Revue de presse théâtre

Par Anne Diatkine, envoyée spéciale à Epidaure pour Libération - 3 août 2025

Dans le cadre magique du théâtre antique, la création chorale du metteur en scène libano-canadien a entraîné, vendredi 1er et samedi 2 août, les spectateurs dans une tragédie cathartique qui résonne autant avec nos histoires intimes qu’avec les catastrophes contemporaines.

Trivialité du quotidien

S’échapper du filet de la malédiction

Anne Diatkine / Libération 

Légende photo : Ce qui participe de la réussite de ce «Serment d’Europe» est la manière dont aucune des actrices ni même la star française internationale Juliette Binoche ne tire la couverture à elle. (© Patroklos Skafidas/Theofilos Tsimas)

Par Anne Diatkine dans Libération - 12 mars 2025

Nommé à la tête du théâtre national en 2016, le metteur en scène libano-québécois a annoncé ce mercredi 12 mars qu’il mettrait fin à ses fonctions en mars 2026, soit un an avant la date prévue. Son bilan est marqué par des prises de position politiques fortes et un rajeunissement considérable du public du théâtre de l’Est parisien.

Prises de position fortes

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog - 24 septembre 2024

Le directeur du Théâtre de la Colline remet le couvert de sa pièce fleuve « Racine carrée du verbe être ». Six heures de théâtre à travers le monde et le prisme d’une famille qui prend racine dans l’histoire de sa propre famille. Même distribution qu’à la création il y a deux ans. Même triomphe côté public.

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - 4 juin 2024 

ENTRETIEN EXCLUSIF - Contraint d’annuler ses représentations au Liban en mai en raison de ses supposés liens avec Israël, le metteur en scène s’exprime pour la première fois sur cette aventure avortée. Sa pièce débarque à Montpellier le 7 juin.

Il n’aura pu créer dans son Liban natal, à Beyrouth, en arabe, cette burlesque et tragique pièce de jeunesse qui pourtant s’y déroulait. L’auteur-metteur en scène et comédien Wajdi Mouawad, 56 ans, patron du Théâtre national de la Colline depuis 2016, s’est vu interdit de théâtre en avril dernier. Au fallacieux motif de liens avec Israël. On ne badine pas avec l’ennemi au pays du Hezbollah. Alors c’est au Printemps des comédiens de Montpellier, chaleureusement accueilli par Jean Varela et son équipe du 7 au 9 juin, qu’on découvrira Journée de noces chez les Cromagnons.  Avant de retrouver au Théâtre national de la Colline, au printemps 2025, cette terrible farce familiale. Histoire d’un spectacle tourmenté par un auteur-metteur en scène encore blessé du rejet de ses compatriotes.

Que s’est-il passé à Beyrouth pour Journée de noces chez les Cromagnons ?
Le 10 avril, au nom de sa propre sécurité, le Théâtre Le Monnot a annulé le spectacle programmé du 30 avril au 19 mai. Sous prétexte d’un soutien qu’octroyait l’ennemi israélien au Théâtre de la Colline, la directrice avait reçu des menaces d’incendies, redoutait que les assurances ne suivent pas et que le théâtre soit ruiné. Une de mes comédiennes libanaises m’avait dit aussi avoir subi des pressions pour cesser le travail avec moi, traité partout de « collabo ». Ça ne m’inquiétait pas, je suis habitué aux violences. Sauf qu’à Beyrouth on ne parlait plus que de ça. « Pourquoi es-tu venu ? » me demandait-on avec suspicion. – « Mais parce que le Liban est mon pays ! Quarante ans que j’en parle dans mes pièces ! Et c’est la première fois que j’y reviens en artiste. Nous aurons enfin l’occasion au Théâtre Le Monnot de mêler nos équipes, de créer des amitiés. Les jeunes d’ici étudient mon théâtre, j’ai fait des répétitions en salle ouverte, j’en ai beaucoup rencontré et j’ai été bouleversé par leurs réactions. Ces retrouvailles, c’est un don réciproque que nous nous faisons. » Je voulais discuter avec ceux qui nous menaçaient, un seul a accepté.

Des activistes ont bientôt déposé une plainte contre moi auprès du parquet militaire pour dénoncer « les liens et communications avec l’ennemi israélien » et le « non-respect de la loi sur le boycott d’Israël » pour la création d’un spectacle de 2017, Tous des oiseaux. L’ambassade de France en Israël avait alors juste acheté trois billets d’avion pour les comédiens / traducteurs israéliens… Mais j’avais invité en 2023 le cinéaste Amos Gitai à mettre en scène House et organisé un cycle autour de l’auteur David Grossman. Le Comité des représentants des prisonniers et détenus libérés des geôles israéliennes s’est par ailleurs constitué partie civile au nom d’un groupe de prisonniers individuellement nommés, pour saisir le parquet du tribunal militaire du Liban sur les mêmes chefs d’accusation requérant « la suspension de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad ». En fait, ces prisonniers n’étaient même pas au courant : leur avocat avait agi seul sans leur en parler… Nous sommes repartis répéter à la Colline pour la création au Printemps des comédiens. Et après notre départ, la presse libanaise nous a largement soutenus et crié à la censure.

 

Toutes les communautés ont été élevées dans la haine de l’autre du fait de l’ignorance, des préjugés et d’avoir vécu cinq siècles sous le joug ottoman.

Mais pourquoi la pièce a-t-elle été si mal accueillie à Beyrouth ?
Pour la première fois de ma vie, je voulais faire quelque chose de « normal ». Si toutes mes pièces parlent du Liban, elles se sont en effet toujours jouées ailleurs en français, et sans acteurs libanais. Mettre en scène à Beyrouth, avec des Libanais, Journée de noces chez les Cromagnons, qui se passe là-bas, me semblait juste. On allait pouvoir rire et pleurer ensemble. J’avais oublié qu’« ensemble »  est le mot qu’on déteste le plus au Liban. Toutes les communautés ont été élevées dans la haine de l’autre du fait de l’ignorance, des préjugés et d’avoir vécu cinq siècles sous le joug ottoman. Chaque confession s’est refermée sur elle-même. Malgré tout l’amour qu’ils m’ont prodigué, mes parents m’ont aussi appris à haïr ceux qui n’étaient pas de mon clan. À 8 ans, je dansais à l’annonce de la mort du chef druze Kamal Joumblatt ; et en 1982, après l’assassinat de Bachir Gemayel, j’étais persuadé que les Palestiniens massacrés à Sabra et Chatila par des miliciens chrétiens méritaient leur sort. Cette détestation était un héritage qu’on ne remettait pas en question, nous considérant comme des victimes éternelles. Il a fallu la guerre, l’exil, la découverte d’une autre langue, de l’art, de la littérature, la mort de ma mère et de riches amitiés pour prendre conscience de l’horreur de cette haine d’abord, apprendre à l’assumer. Il faut connaître le mal pour le dépasser. L’antisémitisme en est un. Ne tombons pas aujourd’hui dans le piège que nous tend le Hamas : éventrer des femmes enceintes le 7 octobre n’était pas un acte de résistance mais de barbarie. Comme le gouvernement israélien fait œuvre de barbarie aujourd’hui à Gaza.

"À l’époque, j’essayais de faire du Tchekhov… Ça a donné l’histoire d’une famille déglinguée de Beyrouth."

Comment s’était écrit Journée de noces chez les Cromagnons ?

