Par Guillaume Lasserre dans son blog de Mediapart - 19 mars 2025

Une famille ordinaire se retrouve du jour au lendemain confrontée à l'histoire géopolitique lorsque la cadette part faire le djihad en Syrie. Entre histoire intime et fait sociétal, Marine Mane conte l'histoire douloureuse de sa propre famille dans une pièce bouleversante qui joue sur les idées reçues, l'identité, le vrai et le faux, la mémoire et le deuil, et autorise un autre regard.

La scène est fermée par un imposant module en bois, façade intérieure ou extérieure, on ne sait pas trop, d’un pavillon familial dont la vie est rythmée par les repas pris dans la cuisine, autour de la table, lieu de la conversation, du rituel. C’est une famille ordinaire traversée par l’histoire ouvrière de l’Est de la France : un couple aux lointaines origines italiennes et ses deux filles. Après le repas, la mère et les filles débarrassent tandis que le père tente de contenir le module qui s‘est mis à avancer, inexorablement, avant de s’arrêter soudain, à temps pour ne pas écraser le père. Ce dernier installe alors la grande table dans ce qu’on imagine le jardin. Tous les quatre montent sur celle-ci, tenue par un seul pied en son centre, si bien qu’elle prend des allures de gigantesque balance d’autrefois. L’équilibre précaire qui les fait tous tenir va être rompu lorsque l’une des filles quitte la table et la scène. Allégorie de ce qui vient, ce déséquilibre parle du manque, que l’un ne va pas sans l’autre, d’une amputation familiale. Elles sont maintenant adultes lorsque Barbara, mariée et maman de quatre enfants, s’installe au Caire avec son mari. Ils se sont convertis ensemble à l’Islam quelques années auparavant. Ses parents et sa sœur communiquent avec elle par visioconférence. Si au début, tout semble très bien se passer, ces échanges vidéo vont, petit à petit, se brouiller, jusqu’à devenir inaudibles, invisibles, métaphore à la fois simple et tragique, pleine de pudeur, du basculement d’une famille française ordinaire dans l’histoire géopolitique du Moyen-Orient lorsqu’elle apprend que sa fille est partie faire le djihad en Syrie.

Le temps se distord au fur et à mesure de l’évènement, désormais central au point de cadencer leurs vies. Il y aura des flash-back aussi. Pour aller d’une date à une autre, la famille rejouera, dans une incroyable performance physique à la précision redoutable, les repas en accéléré. Cette course effrénée du temps ne ralentira pour redevenir normale que lorsque l’enquête menée par Marine livrera des informations suffisamment probantes ou risquées pour qu’elle en informe ses parents. Elle a choisi de leur montrer l’horreur dans les courtes vidéos qu’elle détient et qui circulent sur internet, comme pour les prévenir, les prémunir face aux gendarmes, aux voisins, les préparer, les préserver. Cela se passe presque toujours de la même façon, elle prévient par téléphone ses parents de ce qu’elle a trouvé, leur donne rendez-vous chez eux le samedi suivant, leur explique le plus simplement du monde la situation, parfois avec un remontant. Eux regardent les images, encaissent – c’est fou comme ils encaissent –, cherchent leurs mots. Ils apparaissent fragiles, comment ne pas l’être ? De mots, il n’y en a pas. Elle les prépare à leur éventuelle garde à vue, pour financement du terrorisme. Eux avaient juste envoyé quelques euros à leur fille. Elle leur apprend, au détour d’une vidéo montrant les deux ainés de leurs petits-enfants tuants, qu’il n’y aura plus de rapatriement possible, que même les enfants, les enfants de leurs enfants, ne seront pas sauvés. Le père posera plusieurs fois la question, comme s’il ne pouvait se résoudre à l’abandon d’enfants qui n’ont rien demandé, se sont retrouvés de force dans cette histoire qui les dépasse, entrainés par des parents enfermés dans leur croisade. Peut-on condamner les enfants-soldats ?  Sont-ils pleinement coupables des crimes qu’on leur impute ?

Larmes douces

La pièce « Et après on s’aime » s’ouvre avec la voix off d’un enregistrement téléphonique. Il s’agit du premier échange d’une jeune femme de vingt-et-un ans avec sa tante qu’elle connait à peine. Française, la jeune femme est incarcérée dans une prison en Turquie depuis qu’elle a traversé la frontière depuis la Syrie. Jugée, elle a été condamnée pour appartenance à un groupe terroriste. Cette jeune femme est la nièce de Marine Mane, la fille de sa sœur partie faire le djihad en Syrie. Elles ne se sont pas vues depuis 2013. La pièce qui vient va alors retracer les évènements et les mémoires portés par les protagonistes qui vont conduire à ce coup de fil. Une pièce à rebours en quelque sorte. « Je voulais écrire une pièce drôle sur cette histoire si sérieuse, et donc voilà, ça ne le sera pas tant que ça » explique Marine Mane, dans sa note d’intention. Elle fait le récit de « l’irruption dans ma famille de l’histoire géopolitique entre la France et le Moyen-Orient, mon parcours et celui de ma sœur partie faire le djihad en Syrie, notre correspondance qui s’arrête en 2017 brutalement, l’enquête que je mène pour savoir si elle morte ou vivante, les questions auxquelles nous n’aurons pas de réponses, les deuils que l’on ne peut pas faire sans les corps à enterrer, les informations, les médias, les faux profils et tout ça... ». Mais, la pièce est aussi une histoire fantasmée de l’immigration italienne, de la ZUP et des langues qui s’y côtoient, du chômage, de la violence, du milieu pauvre et ouvrier de l’Est de la France et de la petite bourgeoisie parisienne, du sentiment d’illégitimité qui parcourt les corps, de la classe sociale qu’on ne quitte jamais tout à fait. Finalement, la pièce est la rencontre improbable de ces deux mondes qui a pourtant eu lieu.

Le massif module en bois, façade parfois inquiétante de la maison familiale qui sera dévastée à la fin du spectacle mais néanmoins toujours là, debout, s’impose comme un personnage à part entière de la pièce. Il s’anime de l’actualité en faisant de ses parois les réceptacles d’une projection d’images médiatiques et d’images personnelles. Celles-ci se juxtaposent et vont se démultiplier sur différents supports comme l’écran d’un ordinateur ou celui d’un téléphone portable. Mais de ces vidéos-là, celles apportant les preuves aux parents, le public ne verra rien. Loin de tout voyeurisme, la pièce s’attache aux silences. Ils sont parfaitement éloquents ici. Marine Mane déjoue les pièges qui auraient pu l’entrainer du côté de la facilité et du pathos. Elle s’attache à dépeindre des scènes d’une déconcertante banalité, telle qu’elle les a vécues. Face à l’horreur, on imagine les cris, le chaos, les malaises. Il n’y a rien de tout cela ici. Juste une grande dignité, une pudeur qui force le respect. La pièce autorise un autre point de vue, un autre regard, sur ces familles endeuillées, généralement évoquées avec suspicion par les médias et la police, et par une islamophobie d’atmosphère tellement banalisée qu’elle en devient invisible. Elles sont forcément coupables des actes de leur enfant. Pourtant, ici, rien ne destinait cette famille ordinaire à vivre une aventure aussi funeste. Pas d’enfance malheureuse, pas de passé trouble, pas de maltraitance… Simplement de l’amour pour unique lien. Une sœur, une fille, restent une sœur, une fille, malgré tout. Il faudrait vraiment être dépourvu d’humanité pour ne pas comprendre cela.

À la tête de la compagnie In Vitro qu’elle l’a créée en 2012, Marine Mane, qui envisage le plateau comme un terrain de jeu, s’intéresse au pouvoir fictionnel du réel. Elle croise ici histoire intime et fait de société, pour mieux questionner, à travers la recomposition de la mémoire, l’identité. Entre réel et fiction, tragique et absurde, théâtre et danse, musique et vidéo, « Et après on s’aime », fait dialoguer les différentes disciplines artistiques avec pour seuls liants une immense poésie et beaucoup d’amour. Marine Mane inscrit ce vrai faux documentaire sur sa famille dans une réflexion sur les notions de « care », d’amour et de réconciliation, si bien que le spectacle aurait pu s’appeler : « De l’amour », tellement celui-ci est omniprésent. La voix off de la nièce au début du spectacle vient rappeler que l’histoire n’est pas encore finie. À l’heure actuelle, près de cent-vingt enfants français et une cinquantaine de mères vivent encore dans les camps du nord-est de la Syrie où sont détenues, sous la garde des forces kurdes, les familles des djihadistes de l’État islamique depuis la chute du « califat ». Avec cette mise à nu bouleversante et nécessaire, Marine Mane offre une autre histoire, courageuse, et fait voler en éclat les idées reçues. Sur l’imposant module qui sert de façade intérieure ou extérieure à la maison familiale, ces mots qui apparaissent soudain viennent rappeler où l’on se trouve : « Ceci n’est pas une fiction ».

« ET APRÈS ON S'AIME » - Mise en scène, conception & direction artistique Marine Mane, en collaboration avec les interprètes : Sophie Billon (danseuse), Clémence Dieny (danseuse), Franky Gogo (performer), Nicolas Barry (chorégraphe, danseur et auteur). Assistante à la mise en scène Anaïs Defay Conseil dramaturgique Elise Blaché Création sonore Camille Vitté. Lumières Gaspard Gauthier Scénographie Amélie Kiritze-Topor. Vidéo Clément Dupeux. Régisseur général Renaud Colonimos. Régisseur plateau et polyvalent Ryan Sauteur.  Production - Diffusion - Administration Orane Lindegaard et Philippe Naulot. Coproductions et partenaires Les Scènes du Jura, scène nationale, Le PALC, Pôle national cirque, Châlons-en- Champagne Grand Est ACT - Art en Coopérative Transfrontalière : Usine à Gaz à Nyon, les Scènes nationales de Bourg-en-Bresse et du Jura (Lons-le- Saunier/Dole), le Théâtre Am Stram Gram, centre international de création partenaire de l’enfance et la jeunesse à Genève (Suisse) et Château Rouge, scène conventionnée à Annemasse / Interreg France Suisse, programme cofinancé par l’Union européenne, Bords 2 Scènes, Scène de Musiques Actuelles et arts de la scène - Vitry-le- François, Théâtre Molière Sète - Scène Nationale Archipel de Thau.

Guillaume Lasserre / Un certain regard sur la culture

Du 10 au 11 mars 2025 (création), 

Scènes du Jura - Scène nationale
4, rue Jean Jaurès
39 000 Lons-le-Saunier

Le 3 juin 2025, 

Bords 2 scènes
4, rue Auguste Choisy
51 300 Vitry-le-François

Par Anne Diatkine dans Libération - 4 juin 2025

Dans une nouvelle pièce poignante, la directrice du TNS tisse un conte autour du lien entre une mère malade et sa fille qui lui sert d’interprète, incarnées par deux formidables actrices amatrices.

Mensonges et vrai «miracle»

Nouvelles catastrophiques

Anne Diatkine / Libération

Par Joëlle Gayot dans Le Monde  -  2 juin 2025

Au Théâtre du Rond-Point, à Paris, le comédien, qui excelle dans la représentation des grands textes, porte avec toute sa justesse l’adaptation du roman de Tanguy Viel, « Article 353 du code pénal ».

