Revue de presse théâtre
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Spécial confinement : une liste de captations de spectacles et de concerts, de films rares et de documentaires libres d'accès.

Spécial confinement : une liste de captations de spectacles et de concerts, de films rares et de documentaires libres d'accès. | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Les Palmiers sauvages, d’après W. Faulkner, adaptation et mise en scène Séverine Chavrier (création en 2014, captation en 2018 https://vimeo.com/261655328

 

 - Le pays lointain (un arrangement)  d'après Jean-Luc Lagarce mis en scène par Christophe Rauck - 2018 Théâtre du Nord
Mot de passe : cdipayslointain  (en minuscule cette fois)

 

Cie XY - Rachid Ouramdane  :   Möbius    (2019)   https://www.france.tv/spectacles-et-culture/1313259-mobius-par-la-cie-xy-et-rachid-ouramdane-a-la-maison-de-la-danse.html

 

28 mars : Cie XY : Domino, tourné dans la nature (film, 2015, 19 mn) : https://www.youtube.com/watch?v=hKXUhBwUUTk

 

Ogres, de Yann Verburgh, mise en scène Eugen Jebeleanu  https://vimeo.com/209836645/20030759d5

 

- Einstein on the Beach, opéra de Philip Glass et Bob Wilson, captation à Paris en 2014, 4h30 https://www.operaonvideo.com/einstein-on-the-beach-paris-2014/?fbclid=IwAR31QXXL30nJvke2V7pH64oJ9g2-itCSa5z1K3CmrNcNe1oUlwe1h0XU7gc

 

-  En route, Kaddish, texte et mise en scène David Geselson (2018) https://vimeo.com/128392869

 

- Traviata, vous méritez un avenir meilleur, opéra d’après Verdi, conception Judith Schéma, Benjamin Lazar et Florent Hubert (2016) https://vimeo.com/263537425?ref=fb-share&fbclid=IwAR1F55d63uhv49irt27OrIp-Uf9Nj-91MffboVWDMI-YlAYzExjfnm71E-g 

 

-  Molière d’Ariane Mnouchkine (film en version intégrale, 1978, 4h)   https://vimeo.com/374604317?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR2n1WXwNAYgn4ohOZqaQFQwwKBDfOdz0mqeT7wzeGm-eKLK91YQSSpLs14

 

Macbeth Underworld, opéra de Pascal Dusapin, mise en scène Thomas Jolly, production Théâtre de la Monnaie et Opéra-Comique (2019) https://www.youtube.com/watch?v=XwCo7VARZlQ&feature=emb_share&fbclid=IwAR1BK-Ieqv2ZRXFp8nlrq-glVHF1zyitAyYV76wcSfZKLx7ggj0n_7AzNvE

 

- La Symphonie du Hanneton (James Thierrée) création en 1998, captation en 2005     https://www.youtube.com/watch?v=QjykYSfW-Bw&feature=share&fbclid=IwAR0t78bivZH4SSIphHiED89t2M7oqe-dyVkIjL_Oq_yI8SJxtIE9MFW52hU 

 

- film Un homme qui dort (Georges Pérec)  1966     https://www.youtube.com/watch?v=UaIXUXdYthA&feature=share&fbclid=IwAR2ViYPr-YWKFueFtxo19DhWxY4fit-ngnHYBF2zyi6z187UGOoWUf8n-ZI 

 

-  By heart de Tiago Rodrigues (podcast France Culture)  https://www.franceculture.fr/emissions/latelier-fiction/heart-de-tiago-rodrigues-0?fbclid=IwAR0pN9HmXORtemJBAq1sq1ELn8PS21TbeYufnIJ0aAmxl5apFfOfaxLRMEM 

 

- Masterclass Valérie Dréville  (reportage)   https://www.youtube.com/watch?v=rmx8-YjsR08&feature=share&fbclid=IwAR2u-zWa-SYFyOOuKj_Rn8x9cC39oTxE6ruDdFvVgDGtSgO6-CRbrEJ8aWY

 

- L’amour existe, court-métrage de Maurice Pialat (1966, 19 minutes) https://vimeo.com/200049162?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR0W1NJoKiV_AH8Uxnt1HzMFQayRw7GHP0NK7LR97q1BKgFT8UHMtn3xwi0 

 

- Le Misanthrope, de Molière, mise en scène Stéphane Braunschweig (2004) https://www.youtube.com/watch?v=12twXcL58YA&feature=share&fbclid=IwAR2qmd1lhkzngif-PtTxTzS0dz5IHVwUTmjA-n-_OvDUbozadAuhutcfFxw 

 

- Hate de Laetitia Dosch (2018)

 https://vimeo.com/286471233?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR0Xt8svvebJJfLp49tDLZu83yLeEvNbPS6lauh58x0WHEMFabjLjVBu5MI 

 

Vera de Petr Zelenka, mise en scène Marcial di Fonzo Bo / Elise Vigier, avec Karine Viard (captation 2016)   https://vimeo.com/399934741?fbclid=IwAR0n8i48LgG19pJixJ203wYxtyvpQZVV5ci4ddtSjE1T0h5jIoDhmlj6ZyU

 

- Un jour Pina a demandé documentaire de Chantal Akerman sur Pina Bausch (1983) https://www.youtube.com/watch?v=JsxpLQ-VKaA&fbclid=IwAR1o1DePrZejY3MWqR4bU4oMD4sYl23p9hBXubXc6ipGeNqGP0wHGtFl0fo 

 

-  Daddy, vidéo d’une chanson nouvelle de Yaël Naïm (2020)  https://www.youtube.com/watch?v=uNzp5eMAtmc&feature=share&fbclid=IwAR3tjm-1fzUZEwTGJiKv2_deRVqkOj6YNQB01WwRnxH6nMM5ekPvH9xLsUY 

 

- Barbara, chansons pour une absente, documentaire (2020) https://www.arte.tv/fr/videos/073088-000-A/barbara-chansons-pour-une-absente/

 

-  Inside performance de Dimitris Papaioannou (2011)   https://vimeo.com/papaioannou/inside?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR3fhTHVEbtE7IxzM-KQsDInvst_laERB3DwWcopIK_e5pmG7NNtAK5KjbU 

 

-  Since she de Dimitris Papaioannou (2018), trailer 4 mn    https://www.youtube.com/watch?v=Is1iWYNxfAo&feature=share&fbclid=IwAR17kZ6VJkZyJa2A0LDL3daHaMU1dDkDgSj2qvN823O3lNHVn08zp4n9RyQ

 

-  Bande annonce de The Great Tamer chorégraphie de Dimitris Papaioannou (2017) https://www.youtube.com/watch?v=fRcuwLK4YE8&feature=share&fbclid=IwAR3ruj0Pa9fFQF_ss1k3nld_fXsz9UDhg9tMyqJWjRJ9LbBhYsj4lE-ykyE 

 

-  Clair de Lune : Alexandre Tharaud Joue Debussy, Yoann Bourgeois au Trampoline (2018, 5 mn)   https://www.youtube.com/watch?v=SFRiHQ-Lwzk&feature=share&fbclid=IwAR3x7oucXcwn4AAkiPP8fDnKaA9iVwQpyzggdjF53BuQH4n4ZVOBanLDV1s 

 

- Démons de Lars Norén, mise en scène Lorraine de Sagazan (2018) https://vimeo.com/398790891

 

-  Concert de Jakub Jozef Orlinski (chant baroque) 2018 https://www.youtube.com/watch?v=8WDdVvrCZIY&fbclid=IwAR1qCYb29AziK_qx-4SbomQ-xCVs5RMBci_mTsf4VRArT9VbetwskVxBZy4 

 

Peter Brook invité de l’émission « 28 minutes », 2020 https://www.arte.tv/fr/videos/088472-124-A/28-minutes/

 

-  Festival d’Avignon - Mesdames, messieurs et le reste du monde, dirigé par David Bobée : Carte blanche à Virginie Despentes     https://www.festival-avignon.com/fr/webtv/Mesdames-Messieurs-et-le-reste-du-monde-jour-7-Carte-blanche-a-Virginie-Despentes-72e-Festival-d-Avignon

 

-  Trois oeuvres de la compagnie Peeping Tom : Le Jardin (film, 2002) Le Salon (spectacle filmé, 2005), Le Sous-Sol (spectacle filmé, 2007) https://vimeo.com/showcase/peepingtom/ 

 

-  Pierre Guillois / Rébecca Chaillon au Festival d’Avignon 2019 « Sa bouche ne connaît pas le dimanche »    https://www.france.tv/spectacles-et-culture/theatre-et-danse/1048171-festival-d-avignon-2019-sa-bouche-ne-connait-pas-de-dimanche.html

 

- Kontakthof, Pina Bausch (1979, captation vers 2005)    https://www.youtube.com/watch?v=pA2WGonbkA8&feature=share&fbclid=IwAR37KDa-2R--JnWpCvywJy78TNPg3dazoH_KiNnlZZZFagWDZz_98prukn0 

 

-  Les contes d’Hoffmann, opéra d'Offenbach mise en scène Kr. Warlikowski https://www.arte.tv/fr/videos/094264-000-A/les-contes-d-hoffmann-de-jacques-offenbach-a-la-monnaie/?fbclid=IwAR1uBuY4rjOvXtkMlljhtRRXr4E2lwvNR0B8FJh2nsRHIbsQkKMWsk_2rjE 

 

-  Comment s’en sortir sans sortir, récital du poète Gherasim Luca, réal. Raoul Sangla (1988) https://www.youtube.com/watch?v=jIX0xqFxvcw&feature=share&fbclid=IwAR21Pd12hxkbONai14Lo8p57RFCOeS_vSRcBWNKpMRSF3MdIn8fcYC5BwcY 

 

-  Stabat mater de Pergolèse concert avec Ph Jarrousky , direction Nathalie Stutzmann https://www.youtube.com/watch?v=qzOmPUu-F_M

 

-  L’Ecole des femmes, Molière, mise en scène Stéphane Braunschweig, Production de l'Odéon-Théâtre de l'Europe (2018)   https://vimeo.com/327310297

 

-  Concert de Nina Simone, live in Antibes (1969) https://www.facebook.com/nina.simone/videos/757434251346152/UzpfSTE3OTA3NTMxNDY6MTAyMTMwNDgzNDIzMjE4MjA/

 

-  Conférence des choses, Pierre Mifsud, et François Gremaud    www.2bcompany.ch

 

-  Les Indes Galantes, opéra de Rameau, mise en scène Clément Cogitore, 2019 Production de l'Opéra national de Paris    https://www.arte.tv/fr/videos/091145-000-A/les-indes-galantes-de-rameau-a-l-opera-de-paris/?fbclid=IwAR2S6cnqpNcTIXx5Si2VXki38sOY_lVslRml2-9GqRO4rQbi3gE6BDtd7mA 

 

 

-  l’Orfeo de Monteverdi (opéra)  direction Jordi Savall, captation de 2002 https://www.youtube.com/watch?v=0mD16EVxNOM&feature=share&fbclid=IwAR3Aio-RqXpxH8Irg-tkLleRbtAIZp46D3KRuhnU81bK_pRuhBJEig0qN1I 

 

-  Elvire Jouvet 40 de Brigitte Jaques, réalisation de Benoit Jacquot (1987) https://www.youtube.com/watch?v=E-3csrQu5yI

 

-  Festival mondial du cirque de demain     https://www.arte.tv/fr/videos/094969-000-A/41eme-festival-mondial-du-cirque-de-demain/?fbclid=IwAR2zo5zRaNU5claedEfpyf6f3QUTDNd-zBvDm4rFt4_ZXmqYv6jaF90tYG0

 

Cinéma

Andrei Roublev, d’Andreï Tarkovski (1966) :   https://www.youtube.com/watch?v=0cIn7_feQyA 

 

La société du spectacle de Guy Debord (1973) : https://www.youtube.com/watch?feature=share&v=xGN5N3vrbLE&fbclid=IwAR3z7tbeexOeEBsTGbnY2dphX9X1PsnhJakQwSQEoN1D8F8xTq5qJrTIapE&app=desktop


 

 
 
 
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Comment utiliser au mieux la Revue de presse Théâtre

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Au fait, et ce tableau en trompe-l'oeil qui illustre le blog ? Il s'intitule  Escapando de la critica, il date de 1874 et c'est l'oeuvre du peintre catalan Pere Borrel del Caso

 

Julie Dupuy's curator insight, January 15, 2015 9:31 AM

Peut être utile au lycée

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Alice Vivier nommée à la direction de la Maison des métallos

Alice Vivier nommée à la direction de la Maison des métallos | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Publié par Sceneweb le 29 février 2024

 

Alice Vivier a été nommée à la direction de la Maison des métallos à compter de juin 2024. Elle succède à Stéphanie Aubin.

Après des expériences dans le domaine de la production artistique, Alice Vivier co-fonde La Loge, le plus petit théâtre de Paris, qu’elle dirige depuis 2004, et depuis 2018 dans sa version Hors les murs. Cette structure accompagne des projets, notamment de la jeune création, à travers la production, la diffusion, la programmation, l’organisation d’actions culturelles et d’évènements dans l’espace public.

Depuis 2012, elle assure également la direction artistique du Festival Fragments, dédié à la création théâtrale émergente. Très impliquée dans le domaine des musiques actuelles, elle est aussi co-directrice de 2013 à 2018 des Trois Baudets et depuis 2020 co-programmatrice en charge des créations du Printemps de Bourges et des Folles rencontres pour les Francofolies de la Rochelle.

Son projet pour la Maison des métallos entend développer une programmation artistique audacieuse, pluridisciplinaire et populaire pour rassembler et fédérer.

Une attention particulière sera portée aux jeunes générations, à travers des dispositifs tels que « Les Nouveaux Métallos », pour découvrir et accompagner les équipes artistiques émergentes au démarrage de leurs parcours, « Les Petits Métallos », auquel un espace d’atelier sera consacré, et « L’Été des Métallos », permettant à des adolescent·es de suivre un stage durant les vacances. Maison de proximité, plaçant les publics au cœur, elle sera aussi tournée vers l’extérieur et souhaite impliquer des habitant·es qui deviendraient ambassadeurs et ambassadrices, dans un souci de diversification des publics. La Maison développera ses collaborations et ses réseaux pour s’inscrire dans une dynamique à l’échelle parisienne, régionale et nationale.


D'après le DOSSIER DE PRESSE - Article publié par Sceneweb

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La deuxième vie de Chulpan Khamatova, actrice russe en exil en Lettonie

La deuxième vie de Chulpan Khamatova, actrice russe en exil en Lettonie | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Annick Cojean  dans Le Monde - 29/02/2024



RÉCIT

Connue notamment pour son rôle dans « Good Bye Lenin ! », la comédienne russe affiche volontiers son opposition à la guerre en l’Ukraine et à Vladimir Poutine. En février 2022, elle s’est réfugiée avec ses filles dans un pays où elle rencontre un succès inattendu.

 

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/international/article/2024/02/29/a-riga-la-deuxieme-vie-de-chulpan-khamatova-actrice-russe-en-exil_6219115_3210.html

 

Chulpan Khamatova se souvient avec précision de ce jour de février 2022 où la Russie a attaqué l’Ukraine et où sa vie a basculé dans l’inconnu. Elle était en vacances aux Seychelles avec sa plus jeune fille, profitant d’une pause des représentations du Maître et Marguerite, l’adaptation du roman de Mikhaïl Boulgakov (1894-1941) qu’elle jouait à Moscou, et elle avait réservé, pour la journée du 24 février, une excursion en mer pour nager avec les tortues. Dans le taxi menant au bateau, elle avait jeté un œil sur son portable et plongé dans l’effroi : Vladimir Poutine venait de lancer l’invasion de l’Ukraine, des bombardements visaient Kiev et plusieurs grandes villes…

 

L’actrice russe de 45 ans, star adulée et multiprimée au théâtre comme au cinéma, était abasourdie. « Mes mains se sont mises à trembler, raconte-t-elle. J’ai pensé à mes amis en Ukraine, à mes filles à Moscou, à mon pays qui bafouait toutes les règles, à Poutine, monstrueux, qui venait de commettre l’irréparable. Quel cauchemar ! »

Comment avait-elle pu être assez aveugle, songeait-elle, pour penser que cette guerre redoutée n’aurait pas lieu ? Elle se souvenait de discussions, les semaines précédentes, avec ses amis écrivains, acteurs, cinéastes. Il y avait ceux qui disaient : « Poutine est fou, il est capable du pire, rien ne l’arrêtera. » Et ceux, comme elle, qui pensaient : « Non, car ce serait suicidaire, il isolerait la Russie et perdrait tout crédit. » Il l’avait fait. Tandis que sa fille et les touristes se pressaient pour plonger dans le lagon seychellois, elle se cramponnait à son portable, l’esprit à des milliers de kilomètres de là. « Je n’arrivais pas à réfléchir. Ma tête était comme une turbine. Qu’allait-il advenir de nous tous ? Poutine venait d’anéantir le futur et j’avais la conviction que ma vie volait en éclats. »

Sur le bateau, personne ne soupçonnait que la femme blonde et frêle, visiblement désespérée, était l’une des actrices russes les plus célèbres, connue notamment pour son rôle dans Good Bye Lenin ! (2003), de Wolfgang Becker. Elle ne levait pas la tête, concentrée sur son écran. Vite, donner son accord pour signer lettres ouvertes et pétitions contre la guerre, dont celle de son ami le journaliste Dmitri Mouratov, Prix Nobel de la paix 2021. Vite, contacter collègues et amis pour les inciter à réagir. Vite, changer ses billets d’avion.

 

Il lui restait une semaine de vacances, elle ne la passerait pas à Moscou, mais filerait en Lettonie, où elle dispose d’un refuge, une maison toute simple, construite au milieu des bois. « J’y allais parfois en vacances, mais c’était surtout un plan B, au cas où les choses tourneraient mal en Russie. » Il fallait aussi acheter des billets Moscou-Riga pour ses deux autres filles, de 19 et 20 ans. « L’urgence était de nous regrouper. Pour le reste, j’aviserai plus tard. » C’est ainsi que le surlendemain, munie d’une valise comportant sandales, maillots et paréos, Chulpan Khamatova atterrissait à Riga par – 18 °C.

 

En fait, elle venait de franchir un point de non-retour. En Russie, tout opposant à la guerre était banni ou arrêté. La moindre critique était considérée comme un acte de subversion, de trahison, voire de terrorisme. Elle savait donc qu’à peine débarquée à Moscou on l’obligerait à revenir sur sa condamnation de l’invasion de l’Ukraine, à présenter des excuses, et qu’on n’hésiterait pas à exercer sur elle un chantage.

 

Elle en avait déjà eu l’expérience, en 2012, lorsque Vladimir Poutine préparait sa réélection. Un matin, un appel du Kremlin l’avait sommée d’enregistrer un message vidéo de soutien à sa candidature. L’idée l’avait horrifiée. Poutine représentait tout ce qu’elle détestait. Mais voilà : à la tête d’une fondation – Le Don de la vie, œuvrant à offrir les meilleurs soins aux enfants cancéreux –, elle avait plusieurs fois eu recours à l’aide du président, et Poutine attendait un renvoi d’ascenseur. Les amis de l’actrice lui avaient déconseillé de le faire. Les jeunes médecins de la fondation, eux, l’avaient prévenue qu’un refus serait fatal à leur clinique en construction. Alors, elle s’était exécutée, la mort dans l’âme.

« Dilemmes et pressions effroyables »

A l’époque, son image d’actrice en avait pris un coup. Elle avait sauvé la clinique, mais l’opposition la tenait désormais pour une traîtresse. « Une injustice absolue, dit au Monde Kirill Martynov, le rédacteur en chef de Novaïa Gazeta, rencontré à Riga, où ce journal indépendant russe s’est exilé après le 24 février 2022. La dictature soumet les citoyens à des dilemmes et pressions effroyables. Mais comment douter de Chulpan et des valeurs qu’elle défend ? C’est une amie de notre journal depuis toujours. Une artiste qui a choisi l’exil et pris le risque de saboter sa carrière pour n’avoir pas à se renier. »

 

L’exil… Sur le bateau des Seychelles, elle n’y songeait pas encore. Mais dans sa maison, située à une heure de Riga, l’idée s’impose douloureusement. « Je n’ai pas dormi de la semaine. C’est vertigineux de se résoudre à tout abandonner : pays, appartement, métier, amis, parents… Avais-je le droit de bouleverser le destin de mes filles ? Et quelle vie leur offrir dans ce pays qui se méfiait tant des Russes, après une occupation de cinquante ans ? » Ce sera la décision la plus difficile de sa vie. Elle la prend sans consulter personne. Puis elle prévient Robert Lepage, le metteur en scène du Maître et Marguerite, qu’elle ne rentre pas à Moscou et qu’il faut donc prévoir une remplaçante.

 

« Je l’ai rappelée sur son portable, se souvient M. Lepage. Elle était paniquée, mais résolue. Je n’étais pas étonné. Je la savais engagée dans de nombreuses causes. Et je la comprenais quand elle se disait incapable de remonter sur scène comme si de rien n’était, alors que les bombes tombaient sur l’Ukraine. Elle aurait protesté, on l’aurait mise en prison. L’exil, pour cette insoumise, était la seule option. »

L’annonce de son départ est une détonation. Les médias liés au pouvoir l’accusent de trahison, les opposants la traitent de girouette, les menaces affluent. Elle craint pour ses parents, restés en Russie. Son avenir ? « J’avais devant moi une page blanche. J’étais prête à devenir coursier, chauffeur… » Pour l’heure, elle transforme sa maison en QG d’aide aux réfugiés. Elle organise l’évacuation d’enfants cancéreux ukrainiens jusqu’ici pris en charge par sa fondation et leur cherche des places dans des hôpitaux européens. « Ce fut mon meilleur médicament contre la dépression. Aider les autres m’a sauvée. »

« Je la trouve héroïque »

Et puis, un jour, Alvis Hermanis, célèbre metteur en scène letton, directeur du Nouveau Théâtre de Riga depuis 1997, l’appelle pour l’inviter à rejoindre sa troupe. Chulpan Khamatova n’en croit pas ses oreilles. Cet homme de théâtre la connaît bien pour l’avoir mise en scène en 2020, à Moscou, dans une pièce consacrée à Gorbatchev. « Il m’embauchait, avant même de penser à un rôle ! Il recrutait une Russe ! En ces temps de fureur, c’était un risque énorme. J’ai dit oui et j’ai pleuré au téléphone. » Un mois plus tard, il lui propose de coécrire et monter un spectacle mêlant les voix de Dostoïevski et d’Anna Politkovskaïa, la journaliste russe assassinée en 2006. Ce sera Post-Scriptum, une réflexion, à la lumière de la guerre, sur l’âme et la conscience russes traversées par le mal.

 

La première a lieu le 15 juin 2022. Un seule-en-scène, cinq rôles en un. Elle en est malade. Elle joue en russe, avec des sous-titres en letton. « S’il vous plaît, n’applaudissez pas », dit-elle à la fin. Un triomphe : le théâtre ne désemplit pas. A l’automne, la voilà nommée pour le titre d’actrice de l’année. Une Russe qui joue en russe et éclipse les vedettes locales ? Scandale.

 

Dans ce pays de moins de deux millions d’habitants, dont un tiers est russophone mais où la détestation et la crainte de la Russie sont exacerbées depuis le conflit en Ukraine, le débat devient national. Pourtant, le 23 novembre 2022, lors de la grande Nuit des acteurs à Riga, c’est elle qu’on appelle sur scène. Elle met quelques secondes à comprendre avant de monter timidement recevoir son prix et de remercier, en letton, son pays d’accueil. « Plus tard dans la soirée, j’ai glissé à la présidente du jury : “Vous vous suicidez !”, “Je sais”, m’a-t-elle dit. J’ai insisté : “Ils vont vous tuer !” “J’accepte.” »

 

 

Ce souvenir la rend radieuse. « C’est la plus belle récompense de toute ma vie. » La présidente, Edite Tisheizere, critique de théâtre respectée, jubile aussi de l’audace du jury : « Nous avions le choix entre deux décisions politiques. Rejeter Chulpan au nom de la suspicion qui entache aujourd’hui tous les Russes, alors qu’elle surpassait les autres actrices. Ou bien la couronner, pas seulement parce qu’elle était exceptionnelle, mais parce que sa défiance personnelle – et risquée – envers le régime pourri de Moscou était en soi admirable. En fait, je la trouve héroïque. » Il n’empêche, ajoute-t-elle en riant : « En sortant de nos délibérations, j’ai couru me servir une boisson forte. »

Retour « à l’époque de Staline »

Son succès conforte l’actrice dans l’idée que la Lettonie est devenue sa nouvelle maison, qu’elle y a une place, un avenir. Elle fait alors le serment de jouer sa pièce suivante en letton, et plonge dans l’apprentissage de cette langue. A l’automne 2023, elle monte sur scène dans Le Pays des sourds, une pièce adaptée du film russe Les Silencieuses (1998), de Valery Todorovsky. Cette fois, elle joue en letton, sans une pointe d’accent. Le public est bluffé. En février, la pièce a été rejouée à guichets fermés. Cela n’empêche pas l’actrice de proposer à travers l’Europe des spectacles de poésie russe. « Dire Pasternak, Mandelstam, Brodsky, Marina Tsvetaeva me réchauffe », confie-t-elle.

