Par Noémie BAUDOUIN et Raphaël FRESNAIS - Publié le 13/05/2025 

De Cherbourg (Manche) à Mondeville (Calvados), la Normandie vient de perdre une des figures artistiques de ce dernier quart de siècle avec la disparition, samedi 10 mai 2025, de Pierre-François Roussillon. Fils du comédien Jean-Pierre, ce clarinettiste de talent avait choisi la voie de la musique avant de diriger trois scènes nationales à Cherbourg, Bourges et Malakoff. Dernier directeur du feu Orchestre régional de Normandie, il venait de reprendre le chemin des concerts avec sa clarinette.

Pierre-François Roussillon est né en 1962 pour être artiste. Fils du grand comédien Jean-Paul Roussillon, metteur en scène et sociétaire de la Comédie française, sa destinée s’impose à lui comme une évidence. « J’ai grandi dans les couloirs de la Comédie française, je les connais comme ma poche » , confiait, dans un habituel sourire affable, celui qui a rendu son dernier souffle, samedi 10 mai 2025, du côté de Cherbourg, où ses obsèques devraient être célébrées prochainement.

Cette fois, c’est pour de bon. Mais ce grand amateur de jazz laissera le souvenir d’un faiseur de liens, de dresseur de ponts entre les disciplines qu’il aimait tant « croiser ». Des ponts qu’il aurait mérité de dresser un peu plus longtemps. « Il venait de relancer sa carrière de musicien, regrette son ami Patrick Foll, directeur du théâtre de Caen, où il a livré un de ses derniers concerts fin avril. C’était un brillant clarinettiste, quelqu’un de rare. »

Par Kilian Orain dans Télérama le 12 mai 2025

Dans “1664”, sa nouvelle “conférence extraordinaire”, la performeuse et historienne de l’art convoque Colbert comme... Cyndi Lauper. Un cours d’histoire de France original, à voir jusqu’au 17 juin.

Au Théâtre de l’Atelier, où elle présente deux de ses spectacles, l’étonnante Hortense Belhôte amuse autant qu’elle instruit. Dans 1664, la performeuse, historienne de l’art de formation, nous raconte cette année charnière pour la France, particulièrement marquée par l’absolutisme de Louis XIV. Et par l’apparition, à Strasbourg, de la bière qui porte le même nom. Vêtue d’un survêt aux singuliers motifs – baroques et dorés –, l’artiste nous conduit au château de Vaux-le-Vicomte, qu’elle connaît bien – elle lui a consacré son mémoire de recherche et y a tourné un film, à une époque où elle se cherchait et se consumait à grandes flammes.

D’anecdote en anecdote, elle retrace avec malice, vidéoprojecteur en main, l’histoire de France et l’histoire de l’art au XVIIe siècle qu’elle aime tant, mêlant à cette « conférence spectaculaire », autobiographique et enjouée, des éléments de son propre parcours. On y croise pêle-mêle ses amis, Colbert, Fouquet… et la chanteuse Cyndi Lauper. Et l’on redécouvre une forme à la croisée des genres, légère, profonde et habitée.

Kilian Orain / Télérama

Propos recueillis par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 9 mai 2025

Pour la première fois, un théâtre public, le TNS, met le genre à l’honneur pendant une semaine, du 10 au 15 mai. Rencontre avec la directrice du lieu, Caroline Guiela Nguyen, et Merwane Benlazar, l’un des humoristes invités de l’événement.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/09/le-stand-up-s-invite-au-theatre-national-de-strasbourg-pourquoi-n-avons-nous-pas-considere-qu-il-pouvait-etre-un-element-important-de-la-culture-commune_6604449_3246.html

Du 10 au 15 mai, le Théâtre national de Strasbourg (TNS) ouvre ses portes au stand-up, avec le TNS Comedy Club. Cette initiative inédite, voulue par la directrice de cette institution théâtrale, Caroline Guiela Nguyen, marque une étape importante dans la reconnaissance de cet art de la parole et de la vanne, souvent considéré comme un sous-genre par les théâtreux.

Le programme, composé en collaboration avec l’équipe de Madame Sarfati, le comedy club parisien créé par l’humoriste Fary, offre un échantillon éclectique de la scène actuelle du stand-up. Laura Domenge, Panayotis Pascot et Merwane Benlazar y présenteront leur spectacle. Le Plato, comedy club strasbourgeois, organisera une soirée mêlant artistes émergents et confirmés. Enfin, des élèves de l’école du TNS qui ont suivi un module consacré à l’écriture du stand-up roderont leurs blagues devant le public.

C’est la première fois que des stand-upeurs vont se produire sur une scène de théâtre public. Que représente cette expérience inédite pour chacun d’entre vous ?

Caroline Guiela Nguyen : J’ai toujours travaillé avec la volonté de battre en brèche l’idée qu’il existerait une hiérarchie, une classification des cultures. C’est profondément ce qui crée du mépris social et, surtout, ce qui nous empêche d’accéder à des formes d’art puissantes, parce que l’on estime que telle création relève du théâtre public et telle autre du théâtre privé, sous prétexte que cette dernière serait commerciale et pour le peuple.

En tant qu’artiste, directrice d’institution et d’école, mon travail est de totalement rebattre les cartes. Il était temps qu’on franchisse cette nouvelle étape parce que, en vérité, l’institution est en retard. Il s’agit d’être dans une égalité d’estime.

Dans notre programmation, nous avons des artistes comme Eric Feldman, qui a écrit On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie [en 2024], ou Laurène Marx, avec Pour un temps sois peu [2021] : ce sont des formes solos qui s’adressent directement au public.

Pourquoi ces spectacles-là ont-ils leur place dans des théâtres nationaux et pas le stand-up ? Parce que le stand-up c’est de l’humour ? Parce qu’il aborde des sujets très contemporains ? Parce qu’il est grand public ? La question qu’on devrait poser est : pourquoi, pendant très longtemps, n’avons-nous pas considéré que ce genre pouvait être dans des théâtres publics et un élément important de la culture commune ?

Merwane Benlazar : Jouer dans des comedy clubs, devant un public d’habitués, c’est une chose. Aller sur la scène du TNS, prêcher « au-delà de ma paroisse », devant un public qui n’a pas l’habitude de cette forme d’art, me donne le sentiment de faire pleinement mon travail.

Pourquoi y a-t-il cette hiérarchisation de la culture, pourquoi l’humour a-t-il longtemps été considéré comme quelque chose de moins noble ?

C. G. N. : Intuitivement, je dirais que c’est lié à la question de l’émotion. Je fais beaucoup de spectacles où les gens pleurent et, ça aussi, c’est considéré comme moins noble. Comme si l’émotion ne pouvait pas laisser la place au sérieux du politique, à la distance brechtienne qui permet de comprendre, d’analyser ; elle ferait bifurquer la pensée. Peut-être faudrait-il aussi regarder comment est né le stand-up et comment ceux qui le pratiquaient étaient alors considérés.

M. B. : Lenny Bruce [1925-1966], l’un des premiers stand-upeurs américains, a fait plusieurs séjours en prison parce qu’il évoquait des sujets très tabous pour l’époque. Officiellement, on lui reprochait sa vulgarité, et la police venait l’arrêter lors de ses shows. C’est ça, la base du stand-up : le principe même était de déranger. Il n’y avait pas encore de comedy clubs, le public le découvrait dans des clubs de jazz. On n’avait pas l’habitude, peut-être, de rire fort, de faire du bruit, d’être choqué, d’avoir toutes ces émotions.

En tant que stand-upeur, quel est votre rapport au théâtre ?

M. B. : Je suis né et j’ai grandi en Seine-Saint-Denis, où, grâce à l’école, j’ai pu découvrir des pièces au théâtre public Gérard-Philipe de Saint-Denis. Quand j’étais jeune, je trouvais le théâtre rigide, la lecture n’étant pas mon fort. Alors, quand je devais lire des pièces dans un français ancien, cela me demandait beaucoup d’efforts. Lorsque j’allais au théâtre avec le collège, cela m’intéressait, mais je n’avais pas la capacité de me concentrer sur les dialogues qui étaient datés, tout simplement parce que je n’avais pas le bagage culturel.

A 12-13 ans, j’ai découvert le stand-up grâce au « Jamel Comedy Club » à la télévision : dans sa façon de parler et de faire des blagues, cette troupe me ressemblait, je m’identifiais plus facilement. Le stand-up est davantage venu à moi que la dramaturgie classique.

Donc le théâtre est devenu, pour moi, l’endroit où j’allais voir du stand-up, et c’était dans des théâtres privés ou des salles municipales. J’ai suivi des cours d’improvisation au Studio Théâtre de Stains [en Seine-Saint-Denis], avec, comme premier professeur, le stand-upeur Kheiron et, à 16 ans, j’ai fait ma première scène de stand-up. Avec Caroline, nous faisons la même chose : le stand-up, c’est beaucoup de texte, d’écriture.

Et vous, Caroline Guiela Nguyen, quel est votre rapport au stand-up, comment l’avez-vous découvert ?

C. G. N. : C’est présent dans ma vie depuis longtemps. Je viens d’une famille où l’humour est très important. Je regardais à la télé le Jamel Comedy Club, mais aussi Gad Elmaleh, Elie Semoun, etc. Et j’ai continué. Par exemple, avec mon frère, des cousins ou des amis férus de ce genre, on s’envoie quotidiennement une dizaine de vidéos d’extraits d’humoristes trouvés sur Instagram. Puis on se rappelle, on se redit les punchlines et on mesure à quel point le choix des mots a un sens qui fait que soit ça passe, soit ça ne passe pas. C’est ténu.

Le stand-up, c’est vraiment de l’écriture. C’est ça que j’adore. En tant qu’autrice, quand j’écoute du stand-up, je suis dans un rapport très simple d’humour, mais aussi parfois dans la pensée politique. Réussir à écrire sur des sujets très actuels, en trouvant l’endroit où ça peut nous faire rire sans que ça flingue toutes les personnes autour, je trouve que c’est une prise de risque assez dingue.