Ayant fui la guerre civile, mes parents, des chrétiens maronites, s’étaient d’abord réfugiés en France en 1979. Ils n’y ont pas obtenu un deuxième permis de séjour. Nous avons donc débarqué au Québec en 1983. Ma mère est morte peu après. On avait transporté la guerre dans nos bagages. On n’en parlait jamais. Nous les enfants, on en avait honte. Comme de parents alcooliques. Mon père y a tout perdu. Il avait été le premier de sa famille à avoir appris à lire. Pour lui, l’école permettait d’échapper à la misère. Il a voulu fuir pour que mon frère, ma sœur et moi continuions nos études. En échange de son sacrifice, il fallait lui obéir au doigt et à l’œil. Ne pas boire, ne pas fumer. Mon père pensait qu’avec notre nouveau savoir, nous le regardions avec mépris. Pour le reste, il disait, « si ton corps va bien tout va bien, sinon tais-toi ». Mon seul moyen de survie était de m’enfermer dans ce qui plaisait à mon cœur. Écrire, aller au cinéma. J’ai vu vingt et une fois Les Amants du Pont-Neuf, de Léos Carax. Le feu, en moi, apparaissait enfin sur l’écran. J’ai raté mon bac. En 1987, j’entre à l’École nationale de théâtre de Montréal. Au cours d’une improvisation autour d’un arrêt de bus, je me mets tout à coup à évoquer un bus mitraillé, des enfants abattus à bout portant : la scène que j’avais vue du balcon à 8 ans, avant de fuir pour Paris. Après l’impro, tout le monde me demande d’où ça sort. Avais-je vécu la guerre ? C’était la première fois qu’on me posait la question et la première fois que j’en parlais. J’avais tout refoulé. Le directeur de l’école me dit que je devrais écrire, mais que je ne deviendrais vraiment auteur que si je retournais au Liban. Il m’obtient une bourse pour un séjour d’un mois, en 1991. J’ai tout revu. Au retour, j’ai commencé Journée de noces chez les Cromagnons.

Que raconte la pièce ?

À l’époque, j’étais passionné par En attendant Godot de Beckett, La Lettre au père que Kafka écrivit en 1919, à 36 ans, à propos d’un mariage interdit, et j’essayais de faire du Tchekhov… Ça a donné l’histoire d’une famille déglinguée de Beyrouth, qui prépare obstinément sous les bombes le mariage d’une fille narcoleptique dont on sait que le fiancé ne viendra jamais. Tous s’engueulent. J’avais envie de raconter aussi les violences de ma famille. En pleine guerre, vivre dans la surprotection permanente crée par contrecoup beaucoup d’agressivité. Compensée par la douceur de la cuisine. Même en exil, ma mère tenait à ce que nous restions libanais à travers sa cuisine.

Quelles traces vous a laissées cette mésaventure ?

J’ai été naïf. J’ai voulu oublier la culture de la haine libanaise, l’incapacité à se construire ensemble, l’obsession de se croire victime et de prendre l’autre pour un bourreau. Les Libanais ont l’art poussé à l’extrême de se tirer dans le pied. Je me suis caparaçonné avec ce que j’appelle mon stoïcisme d’Avilien. Dans son livre Le Château intérieur, Thérèse d’Avila écrivait en 1577 : « Ne vous pensez pas propriétaire de ce qui arrive de bien et de mal. Ne ressassez pas. »

Cela vous aide-t-il aussi à digérer la coupe de 500 000 euros dans le budget de la Colline, et le gel de la réserve budgétaire : soit 730 000 euros en moins pour 2024, sur un budget de 13,5 millions ?

Alors qu’on nous oblige au même quota de remplissage des lieux, cette brutale diminution va contraindre à limiter la grande salle à cinq spectacles, soit deux de moins que la saison passée et une reprise trois mois durant de mon propre spectacle, Racine carrée du verbe être. À l’heure des jeux Olympiques, avec moins, nous sommes condamnés à obtenir le même résultat, ce qui nous oblige à devenir de vrais champions ! Et si dans le Petit Théâtre nous proposons sept spectacles, soit un de plus qu’en 2023-2024, ce sont des productions plus modestes. Pareilles restrictions condamnent à la désobéissance ou à l’invention, aux choix, à l’association avec d’autres. Je redoute pourtant que le discours violent de Laurent Wauquiez contre les artistes en Rhone-Alpes n’ait été un laboratoire pour nos politiques. Taper sur les artistes, ces fainéants, est toujours payant. Et les gens n’ont pas manifesté dans la rue pour nous soutenir. Ça prouve qu’on peut nous attaquer. On ne touchera peut-être pas brutalement au régime des intermittents, mais avec la baisse des subventions, ils auront forcément moins de productions auxquelles participer, moins d’heures à faire, et certains disparaîtront à bas bruit. Certes ces politiques de droite ont aujourd’hui le pouvoir, mais nous gardons la puissance. Le pouvoir ne dure qu’un temps, la puissance est infinie.

Propos recueillis par Fabienne Pascaud / Télérama

par Lara Clerc et AFP publié par Libération le 11 avril 2024

Le directeur du théâtre de la Colline à Paris devait mettre en scène sa nouvelle pièce au théâtre Le Monnot dans la capitale libanaise à partir du 30 avril. Mais en raison d’une campagne contre lui, que certains jugent trop pro-israélien, la direction a été contrainte d’annuler les représentations.

Une nouvelle conséquence du conflit au Proche-Orient. Le théâtre Monnot à Beyrouth a annoncé mercredi 10 avril l’annulation de la nouvelle pièce de théâtre de Wajdi Mouawad, Journée de Noces chez les Cromagnons. La création du dramaturge devait démarrer dès le 30 avril dans la capitale libanaise, pays en proie à de vives tensions en raison de la guerre entre le Hamas et Israël.

La cause de cette rétractation : une campagne menée contre l’auteur libanais et québécois, directeur du théâtre de la Colline à Paris depuis huit ans, accusé par des militants de «normalisation avec Israël». Cette campagne a entraîné des «pressions inadmissibles et de menaces sérieuses faites au théâtre Le Monnot et à certains artistes et techniciens», selon le communiqué de l’établissement. «Les acteurs ont été harcelés via leur téléphone» précise Josyane Boulos, la directrice du théâtre.

Une ONG demande l’interdiction de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad

En plus de ces pressions, l’ONG The Commission of Detainees Affairs (chargée du bien-être des prisonniers palestiniens dans les prisons israéliennes) a annoncé lundi avoir demandé au Parquet militaire «l’ouverture d’une information judiciaire contre Wajdi Mouawad […] pour délit de communication avec l’ennemi israélien, en contravention de la loi sur le boycott d’Israël». L’ONG demande aussi l’interdiction de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad. Pour cette ONG créée en 1998, les pièces du dramaturge seraient «financées par l’ennemi israélien» et feraient «la promotion de la normalisation» avec Israël.

En cause, la pièce Tous des Oiseaux en 2017 sur le conflit israélo-palestinien et l’identité, création accusée par des militants d’avoir été financée par l’ambassade d’Israël à Paris et le théâtre Cameri de Tel-Aviv – ce que Wajdi Mouawad a réfuté dans un entretien à L’Orient - Le Jour en 2017 : «l’ambassade a payé les billets d’avion des artistes israéliens qui sont sur ce plateau, comme il se fait très régulièrement dans le théâtre. Rien de plus». Autres points de tensions : la présence d’une actrice israélienne dans Tous des Oiseaux, et la collaboration du dramaturge en 2023 avec le réalisateur israélien Amos Gitai dans l’adaptation théâtrale de sa trilogie documentaire House. Autant d’éléments qui ont poussé le 6 avril le collectif «Campagne de boycott des partisans d’Israël au Liban» à demander l’interdiction de la pièce de Mouawad, mentionnant son «passif de normalisation et de promotion de l’occupation israélienne».

Ce «passif» est également alimenté par les prises de position de Mouawad sur le conflit israélo-palestinien loin de correspondre à la ligne de «boycott d’Israël» portée par le Hezbollah, qui interdit à ses ressortissants de se rendre en Israël ou d’avoir des contacts avec cet Etat. Un mois après l’attaque terroriste du Hamas en Israël, le dramaturge publiait une tribune dans Libération avertissant des risques de montée d’antisémitisme et expliquant comment il s’est émancipé d’une haine «par héritage». Le 2 avril, il expliquait au micro de France Inter que «depuis toujours, l’artiste a pris position dans les guerres», et que la solution dans ce conflit était un cessez-le-feu et une empathie pour les deux camps.

Son équipe rentre donc en France pour la suite des répétitions de sa nouvelle création. La première de Journée de Noces chez les Cromagnons aura lieu à Montpellier au Printemps des Comédiens, du 7 au 9 juin 2024.