 

La nouvelle de la mort de l’opposant Alexeï Navalny, le 16 février, l’a fait éclater en sanglots. « C’était notre seul espoir ! » Là encore, elle s’en veut d’avoir pensé que Poutine n’oserait pas. « Quelle bêtise ! Nous sommes revenus à l’époque de Staline, avec son cortège de traques, de déportations et d’assassinats. Il est temps que les démocraties occidentales en prennent conscience. Elles croient encore avoir affaire à un homme politique normal, avec lequel on peut dialoguer. Mais Poutine n’est pas normal ! C’est un malade qui s’est créé son propre monde et a perdu toute notion de la réalité. »

Les collègues proches de Chulpan Khamatova qui n’ont pas quitté la Russie ne peuvent plus, pour la plupart d’entre eux, travailler, encore moins s’exprimer. Quant à sa grande amie Evgenia Berkovich, metteuse en scène et poétesse, elle a été emprisonnée pour apologie du terrorisme. « Je lui disais : “Je t’en prie, sois prudente !” Elle répondait : “Il ne s’agit que de poèmes.” Cela a suffi. C’est le retour de la terreur. » Echappe-t-elle à ce sentiment dans les rues de Riga ? « J’essaie d’être courageuse, dit-elle, mais je connais les méthodes de ce régime, je sais ce dont il est capable. Donc j’ouvre l’œil. Je dis à mes filles de se méfier des gens étranges et d’être toujours sur leurs gardes. »

 

En 2022, juste après avoir pris sa décision de rester en Lettonie, l’actrice avait téléphoné au danseur Mikhaïl Baryshnikov, né en 1948 à Riga (alors dans l’Union soviétique) et réfugié en Amérique du Nord en 1974.

 

« Comment s’habitue-t-on à l’exil, Mikhaïl ? Comment se débarrasse-t-on de la peur ?

 

– Mais j’ai toujours peur, Chulpan !

 

– Après toutes ces années ?

 

– Les Soviétiques avaient promis de me retrouver pour me briser les jambes. Mais la peur ne doit pas empêcher d’avancer. N’y fais pas attention. Va de l’avant !

 

– Mais je ne serai plus jamais actrice !

 

– Bien sûr que si ! »

 

Il avait raison.

 

Annick Cojean / LE MONDE

 

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Judith Godrèche au Sénat : «Des agresseurs déguisés en réalisateurs» 

Judith Godrèche au Sénat : «Des agresseurs déguisés en réalisateurs»  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Lara Clerc dans Libération le 29 février 2024

 

Auditionnée ce jeudi 29 février devant le Sénat, la comédienne demande la création une commission d’enquête sur les violences sexuelles dans le cinéma, le retrait du président du CNC Dominique Boutonnat et le retour du juge Durand à la tête de la Ciivise.

 

«Tout le monde le savait, dans l’industrie du cinéma, qu’un agresseur déguisé en réalisateur fait souffrir les petites filles pour les faire pleurer.» Ce jeudi 29 février au Palais du Luxembourg, Judith Godrèche s’adresse aux parlementaires de la délégation au droit des femmes. Durant cette audition d’une heure trente retransmise en direct, la comédienne dénonce l’«écrasement de la parole» et l’«invisibilisation de la souffrance des enfants» dans l’industrie du cinéma.

Elle réclame au Sénat de constituer une commission d’enquête sur les violences sexistes et sexuelles dans le milieu du cinéma, et demande le retrait de Dominique Boutonnat, président du Centre national du cinéma et de l’image animée (CNC), mis en cause pour violences sexuelles sur son neveu. «Cette famille incestueuse du cinéma n’est qu’un reflet de notre société», assène la comédienne pour qui le dialogue sur les violences sexuelles face à une gouvernance du CNC délégitimée sur ce terrain même (en 2022, Boutonnat était renouvelé à la présidence du CNC alors qu’il était mis en examen depuis un an, au grand dam des associations) est forcément «mort-né».

 

Judith Godrèche revient également sur le besoin de discuter avec les enfants, de les questionner en leur demandant, tout simplement : «Es-tu victime de violence ?» Pour elle, un enfant ne doit «jamais être laissé seul sur un tournage». Elle appelle à la mise en place d’un système de contrôle plus efficace, et réclame la présence de référents neutres sur les tournages auxquels des enfants participent ou de coordinateurs d’intimité. «Sur les plateaux de cinéma […], il n’y avait pas de Judith. Uniquement une petite fille sans prénom que se disputaient les adultes libidineux, sous les yeux d’autres adultes passifs, soumis à la toute-puissance du patriarcat.» Et elle ? «Je ne savais pas qu’il y avait la possibilité [de dire] non.»

 

Tel «un boomerang» revenant dans la figure des «agresseurs déguisés en réalisateurs», elle dénonce leur emprise et ce au nom des autres victimes. Et si elle parle au passé, «aujourd’hui encore sont nombreuses les désenchantées», rappelle-t-elle, mentionnant aussi les autres enfants frappés par les violences sexuelles. Car elle le martèle, «tout le monde savait». Mais selon elle, les victimes sont de plus en plus attaquées en diffamation, de quoi les dissuader de dénoncer des comportements illégaux. Elle préconise pour lutter contre cela de permettre aux victimes d’avoir le même avocat car quand «les victimes [d’un même homme] se rencontrent, la force se décuple».

«200 témoignages de techniciennes»

C’est pourquoi elle demande au Sénat la réhabilitation du juge Edouard Durand, évincé de la Ciivise en décembre 2023 – point sur lequel le Sénat la rejoint, assure Dominique Vérien, présidente de la délégation aux droits des femmes du Sénat. La comédienne interpelle également Adèle Haenel, se remémorant son claquage de porte lors de la cérémonie des césars 2020, après la victoire de Roman Polanski «Adèle, où es-tu ? Quel aurait été ton destin si ce soir-là, le public des césars avait été peuplé de juges Durand ?»

 

Parmi les fameuses «désenchantées», elle cite également les personnes de l’ombre du cinéma, dont elle a reçu des témoignages depuis sa prise de parole. «En une journée, j’ai reçu 200 témoignages de techniciennes qui ont toutes reçu un selfie du sexe d’un réalisateur français. […] Elles étaient sur des tournages différents, et elles ont toutes reçu cette photo, comme ça… […] Il y a des techniciennes à qui un réalisateur a dit : “Tu veux me sucer la bite ?” […] Elles sont allées voir le producteur qui leur a répondu : “Tu ne vas pas faire d’histoire, ça va”». Judith Godrèche a plus tard souligné la peur de ces techniciennes de retrouver du travail si elles dénonçaient ces faits.

L’actrice et réalisatrice dit ne «plus avoir grand-chose à perdre aujourd’hui, puisque je suis moi-même forte de toutes ces femmes invisibles […], qui se demandent si tous ces coups que je donne sur la porte vont finir par la faire céder». C’est pour cette raison qu’elle envisage de faire appel au président de la République, ayant déjà évoqué avec Rachida Dati le soir de son discours aux césars la possibilité d’être reçue à l’Elysée.

 

Prise de parole inédite

C’est la première fois que la Chambre haute reçoit une artiste. «Ce qui se joue en ce moment, c’est une révolution sociétale», a dit en inauguration de l’audition Dominique Vérien avant d’ajouter : «Comme vous, nous appelons à un sursaut et à une prise de conscience collective.»

Vendredi 23 février, Judith Godrèche avait déjà prononcé un discours durant la cérémonie des césars dans lequel elle dénonçait le «niveau d’impunité, de déni et de privilège» du milieu du cinéma. Devant l’Olympia ce soir-là, un rassemblement organisé par la CGT et certains collectifs féministes lui apportait son soutien, parmi lesquels Sophie Binet ou Anna Mouglalis, cette dernière considérant sa prise de parole comme «d’utilité publique».

Mise à jour : ajout à 14h10 de la reconduction de Dominique Boutonnat à la présidence du CNC, malgré une mise en examen.

 
 

Voir tous les articles de la Revue de presse théâtre associés au mot-clé "#MeToo Théâtre et cinéma"

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Flammarion réédite le livre de Judith Godrèche, sorti peu après sa rupture avec Benoît Jacquot 

Flammarion réédite le livre de Judith Godrèche, sorti peu après sa rupture avec Benoît Jacquot  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Publié par Libération  avec AFP- 28 février 2024

 

Ce roman, le seul qu’ait publié la comédienne, était paru en 1995 dans la foulée de sa séparation avec le réalisateur, contre qui elle a porté plainte début février pour viols avec violences sur mineur de moins de 15 ans.

 

Une réédition, sous forme électronique. Point de côté de Judith Godrèche, roman de 1995 qui racontait la fin d’une relation d’une adolescente avec un homme plus âgé, va être réédité par Flammarion. L’ouvrage, épuisé depuis de longues années, sera disponible à l’achat en ligne «dans les prochains jours». «Nous réfléchissons à l’idée de le republier», a par ailleurs ajouté la maison d’édition.

 

Ce roman d’inspiration autobiographique, le seul publié par l’actrice, est sorti peu après sa rupture avec le réalisateur Benoît Jacquot, de vingt-cinq ans son aîné. Judith Godrèche, âgée de 22 ans à l’époque, mettait en scène Juliette, jeune cinéphile, qui au début de la vingtaine reprenait sa liberté.

 

«C’est une fille qui a vécu très jeune avec un homme, qui est restée très longtemps avec lui, et qui peut-être n’a pas eu d’adolescence […] Elle n’a pas appris à être une femme», décrivait l’artiste dans l’émission «Le Cercle de minuit», sur France 2, en février 1995.

 

Gifles, coups de ceinture et coups de poing

La comédienne a porté plainte début février contre Benoît Jacquot, 77 ans, et un autre réalisateur, Jacques Doillon, 79 ans, pour «viol sur mineur de 15 ans». Elle avait tourné à 15 ans dans les Mendiants de Jacquot, sorti en 1988, début d’une relation dont elle a rendu publics des éléments longtemps tus, tels que gifles, coups de ceinture et coups de poing administrés par celui qui menait dans le même temps une carrière d’auteur estimé, enchaînant les longs métrages.

 

Concernant Doillon, elle évoque durant le tournage de la Fille de quinze ans, plus de 45 prises où le cinéaste la «pelote» et lui «roule des pelles».

 
 
 
 

Devenue depuis plusieurs semaines la porte-voix du monde du cinéma contre les violences sexuelles et sexistes qui y règnent, Judith Godrèche a dénoncé avec force lors de la cérémonie des Césars vendredi un «trafic illicite de jeunes filles». «Où êtes-vous, que dîtes vous ?», a-t-elle lancé à destination des acteurs. Sans obtenir beaucoup d’écho jusqu’à présent.

Elle sera par ailleurs entendue au Sénat ce jeudi matin par la délégation aux droits des femmes et à l’égalité des chances entre les hommes et les femmes.

 
 
 
A lire aussi
 
 
 
L’anthropologue Pascale Jamoulle, spécialiste de l’emprise, explique pourquoi les adolescentes peuvent être des cibles pour les abuseurs et comment la «déprise» peut advenir. Pour elle, la dénonciation par l’actrice de l’aliénation exercée par Benoît Jacquot participe de son émancipation.
 

«Benoît Jacquot pensait savoir mieux que moi qui j’étais et ce que je pensais.» Témoignant pour la première fois de sa relation avec le cinéaste, l’actrice Isild Le Besco évoque comme Judith Godrèche une relation d’emprise et des violences psychiques et physiques. Comment fonctionne l’emprise, cette terrible mécanique mise en lumière dans le Consentement de Vanessa Springora en 2020 ? Quatre ans plus tard, il est encore nécessaire de rappeler la «dépossession de soi» qui s’opère chez les victimes, comme l’attestent les propos de l’actrice Anny Duperey : «Six ans avec un réalisateur : sous emprise je veux bien, mais quand même consentante, non ?» L’anthropologue Pascale Jamoulle, qui a enquêté sept ans sur le sujet, tranche : «Dans ces relations, le consentement n’existe pas.» Dans le Hainaut belge, à Paris, en Seine-Saint-Denis et à Marseille, elle est allée à la rencontre de nombreuses personnes qui ont vécu longtemps dans la prison de l’emprise, au sein du couple, de la famille, du milieu professionnel… et qui s’en sont sortis. Son ouvrage Je n’existais plus. Les mondes de l’emprise et de la déprise (La Découverte) rend compte de ce travail immersif colossal qui révèle les traits structuraux de l’emprise.

 

Après Judith Godrèche, Isild Le Besco a utilisé le terme d’«emprise destructrice» pour qualifier sa relation avec le réalisateur Benoît Jacquot. Comment cerner cette notion qui est très souvent mobilisée dans les affaires de violences sexuelles ?

 

La notion d’emprise est imprécise, elle ne donne pas d’indication sur les rôles des abuseurs et des abusés ni sur les degrés d’emprise vécus. A Marseille, où j’ai étudié la vie d’un quartier sous la coupe de microtrafics de drogues, on dit qu’on est sous emprise quand on est «emboucanés jusqu’à l’os». Mon enquête multisites révèle que l’emprise est une machinerie, une mécanique de destruction qui fonctionne toujours de la même façon. Elle permet de s’approprier les personnes ou les groupes dans tous les lieux où le pouvoir peut devenir abusif, où les modes de régulation sont inexistants ou dysfonctionnels.

 

Les personnes sous emprise relatent un état de soumission et de dépendance à un pouvoir abusif qui les a utilisées comme des objets, en prenant possession de leur esprit, de leur corps, de leur vie sociale et économique, mais aussi de leur parole, en les mettant sous silence. C’est un processus qui se met lentement en place jusqu’à devenir un système totalitaire, qui impose allégeance, adhésion et silence. Réduire l’emprise à une relation psychologique toxique entre un bourreau et sa victime, un pervers narcissique et une proie, revient à méconnaître sa dimension systémique, le poids de l’environnement, de même que la variété des formes qu’elle peut revêtir. On le voit dans le cas de Judith Godrèche : tous connaissaient cette relation, mais qui l’a questionnée ? Le milieu du cinéma considérait comme logique et normal d’instrumentaliser une petite fille de 14 ans.

 

 - Peut-on consentir quand on vit sous emprise ?

 

Etre sous emprise désigne les effets de l’anéantissement progressif et violent de l’identité personnelle, de la coupure avec les proches, du renoncement aux liens sociaux hors du système d’emprise, de la dévitalisation du corps, de la destruction même de la capacité de penser l’emprise. Car elle produit de la confusion, un asservissement mental qui empêche de réfléchir au système dans lequel on est pris. Les personnes sous emprise sont dépossédées de tout, leur subjectivité n’est plus là, elles ne pensent plus par elles-mêmes, leurs facultés rebelles sont éteintes. «J’ai été vampirisée», disent les personnes que j’ai rencontrées. Comment consentir quand on est à ce point aliéné ? Dans ces cas, le consentement n’existe pas, il y a abus de faiblesse.

 

 - Judith Godrèche témoigne : «J’étais endoctrinée, c’est comme si j’avais rejoint une secte. Je suivais les règles de mon gourou.» Est-ce que ce parallèle avec l’emprise sectaire est pertinent ?

 

Tout à fait. Vous laissez entrer dans votre tête une personne qui vous dit comment vivre, quelles sont les règles, et qui commence à vous terrifier. Parce que si vous ne les respectez pas, vous risquez d’être exclu, d’être dissident. Vous êtes emprisonné mais on vous donne le sentiment que hors de la prison c’est bien pire.

 

- Pourquoi l’emprise s’exerce-t-elle particulièrement sur les adolescentes ?

 

L’adolescence est un moment où vous n’avez pas beaucoup d’expérience, vous cherchez des modèles, et vous n’avez pas encore les petites lumières rouges qui alertent quand ils vous détruisent. Mais toutes les adolescentes ne sont pas sous emprise : il y a souvent un terreau, des vulnérabilités liées à l’histoire familiale, des traumatismes, des modes éducatifs où les personnes ont eu beaucoup de mal à se construire en tant que sujet. «J’avais un trou dans la tête et c’est par là qu’il est rentré», disait une femme.

 

La socialisation de genre expose aussi. Les femmes sont plus sujettes à l’emprise au sein du couple. Il peut être plus difficile pour elles d’exister pour elles-mêmes et de se protéger, quand elles ont vécu dans un milieu qui diffusait insidieusement l’idée qu’être une femme suppose de se soumettre à l’autorité d’un homme «plus grand que soi», plus âgé, avec plus de connaissances, d’expérience. C’est pourquoi il est urgent de sortir du mythe du prince charmant à qui se donner tout entière, par amour.

 

 - Une des défenses de Benoît Jacquot et d’autres abuseurs est de souligner le caractère amoureux de la relation. Comment le discours amoureux est-il utilisé dans cette relation ?

 

C’est ce discours amoureux qui va légitimer l’anéantissement de l’autre, qui va alimenter la dépendance affective de l’autre. C’est au nom de l’amour que l’emprise va s’exercer et au nom de l’amour que les personnes sous emprise vont rester dépendantes. La parole de l’autre est confisquée et le discours romantique va être mis en avant comme un paravent pour cacher toute la souffrance vécue, un paravent bien ancré dans l’imaginaire Disney.

 

 - Comment on en sort ? Comment ce que vous appelez la «déprise» peut-il advenir ?

 

Pour s’en sortir, il faut trouver des recours. Tout peut servir contre l’emprise : une parole émancipatrice, un geste, une pensée flottante. Lentement, les femmes ou les hommes que j’ai rencontrés, aliénés par leur conjoint, leur travail, une secte, un gourou, s’en sortent parce qu’ils défont les nœuds de l’emprise. Ils ont pu imaginer qu’une autre vie était possible, ils se sont appuyés sur des fragments du moi qui subsistaient, ils ont été aidés par d’autres. Isild Le Besco a dit : «Si j’avais fait des études, peut-être, j’aurais pu m’en sortir, j’aurais eu plus de lucidité.» La reprise d’études peut être une façon de se renarcissiser, de se construire sa propre place sociale. L’amour qu’on a reçu par le passé peut aussi être remobilisé pour nous empêcher de nous considérer comme de simples objets.

 

Judith Godrèche raconte comment elle a dénoué un à un les nœuds de l’emprise pour se reconstruire comme personne. Elle se sépare de Benoît Jacquot, elle prend une distance physique avec son abuseur ; elle ira aux Etats-Unis, ce qui lui permet sans doute de récupérer un peu de for intérieur. Elle écrit un livre, Point de côté, une prise de parole qui est la sienne et donc, progressivement, elle déconstruit le lavage de cerveau qu’elle a subi. Dès qu’on prend la parole, on est comme un dissident, on brise l’interdit et le silence que le système d’emprise imposait. Avec ses prises de parole dans les médias, elle poursuit sa dynamique de déprise, elle décrypte les faits vécus avec beaucoup de justesse. Judith Godrèche a fait de sa colère un carburant pour faire ce qu’elle veut faire ; elle fait de son expérience un savoir émancipateur, une source de créativité. Ce qu’elle fait et que nous faisons collectivement en ce moment est crucial pour notre liberté d’êtres humains.

 

Mise à jour dimanche 25 février après la prise de parole de Judith Godrèche aux césars

 
 
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Juan Ignacio Tula, un acrobate en quête de sensations vertigineuses

Juan Ignacio Tula, un acrobate en quête de sensations vertigineuses | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Rosita Boisseau dans Le Monde - 27 février 2024

 

Le circassien argentin présente « Instante », dès le 28 février au Théâtre du Rond-Point, à Paris, une impressionnante giration hypnotique en solo à la roue Cyr, lourd cerceau de métal.

Lire l'article sur le site du "Monde" :

https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/02/27/juan-ignacio-tula-un-acrobate-en-quete-de-sensations-vertigineuses_6218906_3246.html

 

La roue Cyr est posée au centre du plateau dans un halo de lumière. Cet impressionnant cerceau en métal de près de 2 mètres de diamètre pèse 13 kilogrammes. Il est le partenaire et l’agrès de prédilection de l’artiste de cirque Juan Ignacio Tula dans son solo Instante, sidérante performance durant laquelle l’acrobate tournoie non-stop sur lui-même durant trente minutes, torse nu, au milieu de ce hula-hoop géant.

 

Sans fin, et de plus en plus vite, le cerceau s’enroule autour du ventre, du cou. « La force centrifuge augmente le poids du cercle qui rentre dans ma peau, ma chair, mes os, confie-t-il. J’ai mal aux hanches, au bas de la colonne vertébrale. Je dépasse en partie cette douleur en entrant dans ce tournis incroyable qui m’emmène dans un état physique extrême. »

 

Ce numéro de derviche d’une beauté affolante, qui sera présenté au Théâtre du Rond-Point, à Paris, du 28 février au 3 mars, s’inscrit dans une quête de sensations vertigineuses pour Juan Ignacio Tula. « J’ai une relation obsessionnelle avec ma roue, poursuit cette figure de premier plan de la scène circassienne. Avec cette pièce, qui a exigé trois ans de recherche, je voulais aller très loin à l’écoute de mon corps et de ses blessures. » Opération plus que réussie, tant ce solo atteint des pics visuels et émotionnels. Est-ce Juan Ignacio Tula qui tient ferme la roue Cyr, ou bien l’objet qui lui colle au corps ? Ils ne font qu’un dans cette giration hypnotique. « Enfant, j’adorais tourner sur moi-même et, en rencontrant la roue Cyr, j’ai réalisé que c’était l’accessoire parfait pour continuer à tourbillonner. »

« Comme une partenaire »

Depuis 2010, année de sa découverte de cet agrès dans un coin d’une école de cirque à Turin, en Italie, alors qu’il débarquait de son Argentine natale, Juan Ignacio Tula ne cesse d’affûter sa relation à la roue Cyr. Passé par le Centre national des arts du cirque de Châlons-en-Champagne, entre 2012 et 2014, il a renouvelé et déplacé incroyablement cette technique, apparue au début des années 1990 dans le sillage de l’acrobate canadien Daniel Cyr, et dont la figure la plus connue est celle de la « valse » : l’interprète est en croix à l’intérieur de l’agrès qui roule.

 

 

Avec Juan Ignacio Tula, le cerceau active un dialogue effervescent avec toutes les parties du corps. Ses sources d’inspiration ? La danse contemporaine et sa pratique du tango depuis l’adolescence. « Lorsque j’ai commencé avec la roue, j’ai retrouvé les mêmes repères que dans le tango, raconte-t-il. Comme une partenaire, elle offre un poids, un espace, elle répond à l’impulsion que je lui donne et elle oblige à s’enraciner dans le sol pour y prendre appui. »

 

C’est d’ailleurs en dansant quelques tangos qu’il s’échauffe avant chaque représentation d’Instante. « Cela permet d’entrer dans la spirale », assure-t-il. Parallèlement, il fait également du gainage et du yoga, « pour le dos, le ventre et ouvrir les poumons ». Le spectacle terminé, il s’allonge longuement. « Il me faut plusieurs heures pour retrouver une forme de stabilité, explique-t-il. Parfois, une nuit est nécessaire avant que je me sente recentré. Comme je tourne à gauche, mes organes, mes muscles se sont déplacés. Je me fais des massages pour les remettre vers la droite. Je suis aussi à fleur de peau. » Pour se calmer et repartir du bon pied, il mange du riz et de la soupe. « Parfois, je m’offre aussi un petit verre de bière avec les amis », ajoute-t-il tout sourire.

