. Duchêne monte donc une équipe B, puis, en janvier, une équipe C. Il anticipe à juste titre : entre mars 2024 et juin 2026, L’Abolition des privilèges devrait cumuler 290 dates de représentation. Un nombre « inespéré et fou » dans un laps de temps aussi resserré.

A la croisée des chemins

Cette performance, qui rassure l’intermittent en quête de cachets, ne fait pourtant pas de Hugues Duchêne un homme riche. « Je gagnais mal ma vie, je la gagne un peu mieux, mais sans plus. » D’un point de vue économique, l’opération n’est pas une martingale. Venir à Avignon coûte cher. Location de la salle, logements, repas, voyages, communication : la note grimpe à 54 000 euros (assumée par Le Royal Velours et trois autres partenaires). Pour récupérer l’argent investi, il faut vendre 25 dates du spectacle : « Nous y parviendrons. Mais, une fois amorti le coût avignonnais, ce qui restera dans nos caisses ne suffira pas à financer ma prochaine création. »

Pour son futur projet, il a besoin de 140 000 euros. Des coproducteurs ont répondu présent, mais ne peuvent, pour l’heure, préciser le montant de leurs apports. La subvention récemment attribuée par la direction régionale des affaires culturelles des Hauts-de-France (25 000 euros annuels pendant deux ans) et l’aide de la région Hauts-de-France ne suffiront pas à boucler le budget : « Je fais avec les moyens de production du théâtre public, et ils ne sont plus ce qu’ils étaient. » S’il admet malgré tout faire « partie des privilégiés du système », Hugues Duchêne est à la croisée des chemins. Réclamé par les directeurs de théâtre, plébiscité par le public, le succès de L’Abolition des privilèges n’a en rien aboli l’incertitude des lendemains qui tremblent.

L’Abolition des privilèges. D’après Bertrand Guillot. Adaptation et mise en scène : Hugues Duchêne. Train bleu. Avignon Jusqu’au 24 juillet. Distribution : Maxime Pambet en alternance avec Maxime Taffanel et Oscar Montaz ; et Hugues Duchêne en alternance avec Baptiste Dezerces et Matéo Cichacki.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Par Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 15 juillet 2025

L’ancien président de la République, qui avait l’étoffe d’un personnage de théâtre, est évoqué dans deux spectacles à l’affiche du Festival, « Lettres à Anne » et « Génération Mitterrand ».

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/15/le-retour-de-francois-mitterrand-devenu-personnage-du-off-d-avignon_6621383_3246.html

La légende raconte que François Mitterrand (1916-1996), président de la République en exercice, avait l’habitude, au mois de juillet, d’échapper à la vigilance de ses gardes du corps pour débarquer, sans crier gare, au Festival d’Avignon, où le directeur, averti d’un coup de téléphone, lui réservait une place discrète dans les salles obscures.

Le spectateur clandestin d’autrefois est aujourd’hui l’un des héros du Festival « off ». Il fait son entrée à pas de loup sur les scènes de deux théâtres. Il s’immisce à la Scala Provence, où Alice Faure dirige Samuel Churin et Céline Roux dans une adaptation des Lettres à Anne (magnifique et impressionnant recueil des courriers de Mitterrand, publié chez Gallimard par Anne Pingeot vingt ans après la mort de son compagnon). Il se glisse aussi au Train bleu, où Léo Cohen-Paperman, son coauteur Emilien Diard-Detœuf et trois comédiens revisitent avec impertinence et lucidité les années fastes, puis crépusculaires qui ont suivi le 10 mai 1981.

Deux faces d’un même homme surgissent. L’une intime et privée, l’autre publique et populaire, les deux formant l’envers et l’endroit d’un Mitterrand qui a l’étoffe d’un personnage de théâtre. Sa personnalité, sa vie, ses secrets, ses manœuvres, ses stratégies, son ambition : qu’on l’aborde de l’intérieur ou qu’on le contemple de l’extérieur, il a toute sa place sur les scènes.

Du flux ardent des lettres envoyées à Anne Pingeot émerge la figure d’un amant déterminé, dévorateur, et dont le désir relève d’une forme de prédation. Emprise intellectuelle autant qu’amoureuse et sans doute sexuelle : la jeune fille de 18 ans qu’entreprend de séduire Mitterrand n’avait aucun moyen de lui échapper. Samuel Churin n’enlace d’ailleurs pas Céline Roux, qu’il domine de toute sa hauteur. Il la sculpte, la modèle, la soumet à la caresse autoritaire de sa main. Superbe duo qui trouve son point d’équilibre lorsque l’actrice, relevant la tête, abandonne le sourire pour la rage, le hurlement et la révolte. « Laisse-moi partir », lui écrit-elle à 28 ans dans une lettre furieuse (mais qu’elle n’enverra pas).

A partir de là, la balance penche vers plus d’égalité. La transposition théâtrale de ce brasier épistolaire souligne la force d’âme identique de deux partenaires qui s’enrichissent mutuellement. Elle s’émancipe peu à peu, il s’enfonce dans la vieillesse. Il a plus besoin d’elle qu’elle de lui. Leur relation et ce qu’en restitue le spectacle, tout, dans ce qui se joue à la Scala, est d’une grande intelligence.

Illusions et désillusions

Ce même amant consumé par la passion est élu en 1981 président de la République. La fiction mise en scène par Léo Cohen-Paperman a pour point de départ le 10 mai 1981. Jour de liesse pour les trois protagonistes qui se partagent la narration des illusions et des désillusions : un professeur à Vénissieux (Rhône), une journaliste parisienne, un ouvrier à Belfort. Quatre décennies plus tard, en 2022, le temps a fait son œuvre : l’enseignant vote pour Jean-Luc Mélenchon, la journaliste pour Emmanuel Macron, l’ouvrier pour Marine Le Pen.

Ce condensé de trajectoires ne travaille pas par hasard sur les clichés. Ces clichés sont la matière première d’une représentation où chaque mot prononcé est familier aux oreilles d’un public quinquagénaire (et plus). Mais, qu’ils aient voté ou non en 1981 (beaucoup de jeunes assistent à la pièce), les spectateurs, de près ou de loin, connaissent les épisodes mis en jeu : la maladie de Mitterrand, sa détestation de Rocard, le tournant de la rigueur, l’entrée du Front national à l’Assemblée nationale, la réélection de 1988, l’Europe enfin.

Ces événements, petits et grands, sont entrés dans l’histoire de la France. Ils appartiennent au peuple, sont commentés par la vox populi, qui peut en chanter par cœur les refrains. Assumant plusieurs rôles (leurs personnages, ceux des politiques), les acteurs se mettent au diapason d’une comédie endiablée piquée de politique vivante, à vous redonner le goût du militantisme. Avec son lot de volte-face, de reniements, de ruses, son précipité de cocasseries, cette farce a le rythme d’un vaudeville à la Feydeau. Et le tragique d’un drame shakespearien sur lequel plane, dès les premières lignes, dès 1981, l’ombre d’une mort à l’œuvre.

« Lettres à Anne », mis en scène par Alice Faure. Avec Samuel Churin et Céline Roux. La Scala Provence, Avignon, jusqu’au 27 juillet.