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/06/02/vincent-garanger-l-acteur-qui-aime-disparaitre-derriere-les-auteurs_6610212_3246.html

Vincent Garanger, diction au cordeau et physique râblé qu’il qualifie de « passe-partout », n’est pas un comédien ordinaire. Au Théâtre du Rond-Point, à Paris, où se reprend le spectacle Article 353 du code pénal – d’après le roman de Tanguy Viel (Minuit, 2017), adapté et mis en scène par Emmanuel Noblet –, cet acteur, dont la discrétion est l’élégante armure, se dessaisit de lui-même pour habiter le corps d’un personnage de fiction. Il a 65 ans dans la vie, mais pourrait en avoir vingt de plus (ou de moins) tant il s’oublie pour entrer dans la peau et les mots de Kermeur, précaire parmi les précaires, assassin par désespoir et perdant magnifique d’un drame intime et social sur les gens de peu broyés par le cynisme des puissants.

Sur le plateau, on ne voit que lui. Et pour cause. Il s’y campe dans une solitude tragique, son dos courbé esquivant la bienveillance d’un juge (Emmanuel Noblet) qui recueille son récit sans presque l’interrompre. Une heure et quarante-deux minutes d’une confession où la langue qui se délie subjugue l’écoute. Une heure et quarante-deux minutes d’une bouleversante logorrhée tenue en laisse par l’exactitude de la profération. Si le spectateur a le temps d’observer les fissures qui lézardent le meurtrier au moment des aveux, il vérifie aussi la solidité de l’acteur qui l’incarne. Vincent Garanger est l’exemple même de ce que le théâtre public peut et sait fabriquer lorsqu’il vise et pratique l’excellence.

Etat de vérité

Etre à ce qu’on fait : la méthode a l’air simple, mais combien y parviennent ? Pour accéder à cet état de vérité, ce fondu enchaîné de l’être et du paraître, ce ni trop ni trop peu qui tient l’équilibre entre l’artifice de la composition et le leurre du naturel, il a fallu des heures, des mois, des décennies de travail. Son parcours est, de ce point de vue, emblématique de la belle histoire d’un spectacle vivant cherchant sa légitimité dans la représentation des grands textes et son assise dans la proximité des publics.

En 1987, coopté par Roger Planchon pour jouer un petit rôle dans Georges Dandin, de Molière, le comédien connaît le Graal en guise de baptême du feu. Une tournée d’un an : « On se déplaçait à 50 ! », se souvient-il. Et des artistes qui, à l’époque, jouissaient du soutien protecteur de leurs tutelles politiques. « Lorsque j’en parle, j’ai l’impression d’évoquer la préhistoire », soupire celui qui sait sa dette pour la décentralisation et l’éducation nationale.

On ne dira jamais assez l’importance d’enseignants qui ont su faire surgir dans les écoles de campagne l’existence du théâtre et les promesses dont il regorge. Né en 1960 dans les Pays de la Loire, Vincent Garanger découvre les planches à 12 ans. En classe de 5e. Parce qu’un professeur de français passionné lui confie le rôle d’Argan dans Le Malade imaginaire, de Molière. Rien que de très banal dans cette initiation, que complétait, à sa manière, la diffusion hebdomadaire, le vendredi, de l’émission de télévision « Au théâtre ce soir ».

Sauf que Garanger, une fois contaminé par la scène, ne la lâche plus. « Après mon bac, en 1978, mon prof m’a emmené au Festival d’Avignon, où j’ai pu voir les quatre Molière montés par Antoine Vitez, ainsi que Michel Bouquet dans En attendant Godot, de Beckett. » Oubliés, les décors de Roger Harth et les costumes de Donald Cardwell du petit écran : le spectateur en herbe qui ne savait pas qu’on pouvait « faire du théâtre comme ça » vit un « ébahissement ».

Les chocs que provoque l’art sont de taille à changer le cours d’un destin. Pas simple, pour autant, de convaincre des parents inquiets. « Hors de question », lui rétorque son père, pourtant comédien amateur au temps de sa jeunesse. « J’ai fait du droit pour le rassurer, pendant que, clandestinement, je prenais des cours à la maison de la culture voisine. » Appel de la vocation ? Besoin de défier ses limites ? L’envie consciente et la nécessité inconsciente se bousculent chez celui qui, une fois le conservatoire d’Angers achevé, postule aux écoles nationales. « A 18 ans, je suis reçu à la Rue Blanche et pris au premier tour du Conservatoire. Ma vie change. Tout devient possible. »

Direction Paris. Le jeune homme solitaire et timide qui rasait les murs déploie ses ailes sous la vigilance du pédagogue Michel Bouquet. « Lorsque nous passions une scène, il nous demandait : combien de fois as-tu lu la pièce ? Quarante ? Ça ne suffit pas. Tant que tu ne l’as pas lue 1 500 fois, ce n’est pas la peine de monter sur le plateau. » Bouquet exagère. Mais à bon escient. Son exigence marquera au fer rouge des générations de disciples. « Pas un jour où je ne repense à son enseignement, affirme Garanger. Ce qui me reste de lui, c’est cet amour des auteurs. Nous, les acteurs, nous sommes des laborieux. Je ne me prends pas pour un artiste, mais pour un interprète. »

Virtuose de la profération

Interprète : cinq définitions dans le Larousse. Du commentateur à l’exégète, en passant par l’intermédiaire, le porte-parole ou le traducteur, toutes coïncident avec la personnalité de ce perfectionniste qui s’enferme dans sa chambre pour apprendre ses pages et ne les lâche pas avant d’avoir compris « organiquement » la façon dont les phrases sont écrites. « Il peut tout faire, il ne triche pas, il est sans complaisance, commente Arthur Nauzyciel, qui, en 2012, le dirige dans La Mouette, de Tchekhov. Il se met au service du projet et du groupe. Mais il est aussi dans une quête intime de sens. C’est un être spirituel. »

Spirituel ? Le qualificatif déconcerte avant de livrer ses lumières. Et si la singularité de l’acteur, cette étonnante présence qui opère la synthèse entre le terrien et l’aérien, relevait d’un secret mysticisme. Et si ce virtuose de la profération, dont le fantasme est de « disparaître au profit des auteurs », devait l’étoffe de son jeu à la dimension sacrée du théâtre, « cette grande prière collective ». Lui qui attend de ce « métier si dérisoire » une sorte de « communion utopique » ne recherche pas la gloire mais la grâce. Plus il la frôle, plus il veut la revivre. Pour y parvenir, pas le choix : « Il faut tout désapprendre tout le temps », dit-il. L’humilité est un impératif. Et l’apanage de ceux, suggère Nauzyciel, qui « en ont sous le pied ».

Parce qu’il sait ce qu’il doit, à qui et à quoi, Vincent Garanger n’hésite pas à dire ses reconnaissances. Gratitude absolue pour la décentralisation et le théâtre public (« J’en suis le pur produit »), souvenirs heureux des dix années passées au Préau, théâtre de Vire (Calvados), un centre dramatique national qu’il codirige avec l’autrice Pauline Sales de 2009 à 2018. Joie d’y avoir invité Jean-Pierre Vincent, qui le met en scène dans le rôle-titre de Georges Dandin en 2018, l’un des derniers grands spectacles de l’artiste mort brutalement en 2020. « J’aimais cet homme », soupire l’interprète dont ce portrait serait incomplet s’il ne convoquait la figure d’Alain Françon, le metteur en scène qui a fait des écritures, classiques ou contemporaines, l’alpha et l’oméga de sa quête.

C’est en jouant pour lui dans Pièces de guerre, du dramaturge anglais Edward Bond, en 1994, que Garanger affronte les foudres du public mécontent du Festival d’Avignon. La violence dénoncée par l’auteur fait tache sous le soleil de Provence. Sur le trottoir, les gens s’invectivent. « Certains ont refusé d’entendre le message de Bond : inventez la justice et il n’y aura plus la guerre. » Le festivalier échauffé peut se montrer impitoyable. Mais pas au point de le faire douter : « Je vais le dire bêtement : cette rencontre avec l’œuvre de Bond, grâce à Alain Françon, est une charnière dans mon parcours. J’ai compris pourquoi je faisais du théâtre et pourquoi il était nécessaire de défendre les auteurs contemporains. Ce sont eux qui pensent et nomment le monde d’aujourd’hui. »

En 2023, lorsqu’il revient dans la cité des Papes, il assume, une fois de plus, de se faire le passeur d’un monde qui va mal, en portant entre les murs de la Cour d’honneur, la parole des déshérités. Welfare est adapté par Julie Deliquet du documentaire de Frederick Wiseman tourné en 1973. Pour cette plongée dans la pauvreté, la misère, la déchéance, la metteuse en scène a choisi son équipe avec soin. Elle salue en Vincent Garanger « un joueur, un bosseur et un endurant ». Et avoue que son « humanité poétique » la fascine.

Article 353 du code pénal, de Tanguy Viel, adaptation et mise en scène d’Emmanuel Noblet. Avec Vincent Garanger et Emmanuel Noblet. Théâtre du Rond-Point, Paris 8e, du 3 au 14 juin ; dans le « off » du Festival d’Avignon, au Théâtre 11, du 5 au 24 juillet.

Joëlle Gayot

Article réservé aux abonnés

Sauvetage in extremis d’un perdant magnifique au Théâtre du Rond-Point, à Paris. Comment le miracle a-t-il lieu ? Inutile d’en dire trop. Ce serait priver le public du trouble qui l’attend à l’issue d’Article 353 du code pénal, roman de Tanguy Viel (Minuit, 2017) qu’adapte et met en scène avec intelligence Emmanuel Noblet. Ce spectacle saisissant convoque, à peine terminé, l’envie de le revoir. Pourquoi ? Parce que si le récit de l’écrivain répare les blessures que la fatalité n’a cessé d’infliger à un homme, cette réparation, aussi jouissive soit-elle, pose problème tant elle repose sur l’arbitraire.

L’histoire est d’une simplicité trompeuse : Martial Kermeur a tué Antoine Lazenec. Il s’en explique devant un juge. Long déroulé d’une existence écrite à l’encre d’une malchance obstinée, une déveine si têtue qu’elle en devient ontologique. Père élevant seul son enfant, socialiste et chômeur, locataire d’une bicoque sur une île superbe située en rade de Brest, Martial Kermeur ne fait de mal à personne. Mais le malheur, d’où qu’il vienne, semble avoir décidé de lui coller à la peau. C’est ainsi qu’il oublie de jouer sa grille de loto la semaine où sortent ses numéros. Ainsi que sa femme le quitte. Ainsi qu’il se fie à un promoteur immobilier véreux qui lui extorque ses indemnités de licenciement pour l’achat d’un appartement resté à l’état de mirage. Ainsi que le fils, qui a voulu venger le père, croupit dans une prison.

Bloc d’humanité fissurée

En dressant ce portrait d’un perdant magnifique, Tanguy Viel touche à l’universel et surfe loin des écueils du misérabilisme. Son roman se tient dans un équilibre subtil entre la littérature, le documentaire et l’allégorie. Une prouesse que le comédien Vincent Garanger (auquel fait face Emmanuel Noblet dans le rôle du juge) ne trahit pas. L’acteur, courbé par le poids des épreuves, est impérial dans le rôle du meurtrier. A la lisière du naturalisme, dans un corps à corps d’une extrême loyauté avec le personnage, il prête sa voix aux mots du romancier en se coulant dans les sinuosités de son écriture. Il donne sa charge de vérité à un être de pure fiction. Il est un bloc d’humanité fissurée. Et un comédien net, qui sait tenir à distance le pathos.

