Revue de presse théâtre
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Spécial confinement : une liste de captations de spectacles et de concerts, de films rares et de documentaires libres d'accès.

Spécial confinement : une liste de captations de spectacles et de concerts, de films rares et de documentaires libres d'accès. | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Les Palmiers sauvages, d’après W. Faulkner, adaptation et mise en scène Séverine Chavrier (création en 2014, captation en 2018 https://vimeo.com/261655328

 

 - Le pays lointain (un arrangement)  d'après Jean-Luc Lagarce mis en scène par Christophe Rauck - 2018 Théâtre du Nord
Mot de passe : cdipayslointain  (en minuscule cette fois)

 

Cie XY - Rachid Ouramdane  :   Möbius    (2019)   https://www.france.tv/spectacles-et-culture/1313259-mobius-par-la-cie-xy-et-rachid-ouramdane-a-la-maison-de-la-danse.html

 

28 mars : Cie XY : Domino, tourné dans la nature (film, 2015, 19 mn) : https://www.youtube.com/watch?v=hKXUhBwUUTk

 

Ogres, de Yann Verburgh, mise en scène Eugen Jebeleanu  https://vimeo.com/209836645/20030759d5

 

- Einstein on the Beach, opéra de Philip Glass et Bob Wilson, captation à Paris en 2014, 4h30 https://www.operaonvideo.com/einstein-on-the-beach-paris-2014/?fbclid=IwAR31QXXL30nJvke2V7pH64oJ9g2-itCSa5z1K3CmrNcNe1oUlwe1h0XU7gc

 

-  En route, Kaddish, texte et mise en scène David Geselson (2018) https://vimeo.com/128392869

 

- Traviata, vous méritez un avenir meilleur, opéra d’après Verdi, conception Judith Schéma, Benjamin Lazar et Florent Hubert (2016) https://vimeo.com/263537425?ref=fb-share&fbclid=IwAR1F55d63uhv49irt27OrIp-Uf9Nj-91MffboVWDMI-YlAYzExjfnm71E-g 

 

-  Molière d’Ariane Mnouchkine (film en version intégrale, 1978, 4h)   https://vimeo.com/374604317?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR2n1WXwNAYgn4ohOZqaQFQwwKBDfOdz0mqeT7wzeGm-eKLK91YQSSpLs14

 

Macbeth Underworld, opéra de Pascal Dusapin, mise en scène Thomas Jolly, production Théâtre de la Monnaie et Opéra-Comique (2019) https://www.youtube.com/watch?v=XwCo7VARZlQ&feature=emb_share&fbclid=IwAR1BK-Ieqv2ZRXFp8nlrq-glVHF1zyitAyYV76wcSfZKLx7ggj0n_7AzNvE

 

- La Symphonie du Hanneton (James Thierrée) création en 1998, captation en 2005     https://www.youtube.com/watch?v=QjykYSfW-Bw&feature=share&fbclid=IwAR0t78bivZH4SSIphHiED89t2M7oqe-dyVkIjL_Oq_yI8SJxtIE9MFW52hU 

 

- film Un homme qui dort (Georges Pérec)  1966     https://www.youtube.com/watch?v=UaIXUXdYthA&feature=share&fbclid=IwAR2ViYPr-YWKFueFtxo19DhWxY4fit-ngnHYBF2zyi6z187UGOoWUf8n-ZI 

 

-  By heart de Tiago Rodrigues (podcast France Culture)  https://www.franceculture.fr/emissions/latelier-fiction/heart-de-tiago-rodrigues-0?fbclid=IwAR0pN9HmXORtemJBAq1sq1ELn8PS21TbeYufnIJ0aAmxl5apFfOfaxLRMEM 

 

- Masterclass Valérie Dréville  (reportage)   https://www.youtube.com/watch?v=rmx8-YjsR08&feature=share&fbclid=IwAR2u-zWa-SYFyOOuKj_Rn8x9cC39oTxE6ruDdFvVgDGtSgO6-CRbrEJ8aWY

 

- L’amour existe, court-métrage de Maurice Pialat (1966, 19 minutes) https://vimeo.com/200049162?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR0W1NJoKiV_AH8Uxnt1HzMFQayRw7GHP0NK7LR97q1BKgFT8UHMtn3xwi0 

 

- Le Misanthrope, de Molière, mise en scène Stéphane Braunschweig (2004) https://www.youtube.com/watch?v=12twXcL58YA&feature=share&fbclid=IwAR2qmd1lhkzngif-PtTxTzS0dz5IHVwUTmjA-n-_OvDUbozadAuhutcfFxw 

 

- Hate de Laetitia Dosch (2018)

 https://vimeo.com/286471233?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR0Xt8svvebJJfLp49tDLZu83yLeEvNbPS6lauh58x0WHEMFabjLjVBu5MI 

 

Vera de Petr Zelenka, mise en scène Marcial di Fonzo Bo / Elise Vigier, avec Karine Viard (captation 2016)   https://vimeo.com/399934741?fbclid=IwAR0n8i48LgG19pJixJ203wYxtyvpQZVV5ci4ddtSjE1T0h5jIoDhmlj6ZyU

 

- Un jour Pina a demandé documentaire de Chantal Akerman sur Pina Bausch (1983) https://www.youtube.com/watch?v=JsxpLQ-VKaA&fbclid=IwAR1o1DePrZejY3MWqR4bU4oMD4sYl23p9hBXubXc6ipGeNqGP0wHGtFl0fo 

 

-  Daddy, vidéo d’une chanson nouvelle de Yaël Naïm (2020)  https://www.youtube.com/watch?v=uNzp5eMAtmc&feature=share&fbclid=IwAR3tjm-1fzUZEwTGJiKv2_deRVqkOj6YNQB01WwRnxH6nMM5ekPvH9xLsUY 

 

- Barbara, chansons pour une absente, documentaire (2020) https://www.arte.tv/fr/videos/073088-000-A/barbara-chansons-pour-une-absente/

 

-  Inside performance de Dimitris Papaioannou (2011)   https://vimeo.com/papaioannou/inside?ref=fb-share&1&fbclid=IwAR3fhTHVEbtE7IxzM-KQsDInvst_laERB3DwWcopIK_e5pmG7NNtAK5KjbU 

 

-  Since she de Dimitris Papaioannou (2018), trailer 4 mn    https://www.youtube.com/watch?v=Is1iWYNxfAo&feature=share&fbclid=IwAR17kZ6VJkZyJa2A0LDL3daHaMU1dDkDgSj2qvN823O3lNHVn08zp4n9RyQ

 

-  Bande annonce de The Great Tamer chorégraphie de Dimitris Papaioannou (2017) https://www.youtube.com/watch?v=fRcuwLK4YE8&feature=share&fbclid=IwAR3ruj0Pa9fFQF_ss1k3nld_fXsz9UDhg9tMyqJWjRJ9LbBhYsj4lE-ykyE 

 

-  Clair de Lune : Alexandre Tharaud Joue Debussy, Yoann Bourgeois au Trampoline (2018, 5 mn)   https://www.youtube.com/watch?v=SFRiHQ-Lwzk&feature=share&fbclid=IwAR3x7oucXcwn4AAkiPP8fDnKaA9iVwQpyzggdjF53BuQH4n4ZVOBanLDV1s 

 

- Démons de Lars Norén, mise en scène Lorraine de Sagazan (2018) https://vimeo.com/398790891

 

-  Concert de Jakub Jozef Orlinski (chant baroque) 2018 https://www.youtube.com/watch?v=8WDdVvrCZIY&fbclid=IwAR1qCYb29AziK_qx-4SbomQ-xCVs5RMBci_mTsf4VRArT9VbetwskVxBZy4 

 

Peter Brook invité de l’émission « 28 minutes », 2020 https://www.arte.tv/fr/videos/088472-124-A/28-minutes/

 

-  Festival d’Avignon - Mesdames, messieurs et le reste du monde, dirigé par David Bobée : Carte blanche à Virginie Despentes     https://www.festival-avignon.com/fr/webtv/Mesdames-Messieurs-et-le-reste-du-monde-jour-7-Carte-blanche-a-Virginie-Despentes-72e-Festival-d-Avignon

 

-  Trois oeuvres de la compagnie Peeping Tom : Le Jardin (film, 2002) Le Salon (spectacle filmé, 2005), Le Sous-Sol (spectacle filmé, 2007) https://vimeo.com/showcase/peepingtom/ 

 

-  Pierre Guillois / Rébecca Chaillon au Festival d’Avignon 2019 « Sa bouche ne connaît pas le dimanche »    https://www.france.tv/spectacles-et-culture/theatre-et-danse/1048171-festival-d-avignon-2019-sa-bouche-ne-connait-pas-de-dimanche.html

 

- Kontakthof, Pina Bausch (1979, captation vers 2005)    https://www.youtube.com/watch?v=pA2WGonbkA8&feature=share&fbclid=IwAR37KDa-2R--JnWpCvywJy78TNPg3dazoH_KiNnlZZZFagWDZz_98prukn0 

 

-  Les contes d’Hoffmann, opéra d'Offenbach mise en scène Kr. Warlikowski https://www.arte.tv/fr/videos/094264-000-A/les-contes-d-hoffmann-de-jacques-offenbach-a-la-monnaie/?fbclid=IwAR1uBuY4rjOvXtkMlljhtRRXr4E2lwvNR0B8FJh2nsRHIbsQkKMWsk_2rjE 

 

-  Comment s’en sortir sans sortir, récital du poète Gherasim Luca, réal. Raoul Sangla (1988) https://www.youtube.com/watch?v=jIX0xqFxvcw&feature=share&fbclid=IwAR21Pd12hxkbONai14Lo8p57RFCOeS_vSRcBWNKpMRSF3MdIn8fcYC5BwcY 

 

-  Stabat mater de Pergolèse concert avec Ph Jarrousky , direction Nathalie Stutzmann https://www.youtube.com/watch?v=qzOmPUu-F_M

 

-  L’Ecole des femmes, Molière, mise en scène Stéphane Braunschweig, Production de l'Odéon-Théâtre de l'Europe (2018)   https://vimeo.com/327310297

 

-  Concert de Nina Simone, live in Antibes (1969) https://www.facebook.com/nina.simone/videos/757434251346152/UzpfSTE3OTA3NTMxNDY6MTAyMTMwNDgzNDIzMjE4MjA/

 

-  Conférence des choses, Pierre Mifsud, et François Gremaud    www.2bcompany.ch

 

-  Les Indes Galantes, opéra de Rameau, mise en scène Clément Cogitore, 2019 Production de l'Opéra national de Paris    https://www.arte.tv/fr/videos/091145-000-A/les-indes-galantes-de-rameau-a-l-opera-de-paris/?fbclid=IwAR2S6cnqpNcTIXx5Si2VXki38sOY_lVslRml2-9GqRO4rQbi3gE6BDtd7mA 

 

 

-  l’Orfeo de Monteverdi (opéra)  direction Jordi Savall, captation de 2002 https://www.youtube.com/watch?v=0mD16EVxNOM&feature=share&fbclid=IwAR3Aio-RqXpxH8Irg-tkLleRbtAIZp46D3KRuhnU81bK_pRuhBJEig0qN1I 

 

-  Elvire Jouvet 40 de Brigitte Jaques, réalisation de Benoit Jacquot (1987) https://www.youtube.com/watch?v=E-3csrQu5yI

 

-  Festival mondial du cirque de demain     https://www.arte.tv/fr/videos/094969-000-A/41eme-festival-mondial-du-cirque-de-demain/?fbclid=IwAR2zo5zRaNU5claedEfpyf6f3QUTDNd-zBvDm4rFt4_ZXmqYv6jaF90tYG0

 

Cinéma

Andrei Roublev, d’Andreï Tarkovski (1966) :   https://www.youtube.com/watch?v=0cIn7_feQyA 

 

La société du spectacle de Guy Debord (1973) : https://www.youtube.com/watch?feature=share&v=xGN5N3vrbLE&fbclid=IwAR3z7tbeexOeEBsTGbnY2dphX9X1PsnhJakQwSQEoN1D8F8xTq5qJrTIapE&app=desktop


 

 
 
 
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Comment utiliser au mieux la Revue de presse Théâtre

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Julie Dupuy's curator insight, January 15, 2015 9:31 AM

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La classe ! Zebda en profs d'éveil musical pour 200 élèves de Seine-Saint-Denis

La classe ! Zebda en profs d'éveil musical pour 200 élèves de Seine-Saint-Denis | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Camille Bauer dans L' Humanité -  Vendredi 5 Mars 2021


Ouverture sur le monde, apprentissage de la musique, travail en commun... Des élèves des écoles de Montreuil ont accueilli Mouss et Hakim, deux piliers de l’ex-groupe Zebda, pour lancer un programme d’initiation qui va durer toute l’année. Avec des sessions endiablées à la clé. Nous y étions aussi.

« C’était le meilleur truc de toute ma vie. Mouss et Hakim, ils sont vraiment sympas, drôles et gentils », s’enthousiasme Zélie. Autour d’elle, ses copains de la classe de CM1 de l’école Stéphane-Hessel, à Montreuil, en Seine-Saint-Denis, se bousculent pour prendre la parole. Tous sont ravis de l’heure et demie qu’ils viennent de passer à chanter et à discuter avec les anciens membres du groupe Zebda. « C’était super. On s’est amusés, on a chanté et on a découvert de nouvelles chansons », renchérit Errol, un grand gaillard aux cheveux longs.


 200 enfants participent à cette aventure d’éveil
La session de répétition avec les stars toulousaines s’inscrit dans un programme d’initiation qui va durer toute l’année. « L’idée, c’est de favoriser la découverte de la musique et de rendre accessible son apprentissage, en utilisant l’oral au lieu des méthodes académiques. On souhaite que les jeunes découvrent une pratique sociale de la musique », explique Éric Schirmacher, directeur adjoint et coordinateur des projets de l’association Villes des musiques du monde, à l’origine de ce projet. Les enfants qui participent à la Cité des marmots bénéficient d’une heure de musique par semaine. Le programme essaime dans toute la Seine-Saint-Denis. À Montreuil, 200 enfants participent cette année, grâce au soutien de la municipalité PCF, qui finance l’aventure. À la mairie, on est d’ailleurs ravi de la participation de Mouss et Hakim : « L’engagement du groupe correspond à celui de la ville et entre en résonance avec les parents. »

Ce projet crée de la cohérence dans le groupe classe. 
DAVID CARDINAL, directeur de l’école

Le groupe fait travailler aux minots leur volume, leur tempo
Dans la grande salle polyvalente de l’école, les enfants, assis par terre, écoutent les yeux rivés sur leurs professeurs d’un jour. « Ce qu’on va partager ensemble, c’est la musique », annonce Mouss. Malgré les masques, des dizaines de petites voix montent dans les aigus et redescendent dans le grave en suivant les consignes du musicien. Sa main accompagne les sons en mimant une trompe. « On appelle ça l’éléphant », dit-il. Le groupe fait travailler aux enfants leur volume, leur tempo. Rémi, le comparse des deux ex-Zebda, cheville ouvrière de l’aventure, tape sur ses cuisses et dans ses mains, bientôt suivi en cadence par les petites menottes. « Ben vous avez le sens du rythme. Ça s’est réglé », commente Mouss avec satisfaction. Le travail en commun est un apprentissage. « Ce projet crée de la cohérence dans le groupe classe », observe David Cardinal, directeur de l’école.

C’est important pour les enfants, ça leur donne le droit d’exister dans la langue de leurs parents. 
MME TAUPIAC, institutrice

Une porte ouverte sur un monde fraternel et mélangé
Découvrir Zebda, c’est aussi ouvrir une porte sur un monde fraternel et mélangé. « La première chanson qu’on va faire avec vous a été écrite en arabe algérien. Elle vient du Mexique, puis a été écoutée en Espagne, avant d’arriver en Algérie. La musique a toujours circulé, bien avant Internet et les réseaux sociaux », explique Mouss. D’origines diverses, les enfants se retrouvent dans cette façon qu’on les ex de Zebda de mélanger toutes leurs identités, toulousaine, française, maghrébine, mais aussi espagnole ou italienne, apportées par leurs amis, « la famille de cœur », comme ils disent. « C’est important pour les enfants, ça leur donne le droit d’exister dans la langue de leurs parents », se réjouit M me Taupiac, l’institutrice. « On est dans la transmission. On passe un répertoire partagé, mélange de notre jeunesse d’enfants d’ouvriers dans un quartier populaire et de nos rencontres avec des militants occitans. Au cœur de tout ça, il y a l’idée, qu’on a toujours défendue, que le multiculturel n’est pas un échec. C’est une réalité qui nous habite », résume Mouss. Nina, une petite brune qui chante avec entrain, apprécie le voyage. « On découvre des musiques d’autres pays, du coup, on n’est même plus obligé d’y aller pour les connaître », confie-t-elle.

Une bouffée d’air attendue par tous
Bella ciao est le clou de la matinée. Les enfants ignorent tout de l’histoire de la chanson mais ils la connaissent et reprennent sans hésiter le refrain. « C’est la base, tout le monde connaît », lance un peu bravache Dembo. Une reprise par le rappeur Maître Gims et une utilisation dans la série populaire la Casa de Papel ont assuré la diffusion auprès des jeunes générations du vieux chant révolutionnaire. Passeurs de culture militante, les ex-Zebda sont ravis d’en faire découvrir le sens à leur jeune auditoire. « C’est une chanson très ancienne écrite par des femmes en Italie pour se donner du courage mais aussi pour revendiquer, rappelle Mouss. C’est une chanson qui a de la valeur dans le cœur des gens. On est contents que vous la connaissiez. »

J’ai fait le plein d’adrénaline, lance-t-il ravi. Un moment comme ça, ça a la valeur d’un concert.
MOUSS

En principe, le travail de l’année aboutit à un concert de restitution devant les parents et les habitants. Mais l’ombre du Covid plane et les enfants en ont bien conscience. « J’ai peur qu’ils ne puissent pas venir », murmure Jordan, un petit blond en jogging. En attendant, rendez-vous est pris pour une nouvelle session de travail en avril. Cette bouffée d’air est attendue par les élèves, les enseignants et même par les chanteurs, privés de public depuis un an. En sortant de la salle, Mouss respire un grand coup et allume une cigarette. « J’ai fait le plein d’adrénaline, lance-t-il ravi. Un moment comme ça, ça a la valeur d’un concert. »

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La forme des nuages : Se construire, de Jana Klein et Stéphane Schoukroun

La forme des nuages : Se construire, de Jana Klein et Stéphane Schoukroun | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Guillaume Lasserre dans son blog Un certain regard sur la culture" 6 mars 2021

 

Reconstitution d’une enquête sur le quartier des Beaudottes à Sevran et ses habitants, « Se construire » de Jana Klein et Stéphane Schoukroun fait dialoguer récit collectif et vécu intime dans les collèges de la banlieue parisienne avec la complicité du Théâtre de la Poudrerie.

 

« Bonjour. 2 ans et 6 mois après le premier confinement. On est très heureux de vous retrouver aujourd’hui. On pensait pas que ce serait encore possible. De vous voir en vrai. On attend ce moment depuis 2 ans. Certainement, on a pensé à… on a pu se dire qu’on se retrouverait plus. Peut-être pas. Donc merci. Merci d’être là ». C’est dans un futur proche et sur ce constat inquiétant d’un confinement sans fin que s’ouvre « Se construire », pièce de Jana Klein et Stéphane Schoukroun, née pendant le premier confinement, qui propose de désamorcer les lieux communs de la construction familiale et de la vie dans les quartiers sensibles. Assignés à résidence comme l’ensemble de la population française, c’est depuis leur salon que Jana et Stéphane vont mener l’enquête sociale sur la cité voisine et ses habitants. Ils en réécrivent continuellement le récit à mesure que se prolonge le confinement. 

 

Tandis que Stéphane s’entraine quotidiennement à parler à un public qui n’existe pas pour le jour, de plus en plus hypothétique, où ils remonteront sur la scène d'un théâtre, Jana, résignée, n'y croit pas, du moins pas aujourd'hui. « On essaie, s’il te plaît on répète, on fait comme tous les jours, on fait notre spectacle » lui rétorque-t-il. Alors, elle s’exécute. « Un jour il y aura du monde » poursuit-il, « On arrivera bien par sortir d’ici ». Elle voudrait sortir tout de suite, rencontrer des vraies personnes, voir des visages entiers. La répétition commence malgré tout. Stéphane désigne des marquages au sol qui matérialisent la table familiale, là où l’on mangeait, où l’on se rassemblait. Cette table n’existe plus. Il l’a cassée en 2020. Au plafond, la projection vidéo d’un ciel nuageux fait office d’ouverture sur cet extérieur interdit. Elle indiquera la succession des jours et des nuits qui vient rythmer la monotonie temporelle, la même journée semblant se répéter sans fin. Le couple éprouve une sensation identique à celle qu’endurent les détenus d’une maison d’arrêt, celle du temps suspendu de l’enfermement. Les journées sont ici nommées mouvements.