 
 
Lire le portrait (2024) | Article réservé à nos abonnés La circassienne Marica Marinoni, dompteuse de cercles
 
 

« Instante », de Juan Ignacio Tula (programmé avec « Lontano », de Marica Marinoni). Théâtre du Rond-Point, Paris 8e. Du 28 février au 3 mars. La Passerelle, Saint-Brieuc, le 17 avril.

 

Autres spectacles de Juan Ignacio Tula : « Sortir par la porte, une tentative d’évasion », Le Sirque, Nexon (Haute-Vienne), le 29 mars ; « Pourvu que la mastication ne soit pas longue », Nest, Thionville (Moselle), du 10 au 12 avril, et Ferme du Bois-Briard, Evry-Courcouronnes, le 28 mai ; Carte blanche à Juan Ignacio Tula, Les Subs, Lyon 1er, les 4 et 5 mai.

 

Rosita Boisseau / LE MONDE

 

 

Légende photo : Juan Ignacio Tula, lors du Festival UtoPistes, au Théâtre des Célestins, à Lyon, en juin 2018. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE

 

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La mort de René Pollesch, le directeur de la Berliner Volksbühne

La mort de René Pollesch, le directeur de la Berliner Volksbühne | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Publié par Sceneweb - 27 février 2024

 

 

Le metteur en scène allemand René Pollesch est mort à l’âge de 61 ans, apprend-t-on de la part de la Berliner Volksbühne, théâtre dont il avait pris la direction en 2021. « Sa mort était complètement soudaine et inattendue » fait savoir le théâtre dans son communiqué.

 

Né en 1962 à Friedberg/Hessen en Allemagne, René Pollesch étudie les arts performatifs avec Andrzej Wirth et Hans-Thies Lehmann à l’Institut des Etudes Théâtrales Appliquées à l’université de Gießen de 1983 à 1989. Il met en scène des travaux de commande et ses propres productions au Theater am Turm/TAT à Francfort sur Maine à partir
de 1992. Il suit des études au Royal Court Theatre à Londres en 1996, avec des séminaires présentés par Harold Pinter, Caryl Churchill.

En 1997, il a reçu des cours de dramaturgie à la Schloss Solitude Academy de Stuttgart. Il a créé Heidi_Hoh Trilogy
at Podvwil à Berlin entre 1999 et 2001. Pendant la saison 1999/2000, il a été « artiste en résidence » au Lucerne Theatre en Suisse et « auteur en résidence » à la Deutsche Schauspielhaus à Hambourg à l’automne 2000.

Dans les années 2000, René Pollesch a reçu deux fois le prix de dramaturgie Mülheim : en 2001 pour www-slums et en 2006 pour Cappuccetto Rosso. De 2001 à 2007, il a été directeur artistique du Prater, du studio de la Volksbühne à Berlin (sous la direction de Frank Castorf). Ses productions au Prater se concentraient surle thème central « Je ne veux pas vivre ça », traitant les problèmes du travail contemporain et les conditions de vie dans l’ère de la mondialisation.

En 2008/2010, il crée Ruhrfestspiele in Recklinghausen, la « Ruhrtrilogy » 1-3 Tal des Fliegenden Messer, Cinecittà
aperta et Der perfekte Tag.

Il avait pris ses fonctions à laBerliner Volksbühne en 2021 et avait ouvert sa première saison avec la première de « La montée et la chute d’un rideau et sa vie entre les deux ». Il avait invité Julien Gosselin a travaillé avec la troupe, le metteur en scène français avait notamment monté en 2023, Sturm und Drang – Histoire de la littérature allemande Vol.1.

 

 

D'après le dossier de presse/ Sceneweb

 

 

 

 

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Le ministère de la Culture perd plus de 200 millions d’euros… et Rachida Dati, tout crédit ?

Le ministère de la Culture perd plus de 200 millions d’euros… et Rachida Dati, tout crédit ? | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Olivier Milot  dans Télérama 

Publié le 26 février 2024 à 18h38

 

 

Hier auréolée de sa capacité à gagner des arbitrages, la ministre est désormais affaiblie par la baisse brutale des crédits de la Culture. Les secteurs du patrimoine et de la création risquent d’être douloureusement touchés.

 

 

Réservé aux abonnés

 

 

La soustraction est salée. Plus de 200 millions d’euros, c’est le montant des annulations de crédit auquel est contraint le ministère de la Culture sur son budget 2024. Cette coupe claire a pour origine la décision du gouvernement d’économiser 10 milliards d’euros, pour compenser les baisses de recettes dues à une croissance de l’économie plus faible que prévu (1 % au lieu de 1,4 %). Tous les ministères sont censés y contribuer à hauteur de ce qu’ils représentent dans le budget national, a expliqué le ministre de l’Économie, Bruno Le Maire. Une affirmation démentie par les faits.

Au ministère de la Culture, cette réduction touche en priorité le patrimoine (- 100 millions), la création (- 96 millions), le soutien aux politiques mises en place par le ministère (- 9 millions) et les dépenses de personnel (- 3 millions). L’audiovisuel public, qui dépend également du budget de la Culture, n’est pas épargné, avec une baisse de 20 millions d’euros. Enfin, l’action culturelle de la France à l’étranger, qui relève cette fois du ministère des Affaires étrangères, est elle aussi mise à contribution, à hauteur de 28 millions d’euros.

 

 

Pour Rachida Dati, la pilule est amère. Dans le monde de la culture, avoir du poids – ce que tout le monde lui prêtait jusqu’à aujourd’hui – se mesure à sa capacité à gagner des arbitrages budgétaires. Dans les faits, elle n’est pas plus épargnée que les autres ministères, tant s’en faut. Et alors que sa prédécesseure pouvait annoncer à l’automne dernier un budget en hausse de 6 % (hors audiovisuel public), il le sera en réalité de moins de 1 %, ce qui revient en réalité à devoir composer avec des crédits en baisse, compte tenu de l’inflation.

Arbitrages à la baisse

Tout aussi inquiétant, il semble que cette décision ait été prise, en dehors de toute concertation interministérielle, par le trinôme Élysée, Matignon et Bercy, ce qui en dit long sur la centralisation du pouvoir et le peu de poids des ministres dans le processus décisionnaire. Sans même parler du Parlement, qui a dû voter il y a deux mois un budget avec le 49.3 et le voit aujourd’hui amputé de 10 milliards d’euros, sans qu’il ait son mot à dire.

 

 

Le ministère de la Culture en est désormais réduit à devoir effectuer des arbitrages à la baisse dans les secteurs du patrimoine et de la création. Pas simple. Le premier était jusqu’ici l’objet de tous les soins de l’Élysée comme du ministère, qui avait prévu d’augmenter, en 2024, les crédits à destination du patrimoine local et du patrimoine religieux des petites communes. Stéphane Bern ne va pas être content… il pourra peut-être se consoler à la lecture du Monde, qui annonce le lancement par l’Arabie saoudite d’un fonds de soutien au patrimoine français qui, selon nos confrères, serait doté de 700 millions d’euros.

 

Pour la création, les coupes seront d’autant plus douloureuses à arbitrer que le monde du spectacle vivant n’est pas en bonne santé. On voit mal par ailleurs comment Rachida Dati va pouvoir mener, comme elle l’a promis, une politique volontariste en faveur de l’accès à la culture dans les zones rurales avec des crédits en moins. Preuve de sa gêne, la ministre, qui ne rate jamais une occasion de prendre la parole publiquement, s’est faite discrète ces derniers jours. Et pour cause, les arbitrages seraient encore en cours.

 

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Selon nos informations, non confirmées par le ministère, l’idée serait d’essayer de protéger les structures labellisées (théâtres, centres chorégraphiques, scènes de musique actuelle…) et les équipes artistiques, et de faire porter l’essentiel de l’effort sur les établissements publics nationaux comme le musée du Louvre, La Villette ou l’Opéra de Paris, plus à même d’encaisser des baisses brutales de crédits. Si c’est bien le cas, la candidate à la Mairie de Paris en 2026 aura sans doute à s’expliquer un jour de ces coupes qui affecteraient en priorité la capitale. De la difficulté à vouloir mener de front une carrière ministérielle et une campagne électorale…

Le secteur en ordre de bataille

Rachida Dati peut en tout cas s’attendre à une opposition unanime du monde la culture face à ces baisses programmées. Le Syndicat national des professionnels du théâtre et des activités culturelles (Synptac-CGT) se dit prêt à mobiliser ses troupes. « Nous ne laisserons pas le gouvernement être le fossoyeur du service public du spectacle vivant !, écrit-il dans un communiqué. Nous appelons les personnels techniques, administratifs et d’accueil du théâtre et des activités culturelles à se tenir prêts à batailler pour que le spectacle reste vivant ! »

 

Même son de cloche du côté patronal. « Le gouvernement signe, par cette décision de Bruno Le Maire, la mort de nombre des structures et la disparition de l’originalité artistique et culturelle nationale, dénonce le Syndicat des entreprises artistiques et culturelles. Le service public de l’art et de la culture est pour la première fois menacé, alors même que la nouvelle ministre de la Culture, à peine nommée, s’en était fait la porte-parole. » Le Syndéac appelle à une assemblée générale de tous ses adhérents demain mardi pour répliquer à ce qui est vécu comme un véritable coup de force. La bataille ne fait que commencer.

 

Olivier Milot / Télérama

 

Légende photo :  La ministre de la Culture, Rachida Dati, à Paris, le 14 février 2024. Photo Jacques Witt/SIPA

 
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Mort du chorégraphe Steve Paxton, la danse à corps ouvert 

Mort du chorégraphe Steve Paxton, la danse à corps ouvert  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Eve Beauvallet dans Libération - 26 février 2024

 

Concepteur du «contact improvisation», une pratique basée sur l’échange de poids qui a essaimé dans toutes les écoles, le chorégraphe américain creusait son mouvement loin de tout formalisme et de toute esthétisation. Il avait 85 ans.

 

Dans Jeux finis et infinis, James P. Carse propose de distinguer les jeux (finis) dont le but est de vaincre et de mettre un terme au jeu (la plupart des sports sont de cette sorte) et les jeux (infinis) dont le but est de trouver des stratégies pour que le jeu continue. Dans la seconde catégorie vivent les enfants, et vivait aussi l’un des grands chorégraphes et pédagogues américains de la fin de siècle, concepteur du «contact improvisation», une pratique qui propose d’écrire la danse à partir d’un échange de poids entre individus, et que toutes les écoles accommodent aujourd’hui à leur sauce sans toujours connaître le nom de celui qui en fit un art. Steve Paxton est mort à 85 ans, dans le Vermont, territoire où il avait rejoint dès 1970 une communauté d’artistes et d’agriculteurs nommée Mad Brook Farm. Le regarder danser, disait la critique new-yorkaise Deborah Jowitt, «c’est une des expériences les plus mystérieuses et profondes qu’on ait jamais vécu au théâtre»Le chorégraphe Boris Charmatz, un de ces artistes français de la génération suivante, qui s’est passionnée pour la «post-modern dance» américaine des années 60, expliquait au micro de France Culture qu’on apprenait à danser en le regardant danser. Parce que Steve Paxton laissait à vue les hésitations, les doutes, les tâtonnements du danseur en train de chercher, creusant son mouvement loin de tout formalisme préétabli.

 

S’émanciper du monde visuel

 

Formé à la gymnastique, puis collaborateur de Merce Cunningham, de Robert Rauschenberg, de Trisha Brown ou Yvonne Rainer, Steve Paxton a commencé à improviser en regardant une portée de chatons et s’est passionné pour la place du jeu dans leur apprentissage du combat et du sexe. Il a approfondi ses connaissances en aïkido (qui lie combat et compassion), a affiné son regard sur les mouvements fondamentaux et primitifs des enfants avec l’œil de l’anthropologue, et a cherché à s’émanciper d’un paradigme : le monde du visuel. Dans un passionnant entretien donné au philosophe Romain Bijé, il expliquait : une activité comme le «contact improvisation», dans laquelle n’importe quelle partie du corps peut se retrouver à servir de support, travaille à partir d’un endroit différent du cerveau. «La vision y est un instrument d’orientation utile, mais elle cesse d’être primordiale. Ajoute à cela qu’avec un autre corps sur lequel rouler et t’appuyer, on t’offre des potentiels de mouvement que tu n’aurais pas pu trouver par toi-même.» Ou que nous avons déjà appréhendés de manière plus fondamentale : «Avant la marche, l’assise, la posture érigée, la situation la plus ancestrale, c’est en fait être en contact, soulignait Romain Bijé. Partager son poids, être porté par la mère.»

 

Ballets russes et film porno

 

Ses recherches des années 60 ont principalement porté sur les mouvements ordinaires et utilitaires – marcher, s’asseoir, courir – dégagés de toute psychologie ou esthétisation. Il se distingue également par son engagement, contre la politique militariste de Nixon ou contre la censure, après s’être vu interdire une représentation de Satisfying Lover, pièce conçue pour que 42 personnes rousses traversent, nues, la scène d’un théâtre universitaire à New York. Une partie de son œuvre s’intéresse également aux représentations pornographiques : Flat (1964), l’une de ses toutes premières pièces, est littéralement un strip-tease ralenti ; Beautiful Lecture (1968) compare deux vidéos, le Lac des cygnes dansé par les Ballets russes, et un film porno. Autant de pièces réactivées dans les années 2000, par un grand danseur comme Mikhaïl Baryshnikov ou diverses institutions culturelles, comme le Festival d’Automne à Paris, rare structure européenne à s’être transformée en terre d’accueil des expérimentations les plus radicales d’outre-Atlantique.

 

Eve Beauvallet /  Libération

 

 

Légende photo : Steve Paxton, lors de son solo "Ash" dans le cadre du Festival d'Automne en octobre 1998 à Paris. (Laurent PHILIPPE/Laurent Philippe/divergence-images.com)

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Discours de Judith Godrèche aux césars : où êtes-vous, que dites-vous, gens du cinéma ? 

Discours de Judith Godrèche aux césars : où êtes-vous, que dites-vous, gens du cinéma ?  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Billet par Sabrina Champenois dans Libération - 24 février 2024

 

 

Au lieu d’une multiplication des soutiens à l’actrice après sa prise de parole digne et limpide, la cérémonie mettant à l’honneur le cinéma français est revenue à sa routine habituelle.

 

Allait-elle gueuler ou faire sobre ? Court ou long ? Nommer ou taire les assaillants ? Pleurer ? Tenir le coup ou s’effondrer, là, en direct ? On s’est demandé tout ça, juste avant que vienne le tour de Judith Godrèche à la 49e cérémonie des césars. L’affaire était forcément casse-gueule – redire devant la profession ce que ce même biotope a permis à son égard, lui demander de reconnaître cette permissivité, demander que les choses changent, tu parles d’un programme de fête.

 

Elle a fait son entrée en scène en tailleur pantalon noir dont la veste à boutons dorés, seule fantaisie, rappelait l’apparat militaire. Mais il n’y a rien eu de martial ou de belliqueux dans le discours de la femme de 51 ans qui tente de rendre justice à l’adolescente qu’elle fut. Judith Godrèche a trouvé une ligne de crête incroyable.

 

Elle a de tout temps la voix douce, et régulièrement un sourire, ou une esquisse de sourire. Ils étaient là. Idem, ce calme qui, depuis qu’elle prend la parole pour dénoncer les abus dont elle a été victime, décuple la violence des faits par effet de contraste. Impossible d’oublier son «Hummmm…. la même chose», prononcé doucement sur France Inter le 8 février, en réponse à cette question de Sonia Devillers : «Mais qu’est-ce qu’il veut de vous, Doillon ?» «Votre corps ?» poursuit Devillers. Juste un «hum» d’assentiment. La version vidéo de l’échange montre qu’il est accompagné de l’esquisse de sourire qui, dans ces circonstances, est surréaliste. On pense à ces fous rires nerveux qui surgissent aux enterrements. Ou alors à une quiétude de yogi insensible aux clous. Le tout est déflagratoire, explose d’autant plus à nos gueules du fait de la manière, minimaliste.

 

Pareil, vendredi soir. Devant l’assemblée des césars, Judith Godrèche secoue le cocotier avec la silhouette et le regard bien droits, et posée. Comme si, de toute façon, elle avait déjà tout déposé. Pas d’évitement, elle y va, dit les choses. Le malaise de la situation («Nos visages, face à face, les yeux dans les yeux […] C’est un drôle de moment pour nous, non ? Une revenante des Amériques qui vient donner des coups de pied dans la porte blindée»). Le manque de réponse («Depuis quelque temps, je parle, je parle, mais je ne vous entends pas ou à peine. Où êtes-vous ? Que dites-vous ? Un chuchotement, un demi-mot, ce serait déjà ça, dit le Petit chaperon rouge»). Le risque («Je sais que ça fait peur. Perdre des subventions, perdre des rôles, perdre son travail. Moi aussi, j’ai peur. J’ai arrêté l’école à 15 ans. Je n’ai pas le bac. Rien. Ce serait compliqué d’être blacklistée, ça ne serait pas drôle»). La souillure («C’est tellement rien comparé à 45 prises avec deux mains dégueulasses sur mes seins de 15 ans»). L’enjeu, la possibilité de donner l’exemple («Nous pouvons décider que des hommes accusés de viol ne puissent pas faire la pluie et le beau temps dans le cinéma. Ça, ça donne le ton, comme on dit»). La revanche («Il faut se méfier des petites filles. Elles touchent le fond de la piscine, elles se cognent, elles se blessent, mais elles rebondissent. Les petites filles sont des punks qui reviennent déguisées en hamsters»).

 

Cran, sincérité, limpidité, dignité, absence d’auto-apitoiement : de l’autre côté de l’écran, on a été saisie, impressionnée. On s’est dit que sur place, ça devait être démultiplié, sept minutes fichées droit dans les plexus. Alors oui, la salle a applaudi, s’est levée. Mais après ? On s’attendait à mieux, à plus. A ce que «Soutien total à Judith Godrèche» scande toutes les interventions après la sienne, comme un engagement collectif. Au lieu de quoi, à quelques allusions près, la cérémonie a repris son cours habituel, avec son lot de vannes, d’hommages émus, de bouffées antiguerres, de sketchs plus ou moins bancals, la routine. Alors même qu’elle venait de leur dire, «Où êtes-vous ? Que dites-vous ?» Pas forcément à ses côtés et pas grand-chose, manifestement. Dans l’évitement, pour le coup. Comme on le ferait avec un membre de la famille qui pète un plomb lors d’un repas de fête et dont on se dit, «ça va lui passer, passons».

 

En 2020, Adèle Haenel a claqué un fauteuil, gueulé, s’est cassée. Vendredi, Judith Godrèche a dit de sa voix douce et remercié. Existe-t-il seulement un ton pour que la profession du cinéma se mette enfin au diapason ? Sachant que ce que demande Judith Godrèche n’est pas un scénario si fou que ça : juste prendre la résolution de ne plus fermer les yeux sur l’abus de pouvoir dans les coulisses du cinéma. Alors, où êtes-vous, que dites-vous ?

 
 
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En direct, Césars 2024 : Judith Godrèche déclare que « depuis quelque temps, la parole se délie, l’image de nos pères idéalisés s’écorche »

En direct, Césars 2024 : Judith Godrèche déclare que « depuis quelque temps, la parole se délie, l’image de nos pères idéalisés s’écorche » | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Compte-rendu du Monde, le 23 février 2024

 

Lire l'article sur le site du "Monde" :

https://www.lemonde.fr/culture/live/2024/02/23/en-direct-cesars-2024-suivez-la-49-ceremonie_6218213_3246.html

 

 

Judith Godrèche : « Depuis quelque temps, la parole se délie, l’image de nos pères idéalisés s’écorche »
Deux semaines après l’enquête du Monde sur la relation d’emprise exercée par le réalisateur Benoît Jacquot sur Judith Godrèche, alors âgée de 14 ans, l’actrice prend la parole pendant la cérémonie. « C’est compliqué de me trouver devant vous tous ce soir », débute Judith Godrèche. « C’est un drôle de moment pour nous, non ? Une revenante des Amériques vient donner des coups de pied dans la porte blindée. Qui l’eût cru ? », poursuit-elle. Avant de déclarer :

« Depuis quelque temps, la parole se délie, l’image de nos pères idéalisés s’écorche, le pouvoir semble presque tanguer. Serait-il possible que nous puissions regarder la vérité en face ? Prendre nos responsabilités ? Etre les acteurs, les actrices d’un univers qui se remet en question ? Depuis quelque temps, je parle, je parle, mais je ne vous entends pas, ou à peine. Où êtes-vous ? Que dites-vous ? »

 

 

« Nous sommes sur le devant de la scène. A l’aube d’un jour nouveau. Nous pouvons décider que des hommes accusés de viol ne puissent pas faire la pluie et le beau temps dans le cinéma », poursuit Judith Godrèche.

 

« Ça, ça donne le ton, comme on dit. On ne peut pas ignorer la vérité parce qu’il ne s’agit pas de notre enfant, de notre fils, notre fille. On ne peut pas être a un tel niveau d’impunité, de déni et de privilège qui fait que la morale nous passe par-dessus la tête. Nous devons donner l’exemple, nous aussi », continue l’actrice.

Judith Godrèche évoque également « les 2 000 personnes qui m’ont envoyé leur témoignage en quatre jours » . « Vous savez, pour se croire, faut-il encore être cru ».

 

L’actrice a poursuivi son discours, pour le conclure par un petit bout de dialogue d’un film de Jacques Rivette. « Il faut se méfier des petites filles. Elles touchent le fond de la piscine, elles se cognent, elles se blessent, mais elles rebondissent. Les petites filles sont des punks qui reviennent déguisées en hamster. Et, pour rêver à une possible révolution, elles aiment se repasser ce dialogue de Céline et Julie vont en bateau [film de Jacques Rivette, sorti en 1974] :

Céline. « Il était une fois.
Julie. — Il était deux fois. Il était trois fois.
Céline. —  Il était que, cette fois, ça ne se passera pas comme ça, pas comme les autres fois. »

 
 
___________________________
 
 
 
 
 

Elle n’avait ni infirmé, ni confirmé son intervention sur la scène de l’Olympia ce vendredi soir. Introduite par Ariane Ascaride, elle est arrivée devant une standing ovation et repartie dans les mêmes conditions, émue face à ses pairs qui l’applaudissent debout.

Nul ne voyait comment la cérémonie des Césars pouvait se passer d’une prise de parole de Judith Godrèche, sous l’impulsion de laquelle le #MeToo du cinéma français a pris une envergure radicalement inédite ces dernières semaines. En déposant plainte pour viol sur mineure de moins de 15 ans contre les cinéastes Benoît Jacquot et Jacques Doillon début février, et donnant à reconsidérer sous un jour sinistre les fétiches du cinéma d’auteur post-Nouvelle Vague des années 80-90, l’actrice et réalisatrice, c’est peu de le dire, a jeté un pavé dans la mare, entraînant avec elle une nouvelle série de témoignages sur les violences sexistes et sexuelles dans l’industrie.

 

«Beaucoup de vous m’ont vue grandir», a déclaré l’actrice et réalisatrice, qui a rappelé n’avoir jamais «rien connu d’autre que le cinéma», et s’est décrite comme «une revenante des Amériques qui vient donner des coups de pieds dans la porte blindée». Evoquant dans un poème les «petites filles dans le silence», «les jeunes hommes qui n’ont pas su se défendre», Judith Godrèche a dédié ses mots aux victimes de violences encore terrées dans le silence, s’émouvant de l’omerta qui sévit encore au-delà du milieu du cinéma, en dépit d’une parole qui commence à se délier.

 

«Serait-il possible que nous puissions regarder la vérité en face, prendre nos responsabilités, être les actrices et acteurs d’un univers qui se remet en question ? Depuis quelque temps je parle, je parle mais je ne vous entends pas, ou à peine. Où êtes-vous, que dites-vous ? […] Je sais que ça fait peur de perdre des subventions perdre des rôles perdre son travail. Moi aussi j’ai peur.»