« Génération Mitterrand », mis en scène par Léo Cohen-Paperman. Avec Léonard Bourgeois-Tacquet, Mathieu Metral, Hélène Rencurel. Théâtre du Train bleu, Avignon, jusqu’au 23 juillet. Festivaloffavignon.com

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale)

Par Rosita Boisseau et Fabienne Darge (Avignon, envoyées spéciales) publié dans Le Monde du 12 juillet 2025

Le danseur et chorégraphe flamenco Israel Galvan et l’auteur et metteur en scène Mohamed El Khatib sont réunis dans un joli spectacle dans lequel ils auscultent le rapport aux pères.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/12/a-avignon-israel-mohamed-un-facetieux-duo-d-iconoclastes_6620876_3246.html

L’occasion était trop belle. Réunir le danseur et chorégraphe flamenco Israel Galvan et l’auteur et metteur en scène Mohamed El Khatib, c’était la promesse d’un titre choc, symbole de vivre-ensemble – et titre un peu trompeur, puisque Israel Galvan n’est pas juif, mais issu d’une famille andalouse appartenant aux Témoins de Jéhovah. Comment les deux compères allaient-ils se dépatouiller avec ça et faire la paire ? On pouvait craindre le pire, un spectacle de circonstance, mais après quelques minutes d’échauffement de ceux qui rêvaient de devenir footballeurs, la question a trouvé sa réponse positive. Israel et Mohamed sont bien assortis et ont offert une jolie surprise, lors de la première au cloître des Carmes, le 10 juillet.

A gauche, donc, Mohamed, tee-shirt jaune flashy imprimé « Morocco ». A droite, Israel, en djellaba bleu ciel, gentiment prêtée par le père de Mohamed. Chacun a installé son petit univers, ramassé en quelques objets sur une table en bois surmonté d’un portrait de son papa, en une sorte d’autel. Car ce duo, léger et grave à la fois, ausculte le rapport aux pères, deux pères ogres aussi écrasants que touchants. Présents en vidéo sur le plateau, ils racontent sans fard leur relation complexe avec leurs fils, qui ont taillé leur chemin d’émancipation sans pour autant renier leurs origines.

La parole revient au premier, c’est son rayon, il est rompu au théâtre documentaire, qu’il pratique depuis des années. C’est lui qui raconte leurs deux histoires, les liens qui se tissent entre elles, et qu’Israel, taiseux parce que bègue, va incarner par sa danse follement crépitante. Pour Galvan, né dans une famille flamenca traditionnelle, à la tête d’une école à Séville, devenir cet artiste iconoclaste, pourfendeur tranquille des clichés, n’a pas été sans mal. Pour El Khatib, une famille ouvrière de la région d’Orléans, musulmane pratiquante, et un père archi-strict, qui n’hésitait pas à cogner, et n’envisageait pour son fils que la place de premier de la classe. Un père pour qui le théâtre n’était pas une option.

Veine expérimentale et burlesque

La lutte pour le choix d’être soi explose dans le zapateado (frappes de pieds) de Galvan. Plus que jamais intrépide, en bottines, chaussures à crampons et babouches – encore un cadeau El Khatib ! –, Galvan pique et repique à la veine expérimentale et burlesque qui est la sienne depuis plusieurs années. S’écraser un œuf sur la tête ne lui fait pas peur tant son art puise au plus profond, au plus tragique de son être. Alors qu’il se met autour du cou les dizaines de médailles en or récoltées dans les concours et festivals de danse, au risque de s’en étrangler, il souligne aussi combien ces prix n’ont pas compensé pour son père, gardien de l’orthodoxie flamenca, sa sidérante liberté.

Chez Mohamed El Khatib, l’adresse au géniteur est moins rageuse, tout en étant sans concession, au fil d’une longue (trop, peut-être) lettre au père inspirée de celle, célèbre, de Kafka. Le filtre de la distance et de l’humour n’entrave pas l’analyse au rasoir d’une vision patriarcale du monde : « Avec tes amis, tu disais : “Les enfants, il faut les dresser” », constate, désolé, le fils. Ce qui n’empêche pas une certaine tendresse d’affleurer dans ce duo « sol y sombra », où la lumière et l’ombre se distribuent de l’un à l’autre des protagonistes en permanence. Avec l’humour en trait d’union, cet Israel & Mohamed s’offre une merveilleuse apparition, celle de la coupole d’une mosquée posée sur les pierres du cloître. Un pied de nez facétieux parmi d’autres à toutes les orthodoxies.

Israel & Mohamed, par Israel Galvan et Mohamed El Khatib. Cloître des Carmes, jusqu’au 23 juillet.

Rosita Boisseau et Fabienne Darge (Avignon, envoyées spéciales du Monde) 

Par Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 14 juillet 2025

Le comédien belge donne toute l’intensité de son jeu dans une pièce aux allures de western contemporain.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/14/au-festival-off-d-avignon-felix-vannoorenberghe-enthousiasme-dans-la-s-ur-de-jesus-christ_6621173_3246.html

Dès que Félix Vannoorenberghe revêt, en arrivant sur scène, une robe rouge écarlate en hommage à l’héroïne de La Sœur de Jésus-Christ, le public est saisi par l’intensité de sa présente et la puissance de sa narration. Impossible de décrocher de ce récit qui nous plonge dans un village du sud de l’Italie où Maria, la sœur de Simenone (surnommé « Jésus-Christ »), va s’emparer d’un pistolet rangé dans un tiroir de la cuisine familiale, sortir de la maison et se rendre, sans un mot, chez Angelo, l’homme qui l’a violentée la veille.

La prestation de ce jeune comédien belge est si étincelante qu’on a la sensation tenace de découvrir un futur grand nom du théâtre. Accompagné de la musicienne Florence Sauveur, Félix Vannoorenberghe nous entraîne, comme dans un long travelling, dans un récit captivant aux allures de western contemporain. A l’image de cette foule de villageois (les gars du chantier, les chasseurs, les bikers, les femmes jalouses de sa beauté, les enfants, etc.) qui va suivre ou invectiver Maria, jeune femme à la détermination imperturbable, le spectateur est pris dans un suspense, dans le besoin de comprendre pourquoi elle a décidé de prendre une arme, comment cette violence a pu se développer dans un silence collectif coupable.

Félix Vannoorenberghe est à la fois le narrateur et le reflet de la communauté villageoise à laquelle il donne vie à travers une multitude de costumes qu’il endosse puis suspend au fur et à mesure de l’histoire à l’arrière-scène pour figurer le cortège des habitants. « Je suis comme un observateur qui a assisté à une histoire tellement dingue qu’il a besoin de la raconter en faisant vivre tous ses protagonistes », résume, hors scène, Félix Vannoorenberghe.

« Plonger dans la parole »

A 30 ans, ce comédien au visage juvénile, au corps longiligne et à la voix profonde et douce – croisé notamment dans quelques séries télévisées (Hippocrate, Salade grecque) – a suivi à la lettre les conseils du metteur en scène Georges Lini (1966-2025) : « Plonger dans la parole », travailler le texte comme une « partition de musique » et l’accompagner d’un « investissement physique ».

Le résultat est tellement saisissant que La Sœur de Jésus-Christ a déclenché un bouche-à-oreille immédiat. Le spectacle fait salle comble. Mais cet Avignon qui pourrait être « de rêve » a une dimension « absurde », lâche le comédien. Parce que Georges Lini, l’artisan de ce succès, « n’est plus là ».

Emporté par un cancer à l’âge de 58 ans, ce metteur en scène, personnalité réputée de la scène belge, est mort le 27 juin. « C’était mon mentor, on travaillait ensemble depuis huit ans, il m’a vraiment appris mon métier. » Félix Vannoorenberghe n’oubliera jamais cet e-mail reçu un soir de 2017, « à 0 h 11 », précise-t-il, dans lequel Georges Lini lui proposait de jouer dans La Profondeur des forêts, de Stanislas Cotton (pour lequel il recevra, en 2018, le prix Maeterlinck de la critique, catégorie meilleur espoir).iuge

Alors étudiant en dernière année de l’Institut des arts de diffusion (IAD) à Louvain-la-Neuve (Belgique), Félix Vannoorenberghe avait passé le matin même un examen. Georges Lini était membre du jury et l’a tout de suite repéré. Leur collaboration, au sein de la compagnie belge Belle de nuit, n’a jamais cessé. Désormais, il s’agit, insiste le comédien, de « faire honneur à son travail ». Ce que son élève réussit pleinement.