Comme chaque jour, Jana se met à la fenêtre et regarde le voisin sortir de sa place de parking, tandis que Stéphane parcourt l’actualité des réseaux sociaux. C’est bien pratique. On y trouve la vie des autres. Les anniversaires y sont rappelés, les joies, les peines exprimées. Les faire-part de naissance ou de décès, comme ici celui de la mère d’un ami, y sont également publiés. Il y a longtemps que le facteur ne distribue plus, dans sa tournée journalière de courrier, que quelques lettres de rappel, de moins en moins de factures désormais électroniques, toujours des publicités. Stéphane appellera son ami plus tard. Il laisse sous le texte funèbre l’émoticon d’une rose. Oui, décidément, c’est bien pratique ces réseaux sociaux. Brusquement, il adresse une invective en direction de la porte. On comprend que celle-ci s’adresse à leur fille. La porte incarne celle de sa chambre qu’elle ne quittera pas du spectacle malgré les ordres répétés du père, l’enjoignant de sortir pour venir jouer à la famille modèle.

 

 
Légende photo : Se construire, Jana Klein, Stéphane Schoukroun, THEATRE DE LA POUDRERIE, Collège E. Gallois, Sevran 15 janvier 2021 © Fred Chapotat

 

Mythologie de la banlieue

L’exercice de montage auquel s’adonne Stéphane avec les témoignages des habitants de la cité, recueillis au cours des semaines précédentes par téléphone, est prétexte à un vif échange avec Jana qui lui reproche une certaine condescendance à l’égard d’une dame dans un entretien, et de jouer le mec des cités avec la fille de cette dernière. Jana reprend la parole de la jeune femme face à Stéphane qui l’interview. Le personnage passe d’une voix enregistrée à l’incarnation d’un corps. Naturellement, Jana devient elle un instant. Les personnages glissent parfois d’un corps à l’autre. La scène est belle, troublante.

 

Deuxième journée. Deuxième mouvement. La voix off reprend les mêmes informations que la veille. Seule la température change. Comme la veille, Jana se dirige vers la cuisine pour aller faire du café. Comme la veille, Stéphane lui répond qu’il n’y en a plus, lui interdit de sortir. Il exhorte sa fille à quitter sa chambre avant de poursuivre le montage mais en le tronquant complètement, manipulant les enregistrements pour démontrer ce qu’il veut démontrer : la vacuité des adolescentes d’aujourd’hui. « C’est pas un profil type » l’arrête Jana. A travers celles des quartiers, c’est le portrait de sa fille qu’il tente de dresser. « Si tu changes pas la question t’auras toujours la même réponse… » lui lance Jana. Les confidences téléphoniques renvoient le couple à sa propre incapacité de communiquer avec sa fille.

 

 

La deuxième nuit laisse échapper les voix de Livna et Aniella, deux adolescentes qui, depuis leur fenêtre, voient des choses qui n’existent pas, rêvent leur paysage pour y voir les belles choses alors qu’il n’y a rien à voir. De sa fenêtre, Stéphane voyait la forme des nuages. A son père qui, depuis sa maison en Tunisie, contemplait des orangers répond la vue imaginaire des adolescentes des Beaudottes. Jana et Stéphane se sont construits comme ça, parce qu’il n’y avait rien à voir de leur fenêtre respective, se sont rencontrés comme ça, continuent à voir des choses qui n’existent pas.

 

Troisième mouvement. La bienveillance de Marion, la prof du collège du quartier qui valorise la richesse culturelle de ses élèves, le cynisme du marché qui profite de la pandémie pour susciter le désir en lançant une nouvelle marque de masques hors de prix, le départ du voisin qui, un matin, a décidé de choisir la liberté face à la mer. Jana propose un café à Stéphane qui lui répond qu’il n’y en a pas. Pourtant, elle revient accompagnée d’un thermos qui en est rempli. Le bonheur simple d’un goût qui était quotidien et que l’on retrouve soudain marque la fin de l’enfermement. Stéphane propose d’amener Jana dans un collège de banlieue pour faire un atelier de théâtre avec une classe de troisième. Le résultat composera la partie fictionnelle qui vient clore la pièce. Ce collège c’est Evariste Galois dans le quartier des Beaudottes à Sevran. Nous y sommes. C’est le dernier jour de classe avant les vacances. La représentation se joue juste après le déjeuner. Entre digestions et têtes déjà ailleurs, les jeunes spectateurs – une classe de cinquième – ne sont pas loquaces. La discussion qui suit la pièce tourne court. « On dirait qu’il y a de la poésie » glissera tout de même l’un des collégiens, d’une voix discrète, presque gênée. De la poésie, « Se construire » n’en manque pas. La pièce contient aussi une bonne dose d’humour et de l’espoir, beaucoup d’espoir. Pour pouvoir se construire, il faut souvent déconstruire, ici, l’image des banlieues, celle qui colle à la peau des classes populaires, souvent racisées. Jana Klein et Stéphane Schoukroun s’y emploient, poursuivant une recherche sur la façon dont on se construit en banlieue parisienne initiée par Stéphane et la compagnie (S)-Vrai[1] à l’occasion d’une résidence aux Ateliers Médicis à Clichy-sous-Bois en 2017-18. Celle-ci avait donné lieu à la création de « Construire », spectacle inaugural du Lieu Ephémère des Ateliers, s’inventant à partir d’une simple interrogation : « Comment se construire dans un territoire comme Clichy ? »

 

 

Entre réalité et fiction, une mise en abime permanente

« Se construire » semble composé selon le principe des poupées russes. La pièce est une mise en abime permanente. Elle mêle théâtre documentaire et fiction, hyperréalisme et science-fiction. Elle passe par l’intime pour évoquer la vie dans les quartiers. Elle est chargée de l’histoire personnelle de Stéphane qui ressurgit à travers les clichés qui circulent sur les cités et leur population. Issu d’une famille très modeste de juifs séfarades originaires d’Algérie et de Tunisie, il connaît la charge discriminatoire qui pèse sur ces familles aux noms trop typés. La pièce renverse aussi les rôles pour proposer une autre représentation du père et, à travers elle, un autre modèle de masculinité. Stéphane communique difficilement, craque, s’emporte, se montre manipulateur, vulnérable, fait preuve de mauvaise foi. Loin de l’archétype du mâle infaillible et protecteur, il apparaît ici fragile, autorisant l’image d’un homme sensible, humain.

 

À l’origine, le duo souhaitait mener une enquête de terrain dans le quartier des Beaudottes à Sevran, à la rencontre de ses habitants, notamment de sa jeunesse, avec la complicité du Théâtre de la poudrerie qui, depuis 2011, inclut dans son projet les Sevranais considérés à la fois comme spectateurs, hôtes des représentations à domicile, acteurs, auteurs, faisant la part belle à la dimension participative. Un théâtre de la socialité qui, comme Stéphane Schoukroun et Jana Klein, accorde une place centrale à la rencontre, l’échange. L’interprète est questionné par le sujet autant qu’il le questionne. Finalement, le théâtre et la compagnie, structures jugées non essentielles, font œuvre de service public à l’endroit où celui-ci s’est retiré. L’enquête a été diligentée à distance en raison de la pandémie du coronavirus qui a obligé la compagnie à réinventer son protocole de travail. Une série d’entretiens téléphoniques, débutée en mars 2020, s’est substituée à la rencontre avec les résidents, leur permettant de dresser le paysage social d’un territoire grâce aux discussions engagées sur la place de la famille, la persistance des clichés, les modèles, le rap, l’argent, la drogue, la religion, l’omniprésence des écrans dans le quotidien. Ils ont aussi perçu la façon dont la nouvelle situation sanitaire, politique et sociale, aggrave des inégalités déjà importantes.

 

« On y a été finalement… on a vu… c’est ça les quartiers ? » lance Jana à Stéphane à la fin de la pièce. « Ce quartier là, c'est ça » lui répond-il. Rentrés chez eux, elle lui conseille d’aller enfin parler à leur fille. Avec humour, la pièce défait les clichés d’une société qui, en blâmant ses marges, a peur d’elle-même. Elle invente le réel d’une histoire commune, la nôtre. Comment se construire aujourd’hui ? À l’heure où une pandémie mondiale sert de prétexte à un tournant sécuritaire et raciste, renforçant la stigmatisation des populations périphériques, encore un peu plus marginalisées, Jana Klein et Stéphane Schoukroun poursuivent leur tournée dans les collèges d’Ile-de-France, ceux des quartiers plutôt populaires, enrichissant la pièce des discussions nées dans le débat qui s’engage avec les élèves spectateurs après chaque représentation. Autant d’échanges qui, pour le couple, font partie intégrante du projet. On se souvient alors du témoignage de Marion, la prof qui interroge la façon dont on se parle pour se comprendre : « Parce qu’ils sont très sensibles aux mots, le mot comme le regard, le langage, être compris et comprendre pour eux c’est très très important… c'est ce qui est au cœur de leurs préoccupations vraiment… » Elle est sans doute la première à les considérer vraiment, valorisant la richesse culturelle dont eux-mêmes ne sont pas conscients. Comme ces adolescentes qui imaginent en regardant de leur fenêtre des choses qui n’existent pas, il faut rêver l’horizon, supposer le paysage qu’il y a forcément derrière les murs, sublimer celui qui se trouve au-delà de la fenêtre. Face à la servitude contemporaine qui suspend l’humanité à la possibilité d’un confinement et de sa répétition perpétuelle, réapprendre à regarder la forme des nuages.

 

[1] Fondée en 2016 par Stéphane Schoukroun, metteur en scène, scénariste et comédien, la compagnie (S)-Vrai se nourrit, dans ses spectacles et performances, de témoignages issues des rencontres avec des habitants, des chercheurs, des adolescents, des artistes… « Des personnes de tous âges qui trouvent au théâtre un espace de réflexion et de jeu, un lieu d’échange et d’expression. Toutes les créations de la compagnie se tissent à partir de ce dialogue-là : la friction entre l’intime et le social, entre notre histoire et la façon dont nous choisissons de la raconter », http://www.s-vrai.com/compagnie/compagnie-s-vrai/ Consulté le 1er mars 2021.

 

Guillaume Lasserre

 

 

 

SE CONSTRUIRE - Conception/Écriture/Mise en scène/Jeu : Stéphane Schoukroun. Conception/Écriture/Dramaturgie/Jeu : Jana Klein. Création son : Pierre Fruchard. Création vidéo : Frédérique Ribis. Regard dramaturgique : Laure Grisinger. Dispositif vidéo et lumière : Loris Gemignani. Production : Compagnie (S)-Vrai et Théâtre de la Poudrerie 

 

Avec le soutien de la Ville de Sevran et de l’ANCT dans le cadre du dispositif « Cités éducatives ». Ce texte est lauréat de l’aide à la création de textes dramatiques - ARTCENA. 

 

La pièce a été écrite à partir de témoignages récoltés par Stéphane Schoukroun et Jana Klein, artistes de la cie, au sein du quartier des Beaudottes, pendant le confinement du printemps 2020, et au collège, lors de sa réouverture.

 

 

Depuis le mois de novembre 2020 et la fermeture des théâtres et plus largement de tous les lieux culturels, les seuls endroits où l’on peut faire des spectacles sont les établissements scolaires. Le Théâtre de la Poudrerie continue d’investir les collèges et lycées du département : des représentations ont notamment eu lieu à Bobigny (école Sup de Sub, partenaire du Théâtre), à Villepinte, Tremblay…

Théâtre de la Poudrerie
6, avenue Robert Bellanger
93 270 SEVRAN

Compagnie (S)-Vrai

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La très excellente et très pitoyable tragédie de Roméo et Juliette de William Shakespeare, mise en scène de Paul Desveaux.

La très excellente et très pitoyable tragédie de Roméo et Juliette de William Shakespeare, mise en scène de Paul Desveaux. | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello -  5 mars 2021

 

La très excellente et très pitoyable tragédie de Roméo et Juliette de William Shakespeare, traduction de Jean-Michel Déprats, mise en scène de Paul Desveaux.

Pour le metteur en scène Paul Desveaux, co-directeur avec Tatiana Breidi du Studio-Esca – Ecole supérieure de Comédiens par l’Alternance – d’Asnières-sur-Seine, la pièce de Roméo et Juliette créée ce début mars au Théâtre partenaire Montansier de Versailles, est une pièce sur l’élan d’une jeunesse qui se hisse au-dessus du conflit des générations. 

Le Prince de Vérone est une autorité morale qui rappelle aux ennemis en lice, Montaigu et  Capulet, qu’ils doivent cesser leur haine ancestrale; de même, dans la vie privée à laquelle le Prince ne fait pas allusion, les parents de Juliette devraient cesser de régenter la vie de leur fille. Le monde va vers un humanisme qui se méfie des certitudes, attentif aux doutes et aux instabilités d’un monde incertain que les guerres de religion attisent.

La pièce de Shakespeare renvoie sans cesse à deux clans opposés – le clan Capulet de Juliette et le clan Montaigu de Roméo. Or, la présence des citoyens sur la scène souligne que le conflit n’est pas seulement familial mais politique. Roméo est un héros romantique mélancolique, amoureux sans espoir de la belle Rosaline; à côté de lui, ses compagnons bruyants sont prêts à faire tourner leurs couteaux – Mercutio et Benvolio –  pour en découdre avec leurs adversaires traditionnels, tel le vindicatif Tybalt, un vrai Capulet.

 

D’obédience personnelle pacifiste, Roméo s’éprend de la vive Juliette dans la démesure d’une passion qui lui tiendra lieu de vie brève, comme à elle, et vécue dans la plénitude. 

L’évolution de Juliette est plus spectaculaire, soumise et obéissante d’abord, elle s’affirme subversive, en reconnaissant d’emblée l’amour éprouvé pour Roméo, mue par le désir de l’épouser. Elle refuse, en échange, haut et fort, le mariage que son père lui arrange avec Pâris, parent du Prince; déterminée à sauver sa passion, elle transcende les conflits et la mort. Tolérante comme Roméo, elle affirme, en femme libre, son désir à la face du monde.

 

Paul Desveaux s’est amusé à saisir de cette situation conflictuelle les scènes de rue turbulentes de West Side Story (1961) de Jerome Robbins, drame lyrique américain inspiré de Shakespeare, guerre de territoires et de pouvoir entre deux bandes rivales, socialement opposées. On pourrait évoquer aussi les faits divers de nos temps incertains, comme les affrontements meurtriers récents de bandes rivales urbaines de jeunes gens.                              

La mise en scène vivante de Paul Desveaux diffuse sur le plateau de théâtre une joie de vivre invincible, ce plaisir des jeunes gens entre eux qui goûtent l’instant présent, selon leur appartenance politique, tel clan ou tel autre, en signe de reconnaissance identitaire.

 

La chorégraphie de jean-Michel Hoolbecq est libre et rigoureuse, donnant de l’ampleur et du mouvement aux attroupements de jeunes gens déployés et mobiles qui s’affrontent; est  perçue aussi l’ambiance festive des bals et des réceptions depuis les palais de Vérone.

 

Sous les arrangements musicaux de Pierre-Antoine Lenfant – rythmes rock et contemporains ou variétés  mélos-, les garçons et les filles n’hésitent pas à dégainer leurs armes blanches, couteaux et dagues que chacun cèle personnellement dans sa botte.

Les compagnons de Roméo sont excellents, peps et humour, porteurs de cette langue shakespearienne traduite par jean-Michel Déprats, avec à-propos et distance rieuse.

 

Kim Verschueren est une Mercutio sûre d’elle, emblématique d’un bel esprit combattif. La comédienne fait duo avec Benvolio qu’incarne avec une grâce chorégraphiée le moqueur Anthony Martine. Pierre-Antoine Lenfant est l’ennemi Capulet, hargneux et velléitaire.

 

Pierre-Loup Mérieux, joue Pâris, le parent du Prince avec aménité et certaine élégance quoiqu’il soit l’ennemi de Roméo;  Ulysse Robin a toute l’urbanité du Prince de Vérone. 

Le sublime et le grotesque des esthétiques shakespeariennes tiennent bien leur partition.

Léna Bokobza-Brunet, quant à elle, joue Samson, le serviteur des Capulet avec bonhomie et sens du comique; de même, Léa Delmart est à la fois, Grégoire, autre serviteur fanfaron des Capulet, alors qu’elle est, par ailleurs, Balthazar, le serviteur fidèle de Roméo. Sur l’écran du lointain, on les voit filmés, conversant  sur la route de l’exil à Mantoue.

 

D’ailleurs, puisqu’il est question de scènes filmées, le public verra, en alternance avec les scènes de la représentation sur le plateau, les comédiens parlant librement, en solo, devant la caméra, de confinement coercitif et de couvre-feu trop long dont il faudra sortir.

 

Revenons à Shakespeare : Malou Vigier qui joue aussi Lady Montaigu, est une Nourrice ironique, clownesque, dansante, partagée entre le sérieux de la tragédie et le plaisir de l’instant sensuel de la comédie. Luca Bondioli est un Montaigu bon enfant et Fabrice Pierre en Capulet a la dimension machiste d’un père traditionnel, méprisant épouse et fille, quand il sort de ses gonds, soucieux de tranquillité. Lady Capulet, le verre à la main, ne se fait guère d’illusion, à travers le jeu désenchanté de Céline Bodis. Hervé Van der Meulen est un Frère Laurent humain et bienveillant qui fait plaisir à voir dans un monde aussi noir.

 

La scénographie de Paul Desveaux fait la part belle au volume de la scène qui laisse voir des structures métalliques étagées, avec leurs échelles, qui tiennent lieu d’appartement – la prison symbolique de Juliette chez les Capulet, parents qui l’empêchent de vivre. Sur le plateau de scène, s’animent la rue et les salles de réception des puissants, le cimetière silencieux et le tombeau des héros et des victimes afférentes, la chapelle de frère Laurent.

 

Et le couple du jour tient bien haut le flambeau sentimental et  poétique : Thomas Rio, pour Roméo, distille une verve sincère et une intensité juvénile rare, scandant sa partition verbale de grands vertiges lyriques; de même, Mathilde Cessinas pour Juliette, frêle héroïne mais solide, elle n’hésite pas à parler la langue âpre et hachée des banlieues, rythmant son phrasé de silences et d’arrêts, impulsant des sonorités graves dans sa mélodie intime – les jeunes d’hier parlent à ceux d’aujourd’hui, rebelles et déterminés. 

 

Véronique Hotte

Présentation du 2 mars au Théâtre Montansier 13, rue des Réservoirs 78000 – Versailles.

 
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Podcast. Irène Jacob : « Le théâtre, c’est l’instant, le présent, quelque chose de vivant »

Podcast. Irène Jacob : « Le théâtre, c’est l’instant, le présent, quelque chose de vivant » | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Propos recueillis par Géraldine Sarratia pour les Podcasts du Monde 6 mars 2021

 

PODCAST L’actrice est la nouvelle invitée du podcast « Le Goût de M ». Dans cet entretien, elle évoque son enfance, ses passions, et l’énergie qu’elle aime retrouver sur scène.

 

Ecouter le podcast

 

Irène Jacob est la nouvelle invitée du podcast « Le Goût de M » proposé par M Le magazine du Monde. La comédienne a répondu depuis son appartement parisien aux questions de la journaliste et productrice Géraldine Sarratia.

 

Irène Jacob évoque son enfance à Genève (Suisse) entre ses trois frères, son père astrophysicien au CERN, qui aimait dessiner des flip books de personnages de cartoons, et sa mère qui, après quelques années passées au foyer, a repris ses études pour devenir psychothérapeute pour enfants. Très jeune, la future comédienne développe un fort intérêt pour les histoires, les déguisements. « Mon père m’a donné le goût des chats et du cinéma », confie-t-elle. Sa mère la pousse davantage vers la musique. Deux passions artistiques qui lui permettent d’accéder à son premier rôle au cinéma : celui d’une professeure de piano dans le film Au revoir les enfants, de Louis Malle. En attendant de retrouver Krzysztof Kieślowski pour La Double Vie de Véronique, qui lui vaut un prix d’interprétation à Cannes en 1991.

Grande amoureuse des couleurs et de la cuisine italienne, Irène Jacob a trouvé dans la culture slave la force de l’expression des sentiments jusqu’au tragique. Elle préfère les maisons qui ont de la vie, un peu de « bordel », au look propret des intérieurs qui singent l’esthétique des hôtels. Une énergie qu’elle aime retrouver sur scène. « Le théâtre, c’est l’instant, le présent, quelque chose de vivant », s’enthousiasme-t-elle. Ainsi les comédiennes qu’elle admire le plus – Gena Rowlands, Giulietta Masina ou Marie Trintignant – ont cette capacité à aller dans les extrêmes. « Pour moi, le goût, c’est une émotion. »

 

Un podcast produit par Géraldine Sarratia (Genre idéal)

Réalisation : Sulivan Clabaut

Musique : Gotan Project

 

 

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Médée, metteure en scène de ses forfaits 

Médée, metteure en scène de ses forfaits  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 4 mars 2021

 

Le metteur en scène Christian Esnay revient une nouvelle fois à Euripide avec une intense « Médée » interprétée par Marie Desgranges. L'actrice montre combien ce personnage aussi attachant que terrifiant, est, sur le plateau, celui qui règle le tempo des événements diaboliques.