Surplombant l’espace, trône un immense écran vidéo sur lequel surgissent de rares projections. La rade de Brest, le vent, les phares d’une voiture, la silhouette d’un homme qui titube. Autant de pupilles qui s’entrouvrent sur de brèves visions intérieures. Ces vidéos (pas la meilleure part du spectacle) ne donnent pas d’air. Elles forment le mur contre lequel bute l’imaginaire. Ce n’est pas d’elles que vient la délivrance. Mais du juge. Et d’une loi, qui n’est pas celle des dieux, mais des hommes. Tanguy Viel met les points sur les i : la justice a parlé, c’en est fini de la tragédie.

Article 353 du code pénal, d’après Tanguy Viel, adaptation et mise en scène d’Emmanuel Noblet. Avec Vincent Garanger et Emmanuel Noblet. Théâtre du Rond-Point, Paris 8e. Jusqu’au 15 février. Theatredurondpoint.fr

Joëlle Gayot

Légende photo : Emmanuel Noblet et Vincent Garanger dans « Article 353 du code pénal », d’après le livre de Tanguy Viel, mise en scène d’Emmanuel Noblet, au Théâtre Durance, scène nationale, à Château-Arnoux-Saint-Auban (Alpes-de-Haute-Provence), le 15 octobre 2024. JEAN-LOUIS FERNANDEZ

Par Véronique Hotte dans Webthéâtre - 26 mai 2025

Zones d’ombres entre les êtres, tous manipulateurs ou marionnettes.

Par Sonya Faure et Anne Diatkine dans Libération - le 27 mai 2025

Avec ses artistes variés et de tous horizons, l’institution parisienne, qui a présenté lundi 26 mai sa programmation 2025-2026 devant une salle archi comble, se veut cœur battant de la création européenne.

Un art vivant et politique

Lieu de fête et de dissensus

Par Joëlle Gayot (Dijon, envoyée spéciale) dans Le Monde, le 27 mai 2025

Parmi les révélations de cette édition, qui se tient jusqu’au 1ᵉʳ juin, le spectacle « Pratique de la ceinture, O ventre », de Vanessa Amaral, récit entre intime et politique autour d’un ventre meurtri.

Lire l'article sur le site du "Monde" :
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/27/a-dijon-pour-le-festival-theatre-en-mai-les-rideaux-se-sont-leves-sur-le-reel-et-l-illusion_6608826_3246.html

Au festival Théâtre en mai, à Dijon, les représentations se suivent et ne se ressemblent pas. Pourtant, sur les quatre spectacles vus lors du week-end d’ouverture, les 24 et 25 mai, aucun n’a fait l’économie du rideau de théâtre. Une toile mise à toutes les sauces et qui aura servi, selon les circonstances, de drap blanc d’hôpital (Pratique de la ceinture, O ventre, de Vanessa Amaral), de tombé de velours rose (Velvet, de Nathalie Béasse), de paravent monté sur châssis (Trust Me for a While, d’Yngvild Aspeli) ou d’écran pour scènes abstraites ou figuratives (La Nuit pour voir, de Quentin Vigier).

Plissé, tendu, élevé, effondré, surexposé ou escamoté, le rideau a donc été l’accessoire phare d’un théâtre qui a joué à cache-cache avec le réel et l’illusion. Un poncif ? Pas tant que ça. Après une journée marathonienne de représentations enchaînées au pas de charge, le public a pu mesurer le chemin abyssal qui sépare des esthétiques, tout en réalisant à quel point ces esthétiques dialoguent les unes avec les autres.

Bien sûr, il y a eu des trous d’air dans les intensités. Au-dessus du lot, le magistral Velvet, de Nathalie Béasse, a élevé le niveau à la hauteur des cintres d’où chutaient de longues étoffes. Du soyeux et du rêche, des drapés bucoliques, des dentelles antiques, un enchâssement de tissus à l’intérieur desquels se sont fondus et confondus l’animé et l’inanimé. Quelle différence entre un animal empaillé et un acteur statufié ? Aucune, à en juger par les effets d’hybridation déployés sur le plateau. Et ce de si subtile manière qu’on ne s’étonnait plus de voir une actrice se transformer en vase humain de velours rose. C’est que, au théâtre, les âmes circulent des êtres aux objets, et vice-versa.

Premiers pas et valeurs sûres

La Norvégienne Yngvild Aspeli en sait quelque chose, elle qui travaille avec les marionnettes. Artiste associée au Théâtre Dijon Bourgogne, elle a proposé, avec Trust Me for a While, un spectacle qui inverse le cours des destinées. Un ventriloque manipulateur cannibalisé par sa marionnette laisse sa peau dans le combat avec sa créature rebelle. Souligné par les changements de taille et d’échelle des marionnettes, ce renversement des rôles a fait rire un peu. Et grincer des dents également : lorsque les pantins échappent au contrôle de l’humain, ils propagent de l’effroi. Cette représentation horrifique manquait cependant de la fluidité dont est coutumière cette artiste virtuose.

Virtuoses, certains créateurs ne l’étaient pas encore. Mais leurs premiers pas de metteur en scène, aux côtés des valeurs sûres, n’avaient pas de quoi faire rougir. Quentin Vigier, concepteur de La Nuit pour voir, a séduit à demi avec une immersion visuelle et sonore dans les pensées d’Anne Dufourmantelle. Les phrases de la psychanalyste, aussi intuitives soient-elles lorsqu’elles en appellent aux désordres des émotions, se sont perdues dans le déferlement des images. Une chambre de l’imagination peuplée de silhouettes fantomatiques : un DJ, une acrobate en vol dans les airs, une narratrice marchant pieds nus et, sur une toile tendue, la vision intermittente d’un adolescent songeur. Beaucoup de fondus enchaînés dont on ne voyait plus l’issue : vidéaste chevronné et doué (il travaille avec Séverine Chavrier, Julie Duclos ou Bruno Geslin), Quentin Vigier sait propulser ses intériorités dans l’écrin transfiguré de l’espace. Mais il lui manque encore la rigueur d’une écriture dramaturgique qui ne se diluerait pas dans le magma.

En bout de course, la révélation de Théâtre en mai aura été le spectacle le plus concret, prosaïque et réaliste du week-end d’ouverture. Avec Pratique de la ceinture, A ventre, Vanessa Amaral documente et défend un sujet inédit. L’histoire ne dit pas si cette autrice et metteuse en scène a vécu ce que vit son héroïne Amina (qu’elle incarne), mais elle sait de quoi elle parle lorsqu’elle explique ce qu’est un fibrome utérin. Explicite, parfois crue, ne reculant devant aucun détail (taches de sang, interminable examen gynécologique, éprouvante opération de l’utérus montrée en ombre chinoise), sa représentation se déroule dans la blancheur d’une chambre d’hôpital qui se peuple d’aides-soignants à bout de forces et de malades apeurés. Assumant tous les rôles (infirmiers, médecins, sœur, mère, frère de l’héroïne), des comédiens enfilent et désenfilent leurs costumes pour rejoindre l’artiste au centre du plateau.

Dans la droite ligne d’un Wajdi Mouawad, Vanessa Amaral élabore un récit qui fuse du présent au passé et de l’ici à l’ailleurs. Une fable étoilée qui se ramasse autour d’un ventre meurtri. Une femme noire sur deux est atteinte de fibrome utérin, rappelle-t-elle. Beaucoup de choses se disent dans ce spectacle, qui se déplie de l’intime au politique (l’état catastrophique des hôpitaux publics est montré du doigt). Beaucoup de vérités qui gagneraient en puissance si les acteurs montaient en gamme dans leur jeu. Cela viendra avec la pratique. Le rideau n’est pas près de se refermer sur le talent de Vanessa Amaral. Pas près de se replier non plus à Dijon, où il se lèvera encore sur d’autres salves de spectacles, le festival Théâtre en mai se poursuivant jusqu’au 1er juin.

Festival Théâtre en mai. Théâtre Dijon Bourgogne. Jusqu’au 1er juin.

En tournée : La Nuit pour voir, les 10 et 11 juin au Printemps des comédiens, à Montpellier ; Trust Me for a While, les 27 et 28 mai au Mouffetard-Centre national de la marionnette, à Paris 5e, dans le cadre de la Biennale Internationale des arts de la Marionnette ; du 19 au 21 septembre au Festival mondial des théâtres de marionnettes, à Charleville-Mézières.

Joëlle Gayot (Dijon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Légende photo : « Pratique de la ceinture, O ventre », de Vanessa Amaral, à l’Atheneum, centre culturel de l’université Bourgogne Europe, à Dijon, le 23 mai 2025. VINCENT ARBELET

Par Anne Diatkine dans Libération - 21 mai 2025

Dans une énigmatique et belle pièce signée Angus Cerini, Serge Hazanavicius et Vincent Winterhalter jouent un fait divers des années 1910 dans le bush australien.

Gémellité amicale

Légende photo : Serge Hazanavicius et Vincent Winterhalter sur la scène des Plateaux sauvages. (Christophe Raynaud de Lage)

Par Armelle Héliot dans son blog - 18 mai 2025

Au Rond-Point, Marie Piemontese et Florent Trochel ont écrit et mettent en scène un récit-enquête qui, sous le titre de « Les Vies authentiques de Phinéas Gage », nous plongent dans un univers très particulier et séduisant.

Phineas Gage n’est pas un personnage de théâtre. Américain, il était né le 9 juillet 1923 et mourut le 21 mai 1860, à trente-six ans à peine. Il est connu aux Etats-Unis et dans le monde de la neurologie, comme un cas. Mais tout demeure peu avéré dans sa courte vie. L’unique fait certain est le terrible accident que ce jeune homme subit. En 1848, contremaitre sur un chantier de construction de chemin de fer, il doit faire sauter des rochers très résistants, sous la contrainte de ses supérieurs. Il était pour contourner cet obstacle, mais les donneurs d’ordre ne veulent que des lignes droites…

En manipulant de la poudre, en oubliant de prendre les justes précautions, il provoque une explosion. La barre à mine lui transperce le crâne. Il survit, diminué et, selon les observateurs de l’époque, avec un caractère très différent de celui qu’on lui connaissait.

On n’a pas envie de déflorer le spectacle. Original, elliptique, énigmatique, même, d’une certaine manière, il tient d’abord au récit d’une jeune femme qui porte le spectacle, libre et fluide.

Les personnages ont des désignations singulières : Shams El Karoui est « celle qui est comme une soeur », Yohanna Fuchs, « la présence surgie de l’accident », Eric Feldman, « lui », Philippe Frécon, « l’autre », et William Stoppa, « la voix du fameux Barnum ».

Sur un plateau qui apparaît difficilement lisible, mais donne de l’air, littéralement, on nous raconte une histoire, l’histoire d’un homme, d’une époque. Un destin. Des savants ont étudié le cas Gage. Son crâne. La trajectoire de la barre à mine. Les dégâts irréversibles. Les mystères : on n’est pas sûr du « barnum » dans lequel il fut engagé…

Marie Piemontese, que l’on connaît aussi par son parcours avec Joël Pommerait et Florent Trochel, n’en sont pas à leur premier travail. Ils se penchent sur des sujets forts et séduisants. Ils les saisissent d’une manière très particulière. On ne peut s’en détacher et si l’on ne comprend pas tout, ce n’est pas grave : cela n’enlève rien au bonheur théâtral.