« Avignon, le lieu saint du théâtre »

La Sœur de Jésus-Christ fait partie de la « trilogie des Antigone » imaginée par Georges Lini. Le premier chapitre, Iphigénie à Splott, avait déjà été l’un des succès du « off » d’Avignon en 2023 et avait révélé le talent de Gwendoline Gauthier. « Il était toujours à la recherche de la beauté dans ce monde dégueulasse, se souvient Félix Vannoorenberghe, et avait engagé plusieurs jeunes comédiens et comédiennes ces dernières années. »

Après soixante dates de tournée en Belgique, La Sœur de Jésus-Christ enthousiasme désormais le public avignonnais, qui se presse au Théâtre des Doms, vitrine de la création belge francophone. « Avignon, c’est un peu le lieu saint du théâtre, la porte d’entrée française pour les compagnies belges. C’est la première fois que je viens à ce festival en tant que comédien. Je l’avais découvert, en tant que spectateur, à l’âge de 18 ans, grâce à un cadeau de ma mère. »

Institutrice, c’est elle qui, en inscrivant son fils très jeune dans une école municipale de musique et de théâtre, a semé chez lui la « première graine » du virus du théâtre. Une « seconde graine » est venue s’ajouter à l’adolescence, grâce à la découverte des spectacles d’Hamadi El Boubsi. « Des claques théâtrales qui m’ont tour à tour ému, émerveillé, secoué, changé », se souvient le comédien.

Cette fois, grâce à son talent, à la délicatesse de l’accompagnement musical imaginé par Florence Sauveur et à la force du texte de l’Italien Oscar De Summa, qui n’est pas moralisateur, mais pose des questions sur les racines et les ressorts de la violence, la « claque théâtrale », c’est lui.

Voir le teaser vidéo 

La Sœur de Jésus-Christ, d’Oscar De Summa, texte français : Federica Martucci, mise en scène : Georges Lini. Avec Félix Vannoorenberghe et la musicienne et compositrice Florence Sauveur. Festival « off » d’Avignon, Théâtre des Doms. Jusqu’au 26 juillet. Tarifs : de 14 € à 21 €. En tournée en Belgique et en France à partir de 2026.

Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE 

Par Joëlle Gayot, envoye spéciale à Avignon, publié par Le Monde le 18 juillet 2025

Adapté du livre de Gaël Faye sur le génocide au Rwanda, le spectacle de Frédéric Fisbach et Dida Nibagwire au Cloître des Célestins joue sur une narration chorale pour aborder la tragédie.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/18/a-avignon-gahugu-gato-petit-pays-le-recit-diffracte-et-delicat-du-drame-rwandais_6622087_3246.html

« On ne doit pas douter de la beauté des choses même sous un ciel tortionnaire », écrit Gaël Faye dans son roman autobiographique Petit pays (Grasset, 2016). Lorsque la phrase résonne dans l’enceinte du Cloître des Célestins, elle a la force de l’évidence et l’autorité d’une note d’intention. Simple et limpide, paisible, alors même que sa toile de fond est le génocide des Tutsi au Rwanda, en 1994, la mise en scène de Gahugu Gato (Petit pays) par Frédéric Fisbach et Dida Nibagwire se dépose avec une folle délicatesse dans la nuit avignonnaise.

Adapté du texte de Gaël Faye, joué en langue kinyarwanda (surtitrée) par une magnifique équipe de 11 interprètes rwandais et burundais, ce spectacle cristallin d’une douceur ineffable se refuse à la spectacularisation. Vingt-six ans le séparent de Rwanda 94, l’uppercut théâtral et documentaire asséné par Jacques Delcuvellerie dans ce même Festival d’Avignon. Le temps écoulé n’a pas atténué l’horreur du drame génocidaire. Mais ce qui, hier, nécessitait d’en passer par un électrochoc esthétique et politique pour alerter les consciences, a désormais la possibilité de s’énoncer avec sérénité, dans le calme d’une représentation qui est d’autant plus persuasive qu’elle ne s’exhibe pas, ne gesticule pas, ne crie pas.

Fracture familiale et guerre civile

En lieu et place, c’est le vibrato d’un récit diffracté et tressé entre chant et parole qui s’élève, se déplie, se répand, flotte au-dessus d’un plateau nu, juste habité de quelques chaises de bois. Ce récit circule de corps en corps. Acteurs, musiciens, danseurs, la narration ne s’interrompt jamais. Elle n’appartient pas à un seul locuteur mais elle est la propriété de tous les interprètes en scène. Ils sont – femmes et hommes, jeunes et vieux – les dépositaires (et passeurs) de l’histoire de Gaby, ce garçon en exil, séparé de sa mère, et qui aimerait tellement revenir au Rwanda. Non, lui martèle Ana (sa sœur), « tu n’y trouveras rien à part des ruines et des cadavres ». Il y retourne, pourtant, avec et grâce aux mots, la littérature qui n’a pas de frontières peut faire des miracles.

Réactivation d’une enfance dont l’insouciance s’achève lorsque, en 1993, les parents de Gaby se séparent. La mère regagne son Rwanda natal, le père, expatrié français (et qu’incarne, en langue française, sur un mode volontairement surjoué, décalé et intrusif le metteur en scène Frédéric Fisbach), reste avec les enfants vivre au Burundi.

Imbriquée à cette fracture familiale en profitant de la brèche intime pour avancer ses propres pions, la guerre civile frappe aux portes des maisons. D’abord, il y a la rumeur d’un chaos encore trop éloigné pour éteindre les rires de la jeunesse (le récit d’une circoncision racontée par quatre grands gaillards est tordant). Puis, par touches successives sorties du tissage de dialogues animés (l’entrée en résistance d’un oncle appelé « Pacifique ») ou d’incisifs rappels mémoriels (l’appel à la traque du « gibier » tutsi diffusé par la Radio des Milles Collines), la tragédie se dresse de toute sa hauteur. Elle se campe au sommet des gradins vers où se tournent les regards des acteurs qui scrutent une invisible « maman » dont ils appellent la présence à maintes et maintes reprises. Cette tragédie porte donc le nom de la mère de Gaby, précipitée dans la dépression après avoir vu les cadavres torturés de ses proches.

Créé à Kigali, joué sur les lieux mêmes du drame, ce spectacle en dentelle fine engage, en sourdine, un combat essentiel entre la brutalité et le tact, la haine et l’amour, la guerre et la paix. Parce que la parole, loin d’être offensive, est une main qui cherche le lien, parce que les acteurs fraternisent, en temps réel, en s’échangeant les rôles, parce que l’harmonie est ici assumée, voire revendiquée, ce sont le tact, l’amour et la paix qui gagnent la lutte. Ce n’est pas une approche naïve ou décorrélée du réel. Mais le supplément d’âme d’une représentation suspendue avec grâce dans la pénombre du Cloître des Célestins. Vingt-six ans après le salutaire Rwanda 94, elle tourne la page de la fatalité et écrit le chapitre d’après : la beauté n’a pas succombé sous les ciels tortionnaires.

Gahugu Gato (Petit pays). Adapté du récit de Gaël Faye. Mise en scène : Frédéric Fisbach et Dida Nibagwire. Cloître des Célestins, Avignon, jusqu’au 22 juillet.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale du Monde)

Par Sonya Faure dans Libération - 21 juillet 2025

Programmés au In, l’adaptation du roman de l’écrivain rwandais par Frédéric Fisbach et le projet de récit de la productrice de France Culture Aurélie Charon mettent en lumière les conflits présents et passés, de Gaza à la Bosnie en passant par l’Ukraine.