 

Scène de "Médée" © dr

 

Au premier plan du film de Philippe Garrel, L’amant d’un soir, une jeune femme pleure. On entend ses sanglots, ses hoquets, un râle continu. On la voit assise contre un mur, sonnée de douleur, comme anéantie. A la première scène de la Médée d’Euripide dans la mise en scène de Christian Esnay, tandis que la nourrice raconte l’histoire de sa maîtresse, cette dernière, mère de deux enfants encore petits, pleure, se lamente. On entend ses râles, mais on ne la voit pas. Elle se tient derrière un long rideau au fond et au centre de la scène. Film ou pièce, chacune pleure l’homme qui vient de les quitter.

 

On peut voir ou revoir le film de Garrel ( en ce moment sur Arte replay ou en DVD) on ne peut pas voir le spectacle d’Esnay. Filmer la représentation ne serait qu’un succédané, un matériau pour la mémoire, non pour le temps présent. Quoiqu’on en dise en haut -lieu ou dans les théâtres qui parlent de «  direct » et autre streaming à heure dite. Le film de Garrel, faute d’être vu actuellement dans une salle de cinéma, peut l’être dans un salon sur un téléviseur de belle dimension ou, mieux, un grand écran digne d’une salle art et essai modeste, qu’offre un vidéo projecteur. Médée et toutes les pièces de théâtre portées à la scène ont besoin du temps de la représentation, de la confrontation avec le public. Or celle-ci est, pour l’heure, non impossible mais interdite. Sauf pour les privilégiés que sont les programmateurs et les journalistes qui ont pu voir cette Médée lors d’une représentation un jour à 15h à l’espace Marcel Carné de Saint-Michel sur Orge qui regroupe un théâtre et un cinéma.

 

La distanciation y était affirmée et on ne peut plus respectée : un rang sur deux, et dans chaque rang, un siège sur trois ,soit une bonne centaine de places possible. De plus, le hall du théâtre est suffisamment vaste pour empêcher aisément tout attroupement d’autant que les portes de sortie donnent sur une vaste esplanade. Bref il ne manquait que le public qui aurait pu prendre place dans les mêmes conditions. C’est ce qu’aurait pu constater la locataire de la rue de Valois si elle était venue. A moins de mille places, la question ne semble pas l’intéresser.

 

Mais revenons à Médée. Après ce préambule, Médée apparaît enfin, se nouant une longue étoffe rouge sur son corps nu (costumes signés Rose Mary d’Orros qui tient bien, également, le rôle de la Nourrice) . « Iô ! Maltraitée, / saoulée de coups !/Iô !/ sur moi, moi !/ C’est possible / que je meure ?/ » traduction (assez libre) Jean Delabroy, commandée par Christian Esnay. On peut lui préférer celle, plus fidèle et mieux rythmée, de Florence Dupont : « Iô/ Malheur à moi douleurs/ Iô A moi A moi/ Mourir je voudrais mourir ». N’empêche, la force tragique de l’actrice Marie Desgranges nous emporte. Tout comme, en contrepoint, tel un pansement sur une plaie, les dires du chœur chantés par la fascinante Jeanne-Sarah Deledicq. Laurent Pigeonnat (Jason) , Thierry Vu Huu (le précepteur, Créon, le Messager) complètent parfaitement la distribution avec le compositeur et musicien live Marco Quesada.

 

Ce qui est toujours étonnant et diabolique dans la Médée    d’Euripide, c’est que le personnage-titre est celui qui règle la mise en scène des événements à venir et, les annonçant , les rendent inéluctables: tuer la fiancée de Jason celui avec lequel Médée a eu deux enfants encore petits (en faisant porter par ses enfants une couronne et un manteau empoisonnés), tuer le roi Créon, et tuer elle-même  ses propres enfants.Ce qui va , quand les   premiers meurtres sont accomplis jusqu’à la jouissance perverse de leur récit : quand le messager apprend à Médée que la fiancée de Jason et le roi Créon sont morts, elle demande en plus au messager de raconter tout cela en détails : « Et parle. Comment ils ont péri ? Car doublement Tu vas nous régaler, s’ils sont morts de la pire des façons » (Jean Delabroy) , « Dis moi plutôt comment ils sont morts /Tu redoubleras mon plaisir si tu me dis en plus qu’ils sont morts dans d’atroces souffrances » (Florence Dupont). Et Médée règle ma mise en scène jusqu’à la scène finale où elle interdit à Jason de voir et caresser leurs enfants morts de sa main. Quelle actrice n’ a pas rêvé d’interpréter ce rôle diabolique de femme blessée, abandonnée et prête à tout, jusqu’à tuer le fruit de ses entrailles pour se venger ? Marie Desgranges y déploie un talent qui, comme l’exige le rôle, va des larmes à l’effroi

 

Spectacle vu fin février à l’espace Marcel Carné de Saint-Michel sur Orge devant un public restreint de professionnels et journalistes. Le spectacle devrait être donné devant le public la saison prochaine, tournée en cours de construction.

 

 

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« Hors de question de lâcher » : le mécénat maintient le spectacle vivant

« Hors de question de lâcher » : le mécénat maintient le spectacle vivant | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Rosita Boisseau dans Le Monde - 5 mars 2021

 

 

« Un an de culture confinée » (11/12). En dépit du coup d’arrêt donné au secteur culturel, les partenaires des institutions artistiques françaises continuent de répondre présent.

Tous les tickets étaient déjà vendus depuis mai 2020. Crise sanitaire oblige, le gala d’ouverture de l’Opéra national de Paris, rendez-vous prestigieux qui devait se tenir le 22 septembre au Palais Garnier, à Paris, s’est finalement déroulé le 27 janvier sur… la plate-forme vidéo de l’institution. Les 1 200 spectateurs de cette soirée spéciale de levée de fonds, dont les billets se vendent de 80 euros à 5 000 euros, ont donc pu assister à la représentation, filmée à huis clos, depuis leur… canapé.

 

Ce phénomène a été rendu possible grâce au soutien de Chanel et de Rolex, mécènes piliers pour le ballet et l’opéra. Un million d’euros – la même somme qu’en 2019 – a été collecté. « Une minorité de spectateurs a demandé le remboursement de ses places, précise Jean-Yves Kaced, directeur du développement et du mécénat à l’Opéra national de Paris. Ce maintien du gala est une manifestation remarquable de soutien à la maison dans ce contexte sanitaire. » Une bonne nouvelle pour l’institution, qui traverse une crise économique complexe. Son budget mécénat, en progression de 141 % entre 2010 et 2020, et qui permet d’assurer près de la moitié des coûts de production, a néanmoins chuté en 2020 de 18 millions à 13 millions d’euros en raison de la fermeture des salles. « Mais aucun mécène ne nous a quittés », insiste Jean-Yves Kaced.

 

 

Ce constat d’un poids lourd du paysage culturel souligne la tendance à l’œuvre depuis le début de la pandémie : le mécénat dans le spectacle vivant se maintient vaille que vaille. « Hors de question de lâcher, s’exclame Jean-Jacques Goron, directeur général de la Fondation BNP Paribas. Notre rôle est de rester près des artistes et des institutions. Nous avons même entamé des relations avec de nouveaux partenaires, comme Le Plus Petit Cirque du monde, à Bagneux [lieu culturel des Hauts-de-Seine]. » A l’été 2020, la Fondation BNP Paribas, qui accompagne l’Opéra national de Paris, le festival Jazzdor Strasbourg-Berlin, mais aussi le compositeur Ablaye Cissoko ou la chorégraphe Kaori Ito, a mis en place un plan de soutien exceptionnel de 310 000 euros à destination de trente et un artistes, chorégraphes, circassiens, musiciens.

Situation fragilisée

La situation n’en est pas moins fragilisée. Selon l’étude Covid-19 publiée en juin 2020 par l’Admical, association historique réunissant 200 mécènes, les entreprises ont continué à se mobiliser, mais d’abord auprès des populations vulnérables et pour le soutien scolaire… Du côté de la culture, le spectacle vivant vient en quatrième position après les musées, la musique et les arts visuels.

François Debiesse, président de l’Admical : « Je ne suis pas trop inquiet pour la situation des théâtres et des artistes, mais je pense qu’elle va s’aggraver d’ici à 2022 »

 

 

« Il y a, depuis la crise de 2008-2010, une urgence sociétale à laquelle les entrepreneurs répondent en priorité, commente   François Debiesse, président de l’AdmicalLa moitié des 3 milliards et demi d’euros de mécénat d’entreprise va sur le secteur social et de l’éducationLe culturel n’en obtient toujours qu’un quart. Et, dans une période comme celle que nous traversons, c’est vraiment dommage. Je ne suis pas trop inquiet, pour le moment, pour la situation des théâtres et des artistes, mais je pense qu’elle va s’aggraver d’ici à 2022. »

 

Selon l’envergure des salles, leur statut et leur étiquette artistique, le mécénat prend des visages variés. A Chaillot-Théâtre national de la danse, à Paris, les mécènes – qui, pour la plupart, s’engagent sur trois ans à hauteur, en général, de 100 000 euros par saison – soutiennent des spectacles – cinq en moyenne – et des actions d’éducation artistique et culturelle.

 

Entre les fondations, comme BNP Paribas, et le fonds de dotation du Manège de Chaillot, regroupant, entre autres, Groupama, Orange, Amundi et Tilder, la somme annuelle tournait, en 2019, autour de 800 000 euros. Elle a baissé de moitié en 2020. « Le mécénat nous permet, en temps normal, de conforter une prise de risque artistique, explique Réda Soufi, administrateur général de l’institution. Compte tenu de la fermeture pendant dix mois de nos salles, nos mécènes ont réduit leurs cotisations car il n’y avait pas de productions à aider. » Cette diminution correspond à celle des activités artistiques qui, elles aussi, ont été coupées en deux, passant de 6,8 millions à 3,2 millions d’euros. « Le mécénat nous a tout de même permis d’amortir la crise sanitaire », ajoute Réda Soufi.

Construire des projets singuliers

La fonte financière est aussi estimée à 50 % au Parc de La Villette, passant de 3 millions à 1,5 million d’euros. L’établissement public pluridisciplinaire et inclassable, doté d’espaces multiples, en intérieur comme en extérieur, génère un mécénat extrêmement varié (Cisco, Fondation Orange, Arte…) pour des opérations spécifiques. Klorane a ainsi pris en charge la création d’un jardin botanique ; la Fondation Adrienne et Pierre Sommer finance une ferme pédagogique… « On a effectivement perdu près de la moitié de nos mécènes en 2020 à cause des annulations, comme celle du festival Villette sonique, souligne Didier Fusillier, président du Parc et de la Grande Halle de La VilletteEn revanche, on a eu la surprise que Van Cleef & Arpels débloque des fonds à la dernière minute pour le rendez-vous en plein air de Plaine d’artistes, l’été dernier. »

 

 

Catherine Blondeau, du Grand T à Nantes : « Certaines PME, en difficulté depuis un an, ont réduit leur engagement, car elles ne pouvaient plus le justifier dans le contexte sanitaire auprès de leurs salariés. »

 

 

Au-delà du soutien financier, une évolution est en cours : « Il y a très souvent le souhait d’être en prise directe avec les enjeux sociétaux, de participer à l’émergence de nouvelles idées, indique Karima Alaoui, responsable du pôle mécénat à La Villette. Et c’est en cela que le mécénat se révèle riche et créateur. »

 

Ce dialogue entre les salles et les entreprises – qui peuvent déduire de leurs impôts 60 % du montant du don, dans la limite de 0,5 % de leur chiffre d’affaires annuel – pour construire en commun des projets singuliers est de plus en plus présent. « Le mécénat est d’abord une histoire de rencontre et de relation », glisse Catherine Blondeau, directrice du Grand T, à Nantes. Depuis 2014, elle développe un Club entreprises réunissant une quinzaine de PME locales, comme Cetih (fabricant de portes et de fenêtres), Coteaux nantais (distributeur de fruits et légumes) ou l’imprimeur VALPG. L’adhésion de base est de 1 500 euros par an, mais certains mécènes contribuent parfois à hauteur de 15 000 euros.

« La particularité de ces PME est d’être engagées auprès de salles comme le Grand T du point de vue de la responsabilité sociétale, poursuit-elle. Elles associent donc leur nom et leur argent à des activités qui rejoignent leurs valeurs, comme celles liées à la défense de l’environnement ou de projets sociaux, tel celui que l’on développe dans le quartier de la Bottière, à Nantes.

 

Malheureusement, certaines, en difficulté depuis un an, ont réduit leur engagement, car elles ne pouvaient plus cotiser et le justifier dans le contexte sanitaire auprès de leurs salariés. » Résultat, le budget, qui tournait autour de 56 000 euros, a chuté à 27 000 euros en 2020. « Et je pense que cela ne va malheureusement pas s’arranger en 2021 », s’inquiète Catherine Blondeau.

Valeurs affirmées

Même constat à la Maison de la danse de Lyon. Créé également en 2014, le service dévolu à la recherche de mécènes a réussi à passer, en six ans, de 150 000 euros à 360 000 euros, avec le soutien de la Fondation BNP Paribas à hauteur de 90 000 euros en moyenne par an. Il accuse en 2020 une baisse de 35 000 euros, soit 9,7 % de perte. « Quatre mécènes, dont trois entreprises trop affaiblies par la crise, sur les seize que nous avions, nous ont quittés, constate Alice Grandserre, responsable du service. Mais on a néanmoins solidifié notre relation avec quelques-uns, dont la Compagnie nationale du Rhône, qui est devenue notre plus gros mécène, en particulier sur le volet des actions solidaires au sens large, pédagogiques dans les écoles, mais aussi d’aide aux publics défavorisés. »

 

Le refrain « solidarité, inclusion et éducation » connaît un regain de popularité, du côté des mécènes. A la Compagnie nationale du Rhône (CNR), premier producteur français d’énergie renouvelable, le désir d’être « en phase avec l’évolution sociétale » est au cœur de la démarche. « Particulièrement en 2020, où l’on a un peu de mal à appréhender ce que devient la culture, et où il faut s’intéresser à ceux que j’appelle “les grands oubliés de cette pandémie”, les étudiants et les personnes âgées, notamment, déclare Elisabeth Ayrault, présidente de la CNR. Il y en a qui souffrent plus que d’autres, depuis un an, et nous nous devons de les aider. Quand on peut, on doit. Partager, avec ceux qui en ont besoin, la valeur dégagée par le Rhône est une évidence. » La CNR soutient aussi l’Opéra national de Lyon en revendiquant « bienveillance et redistribution des richesses ».

 

Des valeurs qui sont de plus en plus affirmées dans le mécénat, qu’il soit d’entreprise ou lié à des particuliers. Créé en 2016, le Fonds de dotation familial Chœur à l’ouvrage, piloté par Alain Taravella et Sabine Masquelier, évoque « la place vitale, en ce moment plus que jamais, que doit pouvoir occuper l’art dans nos vies à tous ». « Nous soutenons des projets qui rassemblent et brassent des personnes très différentes pour changer le regard sur l’autre autour d’aventures artistiques exigeantes », précise Sabine Masquelier. En tête de pont, l’opération Lycéens Citoyens, portée par le Théâtre de la Colline, à Paris, rassemble, le temps d’ateliers théâtraux, des élèves de lycée en filière professionnelle et d’autres en filière générale. Réinvention de la philanthropie à l’horizon ? « Je ne sais pas si je me retrouve dans ce mot très beau, s’amuse Sabine Masquelier. Mais j’assume d’être sans doute un peu naïve, pour casser les cases dans lesquelles nous sommes enfermés. »

 

 

 

« Un an de culture confinée », une série en douze volets

Le service culture du Monde consacre pendant deux semaines plusieurs reportages, portraits, rencontres, entretiens aux conséquences de l’épidémie de Covid-19 sur les acteurs et lieux culturels.

 

  1. Vaux-le-Vicomte, Ussé… privés de visiteurs, des châteaux hantés par le vide
  2. Julie Deliquet, metteuse en scène : « Je ne voulais pas qu’on devienne un théâtre fantôme »
  3. Mulhouse, la ville où la culture pour la première fois s’est arrêtée
  4. Julia Ducournau, cinéaste : « On nous fait croire que le genre n’est pas français depuis la Nouvelle Vague, alors que c’est faux »
  5. Le groupe Last Train, stakhanoviste du live, en manque de public
  6. A Marseille, le MuCEM fermé fait appel à la mémoire collective dans l’attente de jours meilleurs
  7. Au Reflet Médicis, cinéma du Quartier latin, écrans et fauteuils attendent dans le noir
  8. Avoir 20 ans et étudier le cinéma au temps du Covid-19
  9. A Venise, la Biennale d’architecture résiste
  10. Le Collectif Marthe, quatre comédiennes unies dans l’incertitude
  11. « Hors de question de lâcher » : le mécénat maintient le spectacle vivant

Illustration : OLIVIER BONHOMME

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Itmahrag. Au son de la jeunesse égyptienne 

Itmahrag. Au son de la jeunesse égyptienne  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

3 MARS 2021 PAR GUILLAUME LASSERRE BLOG : UN CERTAIN REGARD SUR LA CULTURE

 

Olivier Dubois ouvre le Festival Séquence danse Paris en célébrant la musique Mahraganat inventée par la jeunesse des quartiers populaires du Caire. « Itmahrag », chorégraphie pour sept performers, fait monter sur scène le son de la rue dont les rythmes mi rap mi électro traduisent tel un cri le fracas et l’exaltation d’une Egypte post révolutionnaire.

 

Cela fait de nombreuses années que le chorégraphe Olivier Dubois vit entre Paris et Le Caire. Il évoque pour la première fois ce pays, en propose une vision singulière en faisant monter sur scène les représentants d'une jeunesse égyptienne, celle des quartiers populaires du Caire qui a donné naissance au Mahragana[1], mouvement à la fois musical et chorégraphique, combinant la musique populaire shaabi jouée dans les mariages, la musique électro et le rap. Inventé au milieu des années 2000, il prend une nouvelle dimension dans les jours qui ont suivi la chute de Moubarak, pour devenir le symbole d’une rage, une fureur de vivre. 

 

« Itmahrag », pièce chorégraphique imaginée pour sept performers, trois danseurs et quatre musiciens, marque l’ouverture – en huis clos – du Festival Séquence danse Paris 2021, qui se tient au 104 jusqu’au 17 avril, pour l’instant réservé aux seuls professionnels de la culture. La pièce débute avec l’auto-présentation de ses protagonistes qui entament un échange direct avec le public. Une joyeuse cacophonie trahit un vrai bonheur d’être ici sur scène – le coronavirus a fermé les frontières, rendant presque impossible les déplacements, compliquant à  l’extrême la présence d’artistes étrangers, annulant la plupart des représentations.

Après avoir fait connaissance avec les spectateurs, ils s’assoient, un à un, sur l’une des chaises préalablement disposées au fond de la scène, emmenant leur micro au pied trop grand avec eux. La musique se fait lancinante lorsqu’il n’en reste plus qu’un sur le devant de la scène. Alors, tous reviennent accompagner le soliste. Le pied de leur micro en main, ils forment un cœur de crooneurs. Mais la sensualité cède rapidement le pas à la cacophonie qui reprend de plus belle. Les corps deviennent soudain incontrôlables. Ils se croisent, se regroupent, s’éloignent, habités par la musique, hantés par elle lorsqu’il engagent une sorte de « Thriller » qui résonne avec l’histoire contemporaine égyptienne, morts bien vivants jouant les amusements d’une jeunesse en état d’urgence, sans véritable perspective d’avenir mais avec une irrépressible envie de vivre chevillée au corps. Les luttes, les déchirements s’expriment tour à tour, les poings se lèvent. Un jeu s’improvise avec les poursuites du théâtre, celles qui mettent en lumière se confondent soudain avec celles qui surveillent. Le jeu s’achève lorsque commence une danse des chaises musicales. Les changements de rythmes musicaux permanents marquent autant de ruptures. Il n’y aura pas de temps mort, pas de répit.

 

 

 

Les chaises, le fil des micros, le moindre objet devient un accessoire prétexte à la danse. La sculpture centrale elle-même s’anime de logos ésotériques multicolores. Les corps semblent soudain possédés. La musique, à son paroxysme, annonce l’imminence d’un drame à venir. On érige une barricade à l’aide des sièges. Le danger est au coin de la rue. La peur d’une autre guerre civile témoigne de la fragilité des jeunes démocraties. Une incontrôlable tension réveille le souvenir des évènements de la place Tahrir. Au spectre de la guerre civile répond la reprise en main de la république. Les morts vivants du « Thriller » de Michael Jackson à la sauce égyptienne dénoncent l’état d’une jeunesse en colère, sa rage, face à l’étouffement de ses désirs. Il y a là une urgence, une folie, celle de la guerre, de la répression.

La vision de corps morts fait ressurgir ceux du 13 novembre 2015. Quel étrange jeu de la mémoire invite, dans l’histoire contemporaine égyptienne, les enfants disparus du Bataclan ? Sans doute que la jeunesse assassinée ne connaît pas les frontières. Dans les rues du Caire ou de Paris, supprimer la jeune génération revient à interdire l’avenir. Après la fureur d’une danse macabre vient la résurrection, mais les regards ont changé. Ils ne sont plus les mêmes.