Le stand-up a amené dans les salles de spectacle un public jeune et très diversifié…

C. G. N. : La question des publics, c’est mon obsession. J’ai toujours fait du théâtre en me disant : je veux que ce soit un lieu hospitalier, dans lequel ma mère se sente totalement à sa place. Je ne veux pas qu’elle entre dans la salle avec la peur au ventre, en ayant l’impression que ce n’est pas pour elle. Il ne s’agit pas uniquement d’accueillir du stand-up pour qu’il y ait des jeunes, des publics divers, mais de dire à ces publics-là : ce que vous aimez a de la valeur. Pour moi, il n’y a rien de plus violent, dans la vie, que d’attaquer les gens sur leurs goûts, de leur dire que ce qu’ils aiment n’est pas culturellement admissible.

Je suis très heureuse que le public qui ne va pas voir habituellement du stand-up, qui n’en connaît pas les codes, puisse y participer, mais aussi côtoyer un autre public, qui, lui, est très habitué à cette discipline. Il s’agit, finalement, de créer une nouvelle communauté dans la salle.

M. B. : S’agit-il aussi pour vous de questionner votre public d’habitués sur ce qu’ils pensent ne pas aimer ? Le type de stand-up que vous avez choisi pour ce TNS Comedy Club ne repose pas sur l’improvisation, mais sur l’écriture. Peut-être faudrait-il l’appeler « monologue comique », pour qu’il soit considéré différemment.

Cette initiative du TNS Comedy Club va-t-elle inspirer d’autres théâtres publics ou craignez-vous qu’elle soit critiquée parce que relevant, selon certains, du divertissement et du commercial ?

C. G. N. : Je n’ai pas peur de la critique, je fais les choses telles qu’elles me paraissent justes. Qu’est-ce qui fait que ça ne serait pas acceptable ? Qu’est-ce qu’un acte de théâtre ? Qu’est-ce qu’il doit y avoir, ou ne pas y avoir, dans un théâtre national ?

Si ma démarche soulève des questions, ce que je peux comprendre, c’est très bien. Allons-y, discutons, ça nous fait avancer. Pour être tout à fait sincère, je n’ai pas non plus envie que ça passe crème, comme si c’était normal. Je ne dis pas que j’ai envie que ça soit la révolte et que tout d’un coup on m’enlève mes subventions, je dis juste : réfléchissons tous ensemble.

Il y a quand même des choses qui avancent. Regardez Par les villages, mis en scène par Sébastien Kheroufi [en 2024], avec la rappeuse Casey dans la distribution. Il y a quinze ans, on se serait étonné de voir une femme qui fait du rap sur la scène de théâtre public. En fait, ça y est, tout est en train de se brouiller un peu. Les choses sont déjà en marche et nous, en tant qu’institution, il faut juste qu’on puisse être dans le même tempo.

En choisissant de faire du stand-up, quel est votre objectif premier sur scène ?

M. B. : Sans prendre le rôle de quelqu’un d’autre ou de m’adapter au public, j’essaie de changer le regard par le rire. Quand les gens rient avec moi, j’ai l’impression d’avoir servi à quelque chose, d’avoir mis une petite graine.

Mon spectacle s’est politisé sans le vouloir, notamment lorsque j’ai évoqué mon expérience de tournée en France, lorsque je faisais les premières parties de Panayotis Pascot ou de Roman Frayssinet. Les gens avaient un peu peur de voir arriver un barbu avec une capuche ! Finalement, après mon passage, pendant lequel ils avaient ri parce que je faisais des blagues sur le regard que je suscitais, peut-être se disaient-ils : « Ce n’est pas lui qui fait peur, c’est moi qui suis ridicule. » Si j’arrive à ça, c’est que j’ai fait mon travail.

Sur les préjugés et l’apparence physique, il y a eu la polémique suscitée par votre passage, le 31 janvier, dans l’émission « C à vous », sur France 5. Vous avez été accusé d’être un salafiste à cause de votre tenue et d’échanges de tweets. Que vous inspire cet épisode ?

M. B. : C’était un épisode malheureux, mais, finalement, quelle occasion formidable de faire mon travail ! Je suis évidemment meurtri par cette histoire, parce que j’aime mon pays, mais je suis content d’avoir pu montrer, à travers un sketch, toute l’absurdité de cette polémique. Et, finalement, les salles se remplissent très vite. Peut-être que, pour une fois, en me virant de la télévision, le ministère de la culture a bien fait son boulot. Ils ont mis la lumière sur un très bel artiste ! [rires]

C. G. N. : Franchement, cette polémique était surréaliste. C’est sidérant qu’on n’ait pas compris immédiatement que la seule chose dont il s’agissait, c’était de faire tomber un artiste parce qu’il est arabe et qu’il porte une barbe.

M. B. : Je pense que, à ce moment-là, les gens se moquaient de la vérité.

C. G. N. : Exactement. C’est devenu une attaque en règle sur ce que tu représentes. Evidemment, je suis allée vérifier dans les échanges de tweets si tu avais tenu des propos misogynes. Il n’y a pas de sujet. Tu l’expliques très bien dans le sketch que tu as fait pour répondre à la polémique, tu es sorti de cette histoire de façon digne. Ton sketch a plié le game !

L’arrivée du stand-up dans la programmation a-t-elle un impact sur la formation au sein de l’école du TNS ?

C. G. N. : Pour la section jeu du concours du TNS, on a changé les intitulés pour le premier tour de sélection. Les élèves peuvent présenter des textes classiques, mais aussi du stand-up.

TNS Comedy Club, du 10 au 15 mai, au Théâtre national de Strasbourg.

Sandrine Blanchard / LE MONDE

Légende photo : Caroline Guiela Nguyen, directrice du Théâtre national de Strasbourg, à Strasbourg, le 25 janvier 2025. SMITH/MODDS

Par Eve Beauvallet dans Libération - 8 mai 2025

A partir du samedi 10 mai et pendant six jours, des pénalistes réunis par la metteuse en scène offrent symboliquement à d’anciens prévenus le temps de plaidoirie qu’ils n’ont pu avoir en comparution immédiate.

«Qu’une défense au rabais»

«Une défense de rupture»

Par Amélie Blaustein Niddam dans Cult.news - 7 mai 2025

Sur le papier, le roi de la radicalité et celui du vaudeville ne pouvaient pas se rencontrer. Voici un stéréotype bien ancré sur le théâtre public : il serait très austère. Eh bien non ! On peut y rire !  Plongez dans l’écriture au cordeau de Feydeau, porté par la direction marathonienne des acteurs et des actrices de la troupe de Nordey. Vous y laisserez sans doute quelques plumes semées par Raoul Fernandez  entre deux portes qui claquent. Ciel ! C’est génial !

Amélie Blaustein Niddam / Cult.news

L’acteur et sociétaire du Français, en proie aux colères comme à la mélancolie, retrouve ses racines géorgiennes.

Par Fabienne Darge (Toulouse ) pour Le Monde - 5 mai 2025

Le metteur en scène donne à voir un ballet étourdissant et burlesque où le langage se fait révélateur de l’inconscient des personnages.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/05/au-theatre-de-l-odeon-avec-l-hotel-du-libre-echange-stanislas-nordey-caracole-sur-les-mots-de-feydeau_6603127_3246.html

Au Théâtre de l’Odéon, à Paris, la saison se termine dans le plaisir. Stanislas Nordey, plus coutumier d’un registre empreint de gravité, s’offre un retour à Georges Feydeau (1862-1921), vingt ans après avoir monté La Puce à l’oreille. Et nous fait le cadeau d’une légèreté bienvenue dans la pesanteur ambiante, avec cet Hôtel du Libre-Echange qui caracole avec une liberté folle dans l’univers du grand vaudevilliste français. Lequel, décapé de ses afféteries bourgeoises, retrouve toute sa fraîcheur, sa folie, sa dimension fantastique et surréalisante.

Chez ce Feydeau-là, le plaisir vient d’abord de voir le délire, la panique, monter en tourbillon à partir des situations et des fantasmes les plus communs – fantasmes tenant en un mot : coucher, dans une société reposant sur l’institution du mariage. Soit, donc, une équation simple au départ : deux couples vivant sur le même palier, les Pinglet et les Paillardin. Monsieur Pinglet, à qui sa femme, Angélique, donne visiblement peu de satisfactions au lit, rêve de faire la chose avec Marcelle, la femme de Paillardin – le mal nommé, puisqu’il est de toute évidence peu allant de ce côté-là.

Au milieu de ces exaspérations conjugales arrive un prospectus publicitaire vantant les charmes de l’Hôtel du Libre-Echange : « Sécurité et discrétion ! Hôtel du Libre-Echange, 220, rue de Provence ! Recommandé aux gens mariés… ensemble ou séparément !… ». Ni une ni deux, Pinglet propose à Marcelle de s’y retrouver le soir même, pour goûter aux folles joies de l’adultère. La mécanique est enclenchée, qui verra tous les protagonistes de la pièce se retrouver dans cet hôtel de passe au cours d’une nuit totalement dingue, avec – entre autres – quelques fantômes et quatre jouvencelles de Valenciennes tout juste sorties du couvent.

Qu’est-ce qui peut bien intéresser Stanislas Nordey là-dedans, lui qui est plus coutumier de Pasolini et des écritures contemporaines les plus pointues ? Le langage, d’abord, que Feydeau, bien avant Jacques Lacan, manie comme un révélateur de l’inconscient des personnages, avec un pouvoir comique sans égal. Et la dimension kafkaïenne de cet étourdissant ballet où les protagonistes ne savent plus qui ils sont, où ils sont, où la réalité se dérobe sous leurs pas, où la mécanique bourgeoise bien huilée se détraque, où des fantasmes pas bien méchants – néanmoins empreints d’une misogynie crasse – débouchent sur une vision cauchemardesque du monde.