On n’en dira pas plus dans ce cadre, crainte de corroder une proposition cohérente et forte. Et, en même temps, divertissante, émouvante, drôle parfois. On dit « bravo » et cela suffit : découvrir est consubstantiel à l’univers de Piemontese et Trochel; avec ces lumières et cette scénographie de Trochel lui-même, ce son, ce jeu du « live » et de l’enregistrement, des micros, très subtilement utilisés.

Armelle Héliot

Théâtre du Rond-Point, salle Jean-Tardieu, à 19h30 du mardi au vendredi, 18h30 le samedi, 15h30 le dimanche. Durée : 1h30. Jusqu’au 25 mai. Réservations au 01 44 95 98 21.

Par Anne Diatkine dans Libération - 12 mai 2025

Après avoir marqué le Festival d’Avignon en 2023 avec son «Bonne nuit Cendrillon», la performeuse présente à Bruxelles le deuxième volet fracassant de sa trilogie sur les violences sexuelles, s’attaquant cette fois à la dangereuse solidarité des hommes entre eux.

Immense sexe fuchsia

Monologue dense et protéiforme

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 12 mai 2025 

La manifestation, dont les dates coïncideront cette année avec celle du festival officiel, programme 1 724 spectacles dans 139 lieux.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/12/au-festival-off-d-avignon-toujours-plus-de-spectacles_6605516_3246.html

Le Festival « off » d’Avignon reste plus que jamais le plus grand marché du spectacle vivant en France. La 59e édition, qui se tiendra du 5 au 26 juillet, affiche des chiffres toujours aussi impressionnants. Avec, à son programme, 1 724 spectacles (contre 1 666 en 2024) donnés dans 139 lieux (qui regroupent 241 salles), ce vaste rendez-vous théâtral confirme, dans un contexte économique morose, qu’il reste un passage incontournable pour les compagnies à la recherche de visibilité et de dates de tournée. Au total, sur toute la durée du festival, 2,6 millions de billets seront mis en vente pour plus de 27 400 levers de rideau.

Cette année, pas de Jeux olympiques ni de dissolution de l’Assemblée nationale (sauf surprise de dernière minute) pour perturber le calendrier et la fréquentation de ce rendez-vous. Une fois n’est pas coutume, les dates du « off » et du festival officiel (longtemps appelé « in ») coïncident cet été, ce qui n’était pas arrivé depuis vingt-cinq ans. « Cet alignement, voulu par les collectivités locales, la préfecture, Tiago Rodrigues, directeur du Festival d’Avignon, et par nous-mêmes, a vocation à être pérenne », souligne Harold David, coprésident de l’Avignon Festival et Compagnies (AF & C), association coordinatrice du « off ».

Sur les 1 724 spectacles d’ores et déjà inscrits, 490 sont des créations (contre 536 en 2024) et 181 des propositions pour le jeune public. Afin de mieux répondre à l’accueil des familles, un nouveau village, en plus du traditionnel village du « off », sera créé dans la cité des Papes. Appelé Tadamm et dédié aux enfants, il proposera, notamment, des ateliers de médiation et de pratique artistique.

Une billetterie « solidaire »

La répartition géographique des 1 170 compagnies françaises inscrites au festival témoigne, comme chaque année, d’une prépondérance de la région parisienne : plus de 38 % sont issues d’Ile-de-France, 19 % de la région Sud et 10 % d’Occitanie. Quant aux 170 compagnies étrangères, 35 % d’entre elles viennent de Belgique et 13 % de Suisse. Après Taïwan en 2024, l’« invité d’honneur » du « off » sera, cette année, le Brésil, avec la présence, notamment, de 11 compagnies venues de ce pays.

Autre nouveauté 2025, un point de vente Ticket’off sera installé dans le village du « off ». Proposée par l’AF & C, jusqu’à présent uniquement via une plateforme numérique, cette billetterie « solidaire » abonde, à hauteur de 95 centimes par place vendue, le fonds de professionnalisation créé en 2017 pour soutenir la jeune création. Doté, cette année, de 250 000 euros, il a permis d’aider plus de 200 artistes à participer au festival. Mais, largement concurrencé par l’achat direct auprès des théâtres et par des plateformes de billetterie privées, Ticket’off n’a représenté, en 2024, qu’un peu plus de 10 % de la globalité des ventes. Cette présence « physique » a pour objectif de mieux la faire connaître.

Enfin, dans cette jungle avignonnaise, un nouveau logo « Label’off » sera posé sur l’entrée de 36 théâtres qui ont obtenu une certification de bonnes pratiques professionnelles (dispositifs techniques et scéniques, conditions d’accueil du public et des compagnies, etc.). « Notre objectif est de certifier plus de 50 % des salles d’ici à la fin de l’année », annonce la direction de l’AF & C.

Sandrine Blanchard / Le Monde

Légende illustration :

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 6 mai 2025

Dans  « Makbeth », le Munstrum théâtre fait un K et un casse de la pièce de Shakespeare « Macbeth en s’en tenant à l’essentiel : les meurtres nocturnes. Un spectacle sombre et saignant.

Dans l’indépassable Shakespeare notre contemporain, le Polonais Jan Kott écrit : « Le sang, dans Macbeth, n’est pas seulement une allégorie ; il est matériel, physique, il coule des corps massacrés. Il se dépose sur les visages et les mains, sur le stylets et les épées. Mais ce sang ne saurait être lavé, ni des mains, ni des visages, ni des stylets. Macbeth commence et s’achève par un carnage ». Il en va ainsi de bout en bout dans le Makbeth du Munstrum théâtre, adaptation librement échevelée de la pièce de Shakespeare. Dans son non moins indépassable ouvrage Le proche et le lointain consacré à Shakespeare et au théâtre élisabéthain, Richard Marienstras consacre onze pages à « l’image du sang » dans Macbeth.

Jan Kott poursuit : « Les scènes, pour la plupart, se déroulent pendant la nuit. A toutes les heures de la nuit : tard dans la soirée, à minuit et à la blême lueur de l’aube. La nuit est constamment présente, sans cesse et obstinément rappelée et appelée dans les métaphores (de la pièce) ». Et il en va ainsi aussi tout au long de Makbeth, masques et gags à l’appui. Entre la nuit et le sang il y a les meurtres, Kott y voit le thème premier de la pièce de Shakespeare, c’est aussi un thème récurrent du spectacle du Munstrum qui le retourne dans tous les sens. « L’histoire y est ramenée à sa forme la plus simple, à une seule image, à un seul partage : entre ceux qui tuent et ceux qui sont tués » poursuit Kott,  le premier de ces meurtres « par lequel commence l’histoire , est l’assassinat du roi. Ensuite, eh bien, il faut tuer ». » Dans Makbeth on tue à tour de bras. Du début à la fin. C’est du brutal et c’est un festival d’inventivités joyeuses.

Dès lors, les sorcières qui ouvraient le bal sont remisées en coulisses où elles tapent du pied. Dès lors la forêt ne marche plus toute seule puisqu’il n’y a plus d’arbres et que tout est noir, calciné, Lucas Samain signe le texte de de cette traduction-adaptation en collaboration avec Louis Arène qui signe la mise en scène. Arène est l’un deux fondateurs du Munstrum théâtre, l’autre c’est Lionel Lingelser. Les deux sont sur le plateau en compagnie de Sophie Botte Olivia Dalric et François Praud (présent.e. s depuis le début de l’aventure du Munstrum), Delphine Cottu (qui a rejoint la compagnie lors de l’inoubliable Clownstrum), Anthony Martine (nouvelle recrue) et Erwan Tarlet (qui a rejoint la compagnie en 2021). Ça dépote, ça déménage, ça n’arrête pas.

« Comment ne pas reconnaître dans l’ensauvagement des conflits mondiaux actuel l’escalade meurtrière du héros shakespearien ? » avance Louis Arène. En matière d’escalade meurtrière et sauvage, du premier ministre d’Israël au président de la Russie, on a le choix. Au théâtre, les morts se lèvent pour venir saluer et dans Makbeth ça se bouscule au portillon.

Spectatrices, les sorcières de la pièce s’inclinent devant la prestation du Munstrum. Tenues de rester en coulisses, en vieilles spécialistes de l’épouvante nocturne et des nerfs à vif, elles apprécient la performance.

Jean-Pierre Thibaudat / Balagan

Créé à Chateauvallon en février, le spectacle poursuit sa tournée au Théâtre Public de Montreuil jusqu’au 15 mai puis les 22 et 23 mai à La Filature de Mulhouse et du 10 au 13 juin au Théâtre du Nord de Lille. D’autres dates suivront dont à Paris le Théâtre du Rond Point cet automne.

Publié par Sceneweb à partir du dossier de presse - 11 mai 2025

Créés par Laurent Leclerc, organisé par Barouf et décernés par l’Union du Théâtre Indépendant, les Lauriers récompensent les spectacles portés par Les Compagnies françaises indépendantes qui produisent et diffusent un théâtre de création sur tout le territoire français en poursuivant – avec les moyens du bord, c’est-à-dire plus de passion que de moyens – dans la lignée de Charles Dullin, Jean Vilar ou Louis Jouvet le travail de la décentralisation théâtrale impulsé il y a près de 80 ans par Jeanne Laurent puis André Malraux.

Les lauréats des Lauriers du Théâtre Indépendant sont désignés par un Jury indépendant composé de professionnel.le.s du monde du spectacle vivant.

La cérémonie distingue, au travers de ses 24 prix, les meilleurs projets qui sont portés à sa connaissance et récompense aussi bien les interprètes, les auteurs, les metteurs en scène et les techniciens.

Les Critères d’Éligibilité pour les Candidature aux Lauriers 2025

— Faire un théâtre de création, un théâtre d’art, un théâtre de recherche, inventif, créatif, dans un esprit de troupe

— Ne pas être en contrat pluriannuel avec le ministère de la Culture

— L’aide de l’état n’excédera pas 50% de la production

— Avoir totalisé 10 représentations au moins, hors scènes labellisées et théâtre privé, en coréalisation (pas de contrat de location)

— La metteuse en scène ou le metteur en scène est via sa compagnie, le producteur exécutif de son spectacle ou au moins coproducteur de son spectacle à hauteur de 50% au moins

— L’apport en nature de la Cie est important

— Pour cette Ed. 2025, tous les évènements réalisés entre 2023 et 2025 peuvent concourir

— Un même spectacle peut être présenté 2 fois à la sélection si son évolution est remarquable ou en cas de re-création

— Les actions culturelles menées autour du spectacle, les ateliers de théâtre dans les écoles ou le fait d’oeuvrer comme Clown à l’hôpital par exemple doivent être être signalés et comptent dans la décision de sélection.