 

 

Projet de longue haleine, « Itmahrag » rassemble des jeunes musiciens et danseurs non professionnels issus des quartiers populaires du Caire, une jeune structure locale d’Alexandrie, B’sarya for Arts, et la Compagnie Olivier Dubois (COD), autour de la création d’un spectacle, une danse incendiaire célébrant le Mahraganat qui est déjà une performance en soi. Liée aux cérémonies festives – le mot signifie festival en arabe –, la musique met en scène les corps au son lancinants de voix autotunées que déversent dans les rues des haut-parleurs saturés, qu’on commémore un mariage de quartier ou une fête branchée.

Le Mahraganat s’impose aujourd’hui jusque dans les publicités. S’il incarne le corps et la voix de la jeunesse égyptienne, il fait danser tout le Moyen-Orient. « Itmahrag est un néologisme que j’ai inventé[2] » confie Olivier Dubois, « D’un mot Mahraganat, j’en ai conjugué un verbe qui n’existe pas : « Festoyons ». Itmahrag est comme une injonction à danser, à chanter ». Le chorégraphe précise : « J’aime beaucoup l’idée que tout ceci ne soit qu’une invitation à en être, à célébrer. Une célébration comme un enchantement ». Le corps quasi nu de ce jeune homme aux poignards et les quelques images fantasmées d’un regard trop occidental s’effacent alors devant l’exhortation à la fête qui, au rythme des pulsations viscérales d’un désir qui déborde, envahit tout, submerge la salle et les spectateurs. Ce soir, le public n’a qu’une envie, soutenir la fougue d’une jeunesse qui incarne le futur du monde.

 

 

 

[1] Dès 2006, les DJ officiant dans les mariages ont commencé à combiner la musique shaabi et la musique électro dance avec des influences de reggaeton, de grime et de rap. A partir de 2011, le genre reflète le tumulte de la révolution. Voir à ce propos Peavey, April, « In Egypt, 'electro-chaabi' music stirs up controversy », The World. Public Radio international, 24 juin 2014,   https://www.pri.org/stories/2014-06-24/egypt-electro-chaabi-music-stirs-controversy Consulté le 2 mars 2020.

[2] Les citations d’Olivier Dubois sont extraites de l’interview réalisée pour le dossier de présentation du spectacle.

 

 

ITMAHRAG - Création franco-égyptienne. Pièce pour 7 performeurs danseurs et musiciens. Direction artistique et chorégraphie : Olivier Dubois. Assistant artistique : Cyril Accorsi. Interprètes : musiciens : Ali elCaptin, ibrahim X, Shobra Elgeneral ; danseurs : Ali Abdelfattah, Mohand Qader, Moustafa Jimmy, Mohamed Toto. Directeur musical : François Caffenne. Compositeur : François Caffenne & Ali elCaptin. Musicien et chanteurs : Ali elCaptin, ibrahim X, Shobra Elgeneral. Régie générale : François Michaudel. Lumières : Emmanuel Gary. Scénographie : Olivier Dubois & Paf atelier. Spectacle vu lors de sa création le 29 janvier 2021 à La Filature, Scène nationale de Mulhouse, dans le cadre du festival Vagamondes. 

Le 2 mars 2021 au Centquatre, dans le cadre du Festival Séquence Danse Paris et dans le cadre du Printemps de la danse arabe 2021, réservé uniquement aux professionnel·le·s de la culture

Le centquatre - 104  5, rue Curial    75 019 Paris 

 

Du 17 au 20 mars à Chaillot - Théâtre national de la danse 

Le 25 mai au Tagram à Evreux

Du 1er au 3 juin à la Biennale de la danse, Lyon

Du 7 au 9 juillet au Festival de Marseille

Du 12 au 13 juillet au JuliDans Festival, Amsterdam

Du 16 au 18 juillet, Festival Paris L'été

 

 

 
 

Guillaume Lasserre Un certain regard sur la culture

 

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Short stories, les chroniques glam de Sylvain Maurice

Short stories, les chroniques glam de Sylvain Maurice | Revue de presse théâtre | Scoop.it

04 MARS 2021 | PAR AMELIE BLAUSTEIN NIDDAM dans Toutelaculture.com

 


Sylvain Maurice a présenté les 3 et 4 mars, aux professionnels, au Théâtre Sartrouville Yvelines CDN, sa dernière création, Short Stories, d’après les nouvelles de Carver, une plongée lumineuse et bienveillante sur « Les américains »

 

 

« On finit le gin et on va dîner ? »

Toujours en résistance face à une politique incompréhensible et injuste qui méprise chaque jour un peu plus les acteurs culturels, les théâtres ouvrent leurs portes aux professionnels, pour le plaisir de jouer, pour la mémoire de ce temps où en France, la culture a été piétinée. La mise en scène si parfaite de Sylvain Maurice mérite d’être vue, et elle le sera un jour, quand nous serons enfin entendus. Pour le moment, le CDN espère pouvoir jouer du 24 juin au 3 juillet. Dans ce contexte, les Short stories apparaissent encore plus hors du temps, presque cinématographiques. Nous sommes face à un cadre de scène blanc qui va se parer de différentes couleurs. Un rideau comme magique lui aussi passe du rose fuchsia au bleu ou au rouge. Il y a quelque chose du royaume de Lynch ici, dans ces personnages qui changent de perruque comme de robe en quelques secondes, qui changent d’identité et de problème, qui parlent en voix off ou en direct, dans un entre-deux à la fois d’époques et de sentiments.

Alors ici, c’est le monde d’avant le monde d’avant, celui où les téléphones sont filaires, celui où le numéro ne s’affiche pas quand ça sonne. Celui où les restaurant sont ouverts, où l’on boit (trop) entre amis avant d’aller dîner.

Love etc…

La sélection de Sylvain Maurice est fine, 6 nouvelles parmi les 60 de Carver qui ont été révélées par Robert Altman  dans Short Cuts en 1993. Le film est sans appel. C’est une satire de l’Amérique qui finit en tremblement de terre. D’ailleurs le titre original est « The americans ». Maurice est plus bienveillant. Au plateau, Anne Cantineau, Rodolphe Congé, Jocelyne Desverchère et Pierre-Félix Gravière sont tour à tour ou parfois ensemble confrontés à, 5 fois sur 6, des petits riens du quotidien qui partent loin. Jocelyne Desverchère ouvre le jeu dans une histoire rocambolesque de voisinage. Anne Cantineau est géniale au bout du fil ( invisible) troublée par la voix de Pierre-Félix Gravière lui aussi bien dépassé ! Rodolphe Congé est parfait en mec revenu de tout qui ressert tout le monde.

Mais le point commun de ces histoires, c’est qu’il est toujours question d’un couple, qu’il soit présent sur scène ou pas. Couple officiel ou officieux, couple uni dans le désir ou dans la peine. 

Show must go on

On le sait, Sylvain Maurice est fou de lignes et de lumière. Que ce soit dans Réparer les Vivants ou dans Un jour je reviendrai, il sculpte son décor avec des projecteurs. Ici, sa mise en lumière ajoute un glamour à cet univers vintage mais aussi le place dans une référence directe à Joël Pommerat, sans aucun plagiat, il met lui aussi les gens à table dans un carré de lumière avec une voix off, un peu comme au cinéma. Comme chez Robert Altman, si fou de jazz, ici aussi ça swingue pas mal avec la guitare live de Dayan Korolic et les chansons de Danielle Carton. Aussi comme à télévision, car il y a le côté délicieux de la série américaine en VF, où ils s’appellent Howard, Ann, Bill mais nous parlent dans notre langue. 

 

Nous passons ainsi d’une histoire à une autre, sans aller-retour. Ici on va de l’avant et même, dingue, ça finit bien. 

 

Visuel : ©Christophe Raynaud de Lage

 

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La sidérale splendeur de « Solaris » 

La sidérale splendeur de « Solaris »  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 2 mars 2021

 

Chronique des créations en voie de disparition (7).

Pascal Kirsch adapte librement pour la scène « Solaris », le roman du Polonais Stanislaw Lem, un chef-d’œuvre de la science-fiction. Le spectacle transfigure le genre et nous entraîne dans un opéra cosmique méditant sur l’homme face à ses valeurs et son environnement. Un spectacle ample et envoûtant.

 
 

On est tout de suite embarqués, transportés. Par la musique   live qui ne cessera de nous accompagner en nous enveloppant de ses innombrables volutes. Par l’espace nullement réaliste qui en impose. Par les deux immenses cercles blancs de six mètres de diamètre qui le bordent, et, au centre, une voûte inversée qui surplombe un sol de parpaings pleins sur le pourtour et ajourés à l’intérieur. Par les acteurs qui se déplacent sur ce sol inégal et dont les voix nous parviennent subtilement amplifiées. C’est une expédition extrême mais d’abord un voyage introspectif, au fond de nous-mêmes, de notre vieux monde et de ses inconséquences, à l’image de la station Solaris fatiguée elle aussi, à bout de course.

 

Un océan énigmatique 

Sous cette station spatiale ainsi magnifiquement figurée théâtralement, « un océan gélatineux » invisible mais prégnant : la planète Solaris. Une énigme « dont la structure dépasse en complexité toutes les structures organiques connues », une planète, plus grande que la Terre, à « l’ondoyante surface » qui « dépasse complètement notre compréhension », dira Gibarian, l’un des trois chercheurs encore présents dans la station, dans un message enregistré qu’il adresse vers la Terre à son ami Kris Kelvin. « L’océan, retranché dans un silence inébranlable, est une connaissance intransmissible, en quelque langage humain que ce soit. Les valeurs et significations captées ici perdent toute substance dès que nous essayons de les traduire. Aucune notion importée de la Terre n’aide à pénétrer ses mystères. » Ce n’est pas un hasard si Günther Anders, l’auteur de L’Obsolescence de l’homme, comparait le Polonais Stanislaw Lem (1921-2006), l’auteur de Solaris, à Jules Verne. Et, dans ses notes autour de son spectacle, Pascal Kirsch cite d’ailleurs Anders : « Quand le fantôme devient réel, c’est le réel qui devient fantomatique. »

 

La découverte de la planète Solaris est ancienne, raconte Lem, la station a connu jusqu’à plus de soixante-dix chercheurs, ils ne sont plus que trois, Sartorius, Snaut et Gibarian, à chercher encore, à essayer de comprendre cet océan inhabité, imprévisible et diablement intelligent, nous disent-ils. Dans le message enregistré adressé à son ami Kelvin, Gibarian dit que le but d’entrer en contact avec l’océan a échoué et qu’il faut liquider la station.

Quand Kevin arrive deux mois plus tard sur la station Solaris, Gibarian s’est suicidé. Snaut prévient Kelvin : « Méfiez-vous. ». L’océan envoie des « visiteurs » dans la station. Pour se venger des bombardements de rayons irradiants que la station lui a infligés ? C’est ce qu’ont pensé Sartorius et Gibarian. Toujours est-il qu’une « visiteuse » s’impose auprès de Kevin, Ava, son ancienne femme qui s’éstt suicidée et dont il rêve. Laissons le roman et la réappropriation qu’en fait Pascal Kirsch suivre leur cours, et attardons-nous sur le trio constitué après le suicide de Gibarian et l’arrivée de Kris Kelvin dans la station.

 

Sartorius, enfermé dans son laboratoire, est le plus obstiné. « La nature a créé l’homme pour qu’il apprenne à la connaître. Dans sa quête de la vérité, l’homme est condamné à savoir. Rien d’autre n’a d’importance », martèle-t-il. Staut voit en lui un « Faust à rebours » qui cherche « un remède contre l’immortalité ». Staut est le plus lucide : « Il est établi, le contact ! Seulement, ce n’est pas avec une civilisation extra-humaine. Non. C’est avec notre monstruosité, notre folie, notre honte, sublimées par l’océan », lance-t-il à Kelvin peu après son arrivée. Plus tard, ivre, il se déballonne : « Ce n’est pas à la conquête de l’espace que nous sommes partis, mais pour étendre la Terre jusqu’aux frontières du cosmos. Nous ne voulons pas entrer en contact avec d’autres mondes, nous n’avons pas besoin d’autres mondes. Que ferions-nous d’autres mondes ? Le nôtre nous suffit. Mais nous ne l’acceptons pas tel qu’il est. Partout, nous cherchons l’homme, un miroir, une image idéale de nous-mêmes, une civilisation supérieure à la nôtre, mais développée sur notre modèle, notre passé. » Lem publie Solaris en 1961, l’année où les Soviétiques envoient pour la première fois un homme dans l’espace. Des trois, Kelvin est le plus tourmenté, le plus indécis. Il songe à revenir sur terre avec Ada, dont il sait pourtant qu’elle n’est pas la vraie Ava, et cette dernière, ayant compris ce qu’elle était, une « visiteuse » envoyée par l’océan, répond « oui » quand Kelvin lui demande si elle veut mourir.

 

Un théâtre du vacillement

Si on connaît les versions filmiques de ce roman proposées par Andreï Tarkovki en 1972 puis Steven Soderbergh en 2002, à ma connaissance, c’est la première fois que ce livre traduit dans le monde entier est adapté au théâtre, du moins en France. Chacune de ces trois œuvres inspirées a sa cohérence et sa force, celle de Pascal Kirsch n’est pas la dernière. Au demeurant, dans un clin d’œil mâtiné de belle filiation, Pascal Kirsch met dans la bouche d’Ava, la fin de Jour blanc (dit en russe puis en traduction française), un poème d’Arseni Tarkovski, célèbre poète russe, le père d’Andreï.

 

De spectacle en spectacle, Pascal Kirsch, nous offre un profond théâtre du vacillement. Celui d’un individu, d’un couple, d’une communauté. En arrière-fond de Solaris, le metteur en scène cite Lacan : « Sûrement, la science-fiction, tourne autour du pot de l’inconscient collectif. » C’était le cas du premier spectacle que j’ai vu de lui (à la Générale) au début des années 2000, Tombée du jour, un voyage au bout de la nuit insomniaque d’un service de gériatrie, avec, déjà, Tarkovski pour témoin (lire ici). Pascal Kirsch allait bientôt fonder une première compagnie en tandem avec l’actrice Bénédicte Le Lamer (dont le père jouait dans Tombée du jour). Ils allaient partager différentes aventures (passant par Nijinsky ou Woyzeck) dont celle, mémorable (vu à l'Echangeur de Bagnolet), de Et hommes et pas (lire ici) adapté du roman d’Elio Vittorini  Uomini e no, un titre signifiant « exactement que nous, les hommes, pouvons aussi être des non-hommes », expliquait l’auteur, phrase qui fait écho à Solaris. Puis Pascal Kirsch devait animer un lieu, Naxox-Bobine, dans un sous-sol du XIe arrondissement avant de fonder une nouvelle compagnie Rosebud (remember Citizen Kane) et de mettre en scène pour la première fois en langue française le poème dramatique de Hans Henny Jahnn, Pauvreté, Richesse, Homme et Bête, une soirée magique pour un auteur rare (lire ici), un spectacle qui aurait dû faire le tour de tous les CDN et Scènes nationales de France, comme on espère que Solaris le fera.

 

Puis il y eut, brouillant les cartes, le premier spectacle fortement exposé du metteur en scène, La Princesse Maleine  (Maeterlinck)  au Festival d’Avignon, un spectacle  malheureusement inaccompli lors de la première avignonnaise qui fut un peu comme une maldonne. Oublions. Pauvreté, Richesse, Homme et Bête et aujourd’hui, Solaris, l’un chroniquant un village perdu, l’autre la vie dans une station sur une planète lointaine, les deux spectacles creusent la vie des hommes entre chien et loup. Quel festin théâtral entre ces deux spectacles qui se renvoient leurs balles. Directeurs, programmateurs, vous avez là, à votre portée, un fabuleux diptyque !

 

D’ailleurs, on retrouve dans ces spectacles les mêmes et formidables acteurs et actrices : Vincent Guédon (Kris Kelvin), Elios Noel (Gibarian), François Tizon (Sartorius), Marina Keltchewski (Ava). Complètent la distribution Charles-Henri  Wolff (Breton) et Yann Boudaud (Snaut), l’acteur qui fut celui,  unique, de Rêve et Folie, le dernier spectacle de Claude Régy. Filiation (entamée avec Bénédicte Le Lamer, proche de Régy) qui se poursuit avec l’acteur Yann Boudaud et le scénographe  Sallahdyn Khatir. Ce dernier,après avoir signé le décor de Rêve et Folie, signe aujourd’hui celui, soufflant, de Solaris. Spectacle où l’on retrouve, avec plus encore de complicité que pour la pièce de Hans Henny Jahnn, la musique sublime signée Richard Comte. En adaptant librement le roman de Lem  et en  prolongeant  aussi  certains épisodes (comme le témoignage de Breton rapportant les faits tragiques d’une précédente expédition), Pascal Kirsch renoue avec cette écriture théâtrale comme en apnée qui faisait le charme de Tombée du jouet Hommes et pas.  Son Solaris    est le spectacle d’une maturité à la fois déterminée et inquiète, magnifiquement tendue. Une soirée aussi sidérale que sidérante, tout en haute tension humaine.

 

 

Spectacle vu pendant le confinement en novembre 2020,  lors d’une représentation restreinte pour programmateurs et  journalistes, au Théâtre des quartiers d’Ivry (coproducteur du spectacle), Solaris devait être à l’affiche de la MC2 de Grenoble (l’autre coproducteur) du 24 au 27 mars. Représentations annulées. Sera t-il reprogrammé à Ivry, Grenoble? Ailleurs?

 

Légende photo : Scène de "Solaris" © Géraldine Aresteanu

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Dans la forêt de Christelle Harbonn hantée par le désir 

Dans la forêt de Christelle Harbonn hantée par le désir  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 1er mars 2021

 

 

Chronique des créations en voie de disparition (6).

 

Avec son nouveau spectacle « Epouse-moi », au titre faussement boulevardier, Christelle Harbonn nous entraîne une nouvelle fois, pour notre beau plaisir, dans son univers scénique sans pareil avec un sens aigu et sensuel du clair-obscur des sentiments.

 

 

Tout intrigue dans le nouveau spectacle de Christelle Harbonn, Epouse-moi. Sommes-nous bien près d’une forêt ? Un personnage la désigne en nous regardant, mais un autre qui, pourtant, a toujours vécu dans le village proche, la découvre, alors qu’elle semble avoir toujours été là. La première, Asja, chante a cappella et pour elle seule (donc pour nous) des phrases comme « je veux grandir, je veux abandonner la peur » ou bien « je veux épouser le silence et la lenteur/dormir un peu, m’abandonner ». La seconde, Blandine, demande à la première « Est-ce que je peux t’embrasser ? » . Asja accepte et Blandine commente : « c’est délicieux » (c’est la première fois qu’elle embrasse une femme, elle aime plutôt le corps des hommes), avant de dire « je suis avec un garçon que j’aime beaucoup », mais elle trouve cela « angoissant d’être amoureux » . Tout l’ angoisse, tout l’ « épuise » , ses études de philosophie, son fiancé Adrien qu’elle veut à la fois épouser et quitter.

 

Les parents d’Adrien, Gilbert et Marianne, tentent désespérément d’amener les deux tourtereaux sur le chemin du raisonnable avec les arguments habituels, outre la traditionnelle tension père/fils. Mais tout vacille très vite dans l’univers de Christelle Harbonn. Asja dit à Blandine être née en 1615 et qu’une nuit, l’homme qu’elle aimait et qui est mort est venue la visiter dans un rêve et lui a dit de se lever, de partir « découvrir le monde » ce qu’elle a fait, restant à jamais jeune, mais seule.

 

Cartésiens de tout poil, gardiens du « un chat est un chat », défendeurs mordicus du terre à terre et du « un mort est un mort », passez votre chemin. Cette forêt n’est pas pour vous, d’ailleurs elle est pleine de guêpes nous dit Asja ce qui ne l’empêche pas cette dernière d’être piquée par une chose qui n’est pas une guêpe. Comme lors de son précédent spectacle La Gentillesse (lire ici), on est happé par un univers qui semble quotidien mais qui dérape, emprunte des sentiers où le promeneur s’égare, où la rencontre avec l’autre éveille le désir, mais où chacun, tôt ou tard se retrouve, face à soi-même.

 

D’une pièce à l’autre, on retrouve Blandine, Marianne et Gilbert mais ce ne sont pas les mêmes personnages, quoique (dans l’univers de Christelle Harbonn rien n’est jamais très sûr, un personnage peut en cacher un autre et un mort peut encore vivre après sa disparition). Ce qui est sûr c’est que les actrices et les acteurs donnent leur prénom à leur personnage et contribuent grandement à le façonner au fil des répétitions puisque le texte est signé « Christelle Harbonn & Compagnie Demesten Titip », un nom de compagnie peut commun qui ressemble à un nom de magicien ou de sorcier. Donc, pour notre beau plaisir, nous retrouvons Marianne Houspie, Blandine Madec et Gilbert Traïna rejoints par Asja Nadjar et, exception confirmant la règle, Malo Martin dans le rôle d’Adrien ( Adrien Guiraud étant indisponible).