Spectacle vraiment vivant

Récit choral

Sonya Faure / Libération

Par Brigitte Salino dans Le Monde - Publié le 20 juillet 2025

Le dernier tome du journal du grand dramaturge suédois, mort du Covid-19 en 2021, révèle un créateur âgé qui, tant bien que mal, a appris à se supporter.

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/livres/article/2025/07/20/journal-d-un-ecrivain-2019-2020-lars-noren-en-paix-fragile-avec-lui-meme_6622374_3260.html

« Journal d’un écrivain 2019-2020 » (En dramatikers dagbok 2019-2020), de Lars Noren, traduit du suédois par Johan Härnsten et Amélie Wendling, La Place, 250 p., 23 €.

Lars Noren tenait son journal depuis 1977. Il lui était aussi indispensable que de respirer. Le Covid-19 y a mis fin : Lars Noren en est mort, le 26 janvier 2021. Il était l’auteur dramatique suédois le plus important depuis August Strindberg (1849-1912), et son nom avait circulé parmi les possibles lauréats du prix Nobel de littérature, en 2019.

Le cinquième et dernier tome de ce passionnant journal, qui paraît en français, s’ouvre à l’automne de cette année-là. Il fait état de la polémique qui entoure le choix d’attribuer le prix à Peter Handke, à cause de son soutien au président serbe Slobodan Milosevic (1941-2006), inculpé pour crimes de guerre, crimes contre l’humanité et génocide par le Tribunal pénal international pour l’ex-Yougoslavie. Lars Noren juge ces prises de position « affreuses », mais il s’interroge sur la « limite entre l’aveuglement moral et la responsabilité personnelle de l’horreur. C’est cette limite qui doit être examinée », écrit-il, le 12 octobre.

Le 12 décembre, il se sent « glacé » par la « haine crue contre Peter Handke ». « Bien sûr, Handke est coupable d’une ambivalence dévastatrice dans ses déclarations, et peut-être devrait-il s’en excuser. Mais comment adresser à une personne haineuse des mots d’excuse. » Sans point d’interrogation. Il n’y en a aucun dans ce journal où les phrases s’enchâssent les unes dans les autres, comme des instantanés.

Pour Lars Noren, écrire chaque jour ou presque revient à « se souvenir des photos prises dans une vie (…), comme une croix rouge sur les endroits où nous avons été assis, où nous serons assis ». Dans son intégralité, son journal compte plus de 6 000 pages, réparties en cinq tomes. Deux seulement sont traduits en français. Publié à L’Arche en 2009, le premier couvrait la période du 1er août 2003 au 31 juillet 2004. Le second, aux éditions La Place, s’ouvre le 3 octobre 2019 et se referme le 20 décembre 2020.

La vieillesse à l’œuvre

En 2003-2004, Lars Noren était en pleine guerre. Contre lui-même, son égoïsme, ses tentations morbides et le désir d’enfant de sa nouvelle amoureuse. Quinze ans plus tard, s’il n’en a pas fini avec les démons qui l’ont mené, dans sa jeunesse, à l’asile psychiatrique, il semble mieux se supporter. La vieillesse est à l’œuvre. « L’enfant, le petit garçon que j’étais, me rend de plus en plus souvent visite. Il m’est impossible de voir l’expression de son visage, de voir si c’est de la joie ou de l’étonnement. Il est sur la défensive, peut-être », écrit-il, le 16 octobre 2019. Il a 75 ans, deux filles adultes et une de 10 ans, S. Avec l’écriture, elles sont sa raison de vivre et le deviennent plus encore quand le Covid-19 frappe l’Europe, fin février 2020.

Le journal entre alors dans un autre temps, celui de la paix fragile. Lars Noren note que sa capacité pulmonaire est réduite. Ses pas sont plus lents, mais il voyage loin, dans son fauteuil. Il vit seul, se garde de tomber amoureux, mais éprouve un étrange amour pour F., une comédienne de la Comédie-Française, où sa pièce Poussière a été créée, en 2018.

« Ce journal sera le plus paisible et le dernier », note-t-il, d’une manière mystérieuse et prémonitoire, le 31 décembre 2019. Ce jour-là, Lars Noren écrit à Eric Ruf, l’administrateur de la Comédie-Française, qui lui a commandé une nouvelle pièce. Il veut la consacrer à Simone Weil, une écrivaine qu’il porte au sommet, avec Nathalie Sarraute. Il ne laissera que des bribes de cette pièce, mais, en quinze mois, il en aura écrit huit autres.

Lars Noren aura aussi déménagé dans un grand appartement, pour que S. y ait sa chambre, quand elle pourra enfin vivre avec lui. Cela ne sera pas. Le 20 décembre 2020, il signale qu’il lui « tarde de lire le nouveau Peter Handke », il parle du vaccin contre le coronavirus, qu’il attend impatiemment, et il s’arrête pour toujours d’écrire après cette phrase : « Il y a une lumière pâle sur l’eau et sur les façades de la rive opposée. » On le quitte avec émoi, restent ses pièces et leur humanité impitoyable, qui n’a pas fini de nous bouleverser.

Extrait : 

« 9 octobre 2020 : Je pense à l’essence de la joie dans les trois figures tragiques chez Hölderlin et à “l’infinité divine”. C’est une belle pensée de Hölderlin, que l’être humain moderne ne se rende pas compte que ce que nous ressentons de l’Antiquité et de la philosophie grecque, c’est la fin de l’incertitude, le fragile, le fracturé – et non pas l’énorme commandement qui existait à son origine, ce pathos qui a provoqué le séisme qui se répercute jusqu’à notre époque. »

Journal d’un écrivain 2019-2020, p. 198

Brigitte Salino / LE MONDE

Par Nicole Vulser (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 18 juillet 2025

Les éditeurs de théâtre représentent un micromarché qui édite plus d’un millier de nouveaux textes par an. La diffusion en librairie reste souvent anecdotique et militante.

Lire l'article sur le site du "Monde": 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/18/au-festival-d-avignon-l-edition-theatrale-se-met-en-scene_6622090_3246.html

« Je suis un vieux crocodile du théâtre mais un jeune éditeur », affirme le comédien et metteur en scène Stanislas Nordey. A 58 ans, l’ancien directeur du Théâtre national de Strasbourg (TNS) vient tout juste de reprendre, début juillet, la direction des Editions Espaces 34, une petite maison indépendante spécialisée dans le théâtre, portée depuis 1992 par sa fondatrice, Sabine Chevallier, qui lui a transmis le flambeau. « La maison risquait de disparaître. Tous mes amis m’ont dit : “C’est la dernière chose à faire”… », raconte le metteur en scène. Il se lance quand même, en sachant qu’« on ne gagnera pas d’argent, mais l’enjeu, c’est de ne pas en perdre ». Il sera bénévole tout comme le directeur financier, et a embauché un correcteur également chargé de la fabrication.

Stanislas Nordey se plonge dans la lecture du fonds, « bluffé de ne trouver aucune faute de goût parmi les 230 titres du catalogue ». Il compte lancer deux nouvelles collections : « Les introuvables » – qu’il inaugurera en janvier 2026 avec le projet d’adaptation de l’Orestie, d’Eschyle, par Pier Paolo Pasolini (1922-1975) et un texte de Didier-Georges Gabily (1955-1996) – ainsi qu’une autre collection autour du théâtre, étrennée avec les carnets de création de Jean-Pierre Vincent (1942-2020).