Les Catégories

Les Lauriers concernent toutes les personnes qui pratiquent un art du spectacle sur le territoire français en professionnel et décerne aussi un prix du spectacle amateur et récompenses les meilleurs productions de spectacle vivant dans les catégories suivantes :

Toutes les discipline sont représentées – Artistiques et Techniques – dont 11 qui n’existent nulle part ailleurs dans les récompenses françaises

Lauriers de la Mise en scène • Lauriers du Texte de Théâtre • Lauriers de l’Adaptation théâtrale • Lauriers d’Interprétation féminine • Lauriers d’Interprétation masculine • Lauriers de la Scénographie • Lauriers de la Création Lumière • Lauriers de la Création des Costumes • Lauriers de la Création sonore et musicale • Lauriers de la Création vidéo • Lauriers de la Régie générale • Lauriers du Seul.e en scène • Lauriers du Spectacle Musical • Lauriers du Spectacle Jeune public • Lauriers de la Performance théâtrale • Lauriers du Spectacle de Rue • Lauriers du Spectacle de Marionnette • Lauriers du Spectacle de Cirque • Lauriers du Spectacle de Magie • Lauriers du Spectacle de Danse • Lauriers du Spectacle Amateur • Lauriers Spécial du Jury • Les Laurier d’Or • Les Lauriers d’Honneur • Grand Prix Barouf-EMS.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 31 mai 2025

En ouverture du Printemps des comédiens, avant le TGP et une longue tournée, Julie Deliquet adapte à la scène « La guerre n'a pas un visage de femme » de Svetlana Alexievitch, récit qui tresse des dizaines de témoignages de femmes soviétiques autour de la guerre 39-45. En scène, dix formidables actrices dans un décor d’appartement communautaire. Une traversée intense, subtile et admirable.

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - 2 juin 2025

Une fillette roumaine manque l’école pour soutenir sa mère hospitalisée, qui ne parle pas français. Un conte mâtiné de fantastique, sensible et poignant. À voir jusqu’au 15 juin au Théâtre de la Ville, puis en tournée.

TTT

Mettre en scène un miracle. Ou un inexplicable cataclysme (Fraternité, 2021), ou la très surréaliste confection d’une robe de princesse (Lacrima, 2024). Peu nombreux sont les artistes à oser s’attaquer aujourd’hui au merveilleux. Patronne du Théâtre national de Strasbourg (TNS) depuis 2023, Caroline Guiela Nguyen est de ceux-là, comme Joël Pommerat. Sans fin, cette chasseresse d’émotions quête les histoires qui repoussent nos frontières mentales et sentimentales.

Dès son arrivée au TNS, elle y a même créé un surprenant « Centre des récits », ou réservoir d’histoires vraies et folles des habitants de la région. Une documentaliste, une ex-journaliste radio et une dramaturge enregistrent et archivent leurs témoignages. Ils ont jusqu’à présent nourri sept spectacles du TNS. Car Caroline Guiela Nguyen a besoin que le vivant vienne conforter ses intuitions de théâtre, sa volonté d’y dire la violence, l’injustice du monde autant que ses désirs de beauté, ses élans de fraternité. Ses miracles donc.

D’origine vietnamienne par sa mère, forcément confrontée aux problèmes de langue — en témoignait le poignant spectacle qui la révéla au grand public Saïgon (2017) —, la metteuse en scène s’est toujours passionnée pour la traduction et le métier d’« interprète ». Même terme pour qualifier comédiens et musiciens. Au fil de ses rencontres, elle découvre que, pour bien des étrangers malades et dont la langue maternelle n’est pas celle du pays où ils vivent, ce sont leurs enfants qui traduisent les propos des médecins à l’hôpital. Naît Valentina.

Le pouvoir des liens filiaux

D’abord, Caroline Guiela Nguyen en fait un admirable conte (lire ci-dessous) à la simplicité, à la clarté bouleversantes. Aussi terrible et merveilleux que La Plus Précieuse des marchandises, de Jean-Claude Grumberg (2019). Elle a fait son chemin d’écriture (que de progrès !) et peut désormais se lancer dans un mélodrame de sa belle façon que ponctuera une féminine voix off. Car notre amoureuse d’authenticité s’est entourée, comme souvent, de comédiens amateurs et roumains pour le spectacle. Seule la petite Valentina, 9 ans, parle le français, et la propre mère de sa jeune interprète joue la maman cardiaque qui quitte, avec elle, Bucarest et son mari violoniste pour se faire soigner en France. Valentina y entre à l’école, où elle réussit à merveille et séduit la directrice. Sa mère, allophone, peine, elle, à l’hôpital, vite contrainte d’y amener sa fille pour traduire les propos du médecin. Du coup, Valentina manque la classe, invente de plus en plus de mensonges pour se justifier. Jusqu’à ce que la directrice les découvre, la poussant à s’enferrer toujours davantage. Jusqu’à en tomber malade. Mais sauver miraculeusement sa mère par l’amour fou qu’elle lui porte.

Pas d’œuvre chorale ici, ni longue, comme souvent chez Caroline Guiela Nguyen. Toujours une musique très présente, et même des battements de cœur, parfois, qui pulsent tels les néons blancs qui entourent la scène. Des ambiances irréelles, aussi, et doucement colorées, roses ou bleues, habituelles à la metteuse en scène. Et de la vidéo : un cameraman filme continuellement les acteurs en lorgnant sur le cinéma muet — problème de langue oblige. La metteuse en scène a voulu une tragi-comédie baroque et intimiste. Six uniques personnages : père, mère, fille, cuisinier de l’école (tous amateurs) et médecin et directrice incarnées par la même formidable actrice, Chloé Catrin. Le sensible et fragile quintette d’acteurs est à la frontière de l’hyperconcret (la parole du médecin) et du fantastique (l’univers du mensonge conté par le cuisinier), voire du miracle (le cœur qui se transplante magiquement). Mais au travers de ce conte à hauteur d’enfant (et avec nounours), Caroline Guiela Nguyen n’oublie ni ses engagements ni sa générosité. Elle dénonce en même temps les fractures de notre système hospitalier, l’impuissance du monde éducatif et la profonde solitude des émigrés.

Pourtant, Valentina dégage espoir et consolation. Grâce aux liens filiaux qui y sauvent tout. Peu de fables enchantées célèbrent de manière si christique — mais « féministement » inversée — l’amour entre mère et fille. Au point que grâce à lui, même les mensonges deviennent réalité, et les mots s’incarnent comme par magie. Et si Valentina était aussi une pièce sur la langue justement, les énigmes de la langue ; et une pièce sur le théâtre, les énigmes du théâtre ? Les mots y sont reliés aux battements de cœur de l’héroïne, comme au théâtre la parole des acteurs au cœur des spectateurs. Chaque spectacle de Caroline Guiela Nguyen reste un hommage aux mystères de la représentation.

Légende photo : Angelina Iancu dans le rôle de Valentina. La jeune actrice est la seule parmi les interprètes, tous roumains, comme elle, à parler le français.

Publié par Véronique Hotte  dans Webthéâtre - le 31 mai 2025

Les femmes telles des armes encore dans toutes les guerres.

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 31 mai 2025

A Montpellier, la metteuse en scène et directrice du Théâtre Gérard-Philipe à Saint-Denis adapte « La guerre n’a pas un visage de femme », de la romancière biélorusse Svetlana Alexievitch, prix Nobel de littérature en 2015.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/31/theatre-julie-deliquet-ouvre-le-printemps-des-comediens-par-le-fracas-d-une-guerre-vecue-et-racontee-par-les-femmes_6609503_3246.html

Rafales de mitraillettes, chairs déchiquetées, craquement des os, odeur du sang : lorsque le théâtre adopte le visage de la guerre, il n’a besoin ni d’images ni de sons. Juste des mots. Ils sont assez puissants pour que le cauchemar prenne corps. L’ouverture du Printemps des comédiens, à Montpellier, vendredi 30 mai, s’est accomplie sur un geste artistique radical. Celui de la metteuse en scène Julie Deliquet qui a marqué les esprits avec un spectacle sans complaisance inscrit dans la droite ligne de son lien esthétique et éthique au théâtre. En adaptant et en mettant en scène La guerre n’a pas un visage de femme, de Svetlana Alexievitch (Presses de la Renaissance, 2004), la directrice du Théâtre Gérard-Philipe à Saint-Denis livre un de ces uppercuts salutaires dont le public ressort sonné, mais grandi.

Publié en 1985, ce recueil de témoignages est le fruit de sept années d’entretiens menés par la romancière biélorusse. Lauréate du prix Nobel de littérature 2015 pour l’ensemble de son « œuvre polyphonique, mémorial de la souffrance et du courage à notre époque », elle a, dès 1975, tendu son micro aux femmes russes parties combattre l’ennemi nazi lors de la seconde guerre mondiale.

Une partition croisée et alerte

La mise en scène de Julie Deliquet métamorphose ce silence figé dans l’histoire en un présent à l’état pur dont la brutalité n’est jamais esquivée. Deux heures trente de mots qui ne courent pas mais galopent d’une actrice à une autre. Elles sont neuf sur le plateau qui répondent aux questions de la romancière (interprétée par Blanche Ripoche). Toutes sont exceptionnelles. Julie André, Astrid Bayiha, Evelyne Didi, Marina Keltchewsky, Odja Llorca, Marie Payen, Amandine Pudlo, Agnès Ramy et Hélène Viviès ne cessent de « rebondir » les unes sur les autres dans une partition croisée et alerte où l’improvisation est réglée à la virgule près. Ne pas montrer qu’on joue est un exercice de haute voltige. Dire les phrases comme si elles naissaient dans les pensées au moment même de leur profération : la technique seule n’explique pas ce tour de force. Il faut aussi que les curseurs de l’entente et de l’écoute soient à leur maximum. C’est peu dire que l’alchimie sororale fonctionne.

On ne met donc pas longtemps – tout juste quelques secondes – avant d’oublier l’artefact pour s’immerger dans ce réel réactivé en impérieuse immédiateté. En 1941, ces Russes avaient 13, 16 ou 20 ans. Elles étaient tireuses d’élite, brancardières, infirmières ou agentes de renseignements. Elles ont traversé quatre ans d’un carnage pour être, à leur retour, traitées de « putes à soldats ». Pourtant, elles ont assumé plus que leur part dans la défense de leur pays. Les corps amputés, les enfants massacrés, les tortures subies ou infligées, le froid, la faim, la saleté, rien ne leur a été épargné. « Nous portions sur nos dos la masse d’hommes blessés ou morts qui faisaient trois ou quatre fois notre poids », raconte l’une d’elles. « L’idéal était plus fort que l’instinct maternel », témoigne une suivante. « Les fascistes, on les a crevés comme des cochons », se rappelle une dernière.

L’oralité des propos se déplie pour accéder à la théâtralité

Pour parvenir à faire vivre dans l’espace-temps clos du théâtre un tel matériau, Julie Deliquet a réalisé un fabuleux travail de recomposition du texte original. Elle agrège, entrelace, redistribue les multiples récits jusqu’à former une pièce homogène. Si son architecture est un peu trop systématisée – la journaliste ouvre des chapitres successifs en suggérant des pistes de réflexion partagée –, sa restitution est un singulier concentré de vie collective qui pousse à même les souvenirs des charniers. L’oralité des propos se déplie pour accéder à la théâtralité. Ce pari était loin d’être gagné mais le résultat est là : la foule anonyme de ces femmes s’incarne dans des corps, des voix, des coiffures, des costumes, des personnalités et des tempéraments. D’abord assises en rang, face au public, sur des chaises ou des tabourets, les comédiennes se redressent une à une pour finir (quel symbole) debout sur leurs jambes.