 

Fille du sud (sa compagnie est basée à Marseille et ce spectacle est produit par la Criée) mais vivant à Paris (études de théâtre à l’université de Nanterre, etc.), Christelle Harbonn, il y a douze ans, a crée la compagnie Demesten Titip. Un nom formé en mélangeant les lettres des des mots « temps » et « identité » soit deux axes de ses derniers spectacles, dont des œuvres d’écrivains constituent la rampe de lancement pour une écriture (mots et scène) très personnelle. Après L’idiot de Dostoïevski et La conjuration des imbéciles de Toole pour La Gentillesse, voici pour Epouse-moi, L’éveil du printemps de Wedekind, Le maître et Marguerite de Boulgakov et toute l’œuvre de Murakami. « Chez Wedekind le désir est mortel, chez Boulgakov il autorise l’envol, chez Murakami, il ouvre au voyage vers l’inconscient » explique Christelle Harbonn. Chez elle, le désir, au bord d’une forêt, peut tuer et faire renaître à la fois tout en jouant avec les ombres et les rêves.

 

Le sous-titre de la pièce est « Tragédies enfantines ». Seule la tarte aux mirabelles (et son goût d’enfance), dont il est question dans la pièce, sait pourquoi. Il arrive qu’il y ait des vers dans le fruit, même des plus belles mirabelles. Adrien qui semble être devenu normal comme le souhaitaient ses parents, révèle qu’il est aussi « sauvage ». Ses parents qui banalisent tout, par peur peut-être, soudain dansent frénétiquement. Blandine, essorée par ses angoisses, finit par dire à Adrien contrairement à ce qu’elle lui a seriné : « Adrien, je t’en supplie, épouse -moi. Je veux vivre avec toi, je veux un enfant avec toi, je veux faire des tartes aux mirabelles avec toi, viens Adrien, épouse-moi ». Happy end ? Pas du tout. Nous n’en sommes qu’à la moitié de la pièce qui nous réserve bien d’autres surprises et éveillera bien d’autres désirs .

 

Lesquels ? demande le lecteur. Vous le saurez en allant voir le spectacle. Oui, mais en bas de votre article vous dites que ce spectacle ne se jouera plus. Alors, lisez la pièce. Oui, mais elle n’est pas éditée. Alors, disons que ce spectacle restera un secret. Pour ceux qui l’on vu et pour ceux qui ne l’ont pas vu. Le spectacle doit aussi beaucoup aux lumières de Sébastien Lemarchand qui sait jouer avec les ombres, à la scénographie à rébus de Laurent Le Bourhis et aux sons insidieux de Sébastien Rouiller.

 

Le spectacle Epouse-moi a été aimablement programmé par le Monfort fin février pour une unique représentation destinée aux professionnels et aux journalistes. Il était programmé au Théâtre de la criée du 26 fév au 9 mars puis les 14 et 15 mars au Théâtre du jeu de Paume à Aix en Provence.Représentations annulées. Le public le verra-t- il un jour ?

 

 

photo : Scène de "Epouse-moi" © Clément Vial

 

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La réforme du régime social reste cauchemardesque pour les artistes auteurs

La réforme du régime social reste cauchemardesque pour les artistes auteurs | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Nicole Vulser dans Le Monde - 1er mars 2021

 

Les dysfonctionnements du site Internet de l’Agessa sont unanimement critiqués par les usagers. Seuls 125 000 d’entre eux ont réussi a ouvrir un compte, selon l’Urssaf Limousin.

Les 265 000 auteurs affiliés à l’Agessa et à la Maison des artistes dépendent désormais de l’Urssaf Limousin. ERIC PIERMONT / AFP

En vigueur depuis le 1er janvier 2020, le rattachement au régime général de l’Urssaf devait, en théorie, faciliter les choses pour 265 000 auteurs affiliés en 2019 à l’Association pour la gestion de la sécurité sociale des auteurs (Agessa) et pour 62 000 plasticiens, illustrateurs, vidéastes et autres photographes adhérents de La Maison des artistes (MDA). Il n’en est rien, plus d’un an après cette transition confuse et désordonnée.

 

La direction de la Sécurité sociale souhaitait, avec cette réforme, « garantir le recouvrement effectif de cotisations qui n’avaient pas été collectées antérieurement », l’Agessa ne l’ayant pas fait systématiquement pendant quarante ans, jusqu’en 2016, en arguant d’un manque d’investissement dans un système informatique fiable. Cet état de fait a lésé des dizaines de milliers d’auteurs qui, non informés, ont perdu des droits à la retraite, comme le soulignait le rapport Racine en janvier 2020.

Problèmes graves de calculs

Pourtant, ce passage à l’Urssaf Limousin, spécifiquement chargée de leurs dossiers, s’avère cauchemardesque pour les artistes-auteurs. « C’est un calvaire », assure Marie-Anne Ferry-Fall, directrice générale de l’ADAGP, qui gère les droits des artistes graphiques et des plasticiens. Dans une enquête réalisée début février 2020 par La Charte des auteurs et illustrateurs jeunesse auprès de 942 membres, le constat est sans appel : 90 % ont rencontré « une ou plusieurs difficultés » avec l’Urssaf.

 

 

Pour la majorité, l’accès à l’espace personnel du site s’est avéré compliqué, voire impossible. La moitié se plaint de difficultés à joindre l’Urssaf, presque autant (46 %) se heurte à des problèmes d’enregistrement de la déclaration annuelle de revenus artistiques, quand celle-ci, préremplie, n’est pas incomplète ou fausse. Les documents qui doivent être transmis par les employeurs ne sont pas disponibles (pour 48 %). « Ce passage à l’Urssaf s’effectue dans la douleur », résume La Charte.

« C’est du bricolage, les difficultés techniques entraînent des bugs dans nos cotisations, c’est très grave » Samantha Bailly, présidente de la Ligue des auteurs professionnels

Une deuxième enquête du Conseil permanent des écrivains (CPE) conclut aussi à l’urgence « d’améliorer la qualité de l’interface Urssaf-auteurs », seuls 19 % des sondés n’ayant pas eu de problèmes pour déclarer leurs revenus. Pour sa part, la Société des gens de lettres (SGDL) a envoyé à la double tutelle de l’Urssaf Limousin (les ministères de la santé et de la culture) la très longue liste des dysfonctionnements. Ce qui inclut des erreurs d’attribution de numéros de Siret, d’activation de comptes et génère des problèmes kafkaïens pour les auteurs en pluriactivité.

Sans compter une litanie de difficultés de déclaration en ligne des revenus, de problèmes graves de calculs ou de paiements des cotisations, des lacunes de communication de l’Urssaf… Et même des menaces d’amende fiscale de 150 euros, pouvant être portée à 1 500 euros, en l’absence de déclaration de cotisation foncière des entreprises, alors que les auteurs en sont exonérés… Patrice Locmant, directeur général de la SGDL, dénonce aussi « des milliers d’auteurs dans la nature » − non inscrits − et critique sévèrement « les bras cassés qu’on leur a attribués comme interlocuteurs, comme un signe évident de problèmes de formation à l’Urssaf ».

 

Selon Jean-Yves Auffret, directeur régional de l’Urssaf Limousin, les trente agents des centres de Guéret (Creuse) et Tulle (Corrèze) qui répondent au téléphone sont des intérimaires qui ont reçu huit jours de formation. En incluant l’encadrement, l’équipe compte 70 personnes, dit-il, aucune n’ayant travaillé à l’Agessa ou la MDA.

 

Katerine Louineau, du Comité pluridisciplinaire des artistes-auteurs (CAAP), déplore l’incapacité de l’Urssaf à « faire juste un site qui fonctionne ». Samantha Bailly, présidente de la Ligue des auteurs professionnels, confirme : « C’est du bricolage, les difficultés techniques entraînent des bugs dans nos cotisations, c’est très grave. » Mme Louineau critique aussi le fait « qu’à l’Urssaf Limousin les intérimaires ne connaissent pas notre régime et apportent des réponses contradictoires ». Elle déplore que « certains de ses confrères plasticiens n’arrivent même pas avec le nouveau site à obtenir un justificatif de paiement de droits ». Et ajoute : « C’est une réelle galère pour obtenir des indemnités d’arrêt maladie ou de congés maternité. On a intérêt à être en pleine forme… »

« Colère légitime »

L’absence d’interlocuteur agace. Cédric Bastelica, nommé pour assurer pendant quelques mois la transition, n’est plus là. Et le comité de suivi qui réunissait les représentants des tutelles et les professionnels ne s’est pas réuni depuis octobre 2020. Le ministère de la santé n’a pas désigné de nouvel interlocuteur dans ce dossier. « Nous sommes les permanents de l’oubli », assure Mme Louineau, qui souligne également le problème de gouvernance du régime de sécurité sociale des artistes-auteurs, non contrôlé par des représentants de ses bénéficiaires.

Le ministère de la culture promet, de son côté, que « l’accès aux droits sociaux est une priorité que Roselyne Bachelot a évoquée avec son homologue Olivier Véran »

Jean-Yves Auffret ne cache pas « de grosses difficultés informatiques » qui entraînent des « réactions de colère légitimes ». Selon lui, « 125 000 artistes-auteurs ont réussi à ouvrir leur compte », sur les 250 000 qu’il a répertoriés, sans être sûr d’avoir « récupéré tout le monde ». Il montre une réelle « volonté d’amélioration », affirme avoir créé une boîte mail destinée aux organisations professionnelles pour faire remonter les cas les plus urgents, comme les délivrances d’attestation de droits pour ceux qui souhaitent répondre à des marchés publics. Le patron de l’Urssaf Limousin compte aussi réactiver les réunions trimestrielles de suivi du dossier et rouvrir des bureaux d’accueil à Paris.

 

Au ministère des solidarités et de la santé, on assure que « l’absence d’ouverture du compte en ligne par certains artistes-auteurs qui exercent cette activité à titre accessoire n’est nullement le signe d’un dysfonctionnement. (…) Ils n’ont pas besoin de le faire, puisque leurs revenus ont été déclarés par les diffuseurs [leurs employeurs] et ils n’ont pas besoin de modifier ces montants ». Encore faut-il pouvoir le vérifier en ligne…

 

 

Le ministère de la culture promet, de son côté, que « l’accès aux droits sociaux est une priorité que Roselyne Bachelot a évoquée avec son homologue Olivier Véran » et dit que « les administrations y travaillent sérieusement ». Avant l’Urssaf Limousin, M. Auffret avait dirigé, en région, le régime social des indépendants. Celui-là même qui a connu quatorze ans de dysfonctionnements tels qu’il a été dissous en 2018. « Le régime des artistes-auteurs, ça ne me fait pas peur ! » lance-t-il. Pas sûr que la réciproque soit vraie pour les créateurs…

 

Nicole Vulser

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"Pur" de Lars Norén

"Pur" de Lars Norén | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Huis clos d’un appartement, intimité d’une vie passée et en devenir. Deux couples. L’Homme et la Femme, Elle et Lui. Une pièce blanche, appartement vide marqué par deux fenêtres. Un canapé, des rideaux. Mais tout ici est clair, débarrassé des fioritures et des nécessités de l’habitation.

Huis clos d’un appartement, intimité d’une vie passée et en devenir. Deux couples. L’Homme et la Femme, Elle et Lui. Les premiers, plus âgés, sont sur le point de se séparer, ou tout du moins de déménager de ce cocon qui leur est familier depuis de nombreuses années. Ils y ont encore quelques affaires, un canapé, des rideaux, un vieux pantalon, des livres de cuisine, un sac de bowling et quelques photos… Autant d’objets qui raniment leur mémoire endolorie. Les plus jeunes emménagent. Lui s’occupe de vider leurs premiers cartons, tandis qu’Elle, enceinte de dix semaines, lasse, paralysée par un avenir incertain et des désirs impossibles, ne peut lui être d’aucune aide. « Concentration du temps écoulé, depuis son commencement jusqu’à sa fin. Des moments et des souvenirs différents se confondent.

Traduit du suédois par Katrin Ahlgren, d’après la mise en scène de Lars Norén
Réalisation de Myron Meerson

Avec Catherine Sauval (la femme), Françoise Gilard (elle), Alexandre Pavloff (il), Christian Cloarec (l’homme),  de la Comédie Française

Equipe de réalisation : Philippe Bredin, Eric Villenfin

Le spectacle Pur a été enregistré par le réalisateur Myron Meerson lors des représentations données par la troupe de la Comédie Française au Théâtre du Vieux-Colombier en 2009. 

L’œuvre de Lars Norén est éditée à l’Arche.

Né en 1944 en Suède, Lars Norén grandit dans le pays des fantômes de Strindberg. Adolescent, il compose un premier recueil de poèmes, Schizopoésie. À vingt ans, il est interné en hôpital psychiatrique pour schizophrénie, il affronte les électrochocs et l’isolement. Poète, romancier, dramaturge, Lars Norén devient dès les années quatre-vingts l’emblème d’une création engagée, violemment politisée. Avec Démons, La Veillée ou Automne et hiver, tout un pan de son œuvre fouille d’abord du côté des violences familières, plonge dans l’enfer d’être ensemble, en couple et en famille. Il explore nos propensions aux mensonges, aux haines, aux trahisons. L’autre part du théâtre de Norén, toujours attaché à l’individu lâché dans un contexte destructeur, s’attaque à la  société. Avec Catégorie 3.1, _Froid!_ou À la mémoire d’Anna Politkovskaïa, il fait entendre ceux que la société recrache dans ses marges, gamins skinheads et criminels, comme d’autres pantins des désastres contemporains. Son projet marque alors un tournant décisif de l’écriture contemporaine, qui impose l’exploration sociologique du monde présent.

Lars Norén traduit les œuvres de Jon Fosse, lui-même traducteur en norvégien du théâtre de Norén. En 1992, il signait sa première mise en scène, s’attaquait au père spirituel Strindberg. Il orchestrait l’aliénation et l’emprise de Danse de mort au Dramaten de Stockholm. Depuis, il met en scène Shakespeare, Tchekhov, Primo Levi ou ses propres œuvres, dont les pièces regroupées sous l’intitulé Terminal, où le temps devient son nouveau champ d’exploration. Le temps qui reste, celui qui éloigne du passé, arrêté ou volatile, insaisissable. Aussi Lars Norén écrit-il sans relâche lorsqu’il met en scène"; pour ne rien figer. À l’occasion de sa première mise en scène à la Comédie-Française, il a affiché dans son bureau les photographies des acteurs, pour réécrire, d’après sa lecture de leurs traits, la parole de ses personnages. Il a transformé, augmenté sa pièce Pur I!; il a composé Pur II d’après ces rencontres. Comme l’espace, paysage ouvert traversé de lumières changeantes, les écritures scéniques et dramatiques de Norén évoluent selon qui les traverse. Elles travaillent autour du temps, avec le temps, mais se laissent tout autant travailler par lui.

Pierre Notte (ex Secrétaire Général de la Comédie Française)

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Ascanio Celestini et David Murgia, entente idéale

Ascanio Celestini et David Murgia, entente idéale | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Armelle Héliot dans son blog - 7 mars 2021

 

Un auteur italien, un comédien belge, et des textes originaux et puissants à propos du monde d’aujourd’hui. Après Discours à la nation, Laïka, voici Pueblo. 

Le théâtre est art du dialogue. Affaire d’entente, de compréhension, d’harmonie. Le théâtre propose des rencontres idéales, parfois.

En quelques années, Ascanio Celestini et David Murgia ont suivi un chemin qui nous offre régulièrement des moments fertiles et puissants de réflexion qui passe par la scène, le jeu, l’interprétation.

 

L’un est italien, l’autre belge –mais avec des attaches siciliennes. L’un est né en 1972, l’autre en 1988. Ecrivain, musicien, metteur en scène, acteur, Ascanio Celestini est publié chez Einaudi et représente, dans son pays et au-delà, un héritier de la tradition de Dario Fo. Du théâtre qui puise dans le monde et s’adresse à lui. Il travaille sans cesse et ses écrits ne sont pas seulement destinés à la scène. Il s’intéresse aux démunis, à ceux qui sont pauvres, aux déracinés, à ceux que l’on jette dans la marge, ceux que l’on ne voit pas, que l’on n’écoute pas. « Ce qui m’intéresse dans ces personnages, c’est leur humanité.  Je veux raconter comment ils sont avant que la violence ne les transforme en centre d’intérêt pour la presse mais je veux aussi raconter le monde magique qu’il y a dans leur tête. »

 

Comédien, metteur en scène, auteur, frère cadet de Fabrice Murgia auteur (Le Chagrin des ogres en 2008) et lui aussi comédien et metteur en scène, David Murgia est l’un des cofondateurs du Raoul Collectif dont le dernier spectacle est Une cérémonie, en 2020.

 

Murgia et Celestini ont créé ensemble Discours à la Nation en 2013, Laïka en 2017, Pueblo en 2020.

 

La présence de Murgia, ce qu’il y a de trépidant en lui, son débit très vif, sa prise à témoin du public, tout saisit immédiatement. Accompagné du musicien Philippe Orivel, il ne donne jamais le sentiment de dire un texte, de le jouer. La grande complicité de Murgia et Celestini –ce dernier signe la mise en scène- donne à ce moment une puissance très particulière. Une vitalité, une plongée dans l’humain, sans rien de folklorique, mais avec une vérité à la Hugo, en quelque sorte ou, plus près, à la Dario Fo, justement. Pas d’exotisme, mais notre monde, pris dans le cadre d’une image qui ouvre et clôt Pueblo, celle d’un son né du déplacement de masses d’eau à la superficie de la mer…un son planétaire qui touche des indiens d’Amérique. Un signal pour piétiner, en une danse magique, la terre et faire pleuvoir les nuages…

 

Une légende qui rehausse toutes les inventions des gens de peu, des êtres qui se croisent dans Pueblo. Ascanio et Murgia leur donnent la parole. On les entend. On ne les oubliera plus.

 

Vu au Théâtre Jean-Vilar de Vitry-sur-Seine. Des représentations de Pueblo sont prévues à Rennes, en avril, dans le cadre de Mythos, puis le 27 avril, au Wolubilis, Bruxelles, du 22 au 26 juin au Théâtre l’Ancre, à Charleroi.

 

 

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La ministre de la culture s’est rendue au théâtre de l’Odéon, occupé depuis jeudi

La ministre de la culture s’est rendue au théâtre de l’Odéon, occupé depuis jeudi | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Publié dans Le Monde avec AFP le 7 mars 2021

 

Mme Bachelot a voulu rassurer les acteurs de la culture, qui demandent la réouverture des lieux culturels et des aides financières. « On attend des actes », ont réagi ces derniers qui poursuivent leur mobilisation.

 

La ministre de la culture, Roselyne Bachelot, s’est rendue dans la soirée du samedi 6 mars au théâtre de l’Odéon, à Paris, occupé depuis jeudi par des acteurs de la culture qui réclament une réouverture des lieux culturels et des aides financières.

 

 

Lire aussi  L’Odéon, « théâtre public et symbolique », de nouveau occupé

« Je comprends les inquiétudes notamment sur les suites de l’année blanche : ils savent, mon objectif est de poursuivre la protection de l’emploi artistique autant que nécessaire », a-t-elle déclaré dans un message posté sur le réseau social Twitter, ajoutant que les échanges se poursuivent.

 

 

Le dispositif de « l’année blanche » pour les intermittents du spectacle, instauré en mai 2020, prolonge la durée d’indemnisation de l’ensemble des intermittents jusqu’au 31 août 2021. Une mission a été mise sur place par le ministère de la culture pour voir les suites à donner à ce dispositif. Les professionnels de la culture réclament, eux, sa prolongation jusqu’en août 2022.

 

 

Lire aussi : En attendant la réouverture, le spectacle était dans la rue jeudi 4 mars

Aucune date de réouverture

« Nous avons échangé [avec Roselyne Bachelot], posé nos revendications, en insistant sur le fait qu’elles portaient sur l’ensemble des travailleurs précaires et des chômeurs », ont répondu les occupants du lieu dans un communiqué. « Des paroles, on attend des actes » , ont-ils résumé, précisant qu’ils restaient dans l’enceinte du théâtre « dans l’attente de réponses concrètes ».

Le gouvernement, qui a fermé fin octobre les théâtres, musées et autres lieux culturels pour lutter contre l’épidémie de Covid-19, n’a donné aucune date de réouverture, attendant le résultat de plusieurs « concerts-tests », ainsi qu’une expertise sur la situation des intermittents.

Légende photo : Des travailleurs, au chômage technique, devant le théâtre de l’Odéon occupé, le 5 mars 2021 à Paris. THIBAULT CAMUS / AP
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“La Fresque”, le poème dansé d’Angelin Preljocaj

“La Fresque”, le poème dansé d’Angelin Preljocaj | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par RDV CULTURE – Le chorégraphe jette douze danseurs dans un récit sur le pouvoir “surnaturel” du geste pictural. Un spectacle disponible sur le site d’Arte.

 

Se poser sur des œuvres littéraires comme sur un tapis volant pour les faire décoller grâce à la danse est un exercice qu’affectionne Angelin Preljocaj. Dans La Fresque (2016), le voilà sous l’influence d’un conte chinois du XIIIe siècle. L’histoire met en scène un jeune homme qui tombe amoureux d’une femme peinte sur le mur d’un temple. Force du fantasme, emprise de l’imaginaire, ces thèmes délicats à mettre en scène trouvent ici une incarnation démultipliée par dix interprètes. Dans un décor d’écrans et de panneaux ainsi que de nuées imaginé par Constance Guisset, l’attraction du désir fait surgir de l’obscurité quelques scènes lentes et magnétiques, mais aussi une dynamique de farandole en couples. La musique électro de Nicolas Godin, ici avec la complicité de Vincent Taurelle, se colore d’accents folkloriques ou cosmiques pour faire palpiter les corps. Plaisir que de revoir cette pièce de Preljocaj.