 Lara Clerc avec AFP / LIBERATION

Légende photo : La pièce du dramaturge libano-québécois fera finalement sa première à Montpellier le 27 juin 2024. (Stéphane de Sakutin/AFP)

Par Anne Diatkine dans Libération - 16 nov. 2022

A travers cinq personnages qui ne font qu’un, le metteur en scène raconte le destin d’une famille libanaise bouleversée par l’explosion du 4 août 2020 à Beyrouth. Le brio de la mise en scène et le foisonnement de trajectoires font oublier quelques lourdeurs d’écriture.

par Anne Diatkine

Puisque la pièce dure six heures et trente minutes entractes compris, elle laisse le temps d’admirer l’extraordinaire brio de la mise en scène et la fluidité de la scénographie, tout en fustigeant la lourdeur explicative de certaines scènes et finalement d’apprécier cette même pesanteur car on acquiert au fil de la représentation la certitude que Wajdi Mouawad ne nous y engluera pas. Enfin pas complètement. Compliqué ? Tentons de le dire autrement : comme dans cette dernière création, les cinq avatars de Wadji Mouawad nommés Talyani Wakar Malik font l’expérience de se trouver au même moment dans cinq lieux différents. Il arrive qu’on éprouve quasi simultanément un sentiment profond d’adhésion face au foisonnement des trajectoires et à l’intimité qu’elles propulsent, et un autre tout aussi vif de rejet, qui tient en grande partie au débordement de l’écriture : parfois redondante avec des passages scatologiques qu’on biffe et des personnages qui multiplient les interjections, s’appuient sur des béquilles, type «mais putain», expression d’une colère qui convient à un certain nombre d’entre eux bloqués dans des situations inextricables, mais moins justifiées, par exemple, dans la bouche de l’attachée de presse dont le portrait pourrait être plus nuancé et différencié.

En haleine

Dès qu’on se fait la réflexion que tous les personnages parlent de la même manière, la pièce nous abandonne. Dès qu’on regarde les acteurs, elle nous aimante. Car dans les raisons d’aimer, il y a évidemment Jérôme Kircher, génial dans sa version de Talyani Wakar Malik, abject homme puissant et cependant pas dupe de son abjection, neuro chirurgien qui traite les femmes en objet et qui a abandonné ses enfants. Ou encore Norah Krief en Layla la sœur, qui réussit l’exploit de dialoguer simultanément avec plusieurs versions de Talyani Wakar Malik sans que le spectateur ne s’embrouille les pinceaux. Il faudrait citer toute la distribution, mais notons également Julie Julien, qui tient en haleine une salle comble avec un exposé sur la physique quantique, ou encore Raphaël Weinstock – le grand frère – et Jérémie Galiana – l’enfant secret.

La pièce est composée de sept journées, qui elles-mêmes se subdivisent en plusieurs parties, avec pour centre nodal une famille renvoyée à son histoire lors de l’explosion qui éventra Beyrouth le 4 août 2020. Comme dans Mère, Wajdi Mouawad revisite son enfance plongée dans la guerre civile et ce moment fatidique, le 22 août 1978, quand il quitta le Liban avec sa soeur et son frère et leur mère, pour trois mois, c’était juré, le temps que la guerre finisse disaient les parents, qui hésitaient entre Paris et Rome, avec une petite préférence pour l’Italie et surtout pour le premier vol venu. Ce sera Paris. Mais que se serait-il passé si… S’ils étaient restés au Liban. Si au bout de cinq ans, la France leur avait accordé la nationalité française ? S’ils l’avaient quittée pour le Texas comme prévu plutôt que d’échouer à Montréal ? Si son père n’était pas resté seul à Beyrouth pour gagner la vie de la famille. «Chaque exilé, chaque enfant adopté se pose ce genre de question», dit l’un des cinq alter ego de Wajdi Mouawad, en l’occurrence peintre (joué par le metteur en scène lui-même, et fort bien), auteur d’un triptyque conçu avec des matières organiques – sang, sperme, salive, cendre, on n’est jamais dans la complète légèreté – qui mordra une journaliste s’étant introduit dans une zone interdite et c’est assez drôle.

Rubik’s Cube

Toutes les scènes sont limpides. Elles s’agrègent les unes aux autres comme dans le Rubik’s Cube que tient l’enfant au début de la représentation. C’est l’agencement de l’ensemble qui peut générer des malentendus, mais ça n’a pas tant d’importance si le spectateur invente de faux liens de parenté et s’obstine à imaginer que le neuro physicien abjecte ou le condamné à mort texan sont frères. Fait notable et questionnant : Wajdi Mouawad s’invente des destins meurtriers. Mais pourquoi faut-il que son seul avatar plutôt gentil – le chauffeur de taxi – s’échappe de la mémoire ? Et fait exceptionnel : une salle archi comble, plutôt jeune, et qui reste comble jusqu’aux saluts triomphaux.

Légende photo : Maïté Bufala, Anna Sanchez, Richard Thériault, Merwane Tajouiti, Jérémie Galiana dans «Racine carré du verbe être» de (Simon Gosselin)

Critique de Christine Friedel dans Théâtre du blog - 26 octobre 2022

Extraire la racine carrée d’un nombre, une opération étrange rappelant le collège est ici associée à la conjugaison d’un des deux verbes auxiliaires. Calcul et grammaire : on ne les pratique plus guère en grandissant mais on n’oubliera jamais à quel point l’école compte pour former un être, dit Wajdi Mouawad. Commençons par le verbe : être, mot clé du théâtre depuis Shakespeare. « Être ou ne pas être ? » Question étrange : nous sommes, nous pensons donc nous sommes. Mais qui, nous ? Moi ? Et si les hasards du destin en avaient décidé autrement ?

La pièce arborescente de Wajdi Mouawad part d’une hypothèse: si le premier avion emmenant ses parents (lui avait neuf ans) loin du Liban en guerre, avait été celui de Paris au lieu de celui de Rome ? Et si nous étions non seulement chacun soi-même, mais cinq ou six nous-mêmes possibles et différents, vivant en même temps, avec la même parentèle, dans d’autres villes et d’autres histoires ?Hypothèse culottée, que l’auteur, metteur en scène et acteur met en place posément, puis de façon de plus en plus vertigineuse.
Nous retrouvons Talyani Waqar Malik en chirurgien génial et odieux à Rome. Ensuite en peintre peut-être génial et un peu moins odieux (encore que…) aux Etats-Unis. Puis en commerçant cyclothymique, peintre lui aussi à ses heures, récupérant des pantalons dans sa boutique écrasée par l’explosion du port de Beyrouth le 4 août 2020. Ses parents, eux, n’ont pas quitté le pays.
Puis en chauffeur de taxi parisien bien intégré et joueur de trompette entre deux prises en charge ; en condamné à mort dont le propre père quitte ce monde, chacun attendant à la même seconde, l’injection finale…

Talyani Waqar Malik, le même et un autre, garde son nom et ses origines, et chacun pousse comme un rameau d’arbre, à sa façon, différente de celles de ses avatars, puisque pour lui l’histoire commence avec ce premier avion. Parfois, il aura deux enfants adolescents ou non, en conflit avec lui, comme dans n’importe quelle famille « normale », ou jusqu’à la guerre totale, parfois.
Nous ne perdrons jamais le fil et les suivrons tous jusqu’au bout. Ce sera drôle pour certains, et pour d’autres, ira jusqu’au tragique. Apparaîtront un bébé miraculé et curieux de l’assassin de ses parents, un roi Lear vendant à ses enfants un héritage imaginaire contre des certificats d’amour, une Antigone, une Tamar… Nous entendrons résonner les grands mythes antiques et bibliques. La famille n’est-elle pas le nid la tragédie ?

Dans la première partie du spectacle, Wajdi Mouawad prend le temps de poser les règles du jeu, dont le sens se précise ensuite. Ce qu’il faut pour laisser pousser les ramifications de cette identité au pluriel, à partir d’un premier point de départ : l’avion, et autour d’une catastrophe : l’explosion du port de Beyrouth.  Ensuite, tout s’accélère et s’approfondit à la fois : l’arbre métaphorique pousse ses racines et entrecroise ses branches. Et il n’est pas que métaphore : parmi les problèmes de société et d’une urgence actuelle, rencontrés dans la pièce, Wajdi Mouawad donne une grande place au sauvetage des arbres. Avec un hommage au grand jardinier Gilles Clément qui célèbre la capacité des arbres à se régénérer et à revivre sous d’autres formes, quand les créations humaines, vite obsolètes, encombrent la terre de débris toxiques.