A l’honneur pendant le Festival d’Avignon, l’édition théâtrale en France reste un micromarché, évalué par l’institut NielsenIQ GFK à 1,35 million d’euros en 2024, en léger déclin par rapport à 2023. Le nombre de nouveautés s’est établi à 1 149 titres en 2024 et le « top trois » des meilleures ventes a été attribué, toujours selon cet institut, à Antigone (1942), de Jean Anouilh, suivi par le deuxième tome du Sang des promesses, Incendies (2012), de Wajdi Mouawad, puis par les tragédies d’Eschyle.

Importance des ventes du fonds

Avec un catalogue de 1 300 ouvrages et une vingtaine de nouveautés chaque année, dont 12 à 15 pièces de théâtre, Actes Sud Papiers reste, de loin, le plus important acteur de ce secteur. Claire David, directrice d’Actes Sud Papiers et du pôle des arts de la scène, sort les textes des pièces jouées à Avignon comme L’Enfant de verre, de Léonore Confino et Géraldine Martineau, ou La Faille, de Serge Kribus. Elle ressort aussi Le Canard sauvage, d’Henrik Ibsen (1828-1906), mis en scène par Thomas Ostermeier. « Dans le théâtre, les ventes sont très lentes à décoller, mais peuvent parfois se métamorphoser en véritables triomphes sur la durée, comme Incendies, de Wajdi Mouawad, écoulé à plus de 350 000 exemplaires », explique-t-elle.

Les ouvrages d’autres auteurs maison comme Jean-Claude Grumberg, avec L’Atelier, et Joël Pommerat dépassent les 25 000 exemplaires. Ce mini-marché, tout comme celui de la poésie, se caractérise par l’importance des ventes du fonds (60 à 70 %), bien supérieures à celles générées par les nouveautés. Soit l’exact inverse du roman.

Autre éditeur de poids, Les Solitaires intempestifs – qui publie une vingtaine de nouveautés par an – profite aussi d’Avignon pour mettre en avant ses auteurs à l’affiche, comme Clotilde Mollet, Tiago Rodrigues, Tamara Al Saadi ou Ronan Chéneau. « Le tirage des nouveautés excède rarement 3 000 exemplaires. Arriver à 10 000 exemplaires de ventes est exceptionnel », reconnaît François Berreur, son directeur.

Dans l’édition théâtrale, le Graal consiste à intégrer les programmes scolaires. Un sort enviable partagé par Illusions comiques, d’Olivier Py (Actes Sud, 2006) ou encore Clôture de l’amour, de Pascal Rambert (Les Solitaires intempestifs, 2011), mais surtout Juste la fin du monde (1990), de Jean-Luc Lagarce, vendu selon son éditeur, Les Solitaires intempestifs, à plus de 100 000 exemplaires.

Rayons spécialisés minuscules

Le Festival d’Avignon a conclu, depuis 2018, un partenariat avec la librairie Lettres vives de Tarascon (Bouches-du-Rhône), qui prend ses quartiers d’été dans la Maison Jean-Vilar – où est proposée une offre foisonnante de près de 5 000 références en théâtre, danse et spectacle vivant. Soit le lieu le mieux approvisionné de l’Hexagone. La librairie éphémère se déploie aussi dans la cour du cloître Saint-Louis et a ouvert une ribambelle de petits comptoirs de vente directement dans les lieux de spectacles, à la Carrière Boulbon, au Musée Calvet, à Vedène (Vaucluse), au Gymnase Mistral… Dans le quartier général du « off », la librairie avignonnaise La Comédie humaine a aussi ouvert une seconde boutique temporaire, qui regorge d’œuvres de dramaturges.

La question de la diffusion et de la place accordées au théâtre dans les librairies reste cruciale. Les rayons spécialisés s’avèrent souvent minuscules. La directrice de la maison d’édition L’Arche, Claire Stavaux, souligne les difficultés liées à l’arrêt de certaines librairies spécialisées. A Paris, par exemple, Palimpseste, installée dans le 5e arrondissement, a fermé, tandis que Le Coupe-Papier, à deux pas du Théâtre de l’Odéon, dans le 6e arrondissement, a été repris par une librairie de manuscrits et de beaux livres. EXC a également baissé le rideau, dans le 3ᵉ arrondissement, mais renaîtra début septembre sous le nom de Librairie centrale, en étant hébergée par la Maison de la poésie.

Même constat dans les théâtres. La librairie du TNS a disparu. Au Théâtre du Rond-Point, à Paris, la librairie, gérée par EXC, a baissé le rideau en octobre 2024, mais la Réunion des musées nationaux doit reprendre les rênes du lieu, le 9 septembre. Préserver un comptoir de vente de livres dans les théâtres est souvent « un acte militant », souligne Claire David. Déjà en 1987, le dramaturge Michel Vinaver (1927-2022) avait analysé les « mille maux dont souffre l’édition théâtrale » et suggéré d’améliorer sa diffusion parmi les « trente-sept remèdes pour l’en soulager ».

Droits de représentation théâtrale

Tous les éditeurs sont concernés par cette difficulté. Même les éditions Théâtrales, qui appartiennent au Théâtre ouvert, un centre national des dramaturgies contemporaines subventionné par des aides publiques. A côté des résidences, des spectacles ou de l’accompagnement dramaturgique, ce pôle d’édition se démarque par son statut de coopérative, dont certains auteurs sont sociétaires.

Sa directrice, Caroline Marcilhac, confie recevoir près de 600  manuscrits par an et publier « quatre nouveaux auteurs par an, jamais édités précédemment ». Quitte à poursuivre avec eux un compagnonnage sur plusieurs années, avant qu’ils ne quittent le Théâtre ouvert pour rejoindre un autre éditeur, comme Baptiste Amann ou Nicolas Doutey, passés chez Actes Sud.

Autre singularité dans ce secteur, L’Arche est à la fois un éditeur – avec une quinzaine d’ouvrages présentés dans le « off » à Avignon, signés Lukas Barfüss, Alexandra Badea, Lee Hall, Dennis Kelly… – et une agence théâtrale depuis trente ans. Seul modèle alternatif à la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD), L’Arche gère les droits de représentation théâtrale de près de 500 auteurs français et internationaux. Et finalement jouer la pièce d’un auteur peut lui rapporter bien davantage que la vente de ses ouvrages. En 2024 – une très bonne année pour la perception des droits dans le spectacle –, la SACD, qui encaisse en moyenne 10 % de la recette de billetterie des théâtres pour reverser des droits aux auteurs, a rétrocédé à plus de 7 700 d’entre eux une somme totale de 20 millions d’euros. Sans dévoiler qui a touché le jackpot.

Nicole Vulser (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Légende photo : A la Maison Jean-Vilar, à Avignon, en 2019. FESTIVAL D’AVIGNON

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - Publié le 17 juillet 2025

Au Théâtre du Train bleu, la comédienne de 27 ans, atteinte de la maladie de Huntington, livre un monologue sobre et bouleversant.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/17/au-festival-off-d-avignon-une-chose-vraie-avec-ysanis-padonou-laisse-le-public-petrifie-d-emotion_6621737_3246.html

Tout arrêter et prendre le temps de repenser à ce qui a eu lieu. Respirer un bon coup, laisser filer les secondes avant de regagner la rue en titubant sous le soleil. Pas parce qu’il saoule les corps de sa chaleur. Mais parce qu’un choc vient de se produire dans la fraîcheur d’une salle de théâtre. C’est aussi ça, le Festival d’Avignon. Une suite de spectacles qui s’enchaînent bon an mal an, et puis, soudain, un artiste surgit qui emporte tout sur son passage. Quelque chose, « une chose vraie », a fait rupture avec l’ordinaire.