 

Voir la vidéo : 

« Angelin Preljocaj - La Fresque » (1h11), disponible sur le site d’Arte

 

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Après quatre mois de surplace, la culture sature 

Après quatre mois de surplace, la culture sature  | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Sandra Onana dans Libération -  6 mars 2021 

 

 

L’occupation du théâtre de l’Odéon traduit le ras-le-bol du secteur, qui multiplie les actions militantes dans le vide et s’estime victime d’une iniquité que le gouvernement a de plus en plus de mal à justifier.

 

Quand la coupe a-t-elle commencé à être pleine ? Etait-ce la décision de ne pas rouvrir les lieux culturels le 15 décembre faute de perspectives sanitaires favorables, sans concertation préalable avec le secteur ? La reconnaissance par le Conseil d’Etat (saisi par les professionnels du cinéma, des salles de spectacles et musées dans les jours qui suivirent) d’une «atteinte grave aux libertés», rendue d’autant plus manifeste par la reprise des commerces et des offices religieux ? Les «clauses de revoyure», une le 7 janvier, une le 21 janvier, agitées au nez du secteur sans donner lieu à la moindre réévaluation de son sort ?

 

L’occupation du théâtre parisien de l’Odéon par une cinquantaine d’intermittents depuis jeudi intervient comme un point de rupture. Un geste symbolique qui met fin à la succession de non-événements encaissée par le monde culturel depuis sa mise à l’arrêt le 30 octobre. Les revendications des protagonistes, venus de la mobilisation organisée place de la République à l’appel de la CGT Spectacle, expriment plus particulièrement une exaspération à l’endroit des droits sociaux. Les suites de «l’année blanche» en faveur des intermittents ne sont pas garanties au-delà d’août 2021 : la crise perdurant, une mission de diagnostic de la situation a été confiée par la ministre de la Culture, Roselyne Bachelot, à un conseiller de la Cour des comptes début février. Cerise sur le gâteau : le passage en force de la réforme de l’assurance chômage, présentée mardi par le ministère du Travail, est un coup porté aux salariés en contrats courts, dont un grand nombre travaillent dans la vaste galaxie de la culture.

Effet de routine

Avant d’en venir à investir les marbres de l’Odéon, la profession a d’ores et déjà parcouru un large éventail d’actions militantes. Manifestations, désobéissance civile et tribunes semblent avoir usé leur capacité à secouer efficacement le gouvernement, guettées par un amer effet de routine. Au point où l’on a le sentiment que la parution, mercredi dans le Monde, d’une lettre ouverte signée par 800 noms rutilants (Jacques Audiard, Léa Seydoux, Marion Cotillard, Vincent Lacoste…) n’est plus à même d’actionner la moindre avancée (ils demandaient la réouverture urgente des salles de cinéma), pas plus que l’appel d’une vingtaine de syndicats dans le Parisien quelques jours plus tôt, fédérés autour du hashtag #RebranchonsLaCulture.

La table ronde organisée jeudi par le Sénat avec les représentants du spectacle aura offert une énième synthèse d’enjeux qui ne procure plus qu’un effet sidérant d’interminable surplace. En outre, des réunions entre le gouvernement et les syndicats des salles de spectacles et du cinéma étaient prévues vendredi. Ces derniers ont finalement appris le report de la visioconférence à la semaine suivante. «Coordination et organisation préalable des différents ministères» et autre «ils ont plein de questions à régler avant» sont les motifs laconiques rapportés par les uns et les autres.

Expérimentations scientifiques

Même Roselyne Bachelot, dans ses dernières interventions médiatiques, semblait à court d’éléments de langage pour justifier l’iniquité de traitement dont le secteur s’estime victime. On peut s’agglutiner dans une galerie d’art minuscule parce que les œuvres sont à vendre mais toujours pas déambuler dans les vastes espaces du Louvre, on peut se presser dans une librairie ou chez un disquaire finalement reclassés dans la catégorie reine du «commerce essentiel» mais pas dans un cinéma ou un théâtre. Aucune scène de liesse n’a suivi l’annonce, mi-février, de l’autorisation des festivals d’été, conditionnée à une jauge de 5 000 personnes, assises, masquées et non restaurées. Le nouveau sujet en vogue du «pass sanitaire» soulève mille questions, et les expérimentations scientifiques lancées pour les spectacles à jauge debout ne suffisent pas à rasséréner une profession en mal de perspectives.

L’exécutif ne l’ignorait pas, et les syndicats avaient annoncé la couleur : le mois de mars, qui marque le sinistre anniversaire des premières mesures de restriction et du premier confinement, serait celui d’un regain de virulence des contestations. Les occupants de l’Odéon mènent une action codifiée du répertoire de la lutte sociale qui n’aspire pas au chaos, mais semble déclarer que c’en est fini des échanges de politesses et des imbroglios : «Laissez-nous travailler 

 

 
 
 
 
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Au théâtre de l’Odéon, une soirée très occupée –

Au théâtre de l’Odéon, une soirée très occupée – | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Romain Boulho dans Libération - 6 mars 2021

 

Un accordéon au milieu des colonnes de marbre, une AG dans la grande salle... Intermittents et militants CGT ont investi le théâtre parisien pour protester contre la «culture sacrifiée» par l’épidémie.

 

Une cinquantaine d’intermittents le théâtre de l'Odéon à Paris, ce jeudi soir, pour réclamer des aides à la création et des négociations pour fixer les conditions de la réouverture des lieux de culture. (Denis Allard/Libération)

 
 

Une trompette exulte dans la nuit noire. Il y a des éclats de voix. Des rires de balcons. Et puis du silence, tout autour. Un silence qui enveloppe la place de l’Odéon, qui questionne aussi ces rires, ces voix, cette trompette. Il demande : que se passe-t-il dans ce théâtre, à Paris, un soir de couvre-feu, une nuit où la culture doit sommeiller, encore une fois, comme elle l’a fait tant de nuits depuis un an ? Des banderoles, perchées en haut du théâtre, indiquent que le chômage et la «culture sacrifiée» se sont emparés des lieux. En même temps qu’une guitare, une basse, une clarinette, des percussions et des dizaines de militants de la CGT. Ils sont arrivés là dans l’après-midi, jeudi, en marge de la manifestation en défense des professionnels de la culture qui se tenait à Paris comme partout en France. Poussés, disent-ils, par le «mépris» du gouvernement auquel ils sont confrontés depuis le début de la pandémie de Covid-19 ; des lustres à hauteur de précaire.

 

Au cours de la soirée, une femme raconte qu’elle se réapproprie le lieu. Qu’ici, c’est chez elle, c’est chez vous : les impôts font tenir les murs, font «vibrer» le théâtre, alors on a le droit d’être là. «Je me sens légitime ici.» Elle laisse son cœur crier : «Sortir sans rien, ce n’est pas possible.» L’opération est un coup de poing sage, dans «un lieu que l’on respecte». Dans la salle, vaste, du bar un concert prend forme. Fracas de fête, accordéon, comme une fin de soirée d’été. Il y a des sauts des cabris, des claquements de mains, des gens qui dansent. On demande qui est essentiel : la culture ou «sa majesté présidentielle» ? De «l’enrobage, rappelle Thomas, un musicien. L’action est avant tout politique.» Une intermittente retrace : trois semaines auparavant, leur action à la Philharmonie de Paris en même temps que les Victoires de la musique est passée complètement à la trappe. «Là, au moins, il y a des flics.» Un tour de garde de la porte est scotché sur un frigo. Des sacs de couchage et des «sandwiches d’autoroute» sont entreposés.

«L’impossibilité du bonheur»

L’Odéon ne déroge pas au protocole, immuable. Il a droit à son assemblée générale. La réunion se lance au premier balcon de la grande salle. Quelqu’un parle du commencement d’une «révolution culturelle». Denis Gravouil, secrétaire général de la CGT Spectacle, rappelle les réclamations. La demande d’un Conseil national des professions du spectacle, la mise en place d’une deuxième année blanche, promise puis refusée, en soutien à un secteur atrophié par la crise du Covid, la «préservation des droits sociaux», l’ouverture de droit aux congés maladies et maternité… Surtout, avance-t-il, le nerf de la bataille reste la réforme de l’assurance chômage que le gouvernement vient de relancer, une lutte à mener collectivement avec «tous ceux dans le même bateau». Une voix s’élève, jette «l’impossibilité du bonheur» (une deuxième année blanche) «dans le malheur commun» (ceux qui n’ont rien de rien).

Christophe Honoré regarde, Chiara Mastroianni écoute. Le réalisateur et l’actrice tournaient juste avant sur place, surpris par les CGTistes. Un responsable syndical : «L’autre jour, j’ai vu Jean-Louis Aubert à la télé, qui racontait que l’Etat n’avait jamais rien fait pour lui. Ça fait des décennies qu’il se produit dans les Zéniths ! Et le service public qui donne la parole à des artistes millionnaires…» Il continue : «Quand le gouvernement va balancer une réouverture pour un cinquième des lieux de spectacle en avril, on va pouvoir l’oublier notre année blanche.»

 

Une voix d’AG retentit. Intense, musclée de combats. Elle est si puissante qu’elle se dédouble, aidée par l’écho de la grande salle. Marc Slyper est de toutes les luttes pour protéger le monde de la culture, les hommes et les femmes qui le font, depuis quarante ans ou presque. Tromboniste à la retraite, ancien patron du syndicat des musiciens CGT, il était déjà là, en 1992, quand des intermittents du spectacle avaient occupé l’Odéon pour protester contre la remise en cause de leur régime d’indemnisation du chômage. L’affaire a tous les contours du cycle… «On devait rester trois jours, on est repartis au bout d’un mois.» Un peu interloqué, un homme à son côté s’interroge : comment durer autant sans brosse à dents ?

 

Les discussions s’étalent : faut-il inclure une contrepartie, parmi les revendications en préparation ? Faut-il «demander la lune» ? Certains partent bille en tête : un rendez-vous avec le Premier ministre, Jean Castex, sinon rien. Roselyne Bachelot, elle, «ne vaut plus tripette». Finalement, les intermittents décident la tenue d’un rassemblement devant le théâtre, à 14 heures, ce vendredi.

«Un sous-monde»

Plus tard, Marc Slyper, 71 ans, révèle les prérequis pour la réussite d’une telle opération. Un assemblage fin : de la symbolique, d’abord, qui donne de la force. «Là, tu t’installes à l’Odéon quand même, ça parle.» Avant l’occupation de 1992 (et d’autres…), il y a eu Mai 68. L’imagination au pouvoir, les débats de tumulte, le directeur du théâtre de l’époque, Jean-Louis Barrault, qui démissionne et annonce : «Je ne suis plus qu’un comédien comme les autres. Barrault est mort…» Slyper poursuit : «Y’a pas de miracle, il faut de la fraternité, de l’exacerbation dans les échanges.» Des relais, aussi : le bonhomme raconte que des camarades qui habitent à 600 kilomètres lui envoient des messages. Ils veulent venir.

 

Le PIB produit par la culture, «3%», les emplois directs et indirects, «600 000» : Slyper enchaîne les chiffres. Peut-être sont-ils plus efficaces, quand on cause avec ce gouvernement, que le témoignage de vies à l’ombre, engluées dans la précarité ? «En 1992, Jack Lang, le ministre de la Culture, était hyper embarrassé. Aujourd’hui, on sent qu’ils n’en ont vraiment rien à foutre. On nous dit : vous êtes un sous-monde.»

Deuxième concert improvisé. La nuit est lourde déjà. Dans la salle du bar, la lumière s’est tamisée. Presque une pénombre. Elle appelle les souvenirs, les réminiscences de musique jouée en live. Devant les quatre musiciens, qui improvisent un jazz, un carré vide, comme sacré. Quelques personnes se sont réfugiées dans les étages, à la recherche d’un couloir, un coin de sol molletonné où somnoler. La trompette surgit, seule. Le dernier discours de la soirée, hors du temps, au milieu des colonnes immenses en marbre. Corneille observe d’un œil inquisiteur. Racine s’est emparé d’un drapeau de la CGT.

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Patrick Dupond, un danseur étoile a filé

Patrick Dupond, un danseur étoile a filé | Revue de presse théâtre | Scoop.it

par Céline Walter pour Libération - publié le 23 février 2011 à 0h00    (mis à jour le 5 mars 2021 à 16h45)

 

Le danseur star est mort d’une maladie foudroyante ce vendredi à 61 ans. Nous republions un portrait écrit en 2011

 

 

Justement le voilà qui arrive. Léger, aérien. A 51 ans, Dupond - avec un D comme danseur - a conservé l’allure de l’étoile. Il ne se déplace pas, il lévite. Il ne marche pas, il décompose ses mouvements. S’approche tout schuss, les pieds à 10 h 10, la tête haute marque midi pile au soleil. Salue. Un sourire délicat pour révérence, son regard bleu planté loin par-dessus mon épaule. Plus loin encore. Ailleurs. Troublant. Il s’excuse de présenter un de ces visages des jours sans. Paraît dix ans de plus. Injustement. Paupières rougies et gonflées. La peau à bout de souffle. La faute à une inflammation aussi moche que passagère. Le jargon médical appelle ça un chalazion. Alors pour la photo, il faudra repasser. N’empêche. Assis sur un banc des vestiaires de l’école de danse de Soissons (Aisne) où il enseigne depuis cinq ans, on sent un homme abîmé, tremblant, fragile, comme un œuf vidé de son contenu. Mais ça, c’est la faute aux épreuves de la vie dont Dupond est sorti agrégé.

 

Et dire qu’il danse ! Patrick Dupond a un projet : il veut être, après avoir été. Il veut le danser, devant ceux qui n’y croient pas, sur la scène du Cirque royal de Bruxelles dans quelques jours. Les raisons de ce retour ? Elles sont multiples mais s’il devait en rester qu’une, ce serait l’Amour. Et sur ce coup-là, que la raison ignore vraiment.

 

L'Amour. Homme, femme, amis de la danse. Qu'on se le dise. Il s'agit d'Elle : Leïla Da Rocha. 39 ans. Un carré long, brun profond, souligne son visage au moins aussi joli que celui de Sofia Coppola. Très grande, elle revendique un IMC généreusement au-dessus de la normale. Attribut nécessaire à toutes les Shéhérazade qui ondulent, voilées de toute part. Cette ancienne basketteuse internationale s'est reconvertie dans la danse sacrée orientale il y a plus de dix ans.

 

Elle est désormais l'unique partenaire de Patrick Dupond. Il en est tombé fou. «C'est un être de lumière. Elle m'a sauvé la vie. Je remonte sur scène grâce à elle, à son amour, sa volonté, son opiniâtreté.» Elle : «Notre relation est de l'ordre du divin. Elle est fusionnelle. Ça n'a rien à voir avec une histoire de cul. Rien à voir avec l'amour que je porte à mon mari.» Voilà qui a le mérite d'être - presque - clair. Et pour les nostalgiques des frasques homosexuelles ou bisexuelles du danseur, il faut se reporter à son autobiographie Etoile. Le duo improbable s'est rencontré à Paris à un cours de danse. Culottée, elle lui demande d'assurer un stage dans son école à Soissons. Il accepte. «Ça a été un coup de foudre immédiat. Nous ne nous sommes plus quittés.» Exact. Patrick Dupond a aussitôt posé ses valises et son chien Neijma, un pinscher aussi gros que la souris la plus rapide du Mexique, au plus près du domicile de la jeune femme. Ici, dans l'Aisne, au pays de la culture intensive de la betterave, au mamelon des usines à sucre, il a retrouvé son «bonheur d'être». Materné autant que possible par Leïla et sa famille. Il respire. Heureux de faire valoir ses droits à l'anonymat, après une carrière militaire à l'Opéra. Heureux d'être en vie après être tombé sous la loi des séries.

 

La vie. Patrick Dupond en décrocherait une étoile pour la célébrer. «Aujourd'hui, à travers la danse, je veux prouver que l'on peut vivre l'enfer et renaître à la lumière à condition de ne pas baisser les bras.» L'enfer en quatre dates : son licenciement de la direction de l'Opéra de Paris pour insubordination (1995), un accident de voiture qui le laisse pour mort «avec 134 fractures» (2000), suivi de deux ans de morphine, une année de plus pour s'en désintoxiquer. Le danseur se relève grâce à un entraînement quotidien avec son mentor et père spirituel, Max Bozzoni. Bozzoni décède (2003). La maison de Dupond, près de Dreux, brûle (2007). Le danseur n'a plus rien à perdre. A part la tête. S'accroche. Se cherche. Donne quelques cours de danse à Paris, sans plaisir. L'étoile, que Noureev avait baptisée «le génie», l'étoile adulée par Béjart et Petit, se pervertit en bonne pâte à la télé des célébrités. Réalité d'une solitude médiatisée. Le téléphone ne sonne plus. A part ses deux mamans, celle qui l'a porté et l'autre, Claude Bessy, qui l'a élevé à l'Opéra. Et son ami «toujours présent», le danseur Jean-Marie Didière. «C'est à cette période confuse, très dure, que j'ai rencontré Leïla. J'étais lassé par cette vie. Elle m'a tendu la main.» L'absence de Leïla, qui s'est éclipsée, contrarie Patrick. Il prétexte subitement «une course à faire». Cinq minutes plus tard. Dupond revient apaisé. Il sent encore plus la Marlboro qu'avant, et sa brune visiblement a répondu au téléphone.

 

La danse. Le duo Dupond-Da Rocha y travaille aux forceps. Milite pour ce retour à la scène à travers leur «bébé» : Fusion. Un spectacle chorégraphique mêlant danse orientale et danse classique. Le danseur assure y être au mieux de sa forme et de son art. «Ma danse a acquis une maturité phénoménale. Plus maîtrisée, plus sereine. Mon répertoire, grands jetés et déboulés, est intact, juste moins hystérique qu'avant.» Mais la création peine à se vendre. Si quelques dates test en local ont été «bien accueillies du public», Leïla Da Rocha est catégorique : «Le milieu de la danse ne veut pas du retour de Patrick et encore moins de ce mariage entre l'Orient et l'Occident. Toutes les portes se ferment. Nous n'avons aucune aide.» Claude Bessy est plus modérée : «Patrick a sa place sur scène. Il est beau, il est tout mince. Il a récupéré physiquement et psychologiquement.»

 

L'argent. Patrick Dupond en a manqué au creux de sa vague. Sa retraite d'étoile, «1 000 euros par mois, réduite à cause de mon licenciement de l'Opéra», l'a contraint à demander un logement HLM à la ville de Paris. Qu'il a obtenu au bout de trois ans. Aujourd'hui, sa situation financière est rétablie. Patrick Dupond «ne roule pas sur l'or» mais l'argent n'est pas sa motivation première. Le danseur a son «gagne-pain» : une résidence artistique rémunérée 180 000 euros par an par la ville de Saint-Quentin (Aisne). Le duo, là encore indissociable, se partage la donne du maire, Xavier Bertrand. «C'est notre patron, considère le danseur. N'en concluez pas que je danse pour l'UMP. Je suis apolitique. Si je milite, c'est pour les droits de l'homme, de la femme, de la presse et la cause animale.» La résidence court depuis deux ans et devrait être renouvelée. Le nom de Dupond sonne encore assez bien pour faire briller le blason de la ville. Jean-Pierre Roux, directeur du service culture de Saint-Quentin, explique le deal : «Patrick Dupond a une mission de création et de diffusion de spectacles en lien avec les enfants des écoles et des centres sociaux de la ville. Il intervient également auprès des personnes âgées.» Sur les bancs de l'opposition, l'équipe PS fulmine et parle de «retraite dorée pour M. Dupond». L'intéressé se dit ravi de rendre accessible son art au plus grand nombre.

 

Au-delà. Patrick Dupond est descendu de sa croix. Mais c'est entre les mains du bouddhisme qu'il a remis sa résurrection… à plus tard. Ses journées sont rythmées par des temps de méditation. Il croit en la réincarnation mais pour l'heure, travaille à se réincarner «en moi-même».

Patrick Dupond en 6 dates

14 mars 1959: Naissance à Paris.

1970: Entre à l'école de l'Opéra de Paris. 1980 Nommé danseur étoile.

1990: Nommé directeur de l’Opéra de Paris.

2000: Accident de voiture.

26 février 2011: Retour sur scène au Cirque royal de Bruxelles.

5 mars 2021: Décès

Photo Jérôme Bonnet

 

 

.Soissons, le 1er février 2011. Patrick Dupond, danseur étoile. (Jérôme Bonnet/Libération)

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Théâtre, danse, cirque, contes : sept spectacles et festivals à voir en ligne

Théâtre, danse, cirque, contes : sept spectacles et festivals à voir en ligne | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par les journalistes du Monde le 5 mars 2021

 

En attendant la réouverture des salles, le service Culture du « Monde » propose, dans « La Matinale », un choix de représentations

 

LISTE DE LA MATINALE

Les salles de spectacle gardant toujours portes closes en raison de la pandémie, les artistes se réinventent en ligne. Les alexandrins de Racine, le mythe d’Orphée, les ateliers du festival de danse du Val-de-Marne ou les histoires du festival Contes d’hiver : le service Culture du Monde vous propose une sélection de représentations à regarder en streaming ou en replay.