 

A cette «curieuse famille» du cinéma qui l’aura vu errer en costume de hamster dans sa série autofictive, Icon of French Cinema, où elle revient sur sa jeunesse d’actrice sous la coupe d’un cinéaste Pygmalion, Judith Godrèche a déclaré, en écho à cette formule de plateau «Silence, moteur demandé» : «Ça fait maintenant 30 ans que le silence est mon moteur. J’imagine pourtant l’incroyable mélodie qu’on pourrait composer ensemble faite de vérité. Ça ne ferait pas mal, je vous promets. […] C’est tellement rien comparé à un coup de poing dans le nez, à une enfant prise d’assaut comme une ville assiégée, assiégée par un adulte tout-puissant sous le regard silencieux d’une équipe. Un réalisateur qui, tout en chuchotant, m’entraîne sur son lit sous prétexte de devoir comprendre qui je suis vraiment. C’est tellement rien comparé à 45 prises avec deux mains dégueulasses sur mes seins de quinze ans.»

 

Alors que le cinéaste Jacques Doillon annonçait jeudi son intention de porter plainte pour diffamation, Judith Godrèche concluait son discours en exhortant à avoir «le courage de dire tout haut ce que nous savons tout bas, n’incarnons pas des héroïnes à l’écran pour rester cachées dans les bois dans la vraie vie.», reprenant les termes de «trafic illicite» utilisés par Benoît Jacquot, dans un documentaire de Gérard Miller détonateur de sa prise de conscience, pour demander : «Pourquoi accepter que cet art que nous aimons tant, cet art qui nous lie soit utilisé comme une couverture pour un trafic illicite de jeunes filles ?» «Parce que vous savez que cette solitude, c’est la mienne mais également celle de milliers dans notre société. Elle est entre vos mains. Nous sommes sur le devant de la scène. A l’aube d’un jour nouveau. Nous pouvons décider que des hommes accusés de viol ne puissent pas faire la pluie et le beau temps dans le cinéma.»

 

 

L’espoir d’une « possible révolution », «l’aube d’un jour nouveau» a fait figure d’horizon. «Ne croyez pas que je vous parle de mon passé, de mon passé qui ne passe pas. Mon passé, c’est aussi le présent des 2000 personnes qui m’ont envoyé leur témoignage en quatre jours.» a déclaré celle qui ouvrait récemment une boîte mail dédiée aux témoignages des autres victimes.

 

«Merci de m’avoir donné la possibilité de mettre ma cape ce soir et vous envahir un peu. […] Il faut se méfier des petites filles, elles touchent le fond de la piscine, se cognent, blessent mais rebondissent.» concluait l’actrice avant de terminer sur une référence au film Céline et Julie vont en bateau de Rivette : «Il était une fois. Il était deux fois il était trois fois. Il était que cette fois ça ne se passera pas comme ça pas comme les autres fois».

 

Voir tous les articles de la Revue de presse théâtre associés au mot-clé "#MeToo Théâtre et cinéma"

 

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Adama Diop, une migration poétique pour sa première création scénique

Adama Diop, une migration poétique pour sa première création scénique | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Valentin Pérez dans M le magazine du Monde - 23 février 2024

 

Dans « Fajar ou l’odyssée de l’homme qui rêvait d’être poète », écrit après s’être rendu au camp de réfugiés de Lesbos, en Grèce, le comédien franco-sénégalais de 42 ans explore la douleur de l’exil. Un spectacle hybride, qui mêle musique live, conte et images vidéo.


Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2024/02/23/adama-diop-une-migration-poetique-pour-sa-premiere-creation-scenique_6218192_4500055.html

 

Koltès et Shakespeare, Bolaño et Tchekhov, Rambert et Racine : en vingt ans d’une trajectoire dans le théâtre public, Adama Diop, 42 ans, a servi des répertoires variés. En 2020, la pandémie de Covid-19 l’a délogé des planches et réduit au silence : « J’ai tout à coup décéléré et me suis mis à réfléchir à mon désir profond », se souvient le comédien. L’écriture, pratiquée notamment à coups de poèmes en vers lorsqu’il était ado à Dakar, l’attirait. « Écrire vous oblige à tendre l’oreille, à regarder autour de vous. Or, je ne comprends mon métier que lorsque je suis connecté au monde », dit-il.

 

Franco-Sénégalais, Diop est « ce que l’on appelle en France un immigré, mais que l’on nomme expatrié lorsqu’il s’agit de Français à l’étranger ». Un exilé, en somme, statut partagé par tant d’autres et qu’il explore à sa façon dans Fajar ou l’odyssée de l’homme qui rêvait d’être poète, sa première création scénique, à découvrir du 28 février au 9 mars à la MC93 de Bobigny et en tournée dans toute la France.

 

Pour raconter le déracinement et l’arrivée dans un nouveau pays sans tout ramener à son expérience personnelle, Adama Diop a construit, durant plusieurs mois, un spectacle hybride qui entremêle vidéo, musique live, poésie, conte et dialogues. Il retrace l’histoire de Malal (qu’il incarne), dont la terre d’origine n’est pas plus précisée que son pays d’accueil – simplement sait-on qu’il effectue une « traversée ».

En français et en wolof

Au fil de la représentation, en français et en wolof, le spectateur croisera les parents ou la femme de Malal, représentés à l’écran, mais aussi des figures nébuleuses réchappées de ses rêveries : Marianne, une allégorie de la liberté, ou « le vieil homme aveugle » qui lit l’avenir. « Comme si on était projeté dans le cerveau du héros », le récit avance par fragments. « Les “migrants”, comme on entend parfois à la télé, est une dénomination qui n’existe pas, souligne Adama Diop. Chacun a bien sûr une histoire à lui, mais je voulais que l’on s’attache à un humain qui partage avec d’autres humains le même parcours : on va dans le village voisin, puis dans le pays voisin, puis au bout du monde. »

 

 

En août 2020, désireux d’écouter des témoignages, il est parti sur l’île de Lesbos, en Grèce, dans le camp de Moria, un campement de plus de 20 000 réfugiés ouvert en 2013, dans lequel il a pu entrer sans difficultés et qui sera incendié peu de temps après sa visite. Des échanges avec des Afghans ou des Congolais, dont certains vivent là depuis parfois un an dans des conditions insalubres, il conservera « une atmosphère » qu’il tente de réinjecter dans des épisodes de l’écriture de sa pièce, et le souvenir de sons ou d’images qu’il convoque sur scène. « Le chant des grillons, le soleil couchant sur les larges étendues d’oliviers, et surtout les cris des enfants qui jouaient », décrit par exemple le conteur lors de la représentation de Fajar.

 

 

Lire aussi :Article réservé à nos abonnésLe comédien Adama Diop, l’Othello des temps nouveaux
 

Développée durant deux résidences artistiques, la création inclut finalement quatre écrans qui diffusent des extraits d’un film tourné au Sénégal en août 2023, un décor composé d’une table, un masque, une pirogue, un brasero… Aux « cordes vocales » du comédien se mêlent celles de trois musiciens, jouant de l’alto, du violoncelle et de la n’goni, une guitare malienne traditionnelle, alternant compositions contemporaines, morceaux traditionnels ouest-africains ou extraits de Rameau.

Antidote à la xénophobie

Après des mois d’écriture et des heures de répétition, Fajar a trouvé une forme finale de deux heures et quarante-cinq minutes auxquelles il s’agit de « se laisser aller », suggère l’acteur, auteur et metteur en scène. « Je le vois comme une invitation à déconstruire nos préjugés, à nous mettre face à nous-mêmes. Pour cela, il m’a fallu trouver la bonne distance, ne pas me laisser envahir par ma colère, exprimer ce qu’être exilé peut vouloir dire comme une odyssée universelle », souffle-t-il pudiquement, brandissant la poésie comme un antidote à la xénophobie.

 

Face au public, son héros clame ainsi : « Suspendus aux lèvres de mère Europe/Si elle daigne tourner son visage vers nous/Et nous regarder […] Nous sourire/Pour nous rendre la fierté qu’ils nous ont volée/Nous sourire/Pour oser ouvrir nos abîmes/Nos blessures béantes/Chimères hurlantes/Nous sourire/Pour tout sublimer. »

 

 

Fajar ou l’odyssée de l’homme qui rêvait d’être poète, d’Adama Diop, à la MC93 de Bobigny, du 28 février au 9 mars. Puis en tournée à Grenoble, Dijon, Valence, Strasbourg, Évry, Tourcoing, Malakoff et Antony. Le texte de la pièce est chez  Actes Sud (80 p., 13 €).

 

 

Valentin Pérez / LE MONDE 

 

Légende photo : Adama Diop dans « Fajar ou l’odyssée de l’homme qui rêvait d’être poète », au MC93, à Bobigny (Seine-Saint-Denis). SIMON GOSSELIN

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« On m’a proposé des rôles en échange de faveurs » : le comédien Aurélien Wiik lance un #MeToogarçons - Le Parisien

« On m’a proposé des rôles en échange de faveurs » : le comédien Aurélien Wiik lance un #MeToogarçons - Le Parisien | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Emeline Collet dans Le Parisien le 22 février 2024

 

Sur Instagram, l’acteur vu dans « Munch » révèle avoir été abusé, de ses 11 ans à ses 15 ans, par son agent et d’autres membres de son entourage. Il encourage toutes les victimes à parler afin d’envoyer les coupables en prison.

Un visage d’enfant illustre la publication d’Aurélien Wiik, qui révèle ce jeudi 22 février avoir été abusé par son agent et d’autres membres de son entourage, entre ses 11 et ses 15 ans. Sur Instagram, le comédien, aujourd’hui âgé de 43 ans et connu notamment pour son rôle de détective privé dans la série «Munch», diffusée sur TF1 depuis 2016, encourage toutes les victimes à porter plainte, comme il l’a fait à 16 ans, car son agresseur « le faisait à d’autres ». Ce dernier a été condamné, explique-t-il. « On était plusieurs gamins au procès. Il a pris cinq ans. C’est possible.»

Alors que les accusations de violences sexuelles se multiplient dans le monde du cinéma, l’acteur, qui a joué dans la saga de France 2 « Tout cela je te le donnerai », met également en cause des « producteurs et réalisateurs », parle d’« agressions, harcèlements, tentatives de viol ».



Il évoque aussi du « chantage contre des rôles (qu’il n’a) pas eu du coup », dénonce des « dîners piégés organisés par des vieux avec plusieurs mineurs ». « Jusqu’à 25 ans, on m’a proposé des rôles en échange de faveurs. On a tenté de me droguer souvent. »

« Les garçons du cinéma se réveillent »


« Tremblez, votre tour viendra. Vous savez qui vous êtes. Les garçons du cinéma se réveillent », met-il en garde, encourageant l’émergence d’un #Metoogarçons. « La douleur est plus dure que la honte », assure encore Aurélien Wiik. Qui poursuit : « Le procès et la reconnaissance du statut de victime est importante. Ça aide à se reconstruire. »

Joint par téléphone, le comédien qui a commencé sa carrière au cinéma dans « Cache cash » de Claude Pinoteau, à l’âge de 12 ans, explique : « Je me suis exprimé sur les réseaux pour encourager les autres à signaler leurs histoires ». Il dit attendre d’avoir rassemblé d’autres témoignages avant de prendre plus amplement la parole.

 

Emeline Collet / Le Parisien

 

Voir tous les articles de la Revue de presse théâtre associés au mot-clé "#MeToo Théâtre et cinéma"

Légende photo : «Je me suis exprimé sur les réseaux pour encourager les autres à signaler leurs histoires», explique Aurélien Wiik (ici en 2014 au festival de Cannes). Il a lui-même porté plainte à 16 ans et son agresseur a été condamné. AFP/Loïc Venance

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«Tenir debout» de Suzanne de Baecque, miss en scène 

«Tenir debout» de Suzanne de Baecque, miss en scène  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Anne Diatkine dans Libération - 1er mars 2024

 

Au T2G de Gennevilliers, l’actrice reprend son réjouissant spectacle autobiographique mais pas égocentré qu’elle a écrit après s’être inscrite à un concours de beauté.

 

Quelle est la meilleure manière de connaître une région quand, par bonheur ou malheur, l’un de ses parents a décidé de passer le plus clair de son temps sur une terre dont on ignore tout ? Est-il possible de passer un concours sans être happé(e) par l’esprit de compétition et être terriblement déçu(e) de ne pas être lauréat(e) ? Peut-on échapper au mépris de classe, que l’on appartienne à celle qui méprise ou à celle des méprisés ? Est-ce plus difficile d’être Miss Poitou-Charentes, de réussir une épreuve de salade de betteraves crues épluchage compris, ou d’être prise dans une école de théâtre réputée ? Les jeunes premières existent-elles encore aujourd’hui et sont-elles soumises à des canons esthétiques aussi étranges et intransigeants qu’il y a vingt ans ?

 

 

C’est avec cette farandole de questionnements, exprimés ou non sur le plateau, que Suzanne de Baecque, aujourd’hui 28 ans, a décidé de se lancer dans un concours de miss, autant pour concevoir un spectacle, Tenir debout, qui se rejoue jusqu’au 4 mars au T2G à Gennevilliers, que pour comprendre les aspirations de jeunes femmes de sa génération qu’elle n’aurait jamais rencontrées autrement. Elle est alors étudiante à l’Epsad à Lille, rattachée au théâtre du Nord, à l’époque dirigé par Christophe Rauck. On est en plein confinement, c’est sa dernière année, et l’école propose aux élèves de partir quelques jours ou semaines, sans portable, sans ordinateur, sur un territoire dont ils ignorent tout, afin de le découvrir à l’œil nu, et de restituer ensuite cette expérience dans l’ébauche d’un spectacle. Certes, le Poitou n’est pas la Toundra ni même l’Amazonie, mais il suffit d’oublier une demi-journée son portable pour éprouver une sensation de manque ou d’incomplétude…

 

«Les cinéastes nous barbent un peu à propos de la jeune fille»

 

Comme Suzanne de Baecque le raconte au début de son spectacle, c’est curieusement son beau-père qui lui suggère, «pour rire», de postuler pour le concours de Miss Poitou-Charentes, pendant des courses au Super U de Lencloître. «Tiens, si tu n’as pas tes concours de théâtre, peut-être que tu pourrais t’inscrire à Miss Poitou ?» La jeune fille, qui passe sa vie à être «archi-recalée» et se demande bien comment quitter cette spirale, ne rit pas de la blague, et reste interdite… «Y a eu un blanc. J’avais pas très bien compris la question. Et je trouvais que c’était une phrase méprisante pour tout le monde. Pour les actrices qui n’ont pas demandé à être des vitrines et pour les miss qui n’ont pas besoin de ce mépris de classe permanent. Et après je me suis demandé pourquoi moi, j’avais trouvé cette phrase méprisante. Enfin bref… Grâce à lui, j’avais trouvé mon projet : j’allais m’inscrire à l’élection de Miss Poitou-Charentes en tant qu’actrice.»

 

Ce spectacle, autobiographique, a une particularité rare pour ce genre : il n’est pas égocentré. Car très vite, le regard de Suzanne de Baecque bascule sur les autres candidates – Chloé, Lolita, Océane, Kiara, Lauraline – mais aussi sur la super animatrice, Miss Aquitaine 2014, incarnée, ô bonheur, par Raphaëlle Rousseau, sans doute l’actrice la plus douée de sa génération (nous aussi, on a le sens de la compète) pour composer des personnages – on a gardé en mémoire sa métamorphose en Delphine Seyrig dans sa Discussion avec DS, autre spectacle de fin de cursus. Et donc ? Et donc, Suzanne de Baecque, qui vient d’un milieu d’universitaires pour lesquels l’échec a longtemps été une option inenvisageable, reçoit un mail le jour de son anniversaire, qui l’informe qu’elle n’est pas retenue pour le concours. Elle se surprend à être grandement déçue. «Car quand tu passes un concours, quel qu’il soit, tu veux l’avoir, t’es vraiment au max, le concours de miss n’était pas différent de tous les autres concours que j’ai passés», nous avait-elle dit, il y a deux ans, à Rennes, où elle était venue présenter son spectacle au festival du Théâtre national de Bretagne. On extirpe nos notes des entrailles de l’ordinateur. On y saisit au vol des phrases : «Autant y aller carrément sur les stéréotypes des jeunes filles. Les cinéastes nous barbent un peu à propos de la jeune fille. Ce ne sont pas vraiment les jeunes filles qui font des films sur les jeunes filles.» Ce qui n’est pas sans à propos avec les affaires qui remuent le monde du cinéma. Quand elle a conçu son spectacle, Suzanne de Baecque se questionnait sur son devenir d’actrice – puisque, selon les spécialistes unanimes et en surplomb, «je n’ai pas le physique pour… On me le disait carrément : “Toi, t’es plutôt emploi servante”». Ces spécialistes, professeurs, directeurs de casting, cinéastes, metteurs en scène : ont-ils encore un avenir ? Ou sont-ils obligés de se transformer au contact du réel ?

 

Des ailes et des prix

 

On la retrouve dans un café à Jourdain, peu de temps avant ces ultimes représentations en région parisienne. «Ce qui me touche le plus dans la parole de Judith Godrèche est qu’on la voit avancer en marchant, se déprendre publiquement. Ça a lieu au présent. Elle remet en question tout un imaginaire de la jeune fille un peu sexualisée, naturelle, insolente, et qu’on mette fin à cet imaginaire nous fait à tous un bien fou.» Elle le constate sans aucun dépit et avec une pointe d’interrogation : comment rester au bord du système, tout en plongeant dedans ? Est-ce seulement possible ? Concevoir son propre spectacle, et le travail qu’elle poursuit avec Alain Françon – entamé avec la Seconde Surprise de l’amour en 2021 – lui a donné des ailes et des prix, d’autant que le compagnonnage est de longue durée : elle était aussi distribuée dans Un chapeau de paille d’Italie.

 

Le trac monte. Au T2G et pour la première fois, les protagonistes de Tenir debout seront en chair et en os dans la salle. Leur vie a changé comme la sienne. «Qu’est-ce que c’est que d’incarner la parole de personnes qui existent pour de vrai et qui ont mon âge ?» Depuis leurs premières rencontres, Suzanne de Baecque a joué avec Johnny Depp dans Jeanne du Barry. Et tiens, les temps changent : elle sera une bimbo dans le prochain film des frères Larrieu. «Eux, je les adore !»

 

Tenir debout de et par Suzanne de Baecque au T2G à Gennevilliers (Hauts-de-Seine) jusqu’au 4 mars.

 
Légende photo :  Suzanne de Baecque dans «Tenir debout» en septembre 2022. (Jean-Louis Fernandez)
 
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Au Sénat, Judith Godrèche demande le retrait du président du CNC, qui va être jugé pour « agression sexuelle »

Au Sénat, Judith Godrèche demande le retrait du président du CNC, qui va être jugé pour « agression sexuelle » | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par  Marine Turchi dans Mediapart - 29 février 2024

 

Auditionnée jeudi, l’actrice et réalisatrice a réclamé une commission d’enquête sur les violences sexuelles et sexistes dans le cinéma, mais aussi le retrait de Dominique Boutonnat, qui doit être jugé pour « agression sexuelle » sur son filleul.

 

« Comme vous pouvez le voir, je n’ai pas grand-chose à perdre. »  Auditionnée jeudi 29 février par la délégation des droits des femmes du Sénat, Judith Godrèche a usé de la tribune qui lui était à nouveau donnée pour livrer un discours coup de poing et des propositions pour lutter contre les violences sexuelles dans le monde du cinéma.

 

 

Près d’une semaine après avoir confronté cette industrie à son silence face aux violences sexuelles, lors de la cérémonie des César, l’actrice et réalisatrice a demandé l’ouverture d’une commission d’enquête sur les violences sexistes et sexuelles dans le milieu du cinéma, mais aussi le retrait du président du CNC (Centre national du cinéma), Dominique Boutonnat, qui doit être jugé prochainement pour « agression sexuelle » sur son filleul.

« Je vous parle ici mais je suis nombreuse, ou en tout cas soutenue », a-t-elle assuré. Devenue l’un des visages du mouvement #MeToo en France, et notamment de la lutte contre les violences sexuelles sur les enfants depuis qu’elle a porté plainte pour « viol sur mineure » contre les réalisateurs Benoît Jacquot et Jacques Doillon, Judith Godrèche a affirmé qu’elle s’exprimait forte des 4 500 témoignages reçus sur l’adresse mail qu’elle a créée à cet effet.

« Toutes ces femmes invisibles qui travaillent dans l’éducation, l’édition, les hôpitaux, toutes ces femmes qui m’écrivent et qui se posent la question de savoir si tous ces coups que je donne sur la porte vont finir par la faire céder », a-t-elle déclaré. « À travers l’incarnation du “je”, je leur donne la possibilité du “nous” », a-t-elle ajouté.

 

 

L’actrice a aussi évoqué ses nombreux échanges « avec des productrices, des sociologues, des juges, des activistes, des jeunes femmes qui s’intéressent à la société et au monde, des avocates, des journalistes ». Parmi eux, le juge Édouard Durand, ancien dirigeant de la Ciivise (commission indépendante sur l’inceste et les violences sexuelles faites aux enfants), auquel elle a rendu un vibrant hommage, critiquant « cette décision de [le] retirer à la tête de la Ciivise pour la laisser choir sur le sable, mort-née ».

 

En brandissant le silence du monde du cinéma, elle espère montrer qu’il est « le reflet de notre société »« Cette famille incestueuse n’est que le reflet de toutes ces familles et de tous ces témoignages que je reçois », a-t-elle insisté, expliquant qu’aujourd’hui, la société française était « systématiquement organisée autour de l’écrasement de la parole ».

 

 

Durant cette audition de deux heures, Judith Godrèche a fait une série de propositions concrètes. Outre la création d’« une commission d’enquête contre les violences sexuelles et sexistes dans le milieu du cinéma », elle demande d’« imposer un référent neutre » auprès des mineur·es sur les tournages, qui soit « formé », et « pas payé par la production », afin « qu’un enfant ne soit jamais laissé seul sur un tournage » et qu’il ait « sa personne » à lui, un « représentant », un « médiateur ».

 

Elle réclame aussi la présence, sur les plateaux, d’un « coach intimité pour les scènes qui impliquent de l’intimité, de la sexualité », et d’un « un coach de jeu »« car, oui, ça fait peur de se retrouver dans des scènes face un adulte qui vous crie dessus », a-t-elle cité en exemple. Enfin, elle souhaite la mise en place d’un « système de contrôle plus efficace et un suivi par la Ddass », qui, une fois l’autorisation accordée pour que l’enfant de moins de 16 ans participe à un tournage, devrait se rendre sur le plateau pour s’assurer des conditions dudit tournage.

L’actrice demande le retrait du président du CNC

Mais, durant son audition, l’actrice s’est longuement arrêtée sur un point précis : le maintien de Dominique Boutonnat à la tête du CNC, malgré son renvoi devant le tribunal correctionnel pour « agression sexuelle » sur son filleul de 20 ans – des accusations qu’il conteste.

 

Loin d’être suspendu, ce proche d’Emmanuel Macron (il fut un grand donateur de sa campagne présidentielle 2017) avait même été nommé, trois semaines après l’annonce de son renvoi, au conseil d’administration de France Télévisions, en tant que représentant de l’État. Ce qui avait provoqué l’indignation des syndicats de l’audiovisuel public.

 

Jeudi, Judith Godrèche a exhumé une lettre adressée en 2021 à Emmanuel Macron par plusieurs syndicats et collectifs de la profession, qui demandait « une gouvernance refondée et relégitimée à la tête du CNC », et donc « la mise en retrait temporaire du président du CNC suite à sa récente mise en examen ».

 

 

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« Sans remettre en question le principe fondamental de la présomption d’innocence, ni la qualité du travail effectué avec Dominique Boutonnat depuis sa nomination, sa mise en examen va interférer dans les nombreux et importants chantiers sur lesquels nous travaillons actuellement avec le CNC », insistait ce courrier.

Cette mise en retrait était réclamée conformément à la règle imposée initialement au gouvernement par le chef de l’État, mais aussi au principe « prôné par le CNC dans le cadre de la formation obligatoire des professionnels bénéficiant d’aides pour prévenir les violences sexistes et sexuelles ».

 

« [Le CNC est] une institution dans laquelle se rendent les producteurs, tout en rigolant parce qu’ils se disent : “C’est drôle, je vais aller faire une formation sur les violences sexuelles et sexistes à l’intérieur d’une institution dont le président est lui-même accusé de violences sexuelles…” C’est quoi cette blague ? », a ironisé Judith Godrèche, réclamant elle aussi le « retrait de Dominique Boutonnat »

« Cette bataille est politique »

L’actrice et réalisatrice a longuement expliqué que pour « pour que la parole des autres [les témoins – ndlr] se libère, il [fallait] qu’ils soient eux aussi protégés », qu’ils soient certains de ne « pas perdre leur travail »« C’est une industrie dans laquelle on efface les gens [qui parlent], on les écarte », a-t-elle souligné, expliquant qu’une personne victime ou témoin de violences sexuelles et sexistes sur un tournage ne savait pas, aujourd’hui, vers qui se tourner et que les « témoins sont eux-mêmes en danger » s’ils sonnent l’alerte, car ils ont besoin « de continuer de travailler » pour gagner leur vie. Notamment parce que les référents harcèlement existant sur certains tournages sont le plus souvent des personnes liées à la production.