Voici le tableau : un public pétrifié d’émotion. Une actrice prostrée, buste enroulé en mode fœtal après une heure vingt d’une représentation sidérante, essentielle (c’est certain) et inoubliable (c’est probable). La communion, ce graal maintes fois invoqué au théâtre mais qui s’y manifeste si peu, ce point de ralliement fantasmé est la note finale, définitive et bouleversante du monologue proposé au Train bleu : Une chose vraie.

Le titre est à prendre au pied de la lettre. Sobre, apoétique, d’une froide neutralité, il est factuel. A l’exact opposé des perceptions tempétueuses que provoque le récit (mis en scène par Romain Gneouchev) porté au plateau par la comédienne Ysanis Padonou. Ses mots et sa façon de les dire, son histoire et sa manière de la jouer : rien, chez cette interprète fabuleuse, ne cède au pathos.

Cette actrice-là n’a plus de temps à perdre en vague à l’âme ou en flou artistique. Elle est atteinte de la maladie de Huntington, une affection génétique et neurodégénérative qui la condamne à l’effritement de ses facultés cognitives et motrices. La dégradation (qui s’apparente à un Alzheimer précoce) s’amorcera entre ses 35 et ses 50 ans. Elle a 27 ans, aujourd’hui. Elle est au stade 3 d’une atteinte qui, pour l’instant, reste discrète, mais dont elle connaît les symptômes à venir : son grand-père en est mort, sa mère en est atteinte. Huntington est héréditaire. Elle l’a appris, en 2014, de la bouche du neurologue qui les a informées, elle et sa mère, en quatorze minutes chrono d’une consultation brutale ne laissant aucune place à la dernière respiration qui précède la noyade.

Elégance sidérante

L’aveu des faits ne se fait pas attendre. Un préambule sans embarras ni fioriture. Avec Ysanis Padonou, le théâtre ne triche pas. Ou très peu. La comédienne porte une oreillette (elle l’enlève, la montre, la remet) dans laquelle lui parvient son texte enregistré. Si elle se sépare de l’appareil, elle ne se donne pas plus de quelques minutes pour se mettre à bafouiller. Le pire cauchemar pour une actrice professionnelle dont la bête noire est le trou de mémoire. Elle ne se plaint et ne se plaindra pas. Jamais. Elle constate. Elle égrène avec précision (et le sourire) les origines, les causes, les circonstances, les conséquences. Son élégance est sidérante, sa pudeur exemplaire. Tête haute, sculpturale dans son tee-shirt échancré, elle est d’une classe folle.

Elle opère un retour sur le passé qui démarre au Théâtre national de Strasbourg, où, élève recrutée en 2011 à l’école, elle entend un metteur en scène dire d’elle : « Elle est bien la petite Négresse. » Ysanis Padonou est noire. Le racisme décomplexé, elle le traverse et le surmonte avant de s’enfouir dans la solitude. Six ans à détaler loin de sa mère malade pour se construire en dépit de Huntington. Elle travaille, elle tourne, elle enchaîne les pièces sous la direction (notamment) de Stanislas Nordey. Elle est – elle se croit – heureuse, cette jeune femme fuyant l’annonce. Et que la « chose vraie » rattrape. C’était fatal.

Les épaules trempées de sueur, elle livre les détails. La densité d’un présent dupant le futur improbable, tout tient d’un bloc dans un décor plastique d’une blancheur aveuglante. Toile tendue sous ses pieds, dans son dos. Un plateau de photographe où les projecteurs saturent l’espace de couleurs pop. Elle est épinglée dans le lieu par son metteur en scène, Romain Gneouchev. Un dispositif épuré où les babioles disposées au sol (une statuette, un coffret de porcelaine ou le courrier du laboratoire de recherche) sont des cailloux de Petit Poucet semés là, au cas où. Et puis elle enlève l’oreillette. Requiert la présence d’un souffleur. Répète les vers d’une tragédie qu’une spectatrice lui murmure. Se prostre à terre. Elle n’est pas une victime. Elle est actrice. Et pas qu’un peu. Pas du genre qu’on oublie.

Une chose vraie, conception, écriture et mise en scène : Romain Gneouchev. Jeu et collaboration à l’écriture : Ysanis Padonou. Festival « off » d’Avignon, Théâtre du Train bleu. Jusqu’au 23 juillet.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale du Monde )

Par Thierry Jallet  dans Wanderer — 15 juillet 2025

Le Canard sauvage (Vildanden), d'Henrik Ibsen, par la Schaubühne de Berlin, Festival d'Avignon 2025 
Ibsen à Avignon : Le jeu (dangereux) de la vérité

Par Thierry Jallet dans Wanderer Publié le 10 juillet 2025

Les Paillettes de leur vie ou la Paix déménage, de et avec Mickaël Délis, Théâtre Avignon – Reine Blanche, Avignon OFF 2025 

Théâtre nourri de dessin et de cinéma

Sans fil narratif autre que celui qu’imposent les images

Anne Diatkine / Libération

Légende photo :  Le metteur en scène Mario Banushi. (Andreas Simopoulos)

Par Sonya Faure dans Libération, 17 juillet 2025

«La Neige est blanche», «le Journal de Maïa» et «la Peau des autres» : pensés pour être joués dans les établissements scolaires et destinés aux adolescents, ces trois spectacles sondent leurs tourments.

«Ce que tu vis, c’est normal et ce n’est pas si grave»

S’offrir aux adolescents

La neige est blanche, jusqu’au 26 juillet à 11 heures à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (cinquante minutes).

Le Journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (cinquante minutes).

La Peau des autres, jusqu’au 23 juillet, à 13 h 15 les jours impairs au théâtre du Train bleu (une heure et vingt minutes).

Analyse par Fabienne Darge / Le Monde du 16 juillet 2025

A mi-parcours de la manifestation, le réel a fait une incursion dans la 79ᵉ édition, les artistes cherchant comment le dire, avec plus ou moins de naïveté ou de bonheur.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/16/au-festival-d-avignon-le-theatre-bouscule-par-l-actualite-immediate-livre-toujours-ses-lecons_6621572_3246.html

Que Gaza ou l’Ukraine ont semblé loin d’Avignon, en cette première partie de la manifestation créée par Jean Vilar, en 1947, dans l’esprit issu de la Résistance… Le Festival a donné, jusque-là, le sentiment d’être une bulle. Certes, de nombreux artistes, dans cette 79e édition, qui met la langue arabe à l’honneur, sont apparus, à l’heure des saluts, avec un keffieh palestinien sur les épaules. Certes, un rassemblement a eu lieu et une « nouvelle déclaration d’Avignon » prononcée, le samedi 12 juillet, sur le parvis du Palais des papes, pour dénoncer « les massacres orchestrés par l’Etat israélien à Gaza et dans les territoires occupés » – une déclaration lue par des artistes comme Anne Teresa De Keersmaeker ou Milo Rau, en présence du directeur du Festival, Tiago Rodrigues. Mais, annoncée tardivement et mal diffusée, cette initiative n’a pas attiré les foules : moins de 1 000 personnes devant le Palais des papes.

La profession théâtrale, traditionnellement très politique, semble, en cette année 2025, tétanisée par les problèmes budgétaires qui la touchent et qui ravagent un écosystème déjà fragile. On attendait la soirée Nour (« lumière », en arabe) du mardi 15 juillet pour voir si Jack Lang, président de l’Institut du monde arabe, à Paris, allait prendre la parole, mais, finalement, c’est Radhouane El Meddeb, directeur artistique de l’événement, qui s’est exprimé en son nom propre avec autant de gravité que de sobriété : « Nour dénonce l’anéantissement programmé de la Palestine et le silence complice de ceux qui ne dénoncent pas cette barbarie. »

Cette soirée poétique et musicale, magnifique, a sans doute plus fait pour la Palestine que bien des discours, dans le partage du sensible mis en œuvre ici, qui n’attaquait pas frontalement le sujet, mais l’a distillé de manière subtile. « La poésie est aussi une méthode qui nous permet de résister à une vie inhumaine », disait le grand poète palestinien Mahmoud Darwich, disparu en 2008.