Costumes iconoclastes

Ce qui ne signifie aucunement que le metteur en scène en rajoute dans la noirceur. Tout au long du spectacle se distillent une légère distanciation, un sens du burlesque, tout autant qu’un regard qui ne déshumanise pas ces personnages affolés, dans le miroir qu’ils nous tendent. Exit le décor réaliste et chargé décrit par les longues didascalies de la pièce, dont le texte s’imprime sur les murs blancs du décor, avant que ne se déploient les ors et les rouges un peu miteux du fameux hôtel.

Le plaisir théâtral se déploie aussi dans les costumes iconoclastes signés par Raoul Fernandez, à l’image de la robe-lampadaire d’Angélique Pinglet, qui ne saurait mieux dire à quel point cette femme n’est rien de plus qu’un meuble, un élément de décor, dans le regard de son mari. Ou encore de ces capes de plumes dont sont revêtus ces drôles d’oiseaux lors de la folle nuit à l’hôtel, et qui résonnent avec la photo d’une tête d’autruche, affichée plus tard dans le spectacle.

Se mettent-ils la tête dans le sable, ces êtres qui incarnent une société vieillie, privée de vraie pulsion vitale, puisque l’acte sexuel, ici, reste jusqu’au bout inassouvi ? Ils font face en tout cas à une jeunesse à la vitalité éclatante, à l’instar de Victoire – qui ne porte pas son prénom pour rien –, la femme de chambre des Pinglet : c’est elle qui mène le jeu, dans cette mise en scène qui laisse clairement voir que le dernier mot revient à la jeunesse, au plaisir, et à ceux que cette société considère comme inférieurs.

Cette Victoire aussi affûtée que les soubrettes de Molière est formidablement interprétée par Anaïs Muller. Mais toute la distribution est à l’unisson : les acteurs portent haut le type de jeu particulier de Stanislas Nordey, qui projette le langage dans l’espace notamment dans les mouvements des bras. Un jeu superbement incarné dans les corps, par jeux de résonances et de contrastes. Cyril Bothorel (Pinglet), démesurément long et mince, s’oppose à ce tanagra qu’est Marie Cariès (Marcelle Paillardin). Claude Duparfait, comme toujours, n’a pas son pareil pour donner chair au névrosé Paillardin, affligé de tics et de spasmes divers. De même qu’Hélène Alexandridis en Angélique Pinglet, dont la déstabilisation se lit dans tout son être. Avec Feydeau vu par Nordey, c’est le libre-échange entre les mots et les corps qui gagne.

Voir le teaser vidéo

du spectacle

L’Hôtel du Libre-Echange, de Georges Feydeau. Mise en scène : Stanislas Nordey. Odéon-Théâtre de l’Europe, Paris 6e. Du 6 mai au 13 juin.

Fabienne Darge (Toulouse ) / Le Monde 

Par Laurent Goumarre dans Libération -  4 mai 2025

Le classique de Shakespeare est mis à jour dans une interprétation spectaculaire et masquée où la pyrotechnie gestuelle crée des images inouïes.

Gang bang de créatures texturées goudron

Laurent Goumarre  /  Libération

Légende photo «Makbeth», par le Munstrum Théâtre. ( photo © Jean-Louis Fernandez)

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 2 mai 2025

La dramaturge, qui a fondé il y a dix ans sa propre compagnie, La Brèche, présente au Théâtre de l’Odéon-Ateliers Berthier son spectacle « Léviathan », sur les audiences en comparution immédiate.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/02/la-metteuse-en-scene-lorraine-de-sagazan-taille-des-breches-dans-le-theatre-et-le-reel_6602326_3246.html

Des Ateliers Berthier, où l’on retrouve Lorraine de Sagazan une après-midi d’avril, le tribunal de Paris n’est qu’à deux pas. Dans ce quartier de la porte de Clichy, la cité judiciaire jouxte quasiment la deuxième salle de l’Odéon-Théâtre de l’Europe, dans laquelle la metteuse en scène présente, jusqu’au 23 mai, son Léviathan, créé au Festival d’Avignon 2024. Un spectacle qui s’est en grande partie inventé là, dans les salles d’audience en comparution immédiate de la 23e chambre correctionnelle du tribunal de Paris. Théâtre et justice, une vieille histoire. De même que les rapports entre art et réel, dont Lorraine de Sagazan rebat les cartes depuis quelques spectacles.

Grande, fine et blonde, la jeune femme semble toujours porter sur elle une gravité, une forme de sensibilité inquiète, malgré les succès de ces dernières années. A 38 ans, elle s’est imposée comme une des metteuses en scène les plus passionnantes de sa génération, ouvrant des brèches d’exploration inédites dans le théâtre français. Contrairement à ce que son patronyme, désormais célèbre grâce à sa cousine (éloignée) Zaho de Sagazan, pourrait laisser supposer, elle n’est pas née avec une cuillère artistique en or dans la bouche.

Ce parcours, nul ne l’a mieux résumé qu’elle, en introduction de son spectacle L’Absence de père (2019), inspiré du Platonov, de Tchekhov. « Mon père vient d’une famille de la vieille noblesse française désargentée. Ma mère, issue d’un milieu modeste et d’un père orphelin, a toujours été complexée de ce qu’elle allait pouvoir transmettre à ses enfants. Mon père rêvait de faire un métier artistique, mais dans son milieu ce n’était pas admis. Je suis la première femme de ma famille à ne pas avoir été mère au foyer et à avoir eu la possibilité de choisir ma vie. Actrice était le seul métier artistique qui pour une femme nous était venu à l’esprit. Je l’ai compris assez tard, mais j’ai détesté jouer, j’ai détesté cette position d’être plus désirée que désirante. »

« Une autorisation »

Lorraine de Sagazan n’est pas restée si longtemps actrice. Rapidement, elle a compris que c’était à l’endroit de la mise en scène qu’elle allait trouver son terrain d’expression. Après s’être formée à l’école du Studio-théâtre d’Asnières-sur-Seine (Hauts-de-Seine), qui a aussi vu l’éclosion de Julie Deliquet ou de Sylvain Creuzevault, elle a poussé la porte des salles de répétition de Thomas Ostermeier, à Berlin, ou de Romeo Castellucci, à l’Opéra de Paris. Une figure de la constellation familiale avait été importante, dans ce parcours pour tenter de se faire une légitimité dans un art, le théâtre, auquel elle s’est accrochée dès l’enfance : celle du plasticien et performeur Olivier de Sagazan, lointain cousin de son père. « C’est un artiste qui m’a beaucoup inspirée. Dans l’émancipation dont il a pu faire preuve, c’est comme s’il m’avait délivré une autorisation », note-t-elle.

Elle a fondé sa compagnie, La Brèche, en 2015, en mettant en scène Lars Norén, Ibsen ou Tchekhov, avec une énergie contemporaine, une intensité proches de celle du maître Thomas Ostermeier. « Mais c’était comme si je ne lâchais pas complètement la rampe, constate-t-elle. Ce qui m’intéressait, c’était d’aller vers le spectacle comme expérience vécue, et non plus comme une représentation du réel. Les arts plastiques, la philosophie et la performance, portés par des artistes femmes notamment, ont été déterminants dans ma vie, et je voulais pousser ma réflexion sur la création d’actes, de formes, susceptibles de bouleverser réellement, d’opérer des déplacements chez les spectateurs. »

Le déclic est venu de la crise due au Covid-19 et de la fermeture des théâtres, pendant de longs mois. Quand la pandémie a surgi, la metteuse en scène travaillait à une adaptation du Décalogue, de Krzysztof Kieslowski. L’électrochoc suscité par le Covid-19 l’a menée à une tout autre démarche. « J’ai eu une sorte de crise dans mon rapport à la fiction, détaille-t-elle. Je ne comprenais plus pourquoi je faisais du théâtre, ce que voulait dire représenter le réel à l’heure des séries télévisées, du cinéma documentaire et d’Internet. J’avais un sentiment d’inutilité, et je ne pouvais plus demander à des acteurs de faire semblant d’être pauvres ou malades : cela n’avait plus aucun sens pour moi. »

Cérémonie cathartique

Lorraine de Sagazan a alors proposé aux théâtres qui devaient accueillir sa création un « protocole performatif » : rencontrer « autant de personnes que de jours gâchés par la crise, pour parler avec eux de la notion de réparation ». Avec l’auteur qui l’accompagne,  Guillaume Poix, elle a mené près de 400 entretiens. « Ces personnes issues de tous milieux ont parlé de deux sujets majoritairement : l’absence de prise en charge de la mort pendant la crise sanitaire, l’impossibilité des funérailles collectives et des réunions familiales, la mort vécue, seuls, par les anciens et les plus fragiles. Et la justice, plus précisément la manière dont l’institution judiciaire a du mal à générer un sentiment de justice, soit que ces personnes aient ressenti la violence de l’institution, soit qu’ils disent subir ses manques. J’ai su que j’allais travailler sur ces deux sujets. »

Le premier a donné lieu à un spectacle magnifique, qui a pris le tour d’une cérémonie cathartique d’une puissance rare : Un sacre, créé en 2021. Le second est ce Léviathan qui place les spectateurs, sans échappatoire, face à la réalité de cette justice expéditive que sont les audiences de comparution immédiate : une parodie de justice qui « déshumanise » et « efface » une population déjà marginalisée, selon la metteuse en scène.

Et c’est bien une brèche de première importance qu’elle a ouverte dans le théâtre français avec ces deux spectacles – de même qu’avec Le Silence, créé en janvier 2024 à la Comédie-Française. Faire éprouver le réel, chez Lorraine de Sagazan, ne se conçoit pas sans une recherche formelle hautement sophistiquée et pensée. « La fiction, l’imaginaire, le lieu théâtral lui-même sont devenus pour moi des “contre-espaces”, des “contretemps”, analyse-t-elle. Il ne s’agit plus de passer par la représentation, insuffisante ou fausse, du réel, mais de créer de manière performative un acte équivalent au réel. » De vivre, autrement dit, le théâtre comme une hétérotopie, ce concept inventé par Michel Foucault en 1967. Le philosophe français citait alors, comme exemples de ces espaces concrets pour héberger l’imaginaire, les cabanes d’enfant ou… les théâtres.