Théâtre. Eric Vigner fait ruisseler les vers de « Mithridate »

La beauté des alexandrins de Racine et la technologie la plus pointue s’épousent dans ce Mithridate qui, c’est une première, Covid-19 oblige, est visible d’abord dans sa version filmée, avant de pouvoir être représenté sur scène, au Théâtre national de Strasbourg et ailleurs. Le metteur en scène Eric Vigner signe un spectacle stylisé, nocturne, à la fois sobre et somptueux, qui offre au réalisateur Stéphane Pinot une belle matière pour exercer cet art discret et délicat qu’est la captation de théâtre, en donnant à la pièce un petit côté thriller.

Dans la nuit du théâtre, Eric Vigner laisse éclater le flamboiement d’un feu, le scintillement d’un sublime rideau de pierres précieuses, les damas or et argent ou le satin rouge des costumes. Et le jeu de ses comédien(ne)s de haute volée est à l’avenant, qui fait ruisseler les vers de Racine comme des rivières de diamant. Stanislas Nordey, Mithridate hanté par la mort et la jalousie. Thomas Jolly, Xipharès laissant toute sa place à l’émotion. Jutta Johanna Weiss, magnifique et japonisante Monime. Fabienne Darge

 

Mithridate, de Racine, mis en scène par Eric Vigner. Réalisation : Stéphane Pinot. Sur France 5, le 5 mars à 21 heures, et en replay sur Culturebox jusqu’au 23 août.

 

 

Théâtre. Julie Deliquet entremêle fiction et vie dans « Fanny et Alexandre »

Avec Fanny et Alexandre, créé en février 2019 à la Comédie-Française, c’est un pur bonheur de théâtre qui s’offre à la (re) découverte. En adaptant le roman signé par le grand cinéaste suédois Ingmar Bergman, dont il tira ensuite un film et une série télévisée, la jeune metteuse en scène Julie Deliquet signait un magnifique spectacle en forme d’hommage au théâtre, hommage particulièrement émouvant aujourd’hui, où les salles sont fermées depuis des mois.

Les emmêlements de la fiction et de la vie, la folie, la famille, la mort, l’enfance, tous les grands thèmes bergmaniens sont là, mêlés dans un tourbillon de vie et de théâtre, portés par une distribution éblouissante : Denis Podalydès, Elsa Lepoivre, Dominique Blanc, Thierry Hancisse… Les caméras du réalisateur Corentin Leconte ont su se faire discrètes, pour restituer au mieux cette transparence et cette justesse de jeu qui est la patte de Julie Deliquet. F. Da.

 

Fanny et Alexandre, d’après Ingmar Bergman. Mise en scène : Julie Deliquet. Réalisation : Corentin Leconte. En replay sur Culturebox, jusqu’au 16 novembre.

 

 

 

Théâtre. Jean Bellorini relit le mythe d’Orphée avec les mots de Valère Novarina

La grâce porte à la fois cette création théâtrale et musicale inspirée par le mythe d’Orphée et Eurydice, et la manière dont elle est filmée par le jeune réalisateur Julien Condemine. La mort et l’amour baignent ce spectacle dont le metteur en scène Jean Bellorini a commandé le texte à Valère Novarina, notre plus grand poète dramatique vivant. Celui-ci livre une relecture très libre du mythe, l’histoire d’Orphée allant chercher Eurydice aux enfers, pour la perdre à nouveau, étant pour lui une nouvelle occasion de mâcher la chair de la langue, de pétrir et repétrir la glaise des mystères de la vie et de la mort, de la création et du néant.

Cette partition poétique, Jean Bellorini l’entrelace avec des extraits de L’Orfeo, de Monteverdi, chantés en direct sur la scène, dans la chatoyante atmosphère nocturne, d’inspiration foraine, créée par le metteur en scène, qui laisse toute la place qu’ils méritent à de très beaux interprètes, acteurs comme chanteurs. F. Da.

 

Le Jeu des ombres, de Valère Novarina. Mise en scène : Jean Bellorini. Réalisation : Julien Condemine. En replay sur Culturebox, jusqu’au 26 avril.

 

 

 

Théâtre. Catherine Hiegel fait pétiller Marivaux dans « Le Jeu de l’amour et du hasard »

Un Marivaux pour tous, accessible et heureux : Le Jeu de l’amour et du hasard, dans la mise en scène de Catherine Hiegel. Créé en 2018 au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, à Paris, il est ensuite parti en tournée, et c’est à Antibes qu’il a été filmé, en public et sans chichis : pas de recherche esthétique dans les mouvements de la caméra, qui suit les comédiens au plus près. C’est sur eux que tout repose, et ils ont été soigneusement choisis : Laure Calamy, Clotilde Hesme, Vincent Dedienne, Emmanuel Noblet, et Alain Pralon, dans les rôles principaux. Soit un père, qui veut marier sa fille à un jeune homme qu’elle ne connaît pas…

Fondée sur le travestissement, l’intrigue pétille, jusqu’à la fin de la pièce où éclate la cruauté de Marivaux, que Catherine Hiegel ignore : elle se concentre sur le plaisir de l’instant, dans le décor d’une campagne respirant le bonheur. Et le spectateur prend plaisir aux frémissements inquiets de Clotilde Hesme et d’Emmanuel Noblet, à la bonhomie suave d’Alain Pralon, à la présence éclatante de Vincent Dedienne, et au comique irradiant de Laure Calamy, qui fait un tabac. Brigitte Salino

Le Jeu de l’amour et du hasard, de Marivaux. Mise en scène : Catherine Hiegel. Réalisation : Dominique Thiel. En replay sur Culturebox, jusqu’au 13 mars.

 

 

Danse. La Biennale de danse du Val-de-Marne vous fait bouger

Rendez-vous historique créé en 1979, toujours très attendu par les professionnels et le public, la Biennale de danse du Val-de-Marne, annoncée du 3 mars au 4 avril, a dû annuler sa 21e édition. Comme nombre de festivals depuis un an, cette manifestation, qui irriguait une vingtaine de villes du Val-de-Marne, se décline donc sur le numérique au fil d’une dizaine de rendez-vous gratuits, dont une émission de radio sur le thème de la danse dans les musées qui clôturera cette opération spéciale.

Parallèlement à une série d’ateliers de danse pilotés chaque jeudi par des artistes différents dont Christos Papadopoulos (4 mars), David Drouard (11 mars) ou encore Meytal Blanaru (25 mars), des spectacles éclectiques sont proposés chaque mercredi jusqu’au 4 avril. Parmi les rendez-vous, Graces, de la chorégraphe italienne Silvia Gribaudi (10 mars), la pièce Kotéba, de Seydou Boro (24 mars), un documentaire sur le chorégraphe grec Christos Papadopoulos (31 mars). Rosita Boisseau

 

En ligne sur alabriqueterie.com. Les mercredis, à 20 h 30. Les jeudis, à 19 heures. Atelier d’une durée d’une heure trente. Gratuit.

 

 

Cirque. Le Festival Spring déambule en jonglant avec « Périple 2021 »

Rebaptisé « Spring Stream », le festival des nouvelles formes de cirque en Normandie, piloté par deux Pôles Cirque, celui de la Brèche à Cherbourg et du Cirque-Théâtre d’Elbeuf, devait être à l’affiche du 11 mars au 17 avril. Fermeture des salles oblige, il propose donc des découvertes en ligne chaque vendredi sur le site de la manifestation. Sous la direction artistique d’Yveline Rapeau, des captations de spectacles comme Bru(i)t, de Pierre Cartonnet (visible le 19 mars, à 18 heures), S’assurer de ses propres murmures, du Collectif Petit Travers (2 avril, à 18 heures), ou encore Surface, de Familiar Faces (16 avril, à 18 heures) seront disponibles gratuitement. Des rencontres sont également au menu comme celle autour de l’engagement des femmes avec l’écrivaine camerounaise Djaïli Amadou Amal et l’historienne Pascale Barthélémy.

A partir du samedi 13 mars, des images du Périple 2021, par le Collectif Protocole, nous permettront de plonger dans cette incroyable déambulation jonglée d’une durée de six mois se déployant sur tout le territoire français jusqu’en août. Rosita Boisseau

www.festival-spring.eu
www.periple2021.com

Contes : deux festivals pour écouter et voir des histoires

En dépit de la fermeture des salles de spectacle, les arts du récit continuent de se faire entendre sur Internet et sur les réseaux sociaux. Parmi les innombrables initiatives proposées via Zoom par des collectifs de conteurs et conteuses, comme Histoires & Cie, ou annoncées via Facebook pour des groupes comme Contes en chemins et Conteu..r.se.s libres spectacles, entre autres, citons notamment le festival Contes d’hiver, rendez-vous annuel autour des arts de la parole et de la musique organisé depuis des années par le Centre Mandapa à Paris, qui propose une 39e édition uniquement en ligne, à travers une sélection de spectacles enregistrés dans sa petite salle, rue Wurtz, et disponibles en vidéo durant toute la durée du festival et au-delà (9 euros par vidéo). Une captation de qualité dans les conditions d’une représentation classique permet de continuer à écouter avec plaisir des histoires, avec la plupart du temps un accompagnement musical, sur son écran.

 

Signalons aussi la 4e édition du festival Mix Up #conteur.euse.s en scène, organisée par la Compagnie du Cercle dirigée par Abbi Patrix, jusqu’au 26 mars, via Zoom et YouTube, avec, au programme, des ateliers, des débats et rencontres, des spectacles, une master class, placés sous le signe du multilinguisme et de l’Europe. 

Cristina Marino

Le Monde

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L’Odéon, « théâtre public et symbolique », de nouveau occupé

L’Odéon, « théâtre public et symbolique », de nouveau occupé | Revue de presse théâtre | Scoop.it

Par Brigitte Salino dans Le Monde 5 mars 2021

 

A l’issue d’une manifestation organisée pour réclamer la réouverture des lieux culturels, une cinquantaine de militants sont entrés dans l’établissement et ont décidé d’y passer la nuit.


Légende photo : A l’Odéon-Théâtre de l’Europe, à Paris, jeudi 4 mars. MARTIN BUREAU/AFP

« Culture sacrifiée »« Gouvernement disqualifié », peut-on lire sur les banderoles accrochées sur la façade de l’Odéon-Théâtre de l’Europe, à Paris, qui est occupé depuis jeudi 4 mars, à l’initiative de la CGT-Spectacle, rejointe par le Syndicat des cirques et compagnies de création et la Société des réalisateurs de films. Dans le milieu de l’après-midi, à la fin d’une manifestation qui avait rassemblé plusieurs centaines de personnes au départ de la place de la République pour réclamer la réouverture des lieux culturels, une cinquantaine de militants sont entrés dans le théâtre, où Christophe Honoré répète sa prochaine création, Le Ciel de Nantes, dans la salle. Ils ont expliqué leur démarche à l’auteur-metteur en scène, et se sont installés dans le foyer. « Tout s’est déroulé d’une manière pacifique », précise Bethânia Gaschet, l’administratrice de l’Odéon, qui a reçu des délégués dans son bureau.

« Nous demandons aussi de prolonger l’année blanche  »

Denis Gravouil, le secrétaire général de la CGT-Spectacle, confirme. Pour répondre au téléphone, il s’éloigne du foyer où l’on a apporté une batterie pour faire de la musique. « Nous avons choisi l’Odéon parce que c’est un théâtre public et symbolique : il a été occupé plusieurs fois depuis 1968, en particulier par la CGT-Spectacle, en 1996 et 2016. Nous sommes ici pour demander au gouvernement de clarifier les dates de réouverture des salles, et d’accompagner financièrement cette réouverture, qui va être difficile, avec les préconisations sanitaires. Nous demandons aussi de prolonger l’année blanche, ce qui va être dur à obtenir au moment où le gouvernement annonce 1 milliard d’économies sur le dos des chômeurs. Et nous demandons à Roselyne Bachelot de réunir le Conseil national des professions du spectacle, avec le premier ministre. »

Lire aussi  Manifestation pour la culture : en attendant la réouverture, le spectacle était dans la rue jeudi

A l’issue d’une assemblée générale, qui s’est tenue vers 22 heures, les militants ont décidé de rester cette nuit dans le foyer, et d’appeler à un rassemblement de soutien, devant le théâtre, vendredi 5, à 14 heures, au moment où une nouvelle assemblée générale se tiendra à l’intérieur. Un rendez-vous est prévu en visioconférence à 14 h 30 avec le ministère de la culture, pour discuter de la prolongation de l’année blanche. Si une solution n’est pas trouvée, l’occupation de l’Odéon pourrait bien se poursuivre.

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Télévision. Un « Mithridate » sombre, vertigineux et éblouissant

Télévision. Un « Mithridate » sombre, vertigineux et éblouissant | Revue de presse théâtre | Scoop.it


Par Gérald Rossi dans L'Humanité Vendredi 5 Mars 2021

 


Éric Vigner met en scène la pièce de Jean Racine avec des comédiens remarquables. Le film, diffusé vendredi 5 mars sur France 5, permet de découvrir ce spectacle qui, Covid oblige, n’a pu être joué en public au Théâtre national de Strasbourg.


Pour tout décor, ou presque, un immense rideau fait d’un million de billes de verre (fabriqué en 2002 pour Savannah Bay, de Marguerite Duras, à la Comédie-Française) se déploie sur scène. Comme une barrière, une frontière indéfinie ou un mur imparfait dont le cliquetis complète l’univers sonore du compositeur John Kaced. Dans la mise en scène immédiatement envoûtante d’Éric Vigner, rien n’est superflu ou approximatif. Et si ce Mithridate, écrit en 1672 par Jean Racine, n’a pu être présenté comme prévu sur la scène du Théâtre national de Strasbourg en raison de la fermeture des salles, il a été filmé, par bonheur. Et pas seulement capté, comme il est fait souvent pour conserver une archive : le réalisateur Stéphane Pinot est parvenu à porter à l’écran la pièce, tout en lui conservant sa nature première.

Le destin, la mort, la transmission
En 63 avant J.-C., Mithridate a la haute main sur le royaume du Pont, situé en Turquie actuelle et en bordure de la mer Noire. Racine prend prétexte de ce fait historique, mais concentre l’action sur le dernier jour de règne, quand le roi, que l’on croyait mort, revient pour découvrir que ses deux fils ont jeté leur dévolu sur la reine, sa future épouse… Jusqu’au dernier rebondissement, les protagonistes vont s’entre-déchirer dans un jeu subtil interrogeant, au-delà des intrigues amoureuses, le destin, la mort, la transmission.

Magie noire
Cette tragédie en alexandrins est rendue à la fois délicate et brillante par Éric Vigner, avec des comédiens qui adoptent un phrasé lent qui surprend une minute, avant de s’imposer comme une évidence. Stanislas Nordey, Thomas Jolly, Jules Sagot et Jutta Johanna Weiss sont simplement remarquables ; Philippe Morier-Genoud et Yanis Skouta, pareillement parfaits. Les lumières de Kelig Le Bars et les somptueux costumes dus à Anne-Céline Hardouin ajoutent à cette magie noire. Manquent forcément les vibrations du spectacle vivant, mais quelle réussite, quand même !

 

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Critique de Christine Friedel dans Théâtre du blog :

 

 Mithridate de Jean Racine,mise en scène d’Éric Vigner, réalisation de Stéphane Pinot et Mithridate par Mithridate par la Comédie-Française

4 mars, 2021 |

Mithridate de Jean Racine, mise en scène d’Éric Vigner, film de Stéphane Pinot  et Mithridate lecture dirigée par Eric Ruf avec la troupe de la Comédie-Française

 

Une pièce peu jouée… Avant Eric Vigner l’an passé, Daniel Mesguich était le dernier à l’avoir montée, au Vieux Colombier en 1999. Malgré un dénouement, somme toute heureux puisqu’il réunit les jeunes Xipharès et Monime et malgré des combats d’honneur très cornéliens, on est bien chez Racine. Le glorieux roi Mithridate, souverain du Pont en Mer Noire) vaincu par les Romains, l’est surtout par un amour possessif. Ce vieil homme pressé compte, avant de repartir en guerre, épouser la princesse à lui promise par un jeu d’alliances. De fait, les   »courons » et « courez » se multiplient au fil de la pièce. Il y a en effet urgence : ses deux fils chargés de protéger la jeune Monime, n’ont pu s’empêcher de tomber amoureux d’elle et de prétendre à sa main, à l’annonce trompeuse de la mort de leur père.


Il y a le méchant fils, Pharnace, ami des Romains et le premier à vouloir s’emparer de la princesse. Et le bon, Xipharès, ce loyal patriote obéissant qu’a élu Monime, avant même que le roi ne se déclare. Cet amour secret et réprimé ne l’empêchera pas de tenir son engagement envers le père. Une belle figure de jeune femme loyale et juste mais devant la perfidie dont use Mithridate pour la forcer à confesser ses sentiments, Monime dira non. Obéir, oui, mais à un roi juste et lui-même loyal, sinon mieux vaut la mort.  Et Mithridate reconnaît ses faiblesses: «Ce cœur nourri de sang et de guerre affamé/Traîne partout l’amour qui l’attache à Monime». Et dans sa jalousie, il  perdra tout sang froid : «Qu’est-ce qui s’est passé? Qu’as-tu vu? Que sais-tu?/Depuis quel temps, pourquoi ?… » On croirait déjà entendre Phèdre mais aussi Arnolphe de L’Ecole des femmes de Molière: «Dieux qui voyez ici mon amour et ma haine/Épargnez mes malheurs et daignez empêcher/Que je ne trouve encor ceux que je vais chercher. » 


 

Double tyrannie : le roi subit celle de sa passion et exerce la sienne sur ses fils et sur Monime. Mais à lui tendre un piège, il ne trouvera que sa propre honte: l’amour ne s’impose jamais par la force et Blaise Pascal nous le rappelle. Là est bien le malheur de Mithridate et il ne se rachètera qu’en mourant dignement, comme chacun des protagonistes s’était promis de le faire à un moment ou à un autre de la pièce…

 

Stanislas Nordey joue Mithridate, comme s’il découvrait, à chaque mot, à chaque vers, la nature de ses émotions et de ses sentiments. Le jeu crée le texte, en fait une parole naissante, malgré certains tunnels et le goût de Racine pour l’explication. On voit comme jamais, la passion se nourrir de la politique. Ce mariage avec Monime n’est plus une affaire d’alliance  mais  est fondé sur le désir obstiné d’un homme mûr:  s’il repart au combat -et même à la conquête de Rome!-, il ira en coq, en mâle et ne met pas en doute sa domination.

 

L’acteur fait preuve ici d’une belle maturité; il a quitté son emploi d’éternel adolescent et construit son autorité royale sur une acuité qui ne se relâche jamais. On ne résiste pas à la comparaison avec Hervé Pierre, dans la belle lecture donnée par la troupe de la Comédie- Française.  Le Mithridate de Stanislas Nordey n’a pas vu le temps passer; il découvre et refuse à la fois son âge. Celui d‘Hervé Pierre ne le connaît que trop et le nie. L’aveuglement ne fait pas souffrir mais la lumière crue s’en chargera.

 

Dans la mise en scène d’Eric Vigner, filmée par Stéphane Pinot, tous les acteurs font le même travail d’invention sur l’alexandrin. Ce n’est plus un corset mais un creuset. Le visage de Thomas Joly (Xipharès) révèle un amoureux et un héros souffrant, face  au Pharnace de Jules Sagot, paisible traître sans complexes. Jutta Johann Weiss (Monime) est la plus belle rencontre de ce spectacle-film. Dense, retenue, forte, sans un mot de trop, elle est d’une juste maturité entre le père et les fils. À l’écran, son corps, heureusement filmé, en dit autant que son visage. Et Philippe Morier-Genoud  donne à Arbate sa juste place de confident responsable et conseiller du roi.

 

Le rideau de perles, son léger bruissement  et ses transparences, l’éclairage nocturne de cette journée, les tissus brillants des costumes simples, contemporains ou hors du temps, esquissent un Orient discret et dépouillé, classique. Le très beau spectacle d’Eric Vigner a donné lieu à un aussi beau film, rendu nécessaire par la fermeture des théâtres. Et au fil des mois de confinement, on a vu les progrès fulgurants réalisés ces dernières années dans la captation de spectacles. Simples boîtes à souvenirs devenues de vraies œuvres réalisées avec la rigueur du cinéma. Un peu dangereux? Cela inaugurerait-il une politique de rentabilisation systématique des créations, en les faisant glisser vers l’industrie culturelle ? Non, c’est promis, mais…

 

En tout cas, nous n’allons pas nous plaindre de pouvoir écouter/voir aussi Mithridate par la troupe de la Comédie-Française, dans une lecture du Théâtre à la table et de L’Intégrale Racine. À regarder l’enregistrement fait pour France Culture, on assiste à une étape passionnante du travail des comédiens. Dirigés par Eric Ruf, Alain Lenglet, Alexandre Pavloff, Hervé Pierre, Benjamin Lavernhe et Marina Hands, avec les jeunes Antoine de Foucauld et Chloé Proton, jouent entièrement leur lecture.