Comment jouer une pièce feuilletée de tant de récits, grandes questions, affaires de famille, vies et morts ? Vite et les interprètes ne perdent pas de temps, se renvoient la balle du texte, évoluent dans le décor sans cesse changeant d’Emmanuel Clolus, tenant le fil de chaque histoire.

Wajdi Mouawad joue le rôle multiple de Talyani Waqar Malik, qu’il a médité durant le confinement en silence dans la salle de répétitions. Il le partage avec Jérôme Kircher, son double de théâtre : même densité physique, même évidence dramatique.
Les différents Talyani Waqar Malik peuvent se croiser à la charnière d’une scène à l’autre, jusqu’à se trouver ensemble sur scène, quand toutes les destinées finissent pas se tresser. Un, plusieurs, cent mille, dirait Pirandello.

Nora Krief la sœur de tous, comme le personnage du film de Saeed Roustaee Leila et ses frères, répond avec une grande justesse sur un ton égal et aussi forte, aussi présente, à quatre ou cinq histoires simultanées.

Parmi les prouesses de ce spectacle : une vertigineuses démonstration sur la racine carrée de 2 et les abîmes philosophiques et poétiques qu’elle ouvre. Entre autres, l’existence des nombres irrationnels (démontrée par le calcul de la raison), et le fait que cette suite infinie de chiffres contient –en représentant chaque lettre de l’alphabet par un chiffre- le mot : Hamlet en entier (mais on ne nous dit pas en quelle langue).

Le public applaudit le spectacle avec un grand soupir de joie, rapportant chez lui quelques vérités solides comme : l’école est la seule chose qui peut faire de vous un homo sapiens. Et il faut arrêter de plaindre les exilés de luxe et les sommer de rentrer au pays, non pour la nostalgie, mais pour le reconstruire, en famille. Qu’il ne s’agit pas d’être pour ou contre l’homosexualité, mais tout simplement d’aimer les gens, que c‘est une nécessité, comme la vie et la mort. Que ça vaut la peine d’écouter de longues et belles histoires tourmentées, à l’orientale. Que l’art est indispensable pour voir le monde et que le calcul mathématique contient des surprises gigantesques et d’une beauté renversante.

Professeur Mouawad, n’arrêtez pas de nous faire la leçon. La vôtre est parfois drôle, parfois tragique, parfois confuse sur le moment mais s’éclaire ensuite. Grave, elle ose des transgressions : c’est la vie même.

Le mieux : voir l’intégrale. Mais sinon les première et deuxième parties, et la troisième le lendemain. Mais de toute façon, vous aurez envie de voir la suite…

Christine Friedel

Jusqu’au 30 décembre, Théâtre National de la Colline, 17 rue Malte-Brun, Paris (XX ème). T. : 01 44 62 52 52.

Par Armelle Héliot dans son blog - 25/11/2021

Depuis qu’il écrit, l’auteur de Littoral bâtit une œuvre contre la perte. Il sait que le théâtre rend tout possible. Dans Mère, il renoue avec l’enfant qu’il fut et tente désespérément de retrouver cette maman bousculée, morte en 1987, au Québec.

Vers la fin de la pièce intitulée Mère, il y a une scène encore plus bouleversante que les autres, une scène qui appartient consubstantiellement à Wajdi Mouawad. Une scène dans laquelle l’artiste explique à sa mère comment il a pu, grâce au théâtre, la rendre présente, elle, Jacqueline, pourtant morte depuis trente-quatre ans. Elle est ici, maintenant. Il peut lui expliquer sa vie. Et exposer aux autres, nous, les spectateurs, en quoi consiste sa vocation d’écrivain, son destin au cœur du théâtre. Il dit combien la guerre, épouvantable, et l’exil, douloureux, sont la source de sa vocation d’écrivain. C’est une scène très sobre et complète, une des plus belles scènes que l’on puisse imaginer entre une mère et son fils, aussi audacieuse que bouleversante, rigoureuse, sobre répétons-le. Il y a là comme le point de fuite de toute l’œuvre si vaste de Wajdi Mouawad.

La pièce Mère est présentée comme le troisième volet du cycle « domestique », après Seuls, Sœurs, deux solos –malgré le pluriel- et avant les pages Père et Frères. Wajdi Mouawad, infatigable et toujours au travail, circonscrit peu à peu l’histoire de sa famille.

Il était déjà d’une puissance saisissante dans ses premiers écrits pour le théâtre, il y a maintenant bien des années : Littoral date de 1999 et fut suivi, sans que l’écrivain ait conscience alors de construire un ensemble, d’Incendies, Ciels, Le Sang des Promesses. Il n’a rien perdu de son ampleur lyrique, et il a écrit des dizaines de textes pour la scène, les a mis en scène. A donné des chefs-d’œuvre avec son épais roman Anima, avec son spectacle en plusieurs langues, Tous des oiseaux.

Mère est magnifique. Parce qu’un fils tente de « montrer » sa mère, se souvient de ses années parisiennes et nous donne donc à voir sa grande sœur, le petit garçon d’une dizaine d’années qu’il était, et leur lien d’exilés avec ce Liban où le père est demeuré, pour ne pas tout perdre. Ce lien passe par le téléphone aux communications si difficiles, et par le journal de 20h00 sur Antenne 2. Christine Ockrent, elle-même joue son propre rôle, sérieuse et émue, devant le micro mobile. Parfois, elle s’entretient avec le petit Wajdi. Elle tente de rassurer chacun. Le grand Wajdi Mouawad d’aujourd’hui est là, lui aussi. Qui déplace les éléments du décor léger, tandis que s’animent les souvenirs, en scène souvent drôles à force d’être tramées de tragique.

Cinq années à Paris, de 78 à 83, avant un autre exil, pour le Québec. Parce que le renouvellement de leur carte de séjour n’a pas été acquis. Parce qu’ils n’ont pas obtenu le droit d’asile. Le Québec où mourra Jacqueline, le 18 décembre 1987, à 55 ans, à peine.

Cette mère explosive, inquiète, angoissée, qui passe toute son énergie dans la délicieuse cuisine de son pays, qui embaume la grande salle de la Colline, pleine à craquer d’un public très touché. Cette maman déchirée, aime Pierre Bachelet. C’est une très grande interprète libanaise qui est Jacqueline, Aïda Sabra. Pas le temps de s’épancher, elle est creusée par l’inquiétude : la guerre est de plus en plus violente, là-bas. Elle est torturée par la crainte de voir son mari mourir loin d’elle, loin d’eux. Elle est angoissée par le devenir de ses enfants. Elle rudoie plus qu’elle ne caresse, et dans la scène où Wajdi, le grand Wajdi d’aujourd’hui lui parle, il lui avoue combien il aurait aimé avoir une maman plus clairement aimante, quand il était plus petit…

La comédienne déploie une énergie immense, elle donne à Jacqueline, une furieuse colère qui traduit son désespoir. Mais dans la scène de la retrouvaille avec Wajdi aujourd’hui, elle est douce, tendre. C’est cette même artiste, cette même femme, qui s’effondre au pied d’un mur, anéantie…

On voit des photos d’elle, la vraie Jacqueline. Une femme très belle, au visage grave. Son fils y lit de la tristesse, de la résignation. Même à son mariage, elle ne souriait pas, Jacqueline…

La grande sœur, Nayla, est, elle aussi, interprétée par une grande comédienne libanaise, Odette Makhlouf. Elle est pleine d’une vitalité solaire qui doit aider le Wajdi de 10 ans…Son jeu est fin, nuancé, chatoyant.

On écoute la radio. Les tubes d’alors, tels quels ou réinterprétés, par Bertrand Cantat, avec le son omniprésent distillé par Bernard Valléry et Michel Maurer, tout traduit le besoin éperdu de comprendre la guerre là-bas…Cette autre mère. Et en 2021 où en est ce pays de légende ? Le pays des Phéniciens dit Jacqueline…Encore plus exsangue à cause des mêmes cyniques au pouvoir.

Quatre jeunes comédiens jouent en alternance Wajdi jeune. Le soir où nous avons vu le spectacle, c’était Augustin Maîtrehenry, remarquable, avec une autorité formidable et un sens de la vérité épatant et une ressemblance sidérante avec son modèle. Une photo, l’unique photo qui réunit alors toute la famille, papa et frère compris, nous le prouve !  