 

« Le cinéma, c’est quand même un petit milieu, et si ce milieu tout entier ne décide pas qu’il faut justement, dès que quelqu’un signale quelque chose, donner la place, écouter et dire : “Je te crois, je t’entends et je ne vais pas d’évincer, je ne vais pas te demander de te taire pour faciliter la bonne continuation de ce tournage”, c’est normal que le jeune acteur, le technicien, le perchman, ou le monsieur qui travaille à la cantine, se dise : “Qu’est-ce que je fais si on me vire ? [...] Si je suis blacklisté, qu’est-ce que je fais ?” »

 

Elle raconte avoir elle-même, malgré ses « privilèges » et son « statut », eu peur que sa série (Icon of French Cinema), qui relate son histoire, ne soit, en France, « mise dans un tiroir »« annulée » car perçue « comme une série #MeToo » et « un règlement de comptes »« J’avais peur de m’inscrire dans un mouvement #MeToo dont, aux États-Unis, nous n’avions pas honte quand j’y vivais, mais en France, c’était très très mal vu, parce que ça vient avec le wokisme, parce que les militantes sont des hystériques », a-t-elle expliqué. « Alors imaginez ce que peut penser une jeune actrice, un technicien, une femme qui travaille dans une industrie dont elle n’est pas le CEO », a-t-elle ajouté.

 

Aujourd’hui, elle assume une parole « politique »« Non pas parce que je m’associe à un parti politique ou que je vais être récupérée par un parti politique, mais parce que cette bataille est politique, parce que mon militantisme [...] est politique, parce qu’aujourd’hui, avec de la pédagogie, on n’obtient rien. Avec des lettres polies, bien écrites, et signées par un groupe de gens importants, ils n’ont rien obtenu. »

 

 

Dans cette « bataille politique », Judith Godrèche s’est décrite comme un simple « écho »« un yoyo qui clignote », et a rendu hommage à certaines de celles qui, avant elle, ont tenté de briser l’omerta : « Camille Kouchner, Adèle Haenel, Hélène Devynck, Vanessa Springora, pour ne citer qu’elles, “tout le monde savait”[...] Combien de petites filles, de petits garçons, combien de petits pieds dans la porte seront nécessaires avant que cette société réagisse pour toujours ? Afin que nous puissions jouer les rôles de notre vie sans nous faire voler notre enfance, abuser, frapper. Sans que nous soyons réduites à un pâle souvenir, l’image douloureuse d’une jeune femme en robe noire pailletée, qui ressort aujourd’hui dans la presse, sur Internet. Elle est assise sur un canapé, un verre à la main. Adèle, où es-tu ? Adèle, quel aurait été ton destin si ce soir-là, la salle des César avait été peuplée de juges Durand ? »

 

 

Légende photo : Judith Godrèche lors de son audition par la délégation des droits des femmes du Sénat, le 29 février 2024. © Capture d’écran Public Sénat
 
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Mathieu Touzé met en scène Les Bonnes de Jean Genet

Mathieu Touzé met en scène Les Bonnes de Jean Genet | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Vincent Bouquet dans Sceneweb - 28 février 2024

 

 

Le co-directeur du Théâtre 14 pousse les feux du huis-clos carcéral de Jean Genet où, pour s’extirper de la chape de plomb sociale sous laquelle elles croupissent, Claire et Solange explosent les frontières du réel.

 

Dans le parcours de Mathieu Touzé, Les Bonnes revêt une dimension particulière. Jusqu’ici, le jeune metteur en scène et co-directeur du Théâtre 14 s’était exclusivement emparé de textes ultra-contemporains. De Fabrice Melquiot (Autour de ma pierre, il ne fera pas nuit) à Olivia Rosenthal (Que font les rennes après Noël ?On n’est pas là pour disparaître), en passant par Philippe Besson (Un Garçon d’Italie) et Pascal Rambert (LAC), il semblait cultiver un goût pour les autrices et les auteurs vivants, y compris lorsqu’ils appartiennent à la sphère romanesque. Avec ce qui reste, sans doute, comme la plus célèbre des pièces de Jean Genet, l’artiste paraît donc sortir de sa zone de confort, faire un pas de côté pour tenter de franchir une nouvelle étape et célébrer à sa manière ses dix ans de carrière. Symbolique, ce cap n’en est pas moins périlleux ; d’autant que, sous ses airs de ne pas y toucher, Les Bonnes est une oeuvre retorse, fourbe et piégeuse, sur laquelle, comme Katie Mitchell l’a, à son corps défendant, récemment prouvé, il est aisé de se casser les dents. 

 

Heureusement pour lui, Mathieu Touzé a, au contraire, su en détecter les récifs et en apprivoiser les courants pour conduire Claire, Solange et Madame sur des rivages où la frontière entre dure réalité et bouffées délirantes serait plus poreuse que jamais.

Car, à leur manière, Claire et Solange incarnent, d’entrée de jeu et à elles deux, un dégradé de méchanceté. Domestiques au service de Madame, une très grande bourgeoise aux habits clinquants et aux manières détestables, ces deux soeurs passent moins de temps à dépoussiérer le mobilier qu’à singer la maîtresse des lieux qui, à travers leurs regards et selon leurs dires, passe pour la pire des garces tyranniques. À bien les observer, on comprend vite que le jeu de rôles auquel elles s’adonnent – l’une incarne Madame pendant que l’autre entre dans la peau de sa soeur – s’inverse à qui mieux mieux, qu’elles réalisent grâce à lui leur pulsion inassouvie : tuer Madame, qu’elles ne peuvent plus voir en peinture, ce qui leur permettrait d’empocher, dans la foulée, l’héritage qui, en pareil cas, leur est promis. Passant des paroles aux actes, les bonnes ont déjà mis une partie de leur plan à exécution : encouragée par sa soeur, Claire a écrit à la police une lettre de dénonciation pour mettre l’amant de Madame, qu’elles appellent Monsieur, derrière les barreaux. Alors qu’elles comptent poursuivre sur leur lancée et assassiner leur maîtresse en glissant dix cachets de Gardénal dans son tilleul, Claire et Solange sont prises de panique. Remis en liberté conditionnelle par le juge, Monsieur vient de les appeler et leur demande de faire savoir à Madame qu’il l’attend au Bilboquet, tandis que cette dernière ne tarde pas à faire son entrée.

 

 

Comme souvent chez Jean Genet (Splendid’sHaute surveillance), Les Bonnes constitue un huis-clos, dont Mathieu Touzé, avec un immense respect pour l’oeuvre et sans renverser la table, a décidé de pousser les feux. Sous sa houlette, la maison de Madame prend des airs de cage de verre où l’enfermement et ses conséquences se font clairement sentir sur ses occupantes. Bel et bien au bord de la folie, ses Claire et Solange ne sont pas victimes d’une pathologie dure, mais plutôt d’un soupçon de paranoïa, d’un éloignement progressif de la réalité et d’un délire qui leur permet d’élucubrer un nombre colossal d’histoires. Ses bonnes ont alors tantôt l’allure de petites filles complices et apeurées, qui craindraient avant toute chose de se faire réprimander, tantôt celle de monstres en puissance, et en sommeil, prêts à bondir sur la première cible venue et à tout réduire en cendres – « Après, j’aurais mis le feu », s’emporte d’ailleurs Solange. Machiavel à leur échelle, elles paraissent étouffer dans leur prison dorée, où elles sont pieds et poings liés, où leurs moindres faits et gestes sont épiés – « Je vois une foule de traces que je ne pourrai jamais effacer. Et elle, elle se promène au milieu de cela qu’elle apprivoise », s’alarme Claire à propos du retour de sa maîtresse –, et sous cette chape de plomb sociale où le regard et l’attitude de Madame les cloîtrent, et dont elles tentent de s’extirper grâce à leurs pensées macabres.

 

 

Si la mise en scène de Mathieu Touzé souffre d’une entrée en matière et d’un intermède musical, prélude à l’entrée de Madame, qui mériteraient, à tout le moins, d’être resserrés, ce parti-pris est servi par deux comédiennes, Elizabeth Mazev et Stéphanie Pasquet, qui confèrent aux bonnes leurs multiples facettes. L’une comme l’autre, et chacune à leur endroit, elles manient les nuances et les variations imposées par Genet et révèlent cette fluidité comportementale qui rend Claire et Solange si insaisissables, jusqu’à conduire à l’épuisement de leur propre catharsis théâtrale. Surtout, ce pas de deux profite de la présence de Yuming Hey, exquis, diabolique et magnétique dans la peau de Madame. Perché sur des talons aiguilles, fardé jusqu’aux ongles, débordant de bijoux, le comédien s’en donne à coeur joie et prend un plaisir visible à incarner ce rôle à qui il donne tout son relief. Devenue une créature archétypale, sa Madame adopte un comportement à ce point excessif qu’il devient permis de douter de son existence. Et si, en définitive, la maîtresse n’était que la projection imaginée par ses deux servantes, prises dans le jeu du théâtre ou perdues dans leur folie ? Les paris sont ouverts.

 

 

Vincent Bouquet – www.sceneweb.fr

Les Bonnes
de Jean Genet
Mise en scène Mathieu Touzé
Avec Yuming Hey, Elizabeth Mazev, Stéphanie Pasquet, Thomas Dutay
Eclairagiste Renaud Lagier
Scénographie, chorégraphie et costumes Mathieu Touzé
Régisseur général Jean-Marc L’Hostis
Régie Stéphane Fritsch
Assistante à la mise en scène Hélène Thil

Production Collectif Rêve Concret
Coproduction Théâtre 14 ; Théâtre de Sartrouville et des Yvelines – CDN ; Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine ; Théâtre de la Manufacture – CDN Nancy Lorraine ; CDN de Normandie-Rouen
Avec le soutien de la Comédie-Française pour le prêt des costumes
Action financée par la Région Île-de-France

Durée : 1h35

Théâtre 14, Paris
du 27 février au 23 mars 2024

Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine
du 9 au 12 avril

Théâtre de la Manufacture – CDN de Nancy Lorraine
du 14 au 16 mai

La Maison/Nevers, Scène conventionnée Art en territoire
le 30 mai

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Des « Bonnes » incandescentes au Théâtre 14

Des « Bonnes » incandescentes au Théâtre 14 | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Philippe Chevilley dans les Echos - 28 février 2024

 

S'appuyant sur un trio de comédien(ne)s de haut vol, Mathieu Touzé porte à ébullition la pièce inclassable de Jean Genet, en explorant tous ses possibles : de la satire sociale, à la farce queer, puis au drame existentiel.

 

Ces « Bonnes » de Jean Genet revisitées par Mathieu Touzé nous en auront fait voir de toutes les couleurs. Comme toutes les pièces de l'écrivain poète, cette courte comédie de 1947 détourne les codes du théâtre, refuse la loi des genres, attaque la morale bourgeoise, provoque jusqu'au malaise… et n'entre dans aucune case. Le codirecteur du Théâtre 14 en explore avec brio tous les possibles dans une mise en scène fiévreuse variant les approches et les climats.

 

L'entrée en matière, muette, donne le ton : mélange de kitsch et de dépouillement, le décor s'anime d'une pâle lumière bleuâtre au son d'une musique électronique grinçante. L'appartement chic de Madame a des allures de caveau pop, bientôt peuplé de gerbes de fleurs. Puis un ange passe… le laitier nu, un amant de passage (Thomas Dutey)…

 

C'est dans cette atmosphère de huis clos surréel qu'entrent les bonnes, Claire (Elizabeth Mazev) et Solange (Stéphanie Pasquet). La première singe la maîtresse de maison, vêtue de ses atours ; l'autre joue son rôle de servante soumise. Leur jeu sadomaso est mécanique, survolté, comme dans une sitcom. Les deux soeurs qui ont comploté pour faire emprisonner Monsieur sont prêtes à porter l'estocade et à tuer Madame. Pour fêter ça, elles entonnent une chanson de Mylène Farmer rehaussée d'une « choré » millimétrée. Des spectateurs, déroutés, tapent dans leurs mains…

 
Maîtresse fantasmatique

Mais bientôt débarque Madame, campée par le jeune prodige Yuming Hey. Dans un mix de star de Hollywood et de drag-queen de boulevard, le comédien transformiste fait basculer la pièce dans un ailleurs burlesque et cruel. Changeant d'humeur et de robe quasiment à chaque réplique, il campe une maîtresse  fantasmatique et fatale, fantôme déchaîné de la bourgeoisie qui fait rire et trembler. Diva endeuillée puis bimbo triomphante quand elle apprend que son amant est sorti de prison, Madame s'échappe dans un froufrou d'étoffes et de strass, sans avoir bu la tisane mortelle qui lui était destinée.

 

 

Il revient alors aux bonnes anéanties de mener la tragédie à son terme et de s'entretuer. Les damnées de la terre n'ont pas leur place dans ce monde… Le changement de ton, de posture, d'apparence d'Elizabeth Mazev et de Stéphanie Pasquet est spectaculaire. Ce n'est plus une farce qu'elles jouent mais un drame, triste et profond. La cérémonie rebelle devient rite funèbre et la représentation s'achève brutalement dans le silence et le néant. Mathieu Touzé et ses trois comédien(ne)s fantastiques ont su secouer Genet comme il le fallait, pour mieux en faire ressortir la verve acide, l'humour queer et la révolte, désespérée.

 

 

Philippe Chevilley / Les Echos

LES BONNES

de Jean Genet.

Mise en scène de Mathieu Touzé.

Paris, Théâtre 14, jusqu'au 31 mars.

theatre14.fr

 

Légende photo : Madame (Yuming Hey) au milieu de ses bonnes, Claire (Stéphanie Pasquet, à droite) et Solange (Elizabeth Mazev, à gauche). (Christophe Raynaud de Lage)

 

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Adama Diop, comédien et metteur en scène : “Dans ma pièce ‘Fajar’, je réhumanise le mot migrant”

Adama Diop, comédien et metteur en scène : “Dans ma pièce ‘Fajar’, je réhumanise le mot migrant” | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Emmanuelle Bouchez dans Télérama le 28 février 2024

 

Cet immense comédien avait fasciné en Macbeth ou dans un “Othello” d’anthologie. Homme de transmission, il enseigne son art qu’il aime tant et dévoile aujourd’hui “Fajar”, sa toute première création, sur le sort des migrants. En tournée dès le 28 février.

 

Il porte ce jour-là un bonnet de coton blanc et grenat, élégamment assorti à son pull. « C’est un emprunt aux paysans du Sénégal, une touche d’Afrique pour me souvenir de là-bas, quand je vis et travaille ici », dit en souriant Adama Diop. À 43 ans, l’acteur a désormais passé autant de temps à Dakar et en France, où on l’a notamment remarqué au Festival d’Avignon. Dans 2666, pièce mise en scène en 2016 par Julien Gosselin d’après le roman-fleuve de Roberto Bolaño. Dans La Cerisaie, de Tchekhov, également, qu’a déployée Tiago Rodrigues dans l’immense Cour d’honneur du palais des Papes, en 2021.

 

 

Il fut tout aussi brillant dans son interprétation de deux monstres shakespeariens : Macbeth, dans la version de Stéphane Braunschweig en 2018, puis Othello dans la dernière mise en scène de Jean-François Sivadier l’an dernier. Car l’art d’Adama Diop, aussi juste dans la puissance que délicat dans la nuance, fascine le public autant que les metteurs en scène. Il ose tous les registres, capable de saisir chaque texte au plus intime.

Mais voilà qu’aujourd’hui l’acteur à la gourmandise inépuisable se fait aussi auteur et metteur en scène pour Fajar (« l’aube », en wolof), donnée à la MC93 de Bobigny, avant de tourner partout en France. Une aventure théâtrale qu’il souhaite hors norme. Un conte où il « explore » en débordant toutes les formes artistiques : film fleuve, mixage de sons enregistrés, musique jouée en direct et long poème, pour raconter la traversée du sud vers le nord du jeune -Malal. Un personnage qui se rêve d’abord en poète avant de devenir un Ulysse qui ne connaîtra pas de retour.

 

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Assis dans une salle du Théâtre national de Strasbourg (TNS), où il a répété son spectacle, Adama Diop pèse chacun de ses mots, refusant d’analyser à chaud le chaos politique qui frappe son pays d’origine, ou de disserter sur les raisons pour lesquelles de jeunes Dakarois embarquent sur de fragiles canots au risque de périr. « En révélant dans Fajar qui sont ces passagers, je réhumanise le mot « migrant ». Quand les Européens partent, ils sont désignés comme des « explorateurs » ou des « expatriés », termes qui flattent leur goût du déplacement. Quand mes compatriotes arrivent en France, ils ne sont, à l’inverse, que des « migrants ». Au-delà de la quête d’une vie meilleure, un jeune Africain doit être libre d’éprouver, comme tous les autres, le besoin de quitter le nid. Pour se trouver. L’aspiration au voyage initiatique est universelle. »

Des rôles emblématiques

Né dans une famille de la classe moyenne, Adama Diop a découvert le théâtre au lycée, puis à la fac, en parallèle d’un cursus d’anglais. Avant d’être retenu, à 19 ans, pour deux semaines de stage au Conservatoire régional de Montpellier, grâce à l’Institut français de Dakar. Une expérience déterminante : il revient rapidement à Montpellier, vivant trois ans durant de sa passion et de petits boulots, s’imprégnant des codes du théâtre à la française, où le texte prime, quand au Sénégal — terre de contes —, c’est l’adresse au public qui prévaut.

 

Jusqu’à ce que, en 2004, Stéphane Braunschweig (qui dirige le TNS) pose sur lui un regard décisif, encourageant l’apprenti comédien venu donner la réplique à une amie qui passait le concours d’entrée de la prestigieuse école de son théâtre strasbourgeois à faire de même. L’année suivante, à 24 ans, Adama Diop décroche le Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. Avec l’envie farouche d’« apprendre et désapprendre pour creuser l’interprétation, oser plonger sur scène et y traverser quelque chose ».

 

 

A-t-il fait autre chose depuis ? Jean-François Sivadier reste marqué par son interprétation du personnage de Lopakhine — un riche marchand arriviste qui parvient à racheter un domaine, au désespoir de sa propriétaire, Lioubov, aristocrate superbe et déchue incarnée par Isabelle Huppert — dans La Cerisaie, à Avignon. Dès ses premières répliques, Adama Diop y a, selon lui, rayonné, faisant preuve d’« une clarté impressionnante dans l’exposition du texte ». Le metteur en scène avait enfin trouvé « son » Othello ! Il lui propose aussitôt le rôle pour sa future mise en scène.

 

 

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Pour autant, Sivadier se souvient avec émotion des répétitions au cours desquelles « Adama confiait sans cesse combien il lui était difficile, en tant qu’acteur noir, d’encaisser le racisme sous-jacent de certaines répliques ». Comment l’a-t-il alors rendu si audible et si poignant, ce Maure de Venise, général brillant d’origine étrangère, amoureux et jaloux maladif qui, manipulé par son officier, finira par assassiner son épouse ? « Grâce à de pertinentes intuitions, poursuit Sivadier, comme celle d’imiter jusqu’à la caricature l’accent africain lorsqu’on l’accuse de sorcellerie. Avec une telle audace, il a réglé en trois secondes son compte au racisme. »

Transmettre son expérience

Le cliché de « l’acteur noir qui a réussi » irrite d’ailleurs Adama Diop : « Que l’on soit de Dijon ou de Dakar, seules importent l’expérience de la vie et son incidence éventuelle sur le jeu. » Amoureux des planches, l’artiste porte haut l’ambition du théâtre, « lieu de compréhension de faits douloureux »Fajar évoque ainsi notamment le plus grand camp grec de réfugiés, sur l’île de Lesbos. Mais le plateau est tout autant, pour lui, « un espace de réparation possible puisque, après la représentation, par la seule magie des corps sur scène, le spectateur peut rentrer chez lui purgé de ses passions ».

 

Il y a cinq ans, Adama Diop a commencé à enseigner son art. À la demande de sa directrice, Caroline Guiela Nguyen, il embarque désormais la nouvelle promo de l’école du TNS pour un atelier Shakespeare. Il dispense en outre, depuis septembre, une classe d’interprétation au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. Un bonheur pour lui qui « continue ainsi d’apprendre ». Aux étudiants du TNS, avec qui il défriche Roméo et Juliette, séduits par sa manière de déplier la langue, il lance modestement : « J’ai seulement plus d’expérience que vous ! », préférant les encourager à ressentir chaque mot comme s’ils les inventaient eux-mêmes, phrase après phrase.

Depuis deux ans, il se démène aussi, avec l’aide de la ville de Dakar et de l’Institut français, pour monter des ateliers nomades, des échanges qui auront lieu en France comme au Sénégal, à destination des jeunes générations de toute l’Afrique. Une nouvelle manière de transmettre ce qu’il a reçu. Avec enthousiasme.

 

Emmanuelle Bouchez / Télérama

 

Fajar ou l’Odyssée de l’homme qui rêvait être poète, du 28 février au 9 mars, MC93, Bobigny (93) ; 12 et 13 mars, Agora-Desnos, Ivry (91) ; 20 et 22 mars, Théâtre du Nord, Tourcoing (59) ; 27 et 28 mars, Théâtre 71, Malakoff (92) ; 4 avril, l’Azimut, Antony (92).
 
 
La pièce éditée chez Actes Sud-Papiers (2024), 80 p., 13 €.
 
Légende photo : Pour Adama Diop, le jeu, la création et la transmission sont indissociables. Photo Samuel Kirszenbaum/modds
 
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« Jusqu’où aller dans l’effacement des œuvres et des artistes au nom d’un juste combat contre les violences sexuelles ? »

« Jusqu’où aller dans l’effacement des œuvres et des artistes au nom d’un juste combat contre les violences sexuelles ? » | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Chronique de Michel Guerrin, rédacteur en chef au Monde -24 février 2024

 

Difficile de trouver une réponse nuancée alors que les cas de réalisateurs, d’acteurs ou de chanteurs mis en cause sont très différents, observe dans sa chronique, Michel Guerrin, rédacteur en chef au « Monde ».


Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/idees/article/2024/02/24/jusqu-ou-aller-dans-l-effacement-des-uvres-et-des-artistes-au-nom-d-un-juste-combat-contre-les-violences-sexuelles_6218336_3232.html

En une poignée d’années, le saut est vertigineux. Il n’y a plus grand monde pour dire qu’il faut dissocier l’homme de l’artiste. Plus grand monde pour invoquer la présomption d’innocence. L’artiste accusé de violences sexuelles n’est plus un artiste. Il est réduit au silence, effacé. Trop lente, impuissante face aux preuves évanouies, la case procès est également rayée. Le soupçon vaut culpabilité. Les rares voix discordantes sont inaudibles. Wajdi Mouawad, directeur du Théâtre de la Colline, à Paris, qui, en 2021, disait refuser de se substituer à la justice pour justifier la présence discrète du chanteur Bertrand Cantat dans un spectacle, est traité d’horrible sexiste.

 

 

Les temps changent et les Français suivent. Selon un sondage OpinionWay, publié dans La Tribune du 18 février, une personne sur deux estime qu’un cinéaste ou acteur mis en cause pour agression sexuelle doit être « interdit de travailler avant d’être jugé et condamné ». Et 67 % considèrent comme plutôt « un progrès » qu’une « personnalité publique » ne retrouve pas son métier après avoir purgé sa peine. Les plus jeunes sont les plus intransigeants.

Ce sondage révèle une alliance de circonstance entre une jeunesse progressiste, portée par la vague #metoo, qui lutte contre les conservatismes dans l’art, et une opinion très droitière, gourmande de voir tomber des figures de l’élite culturelle de gauche. Du reste, dans le même sondage, Marine Le Pen est considérée comme la responsable politique défendant le mieux les femmes.