C’est dans une scénographie de capharnaüm assumé que s’accomplit cette bascule vers la verticalité reconquise : un appartement communautaire russe écartelé et surchargé d’accessoires. Dans les pièces (salle de bains, salon, cuisine, chambre) un fatras d’objets. Ces traces d’un quotidien précaire et familier sont une toile de fond dont jouent à peine les actrices. Seule la lumière qui décroît (scène et salle sont éclairées plein feu au début) signe l’entrée du plateau dans la nuit, le temps qui passe, l’obscurité qui s’étend, le pas à pas des témoignages qui, eux aussi, s’enfoncent vers les ténèbres.

A la fin de la représentation, une fois l’héroïsme purgé et le patriotisme soldé, une fois exhalés les cris de haine et clamées les preuves du courage, arrive le plus difficile à nommer car relevant de l’intime absolu : être une femme sur un front de guerre. C’est au moment de parler des cycles menstruels perturbés, de la honte ressentie parce que le corps trahit, enfin et surtout, de la peur d’être violée, que la parole semble frappée de pudeur. Et parce que cette pudeur a survécu aux champs de bataille, on comprend que la guerre n’a vraiment pas un visage de femme.

La guerre n’a pas un visage de femme, d’après Svetlana Alexievitch. Adaptation et mise en scène : Julie Deliquet. Printemps des comédiens, domaine d’O, Montpellier, les 31 mai et 1er juin. Reprise au Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis du 24 septembre au 17 octobre.

Joëlle Gayot / Le Monde

Légende photo : 

«Libé» vous guide dans les pièces ou spectacles de danse à voir, à Paris ou en régions. A voir aussi : «Encore, plus, partout, tout le temps» de l’Avantage du doute et «Makbeth» du Munstrum Théâtre.

Théâtre

«Portrait de famille, une histoire des Atrides», de Jean-François Sivadier

«Hécube, pas Hécube» de Tiago Rodrigues

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«Schwanengesang D744» de Romeo Castellucci

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«Makbeth» du Munstrum Théâtre

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«Encore, plus, partout, tout le temps» de l’Avantage du doute

«La Tendresse» de Julie Berès

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«Portrait de Ludmilla en Nina Simone» de David Lescot

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«L’Hôtel du libre-échange» de Feydeau et Stanislas Nordey

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«Le Beau Monde» de l’Ecole parallèle imaginaire

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«Journée de noces chez les Cromagnons» de Wajdi Mouawad

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«Une Mouette» d’après Tchekhov d’Elsa Granat

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«Sinistre et Festive» de Jonathan Capdevielle et Jean-Luc Verna

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«An Irish story» de Kelly Rivière

Par Gilles Renault dans Libération - 28 mai 2025

Spécialistes du porté acrobatique, les circassiens implantés dans les Hauts-de-France présentent pour leurs 20 ans une formidable création accompagnée d’actions dans l’espace public pour aller à la rencontre d’une population éloignée du spectacle vivant.

Pyramides et colonnes humaines

«Une vitalité extraordinaire»

«Créer la rumeur, perturber le réel»

Propos recueillis par Joëlle Gayot dans Le Monde - 24 mai 2025

La romancière, qui présente à La Colline, à Paris, « Romancero queer », explique dans un entretien au « Monde », comment elle s’est réinventée en dramaturge et metteuse en scène.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/24/virginie-despentes-sur-le-plateau-je-suis-la-cheffe-c-est-clair-dans-ma-tete_6608214_3246.html

Virginie Despentes lors du filage de « Romancero queer », au Théâtre de la Colline, à Paris, le 16 mai 2025. TERESA SUAREZ

En 2024, Virginie Despentes mettait en scène Woke, au Théâtre du Nord, à Lille. Un an plus tard, elle récidive au Théâtre de la Colline, à Paris, avec la mise en scène de Romancero queer, deuxième volet d’un triptyque qu’elle projette d’écrire pour la scène.

Quel lien nouez-vous avec le théâtre ?

Lorsque j’ai mis en scène Woke, texte coécrit à quatre, j’ai revécu une sensation que je n’avais plus connue depuis la publication de mon premier roman, Baise-moi [Florent Massot, 2004] : l’évidence que je devais poursuivre, que je le pouvais et, sans doute, saurais le faire. Sans parler de la joie éprouvée à mettre en scène et à se dire qu’une forme s’apprêtait à naître.

Le théâtre, comme la littérature, est un peu anachronique. Ce qui lui permet de passer sous une série de radars et lui conserve une forme de liberté. Dans les lieux où nous jouons, dans la rencontre avec le public, il y a quelque chose qui me convient. C’est pour ça que, créant à Lille, en 2024, j’ai tout de suite pensé à inscrire Woke dans une trilogie. J’aime l’idée de mener trois projets avec la même troupe d’acteurs.

En littérature, un long laps de temps sépare l’écriture d’un livre de sa publication. Au théâtre, la création s’éprouve en temps réel, au jour J de la mise en scène. Comment vivez-vous cette immédiateté ?

C’est un stimulant que je dois apprendre à gérer. J’ai écrit le texte en janvier, nous le créons en mai, c’est très rapide. Cette rapidité me plaît. Comme me plaît, aussi, le fait de pouvoir écrire au fur et à mesure des répétitions. Ce que je fais beaucoup, et même trop au goût des interprètes ! Mais c’est magique. Cela fait trente ans que j’écris des romans, c’est exigeant d’être seule et de se situer dans ce temps long. Le théâtre est angoissant, car il faut respecter les délais, mais ça en fait un art très vivant.

En deux spectacles, vous avez développé des fictions qui s’installent dans les coulisses. Pourquoi entrer dans le théâtre par son hors-champ ?

J’aime observer comment se fabriquent les choses. Que se passe-t-il dans le making of ? Si je tourne de la sorte autour du théâtre, c’est parce que j’ai l’impression que j’y vais pour de bon. Et que, du coup, j’ai le temps d’y arriver en me demandant comment ça s’écrit, ça se finance, qui sont les directeurs, ou ce qu’est un metteur en scène par rapport à ses acteurs.

On reproche beaucoup aux réalisateurs ou aux metteurs en scène des abus de pouvoir, mais réfléchit-on assez à la réalité de ce pouvoir qu’on nous donne, qu’on prend et qu’on exerce ? Du désir à la tyrannie du désir, que se passe-t-il ?

Le texte vous échappe-t-il quand l’acteur se l’approprie ?

Non, parce que je suis décisionnaire. Même si je ne suis pas fétichiste de mes phrases, même si j’aime ce que chacun apporte sur le plateau, c’est moi qui décide. Sur le plateau, je suis la cheffe. C’est clair dans ma tête.

Vous venez à La Colline avec la famille d’interprètes qui était déjà là pour « Woke ». Pourquoi ?

J’ai toujours abordé les choses de façon directe, avec ce que je suis en totalité. Je fais la même chose au théâtre. Sans aucune déclaration d’hostilité, je sais que nous, les queers, nous n’y sommes pas surreprésentés.Or, il est important de nous représenter. Mais nous sommes bien reçus. Le théâtre est souple et tolérant avec les caractères atypiques. La Colline n’est pas mon théâtre, mais c’est chez moi. Chez nous.

Le Théâtre de la Colline est-il un lieu d’hospitalité ?

N’importe qui peut venir voir la pièce et se sentir accueilli. Il n’y a pas de surplomb. Pas d’obligation d’une formation préalable pour comprendre le propos. Je tiens à ce que l’accès ne soit pas difficile, à ce que n’importe qui puisse s’emparer de ce que je crée. Je n’ai pas le sentiment que nous sommes juste entre quadra ou quinqua blancs, dans un entre-soi. Des artistes comme Rébecca Chaillon aident à ouvrir les portes.

J’espère participer à quelque chose qui est en route. Et puis le contrat que passe le spectateur avec le théâtre est génial. C’est très enfantin de s’asseoir et d’accepter de rester dans le silence pendant qu’on vous raconte une histoire.

Ce théâtre pourrait-il être votre refuge ?

Il ne tiendrait pas face à des bascules telles que celles qui ont lieu, par exemple, aux Etats-Unis. Mais il est l’endroit où on peut se ressourcer et se réparer. L’endroit de la revitalisation, du soin et de la résistance.

« Romancero queer », texte et mise en scène de Virginie Despentes. Théâtre de la Colline, Paris 20e. Jusqu’au 29 juin.

Joëlle Gayot / LE MONDE

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Par Joëlle Gayot / Le Monde 

Elle gravite autour de la scène, à moins que ce ne se soit la scène qui lui fasse de l’œil. De son essai King Kong Théorie (Grasset, 2006, adapté à de multiples reprises par des comédiennes) au premier tome de Vernon Subutex (mis en scène en 2022 par Thomas Ostermeier) en passant par la coécriture de la pièce Woke (2024), Virginie Despentes a, de toute évidence, une carte à jouer sur les planches.

Dernier épisode de ce pas de deux insistant : Romancero queer, premier texte de théâtre signé de sa seule main et qu’elle met en scène au Théâtre de la Colline, à Paris. Un spectacle fougueux et attachant, qui propulse sur le plateau des interprètes comme on en croise peu au sein de l’institution. Mais des êtres vivants, ô combien !

Ils sont huit à investir un espace stylisé formé de blocs gris, qui évolueront du podium aux décombres, avant d’être recouverts par une sublime couverture d’or. En fond de salle, de hauts rubans opaques dissimulent le hors-champ, d’où jaillissent, en voix off, les ordres de Michel, metteur en scène vieillissant et odieux d’une pièce du poète espagnol Federico Garcia Lorca, La Maison de Bernarda Alba. Ce huis clos matriarcal de l’auteur (torturé et assassiné à cause de son homosexualité, rappelle l’un des protagonistes) restera invisible, l’action de Romancero queer se situant du côté des coulisses.

Ouverture réjouissante

Virginie Despentes installe une farce mi-drôle mi-inquiète dans l’envers du décor, là où les acteurs viennent se reposer, se raconter et commenter la tournure d’une répétition dont ils devinent qu’elle les mène droit à la catastrophe. Michel veut adapter en version queer le drame 100 % féminin de Lorca. L’opportunisme ne rimant pas avec le talent, la contestation gronde au cœur d’une troupe qui va, petit à petit, dépasser narcissismes et rivalités pour se constituer en un bloc militant et, en bout de course, unanimement gréviste.

Cette trajectoire constructive, qui part d’individualités hétéroclites pour aboutir à un collectif soudé, s’incarne dans les strates dramaturgiques que franchit la représentation. Une première veine exploite avec verve l’esprit de la comédie. Ce n’est pas du théâtre d’art, mais un divertissement percutant et intelligent. Une seconde approche, plus conceptuelle et tourmentée, ouvre la porte à des discours politisés, où surgissent sur un mode disruptif des thèmes d’actualité : le capitalisme, le sort de Gaza, le wokisme, #MeToo, le féminisme ou bien encore le lesbianisme. Le théâtre qui, de ce fait, s’apparente à une tribune publique et/ou une confession intime, y gagne en gravité ce qu’il perd en efficace séduction. Mais Virginie Despentes n’a pas signé, avec le rire, un contrat d’exclusivité. « J’ai envie de parler de choses sérieuses, écrit-elle. L’époque ne s’y prête pas, elle l’impose. » Raison pour laquelle elle met la vivacité de sa plume au service de causes et de luttes relayées par des acteurs qui semblent alors cesser de jouer pour parler en leur (et son) nom.