Léviathan, par Lorraine de Sagazan. Odéon-Théâtre de l’Europe, Ateliers Berthier, Paris 17e. Du 2 au 23 mai.

Fabienne Darge / LE MONDE

Légende photo ; Lorraine de Sagazan, à la Villa Médicis, à Rome, en 2023. BENJAMIN THOLOZAN

Par Radidja Cieslak et Sonya Faure dans Libération - 30 avril 2025

Le directeur délégué du Festival n’occupera plus ses fonctions à partir du mois de juin, selon une information donnée par «Télérama» confirmée à «Libération». Le ministère de la Culture a saisi le procureur de la République alors que deux anciennes salariées l’accusent de violences et harcèlements sexistes et sexuels.

Une première enquête avec un cabinet indépendant

par Lucile Commeaux dans Libération - 29 avril 2025

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Molière du Comédien dans un spectacle de Théâtre public :

Molière de la Comédienne dans un spectacle de Théâtre public :

Molière du Comédien dans un spectacle de Théâtre privé :

Molière de la Comédienne dans un spectacle de Théâtre privé :

Molière du Metteur en scène dans un spectacle de Théâtre public :

Molière du Metteur en scène dans un spectacle de Théâtre privé :

Molière de la Révélation féminine :

Molière de la Révélation masculine :

Molière du Comédien dans un second rôle :

Molière de la Comédienne dans un second rôle :

Molière de l’Auteur francophone vivant :

Légende photo : Marina Hands, molière de la meilleure actrice d'une pièce jouée dans un théâtre public pour son rôle dans «le Soulier de satin». Pour ce spectacle Eric Ruf, a également reçu le molière du meilleur metteur en scène. (THOMAS SAMSON/AFP)

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 28 avril 2025

Le duo d’artistes ose le grotesque et le port du masque, notamment dans un « Makbeth » aux accents kafkaïens.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/04/28/a-la-tete-du-munstrum-theatre-louis-arene-et-lionel-lingelser-lachent-les-monstres_6600973_3246.html

C’est étrange. On s’étonnerait presque, à rencontrer Louis Arene et Lionel Lingelser, de découvrir leurs vrais visages. Lesquels semblent s’offrir en miroir inversé, comme si leur amour du contraste se vivait dans leur propre chair. Anguleux, yeux bleus, cheveux roses, pour l’un. Douceur des traits, yeux bruns, cheveux bruns, pour l’autre. Silhouette athlétique, dans les deux cas. Débarrassé des masques qu’il porte dans ses spectacles, le duo à la tête du Munstrum Théâtre provoque encore le trouble. Comme si Louis Arene et Lionel Lingelser portaient sur eux les potentialités de métamorphose qu’ils ne cessent d’explorer d’une création à l’autre.

Depuis quelques années, leurs spectacles remportent un succès fou partout où ils passent, notamment auprès des jeunes, qui plébiscitent ce théâtre superlatif et queer, ultraphysique et visuel, aux accents postapocalyptiques et pourtant totalement jouissif. Et qui, surprise, remet sur le devant de la scène le bon vieux masque de théâtre, objet un peu oublié et ici redécouvert dans ses infinies possibilités.

Aujourd’hui, les voilà qui s’attaquent à Makbeth, avec ce petit k qui vient se glisser dans le titre original. K comme Kafka, k comme punk : un Macbeth comme on ne l’a jamais vu, qui lâche les monstres, ose le grotesque, fait suinter le mal de partout et, par là, réussit le tour de force de rendre cette pièce maudite et immontable à nouveau audible et passionnante pour aujourd’hui. C’est peu de dire qu’avec eux le théâtre élisabéthain retrouve son essence brute, âpre et flamboyante, souvent lissée par des visions académiques.

« Créer du mystère »

Les deux compères, nés respectivement en 1985 et en 1984, se sont rencontrés au Conservatoire de Paris, à la fin des années  2000. Louis Arene, Parisien et fils d’architectes, travaillait déjà, depuis tout jeune, dans la troupe d’Emmanuel Demarcy-Mota. Lionel Lingelser avait « un parcours plus provincial » : venu de Kingersheim, une banlieue de Mulhouse (Haut-Rhin), il avait, à l’adolescence, croisé la route des Arts Sauts, la troupe de voltigeurs créée par Stéphane Ricordel et Laurence de Magalhaes (aujourd’hui directeurs du Théâtre du Rond-Point). Un premier « choc poétique » qui a « changé [sa] vie ».

Et, d’emblée, ils se sont retrouvés sur un théâtre physique, le clown, l’improvisation. Et sur l’art du masque, transmis par Christophe Patty et Mario Gonzales. Lionel Lingelser est parti deux ans à Genève (Suisse) pour travailler au Teatro Malandro d’Omar Porras, un des rares metteurs en scène, en Europe, à travailler encore avec cet outil ancestral. Louis Arene, lui, est entré dans la troupe de la Comédie-Française. En 2012, ils ont créé leur compagnie : « On voulait continuer ce laboratoire et creuser cet art archaïque du masque, qui nous a tellement bouleversés, mais qui était devenu poussiéreux et décrié », se souvient Lionel Lingelser.

« On trouvait qu’il y avait quelque chose de magnifique dans cet outil qui est l’objet théâtral par excellence depuis la nuit des temps. Mais la manière dont il nous a été transmis, ce masque en bois, très lourd, ou en cuir, avec des archétypes très marqués de la commedia dell’arte, ces masques très grotesques qui, tout de suite, imposent une expressivité, un type de caractère, cela nous encombrait dans le travail, précise Louis Arene. On voulait aller vers un objet qui puisse aussi exprimer l’étrangeté, l’inquiétude, l’angoisse. On s’est orientés vers un masque plus épuré, pour prendre cet objet dans sa capacité à effacer, à enlever, à créer du mystère, à faire du visage une surface de projection pour l’imaginaire des spectateurs. »

« Des humains d’après, augmentés »

Louis Arene s’est mis alors à sculpter les masques qui font l’identité du Munstrum, avec une résine médicale servant à réaliser des prothèses orthopédiques. Un masque-casque, sans cheveux, sans couleurs ni ornements, qui laisse toute sa place à l’expressivité du regard, dégage le bas du visage et permet de respirer. Le vecteur parfait pour le théâtre qu’ils voulaient inventer : un « théâtre physique, sensuel, brut, des antagonismes entre le rire et l’effroi ».

Et l’outil dramaturgique par excellence d’un théâtre de la catastrophe, de l’identité et de la métamorphose, où la forme plastique en dit souvent plus sur notre monde que les mots. « Avec cet outil, il y a l’idée, kafkaïenne, et qui court dans tout notre travail, que l’on ne sait pas si l’autre n’est pas soi, en fait. Et comme le masque nécessite un jeu un peu extraordinaire, cela crée d’emblée des figures extra-humaines, ou des humains d’après, augmentés. Il y a une puissance totémique qui se dégage de ces objets-là. »

Après un premier essai peu concluant – de leur propre aveu –, le Munstrum a trouvé sa voie avec Le Chien, la Nuit et le Couteau, qui a immédiatement créé le buzz quand il a été présenté à Avignon, au Théâtre de la Manufacture, en 2017. Sorte d’Alice au pays des merveilles horrifique, le spectacle a posé les bases de ce théâtre pétrissant la chair d’une humanité monstrueuse, travaillée par la défiguration – les duettistes ont aussi une passion pour le peintre britannique Francis Bacon (1909-1992).

« La joie, notre fer de lance »

Mais l’atout maître du Munstrum, c’est d’inscrire ces cauchemars dans une jubilation théâtrale féroce, avec une vitalité sans appel, en n’hésitant pas à pousser les curseurs du kitsch et du mauvais goût, ou supposés tels. La réflexion queer est passée par là, qui montre que le féminin et le masculin, le beau et le laid, ne sont bien souvent que des constructions sociales, et qu’elles peuvent à l’endroit du théâtre être joyeusement dynamitées. Les costumes délirants et l’hémoglobine, les faux nez et les ventres postiches, les hybrides mi-homme mi-animal de Zypher Z (2021) et les créatures transgressant toutes les frontières, y compris celle de la vie et de la mort, de Copi dans 40 degrés sous zéro (2019), dessinent les contours d’un nouveau baroque, unique dans le théâtre français.

« La vérité de notre travail, elle est dans ces zones de tension entre le comique et le tragique, le sacré et le profane, l’ombre et la lumière, le kitsch et le sublime », appuie Lionel Lingelser. « Mais la joie, c’est notre fer de lance, précise Louis Arene. Pour nous, elle est ce qu’il y a de plus politique aujourd’hui. Arriver à reconvoquer cette vitalité, cette flamme, cette force primordiale, dans la génération qui nous suit, malgré un monde qui s’effondre et qui, dans cet effondrement, cherche à aspirer comme un vampire cette vitalité de la jeunesse. Comme tout le monde, nous avons le sentiment de ne plus savoir comment agir face à cette folie, cette barbarie qui monte. Mais nous sommes convaincus que le spectacle, l’art, peuvent nous redonner des forces poétiques. C’est un des derniers bastions où on peut résister à cette violence qui nous contamine, où peut se vivre la fameuse catharsis. »

Cette dimension de « montreurs de monstres », contenue dans le nom même qu’ils se sont choisi pour leur compagnie – où ils sont tous deux acteurs et initiateurs des projets, tandis que Louis Arene seul assume la mise en scène –, devait inévitablement les mener vers Macbeth, la pièce par excellence qui convoque les forces du mal. Mais, avant cela, il y a eu un détour par la Comédie-Française, où ils ont proposé en 2022 un détonnant Mariage forcé, où l’outil du masque et l’inversion des rôles féminins et masculins rendaient à ce petit bijou de Molière toute sa cruauté et son actualité.