Lenteur judiciaire

Les Césars, dont la cérémonie a lieu vendredi 23 février à l’Olympia, sautent aussi la case justice en imposant cette année la « non-mise en lumière » de figures du cinéma en attente d’un jugement. Et puis à quoi sert la justice si une plainte classée sans suite (le metteur en scène de théâtre Jean-Pierre Baro) ou une peine purgée (Bertrand Cantat) ne font pas sortir du purgatoire ? Seuls le temps étiré ou la mort favorisent un retour. Et encore. Il sera périlleux de monter une exposition des œuvres de Gauguin, indésirable pour avoir eu des relations sexuelles avec de toutes jeunes Tahitiennes.

 

Pour compenser la lenteur judiciaire, certains ont pensé à un ordre des artistes sur le modèle de celui des médecins – il n’est plus à l’ordre du jour. La sanction naît alors de l’action d’une multitude d’agents d’influence aux intérêts divers : victimes, médias, militantes, réseaux sociaux, corps intermédiaires (producteurs, patrons de lieux culturels), figures culturelles, ministère de la culture, public…

 

Plusieurs critères jouent dans l’intensité de l’effacement d’un artiste : le nombre et la nature des accusations, sa notoriété et celle des victimes supposées, l’émotion suscitée. Sans compter une part irrationnelle, notamment dans le décalage entre un cinéma sous le feu des « affaires », et les autres disciplines, comme le rap et les arts plastiques, plutôt épargnés alors qu’elles sont riches en « monstres sacrés » comme on dit.

Difficile de trouver une réponse nuancée

Avec la justice en sourdine, une question qui générait moult débats il y a dix ans se trouve escamotée : jusqu’où aller dans l’effacement des œuvres et des artistes au nom d’un juste combat contre les violences sexuelles ? L’actrice Emmanuelle Devos a eu le mérite de la sincérité, sur Arte le 8 janvier : « Bien sûr qu’il y a des têtes qui vont tomber et qui n’auraient peut-être pas dû tomber, mais c’est ça les révolutions. » Ce qui lui a valu cette réponse de l’avocate Marie Dosé, défenseuse de proscrits (Jacques Doillon, Frédéric Beigbeder, Philippe Caubère mais pas Gérard Depardieu, qu’elle a refusé), le 14 février dans Libération : « J’ai adoré la vague #metoo. (…) Mais #balancetonporc, c’est le début de l’arbitraire. Cette révolution qui n’a aucun scrupule à couper des têtes m’effraie. »

Il est en effet difficile de trouver une réponse nuancée alors que les cas de créateurs mis en cause sont très différents. Faut-il déjà empêcher la sortie en salles de Belle, de Benoît Jacquot et de CE2, de Jacques Doillon (le 27 mars), au risque de pénaliser toute une équipe ? En fait ces films sont déjà plombés. Le cas Polanski le montre. Son J’accuse (2019) a totalisé 1,5 million d’entrées en France et autant à l’étranger avant de recevoir trois Césars. Le cinéaste était pourtant déjà dans la tourmente. Mais nous étions en 2020, soit une époque fort lointaine. Son dernier film, The Palace, dévoilé à Venise en septembre 2023, où il s’est fait démolir, n’a pas trouvé de distributeur en France.

 

 

 

Peut-on encore dire, comme l’Observatoire de la liberté de création, qu’une œuvre peut être montrée à partir du moment où son contenu n’est en rien dommageable pour les victimes présumées ? Et que leur présentation publique soit encadrée par un travail critique, comme le suggère la sociologue Gisèle Sapiro dans son essai Peut-on dissocier l’œuvre de l’auteur ? (Seuil, 2020). Ensuite laissons le public décider de voir ou pas Polanski, Doillon, Jacquot, Woody Allen ou Depardieu.

Du sexe contraint

La question vaut aussi pour le devenir patrimonial de ces noms. La rétrospective Polanski, en 2017 à la Cinémathèque, semble impossible aujourd’hui car un tel événement, dans une institution publique, vaut célébration. Ecarter un film du petit écran est plus contestable. Début février, Paris Première a déprogrammé Les Valseuses. France Télévisions entend faire une « pause » concernant Depardieu. En janvier, le Festival de Gérardmer (Vosges), a dû retirer, dans le cadre de la rétrospective « vampires », Le Bal des vampires (1967), de Polanski.

 

 

 

Il serait plus utile de placer cette énergie visant à purifier la création passée dans deux combats du présent. D’abord celui de la parité derrière la caméra, centrale pour sortir de récits standardisés de domination ou de fantasmes. Le second est à lire dans Libération du 6 février. Les actrices Alice de Lencquesaing, Clotilde Hesme et Ariane Labed racontent comment tant de scénarios, à l’écriture floue, cachent une scène tournée devant toute une équipe qui s’apparente à du sexe contraint. Ce n’est plus une agression en marge du tournage mais comment le tournage devient agression. Edifiant.

 
 

Michel Guerrin (Rédacteur en chef au « Monde »)

 

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«Fajar», l’épopée poétique d’Adama Diop 

«Fajar», l’épopée poétique d’Adama Diop  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Laurent Goumarre dans Libération - 27 février 2024

 

Avec son premier texte pour la scène, le metteur en scène franco-sénégalais propose un spectacle fleuve, accompagné par la projection d’un film généreux mais maladroit, dans lequel il se fait conteur et slammeur.

 

Ecrire un grand récit, l’épopée d’un homme qui se rêve poète et qui, pour accéder à la vérité des mots, doit se donner les moyens d’éprouver la condition de celles et ceux dont il sera le «dis-leur»/dealer de mots, le «haut-parleur», c’est la noble et ambitieuse tâche que s’est donnée Adama Diop avec son spectacle fleuve, son premier texte pour la scène. Cet homme est Dakarois, son nom est Malal, il ne dort plus depuis l’assassinat de sa mère en 2018 – un vol de sac qui tourne mal –, père absent qui ne peut parler de ses sentiments, compagne mal-aimée – excellente Fatou Jupiter Touré –, Malal est cet étranger à lui-même, plein d’une colère qu’il ne comprend pas, hanté par des rêves de liberté qu’il n’ose pas. Il lui faudra quitter la ville, son pays et l’Afrique, traverser la Méditerranée, échouer dans un camp de réfugiés en Grèce, pour peut-être revenir à lui, renouer avec son histoire et se sentir enfin légitime à venger, en les proférant, les noms de celles et ceux tués sous les coups du racisme, de Martin Luther King à George Floyd…

Allégorie de la France

Pour éprouver son MalalAdama Diop s’est donné les moyens de sa quête : séjour dans le camp de Moria à Lesbos, écriture de son texte en wolof, sa langue natale, et en français, avec Aimé Césaire en exergue. Son spectacle, il l’a rêvé démesuré, grand comme ceux qu’il a traversés en acteur génial – chez Tiago Rodrigues, Frank Castorf, Julien Gosselin… – et radicalisé dans un geste de mise en scène : sur 2 heures 45 de spectacle, la projection d’un long film de plus de deux heures sur la scène du TNS de Strasbourg et dans quelques jours à la MC93.

 

 

Un film d’images d’abord. En noir et blanc pour des scènes de la vie quotidienne de Malal à Dakar, la violence urbaine, les difficultés domestiques avec Jupiter, une scène d’anniversaire avec des potes, et passages à la couleur quand il rêve d’une Circé à la blondeur tragique, Marianne – c’est Marie-Sophie Ferdane en allégorie de la France. Un long film de texte ensuite pour raconter la traversée, le camp en Grèce ; un film à lire sur écran noir, comme un nouveau récit de Théramène, quand les images font faillite et que les mots seuls prennent en charge l’horreur du récit.

 

Sentences et esprit de sérieux

 

Mais à la différence de Gosselin ou de Castorf, chez qui le film est contemporain de la pièce, le cinéma se tournant en direct avec des acteurs qui jouent à la fois devant la caméra et le public, Adama Diop lui a déjà tout tourné. Nous sommes alors les spectateurs d’un film généreux, mais maladroit, où l’acteur joue malheureusement théâtre, handicapé, il faut bien l’avouer, par un texte qui se rêve poème-litanie, mais enfile les sentences et cultive un esprit de sérieux qui culmine dans une séquence à la Bergman avec un Frédéric Leidgens caricatural en Tirésias sur son rocher balayé par les vagues.

 

Il y a des images mais pas de cinéma, il y a un texte, pas vraiment de langue. Reste la musique qui donne son véritable souffle à la pièce, jouée live avec trois excellents musiciens, Anne-Lise Binard, Léonore Védie et Dramane Dembélé qui fait littéralement parler ses flûtes mandingues. Rameau, Schubert, morceaux traditionnels, composition électro signée Chloé Thévenin, la musique troue la pièce en ramenant le regard sur le plateau, à la fois BO en direct du film et rare temps de performance pour Adama Diop qui n’est jamais aussi inspiré que quand il descend de son écran. C’est là que son spectacle prend toute sa dimension avec les deux personnages qu’il joue face public : d’abord le Malal d’avant l’Odyssée qui slame sa colère sans être encore à la hauteur de la violence dénoncée ; et en fin de parcours, ce conteur qui s’avance derrière son masque de comédie et fait résonner in extremis ce qu’aurait été la puissance de cette pièce qui rêvait d’être poétique.

 

Laurent Goumarre / Libération

 

Fajar ou l’Odyssée de l’homme qui rêvait d’être poète, mise en scène, texte et film d’Adama Diop

 

MC93 Bobigny, du 28 février au 9 mars

 

Scène nationale de l’Essonne, Evry 12-13 mars

 

Théâtre du Nord, CDN Tourcoing, 20-22 mars

 

Théâtre 71, Scène nationale de Malakoff, 27-28 mars

 

L’Azimut à Antony, 4 avril

 
 
 
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Plaintes contre Gérard Depardieu : où en sont les procédures judiciaires ? 

Plaintes contre Gérard Depardieu : où en sont les procédures judiciaires ?  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Mise à jour le 26 février 2024 de l'article publié par Lara Clerc le 21 décembre 2023 dans Libération

 

 

 Mises en examen, plaintes, enquêtes judiciaires et témoignages transmis à la justice… Depuis 2018, l’acteur, qui clame son innocence, est poursuivi pour plusieurs faits de violences sexuelles, dont des viols.

 

Alors que l’acteur de 75 ans continue de nier tout fait de violence envers les femmes, Gérard Depardieu fait pourtant l’objet de plusieurs procédures judiciaires. Mis en examen pour «viols» depuis le 16 décembre 2020, l’acteur a choqué par ses propos diffusés dans Complément d’enquête en décembre 2023, lançant un débat public sur sa figure de «monstre sacré», alimenté par les propos d’Emmanuel Macron, qui a dénoncé une «chasse à l’homme» contre Gérard Depardieu.

 

 

Février 2024 : une cinquième plainte pour «agression sexuelle, harcèlement sexuel et outrages sexistes»

 

Amélie, décoratrice de 53 ans, a porté plainte le vendredi 23 février pour des faits «d’agression sexuelle, harcèlement sexuel et outrages sexistes», qui auraient eu lieu sur le tournage du film Les volets verts, de Jean Becker en 2021. Sur le plateau, l’acteur aurait tenu des propos graveleux puis, plus tard, l’aurait «attrapée avec brutalité» et lui aurait «pétri la taille, le ventre, en remontant jusqu’à ses seins». Ce sont les gardes du corps du comédien qui auraient mis fin à la scène.

 

Une autre femme, Sarah, 33 ans, troisième assistante réalisatrice sur le film, accuse également Gérard Depardieu de lui avoir touché à deux reprises «la poitrine et les fesses» quelques jours auparavant, le 31 août 2021.

 

Janvier 2024 : une quatrième plainte pour «agression sexuelle»

 

 

Le 9 janvier 2024, une femme a déposé plainte dans un commissariat de Paris pour des faits d’«agression sexuelle sur une personne vulnérable par personne abusant de l’autorité de sa fonction» lors d’un tournage à Doué-en-Anjou (Maine-et-Loire) en mars 2014. Une enquête a été ouverte, a précisé le vendredi 16 février le parquet de Paris.

C’est sur le tournage du film de Jean-Pierre Mocky, Le Magicien et les Siamois, que la plaignante de 24 ans - qui souhaite rester anonyme - aurait été assistante. Elle mentionne «ses paluches partout sur [son] corps» et les «mots indécents» de l’acteur sur le plateau.

 

Décembre 2023 : une troisième plainte, pour «viol»

 

 

En Espagne cette fois. Ruth Baza, autrice et journaliste âgée aujourd’hui de 51 ans, décrit des faits survenus à Paris en 1995, lors d’une interview quand elle avait 23 ans et Depardieu 46 ans.

«Je ne pouvais pas bouger», raconte-t-elle. La police espagnole qualifie les faits de viol, ce qui est englobé dans le délit d’agression sexuelle dans le droit espagnol. Les faits étant prescrits, cette plainte a peu de chances d’aboutir.

 

Septembre 2023 : une deuxième plainte, pour «agression sexuelle», classée sans suite

 

 

L’actrice Hélène Darras porte plainte pour des faits d’«agression sexuelle» remontant à 2007. Elle a alors 26 ans quand elle rencontre Gérard Depardieu sur le plateau du film Disco, de Fabien OntenienteElle décrit qu’il lui aurait passé la main «sur [ses] hanches, sur [ses] fesses». Interrogé par Libération, le parquet explique alors que la plainte est «en cours d’analyse».

Le 22 janvier 2024, le parquet de Paris a annoncé que la plainte a été classée sans suites, les faits étant jugés prescrits. Hélène Darras en a été informée le 29 décembre.

 

Avril 2023 : des femmes apportent leurs témoignages à la justice

 

 

Mediapart publie une enquête recoupant treize témoignages qui dépeignent le «mode opératoire» de l’acteur. Une actrice qui aurait été agressée sur un plateau de tournage explique : «Il y avait tellement de témoins oculaires […] personne n’a rien dit.» Trois des victimes ont apporté leurs récits à la justice mais seule la comédienne Hélène Darras a porté plainte quelques mois plus tard.

 

Mars 2022 : refus de la demande en nullité de Gérard Depardieu

 

En mars 2022, la cour d’appel de Paris tranche en défaveur du comédien, qui contestait sa mise en examen dans l’affaire Charlotte Arnould et demandait sa nullité. Le tribunal confirme même la présence d’indices suffisants pour enquêter sur des faits de «viols» et d’«agressions sexuelles».

 

Août 2020 : ouverture d’une information judiciaire et mise en examen pour la même plainte

 

 

La comédienne Charlotte Arnould dépose une deuxième fois plainte en août 2020, se constituant partie civile cette fois, ce qui aboutit à l’ouverture d’une information judiciaire. L’enquête est confiée à un juge d’instruction, qui estime qu’il existe des indices «graves et concordants». Gérard Depardieu est donc mis en examen pour «viols» quatre mois plus tard, en décembre 2020Au micro de BFM TV le 23 mai 2023, elle évoquait qu’après les faits, elle se sentait «morte».

 

Août 2018 : une première plainte pour «viol» classée sans suite

 

Le 27 août 2018, la jeune comédienne Charlotte Arnould dépose plainte contre Gérard Depardieu dans les Bouches-du-Rhône. Elle raconte aux enquêteurs que le comédien l’a violée à deux reprises à six jours d’intervalle, les 7 et 13 août, dans son domicile parisien. L’actrice de 22 ans préservait alors son anonymat. Deux mois plus tard, en novembre 2018, l’interprète de Cyrano est entendu par la police judiciaire de Paris, sans être placé en garde à vue. En juin 2019, la plainte de Charlotte Arnould est classée sans suite, selon le parquet de Paris, car «les infractions n’ont pas pu être caractérisées».

 

Mise à jour le 26 février 2024, avec ajout d’une cinquième plainte pour «agression sexuelle» contre Gérard Depardieu.

 

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La mort de Nicole Zand, ancienne journaliste culturelle au « Monde »

La mort de Nicole Zand, ancienne journaliste culturelle au « Monde » | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Brigitte Salino dans Le Monde - 25 février 2024

 

Entrée au « Monde » en 1962, alors que la rédaction comptait encore bien peu de figures féminines, elle en était vite devenue une des grandes plumes. Nicole Zand est décédée vendredi 23 février, à Paris, à l’âge de 91 ans.

 


Lire l'article dans le site du "Monde 
https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2024/02/25/la-mort-de-nicole-zand-ancienne-journaliste-culturelle-au-monde_6218509_3382.html

Mercredi encore, Nicole Zand, qui est morte vendredi 23 février, à Paris, à l’âge de 91 ans, accueillait en souriant un cercle d’amis, dans la résidence pour personnes âgées où elle était entrée une semaine auparavant. Et aussitôt, elle demandait : « Comment va le journal ? Que lisez-vous ? »

 

 

Le Monde et les livres. Les deux piliers de sa vie, qui ont fait d’elle une critique passionnante et une figure de la rédaction du Monde. C’était la dernière des amazones, ces femmes qui ont été les premières à entrer dans une rédaction masculine, au service culture : Colette Godard, Claude Sarraute et Yvonne Baby, qui lui rendit un hommage magnifique dans son livre La vie retrouvée (éditions de L’Olivier, 1992). Elle les décrit l’une et l’autre, dans les bureaux de la fameuse rue des Italiens, travaillant « sur notre tapis volant de journaux ; de papiers, de feuilles, de dictionnaires, de livres – derrière les piles de Monde, derrière l’écouteur téléphonique, les rires de Nicole Zand se tapissent, s’aiguisent, jubilent, l’humour fauche ce qui dépasse, infatigable, dissuasif, les malices s’enroulent aux paroles, prolixes, rien n’est à la bonne taille pour ces yeux qui scrutent, devins ».

 

Jusqu’au bout, ces yeux ont scruté, devins. Des yeux en amande dans un visage slave : les parents de Nicole Zand, dont elle était la fille unique, étaient des juifs polonais. Son père Simon était né en France, sa mère y était arrivée, enfant. Elle en parlait peu, comme de sa vie, qu’elle gardait secrète. Il fallait comprendre, au détour d’une conversation, que pendant la seconde guerre mondiale, elle avait été cachée dans la Creuse, où Roland Copé, le père de Jean-François Copé, juif roumain, faisait faire du théâtre aux enfants.

La culture d’une époque

Après la Libération, Simon Zand développe ses activités dans la confection. Il voudrait que sa fille reprenne l’atelier qu’il a créé, Vestar, et qui livre des tissus à de grandes maisons, comme Lanvin. Mais Nicole veut faire des études. Il accepte qu’elle fasse HEC Jeunes filles (à l’époque, l’école n’est pas encore mixte), parce que c’est du commerce. Mais elle aspire à un autre savoir, une autre culture. Elle s’en donne les moyens, avec une détermination remarquable. Elle fait – en secret ! – Sciences Po et le Centre de formation des journalistes, où elle côtoie Bernard Pivot. Elle se lance dans le métier, travaille pour différents journaux. Puis, grâce à Louis Marcorelles et Claude Sarraute, elle entre au Monde.

 

Suivons ses premiers pas, témoins de la culture d’une époque, et du regard de Nicole. Le 6 août 1962, elle signe un papier sur Mourir pour Madrid, treize heures de projection sur la guerre civile en Espagne, du réalisateur Frédéric Rossif. Le 9, elle rend compte, en direct du festival de Sarlat, d’un Jules Cesar, de Shakespeare, où elle note… la présence d’écrans, et regrette une actualisation forcenée – signe qu’il y a guère de nouveau sous le soleil d’aujourd’hui.

 

Le 17, elle annonce la création du TEP (Théâtre de l’Est parisien), à Gambetta. Il est dirigé par Guy Rétoré, qui veut faire « de la décentralisation dans le XXe arrondissement », excentré dans la capitale, et prévoit que des « autocars iront chercher les spectateurs des XIe, XIIe ou XIXe arrondissement ». Ce « théâtre de quartier », qui formera plusieurs générations d’amoureux du théâtre, témoigne d’un Paris loin du nôtre, et du grand mouvement de la décentralisation théâtrale qui va irriguer la France, dans les années 1960-1970, et que Nicole suivra avec une attention édifiante.

 

On continue ? Nous voilà au Théâtre de la Huchette, le 21 août, pour fêter La Cantatrice chauve et La Leçon, d’Eugène Ionesco, qui n’ont pas quitté la petite salle du Quartier latin depuis 1955. Et qui, presque soixante-dix ans plus tard, sont toujours à l’affiche, dans les décors et les mises en scène d’origine, ce qui leur a valu d’entrer au Livre Guinness des records.

Les papiers qui suivent, cette année 1963, croisent Roger Vadim (pour la sortie du Repos du guerrier), Roland Petit (invité un mois à Chaillot), Nazim Hikmet, Alejo Carpentier, Marguerite Duras (pour la création de sa première pièce, Les Viaducs de Seine-et-Oise, mise en scène par Claude Régy)… et, bien sûr, le Festival d’Avignon, où Nicole décrit « 3 800 spectateurs, dans la Cour qui peut en contenir 2 900 », ovationnant Jean Vilar, qui a décidé de quitter la direction du Théâtre national populaire, à Paris. Une amitié se lie entre le Sétois et Nicole, qui n’acceptera pas les « Vilar, Béjart, Salazar », lancés par les contestataires en mai 1968.

 

 

 

Elle ne retournera quasiment jamais à Avignon après la mort de Jean Vilar, en 1971. Mais, dans l’extraordinaire maison qu’elle habitait, à la Butte aux Cailles (et que l’on peut voir dans le film de son fils Mathieu Amalric, Mange ta soupe), elle montrait fièrement la magnifique cheminée blanche sculptée par Valentine Schlegel, Sétoise, affiliée à Jean Vilar, et associée aux débuts du Festival d’Avignon.

Le journalisme comme artisanat

Puis que nous en sommes là. Au Monde, Nicole fait la connaissance de Jacques Amalric, grande plume du service international. Quand tous deux annoncent à Hubert Beuve-Méry qu’ils vont se marier, dans une rédaction où les amours internes sont mal vues, voire interdites, comme dans beaucoup d’entreprises de l’époque, le directeur fondateur du journal leur répond, grande classe : « Entre vous, c’est l’amour de A à Z. »

 

Trois enfants naissent de leur union, Alexandre, Mathieu et Judith. Ils grandissent en partie à l’étranger, à Washington, de 1970 à 1973, puis à Moscou, de 1973 à 1977, où Jacques Amalric est correspondant du journal. Pendant qu’il suit le Watergate ou l’ère Brejnev, Nicole suit l’activité culturelle. A Paris, elle avait été la première à parler de Patrice Chéreau, qui signait sa première mise en scène au lycée Louis-le-Grand. A New York, elle sera la première à parler de Robert Wilson, qui crée Le Regard du sourd.

 

« Elle nous emmenait tout voir, se souvient Mathieu Amalric. Le Bread and Puppet, la Taganka, Vladimir Vyssotski, les expositions interdites. » Avec une prédilection pour ce qui est à la marge, et une fidélité envers ceux qui tiennent une ligne, d’Antoine Vitez à Agnès Varda, de Toni Morrison à Otar Iosseliani, qui engagera Mathieu dans son film Les Favoris de la lune (1984), et sera ainsi à l’origine de sa vocation d’acteur et de cinéaste.

 

 

« La maison était toujours pleine d’amis, de rencontres, venus de tous pays », poursuit Mathieu. Une université permanente, vivante, vibrant des bruits et fureurs du monde, dont Jacques Amalric et Nicole Zand rendent compte. Ils ont en partage le goût du journalisme comme artisanat, qui les conduira à toujours refuser une édition de leurs articles – on peut le regretter. Prenons ceux de Nicole. Des phrases courtes, des mots simples, un ton incisif qui s’autorise s’il le faut une ironie mordante. Ceux d’une journaliste à l’affût, d’une infatigable curieuse qui ne laisse rien passer, et aura tant fait découvrir que l’on ne peut ici en rendre compte.

« La passion de la découverte »

Mais les souvenirs de lecture sont là. Et l’on se revoit, si nombreux, à attendre la chronique de Nicole dans Le Monde des livres, chaque jeudi, dans la deuxième partie de sa vie au journal, de 1986 à 1996. Elle s’appelait, on ne peut plus justement, « D’autres mondes » et, pour son édition, elle se faisait attendre aussi, car Nicole, en perfectionniste, ne « lâchait » ses papiers qu’au dernier moment. Mais quel résultat !