Le théâtre à géométrie variable forme une totalité cohérente, dont on garde en mémoire l’ouverture réjouissante, avec ses rafales de répliques qui fustigent (entre autres défaites morales) l’abandon des artistes par leurs tutelles financières. Ce qui n’empêche pas les punchlines de mettre en boîte, chemin faisant, un monde du spectacle patriarcal et souffreteux (ce n’est pas un hasard si le metteur en scène est perclus de douleurs lombaires). « On sera médiocre, mais dans la moyenne », affirme ainsi Nina (formidable Mascare), qui vient de se faire larguer par sa copine, mais dont la rupture laisse ses compagnons de marbre. La fine équipe de personnages plantés par Despentes a de l’humour et du tempérament. Dealeur, ex-taularde, drag queen ou star lesbienne de série télé, les parcours de vie déployés dans la fiction sont assumés par des interprètes forts en gueule.

Sasha Andres, Amir Baylly, Casey (en alternance avec Naelle Dariya), Mata Gabin, Soraya Garlenq, Mascare, Soa de Muse, Clara Ponsot arrivent du théâtre, du cabaret, de la musique, du cinéma, de la danse, de la performance. C’est dire si le plateau de La Colline se peuple de figures hors norme qui affolent le thermomètre d’un jeu à la papa. Présences frontales, proférations musclées, ces pros font un show de footballeurs talentueux. D’ailleurs, ils le disent : la parole n’est rien d’autre qu’un ballon qu’ils se renvoient. Taillé sur mesure pour leurs personnalités décapantes, le texte, dans sa première partie, est un concentré d’ironie et un précipité d’humanité. Il ne laisse personne sur le carreau. Ni les héros, qui accèdent à de pleines et solides existences, ni les acteurs en pleine lumière, ni les spectateurs, qui passent des éclats de rire à l’écoute tendue des violences sociétales dénoncées. Si ces dernières font l’effet d’une douche froide, c’est que la légèreté, suggère le spectacle, n’est plus de mise. Et que le théâtre des vivants pourrait bien devenir, à terme, un gisant embaumé sous une sublime, mais mortifère, couverture d’or.

Romancero queer, texte et mise en scène de Virginie Despentes. Théâtre de la Colline, Paris 20e. Jusqu’au 29 juin.

Joëlle Gayot / Le Monde 

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 22 mai 2025

En raison de travaux salle Richelieu, la nouvelle programmation, dévoilée mercredi 21 mai, se déploiera en partie, à partir de janvier 2026, dans différents théâtres de Paris et de sa périphérie.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/22/a-la-comedie-francaise-une-saison-2025-2026-largement-hors-les-murs_6607756_3246.html

A la Comédie-Française, la saison 2025-2026, dont la programmation a été annoncée mercredi 21 mai au soir, sera particulière. D’abord parce qu’elle sera la dernière imaginée par Eric Ruf, qui quittera son poste d’administrateur général le 4 août. Ensuite parce que la moitié de cette saison se déploiera en partie hors les murs, dans divers théâtres de Paris et de sa périphérie, en raison de travaux qui auront lieu dans la salle Richelieu de janvier à septembre 2026.

La première partie de la saison se déroulera de manière classique, avec une seule création prévue à Richelieu : celle de L’Ecole de danse, de Goldoni, dans une mise en scène de Clément Hervieu-Léger, le successeur d’Eric Ruf à la tête de la maison, qui prendra ses fonctions en août. Elle sera accompagnée par les reprises d’Une mouette, d’après Tchekhov, dans la lecture d’Elsa Granat ; des Fourberies de Scapin et du Misanthrope, de Molière, mis en scène respectivement par Denis Podalydès et par Clément Hervieu-Léger. Le Théâtre du Vieux-Colombier accueillera la reprise du Mariage forcé, de Molière, dans la vision explosive signée par Louis Arene, et la création de Casse-Noisette ou le Royaume de la nuit, d’après Hoffmann, par Johanna Boyé.

Emma Dante, Ivo van Hove, Valérie Lesort…

Parmi les créations très attendues, on comptera Les Femmes savantes, de Molière, par la Sicilienne Emma Dante ; Hamlet, de Shakespeare, par le Flamand Ivo van Hove, avec Christophe Montenez dans le rôle-titre ; Le Cid, de Corneille, par Denis Podalydès, avec Benjamin Lavernhe ; ou La Vie parisienne, d’Offenbach, par Valérie Lesort. Ainsi que, au Vieux-Colombier, L’Ordre du jour, d’Eric Vuillard, adapté par Jean Bellorini, ou Penthésilée, de Kleist, par le metteur en scène allemand Michael Thalheimer.

Un certain nombre de reprises sont également au programme, dont celles de Contre, d’après Cassavetes, par Constance Meyer et Sébastien Pouderoux ; du Bourgeois gentilhomme, de Molière, par Valérie Lesort et Christian Hecq ; d’Hécube, pas Hécube, de Tiago Rodrigues, ou encore (la liste n’est pas exhaustive) de l’exquise Puce à l’oreille, de Feydeau, orchestrée par Lilo Baur. Comme toujours, Eric Ruf donne aussi leur chance à de jeunes artistes, à l’image d’Edith Proust, de Séphora Pondi ou d’Anna Cervinka, comédiennes dans la troupe, qui signeront toutes trois des créations.

Quant aux travaux sur le site de Richelieu, ils concernent à la fois la rénovation de la scène et la mise aux normes du bâtiment, dans un édifice qui accueille le public plus de trois cents jours par an. Le plateau de la scène, qui n’a pas été refait depuis vingt ans, s’affaisse vers la face : un plateau dont la pente est, en temps normal, de 4 %, et dont la déclivité s’est accentuée en raison de la forte activité et du poids des décors montés et démontés en alternance, menaçant de faire glisser aussi bien les acteurs que les éléments de décor. Les travaux prévoient donc une réfection complète de ce plateau et de ses dessous, concernant la structure, le plancher et la machinerie scénique. Ils s’accompagnent, par ailleurs, dans les autres espaces de la maison, d’un chantier de rénovation énergétique et de modification des circulations internes visant à favoriser la vie collective.

Particulière, cette dernière saison d’Eric Ruf à la tête de la Comédie-Française s’annonce également riche et passionnante.

Fabienne Darge / LE MONDE

Par Véronique Hotte dans Webthéâtre - 12 mai 2025

Un Cid revisité et réactivé avec facétie et bonheur théâtral.

Le metteur en scène Stanislas Nordey adapte avec malice la pièce antibourgeoise de Feydeau, au langage cru, qui dépeint la nuit rocambolesque de deux amants.

Malaise de classe

Lucile Commeaux / Libération

Par Noémie BAUDOUIN et Raphaël FRESNAIS - Publié le 13/05/2025 

De Cherbourg (Manche) à Mondeville (Calvados), la Normandie vient de perdre une des figures artistiques de ce dernier quart de siècle avec la disparition, samedi 10 mai 2025, de Pierre-François Roussillon. Fils du comédien Jean-Pierre, ce clarinettiste de talent avait choisi la voie de la musique avant de diriger trois scènes nationales à Cherbourg, Bourges et Malakoff. Dernier directeur du feu Orchestre régional de Normandie, il venait de reprendre le chemin des concerts avec sa clarinette.

Pierre-François Roussillon est né en 1962 pour être artiste. Fils du grand comédien Jean-Paul Roussillon, metteur en scène et sociétaire de la Comédie française, sa destinée s’impose à lui comme une évidence. « J’ai grandi dans les couloirs de la Comédie française, je les connais comme ma poche » , confiait, dans un habituel sourire affable, celui qui a rendu son dernier souffle, samedi 10 mai 2025, du côté de Cherbourg, où ses obsèques devraient être célébrées prochainement.

Cette fois, c’est pour de bon. Mais ce grand amateur de jazz laissera le souvenir d’un faiseur de liens, de dresseur de ponts entre les disciplines qu’il aimait tant « croiser ». Des ponts qu’il aurait mérité de dresser un peu plus longtemps. « Il venait de relancer sa carrière de musicien, regrette son ami Patrick Foll, directeur du théâtre de Caen, où il a livré un de ses derniers concerts fin avril. C’était un brillant clarinettiste, quelqu’un de rare. »

Par Kilian Orain dans Télérama le 12 mai 2025

Dans “1664”, sa nouvelle “conférence extraordinaire”, la performeuse et historienne de l’art convoque Colbert comme... Cyndi Lauper. Un cours d’histoire de France original, à voir jusqu’au 17 juin.

Au Théâtre de l’Atelier, où elle présente deux de ses spectacles, l’étonnante Hortense Belhôte amuse autant qu’elle instruit. Dans 1664, la performeuse, historienne de l’art de formation, nous raconte cette année charnière pour la France, particulièrement marquée par l’absolutisme de Louis XIV. Et par l’apparition, à Strasbourg, de la bière qui porte le même nom. Vêtue d’un survêt aux singuliers motifs – baroques et dorés –, l’artiste nous conduit au château de Vaux-le-Vicomte, qu’elle connaît bien – elle lui a consacré son mémoire de recherche et y a tourné un film, à une époque où elle se cherchait et se consumait à grandes flammes.

D’anecdote en anecdote, elle retrace avec malice, vidéoprojecteur en main, l’histoire de France et l’histoire de l’art au XVIIe siècle qu’elle aime tant, mêlant à cette « conférence spectaculaire », autobiographique et enjouée, des éléments de son propre parcours. On y croise pêle-mêle ses amis, Colbert, Fouquet… et la chanteuse Cyndi Lauper. Et l’on redécouvre une forme à la croisée des genres, légère, profonde et habitée.

Kilian Orain / Télérama

Propos recueillis par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 9 mai 2025

Pour la première fois, un théâtre public, le TNS, met le genre à l’honneur pendant une semaine, du 10 au 15 mai. Rencontre avec la directrice du lieu, Caroline Guiela Nguyen, et Merwane Benlazar, l’un des humoristes invités de l’événement.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/09/le-stand-up-s-invite-au-theatre-national-de-strasbourg-pourquoi-n-avons-nous-pas-considere-qu-il-pouvait-etre-un-element-important-de-la-culture-commune_6604449_3246.html

Du 10 au 15 mai, le Théâtre national de Strasbourg (TNS) ouvre ses portes au stand-up, avec le TNS Comedy Club. Cette initiative inédite, voulue par la directrice de cette institution théâtrale, Caroline Guiela Nguyen, marque une étape importante dans la reconnaissance de cet art de la parole et de la vanne, souvent considéré comme un sous-genre par les théâtreux.

Le programme, composé en collaboration avec l’équipe de Madame Sarfati, le comedy club parisien créé par l’humoriste Fary, offre un échantillon éclectique de la scène actuelle du stand-up. Laura Domenge, Panayotis Pascot et Merwane Benlazar y présenteront leur spectacle. Le Plato, comedy club strasbourgeois, organisera une soirée mêlant artistes émergents et confirmés. Enfin, des élèves de l’école du TNS qui ont suivi un module consacré à l’écriture du stand-up roderont leurs blagues devant le public.