« Des clowns tragiques »

Macbeth, pour ces amoureux de David Lynch et de Romeo Castellucci, s’est imposée comme un défi qu’il était temps de relever, et une nécessité. « Malheureusement, la pièce fait terriblement écho aux temps sombres dans lesquels on est à nouveau entrés, observent-ils. On avait envie de se confronter à ce théâtre élisabéthain qui casse le quatrième mur entre la scène et la salle, et qui permet de faire expier les monstres, aussi. D’où le parti pris grotesque, qui était vital pour nous : les personnages sont des clowns tragiques. »

La pièce maudite de Shakespeare glisse le plus souvent entre les doigts des metteurs en scène, surtout quand elle est montée de manière trop sage, comme si l’insondable du mal inscrit au cœur de l’humain échappait à la représentation. Dans ce petit déplacement entre Macbeth et Makbeth s’inscrit la proposition forte du Munstrum, entre des scènes de bataille d’un réalisme saisissant, qui font éprouver la violence comme rarement au théâtre, et l’imagination débridée au pouvoir dans l’esthétique et les costumes, qui voit notamment Lady Macbeth porter une robe à crinoline réalisée avec une tente Quechua.

Last but not least, les duettistes jouent eux-mêmes le couple fatal, Lionel en Lady, Louis en Macbeth. « C’est un cadeau que nous nous sommes fait, s’amusent-ils. L’idée, c’était d’en faire un monstre à deux têtes. » Pour les deux têtes du Munstrum, la boucle est bouclée.

Makbeth, d’après Shakespeare, par le Munstrum Théâtre. Théâtre public de Montreuil (Seine-Saint-Denis), du 29 avril au 15 mai. Puis tournée jusqu’en avril 2026, notamment au Théâtre du Rond-Point, Paris 8e, du 20 novembre au 13 décembre. Reprise du Mariage forcé, de Molière, à la Comédie-Française

Fabienne Darge /  Le Monde

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 12 mai 2025 

La manifestation, dont les dates coïncideront cette année avec celle du festival officiel, programme 1 724 spectacles dans 139 lieux.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/12/au-festival-off-d-avignon-toujours-plus-de-spectacles_6605516_3246.html

Le Festival « off » d’Avignon reste plus que jamais le plus grand marché du spectacle vivant en France. La 59e édition, qui se tiendra du 5 au 26 juillet, affiche des chiffres toujours aussi impressionnants. Avec, à son programme, 1 724 spectacles (contre 1 666 en 2024) donnés dans 139 lieux (qui regroupent 241 salles), ce vaste rendez-vous théâtral confirme, dans un contexte économique morose, qu’il reste un passage incontournable pour les compagnies à la recherche de visibilité et de dates de tournée. Au total, sur toute la durée du festival, 2,6 millions de billets seront mis en vente pour plus de 27 400 levers de rideau.

Cette année, pas de Jeux olympiques ni de dissolution de l’Assemblée nationale (sauf surprise de dernière minute) pour perturber le calendrier et la fréquentation de ce rendez-vous. Une fois n’est pas coutume, les dates du « off » et du festival officiel (longtemps appelé « in ») coïncident cet été, ce qui n’était pas arrivé depuis vingt-cinq ans. « Cet alignement, voulu par les collectivités locales, la préfecture, Tiago Rodrigues, directeur du Festival d’Avignon, et par nous-mêmes, a vocation à être pérenne », souligne Harold David, coprésident de l’Avignon Festival et Compagnies (AF & C), association coordinatrice du « off ».

Sur les 1 724 spectacles d’ores et déjà inscrits, 490 sont des créations (contre 536 en 2024) et 181 des propositions pour le jeune public. Afin de mieux répondre à l’accueil des familles, un nouveau village, en plus du traditionnel village du « off », sera créé dans la cité des Papes. Appelé Tadamm et dédié aux enfants, il proposera, notamment, des ateliers de médiation et de pratique artistique.

Une billetterie « solidaire »

La répartition géographique des 1 170 compagnies françaises inscrites au festival témoigne, comme chaque année, d’une prépondérance de la région parisienne : plus de 38 % sont issues d’Ile-de-France, 19 % de la région Sud et 10 % d’Occitanie. Quant aux 170 compagnies étrangères, 35 % d’entre elles viennent de Belgique et 13 % de Suisse. Après Taïwan en 2024, l’« invité d’honneur » du « off » sera, cette année, le Brésil, avec la présence, notamment, de 11 compagnies venues de ce pays.

Autre nouveauté 2025, un point de vente Ticket’off sera installé dans le village du « off ». Proposée par l’AF & C, jusqu’à présent uniquement via une plateforme numérique, cette billetterie « solidaire » abonde, à hauteur de 95 centimes par place vendue, le fonds de professionnalisation créé en 2017 pour soutenir la jeune création. Doté, cette année, de 250 000 euros, il a permis d’aider plus de 200 artistes à participer au festival. Mais, largement concurrencé par l’achat direct auprès des théâtres et par des plateformes de billetterie privées, Ticket’off n’a représenté, en 2024, qu’un peu plus de 10 % de la globalité des ventes. Cette présence « physique » a pour objectif de mieux la faire connaître.

Enfin, dans cette jungle avignonnaise, un nouveau logo « Label’off » sera posé sur l’entrée de 36 théâtres qui ont obtenu une certification de bonnes pratiques professionnelles (dispositifs techniques et scéniques, conditions d’accueil du public et des compagnies, etc.). « Notre objectif est de certifier plus de 50 % des salles d’ici à la fin de l’année », annonce la direction de l’AF & C.

Sandrine Blanchard / Le Monde

Légende illustration :

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 6 mai 2025

Dans  « Makbeth », le Munstrum théâtre fait un K et un casse de la pièce de Shakespeare « Macbeth en s’en tenant à l’essentiel : les meurtres nocturnes. Un spectacle sombre et saignant.

Dans l’indépassable Shakespeare notre contemporain, le Polonais Jan Kott écrit : « Le sang, dans Macbeth, n’est pas seulement une allégorie ; il est matériel, physique, il coule des corps massacrés. Il se dépose sur les visages et les mains, sur le stylets et les épées. Mais ce sang ne saurait être lavé, ni des mains, ni des visages, ni des stylets. Macbeth commence et s’achève par un carnage ». Il en va ainsi de bout en bout dans le Makbeth du Munstrum théâtre, adaptation librement échevelée de la pièce de Shakespeare. Dans son non moins indépassable ouvrage Le proche et le lointain consacré à Shakespeare et au théâtre élisabéthain, Richard Marienstras consacre onze pages à « l’image du sang » dans Macbeth.

Jan Kott poursuit : « Les scènes, pour la plupart, se déroulent pendant la nuit. A toutes les heures de la nuit : tard dans la soirée, à minuit et à la blême lueur de l’aube. La nuit est constamment présente, sans cesse et obstinément rappelée et appelée dans les métaphores (de la pièce) ». Et il en va ainsi aussi tout au long de Makbeth, masques et gags à l’appui. Entre la nuit et le sang il y a les meurtres, Kott y voit le thème premier de la pièce de Shakespeare, c’est aussi un thème récurrent du spectacle du Munstrum qui le retourne dans tous les sens. « L’histoire y est ramenée à sa forme la plus simple, à une seule image, à un seul partage : entre ceux qui tuent et ceux qui sont tués » poursuit Kott,  le premier de ces meurtres « par lequel commence l’histoire , est l’assassinat du roi. Ensuite, eh bien, il faut tuer ». » Dans Makbeth on tue à tour de bras. Du début à la fin. C’est du brutal et c’est un festival d’inventivités joyeuses.

Dès lors, les sorcières qui ouvraient le bal sont remisées en coulisses où elles tapent du pied. Dès lors la forêt ne marche plus toute seule puisqu’il n’y a plus d’arbres et que tout est noir, calciné, Lucas Samain signe le texte de de cette traduction-adaptation en collaboration avec Louis Arène qui signe la mise en scène. Arène est l’un deux fondateurs du Munstrum théâtre, l’autre c’est Lionel Lingelser. Les deux sont sur le plateau en compagnie de Sophie Botte Olivia Dalric et François Praud (présent.e. s depuis le début de l’aventure du Munstrum), Delphine Cottu (qui a rejoint la compagnie lors de l’inoubliable Clownstrum), Anthony Martine (nouvelle recrue) et Erwan Tarlet (qui a rejoint la compagnie en 2021). Ça dépote, ça déménage, ça n’arrête pas.

« Comment ne pas reconnaître dans l’ensauvagement des conflits mondiaux actuel l’escalade meurtrière du héros shakespearien ? » avance Louis Arène. En matière d’escalade meurtrière et sauvage, du premier ministre d’Israël au président de la Russie, on a le choix. Au théâtre, les morts se lèvent pour venir saluer et dans Makbeth ça se bouscule au portillon.

Spectatrices, les sorcières de la pièce s’inclinent devant la prestation du Munstrum. Tenues de rester en coulisses, en vieilles spécialistes de l’épouvante nocturne et des nerfs à vif, elles apprécient la performance.

Jean-Pierre Thibaudat / Balagan

Créé à Chateauvallon en février, le spectacle poursuit sa tournée au Théâtre Public de Montreuil jusqu’au 15 mai puis les 22 et 23 mai à La Filature de Mulhouse et du 10 au 13 juin au Théâtre du Nord de Lille. D’autres dates suivront dont à Paris le Théâtre du Rond Point cet automne.

Publié par Sceneweb à partir du dossier de presse - 11 mai 2025

Créés par Laurent Leclerc, organisé par Barouf et décernés par l’Union du Théâtre Indépendant, les Lauriers récompensent les spectacles portés par Les Compagnies françaises indépendantes qui produisent et diffusent un théâtre de création sur tout le territoire français en poursuivant – avec les moyens du bord, c’est-à-dire plus de passion que de moyens – dans la lignée de Charles Dullin, Jean Vilar ou Louis Jouvet le travail de la décentralisation théâtrale impulsé il y a près de 80 ans par Jeanne Laurent puis André Malraux.

Les lauréats des Lauriers du Théâtre Indépendant sont désignés par un Jury indépendant composé de professionnel.le.s du monde du spectacle vivant.