Beaucoup d’échanges se font en arabe du Liban. Car si Jacqueline parle la langue française, elle est effrayée de voir ses enfants basculer dans une culture occidentale qui est loin de son cher Liban.

Wajdi Mouawad nous conduit lui-même sur le plateau. Avec une confidence liminaire : « Depuis la mort de ma mère, je n’ai plus pleuré. »

On ne saurait épuiser en quelques lignes la richesse de la pièce. Tout ce qui y est inscrit. Le décor d’Emmanuel Clolus est là pour fluidifier le jeu. On est dans un appartement meublé du XVème arrondissement.  Au mur une reproduction de tableau…Il va compter, ce tableau, pour Wajdi, comme les hommes volants de Folon. Ils planent dans la nuit bleue. Pacifiques et tendres. Mais même le téléphone, ici, sonne comme une mitrailleuse…

La Colline, Grand Théâtre, mardi à 19h00, du mercredi au samedi à 20h30, dimanche à 15h30. Et lundi 27 décembre à 20h30. Durée : 2h15. Relâches les 7, 24, 25, 26 décembre. Jusqu’au 30 décembre. En langues française et libanaise, avec surtitrages très lisibles.

Tél : 01 44 62 52 52.

Légende photo : Tandis que Christine Ockrent parle du Liban, on entend les reportages de Philippe Rochot. Assise, Odette Maklouf, debout, Aïda Sabra. Assis sagement, l’un des enfants qui joue Wajdi : pas celui que nous avons vu, Augustin Maîtrehenry, l’un des trois autres. Ils se nomment Emmanuel Abboud, Théo Akiki, Dany Aridi. Une photographie de Tuong-Vi Nguyen.

Voir la vidéo (1h10)

https://youtu.be/BvfFdTzwgeM

Par Wajdi Mouawad, publié sur la page Facebook du Théâtre national de la Colline, mardi 17 mars 2020

Un directeur de théâtre qui est aussi un écrivain, un poète.

Quand Wajdi Mouwad (auteur, metteur en scène, directeur du Théâtre national de la Colline) décide de livrer, jour après jour, son journal de confinement, c'est l'intime, la mémoire, l'émotion qui priment. Une pensée qui circule des plateaux déserts et silencieux des deux salles de la Colline aux bombardements de l'enfance au Liban.

Ecoutez-le chuchoter pour vous ces paroles puissantes, Accordez-vous un petit quart d'heure (votre emploi du temps le permet désormais), mettez vos écouteurs ou bien isolez-vous.

Le lien audio est juste là (cliquer sur le rond rouge de la page Soundcloud)    https://soundcloud.com/user-308301388/sets/journal-de-confinement

Ici la transcription d'un petit extrait :
" (...) Je ne sais pas où est la mesure de toute chose. Je ne sais pas si ma lucidité est une panique. Je me couche le soir, et me dis que, sans le savoir, je ne verrai peut-être pas l’été. Tant d’entre nous ne le verront pas. Chagrin immense et collectif. Je n’arrive pas à me rassurer à l’idée, de plus en plus fragile, que cela ne touche que les vieux. Et même si cela est vrai, comment se rassurer à travers la mort des autres ? Et, de toutes les manières, comment vivre dans un monde sans vieux, si tous les vieux sont appelés à disparaître. Une heure durant, je suis pris de malaise, et tout me revient. Ce n’est pas une guerre civile qui empêchera une épidémie, et les malheurs n’attendent pas leur tour : les dieux n’existent pas. Aucune logique autre que la nature et son dérèglement. Confusion de mes pensées. Dispersion de mes sentiments, sensations multiples. Comme autant de morceaux de puzzle, sans image précise, sauf celle d’un brouillard, et dont aucun ne se rattache parfaitement à l’autre : peur, tristesse, inquiétude. Et souvenirs. Oui, souvenirs : comme tous ceux et celles qui, comme moi enfants, ont connu guerres civiles, épidémies ou temps de catastrophe : Fukushima, tremblement de terre en Haïti, etc. j’ai tout cela qui met en place un brouillard, et pour des raisons, qui remontent justement à ces temps de l’enfance, je suis incapable d’entendre la phrase : dans deux semaines ce sera passé, dans deux mois ce sera passé. Car c’est là la même phrase que j’ai entendue, enfant, au sujet de la guerre du Liban: « Dans deux mois, ce sera réglé, et nous pourrons rentrer au pays ». Dans deux mois, dans six mois… Cela a duré dix-neuf ans, 400 000 morts plus tard, destructions, et exils. Alors je préfère espérer l’été, plutôt que présumer de lui. Annonçant à mon garçon de six ans que l’école sera fermée pour cause d’épidémie pour une durée indéterminée, j’ai vu se dessiner sur son visage le même sourire, qui se dessinait sur le mien lorsque enfant, j’entendais les bombes tomber. Pas d’école ! Joie de l’enfant devant les catastrophes des adultes. » (…)

Wajdi Mouawad - Journal de confinement - Jour 0

Par Fabienne Darge  dans Le Monde | 11.05.2018

Au Théâtre de la Colline, à Paris, un spectacle hypnotique et émouvant avec un quatuor d’actrices exceptionnel.

« A la trace », d’Alexandra Badea, mis en scène par Anne Théron, au Théâtre national de la Colline.

Voilà toute une bande de femmes qu’il va falloir absolument suivre – et suivre A la trace, titre du spectacle, hypnotique et émouvant, qu’elles composent ensemble, et que l’on ne saurait trop recommander d’aller voir au Théâtre de la Colline, à Paris, en ce mois de mai. La jeune auteure Alexandra Badea signe le texte et Anne Théron la mise en scène de cette pièce portée par un quatuor d’actrices exceptionnel : Nathalie Richard, Judith Henry, Liza Blanchard et Maryvonne Schiltz.

L’histoire, en forme de quête d’identité et de polar familial, commence le jour où la jeune Clara perd son père, et trouve, dans la cave de la maison, un sac de femme n’appartenant pas à sa mère officielle. Le sac contient quelques bricoles, ainsi qu’une carte électorale au nom d’une certaine Anna Girardin. Qui est cette femme ? Cette sensation d’inconfort, de grincement existentiel que connaissent tous les enfants sur qui pèse un secret autour de leur filiation se réveille chez la jeune femme.

Clara part à la recherche de cette inconnue, mais il existe de par la France et le monde plusieurs Anna Girardin. La première est assistante maternelle et chante, le soir, des chansons d’amour pour des hommes seuls, dans un bar près d’une gare. La deuxième est avocate, elle est chargée de défendre un homme de quatre-vingt dix ans qui a tué sa jeune compagne. La troisième vit en autarcie à la campagne, elle a choisi de rompre avec la société. La quatrième est audio-psycho-phonologue à Berlin, et elle décèle dans l’oreille interne de Clara que quelque chose s’est rompu avec sa mère.

Maternité, mémoire et filiation

Parallèment, on suit l’histoire d’une autre femme. Dans la splendeur de sa quarantaine, elle vit d’hôtel en hôtel, de Kinshasa à Tokyo, de Berlin à Kigali. Comme elle le dit elle-même, elle « flotte », sans ancrage. Elle peuple cette solitude de rencontres virtuelles avec des inconnus de hasard, apparaissant sur l’écran depuis d’autres mondes, d’autres fuseaux horaires. A l’un, elle dit qu’elle est architecte, à un autre, qu’elle est marchande d’art. A un autre encore, qu’elle a une fille, avant de prétendre à un quatrième interlocuteur qu’elle n’a pas d’enfant. Elle aussi s’appelle Anna.

Sera-t-elle la bonne Anna, et permettra-t-elle à Clara de dénouer les fils du secret familial ? On ne dévoilera pas tout de ce spectacle où l’émotion vous prend à la gorge d’emblée, et où le puzzle agencé par Anne Théron, qui est à l’origine du projet, et par Alexandra Badea, s’avère d’une justesse parfaite dans sa manière de s’aventurer sur le terrain infiniment complexe de la maternité, de la mémoire et de la filiation.