Le réel est donc là et bien là, dans cette édition, et l’on voit bien que les artistes cherchent comment le dire, quitte à vouloir le faire entrer le plus directement possible dans la représentation, avec plus ou moins de naïveté ou de bonheur. Les curseurs entre réel et imaginaire ne sont pas toujours évidents à ajuster, le théâtre documentaire, souvent réduit à un théâtre de témoignages, n’étant pas toujours le mieux à même de permettre à l’art de jouer le rôle qui est le sien, et qui n’est pas celui du journalisme ou de la politique.

Aussi émouvante que réjouissante

Ces questions, largement brassées ces temps-ci, ont donné lieu à l’une des créations les plus formidables de cette édition. Il se trouve qu’elle est aussi celle qui sera vue par le public le plus varié et le plus éclectique, puisqu’il s’agit du traditionnel spectacle itinérant du Festival, joué, jusqu’au 26 juillet, dans des villages de la région, de Vacqueyras (Vaucluse) à Vallabrègues (Gard). Il a été confié au metteur en scène suisse Milo Rau, actuel directeur du Festival de Vienne, en Autriche, découvert ici, à Avignon, en 2013, avec une extraordinaire pièce documentée sur le génocide rwandais, Hate Radio.

Milo Rau a, depuis, développé un théâtre du réel, notamment sous la forme de représentations de procès. C’est donc lui qui sera aux commandes, également, de la soirée d’hommage à Gisèle Pelicot, programmée vendredi 18 juillet au Cloître des Carmes. Un théâtre du réel qui n’a pas toujours évité certains écueils, celui de la communion entre personnes bien-pensantes, entre autres, avec Antigone in the Amazon, présenté au Festival en 2023.

Avec La Lettre, il est contraint à une forme modeste, qui s’avère ici une vraie petite leçon de théâtre aussi émouvante que réjouissante, et entrelace le réel et l’imaginaire avec autant de simplicité que de maestria. Le réel étant d’abord, dans l’art vivant du théâtre, celui de l’existence en chair, en os, en âme et en esprit des êtres humains présents de part et d’autre du quatrième mur (lequel n’existe plus beaucoup, de nos jours), le metteur en scène est parti de l’histoire personnelle de ses deux jeunes acteurs.

Elle, Olga Mouak, est d’origine camerounaise et réunionnaise. Elle a grandi à Orléans, s’est passionnée très tôt pour la figure de Jeanne d’Arc, et a toujours rêvé de jouer Nina, dans La Mouette, d’Anton Tchekhov. Ce qui, jusque-là, n’a pas été possible, parce qu’elle est noire, qu’elle a un corps de femme terrienne et bonne vivante, et que cela ne correspond pas aux clichés éthérés attachés à ce rôle.

Lui, Arne De Tremerie, est le petit-fils d’une femme, Nina De Tremerie, présentatrice star d’une émission culturelle de la radio flamande, qui aurait rêvé d’être actrice et de jouer Nina ou Arkadina dans La Mouette. C’est d’elle que tout part, et de cette fameuse lettre qui donne son titre au spectacle. Une lettre que Nina De Tremerie a trouvée sur une table de sa maison, quand elle avait 9 ans, et où sa propre mère, l’arrière-grand-mère d’Arne, donc, lui disait qu’elle partait, et qu’elle ne savait pas quand elle reviendrait. C’était en 1949, la mère de Nina n’est jamais revenue. Depuis qu’il est devenu acteur, Arne a un rêve : mettre en scène La Mouette de Tchekhov.

La lettre est-elle vraie ou inventée ? Milo Rau entretient le flou à dessein – il semblerait qu’il y ait bien eu lettre, mais qu’elle ait été réécrite pour les besoins du spectacle. Elle est en tout cas le point de départ d’une mise en acte aussi vertigineuse que ludique sur la manière dont nos vies sont tissées d’imaginaire et de fiction, qui repose sur le talent éblouissant de ses jeunes interprètes. Lesquels joueront bien Constantin et Nina, les deux jeunes héros de La Mouette, mais aussi une foule d’autres choses, dans ce spectacle qui orchestre de troublantes correspondances biographiques.

Tous deux ont un charme fou, lui, Arne, avec son côté showman, sa manière de décaler par l’agilité burlesque son air de petit prince blond aux yeux bleus. Elle, Olga (prénom tchékhovien lui aussi), avec une transparence de jeu renversante, une forme de naturel pour autant jamais banale ni ennuyeuse. Théâtre et réel, la question n’est pas épuisée, jamais épuisable, toujours à remouliner dans les coordonnées spécifiques d’une époque.

La Lettre, par Milo Rau. En itinérance dans la région d’Avignon, jusqu’au 26 juillet. Puis tournée jusqu’en mai 2026, notamment au Théâtre Silvia Monfort, à Paris, du 28 décembre au 31 janvier 2026, et au Théâtre public de Montreuil (Seine-Saint-Denis), du 20 au 30 mai 2026.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Arne De Tremerie et Olga Mouak dans « La Lettre », mis en scène par Milo Rau, au Festival d’Avignon, en juillet 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE/FESTIVAL D’AVIGNON

Par Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 15 juillet 2025

Pour la première fois, la troupe de la Maison de Molière se produit dans les deux Festivals, dans la Cour d’honneur avec « Le Soulier de satin » et à la Scala Provence avec « Les Serge (Gainsbourg point barre) ».

Lire l'article sur le site du "Monde": 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/15/a-avignon-la-comedie-francaise-a-l-affiche-du-in-et-du-off_6621368_3246.html

Pour la première fois, cette année, la Comédie-Française est à l’affiche des deux Festivals d’Avignon. Dans le « in » avec Le Soulier de satin au sein de la Cour d’honneur du Palais des papes, du 19 au 25 juillet, et dans le « off » avec Les Serge (Gainsbourg point barre) au théâtre La Scala Provence, du 15 au 26 juillet. Pas moins de 28 comédiens et comédiennes de la vénérable institution se répartiront sur ces deux scènes. Pour le public avignonnais, qui navigue entre le « in » et le « off » sans se soucier de savoir s’il assiste à un spectacle issu du secteur subventionné ou privé, cette double présence peut paraître anecdotique. Mais pour le milieu théâtral, elle a une portée symbolique forte.

Avec un tempérament toujours prompt à s’emballer, Frédéric Biessy, directeur de La Scala Provence, parle d’un « moment de bascule. Ce qui paraissait improbable devient soudain naturel ». Pour l’occasion, l’entrepreneur a organisé, lundi 14 juillet, une conférence de presse, avec à ses côtés Françoise Nyssen, présidente de l’association de gestion du Festival (« in ») d’Avignon et ancienne ministre de la culture, et Harold David, coprésident de l’association Avignon Festival & Compagnies (AF&C), qui coordonne le « off ». Soit un trio très rarement réuni autour d’une même table. « Après avoir été face à face, le “in” et le “off” sont côte à côte », se réjouit Frédéric Biessy, persuadé que « les lignes bougent » et que cette initiative « aurait fait sourire Jean Vilar [créateur du Festival d’Avignon en 1947] ».