La cérémonie distingue, au travers de ses 24 prix, les meilleurs projets qui sont portés à sa connaissance et récompense aussi bien les interprètes, les auteurs, les metteurs en scène et les techniciens.

Les Critères d’Éligibilité pour les Candidature aux Lauriers 2025

— Faire un théâtre de création, un théâtre d’art, un théâtre de recherche, inventif, créatif, dans un esprit de troupe

— Ne pas être en contrat pluriannuel avec le ministère de la Culture

— L’aide de l’état n’excédera pas 50% de la production

— Avoir totalisé 10 représentations au moins, hors scènes labellisées et théâtre privé, en coréalisation (pas de contrat de location)

— La metteuse en scène ou le metteur en scène est via sa compagnie, le producteur exécutif de son spectacle ou au moins coproducteur de son spectacle à hauteur de 50% au moins

— L’apport en nature de la Cie est important

— Pour cette Ed. 2025, tous les évènements réalisés entre 2023 et 2025 peuvent concourir

— Un même spectacle peut être présenté 2 fois à la sélection si son évolution est remarquable ou en cas de re-création

— Les actions culturelles menées autour du spectacle, les ateliers de théâtre dans les écoles ou le fait d’oeuvrer comme Clown à l’hôpital par exemple doivent être être signalés et comptent dans la décision de sélection.

Les Catégories

Les Lauriers concernent toutes les personnes qui pratiquent un art du spectacle sur le territoire français en professionnel et décerne aussi un prix du spectacle amateur et récompenses les meilleurs productions de spectacle vivant dans les catégories suivantes :

Toutes les discipline sont représentées – Artistiques et Techniques – dont 11 qui n’existent nulle part ailleurs dans les récompenses françaises

Lauriers de la Mise en scène • Lauriers du Texte de Théâtre • Lauriers de l’Adaptation théâtrale • Lauriers d’Interprétation féminine • Lauriers d’Interprétation masculine • Lauriers de la Scénographie • Lauriers de la Création Lumière • Lauriers de la Création des Costumes • Lauriers de la Création sonore et musicale • Lauriers de la Création vidéo • Lauriers de la Régie générale • Lauriers du Seul.e en scène • Lauriers du Spectacle Musical • Lauriers du Spectacle Jeune public • Lauriers de la Performance théâtrale • Lauriers du Spectacle de Rue • Lauriers du Spectacle de Marionnette • Lauriers du Spectacle de Cirque • Lauriers du Spectacle de Magie • Lauriers du Spectacle de Danse • Lauriers du Spectacle Amateur • Lauriers Spécial du Jury • Les Laurier d’Or • Les Lauriers d’Honneur • Grand Prix Barouf-EMS.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 10 mai 2025

Paul Balagué adapte le roman de Tristan Egolf, dans un spectacle organique et démesuré, qui force l’adhésion.


Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/10/a-la-mc93-de-bobigny-avec-le-seigneur-des-porcheries-rien-ne-resiste-a-la-voracite-du-theatre_6604808_3246.html

Voilà une rencontre fracassante, entre la démesure de l’écrivain américain Tristan Egolf et l’avidité du metteur en scène Paul Balagué. A la MC93 de Bobigny, le théâtre retrousse ses manches et entame l’une de ces cavalcades insensées dont il a le secret lorsqu’il décide que rien ne doit le freiner dans sa course : ni la durée de la représentation (cinq heures, avec un entracte de vingt minutes), ni l’ampleur du texte adapté (les quelque 600 pages du roman Le Seigneur des porcheries). Ni les dimensions initiatiques, christiques, politiques et shakespeariennes de l’histoire racontée, ni les titubations finales, aussi enthousiastes qu’épuisées, du public.

Propulsé dans la grande salle de la MC93 (la directrice, Hortense Archambault, fervent soutien du travail de Paul Balagué, y tenait), ce spectacle se déploie dans un espace bricolé en trois semaines et demie de répétitions sur le plateau. Des sacs-poubelle emballent les rares éléments de décor (panneaux et chaises). Au sol, une immense bâche noire. Depuis les cintres tomberont, en cours de représentation, de longs voilages sombres qui suggèrent des forêts, des géants, ou bien encore des pierres tombales. Plus tard, la bâche lacérée se redressera de toute sa hauteur, offrant aux regards la vision désolante d’un infranchissable mur en lambeaux. A la cour, un musicien (Grégoire Léauté) donne le coup d’envoi d’un grattement sec de sa guitare, sons discordants et monologue oppressé. Le mot « chaos », asséné avec force, en est la pierre angulaire.

Ce préambule crépusculaire est très vite contredit par l’éclairage pleins feux de la salle. Sept comédiens se postent en avant-scène. Deux femmes, cinq hommes, sapés à la rude (entre l’esprit des Deschiens et celui du groupe de disco Village People), entreprennent de décrire ce qu’ils s’apprêtent à jouer. Des faits vieux de dix ans, une grève des éboueurs, un meneur à leur tête, la mort de ce leader assassiné par une meute décérébrée : l’entrechoquement des résumés sème la confusion. La suite sera pourtant d’une limpidité édifiante.

Hamlet contemporain

Ce qui est déroulé à marche forcée par les sept comédiens, dont l’énergie se double d’une précision de jeu redoutable ? La naissance, la vie et la mort d’un héros qui va être sacrifié sur l’autel de la violence, de la bêtise, du racisme, de l’alcoolisme et de la précarité. Tel est le sort réservé à John Kaltenbrunner par les habitants de sa ville natale, Baker, située dans la Corn Belt (la « ceinture de maïs », terre agricole des Etats-Unis). Interprété à tour de rôle par presque tous les acteurs de la troupe, le garçon, fruit du viol de sa mère, Viviane, par son père, un archéologue enseveli sous les décombres d’une grotte, va faire l’apprentissage d’un monde livré à la sauvagerie. Un chemin de croix que ne tempère aucune possibilité de rédemption. John s’offre à la barbarie meurtrière en conscience.

La mise en scène par Paul Balagué de sa trajectoire suicidaire rive le personnage aux pas du Hamlet de Shakespeare. Un Hamlet contemporain, qui se débat entre la crédule idéalisation de son père et son pendant : le mépris de sa mère. Un Hamlet visionnaire, doué pour le commerce, qui réussit là où les autres échouent : il assainit son terrain et y élève des poulets. Un Hamlet persécuté, banni de Baker, mais qui y revient pour se venger. Devenu chef des éboueurs, il déclenche une grève si monumentale que la ville croupit sous les immondices. Il y a quelque chose de pourri au royaume des Etats-Unis : la métaphore shakespearienne devient une réalité « fictionnée » par un écrivain américain né en 1971 et mort à l’âge de 33 ans seulement. Tristan Egolf s’est suicidé.

« Ce roman a tout pour être théâtral », affirme Paul Balagué, qui porte ce projet depuis quatre ans. Exact. Même si, pour transformer les 600 pages du récit en un spectacle organique qui emprunte ses formes au punk, à la bande dessinée, à la parodie, et surtout à l’enfance ludique des cours de récréation, jamais rassasiée de « faire comme si », quitte à user les patiences, le metteur en scène a pris des libertés et inventé avec son complice, Paul-Eloi Forget, des dialogues qui n’existent pas. Il crée ainsi sur mesure pour le héros trois alter ego avec lesquels il peut débattre de ses états d’âme : ces voix intérieures sont incarnées par trois comédiens.

Le procédé est habile. Il accentue la solitude d’un protagoniste enfermé dans ses doutes et guetté par une folie qui se traduira par sa perdition et la chute de Baker. La noirceur radicale du propos, dans lequel Balagué engouffre, à gros bouillons, des allusions à l’actualité politique américaine ou française, devrait désespérer. Il n’en est rien. Parce que le théâtre, ici, est célébré avec un appétit inouï qui consacre l’apocalypse. Parce qu’il est consommé avec une sorte de voracité sidérante qui le dédouane de ses débordements et emporte ses failles et ses faiblesses (il y en a) dans plus fort : les pulsations contagieuses d’une troupe qui croit mordicus à la toute-puissance du jeu.

Le Seigneur des porcheries, d’après le roman de Tristan Egolf (Gallimard, 1998, traduction de Rémy Lambrechts). Adaptation et mise en scène de Paul Balagué. Avec François Chary, Lucas Goetghebeur, Ghislain Decléty, Martin van Eeckhoudt, June van der Esch, Sandra Provasi, Damien Sobieraff. MC93 Bobigny, jusqu’au 18 mai.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Lors des répétitions du « Seigneur des porcheries », mis en scène par Paul Balagué, à la MC93 de Bobigny (Seine-Saint-Denis), le 19 avril 2025. ACHILE BIRD

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello - 5 mai 2025

Le comédien et metteur en scène Arnaud Vrech conçoit Footballeur, un spectacle librement inspiré de la vie de son grand frère.  Alors que celui-ci s’engage dans une carrière de footballeur professionnel, il apprend qu’il est atteint de rétinite pigmentaire: il perd progressivement la vue, lâche le ballon, et la conscience de son être-là au monde change, devient autre et s’enrichit.

Parmi les infirmités sensorielles, la cécité a souvent été vécue comme une épreuve divine. Or, celui qui en souffre, accorde plus d’importance à la vie intérieure qu’aux apparences changeantes. La perte de la vue se solde souvent, dans l’imaginaire collectif, d’un développement des autres sens – ainsi, le thème de l’aveugle musicien et surtout de la vision intérieure.

L’aveugle est celui qui peut savoir ce que nul ne connaît, l’infirmité étant compensée par des dons particuliers. Le modèle de l’aveugle voyant est le grec Tirésias qui perdit les yeux pour avoir vu le corps nu de la déesse Athéna: « Ayant payé de ses yeux son don de double vue, se tenant au point de passage du visible et de l’invisible, de la lumière et des ténèbres. Il connaissait du même regard ce qui est présent aux yeux de tous sur cette terre, ce qui est dissimulé dans le passé, ce qui se prépare en secret pour l’avenir. (J-P Vernant, Ulysse en personne– Dans l’oeil du miroir).