Lire la critique en 2014 : L'aliénation au travail en quatre portraits croisés
Une nouvelle forme de théâtre-cinéma

S’il en est ainsi, c’est que le spectacle est brillamment écrit, aussi bien du point de vue textuel que scénique. A la pièce où se mêlent avec fluidité dialogues, monologues intérieurs et narration, répond la mise en scène d’Anne Théron, qui, comme certaines de ses consœurs – Katie Mitchell, Christiane Jatahy… – invente une nouvelle forme de théâtre-cinéma.

Et cette forme est au cœur du sujet même de la pièce, et de son interrogation sur le réel, la fiction et le virtuel, sur l’amour et la perte. Sur le plateau, ce sont les femmes qui sont présentes en chair et en os, qui endossent la part organique de cette vie recréée qu’est un spectacle de théâtre. Les hommes, eux, apparaissent uniquement à l’image. Et c’est sans doute la première fois que l’on voit, à ce point, une actrice, en l’occurrence Nathalie Richard, fabuleuse, jouer de manière aussi vivante et naturelle avec des partenaires virtuels. Anne Théron décline également avec une grande sensibilité les superpositions entre l’image et le corps de son actrice, et la mise en scène de l’ubiquité supposée permise par les réseaux sociaux.

Nathalie Richard trouve ici un défi à sa mesure, relevé avec son élégance aérienne

Et quelles actrices ! Nathalie Richard, donc, qui trouve ici un défi à sa mesure, relevé avec son élégance aérienne ; Liza Blanchard, qui incarne Clara dans sa quête initiatique avec une vérité profonde ; Judith Henry, qui joue les quatre premières Anna avec subtilité, comme si chacune était une pièce du puzzle, périphérique mais essentielle ; Maryvonne Schiltz enfin, qui offre à la grand-mère, celle d’où tout est parti, une humanité puissante et brute.

Mais les hommes, pour n’apparaître que sous forme d’image, ne sont pas en reste. Yannick Choirat, Alex Descas, Wajdi Mouawad [le patron du Théâtre de la Colline] et Laurent Poitrenaux composent une belle mosaïque des fragilités des hommes d’aujourd’hui, tout en gardant leur mystère. L’opacité subsiste dans le regard porté par les un(e)s sur les autres, et la supposée transparence amenée par la présence de l’image dans nos vies n’y change rien. Sans doute même rajoute-t-elle un écran de plus.

A la trace, d’Alexandra Badea. Mise en scène : Anne Théron. Théâtre national de la Colline, 15 rue Malte-Brun, Paris-20e. Tél. : 01-44-62-52-52. Mardi à 19 h 30, du mercredi au samedi à 20 h 30, dimanche à 15 h 30, jusqu’au 26 mai. De 10 à 30 €. Durée : 2 heures.

Par Fabienne Pascaud dans Télérama - Publié le 12 mars 2025

Le metteur en scène quittera la direction du théâtre national en 2026, soit un an avant la fin de son mandat. Après ceux de Stéphane Braunschweig à l’Odéon et de Jean Bellorini à Villeurbanne, ce départ alerte sur la situation de nos institutions théâtrales.

Fabienne Pascaud / Télérama

Légende photo : Wajdi Mouawad dirigeait la Colline, à Paris, depuis 2016. Photo Audoin Desforges pour Télérama

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 7 février 2025

Sollicité par l’historien Patrick Boucheron pour intervenir dans la vénérable institution, le dramaturge n’a ménagé ni sa pensée, ni son humour, ni sa peine.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/02/07/au-college-de-france-le-metteur-en-scene-wajdi-mouawad-fait-couler-le-sang-pour-sa-lecon-inaugurale_6536097_3246.html

Il y avait foule, jeudi 6 février, au Collège de France, à Paris, pour assister à la leçon inaugurale de l’auteur et metteur en scène Wajdi Mouawad. Longue file de gens frigorifiés au-dehors, qui patientaient en espérant entrer, salle pleine au-dedans, avec, aux premières loges, trois anciennes ministres de la culture. Rima Abdul Malak, Roselyne Bachelot et Aurélie Filippetti avaient fait le déplacement. Pas Rachida Dati. L’actuelle locataire de la Rue de Valois a raté un discours dont le contenu et la conclusion ont laissé l’assemblée bouche bée.

Pour sa première conférence, l’artiste n’a ménagé ni sa pensée, ni son humour, ni sa peine. Sollicité par l’historien Patrick Boucheron pour intervenir dans la vénérable institution (où il donnera huit cours et séminaires), le directeur de La Colline s’est livré à une prestation théâtrale radicale et impérieuse, allant jusqu’à se maculer le visage de son sang dans un final digne des performances de l’Espagnole Angelica Liddell.

Veste tombée, en chemise blanche, manches retroussées, il a tendu ses veines à la seringue d’une infirmière. « En attendant que le sang soit ici versé, car il le sera à n’en point douter », avait-il prévenu le public d’entrée de jeu. Wajdi Mouawad ne vient pas faire le beau dans le saint des saints de l’intelligence à la française. Il vient y parler d’écriture. Or, aujourd’hui, pas de doute selon lui, l’encre, c’est le sang.

« Entre le cœur et le crayon »

Joindre le geste à la parole n’était pas de nature à effrayer cet homme de plateau aguerri. Maniant le verbe avec un sens fou de ses rythmes, il a promené ses hordes de mots du passé au présent, de ses origines libano-québécoises jusqu’aux horizons créatifs qu’il habite désormais.

Alors qu’il va occuper la chaire annuelle « L’Invention de l’Europe par les langues et les cultures », il a titré son monologue introductif d’un énigmatique « L’ombre en soi qui écrit ». Et c’est bien elle qui a surgi, l’ombre sans qui « rien n’est possible entre le cœur et le crayon », et qu’escortaient, dans une oraison passionnante, les débris du Liban, les blessures de l’enfant, les questions de l’adulte.

Fustigeant les morales étriquées, les replis sur soi ou la perte du sens tragique, les sommations de Mouawad n’ont poursuivi qu’un but : « Tout ce qui n’est pas poésie est trahison. » Des phrases de ce goût-là, rappels à l’ordre fulgurants de vérités à marteler en temps de crise, il y en avait des dizaines, toutes plus frappantes les unes que les autres. Elles ont fait le show autant que leur auteur, par ailleurs excellent comédien. Prochain rendez-vous, mardi 18 février : « Epiphanie du verbe “être” ». Prenez date, il va y avoir foule.

Wajdi Mouawad au Collège de France, chaire annuelle : « L’Invention de l’Europe par les langues et les cultures ». Jusqu’au 8 avril. Programme détaillé disponible sur le site du Collège de France.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Légende photo : Wajdi Mouawad lors de sa leçon inaugurale au Collège de France, à Paris, le 6 février 2025. PATRICK IMBERT/COLLÈGE DE FRANCE

Par Joëlle Gayot dans Le Monde -  6 juin 2024

A Montpellier, le metteur en scène présente « Journée de noces chez les Cromagnons », sa nouvelle pièce, qui devait initialement être créée à Beyrouth avant d’y être annulée.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/06/06/au-printemps-des-comediens-wajdi-mouawad-si-loin-si-proche-du-liban_6237557_3246.html

Est-ce un cas avéré de censure politique ou un règlement de comptes libano-libanais qui a dérapé ? Présentée, du 7 au 9 juin, au Printemps des comédiens, à Montpellier, Journée de noces chez les Cromagnons, pièce écrite et mise en scène par Wajdi Mouawad, arrive des rives tourmentées d’un Liban qui n’a pas voulu d’elle. La création, prévue le 30 avril, au Théâtre Le Monnot, à Beyrouth, a été annulée. Une décision « difficile », prise « en raison de pressions inadmissibles et de menaces sérieuses faites au Théâtre Le Monnot et à certains artistes et techniciens (…) par certains activistes », précisait, dès le 10 avril, dans un communiqué de presse, Josyane Boulos, la directrice du lieu.

Que s’est-il passé pour que le rideau ne se lève pas ? Triste résolution d’une cabale née de la « malveillance et de la jalousie », affirme Aïda Sabra (l’une des actrices du spectacle), cette annulation découlerait, selon Wajdi Mouawad, d’une controverse « ne reposant sur rien de vrai », mais qu’aurait alimentée un « millefeuille de ressentiments entre artistes libanais ». Aiguisé par l’actualité géopolitique, le « millefeuille » s’est transformé en tenaille qui a broyé l’art entre ses mâchoires.