C’est la première fois que des stand-upeurs vont se produire sur une scène de théâtre public. Que représente cette expérience inédite pour chacun d’entre vous ?

Caroline Guiela Nguyen : J’ai toujours travaillé avec la volonté de battre en brèche l’idée qu’il existerait une hiérarchie, une classification des cultures. C’est profondément ce qui crée du mépris social et, surtout, ce qui nous empêche d’accéder à des formes d’art puissantes, parce que l’on estime que telle création relève du théâtre public et telle autre du théâtre privé, sous prétexte que cette dernière serait commerciale et pour le peuple.

En tant qu’artiste, directrice d’institution et d’école, mon travail est de totalement rebattre les cartes. Il était temps qu’on franchisse cette nouvelle étape parce que, en vérité, l’institution est en retard. Il s’agit d’être dans une égalité d’estime.

Dans notre programmation, nous avons des artistes comme Eric Feldman, qui a écrit On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie [en 2024], ou Laurène Marx, avec Pour un temps sois peu [2021] : ce sont des formes solos qui s’adressent directement au public.

Pourquoi ces spectacles-là ont-ils leur place dans des théâtres nationaux et pas le stand-up ? Parce que le stand-up c’est de l’humour ? Parce qu’il aborde des sujets très contemporains ? Parce qu’il est grand public ? La question qu’on devrait poser est : pourquoi, pendant très longtemps, n’avons-nous pas considéré que ce genre pouvait être dans des théâtres publics et un élément important de la culture commune ?

Merwane Benlazar : Jouer dans des comedy clubs, devant un public d’habitués, c’est une chose. Aller sur la scène du TNS, prêcher « au-delà de ma paroisse », devant un public qui n’a pas l’habitude de cette forme d’art, me donne le sentiment de faire pleinement mon travail.

Pourquoi y a-t-il cette hiérarchisation de la culture, pourquoi l’humour a-t-il longtemps été considéré comme quelque chose de moins noble ?

C. G. N. : Intuitivement, je dirais que c’est lié à la question de l’émotion. Je fais beaucoup de spectacles où les gens pleurent et, ça aussi, c’est considéré comme moins noble. Comme si l’émotion ne pouvait pas laisser la place au sérieux du politique, à la distance brechtienne qui permet de comprendre, d’analyser ; elle ferait bifurquer la pensée. Peut-être faudrait-il aussi regarder comment est né le stand-up et comment ceux qui le pratiquaient étaient alors considérés.

M. B. : Lenny Bruce [1925-1966], l’un des premiers stand-upeurs américains, a fait plusieurs séjours en prison parce qu’il évoquait des sujets très tabous pour l’époque. Officiellement, on lui reprochait sa vulgarité, et la police venait l’arrêter lors de ses shows. C’est ça, la base du stand-up : le principe même était de déranger. Il n’y avait pas encore de comedy clubs, le public le découvrait dans des clubs de jazz. On n’avait pas l’habitude, peut-être, de rire fort, de faire du bruit, d’être choqué, d’avoir toutes ces émotions.

En tant que stand-upeur, quel est votre rapport au théâtre ?

M. B. : Je suis né et j’ai grandi en Seine-Saint-Denis, où, grâce à l’école, j’ai pu découvrir des pièces au théâtre public Gérard-Philipe de Saint-Denis. Quand j’étais jeune, je trouvais le théâtre rigide, la lecture n’étant pas mon fort. Alors, quand je devais lire des pièces dans un français ancien, cela me demandait beaucoup d’efforts. Lorsque j’allais au théâtre avec le collège, cela m’intéressait, mais je n’avais pas la capacité de me concentrer sur les dialogues qui étaient datés, tout simplement parce que je n’avais pas le bagage culturel.

A 12-13 ans, j’ai découvert le stand-up grâce au « Jamel Comedy Club » à la télévision : dans sa façon de parler et de faire des blagues, cette troupe me ressemblait, je m’identifiais plus facilement. Le stand-up est davantage venu à moi que la dramaturgie classique.

Donc le théâtre est devenu, pour moi, l’endroit où j’allais voir du stand-up, et c’était dans des théâtres privés ou des salles municipales. J’ai suivi des cours d’improvisation au Studio Théâtre de Stains [en Seine-Saint-Denis], avec, comme premier professeur, le stand-upeur Kheiron et, à 16 ans, j’ai fait ma première scène de stand-up. Avec Caroline, nous faisons la même chose : le stand-up, c’est beaucoup de texte, d’écriture.

Et vous, Caroline Guiela Nguyen, quel est votre rapport au stand-up, comment l’avez-vous découvert ?

C. G. N. : C’est présent dans ma vie depuis longtemps. Je viens d’une famille où l’humour est très important. Je regardais à la télé le Jamel Comedy Club, mais aussi Gad Elmaleh, Elie Semoun, etc. Et j’ai continué. Par exemple, avec mon frère, des cousins ou des amis férus de ce genre, on s’envoie quotidiennement une dizaine de vidéos d’extraits d’humoristes trouvés sur Instagram. Puis on se rappelle, on se redit les punchlines et on mesure à quel point le choix des mots a un sens qui fait que soit ça passe, soit ça ne passe pas. C’est ténu.

Le stand-up, c’est vraiment de l’écriture. C’est ça que j’adore. En tant qu’autrice, quand j’écoute du stand-up, je suis dans un rapport très simple d’humour, mais aussi parfois dans la pensée politique. Réussir à écrire sur des sujets très actuels, en trouvant l’endroit où ça peut nous faire rire sans que ça flingue toutes les personnes autour, je trouve que c’est une prise de risque assez dingue.

Le stand-up a amené dans les salles de spectacle un public jeune et très diversifié…

C. G. N. : La question des publics, c’est mon obsession. J’ai toujours fait du théâtre en me disant : je veux que ce soit un lieu hospitalier, dans lequel ma mère se sente totalement à sa place. Je ne veux pas qu’elle entre dans la salle avec la peur au ventre, en ayant l’impression que ce n’est pas pour elle. Il ne s’agit pas uniquement d’accueillir du stand-up pour qu’il y ait des jeunes, des publics divers, mais de dire à ces publics-là : ce que vous aimez a de la valeur. Pour moi, il n’y a rien de plus violent, dans la vie, que d’attaquer les gens sur leurs goûts, de leur dire que ce qu’ils aiment n’est pas culturellement admissible.

Je suis très heureuse que le public qui ne va pas voir habituellement du stand-up, qui n’en connaît pas les codes, puisse y participer, mais aussi côtoyer un autre public, qui, lui, est très habitué à cette discipline. Il s’agit, finalement, de créer une nouvelle communauté dans la salle.

M. B. : S’agit-il aussi pour vous de questionner votre public d’habitués sur ce qu’ils pensent ne pas aimer ? Le type de stand-up que vous avez choisi pour ce TNS Comedy Club ne repose pas sur l’improvisation, mais sur l’écriture. Peut-être faudrait-il l’appeler « monologue comique », pour qu’il soit considéré différemment.

Cette initiative du TNS Comedy Club va-t-elle inspirer d’autres théâtres publics ou craignez-vous qu’elle soit critiquée parce que relevant, selon certains, du divertissement et du commercial ?

C. G. N. : Je n’ai pas peur de la critique, je fais les choses telles qu’elles me paraissent justes. Qu’est-ce qui fait que ça ne serait pas acceptable ? Qu’est-ce qu’un acte de théâtre ? Qu’est-ce qu’il doit y avoir, ou ne pas y avoir, dans un théâtre national ?

Si ma démarche soulève des questions, ce que je peux comprendre, c’est très bien. Allons-y, discutons, ça nous fait avancer. Pour être tout à fait sincère, je n’ai pas non plus envie que ça passe crème, comme si c’était normal. Je ne dis pas que j’ai envie que ça soit la révolte et que tout d’un coup on m’enlève mes subventions, je dis juste : réfléchissons tous ensemble.

Il y a quand même des choses qui avancent. Regardez Par les villages, mis en scène par Sébastien Kheroufi [en 2024], avec la rappeuse Casey dans la distribution. Il y a quinze ans, on se serait étonné de voir une femme qui fait du rap sur la scène de théâtre public. En fait, ça y est, tout est en train de se brouiller un peu. Les choses sont déjà en marche et nous, en tant qu’institution, il faut juste qu’on puisse être dans le même tempo.

En choisissant de faire du stand-up, quel est votre objectif premier sur scène ?

M. B. : Sans prendre le rôle de quelqu’un d’autre ou de m’adapter au public, j’essaie de changer le regard par le rire. Quand les gens rient avec moi, j’ai l’impression d’avoir servi à quelque chose, d’avoir mis une petite graine.

Mon spectacle s’est politisé sans le vouloir, notamment lorsque j’ai évoqué mon expérience de tournée en France, lorsque je faisais les premières parties de Panayotis Pascot ou de Roman Frayssinet. Les gens avaient un peu peur de voir arriver un barbu avec une capuche ! Finalement, après mon passage, pendant lequel ils avaient ri parce que je faisais des blagues sur le regard que je suscitais, peut-être se disaient-ils : « Ce n’est pas lui qui fait peur, c’est moi qui suis ridicule. » Si j’arrive à ça, c’est que j’ai fait mon travail.

Sur les préjugés et l’apparence physique, il y a eu la polémique suscitée par votre passage, le 31 janvier, dans l’émission « C à vous », sur France 5. Vous avez été accusé d’être un salafiste à cause de votre tenue et d’échanges de tweets. Que vous inspire cet épisode ?

M. B. : C’était un épisode malheureux, mais, finalement, quelle occasion formidable de faire mon travail ! Je suis évidemment meurtri par cette histoire, parce que j’aime mon pays, mais je suis content d’avoir pu montrer, à travers un sketch, toute l’absurdité de cette polémique. Et, finalement, les salles se remplissent très vite. Peut-être que, pour une fois, en me virant de la télévision, le ministère de la culture a bien fait son boulot. Ils ont mis la lumière sur un très bel artiste ! [rires]

C. G. N. : Franchement, cette polémique était surréaliste. C’est sidérant qu’on n’ait pas compris immédiatement que la seule chose dont il s’agissait, c’était de faire tomber un artiste parce qu’il est arabe et qu’il porte une barbe.

M. B. : Je pense que, à ce moment-là, les gens se moquaient de la vérité.

C. G. N. : Exactement. C’est devenu une attaque en règle sur ce que tu représentes. Evidemment, je suis allée vérifier dans les échanges de tweets si tu avais tenu des propos misogynes. Il n’y a pas de sujet. Tu l’expliques très bien dans le sketch que tu as fait pour répondre à la polémique, tu es sorti de cette histoire de façon digne. Ton sketch a plié le game !

L’arrivée du stand-up dans la programmation a-t-elle un impact sur la formation au sein de l’école du TNS ?

C. G. N. : Pour la section jeu du concours du TNS, on a changé les intitulés pour le premier tour de sélection. Les élèves peuvent présenter des textes classiques, mais aussi du stand-up.

TNS Comedy Club, du 10 au 15 mai, au Théâtre national de Strasbourg.

Sandrine Blanchard / LE MONDE

Légende photo : Caroline Guiela Nguyen, directrice du Théâtre national de Strasbourg, à Strasbourg, le 25 janvier 2025. SMITH/MODDS