Avec Footballeur, chacun s’épanche sobrement sur ce que l’un ressent pour l’autre, comme sur ce que se sentir vivre et exister veut dire, quand on évalue  ce qu’on a déjà éprouvé, recensant peurs et craintes enfantines. Ne pas vouloir que tel événement survienne, tout faire pour l’éviter, alors que, chemin faisant, on réalise que tout était déjà inscrit en soi, en dépit de tout. La dimension existentielle de la pièce de Simon Diard apporte la consolation.

Le texte évoque avec pudeur et simplicité les relations des deux frères, du point de vue du plus jeune, apprenti de la vie pour lequel l’aîné est une icône du ballon rond, déjà responsabilisé dans le monde des grands. Aujourd’hui, à partir du regard du cadet, les rapports de pouvoir se sont comme inversés, le puiné aspirant à protéger l’aîné qu’il a peu côtoyé. Or, les deux s’aiment l’un l’autre, sans jamais avoir osé le penser ni se l’avouer, encore moins se le dire dans un milieu familial où exprimer ses sentiments n’est pas de bon ton.

A l’occasion d’un tournoi de foot, dans un vestiaire de sous-sol désuet et bruissant non seulement d’un système de souffleries, mais de cuivres encore, un trio espiègle échappé d’une fanfare avec sa maîtresse de musique et de chant, les deux frères se parlent pour la première fois, dépassant la pudeur du cercle familial. Né du compagnonnage avec l’auteur Simon Diard, Footballeur raconte l’histoire de la découverte du handicap. 

Arnaud Vrech ouvre un nouveau champ de vision au regard, transcendant le corps royal du sportif et de son rêve lumineux d’enfant – réalités à présent obsolètes. Le spectacle épuré et minimaliste donne paradoxalement à voir d’autres sensations, non plus seulement visuelles mais tactiles et auditives encore, à travers un travail de composition musicale, de son et de lumière. 

Les bandas, les célébrations festives, les fanfares joyeuses des stades pénètrent la scène, convoquent le souffle et la force des cuivres joués en live, de fascinants instruments à air, une belle extension de soi et du collectif. 

La musique – joie et sentiment allègre d’un monde habité de lumière et de vie – appelle naturellement le mouvement, la danse, la conscience d’un déplacement, comme un rituel, une échappée dans le choeur des interprètes, une énergie qui comble l’espace entre les corps et les mots. (Arnaud Vrech)

Clément Durand est celui qui sollicite l’aîné, Johann Weber, auprès de la cheffe de choeur et âme soeur, Cecilia Steiner, à l’écoute attentive de la compagnie burlesque des cuivres chaleureux de Flavio Mendes (trompette), de Constant Sajaloli (trombone) et de Romane Vanderstichele (cor).

Un spectacle plein d’humour – recul et distance, respect de l’autre et de soi -où le public ne se contente pas de regarder mais voit et entend l’être en vie.

Véronique Hotte / Hottello

Crédit photo: Charles Leplomb

Footballeur, texte de Simon Diard (éditions Petits Pièges), mise en scène d’Arnaud Vrech. Avec Clément Durand, Cecilia Steiner, Johann Weber et les cuivres Flavio Mendes, Constant Sajaloli, Romane Vanderstichele. Scénographie, costumes Arnaud Vrech, dramaturgie, costumes Franziska Baur, lumières Anne Vaglio, son, régie générale Mathieu Barché, musique Sophie Sand, direction musicale postcréation Théo Kaiser, regard chorégraphique Vincent Dupuy,couture Charlotte Le Gal

Du 3 au 25 mai 2025, du mardi au samedi à 20h30, dimanche à 16h30 au Théâtre de La Tempête Cartoucherie, Route du Champ-de-Manoeuvre 75012 – Paris, www.la-tempete.fr Tél: 01 43 28 36 36.

Par Télérama, avec AFP    Publié le 05 mai 2025

Le tribunal correctionnel de Paris a rendu, ce lundi, son jugement au procès des sept personnes accusées de cyberharcèlement à l’encontre du directeur artistique de la cérémonie d’ouverture des jeux Olympiques, en juillet 2024.

La justice a infligé lundi des peines d’amendes et de prison avec sursis à l’encontre de sept personnes poursuivies pour avoir envoyé en juillet dernier des messages haineux à Thomas Jolly, le maître d’œuvre de la cérémonie d’ouverture des jeux Olympiques de Paris 2024.

« Le verdict rendu aujourd’hui par le tribunal marque un signal fort sur ce qu’est le cyberharcèlement en France : un délit qui ne reste pas impuni, a réagi Thomas Jolly auprès de Télérama. Le tribunal rappelle ainsi que l’on ne peut pas impunément se livrer au lynchage numérique d’une personne pour ses engagements publics, sa personnalité et que la liberté de création ne peut être attaquée […] Ce jugement apporte une nouvelle pierre à l’édifice jurisprudentiel dans la lutte contre les discriminations et le harcèlement sur Internet. Il envoie un message clair : la liberté de création doit être défendue, et aucune interprétation malveillante ne saurait justifier la haine. »

Ces sept personnes, dont une seule était présente à l’audience, devront en outre chacune verser 1 euro de dommages et intérêts à Thomas Jolly. Le tribunal correctionnel de Paris a infligé des amendes de 2 000 à 3 000 euros, assorties du sursis, à trois des prévenus et des peines d’emprisonnement de deux à quatre mois avec sursis aux quatre autres. Les sept prévenus, dont une femme, âgés de 22 à 79 ans, devront effectuer un stage de citoyenneté de cinq jours, a également décidé le tribunal, qui a ordonné la suspension pour six mois des comptes X de deux des prévenus.

« C’est une victoire pour toutes les victimes de cyberharcèlement aujourd’hui.»    Thomas Jolly

Thomas Jolly a également exprimé sa « gratitude envers le travail remarquable de la brigade chargée de l’enquête, dont l’efficacité et la détermination ont permis d’aboutir à ce résultat ». Il a également dit « [sa] solidarité et [son] soutien aux autres artistes de la cérémonie qui ont été injustement ciblés par ces attaques », et rappelle que « le cyberharcèlement, sous toutes ses formes, et notamment celui qui touche durement la jeunesse, est un fléau contre lequel nous devons tous collectivement nous mobiliser ».

« Il nous reste encore beaucoup de chemin, mais cette décision participe au fait que nous sommes sur la bonne voie, c’est une victoire pour toutes les victimes de cyberharcèlement aujourd’hui », conclut-il.

Thomas Jolly, directeur artistique des cérémonies d’ouverture et de clôture des jeux Olympiques et Paralympiques de Paris, avait déposé plainte le 31 juillet, quelques jours après le début des Jeux, affirmant « être la cible, sur les réseaux sociaux, de menaces et d’injures à caractère homophobe ou antisémite ».

Alors que la créativité de la cérémonie d’ouverture a été saluée par de nombreux spectateurs, le tableau intitulé « Festivité » a alimenté l’été dernier une polémique dans certains milieux conservateurs chrétiens et d’extrême droite.

Télérama, avec AFP

Par Copélia Mainardi dans Libération - 5 mai 2025

Tendre et ingénieuse, la pièce d’anticipation, prix Impatience en 2022, imagine l’héritage de notre civilisation : des fragments de récits et de coutumes que nos descendants sont chargés de déchiffrer.

Notion de relativité

Préservation fragile de l’héritage

Copélia Mainardi / Libération

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 3 mai 2025

Au théâtre de Belleville, à Paris, Viktor Kyrylov raconte, dans un seul-en-scène captivant en forme de confession, ses tourments de jeune exilé.

Lire l'article sur le site du "Monde" :

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/03/maintenant-je-n-ecris-plus-qu-en-francais-le-cri-du-c-ur-d-un-comedien-ukrainien-qui-a-fui-moscou_6602620_3246.html

Au matin du 24 février 2022, la vie de Viktor Kyrylov est devenue, dit-il, « absurde ». Cet Ukrainien alors âgé de 20 ans est réveillé par un coup de téléphone de sa mère qui lui annonce que la Russie a déclaré la guerre à son pays, que des bombardements frappent sa ville natale d’Odessa. « Surtout ne rentre pas », le supplie-t-elle. Viktor Kyrylov vit à Moscou où, depuis trois ans, ce passionné de culture russe mène la vie dont il rêvait. Etudiant au Gitis, prestigieuse école de théâtre, il doit jouer son premier spectacle le 25 février, La Mouette, de Tchekhov.

« Mon rêve fait de moi un traître pour les Ukrainiens et un ennemi pour les Russes, ma vie n’a plus de sens », résume le comédien. Où aller ? Doit-il faire la guerre contre ceux chez qui il voulait vivre ? Doit-il fuir ? Trois ans plus tard, sur la scène du Théâtre de Belleville à Paris, Viktor Kyrylov raconte, dans un seul-en-scène captivant en forme de confession, ce cas de conscience bouleversant.

Il a appelé son spectacle Maintenant je n’écris plus qu’en français. La langue russe, il veut « l’oublier », la langue française, qu’il maîtrise désormais parfaitement, est devenue son refuge. Viktor Kyrylov fait le récit d’un exil avec l’ardeur de celui qui a besoin de lever l’ambivalence (combattre ou s’enfuir) qui lui a longtemps serré la poitrine. Il a le besoin à la fois de s’expliquer et de comprendre comment son histoire s’inscrit dans la grande histoire. Sur la scène, des cartes de l’Ukraine, de la Russie et de l’ex-URSS sont projetées sur un grand écran. Derrière toute cette géopolitique et ces frontières mouvantes, combien de destins ont été changés ?