Lorsque l’auteur metteur en scène arrive à Beyrouth, le 5 avril, pour répéter son spectacle, il atterrit en territoire hostile. Né au Liban, en 1968, exilé depuis 1978 (ses parents ont fui la guerre civile), Wajdi Mouawad n’est pas le bienvenu. Voilà une semaine que des rumeurs enflamment les réseaux sociaux : il serait coupable de promouvoir la « normalisation » avec l’ennemi israélien. On lui reproche d’avoir accueilli, en 2023, un spectacle d’Amos Gitaï au Théâtre de la Colline, à Paris, qu’il dirige depuis 2016.

On l’accuse aussi d’avoir fait financer sa propre création Tous des oiseaux (2017), dans laquelle jouaient des Israéliens, par l’ambassade d’Israël à Paris. Il s’en est depuis expliqué : ce financement correspond à l’achat de trois billets d’avion pour le traducteur et les deux comédiens israéliens. Trois fois rien ? Beaucoup trop au regard de la loi libanaise qui, depuis juin 1955, interdit les contacts avec les Israéliens et les relations économiques avec les entreprises de l’Etat hébreu. La violation de cette législation peut être passible de trois à dix ans de travaux forcés.

« Les fruits de l’exil »

Dénonçant, dans un communiqué, les « liens et communications avec l’ennemi israélien » et le « non-respect de la loi sur le boycott d’Israël », la Campagne pour le boycott des partisans d’Israël au Liban appelle, le 3 avril, les « acteurs des distributions à se retirer » et « tous les artistes libanais libres à mener une mobilisation militante et artistique qui contribue à l’arrêt du spectacle ». Lui emboîtant le pas, le Comité des représentants des prisonniers et détenus libérés des geôles israéliennes amplifie l’offensive. Il se constitue partie civile au nom d’un groupe de prisonniers individuellement nommés, pour saisir le parquet du tribunal militaire du Liban sur les mêmes chefs d’accusation, en requérant la « suspension de la pièce et l’arrestation de Wajdi Mouawad ».

L’affaire devient suffisamment grave pour que Josyane Boulos, soucieuse de préserver la sécurité du théâtre et de ses équipes, jette l’éponge. Le 10 avril, Wajdi Mouawad regagne donc la France. « Cela fait trente-cinq ans que j’écris des pièces qui ne parlent que du Liban et qui n’y sont quasiment jamais présentées, trente-cinq ans qu’on me dit qu’il faut que les Libanais voient mon travail et que cela n’arrive pas. Une fois de plus ou de moins, qu’est-ce que ça change ? »

Quelques semaines après son retour précipité, l’artiste balance entre ironie et fatalisme : « Lorsqu’on me reproche de programmer un artiste israélien comme Gitaï à La Colline, je ne peux que répondre : si vous vouliez que je continue à penser comme un Libanais vivant au Liban, vous auriez mieux fait de ne pas faire la guerre parce que, alors, je ne serais pas parti et je n’aurais pas découvert d’autres cultures et d’autres manières de penser. Les voilà les fruits de l’exil. »

C’est de cet exil que le dramaturge écrit des pièces de théâtre dans lesquelles il creuse sans relâche l’histoire de sa patrie, sans craindre de la passer au crible de sa critique. C’est du Québec qu’à l’âge de 23 ans il rédige une première version de Journée de noces chez les Cromagnons, récit d’un mariage improbable qui se prépare sous un déluge de bombes. Et c’est de la France qu’il signe, dans Libération, le 9 novembre 2023, une tribune appelant à ne pas tomber dans le piège de l’antisémitisme tendu (dit-il), le 7 octobre 2023, par le Hamas.

Contexte épidermique

« Son discours a été mal reçu au Liban où toutes les formes de résistance, même armées, à Israël, un Etat d’occupation, colonisateur et dominateur, sont justifiées pour une grande partie de la population, témoigne Rita Bassil, écrivaine et journaliste résidant à Beyrouth. Si la polémique autour de Journée de noces a déchaîné les passions et divisé le milieu culturel, c’est parce que chacun, ici, n’en revient pas de ce qui se passe à Gaza. Le monde continue à tourner, et les Libanais sont en larmes à la vue des enfants qui meurent sous les bombes. Les gens ne comprennent pas l’impunité dont bénéficie Israël. Il faut prendre cette réalité en considération. Elle explique pourquoi un boycott, qui était à l’origine pacifique, s’est achevé devant les tribunaux militaires. »

Dans un contexte épidermique, la parole d’un exilé n’est pas audible. D’autant moins lorsqu’elle se refuse à la radicalité : « Obéir à l’injonction qui implique de choisir un camp contre un autre est beaucoup plus simple que de cultiver la nuance, déplore le dramaturge. Face à une pensée libanaise dogmatique, les tentatives de distinction ne pèsent pas lourd. Si j’affirme ne pas confondre le Hamas avec la population palestinienne, si je dis ne pas amalgamer le gouvernement israélien et les Israéliens, ma journée va être longue et rude. Nous nous heurtons actuellement à l’incapacité qu’a ce pays à accepter que l’autre pense différemment. »

Cet apprentissage d’une pensée différente, les acteurs présents dans Journée de noces chez les Cromagnons l’ont effectué vaille que vaille : « Nous nous sommes tous posé des questions », souligne Aïda Sabra. Ils ont malgré tout choisi de poursuivre l’aventure. « L’art de Wajdi vient d’une douleur et d’une souffrance, il n’a même pas pu s’en expliquer au Liban », regrette Aly Harkous, 21 ans. « Les gens qui l’accusaient n’ont pas lu sa pièce », renchérit Layal Ghossain, 27 ans, qui a mis ses doutes de côté : « Face aux accusations de normalisation, je me suis d’abord dit que je ne voulais pas travailler avec lui. »

Goût pour la transgression

Ces deux jeunes acteurs habitent au pays du Cèdre. S’ils n’ont pas subi la guerre civile (1975-1990) de plein fouet, ils se méfient des traces qu’elle a laissées dans le peuple : « Nous savons la violence qui s’est exercée. A nous de ne pas marcher dans ses pas et de lui préférer la culture », s’exclament-ils sous le regard de leur aînée.

A 61 ans, Aïda Sabra ne transige pas avec ses convictions : « Israël est l’ennemi, point à la ligne. » Est-ce une raison pour se désolidariser de Wajdi Mouawad ? Certainement pas. « J’ai vécu l’invasion israélienne. Je ne peux pas accepter les agissements de ce pays, mais il faut les confronter sur tous les fronts. Pas seulement par la guerre mais par l’art. Le théâtre de Wajdi est un laboratoire qui laisse toutes les idées s’exprimer. Parce que l’artiste est plus humain et sait être clairvoyant, il peut avoir la solution à tous les problèmes. »

Fine connaisseuse de l’œuvre de Wajdi Mouawad dont elle apprécie le théâtre, Rita Bassil rappelle le goût de l’auteur pour la transgression. « Il ne la pratique pas au sens freudien, mais sophocléen du terme. Il était évident qu’à un moment donné il allait s’approcher de l’“ennemi” israélien. Sa pièce, Tous des oiseaux, a beau avoir été perçue comme propalestinienne, le propos qu’elle contient et développe ne l’a pas emporté face aux accusations de financement. A un moment moins dramatique du conflit israélo-palestinien, il aurait sans doute été épaulé par cette élite intellectuelle et raffinée qui, aujourd’hui, le condamne et, ce faisant, passe pour extrémiste alors qu’en réalité elle ne l’est pas. »

Journée de noces chez les Cromagnons, tragi-comédie au goût de sang et de fête mêlés, naîtra sur la scène du Printemps des comédiens, à Montpellier. L’auteur a payé d’un exil de plus sa liberté de penser. Mais il n’en démord pas : « Je continuerai à parler de cette terre que j’aime et de cette guerre que je n’aime pas. C’est mon rôle. »

« Journée de noces chez les Cromagnons ». Texte et mise en scène : Wajdi Mouawad. Avec Fadi Abi Samra, Jean Destrem, Layal Ghossain, Aly Harkous, Bernadette Houdeib, Aïda Sabra. Printemps des comédiens, à Montpellier. Du 7 au 9 juin. Reprise au Théâtre national de la Colline à Paris du 29 avril au 22 juin 2025.