Ils maîtrisent leur texte et reprennent tranquillement quand il y a de petits accrocs. Ils creusent le vers, tiennent le rythme et le vivent chacun dans son corps : la lecture n’est pas qu’une affaire d’articulation et de voix. Il faudra les réécouter sans l’image et ils seront sans aucun doute aussi présents. Voilà, nous n’aurions pas cru que le réveil de cette pièce oubliée pouvait être aussi passionnant. Quoi de neuf ? Racine, encore une fois..

 

Christine Friedel

Mithridate, mise en scène d’Eric Vigner, filmée par Stéphane Pinot : demain vendredi 5 mars sur la Cinq (France-Télévision).
Mithridate, lecture par la troupe de la Comédie-Française. À écouter sur le site de la Comédie-Française et sur France Culture.

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Entrez dans le Petit Théâtre de la comédienne Julie-Marie Parmentier sur YouTube

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Article de Joëlle Gayot dans Télérama - 3 mars 2021

 

RDV CULTURE – Seule pour écrire, jouer et réaliser ses vidéos, Julie-Marie Parmentier nous fait partager son amour inconditionnel du théâtre. Une découverte absolument merveilleuse.

Mais comment a-t-on pu passer à côté du Petit Théâtre de Julie-Marie Parmentier ? Depuis juillet 2019 (c’est-à-dire bien avant le Covid-19 !), cette comédienne attachante et hors norme peuple la Toile de vidéos réjouissantes et très documentées dans lesquelles elle raconte la vie, les époques, les modes, les gestes du théâtre. Elle fait tout elle-même : elle écrit, se met en scène, se filme et joue, seule face à la caméra. Elle est au naturel, ou alors costumée, emperruquée, maquillée. Elle donne des cours d’articulation, plonge dans le théâtre élisabéthain, nous entraîne à sa suite au cœur de la commedia dell’arte. Depuis l’automne, elle interprète une fiction de son cru, qu’elle décline en plusieurs épisodes : Petit Ange et Petit Démon. Un dialogue entre deux personnages, mais qu’elle incarne seule. Un spectacle en devenir, sans doute. Ce Petit Théâtre est la découverte la plus merveilleuse qu’on ait faite sur la Toile.

Joëlle Gayot

 

> > À voir sur la chaîne YouTube de Julie-Marie Parmentier

 

Un épisode :  https://www.youtube.com/watch?v=oDimfq5YTIk

 

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Charles Berling / Refuser la sidération et penser au-delà de la crise

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Propos recueillis par Catherine Robert pour le site d'Artcena -  1er mars 2021

 



ENTRETIEN
Conjecture ou structure ? Le marasme dont sont aujourd’hui victimes les professions artistiques est-il seulement circonstanciel ? N’est-il pas plutôt l’indice d’une crise globale de la culture ? Charles Berling est comédien et metteur en scène. Il dirige le théâtre Châteauvallon-Liberté et porte avec flamme les inquiétudes des artistes et des producteurs de spectacle, en cette période de sidération qui peine à penser demain.

Comment analysez-vous les tenants et aboutissants de la crise actuelle ?

 

Charles Berling : D’abord en affirmant – comme le disent très bien Bruno Latour, Edgar Morin, Boris Cyrulnik, ou Barbara Stiegler, pour ne citer qu’eux – que nous ne sommes pas dans une crise mais dans un changement de société. Le confinement a précipité les éléments d’une confrontation fondamentale qu’il faut parvenir à nommer. La politique actuelle ne la comprend pas puisqu’elle sert des intérêts très immédiats qui masquent, voire nient, ce changement, qui se traduit pourtant dans la vie de tous. Nous jouons actuellement nos spectacles dans les lycées afin de pouvoir continuer à rencontrer au moins ce public, et je suis frappé de la manière dont les jeunes se précipitent sur leurs smartphones à la fin de la représentation. Le passage à la 5G, les bénéfices astronomiques qu’engrangent les industries numériques surpuissantes : tout fait système pour que la crise que nous vivons actuellement accélère la transition engagée depuis vingt ans. Songez que la première chose que l’on fait désormais dans un théâtre, c’est de demander aux gens de couper leurs portables ! Les jeunes sont nés dans ce système, qui est en passe de devenir naturel, et ce que j’appelle la diversité culturelle (faire s’entrechoquer les arts de toutes natures et de tous horizons en multipliant les occasions de découverte et de rencontre), qui a besoin de la présence, est de plus en plus difficile à défendre. Là est, je crois, la confrontation à laquelle nous assistons, entre des propositions mainstream, dominantes et simplificatrices, et la diversité des propositions, pour laquelle nous nous battons et que les politiques ne défendent pas, alors qu’elle fonde la société.

 

Comment lutter ?

 

Charles Berling : Si cette diversité est gravement atteinte au profit d’une globalisation de la culture, ce n’est pas tant dans et par la crise actuelle : ce mouvement est l’aboutissement de vint années de bulldozer numérique. Quand je suis arrivé à la tête du Liberté, en 2010, j’ai constaté combien le langage des jeunes passait désormais par l’image. J’ai créé la 4e Scène (espace numérique de diffusion de vidéos), avec l’idée de penser le numérique plutôt que de le subir. Les artistes ont toujours utilisé la technique pour faire leur art, l’étymologie en atteste, d’ailleurs. Mais on doit refuser que cette nouvelle tekhnè soit utilisée de manière aussi dominatrice et déploie ses effets sans contrôle. À cet égard, les artistes peuvent défendre la démocratie dans cet enjeu de lutte contre la domination technique, et l’on peut faire en sorte que le théâtre s’adapte sans se vendre ou, peut-être pire encore, en demeurant passif. Les théâtres sont, comme les nomme Hannah Arendt, des endroits de convivialité qui fabriquent des citoyens et non des masses réactionnaires. La technocratie, forme actuelle du pouvoir, croit que le déploiement numérique est par essence un progrès et qu’il est, en cela, indiscutable : voilà, je crois, les enjeux politiques de cette confrontation fondamentale à laquelle nous assistons et dans laquelle nous devons choisir notre camp. Je ne prône évidemment pas un retour en arrière mais nous devons échapper, au moins par la réflexion, à cette sidération qui nous tétanise et qui est vertigineuse pour des gens qui, comme moi, ont commencé ce métier en pensant qu’il les amenait à être acteurs de la société…

 

Le soutien financier de l’État ne suffit-il pas pour patienter ?

 

Charles Berling : Ce déficit présentiel provoque une casse massive, et ceux qui en subissent particulièrement le prix sont les plus jeunes. Certains avaient un projet qui allait voir le jour. Comment va-t-on faire pour le reporter ? Voilà pourquoi est venue, je pense, la nécessité d’un rebond politique. Il est de plus en plus difficile d’exprimer un point de vue contraire à l’avis dominant dans une situation qui est présentée comme un état de guerre contre un ennemi pensé à tort comme extérieur. Si crise il y a, elle n’est pas le résultat de l’année qui vient de s’écouler : elle est le résultat d’un mouvement, lié à la conception politique des outils culturels. Le procès d’intention du moment, fait aux artistes qui se révoltent, est lié à que l’on continue de les payer et qu’ils doivent accepter de se taire. Mais, que je sache, on paie aussi les politiques ! Cette accusation n’est pas recevable, ne serait-ce que parce qu’un bien public n’est pas négociable. Si on ne se pense pas la culture hors de la marchandisation et de la mesure sordide de sa contribution au PIB, on est foutu ! Il arrive que les élus – c’est parfois même leur devise – pensent « c’est moi qui paie ! » Or, ce n’est pas leur argent ! Moi, quand je dirige un théâtre, je ne pense pas « c’est mon théâtre ! ».

 

De quoi, ou de qui avez-vous besoin ?

 

Charles Berling : Pour ne pas sombrer dans la misère de ces incertitudes, ces injonctions contradictoires, ces peurs, je pense qu’il faut, contrairement à ce que font les politiques, proposer une vision à long terme, étendre la réflexion sur la transition écologique en trouvant les conditions d’une éco-diversité de la culture. Et sur ces questions, le monde de la culture est en retard… Pour ce faire, nous avons besoin du public ; nous avons besoin d’espaces qui permettent de dépasser le raisonnement rapide ; nous avons besoin de lieux de mélange, contrairement aux espaces virtuels qui sont tous communautaires. Au théâtre, nous passons notre temps à aller chercher ceux qui ne viennent pas ; sur internet, on ne fréquente que sa communauté de valeurs ou d’intérêts. Il s’agit de casser le communautarisme afin que les gens puissent se retrouver pour se disputer et enclencher de vraies discussions politiques. Je partage évidemment aujourd’hui la sidération qui nous saisit tous, le sentiment d’impuissance et de fragilité extrême qui nous affecte tous, et pour certains, très cruellement. Mais aujourd’hui, c’est de son vivant que l’on meurt et je ne peux m’y résoudre !

 

Rouvrir les lieux de culture ?

 

Charles Berling : J’en suis sûr ! Les musées, les théâtres, les cinémas ! On aurait même dû les laisser ouverts en priorité ! Penser que la joie de la culture peut attendre relève d’un rapport puritain à l’existence. Nous allons devoir vivre avec la Covid. Organisons-nous au lieu de nous complaire dans le survivalisme louche qu’on nous propose. On peut fabriquer des systèmes sanitaires vertueux sans les réduire à des règles apeurées. A-t-on interdit les rapports sexuels au moment de l’épidémie de sida ? Non ! On a utilisé des préservatifs ! La culture c’est comme l’amour, il ne faut jamais s’arrêter !

 

Catherine Robert
Catherine Robert est professeur de philosophie au lycée Le Corbusier d'Aubervilliers depuis vingt ans et journaliste pour La Terrasse depuis quinze ans. 

 

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Irène Ajer, une vie pour les artistes

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par ARMELLE HÉLIOT dans son blog - 1er mars 2021

Elle a été une personnalité essentielle du monde de la culture, du côté de l’Etat, comme des entreprises privées. Lumineuse et spirituelle, elle s’est éteinte à l’aube du 1er mars.

 

Aussi accueillante et souriante que rigoureuse, aussi charmante que savante, aussi disponible que concentrée dans le travail, Irène Ajer était une femme d’exception. Plus de cinquante ans durant, elle aura été une figure essentielle du monde de la culture, en France, en particulier dans le domaine du spectacle vivant, du théâtre, de la musique. Mais pas seulement.

Et lorsqu’elle avait quitté ses fonctions au ministère, elle s’était dévouée pour le monde du théâtre privé, veillant aux réconciliations, notamment du côté des « molières ».

Rayonnante, élégante, elle était une personnalité pudique et discrète. Elle s’est éteinte à l’aube du 1er mars, après un long combat contre la maladie.

 

Née à Nîmes le 20 avril 1940, elle avait suivi les cours de l’Institut d’Etudes Politiques, Sciences Po, tout en se plongeant dans ce qui serait la passion de sa vie : le théâtre. Elle se forme comme comédienne au cours Simon et chez Decroux, participe à l’Université Internationale des Nations et jusqu’au TNP de Jean Vilar.

 

On aurait pu l’imaginer comédienne. Elle est ravissante, avec un physique à la Simone Simon, un petit nez de chat, un regard profond, espiègle. Elle a trop le goût du service de l’Etat pour se lancer du côté du jeu, mais on peut la voir, mignonne et coquine dans Les Demoiselles de Suresnes, un film de la fin des années soixante…

La jeune fille des sixties va devenir « une grande dame » du ministère de la Culture. C’est par ces mots, en lui remettant les insignes d’Officier dans l’ordre national du Mérite, que Frédéric Mitterrand l’avait accueillie dans le grand salon de la rue de Valois, il y a quelques années. « Votre personnalité est bien connue des professionnels du théâtre, reconnue pour votre sens du service public. Vous n’avez cessé d’oeuvrer en faveur de l’art dramatique en France et dans le monde, participant au rayonnement de l’action du ministère de la Culture et à l’histoire du théâtre en France. »
Elle a 25 ans, à peine, lorsqu’elle entre rue Saint-Dominique, à deux pas de l’esplanade des Invalides, une adresse où se jouera des années durant la vie du spectacle vivant. Ses grands aînés vont la guider, appréciant ses qualités d’énergie, d’inventivité : Gaëtan Picon, Pierre Lemoine, Pierre-Aimé Touchard, Blaise Gautier, François Wehrlin, Guy Brajot, Michel Guy.

Emile Biasini, en particulier, compte sur elle. Il a repéré ce « chef du bureau des jeunes compagnies et de la création dramatique » qui veille sur les talents de ceux qui feront la force et l’imagination des scènes françaises, cette « école française du théâtre » dont elle a compris le talent et qu’elle aide, accompagne comme une fée bienveillante doublée d’un haut fonctionnaire qui a du pouvoir…Ariane Mnouchkine, Bernard Sobel, qui sont toujours là et ceux qui nous ont quitté :  Patrice Chéreau, Jean-Pierre Vincent, Jacques Lassalle. Et les auteurs dramatiques, également, sont sous sa bienveillante attention.

Chargée de mission auprès d’Emile Biasini pour l’aménagement de la côte Aquitaine, Commissaire général du Festival « Octobre à Bordeaux », chargée de mission auprès de Philippe Tiry à l’ONDA (Office national de diffusion artistique) qui venait alors d’être fondé, Irène Ajer devient directrice de la Maison de la culture d’Orléans.

 

Dans un entretien qu’elle avait donné le 29 mai 2019 sur les ondes du site « Need Radio », pour l’émission « Entre voix » à Marie-Claire X. qui l’interrogeait notamment sur le « moment le plus riche d’expérience » de son parcours, Irène Ajer répondait que les huit années à Orléans avaient été pour elle, très importantes. On doit être en 1977. Elle a conscience d’être une héritière de Jeanne Laurent et d’œuvrer pour « une vie théâtrale intense sur un territoire assez vierge ». Elle est une pionnière de la décentralisation.

En 1985, c’est au côté de Pierre Boulez qu’elle va reconstruire l’IRCAM, dont elle est nommée administratrice générale. Dans le droit fil de ce travail complexe, elle assure la préfiguration de la Cité et du Musée de la musique.

Pour nous tous, aujourd’hui, c’est sans doute la détermination qu’elle a déployée pour la création d’un musée du costume de scène et de la scénographie et son installation à Moulins, dans un ancien quartier de cavalerie, qui force notre admiration : en ce moment, une rétrospective du scénographe, costumier, metteur en scène Yannis Kokkos, témoigne de la vitalité de ce lieu magnifique.

A la fin de sa carrière de grand serviteur de l’Etat, Irène Ajer est nommée, cheffe du service de l’inspection de la DMDTS. Elle réforme, elle rend tout plus efficient.

 

Spectatrice sans œillère, Irène Ajer a passé sa vie au spectacle : concerts, opéras, festivals, danse, cirque, théâtre public comme théâtre privé, elle expérimente chaque soir la vitalité de la création. Elle est ouverte à tous les arts et connaît tous les milieux.

Les « molières » font appel à ses connaissances, ses compétences, son art de la diplomatie. En 2008, elle est élue présidente de l’association et réconcilie pour un temps public et privé et, sous son règne, on n’oublie pas la belle soirée donnée à la Maison des Arts et de la Culture de Créteil, avec tapis rouges et télévisions, sur le béton de la dalle !

 

Dans le même esprit, Irène Ajer préside la COPAT (Coopérative de production audiovisuelle et théâtrale). On filme les pièces, on enregistre, pour la mémoire de cet art éphémère, les spectacles.

Une vie magnifique au service des autres. Une vie de travail, d’engagement. Une vie de combats, mais sans sectarisme aucun. Elle aimait transmettre et ceux qui travaillaient avec elle lui vouent une reconnaissance profonde, une affection filiale. Ainsi peut on citer, sans être indiscrète, Solange Barbizier, Patrick Ciercolès. Une vie pour la beauté et le partage. Une vie d’amitié aussi, car elle aura réussi le prodige d’être tout entière dans l’action sans jamais abandonner si sa famille ni ses amis. Une « icône » disait Frédéric Mitterrand, mais surtout une femme admirable que nous n’oublierons jamais et qui est un modèle pour chacune, pour chacun.

 
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En Turquie, le comédien Müjdat Gezen risque la prison pour «insulte»à Erdogan

En Turquie, le comédien Müjdat Gezen risque la prison pour «insulte»à Erdogan | Revue de presse théâtre | Scoop.it

 

Par Le Figaro avec AFP 28/02/2021

 

Déjà emprisonné à l'époque du putsch de 1980, l'acteur et poète aujourd'hui âgé de 77 ans risque de retourner derrière les barreaux pour avoir critiqué le président turc lors d'une émission télévisée. La décision du tribunal est attendue lundi.

 

L'acteur turc Mujdat Gezen à Istanbul, le 25 octobre 2020. Handout / Mujdat Gezen Sanat Merkezi / AFP
 

Connu pour son franc-parler et sa gaieté, malgré un mal de dos chronique, Müjdat Gezen pourrait être la dernière victime de la bataille lancée par le président turc Recep Tayyip Erdogan contre ceux qu'il appelle avec dérision les «soi-disant artistes».

 

 

Après un demi-siècle de carrière, cet homme de théâtre, comédien et écrivain turc pensait avoir tout connu : de nombreux prix, une nomination comme ambassadeur de bonne volonté des Nations unies et même un court séjour dans les geôles turques en 1980. Mais à l'âge de 77 ans, sa vie risque de connaître encore un rebondissement : jugé pour avoir «insulté» le président turc, il risque un nouvel emprisonnement. La décision du tribunal est attendue lundi.

 

Le comédien s'est retrouvé devant un tribunal avec son confrère Metin Akpinar, âgé de 79 ans, pour des propos tenus lors d'une émission télévisée sur la chaîne d'opposition Halk TV. «Recep Tayyip Erdogan, tu ne peux pas tester notre patriotisme. Reste à ta place», a lancé Müjdat Gezen lors de l'émission. Metin Akpinar, de son côté, est allé encore plus loin en déclarant que «si nous échouons à atteindre la démocratie, (...) le leader pourrait finir pendu par les pieds ou empoisonné dans une cave, comme c'est arrivé dans tous les fascismes».

 

Jusqu'à quatre ans de prison requis

Ces commentaires ont fortement déplu à Recep Tayyip Erdogan, que les défenseurs des droits humains accusent de dérive autoritaire, notamment depuis une tentative de coup d'État le visant en 2016. Un procureur a requis des peines allant jusqu'à quatre ans et huit mois de prison contre les deux comédiens septuagénaires. «Mon nom a même été banni des mots croisés», a plaisanté Müjdat Gezen lors d'un entretien téléphonique avec l'AFP.

Le lendemain de l'émission sur Halk TV, des policiers se sont rendus chez le comédien pour l'emmener dans le bureau du procureur. Voir des policiers à sa porte a ravivé de mauvais souvenirs pour Müjdat Gezen, qui a passé 20 jours en prison après le coup d'État militaire de 1980 en Turquie. Son livre sur Nazim Hikmet, poète communiste mort en exil à Moscou en 1963 et toujours vénéré comme un des plus grands noms de la poésie turque, avait été banni après le putsch. «On m'avait enchaîné pour m'emmener en prison avec une cinquantaine de criminels, dont des assassins et des contrebandiers», s'est souvenu l'écrivain.

 

En dépit de la procédure judiciaire en cours, le comédien continue d'exprimer ses craintes quant à la direction prise par son pays sous Recep Tayyip Erdogan. «La Turquie a un nombre record de journalistes en prison. On n'avait jamais vu cela pendant toute l'histoire de la Turquie. C'est bouleversant», a-t-il dit à l'AFP. Auteur de plus 50 livres et fondateur d'un centre culturel à Istanbul, Müjdat Gezen affirme avoir «critiqué ou parodié des politiciens en leur présence» pendant des décennies sans être inquiété. Si sa popularité et sa détermination lui ont valu d'être désigné comme ambassadeur de bonne volonté de l'Unicef en 2007, Müjdat Gezen craint aujourd'hui de voir disparaître de la longue tradition des artistes critiques en Turquie. «L'art s'inscrit par nature en opposition (...) Ce n'est pas au président de définir la conduite des artistes», a-t-il estimé, en regrettant de voir l'autocensure croissante chez les artistes qui préfèrent rester «apolitiques».

 

Aujourd'hui, l'écrivain a dû s'adapter : ses avocats relisent désormais ses manuscrits avant leur publication, pour éviter de nouvelles poursuites judiciaires. Malgré ses mésaventures, Müjdat Gezen reste optimiste pour l'avenir de la Turquie. Comparant son pays à un navire arrivant au terme d'une pénible traversée, il est persuadé qu'«un jour, quelqu'un pourra s'écrier "terre en vue !"»

Ces dernières années, plusieurs milliers de personnes aux profils très variés, dont une ex-miss Turquie et des lycéens, ont été condamnées ou poursuivis pour «insulte au chef de l'État». Recep Tayyip Erdogan a plusieurs fois menacé ses détracteurs de leur faire «payer le prix».

 

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