« C’est quoi la bonne décision ? »

Parfois, le grand écran se retourne et devient un miroir. Viktor Kyrylov s’y retrouve face à lui-même et se confie. « C’est quoi la bonne décision ? », s’interroge-t-il. Comment ne pas culpabiliser de ne pas aller combattre. « Je ne t’ai pas fait pour que tu meures à la guerre. Vis ! », lui implore sa mère, infirmière. « Entre la patrie et ma mère, j’ai choisi ma mère », explique son fils. Au lendemain de sa première représentation de La Mouette, dans un théâtre où ses copains russes ne parlent pas de guerre mais d’« opération militaire », il décide de partir. « Je quitte la Russie, ce pays qui me fascinait. La Russie de Tolstoï et de Tchekhov n’existe pas. » Le jeune comédien prend la direction de la Lettonie, puis de l’Estonie où il arrive le 3 mars 2022 et se fait enregistrer comme réfugié. Mais impossible d’avoir un titre de séjour. Une fois encore, où aller ? Il choisit la France, il n’a jamais vu Paris, il ne connaît pas la langue.

Ensuite ? Viktor Kyrylov a fait le choix judicieux d’arrêter son récit au jour de son arrivée à la gare routière de Bercy après deux jours de voyage via la Pologne. Son adaptation et son intégration à un nouveau pays, c’est un autre sujet, qui fera sans doute l’objet d’un prochain spectacle. Pour l’heure, il a préféré, dans ce premier seul-en-scène, se concentrer sur la guerre et ses bouleversements. C’est Eric Ruf, administrateur général de la Comédie-Française qui l’a encouragé à écrire son histoire. Accueilli à son arrivée de Moscou au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris, le comédien a intégré, la saison dernière, l’académie de la maison de Molière. Et il est vraiment fait pour le théâtre.

Grâce à sa présence intense sur scène, la qualité de son écriture et la profondeur de ses réflexions, Viktor Kyrylov, 23 ans, nous ébranle et nous questionne car on ne peut s’empêcher de se mettre à sa place et de se demander : qu’aurions-nous fait ? Parce qu’il parle d’ici et maintenant, de l’Europe et de la guerre, son spectacle ne s’oublie pas.

Maintenant je n’écris plus qu’en français, texte et interprétation Viktor Kyrylov, sous le regard amical d’Eric Ruf. Au Théâtre de Belleville, Paris 11ᵉ. Jusqu’au 29 juin.

Sandrine Blanchard

Par Le Monde avec AFP - 30 avril 2025

Le départ du directeur délégué est prévu le 13 juin, a annoncé Tiago Rodrigues, le directeur du Festival. Une enquête interne a été menée en novembre et décembre par le cabinet spécialisé Egaé, après que le ministère de la culture a saisi le procureur de la République pour des signalements à son sujet.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/04/30/pierre-gendronneau-le-numero-deux-du-festival-d-avignon-va-quitter-ses-fonctions-apres-des-signalements-de-violences-sexuelles-sur-un-precedent-poste_6602035_3246.html

Pierre Gendronneau, directeur délégué du Festival d’Avignon, va quitter ses fonctions le 13 juin, à la suite « d’accusations » de violences sexuelles et sexistes alors qu’il occupait un poste dans une autre organisation, a annoncé, mercredi 20 avril, le directeur du Festival, Tiago Rodrigues.

« Nous avons annoncé aujourd’hui à l’équipe du Festival le départ de Pierre Gendronneau des fonctions de direction délégué, pour des raisons personnelles et pour poursuivre d’autres horizons professionnels », a déclaré à l’Agence-France Presse M. Rodrigues, confirmant une information de Télérama. Ce départ « a été pris d’un commun accord », a-t-il précisé, sans confirmer s’il s’agit d’une rupture conventionnelle. M. Gendronneau avait été nommé en février 2023.

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - 30 avril 2025

INFO TÉLÉRAMA – Pierre Gendronneau, numéro 2 du festival de théâtre avignonnais, va quitter son poste au mois de juin. Neuf signalements de VSS ont été comptabilisés au sein de l’organisation en 2024, dont plusieurs toucheraient le même homme.

Lire l'article sur le site de Télérama : https://www.telerama.fr/theatre-spectacles/malaise-a-avignon-un-pilier-du-festival-sur-le-depart-apres-des-signalements-de-plusieurs-femmes-7025451.php

Par Joëlle Gayot dans Lee Monde - 29 avril 2025

En cinq actes rugueux menés au pas de charge, l’auteur, metteur en scène et directeur du Théâtre de la Colline, à Paris, livre une fable corrosive sur la famille.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/04/29/avec-journee-de-noces-chez-les-cromagnons-wajdi-mouawad-signe-une-tragedie-en-huis-clos_6601724_3246.html

C’est la pièce des commencements, celle qui précède les succès à venir et qui préfigure les fresques déliées articulant passé et présent, réel et fiction, France, Canada et Liban. Bien avant la trilogie Littoral (1997), Incendies (2003) et Forêts (2006), bien avant Tous des oiseaux (2017) ou Racine carrée du verbe être (2022), et enfin bien avant qu’il ne dirige le Théâtre de la Colline, à Paris, l’artiste libano-canadien Wajdi Mouawad a écrit Journée de noces chez les Cromagnons.

Le texte originel date de 1991, mais n’avait jamais été monté jusqu’à 2024 où, lors du Printemps des comédiens à Montpellier, Wajdi Mouawad en crée une version remaniée. Proposée, à partir du mardi 29 avril, sur le grand plateau de La Colline, la trame en est actualisée par l’insertion d’un double de l’auteur convoqué au temps de son exil canadien. Un ajout qui ne surprend pas, le dramaturge ayant l’habitude d’installer un narrateur omniscient au cœur de ses histoires. Mais le geste, cette fois, manque de naturel et, sauf à vouloir tempérer la brutalité quasi ontologique de Journée de noces…, cette irruption tardive d’un tiers personnage ne s’imposait pas.

Cette réserve mise de côté, la fable est sidérante d’humour désespéré et de violence corrosive. Cette violence irrigue les mots, les actions, les relations et les situations que traverse la famille de Neel, jeune héros fragile qui cohabite avec ses parents et sa sœur dans un appartement menacé par les bombes.

C’est en se souvenant de ces bombes détruisant le quartier où se trouvait sa maison à Beyrouth que Mouawad, à l’âge de 23 ans seulement, a expulsé de lui une tragédie qui coche tous les codes du genre. Unité de lieu (l’appartement familial), de temps (une journée), d’action (les préparatifs d’un mariage). Jusqu’à la présence d’un chœur, assumé par une future mariée, qui demeure longtemps invisible, dissimulée dans une boîte opaque et coulissante. Rapatriée des rives antiques, cette Cassandre de circonstance décrit la guerre, horreurs et beautés confondues.

Un habitacle hermétique

A l’exception de ce regard porté sur un au-dehors chaotique, la scène n’autorise aucune échappatoire. Un caisson de bois clair, conçu par le scénographe Emmanuel Clolus, enferme les protagonistes dans un huis clos ravageur, à peine troublé par les irruptions d’une voisine et d’un mouton égorgé sur le seuil de la porte d’entrée. L’habitacle hermétique où tout, du lit à la table, est posé de travers, pourrait être un refuge protecteur. Il n’en est rien. Une tragédie ne se résout que par la mort. Celle-ci s’invite en fin de parcours : Neel est atteint par une balle.

En cinq actes rugueux menés au pas de charge, ce spectacle saisissant, qui manie avec rudesse le rire et l’effroi, parvient à dépasser la psychologie pour accéder à l’archétype. Pas un des protagonistes qui ne se dissolve dans un flou interprétatif. La mère est tyrannique et surprotectrice. Le père est viril et colérique. La sœur qui souffre de narcolepsie répète les mêmes questions en boucle et attend un fiancé qui n’existe pas (croit-on), puisque son mariage est une pure invention des parents. Piégé dans cette toile d’araignée affective et mentale, le fils s’évade en pensant à son frère, Walter, grand absent et victime probable du conflit.

Le texte est joué en arabe libanais surtitré en français. Une langue qui claque d’autant plus que les acteurs ont du coffre. Décibels poussés au maximum pour une farce qui solde les restants de civilité dans des assauts de sauvagerie. Les salades s’écrasent sur le plateau. Le mouton sanguinolent est suspendu par les pattes. Le fils humilie la voisine. Le père insulte la mère. La mère hurle. Pourquoi feindre la délicatesse et simuler la douceur quand, au-dehors, les rues se jonchent de cadavres ? Le décor (comme l’appartement) est à deux doigts de l’explosion. Quant à la cellule familiale, elle implose.

Zones pulsionnelles

A l’intérieur de ce dispositif hystérisé, les comédiens (tous excellents, à commencer par Aly Harkous, le fils, et Aïda Sabra, la mère) modulent leurs notes avec brio. Ils ne crient pas en pure perte au point de saturer les oreilles. Ils hissent le volume de leurs paroles au niveau même où sont situés des sentiments exacerbés et radicaux.

Rage, chagrin, joie, désespoir, peur : pas ou peu de place pour la nuance. La noce, on le rappelle, doit se tenir chez les Cromagnons. Cette mention est spécifiée dans le titre. C’est dire les zones pulsionnelles, voire primitives, où se rive la représentation. Et pourtant ne ressort de ce spectacle qu’une évidence : la force admirable et inaltérée de l’amour qui se faufile, lui aussi, avec exacerbation et radicalité, dans les replis des mots et des gestes.

Wajdi Mouawad, qui quittera la direction du Théâtre de la Colline en mars 2026, ferme le ban sur un spectacle puissant et original qui en raconte long sur là d’où il vient, en tant qu’écrivain et, peut-être aussi, en tant qu’homme.

Journée de noces chez les Cromagnons. Texte et mise en scène : Wajdi Mouawad. Avec Fadi Abi Samra, Jean Destrem, Layal Ghossain, Aly Harkous, Bernadette Houdeib et Aïda Sabra. Théâtre de la Colline, Paris 20e, du 29 avril au 22 juin.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Par Lucile Commeaux dans Libération - 28 avril 2025

A la Comédie-Française jusqu’au 15 juillet, Elsa Granat explose le classique fataliste d’Anton Tchekhov, y injectant justesse et compassion dans une mise en scène puissante.

Prétention grosse comme un cormoran

Biffé, outré et malmené

Légende photo : La pièce est débarrassée de ses modulations conventionnelles. (RAYNAUD DE LAGE Christophe)