 
 

Ecoutons Josyane Savigneau, avec qui elle a travaillé, lui rendre hommage. « Grâce à elle, j’ai découvert de nombreux écrivains vers lesquels je ne serais pas spontanément allée. Elle appliquait à la critique littéraire le meilleur du journalisme : la passion de la découverte. Elle cherchait, notamment dans la littérature des pays de l’Est, des inconnus à mettre enfin dans la lumière. Et elle le faisait brillamment. Au Monde des livres, elle arrivait souvent avec, en mains, un livre que, peut-être, chacun avait reçu et pas remarqué, et elle le montrait avec gourmandise, fière de sa trouvaille. Mais sa curiosité ne se limitait pas à l’Est. Elle a magnifiquement défendu les livres de Toni Morrison, bien avant que celle-ci ne soit nobélisable. Elle avait aussi des détestations féroces – Philip Roth par exemple – au point de ne pas supporter que d’autres l’aiment et veuillent en parler dans “le journal”. Je la combattais mais je partageais cette manie de dire, avec elle et d’autres, “le journal” – comme s’il n’y en avait qu’un – alors, d’une certaine manière, je la comprenais. »

 

Oui, « le journal », comme nous disait encore Nicole mercredi. Le Monde, à qui elle manque, aujourd’hui. Mais qui se nourrit des articles qu’elle a laissés. « Jamais les crépuscules ne vaincront les aurores », écrivait Apollinaire.

 

 

[Infatigable découvreuse des livres et des cultures du monde, Nicole Zand était une des premières grandes figures féminines de l’histoire de notre journal. Le Monde présente ses plus sincères condoléances à ses enfants et petits-enfants, ses proches et toutes celles et ceux qui l’ont connue et appréciée au journal. J. Fe.]

Brigitte Salino / Le Monde 

 

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L'hommage d'Armelle Héliot

dans son blog 

26-02-24

 

Journaliste, éprise d’expressions artistiques plurielles, attentive au monde et à ses cruautés, cette femme très intelligente et très curieuse des autres, s’est éteinte vendredi. Elle avait 91 ans.

 

 

Le journalisme est un artisanat. Il y a des maîtres. Ils ne portent pas le titre de compagnons du devoir, comme ceux qui font renaître Notre-Dame. Mais ils sont aussi talentueux, connaissant leur métier par l’expérience et l’exigence. Des modèles. Mais ils sont encore plus précieux que des femmes et des hommes que l’on admire. Ils transmettent.

 

Sans leçon, sans prétention, sans jamais se mettre en avant. Mais en prenant le temps de bavarder, de partager. Parfois des spectacles. Surtout des spectacles, il y a quelques années encore, Nicole Zand aimait aller dans les salles parisiennes. Au théâtre, à l’opéra, au concert. Comme elle allait au cinéma, curieuse de tout, gourmande de connaître les jeunes talents de son temps.

 

Nicole Zand s’est éteinte vendredi 23 février. On redoutait cette nouvelle. Elle avait un bel âge, 91 ans. Et longtemps son énergie, son intelligence, son goût du savoir, son amour des autres, sa curiosité du monde, l’avaient conduite à oublier tous les maux éventuels que l’on peut subir, lorsque l’on n’a plus vingt-cinq ans, pour aller dehors. Au dehors. A l’avant.

 

C’était une femme à la rencontre. Elle allait et en même temps, ouvrait la voie.

 

Le destin avait voulu que, lorsque son mari, Jacques Amalric, grand homme de savoir, de morale, journaliste très lu et profondément respecté, alors au Monde, s’était trouvé en poste aux Etats-Unis, on leur avait demandé d’être des vigies de la jeune création américaine. Le Bread and Puppet ?  Le très précoce Robert Wilson ? C’est eux. Sans doute ces artistes n’auraient pas si tôt franchi l’Atlantique sans Jacques Amalric et Nicole Zand.

De Nancy à Avignon en passant par Paris, le Festival d’Automne, ces éveilleurs auront permis au public européen de découvrir le … Nouveau Monde. Parfois en se heurtant à des incompréhensions certaines, des responsables d’institutions, notamment.

 

Nicole Zand, une plume, une grande plume du Monde mais aussi une journaliste allant au cœur des événements, lucide, courageuse, détestant les fausses valeurs, l’hypocrisie, l’arrogance des puissants cyniques. Elle était critique littéraire, mais les poètes subvertissent les frontières. Et son regard s’exerçait sur tout ce qui peut concerner un être humain un peu sensible.

 

Faut-il en dire plus ?  Elle admirait ses enfants et leurs proches. Elle adorait Jeanne Balibar, sa belle-fille pour toujours, mère de deux petits-enfants dont le père est Mathieu Amalric, son fils comédien, cinéaste, audacieux merveilleux. On pense aussi au reste de la famille, bien sûr, mais on ne veut pas être indiscret. On pense à ses origines. A ses horizons, aux échanges. Mais elle l’a raconté elle-même.

 

 

C’était juste peu de mots, pour saluer cette femme électrique, éclectique, un esprit libre, souvent très drôle, toujours sensible, une grande vivante qui nous quitte mais nous as transmis, par-delà l’exigence du journalisme, une manière de résister aux mensonges séduisants de nos mondes.

 

Armelle Héliot

 

 

Légende photo : Nicole Zand. ARCHIVE FAMILIALE

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Dans « Témoin », les danses éruptives de Saïdo Lehlouh

Dans « Témoin », les danses éruptives de Saïdo Lehlouh | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Rosita Boisseau (Rennes, envoyée spéciale) dans Le Monde - 23 février 2024 

 

Avec son nouveau spectacle, en tournée, le chorégraphe propose, dans un passage de relais entre le groupe et l’individu, un florilège de jaillissements hip-hop, break, contemporains et électro.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/02/23/dans-temoin-les-danses-eruptives-de-saido-lehlouh_6218223_3246.html

 

Avant, c’est l’excitation. Pendant, une attention sans faille. Après, une levée d’applaudissements enthousiastes. Vendredi 2 février, le public, très jeune, présent au Théâtre national de Bretagne, à Rennes, a ovationné le spectacle Témoin, du chorégraphe hip-hop Saïdo Lehlouh, codirecteur du FAIR-E/Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne. Programmé à l’enseigne du festival Waterproof, manifestation pilotée depuis 2020 par Le Triangle avec vingt-six partenaires de Rennes et de sa région, cet opus est interprété par deux équipes de vingt danseurs en alternance, âgés de 19 à 50 ans. Dans les deux cas, le pari est, pour Saïdo Lehlouh, de « valoriser des protagonistes autodidactes et ce qui [le] touche dans le style des uns et des autres ». D’où un florilège de jaillissements hip-hop, break, contemporains, électro, sertis comme des astres sur le plateau obscur.

 

 

La lumière est opaque, le fond de l’air, très sombre. Un cri psalmodié de Ghédalia Tazartès, extrait de son titre Un amour si grand qu’il nie son objet, fait dresser le poil. Des silhouettes sont assises ou se tiennent tels des veilleurs dans la nuit. Elles entourent un îlot blafard au centre duquel un homme abat un jeu de jambes qui pulvérise l’idée même d’urgence. Sous le regard tranquille des autres, il poursuit son monologue tempétueux avant de rejoindre une femme et de se camper devant elle.

Energie dévorante

Cette introduction atmosphérique met en place l’écriture de va-et-vient entre le groupe et l’individu sur laquelle s’appuie Témoin pour projeter l’énergie dévorante de ses danses éruptives. D’une marche surgissent un solo syncopé ou un duo plein de spasmes qui rejoignent bientôt la foule attentive. A coups de salves sèches et d’élans longs, la pièce progresse, cimentée par la solide masse de l’ensemble. Si certains interprètes sont plus valorisés que d’autres, peu importe, tant la force enveloppante de la troupe et sa plasticité dans l’espace maintiennent la cohésion et la beauté âpre de cette création.

 

Témoin assume son titre. Sans fin, les danseurs se poursuivent et se soutiennent dans des passages de relais gestuels nerveux. Tantôt ils grouillent, tantôt ils courent en tous sens, aiguisant les prouesses des uns et des autres d’un éclat tranchant. Parfois, ils se posent bien droits face au public. Une adresse que l’on expérimente dans nombre de spectacles contemporains, mais qui s’auréole ici d’une tension brute et douce. Des unissons ici et là rassemblent dans un accès de fièvre les danseurs branchés sur la même fréquence avant de repartir bille en tête.

 

Entre l’immobilité et le mouvement, l’un et le plusieurs, Témoin tire des bords. Sur la bande-son magnifiquement rêche signée  Mackenzy Bergile, la pièce, qui rend hommage au rap américain et français des années 1990, brode sur les marges en noyant les contours. Des taches de couleur crèvent la grisaille de cette échappée nocturne. Un cercle rappelle la figure autour de laquelle la communauté hip-hop s’est construite en se défiant pacifiquement pour mieux apprendre les uns des autres. Une célébration qui ne dit pas son nom s’évanouit dans un halo.

 

 

« Témoin », de Saïdo Lehlouh. Théâtre de la Ville, Paris 4e, du 24 au 27 février, de 8 € à 26 € ; Maison de la danse, Lyon 8e, du 3 au 5 avril, de 13 € à 32 € ; Château Rouge, Annemasse (Haute-Savoie), les 9 et 10 avril, de 10 € à 24 €.

 

 

Rosita Boisseau (Rennes, envoyée spéciale) / LE MONDE

Légende photo : Mathieu Rassin et Jerson Diasonama, dans « Témoin », de Saïdo Lehlouh, lors de la Biennale de la danse de Lyon, en 2021. RAPHAEL STORA



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La jeune fille au cinéma ou les ravages d’un mythe

La jeune fille au cinéma ou les ravages d’un mythe | Revue de presse théâtre | Scoop.it

ENQUÊTE par Zineb Dryef dans M le magazine du Monde - le 23 février 2024

 

 

En accusant Benoît Jacquot et Jacques Doillon d’agressions sexuelles, l’actrice Judith Godrèche a mis en lumière un mythe tenace dans la culture contemporaine : celui de la jeune fille modelée par son pygmalion. Depuis le film « Lolita », de Stanley Kubrick, cette relation a irrigué de multiples œuvres, ouvrant la porte à de nombreux abus de la part de réalisateurs vus comme des créateurs tout-puissants.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2024/02/23/la-jeune-fille-au-cinema-ou-les-ravages-d-un-mythe_6218004_4500055.html?lmd_medium=al&lmd_campaign=envoye-par-appli&lmd_creation=ios&lmd_source=twitter

Elles étaient belles et jeunes à l’écran. Elles semblaient heureuses, affranchies et libres. Elles avaient 13 ans, 14 ans, 15 ans, 17 ans, 22 ans. Elles incarnaient la jeunesse, le désir, l’indépendance. Et voilà que certaines, devenues adultes, racontent un piège. Flavie Flament, Vanessa Springora, Adèle Haenel, Charlotte Arnould, Judith Godrèche, Isild Le Besco n’appartiennent pas aux mêmes mondes, elles n’avaient pas le même âge, elles ne se connaissaient pas ou si peu, mais elles racontent une même histoire, celle d’un mensonge et d’une jeunesse mise en pièces.

 

 

 

Ces femmes ont, chacune à leur manière, disséqué ce qui leur est arrivé. Vanessa Springora, dans Le Consentement (Grasset, 2020), décrivait le piège du pédocriminel (ici, Gabriel Matzneff) qui fait de sa victime une complice – « Tu m’aimais ». La journaliste Hélène Devynck dépeint dans Impunité (Seuil, 2022), sur l’affaire PPDA, un système qui fait des jeunes femmes des poupées et les réduit au silence, dont elle a été elle-même victime. Judith Godrèche, en réalisant en 2023 sa série Icon of French Cinema (Arte), revient sur son cheminement d’enfant-objet dans les mains du cinéaste Benoît Jacquot à femme qui reprend les rênes du récit.

 

Toutes mettent en lumière la solidarité de ces « familles » – du cinéma, des médias, de l’art – qui protègent leurs grands hommes. « Ce n’est pas ce à quoi on nous oblige qui nous détruit, mais ce à quoi nous consentons qui nous ébrèche ; ces hontes minuscules, de consentir journellement à renforcer ce qu’on dénonce », écrivait Lola Lafon dans Chavirer (Actes Sud, 2020), une autre histoire de jeune fille abusée.

L’ingénue en quête de liberté

Depuis les débuts de #metoo en France, beaucoup de femmes qui s’expriment racontent un roman d’apprentissage à l’issue tragique : celui d’une fille, de la prépubère à la jeune adulte, qui croise le chemin d’un homme beaucoup plus âgé qui, au prétexte de l’initier à un art ou à un métier, la possède contre son gré. Ce fantasme s’est décliné dans toute la littérature et le cinéma jusqu’à la caricature de la gamine nubile en veste de velours, frange dans les yeux et roman de Sade dans la poche. Aujourd’hui, ces filles, devenues adultes, le dénoncent. Elles n’ont pas consenti. Elles n’ont pas eu le choix.

 

 

C’est ce qu’écrivait en 2017, dans The Atlantic, l’actrice et réalisatrice américaine Brit Marling, 41 ans, qui a fait partie des nombreuses comédiennes à accuser le producteur Harvey Weinstein d’agressions sexuelles : « Ce qui vous incite en partie à rester assise sur cette chaise, dans cette pièce, à endurer le harcèlement ou les abus d’un homme en position de pouvoir est que, en tant que femme, vous vous êtes rarement imaginé connaître un autre sort. Dans la plupart des romans que vous avez lus, des films que vous avez regardés, des histoires qu’on vous a racontées depuis votre naissance, les femmes connaissent une fin tragique. » Car la figure de la jeune fille est un pilier de la culture et irrigue nos imaginaires.

 

A quoi ressemble-t-elle cette figure qui traverse les arts ? Elle a toujours « ce visage de la jeune fille à qui on n’a pas encore volé son ciel », comme l’écrivait Henri Michaux à partir du Portrait de Mademoiselle Irène Cahen d’Anvers (1880), d’Auguste Renoir. Une fille à peine nubile, vierge. C’est la raison pour laquelle elle est si précieuse : « Son apparence est éphémère, elle va disparaître à jamais. C’est ce qui la rend si désirable. Elle est décrite comme un trésor », explique Pierre Péju, romancier et philosophe qui, dans Métamorphoses de la jeune fille (Robert Laffont, 2023), étudie ce mythe.

Des romans de chevalerie aux descriptions contemporaines, les canons varient et évoluent, explique le philosophe, mais l’idée de sa perfection est constante : « Le corps et le visage sont beaux, la peau est lisse, la chevelure abondante. La petite fille a achevé sa croissance, elle est pubère, elle a atteint la perfection. » Cet idéal de féminité défini par les adultes a d’abord consacré la vierge, l’enfant pure au Moyen Age, avant l’ingénue en quête de liberté. La seconde moitié du XXe siècle invente la femme-enfant fatale. Elle est la petite fille offerte de Balthus, l’adolescente vaporeuse d’Eric Rohmer, la blonde floutée aux seins naissants de David Hamilton – photographe accusé de viols et d’agressions sexuelles par ­plusieurs de ses anciens modèles.

Une conception au cœur de la Nouvelle Vague

« Ces mille et une façons de “raconter” la jeune fille ont toujours été structurées par les fantasmes patriarcaux et par la conception exclusivement machiste du monde qui se sont inscrits dans les lois, installés dans les coutumes, qui étaient exigés par la patrilinéarité, et se sont gravés dans les inconscients des deux sexes », poursuit Pierre Péju. Il désigne cette figure « produite par des milliers d’histoires », ce mythe devenu « indestructible » comme une « clé et un symptôme du viriarcat ». Un mot cousin de « patriarcat », construit sur le latin vir, « homme », qui définit un système dans lequel on proclame la supériorité du mâle, mais où ce dernier « n’est plus forcément père ou patriarche ».

 

Dans ce mythe, la jeune fille n’est jamais seule. Il lui faut toujours un homme. Rien n’est plus banal que de voir cette créature au bras d’un individu de l’âge de son père. Ce motif récurrent raconte une fable : celle de la muse. L’amour et la créativité se confondent. L’artiste, en Pygmalion, se fabrique sa propre jeune fille. « Il ne la voit pas, il la sculpte. Le miracle, c’est que cette sculpture devient vivante », écrit encore Pierre Péju.

 

Dans le cinéma français, le mythe de l’adolescente façonnée par l’homme tout-­puissant a été, non pas inventé, mais permis par la Nouvelle Vague. Quand, au tournant des années 1960, une bande de jeunes gens, quasiment tous des hommes (François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Jacques Rivette, Eric Rohmer), veulent réinventer le cinéma, « ils plaquent sur l’industrie du cinéma une logique qui est celle de la littérature : le cinéaste, réalisateur, est le seul auteur de son œuvre », explique Geneviève Sellier, professeure émérite en études cinématographiques à l’université Bordeaux-Montaigne. « Le mythe de Pygmalion est au cœur de la Nouvelle Vague, poursuit l’universitaire. On fait jouer des inconnues, on les crée, on les fabrique, on les façonne. »

 

 

Lire l’enquête | Article réservé à nos abonnés Benoît Jacquot, un système de prédation sous couvert de cinéma
 

Le cinéma, c’est « l’art de faire faire de jolies choses à de jolies femmes », selon l’expression du critique et scénariste Jean George Auriol (1907-1950) reprise par François Truffaut. C’est ainsi que se justifiaient encore récemment Benoît Jacquot dans les colonnes du Monde mais aussi Philippe Garrel – mis en cause par plusieurs comédiennes pour des actes pouvant relever de l’agression sexuelle – dans Mediapart : « Comme beaucoup de réalisateurs de la Nouvelle Vague, j’aimais tourner avec la femme dont j’étais amoureux et la filmer. »

Confusion entre l’amour et la possession

Accusé par l’actrice Adèle Haenel d’agressions sexuelles quand elle était mineure, le réalisateur Christophe Ruggia a précisément invoqué ce rôle de mentor pour se défendre : « J’ai commis l’erreur de jouer les pygmalions avec les malentendus et les entraves qu’une telle posture suscite », a-t-il déclaré dans Mediapart, le 6 novembre 2019, quelques jours après les révélations de la comédienne.

 

« Le cinéma est une bonne couverture pour des mœurs de ce type-là, confessait ouvertement Benoît Jacquot en 2011 dans un documentaire de Gérard Miller (lui aussi accusé d’agressions sexuelles et de viols). Dans le Landerneau cinématographique, cela force même l’admiration. On se dit : lui est cinéaste, il est en train de fabriquer une actrice. » « Il faut nommer les choses : ces faits relèvent de la pédocriminalité, dénonce l’universitaire Geneviève Sellier. Ces comportements s’ancrent dans le ressort le plus archaïque de la domination masculine : la confusion entre le lien amoureux et la possession, la confusion entre aimer quelqu’un et le contrôler. »

 

 

 

Certaines ont parlé. Deux jeunes comédiennes ont porté plainte contre Jean-Claude Brisseau dès 2001, rejointes par deux autres en 2003, pour des faits de harcèlement sexuel. Une vingtaine de femmes ont témoigné contre le réalisateur, pourtant massivement soutenu par la « grande famille du cinéma français », au cours d’un procès, en 2005. Brisseau a été condamné à un an de prison avec sursis et à 15 000 euros d’amende pour « harcèlement sexuel » sur deux actrices lors d’auditions et, un an plus tard, en appel, pour « agression sexuelle » sur une troisième.

 

 

Parmi les témoins, la mère de Vanessa Paradis évoquait un « incident » survenu pendant le tournage de Noce blanche (1989). Sa fille avait alors 16 ans, c’était son premier film. La jeune chanteuse jouait le rôle d’une adolescente ensorcelante qui faisait succomber son professeur de philosophie vieillissant. Le long-métrage, présenté comme une histoire d’amour impossible, fut un énorme succès.

 

Brisseau ne fut pas une exception sulfureuse. Au cours des années 1980, le cinéma connaît une « déferlante » de petites filles amoureuses de quadragénaires. Les succès de Diabolo menthe (1977), de La Boum (1981) inspirent les réalisateurs et réalisatrices qui mettent en scène des gamines confrontées à leurs désirs. Mais c’est le personnage de Charlotte Gainsbourg dans L’Effrontée (1985) qui fixe à jamais dans le cinéma français l’image de l’adolescente tourmentée.

Bientôt, elles deviennent des aguicheuses d’hommes adultes. Des films oubliables – La Petite Allumeuse (1987), de Danièle Dubroux, dont le titre résume le propos –, mais aussi des succès comme Beau-père (1981), de Bertrand Blier, Noce blanche, ou La Fille de 15 ans (1989), de Jacques Doillon – visé par une plainte de l’actrice principale, Judith Godrèche, pour un viol qui aurait eu lieu à l’époque du tournage –, représentent tous, dans un procédé romantique, l’amour tragique d’un couple déchiré par l’écart d’âge et la morale.

Le malentendu autour de la Lolita de Nabokov

« Le tournant a été l’adaptation filmique de Lolita, le roman de Nabokov », estime Brigitte Rollet, chercheuse habilitée en études cinématographiques au centre d’histoire culturelle des sociétés contemporaines (université Paris-Saclay). Le film de Stanley Kubrick, sorti en salle en 1962, précipite le malentendu autour de cette œuvre publiée en 1955 en imposant l’image de la femme-enfant fatale, de la gamine aguicheuse aux lunettes en forme de cœur, une sucette à la bouche.

 

Enorme succès en librairie, Lolita échappe totalement à son créateur lorsque le cinéma s’en empare. Stanley Kubrick ne retient pas l’histoire d’une fillette violée par son beau-père mais représente une histoire d’amour impossible. « Nabokov ne raconte pas cette histoire, souligne Olivia Mokiejewski, réalisatrice de Lolita, méprise sur un fantasme (2021). Il raconte l’histoire d’une fillette – Lolita a 12 ans – décrite à travers le regard d’un homme. » Ses attraits sont fantasmés par une libido adulte, mais le contresens s’est installé, durablement.

 

Lorsque, en 1975, sur le plateau d’« Apostrophes », Bernard Pivot présente le roman comme l’histoire d’une petite fille « un peu perverse », Nabokov le reprend fermement : « Lolita n’est pas une jeune fille perverse. C’est une pauvre enfant. Une pauvre enfant que l’on débauche et dont les sens ne s’éveillent jamais sous les caresses de l’immonde M. Humbert. » Il insiste : « En dehors du regard maniaque de M. Humbert, il n’y a pas de nymphette. »

En réalité, Lolita ne séduit pas son beau-père, elle en est prisonnière. « C’est le regard masculin qui en fait un objet de désir déviant », poursuit Olivia Mokiejewski, qui a été troublée, en lisant Le Consentement, de Vanessa Springora, d’y retrouver le récit de cette même confusion : celle d’une gamine qui se croit amoureuse d’un homme mûr abusant de son pouvoir et celle d’une société complaisante à l’égard des messieurs qui succombent aux charmes des petites tentatrices. L’indulgence, là aussi, s’exprime à la télévision, sur le même plateau d’« Apostrophes », où Gabriel Matzneff exprime librement ses goûts pédophiles. « On regarde des personnes cultivées discuter tranquillement de tout cela, sans réprobation, dénonce Olivia Mokiejewski. Ce n’est pas qu’un homme qu’il faut juger, c’est un système. »

Un comportement tyrannique valorisé

Ce système a détruit des jeunes filles. A commencer par Lolita, dont tout le monde semble avoir oublié le destin tragique. Spoiler : elle meurt. Comme si Nabokov avait su qu’une vie n’était plus possible après ça. Là encore, la réalité rattrape la fiction. Sue Lyon, l’interprète de Lolita dans le film de Kubrick, déclarait, amère, en 1997 : « Lolita m’a exposée à des écueils qu’aucune fille de cet âge ne devrait affronter. Je défie n’importe quelle fille de 14 ans jetée sous les projecteurs pour son rôle de nymphette de rester sur ses deux jambes. »

 

 

Elles sont nombreuses ces jeunes premières découragées qui ont jeté l’éponge, abandonnant leur passion et leur carrière ou qui ont choisi l’exil. Elles sont nombreuses, celles qui ont relaté l’anorexie, la boulimie, l’alcoolisme, le sexe à outrance, l’immense solitude, avant, parfois, la reconstruction.