Décloisonnement public-privé inédit

Autour d’eux, les comédiens et comédiennes du Français qui joueront Les Serge écoutent, presque surpris, ces prises de parole enthousiastes sur ce décloisonnement public-privé inédit. « Je n’ai pas le sentiment d’appartenir à une caste ou à un milieu social du théâtre, résume Noam Morgensztern. Quand on nous a annoncé que la tournée des Serge irait à La Scala, on s’est dit “chouette !, on va à Avignon”, sans penser à ces histoires de “in” et de “off”. » Benjamin Lavernhe, sociétaire de la Maison, se souvient : « En 2006, je jouais aux Ateliers d’Amphoux dans le “off” et rêvais de la Comédie-Française. » « En 2009, je jouais à La Manufacture dans le “off” et dans un spectacle de Christophe Honoré dans le “in” », rappelle Sébastien Pouderoux, pensionnaire.

Cette double venue de la Comédie-Française correspond aussi à une édition avignonnaise qui, pour la première fois depuis vingt-cinq ans, affiche des dates communes pour les deux Festivals. Une concordance dont se félicitent aussi bien Harold David que Françoise Nyssen. « Il faut coopérer, sortir des silos ; “in” et “off”, c’est absurde, il y a d’abord un public et du théâtre », insiste l’ancienne ministre. Mais un tel rapprochement nécessite d’« inventer un autre modèle économique », précise le coprésident d’AF&C. Car si la Comédie-Française peut venir dans le « off », c’est parce que La Scala dispose d’une salle de 600 places (la plus importante de ce festival) et a les reins financiers suffisamment solides pour acheter un spectacle du Français et équilibrer, grâce aux recettes de billetterie, avec un tarif des places (48 euros à l’orchestre, 37 euros au balcon) bien plus élevé que ce qui se pratique habituellement dans le « off ».

Le Soulier de satin, mis en scène par Eric Ruf. Cour d’honneur du Palais des papes, Avignon, du 19 au 25 juillet.

Les Serge (Gainsbourg point barre), mis en scène par Stéphane Varupenne et Sébastien Pouderoux. La Scala Provence, Avignon, du 15 au 26 juillet.

Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale)

Par Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 13 juillet 2025

Avec sa nouvelle pièce, qui réunit six personnages dans un chalet bavarois, le metteur en scène suisse offre un spectacle jubilatoire, à la fois politique et poétique.


Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/13/au-festival-d-avignon-folie-douce-au-sommet-avec-christoph-marthaler_6621016_3246.html

C’est comme une drogue. Un shoot de folie douce dans la dureté des temps, qui vous enivre et vous fait entrer en lévitation. Une ivresse indéfinissable, comme si l’air des montagnes s’était engouffré dans la fournaise avignonnaise. Avec Le Sommet, le maître suisse Christoph Marthaler, 73 ans, a offert au Festival, où il n’était pas revenu depuis 2013, une merveille de spectacle, où son sens de l’absurde aérien le dispute à l’acuité politique sur les temps de désagrégation que nous vivons. Un cadeau.

Alors, d’abord le décor. Un chalet en bois qui semble construit directement sur la roche de la montagne, puisque celle-ci affleure à même le plancher. L’endroit est tellement perché que l’on n’y accède que par un monte-charge, qui recrache en premier lieu une copie de La Joconde ainsi que divers objets tout aussi inattendus, déclenchant l’hilarité générale. Avant de laisser la place à un petit groupe d’humains, arrivant un par un, trois femmes, trois hommes.

Chapeaux à plumes, gilets en laine jacquard, culottes de peau tyroliennes et chaussures de randonnée, il semblerait bien que l’on soit dans les Alpes bavaroises – peut-être suivez-vous notre regard, déjà. Que viennent-ils faire là, ces humains qui parlent en français, en italien, en anglais (d’Ecosse), en allemand et même dans un dialecte autrichien aux accents archaïques ? S’agit-il là d’un de ces sommets entre grands de ce monde, réunis discrètement en lieu sûr (en apparence, du moins, comme on le verra plus tard) ?

Absurdité des temps

Après avoir chanté mezza voce à l’unisson, histoire de mieux établir leur communauté, les voilà qui ouvrent de grands classeurs pour se livrer à une irrésistible séance de traduction simultanée, d’autant plus drôle qu’elle ne porte que sur des mots aussi simples que « one », « yes », « no », et surtout « but » – le « mais » étant visiblement l’alpha et l’oméga de ces négociations entre dirigeants réduites jusqu’à l’os. Comme pour mettre à nu une structure révélant l’inanité de ces prétendus échanges.

Le sens de la poésie sonore de Christoph Marthaler et de son dramaturge, Malte Ubenauf, atteint ici des sommets, avec ce concert itératif suivi d’une séance de sauna, laquelle fera dangereusement grimper la température alors que dehors il neige, en plein été. Il faut bien se détendre, après un tel effort, une telle accumulation de « mais ». Et avant la cérémonie officielle qui va suivre, réduite elle aussi, mais cette fois par l’expression des corps, à la vanité de sa représentation.

Peu à peu, pourtant, l’inquiétude gagne. Un hélicoptère passe très près du chalet, et le bruit d’une forte explosion se fait entendre. Un autre appareil survole les lieux, et largue un gros paquet, qui s’avère rempli… d’extincteurs gonflables – un objet qui, oui, existe bien dans notre monde réel, destiné notamment à tous ceux qui voudraient se déguiser en pompiers. Artefact en lequel Christoph Marthaler semble avoir trouvé le symbole parfait de l’absurdité des temps. Dans la montagne, une voix résonne, annonçant que les routes sont coupées, que la zone est condamnée, pour une durée « de quinze à dix-huit ans ».

Puzzle délicat

La dramaturgie en apesanteur, d’essence profondément musicale, de Christoph Marthaler tisse sa toile de manière impalpable, laissant le spectateur faire les liens lui-même. Des textes du poète – trop méconnu – Christophe Tarkos, de Pasolini, d’Olivier Cadiot ou de Dylan Thomas se mêlent à des morceaux de Schubert, de Mozart ou d’Adriano Celentano, dans ce puzzle délicat qui sans cesse se redistribue entre cacophonie et harmonie, loin des formes documentaires parfois paresseuses et souvent lourdement démonstratives qui se multiplient sur les plateaux.

La jubilation provoquée par ce Sommet marthalérien vient aussi, bien entendu, de la vision de ces pompiers pyromanes que sont les grands de notre monde pris à leur propre piège – celui qu’ils ont fabriqué pour les autres, d’une société invivable. Le rire est doublé d’une note de fond d’une gravité sans appel, dans ce spectacle fourmillant de détails dadaïstes, qui peu à peu, sans que ce soit jamais explicite, convoque les réminiscences d’un autre chalet : le Berghof, à Berchtesgaden, dans les Alpes bavaroises.

Adolf Hitler passa la moitié de sa vie, avant et pendant la guerre, dans ce refuge où, en tant que chef d’Etat et de gouvernement allemand, il reçut nombre de personnalités en visite officielle, des Britanniques David Lloyd George et Neville Chamberlain à l’amiral français François Darlan en passant par le duc et la duchesse de Windsor et une noria de diplomates. Pour un homme de la génération de Marthaler, l’histoire du nazisme n’est pas une abstraction. Ne reste alors, sur scène comme dans la salle, qu’à fredonner « Now it’s time to say good night », variation tout en douceur sur Good Night, des Beatles. En attendant la fin du monde.

Le Sommet, par Christoph Marthaler. Festival d’Avignon, La FabricA. Jusqu’au 17 juillet. Puis tournée française et européenne jusqu’en avril 2026, notamment à la MC93 de Bobigny, dans le cadre du Festival d’automne, du 3 au 9 octobre.

Fabienne Darge (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE 

Légende photo : « Le Sommet », de Christoph Marthaler, au Festival d’Avignon, le 12 juillet 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE/FESTIVAL D’AVIGNON

Propos recueillis par Laurent Goumarre / Libération du 13 juillet 2025

De passage dans la cité des Papes pour trois jours, la metteuse en scène raconte son Festival, où «tout va plus vite qu’ailleurs».