 

Ce comportement des réalisateurs tyranniques a longtemps été excusé, voire valorisé. « En France, l’artiste est au-dessus des lois qui régissent nos vies. Il est le démiurge, le créateur, analyse l’universitaire Brigitte Rollet. C’est comme si l’on admettait que le cinéma devait être le résultat de la souffrance. » C’est Henri-Georges Clouzot qui assène une gifle à Brigitte Bardot sur le tournage de La Vérité (1960) – avant qu’elle ne la lui retourne –, Maurice Pialat qui exige de Gérard Depardieu qu’il mette de vraies claques à Sophie Marceau sur le tournage de Police (1985)…

Le cinéma regorge de ces histoires de violences subies par les acteurs et surtout par les actrices au nom de l’art. Les femmes les ont pourtant dénoncées. Après le tournage de Mouchette (1967), de Robert Bresson, Marie Cardinal, qui jouait la mère de l’héroïne interprétée par Nadine Nortier, 14 ans, se souvint dans son récit autobiographique, Cet été-là (Nouvelles Éditions Oswald, 1967), qu’elle avait dû répéter une scène de gifle vingt-quatre fois d’affilée. Bresson avait coutume de travailler avec des non-professionnels, à qui il imposait des règles strictes. « Plus vous frapperez fort, meilleure sera la prise », justifiait-il. Marie Cardinal, dans son livre, n’a pas de mots assez durs : c’est un « négrier ».

Le « jeu pervers » de Robert Bresson

Amoureux des jeunes filles, Robert Bresson jouait l’ambiguïté. Anne Wiazemsky, dans Jeune fille (Gallimard, 2007), un roman qui retrace le tournage d’Au hasard Balthazar (1966), se remémore sur un ton badin le « jeu pervers » qu’établit le réalisateur de 64 ans avec l’adolescente de 17 ans qu’elle était. Avant même le tournage, il l’encercle, choisissant des vêtements pour elle, lui téléphonant sous mille prétextes pour, en réalité, tester sa voix, la promenant de café en cinéma où, dans l’obscurité, il caresse ses mains, ses bras. Bresson la voit comme une ingénue prête à s’offrir, elle prend son « travail » au sérieux et vit comme une chance cette découverte du cinéma.

 

 

« D’emblée, j’ai été sa chose. Je ne devais me lier à personne d’autre que lui », écrit-elle. Sur le tournage, l’homme, relativement tendre, se mue en tyran. Il tente de l’embrasser, elle le repousse et le voilà qui devient tranchant, sec comme avec tous les autres. L’éconduit, la force à rejouer une scène, une fois, deux fois, quinze fois, ça n’est jamais assez. De quoi la punissait-il ? Elle ne le sait que trop bien.

 

Les mots d’aujourd’hui qualifieraient cette conduite de harcèlement. Ce n’était pas le propos d’Anne Wiazemsky, qui a gardé de la tendresse et de l’amitié pour le cinéaste. Les tournages de Bresson ont été décrits dans leurs moindres détails dans nombre d’études, d’articles et de livres de souvenirs sans que la souffrance de ses actrices soit jamais prise en compte. Parce que le cinéaste a fait de grands films, de beaux films – au prix de l’obéissance, voire du sacrifice de ceux et celles qu’il n’appelait pas des acteurs et actrices mais des « modèles » –, seule l’admiration pour le perfectionnisme maniaque de Robert Bresson transparaît dans ces textes. Il ne voulait pas de jeu, mais de l’émotion et de la spontanéité. Un geste pur.

Procès en puritanisme

Devenues adultes, face aux images de certains de leurs premiers films, des actrices disent éprouver un malaise. Jodie Foster, qui a joué une vamp prépubère dans Bugsy Malone (1976), d’Alan Parker, une adolescente prostituée dans Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese, une enfant allumeuse dans Moi, fleur bleue (1977), d’Eric Le Hung, a récemment regretté, au micro de France Inter, que, dans le monde où elle a grandi, « les femmes avaient l’impression de ne pas pouvoir dire non à quoi que ce soit ».

 

 

Natalie Portman, qui a joué à l’âge de 12 ans dans Léon (1994), de Luc Besson, a confié, en mai 2023 au Hollywood Reporter qu’il était « compliqué [pour elle] d’en parler », le film traitant d’une relation ambiguë entre un homme adulte et une très jeune adolescente : « Il m’a offert ma carrière, mais, oui, quand vous le voyez aujourd’hui, il contient définitivement des éléments gênants, qui mettent mal à l’aise. C’est le moins qu’on puisse dire. »

En 1981, les parents d’Ariel Besse, actrice principale de Beau-père, tentèrent en vain de faire interdire l’affiche du film de Bertrand Blier : on y voit l’adolescente de 15 ans, seins nus, à califourchon sur les genoux de Patrick Dewaere, 34 ans. Le réalisateur dira, plus tard, regretter ce choix d’image qu’il n’avait pas validé.

La dénonciation de cette sexualisation des jeunes actrices n’est pas nouvelle, mais elle s’est heurtée, jusqu’à aujourd’hui, au procès en puritanisme de celles et ceux qui s’y risquaient. « Je détestais ma condition de jeune fille actrice, ce rôle de muse, de nymphe, confiait Julie Delpy, en 2021 à Télérama, au sujet de ses débuts dans les années 1980 dans le cinéma d’auteur français (Détective, de Jean-Luc Godard, Mauvais Sang, de Leos Carax…). Des journalistes m’ont traitée de moralisatrice parce que j’avais osé dire que c’était dégueulasse que des mecs de 50 ans se tapent des gamines de 14. »

La Sainte Trinité des amateurs de nymphettes

Dès 1979, la Franco-Canadienne Nancy Huston dénonce la transformation des petites filles en objets sexuels dans son premier essai Jouer au papa et à l’amant (Ramsay, 1979). Elle y dépeint sa relation, à l’âge de 15 ans, avec un professeur d’anglais de dix ans son aîné qui la maltraite. Son texte est mal reçu par la critique, notamment par Roland Jaccard, dans Le Monde.

Le critique, proche de Gabriel Matzneff, qui a lui-même publié des pages et des pages sur son amour des jeunes filles, écrivait, assassin : « Ne comptez pas, amateurs de nymphettes, sur l’indulgence de Nancy Huston. Cette jeune journaliste canadienne n’a pas craint pour son premier livre de s’attaquer à l’un des mythes les plus tenaces de l’après-guerre : celui de Lolita, adolescente ensorceleuse aux charmes équivoques et au regard canaille, décrite par Nabokov, peinte par Balthus, photographiée par Hamilton et convoitée par la plupart des hommes. » Nabokov, Balthus, Hamilton, la Sainte Trinité convoquée par ceux qui esthétisent les jeunes filles.

 

Comme Gabriel Matzneff, le futur académicien Alain Robbe-Grillet n’a jamais tu ses préférences pour les adolescentes. En 2001, lorsqu’il publie La Reprise (Minuit), où il étale ses fantasmes de « jolies gamines naïves » et de « fillettes prépubères », les critiques soupirent. Encore des gamines délurées soumises aux vieux messieurs ? Cela ne choque pas, ne dérange pas. Cela ennuie juste. Pas une ligne de condamnation, même lorsqu’il persiste, dans une interview donnée la même année au magazine Lire. « Le consentement a-t-il une limite d’âge ? », interroge le journaliste. Le grand écrivain répond : « Quand j’ai connu Balthus, il vivait avec Laurence Bataille, la fille de Georges et de Sylvia Bataille. Laurence avait 12 ans et cela ne choquait ni la petite fille, ni ses parents, ni Balthus. » Laurence Bataille, sa muse, avait en réalité 16 ans, ce qui expliquerait que Balthus n’ait jamais été inquiété.

Réprobation envers celles qui parlent

Cette fable de la muse a régulièrement été démontée par celles qu’on a installées sur un piédestal. En 1964, la peintre Françoise Gilot publie Vivre avec Picasso (Calmann-Lévy), dans lequel elle étrille la méchanceté de l’artiste et son comportement destructeur avec les femmes. Elle s’était installée avec le peintre à l’âge de 20 ans. « J’étais un peu comme la septième femme de Barbe-Bleue… », écrit-elle. Le peintre fait tout pour interdire la publication du livre, en vain, et la presse y voit un ramassis de commérages.

Elle n’a pas été la seule. Le romancier Pierre Péju rappelle l’histoire tragique de Marie-Thérèse Walter, l’une des muses de Picasso, « si jeune et si blonde », qu’il faisait poser des heures, sans repos, « en une sorte de frénésie érotique et en se dessinant lui-même, avec délectation, sous les traits d’un Minotaure violeur ». Lorsqu’il la rencontre, elle a 17 ans. Leur relation durera une dizaine d’années. Un amour fou, selon beaucoup – Marie-Thérèse Walter se suicida quatre ans après la mort de Picasso. « Certains préféreraient appeler emprise cette dépendance consentie d’un personnage qui écrase par sa force, son esprit ou son statut des êtres plus faibles », note Pierre Péju.

De l’autre côté de l’Atlantique, en 1998, Joyce Maynard, dans son récit autobiographique Et devant moi, le monde (Philippe Rey, 2010), raconte sa relation avec J. D. Salinger. L’écrivain avait 53 ans, elle en avait 18. Son récit de ses mois passés auprès d’un homme tyrannique, jaloux et destructeur lui vaut la désapprobation de toute la critique américaine. Longtemps, elle est restée la « nymphe opportuniste » qui avait couché avec le grand écrivain et en avait fait un livre. En 2018, l’autrice a publié un long article dans le New York Times qui, à l’époque de son témoignage, l’avait qualifiée de « prédatrice ». Elle écrivait : « Il y avait peut-être bien un prédateur dans cette histoire. Je laisse les lecteurs décider de qui il s’agissait. »

On ne pourrait plus regarder « Les Valseuses » ?

Si la figure du pygmalion, si prisée des arts, est tellement difficile à déboulonner, c’est parce que porter un regard critique sur les œuvres de nos grands hommes expose immanquablement à l’accusation de censure. Ainsi on ne pourrait plus regarder Les Valseuses ?

En 2017, l’historienne Laure Murat pousse l’audace jusqu’à revisiter Blow-Up, de Michelangelo Antonioni, dans un texte publié dans Libération. Elle n’avait pas revu le « chef-d’œuvre » depuis vingt-cinq ans et, en le revisionnant, elle est frappée par son « étalage d’une misogynie et d’un sexisme insupportables ». Elle s’interroge : pourquoi n’en a-t-elle pas gardé ce souvenir ? Comment a-t-elle pu oublier la violence ? « La réponse est contenue dans le film : l’esthétisme. La perfection formelle de Blow-Up écrase et étouffe le scandale qu’il recèle », écrit-elle. L’historienne en tire un impératif : « une relecture des œuvres, à partir du moment présent ». Elle précise « sans anachronisme, ni logique de tribunal ».

Las. Une polémique enfiévrée accompagne la publication de cette tribune : son autrice est accusée de vouloir brûler des pellicules – une posture que les critiques révisent aujourd’hui. De Télérama aux Cahiers du cinéma, la presse spécialisée a entamé un travail d’introspection. Ont-ils été aveuglés ?

 

 

 

Un regard tragique porté sur les jeunes filles

Un viol ou une gifle au cinéma, c’est de la fiction. Le pacte est clair avec le spectateur. Lorsque Eric Rohmer (1920-2010), dans Le Monde, en 1998, est interrogé sur sa relation avec les jeunes actrices qui peuplent ses films, il précise : « Je refuse de les manipuler comme le font beaucoup de réalisateurs, je ne leur cache rien de ce que je sais du film. Le cinéma est déjà suffisamment manipulateur par lui-même. »

Les actrices, tout juste sorties de l’adolescence, qui ont incarné ces héroïnes « rohmériennes » ont certes pour la plupart décrit un homme habité de fantasmes de jeunes filles en fleur mais aussi un professionnel qui ne mélangeait pas tout. Laurence de Monaghan, l’interprète principale du Genou de Claire (1970), raconte dans Au travail avec Eric Rohmer (Capricci, 2024) : « Certes, il y a manipulation, mais pas de harcèlement, pas d’atteinte à l’image de la femme. Elle est un sujet de désir, ce qui la met plutôt en valeur. J’espère que les féministes d’aujourd’hui ne critiqueraient pas le film ! Le Genou de Claire reste dans un registre cérébral et a plusieurs degrés de lecture. On peut y voir une analyse quasi psychanalytique du désir, mais aussi un conflit entre celui-ci et la notion d’interdit lié à l’infidélité, voire de péché. Eric Rohmer était un fervent catholique qui avait certainement des désirs pour les jeunes femmes. » Mais qui s’en tenait là.

 

 

 

Que nous fait la fiction ? Elle nous formate. Elle rend désirable ce qui se passe à l’écran ou dans les livres, lorsque cela est amené sans ironie ni distance critique. La chercheuse Brigitte Rollet s’interroge sur la fameuse scène du mambo dans le film de Roger Vadim Et Dieu… créa la femme (1956) dans laquelle l’actrice danse de façon suggestive, comme déchaînée. Cette séquence, devenue l’image de la liberté, a été célébrée par Simone de Beauvoir elle-même dans un long texte publié, en anglais, dans Esquire, en 1959.

Ce film, certes, « renversait les tables », note Brigitte Rollet, et raconte une « femme libre », mais une « femme libre de quoi ? » : une femme qui se marie avec celui qui n’est pas son premier choix. Sur ces jeunes héroïnes, le regard porté est non seulement sexuel mais tragique. « La mort d’une belle femme est, incontestablement, le plus poétique sujet du monde », écrivait le poète américain du XIXe siècle Edgar Allan Poe, ce à quoi l’essayiste américaine Rebecca Solnit rétorque aujourd’hui sans ironie : « J’essayais de ne pas être le sujet poétique d’un autre et de ne pas me faire tuer », dans son essai Souvenir de mon inexistence (L’Olivier, 2022), consacré à ses années de jeunesse.

Une autre histoire, portée par des réalisatrices

Toutes les jeunes filles ne meurent pas au cinéma. Une autre histoire, portée par des réalisatrices, existe : celle de jeunes femmes qui ne sont pas sculptées, modifiées, abusées par des hommes. Celle-ci a longtemps été plus confidentielle, mais elle n’en a pas moins existé. Agnès Varda filme Sandrine Bonnaire dans Sans toit ni loi (1985). Chantal Akerman filme Lio dans Golden Eighties (1986) et propose un Portrait d’une jeune fille de la fin des années 60 à Bruxelles à la télévision française en 1994.

L’âge adulte qui pointe et le désir désordonné sont explorés par Catherine Breillat dans Une vraie jeune fille (1976), 36 Fillette (1988), ou encore Une vieille maîtresse (2007). Ce sont des personnages féminins qui ne sont ni des partenaires ni des objets de désir mais des sujets désirants. Elles ne sont plus des figures éthérées ou des proies : elles existent. Des dizaines et des dizaines de longs-métrages proposent un autre regard sur cette figure pour la nuancer, la libérer.

 

 

Au fil des années, ce cinéma-là a pris de l’ampleur, gagné de la reconnaissance. Si bien qu’existent aujourd’hui des rôles de jeunes filles qui n’obéissent pas au regard des hommes. Dans cette cinématographie, Brigitte Rollet distingue Portrait de la jeune fille en feu (2019). Dans ce long-métrage, consacré à la relation entre une peintre et son modèle, et qui ne comporte aucun rôle masculin, Céline Sciamma s’attache à des figures féminines émancipées chez qui la soif d’indépendance guide chacune des actions. Dans ce film, la jeune fille est libre.

 
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#MeToo dans le cinéma français : le silence assourdissant des hommes face à la parole des femmes

#MeToo dans le cinéma français : le silence assourdissant des hommes face à la parole des femmes | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Marie Sauvion dans Télérama - 23 février 2024

 

 

Si les témoignages d’actrices dénonçant un système de prédation intolérable se multiplient, on n’a en revanche pas beaucoup entendu de soutien du côté des acteurs. Les César de ce soir se feront-il enfin l’écho de leur solidarité ?


Vous le sentez monter, le suspense, à quelques heures de la cérémonie des César 2024 ? On ne parle pas de la distribution de compressions dorées par les professionnels de la profession, dont on peut se moquer éperdument ou s’amuser, au choix, entre bingo annuel et satisfaction de voir ses chouchous récompensés. Ni même du duel au sommet entre Anatomie d’une chute et Le Règne animal, deux triomphes tant critique que public, qui mettent, quoi qu’il arrive, du rose aux joues du cinéma français. C’est autre chose, en l’occurrence, qui se jouera ce vendredi soir 23 février sur la scène de l’Olympia. Une histoire de parole et, peut-être, de solidarité masculine.

Les actrices se sont courageusement exprimées ces dernières semaines (et ces derniers mois, et ces dernières années, en réalité) sur les abus de pouvoir qu’elles subissent dans l’exercice de leur profession. À commencer par Judith Godrèche, qui vient de porter plainte pour viols sur mineure contre les cinéastes Benoît Jacquot et Jacques Doillon, et dont on a appris, jeudi 22 février, qu’elle était poursuivie en diffamation par ce dernier. Il se dit qu’un micro sera tendu à l’autrice de la série Icon of French Cinema au cours de la cérémonie. Il se sait qu’Agnès Jaoui, honorée pour l’ensemble de son œuvre, prononcera un discours. Mais quid des hommes ? Où sont-ils, dans cette révolution qu’espèrent leurs partenaires et amies ?

 

« Le cinéma, c’est surtout des acteurs », soulignait récemment Anna Mouglalis, membre fondatrice de l’Association des acteur.rices (l’ADA), dans un débat diffusé sur Mediapart. « C’est eux qui occupent le devant de la scène, c’est eux qui sont mieux payés et qui ne vivent pas du tout cette pression-là. […] Et c’est terrible qu’ils ne prennent pas la parole et ne nous soutiennent pas, parce que pour l’instant, je les trouve assez silencieux, c’est incroyable ! » Le voilà, le suspense inédit des César 2024 : ce soir, peut-être, des hommes en smoking prendront le parti de leurs partenaires et amies. Sans effacer les génies ni assassiner la présomption d’innocence, juste avec des mots simples : « On vous croit, on est avec vous. »

 

 

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Avec Isabelle Huppert, aux répétitions de la «Bérénice» solitaire de Castellucci 

Avec Isabelle Huppert, aux répétitions de la «Bérénice» solitaire de Castellucci  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Anne Diatkine dans Libération -  23 février 2024

 

 

Au théâtre Jean-Claude-Carrière, le metteur en scène italien Romeo Castellucci propose une adaptation dépouillée de Racine, portée par une comédienne irradiante. «Libération» a assisté aux ultimes répétitions.

 

 

Le grand metteur en scène Claude Régy disait qu’il travaillait au fil du temps à rendre son théâtre de plus en plus rétif à toute photographie. On entrait dans un rêve, on le quittait à pas retenus, pour retourner dans une dimension quotidienne, celle où, la plupart du temps, ni les mots, ni les objets, ni les gestes, ni les usages, ne se dérobent. Béréniceimaginée par Roméo Castellucci et portée par Isabelle Huppert, irradiante et solitaire, baigne elle aussi dans un crépuscule dont la matière ne se laisse pas saisir par une photo, une image, résumer par une formule. Dans le luxurieux domaine d’O, le centre d’art qui produit le spectacle, on se glisse dans la salle du théâtre Jean-Claude Carrière à Montpellier, on pénètre dans une intériorité, songe, cauchemar, esprit, cela se précisera plus tard. La scène est dénudée, bordée de lourds rideaux anthracite. Aride ? Non, pas vraiment. Mais en tout cas, au grand jamais illustratif.

 

 

A une poignée de jours des premières représentations, on sait bien qu’on dérange durant ces heures si précieuses où le temps ne fait que manquer. Pourtant, Romeo Castellucci tout comme Isabelle Huppert, en baskets et survêtement, sont d’un calme royal, bien que cette Bérénice évoque moins une reine, que tout un

chacun abandonné, privé non de l’amour, mais de son existence charnelle, la présence de Titus. L’actrice et le metteur en scène forent. Ils creusent le cauchemar de l’absence, qui se matérialise par une stridence, une amplification de la voix jusqu’au déraillement, la sensation d’une fraiseuse sur la dent. Puis soudainement, le calme. La voix est pure, la langue surgit comme privée de l’armature de l’alexandrin, étoile filante si naturelle qu’on l’utilise immédiatement dans un texto : «Mais de mon amitié, le silence est un gage.»

 

Ombre chinoise

 

Attention, ne pas se méprendre. Ici, les mots sont bien ceux de Racine, mais cousus en monologue sans les répliques de Titus et d’Anthiotus. L’effet est celui d’une scène intérieure. Du coup, la référence à Régy et 4.48 Psychose de Sarah Kane qu’incarnait Isabelle Huppert il y a deux décennies se superpose dans la mémoire. Parfois, des répliques des autres personnages raciniens surgissent projetées par bribes en hauteur et différentes strates se mêlent comme lorsque l’œil peine à accommoder. Des mots se nichent dans les plis de tissus grèges. A propos des alexandrins, et la difficulté de les faire entendre comme lavée de leur musicalité, ou sortis de leur «cage» comme le dit Castellucci, le metteur en scène nous livre : «La langue de Racine, cache autant qu’elle dit. Il y a une obscurité dissimulée par la perfection de la forme. C’est une trappe, un piège. La beauté cache l’abîme, Bérénice marche sur un voile de glaçons.» Au loin, dissimulés par des rideaux, derrière Bérénice, un groupe d’hommes, les sénateurs, menaçants, devise en ombre chinoise. Bérénice n’en paraît que plus vulnérable. Repli du coude et du poing gauche quand des phrases s’échappent, comme si l’actrice boxait avec ou contre elle. D’elle, le metteur en scène italien dit sans détour : «Il faut une actrice radicale comme Isabelle pour aborder l’un des textes les plus radicaux de l’histoire occidentale. La radicalité, au sens propre du terme, que je n’ai pas peur d’utiliser, est un point d’entrée dans la pièce. Avec Isabelle Huppert, feu central du théâtre, pour incarner Bérénice, l’enjeu est d’exprimer avec elle l’hardcore du théâtre.»

 

A une poignée de jours du début des représentations, quand rien n’est encore tout à fait fixé et encore moins rodé, la mise en scène et l’actrice laissent voir cette recherche du plus grand dépouillement, écrin à l’immense solitude sans issue ni subterfuge d’une Bérénice-Isabelle, dans une pièce dépourvue de péripéties ou d’anecdotes : «Il ne s’y passe presque rien, c’est quasi déjà du Beckett. Il y a trois personnages, mais le texte est un monument à la solitude, causé par la parole. Plus les personnages parlent, plus ils s’éloignent l’un de l’autre. C’est une invention dramaturgique extraordinaire : «Je l’aime et je le fuis. Il m’aime, il m’abandonne»», analyse le metteur en scène.

 

Intemporalité

 

Souplement et sans courir, il monte sur le plateau. Défait un mouvement, en propose un autre, suggère un déplacement de la tête, dans l’épaisseur ouatée de cette nuit intérieure. Peu d’indications directes sur le texte, et pourtant, tout mouvement du corps en réveille le sens. «C’est très beau, Isabelle, lorsque tu dis ce mot tourné vers le miroir, devant le radiateur.» Ou encore : «Là, il faut absolument que tu prennes un temps.»

 

Au fil de la répétition, ce qui frappe n’est pas tant l’intemporalité du chef-d’œuvre, ce qui est la moindre des choses, que les strates temporelles qu’il projette, autant vers le futur qu’en direction des temps les plus anciens. Cette femme seule, dont on ne sait complètement à qui elle s’adresse, ni où, ce pourrait aussi être une actrice qui revoit sa vie, imagine Isabelle Huppert que l’on croise pendant une courte pause, où il s’agit d’essayer en même temps une couronne translucide. L’actrice poursuit comme pour elle-même : «C’est pas mal de prendre le théâtre non pour ce qu’il n’est pas quand il est une machine à faire croire, que pour ce qu’il est.» La comédienne a gardé l’image d’un bébé seul sur scène, pendant plusieurs minutes, sans aucune protection, récurrente dans plusieurs mises en scène de Castellucci. «Sur ce plateau, je peux me sentir aussi dépouillée que ce bébé. Castellucci nous fait toucher du doigt ce qu’est être réduit à sa présence pure, sans rien d’autre.»

 

Du 23 au 25 février au Domaine d’O, théâtre Jean-Claude-Carrière à Montpellier, puis du 5 au 28 mars au théâtre de la Ville à Paris.

 
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