(traduction des comédiens libanais assurée par Odette Makhlouf)

Joëlle Gayot / LE MONDE

Tribune publiée par Libération le 9 novembre 2023

Le dramaturge libano-québécois, directeur du Théâtre de La Colline, appelle à ne pas tomber dans le piège tendu depuis le 7 octobre par l’esprit destructeur du Hamas qui veut faire en sorte que «l’après» soit avant tout la haine du Juif.

par Wajdi Mouawad, auteur libano-québécois et directeur du théâtre de la Colline

Cela vient à peine de commencer et il nous faut déjà «panser» l’après. Un après qui, au rythme où vont les choses, nous arrivera aussi meurtri que l’effroyable 7 octobre dernier. «Panser» l’après, c’est se préparer à accueillir quelque chose dont nous ignorons encore tout, c’est tenter de soigner un temps pas encore arrivé, pour que, défait de ses pulsions de meurtres, il puisse être un réel après.

La volonté des gouvernements qui nous dirigent tout comme leurs enjeux géopolitiques échappent à notre volonté. Et si nous pouvons nous exprimer, nous ne pouvons pas, sur un temps court, agir sur les événements qui nous impactent et cette incapacité, à partir du moment où la question de l’action se pose, crée chez chacun un insupportable sentiment d’impuissance.

Qu’y puis-je, moi, contre le Hamas ? Qu’y puis-je contre la frange suprémaciste du gouvernement israélien ? Qu’y puis-je contre le Hezbollah ? Qu’y puis-je contre le gouvernement iranien ? Qu’y puis-je contre la politique américaine au Moyen-Orient ? Qu’y puis-je contre le cynisme sanglant de Vladimir Poutine ? Qu’y puis-je contre la zizanie qui mine la communauté européenne ? Qu’y puis-je contre l’opportunisme de Xi Jinping ? Peut-être que la question ne devrait pas se poser en ces termes et au lieu de viser ce qui est hors de ma portée, rapprocher la cible et me demander : «Sur quoi suis-je capable d’agir ?»

A cette question la réponse la plus concrète est aussi la plus simple : sur moi. Je peux commencer par agir sur moi et me demander, à l’aune de la situation, qui suis-je réellement. Qu’est-ce que cette situation est en train de faire de moi ? Comment est-elle en train de me transformer ? Comment me révèle-t-elle à moi-même ? Qu’est-ce qu’elle dit sur ce que je suis et sur ce que je crois être ? Quel est l’œdème qu’elle met en lumière et qui menace mon cerveau ?

Si «panser» dès à présent l’après c’est faire en sorte que ce qui l’a précédé ne se reproduise plus, alors un changement drastique incombe à chacun. Il ne suffit pas de dire que les autres, Israéliens ou Palestiniens, doivent changer, mais reconnaître que quelque chose en moi doit se transformer. Pour de bon. C’est la somme de la transformation de chacun qui fera en sorte que cet après en sera un.

Une fleur immortelle et indéracinable : la détestation

Né au Liban en 1968 au sein d’une famille chrétienne maronite, je n’ai nullement manqué d’amour. Mes parents ont tout sacrifié pour moi, fuyant la guerre civile libanaise dans le seul but de me permettre d’étudier sereinement. Mais, du fait de l’ignorance et des préjugés ; du fait, aussi, que le Liban a vécu cinq siècles sous le joug ottoman obligeant chaque confession à se refermer sur elle-même, du fait de paramètres autant historiques qu’intimes, mes parents, en plus de l’amour et l’affection, ont aussi planté en moi la graine d’une fleur immortelle et indéracinable : la détestation. Et dès mon plus jeune âge j’ai su détester ceux qui n’étaient pas de mon clan. A l’âge de huit ans, j’ai dansé à l’annonce de la mort du chef druze Kamal Joumblatt et en septembre 82 j’ai considéré qu’après l’assassinat de Bachir Gemayel [trois semaines après son élection à la présidence du pays, ndlr], les civils palestiniens des camps de Sabra et Chatila, massacrés par les miliciens chrétiens, n’avaient eu que ce qu’ils méritaient.

Je n’ai pas eu à apprendre à détester : je détestais par héritage. Et si je détestais consciemment, heureux de détester, heureux de haïr, je n’avais pas conscience de combien j’étais esclave de cette détestation car ma haine était viscérale et, ne m’animant pas de manière intelligible, je n’avais aucun moyen de l’interroger. Car cette détestation vient de loin et se transmet de génération en génération. En prendre conscience est difficile, comme il est difficile à celui qui porte un sac à dos vide de sentir le poids s’additionner si, de jour en jour, quelqu’un y déposait un caillou. Le poids augmente sans que l’on s’en aperçoive. Ainsi en est-il de cette détestation. Elle pousse à notre insu, grandit, fait des ramures, s’enracine à jamais, s’intrique tant à notre identité que l’on finit par élaborer des schémas de pensée pour la légitimer, nous transformant par la même occasion en victime éternelle.

Paradoxalement, il a fallu la guerre, l’exil, la découverte d’une autre langue, la découverte de l’art, la qualité de certains professeurs (Gérard Pouchain, Sylvette Montale, Philippe Guettier, soyez ici éternellement remerciés) ; il a fallu l’amitié, la mort de ma mère, Sophocle, Kafka, François Ismert, le théâtre, des voyages, des mots, des poèmes, des histoires d’amour, pour que je prenne conscience de sa présence. Elle m’est apparue dans toute son horreur, sorte d’épiphanie impitoyable et, réalisant ma monstruosité, j’ai voulu l’arracher de moi. Mais la détestation plantée dès la naissance ne se déracine pas. C’est une plante immortelle, imbriquée à jamais et, chez qui elle a été semée, elle demeure. Me découvrant une terre propice à sa floraison, je ne pouvais plus me fier à moi-même, je ne pouvais plus présumer de moi. Je me devais à jamais de monter la garde, faire preuve de prudence et m’assurer constamment que rien n’allait ni la nourrir ni l’abreuver car si on ne peut pas s’en débarrasser, on peut cependant l’isoler, la mettre sous verre, cesser de nourrir sa terre, travailler jour après jour à l’assécher pour l’empêcher de fleurir.

Mais pour y parvenir, il faut commencer par ne plus nier sa présence et, au contraire, l’assumer. Se souvenir que tout fleuve a un marécage qui le tient en santé. Marécage où vont se déposer les poisons et les pollutions qui pourraient le tuer. Si c’est vrai des fleuves, c’est vrai aussi des humains. Cette plante de la détestation est mon marécage où se dépose tout ce qui est nauséabond chez moi. Ma responsabilité consiste alors à empêcher le débordement du marécage, l’empêcher, par des digues fortes, d’envahir mon esprit, putrifiant mon lien au monde. Cette responsabilité, ces digues, cette vigilance, sont ce que j’appelle effort d’empathie, d’humanité, de sensibilité et d’amour.

Volontés inhumaines

Delphine Horvilleur [rabbin et philosophe, ndlr] m’a fait remarquer qu’une image biblique qui pourrait correspondre à celle du marécage pourrait être celle de l’arbre de la vie du jardin d’Eden. Pourquoi au paradis fallait-il un arbre interdit ? Justement pour rappeler que le mal n’est pas séparé de la vie, rappeler la vigilance constante que nous devons avoir face à sa présence. En ce sens, ce n’est pas le marécage qui est mauvais : il rend puissant le fleuve ; ce ne sont pas les sentiments que nous éprouvons qui sont mauvais : ils nous apprennent à les dépasser ; c’est le fait de nous laisser aller à leur bestialité qui est mauvais.

Or, si la plante de la détestation a la capacité de donner des fleurs de haines multiples, chacune déployant un parfum différent envers un groupe différent à haïr (musulman, noir, homosexuel), il se trouve qu’une des fleurs qui se déploie le plus aisément en nos contrées et qui dégage le parfum le plus envahissant, est la fleur de l’antisémitisme. Je l’ai observée partout où j’ai vécu. Au Moyen-Orient, en Europe, en Amérique du Nord. Un instant de distraction et la voilà qui refleurit. Tous les clichés qui incombent à cette détestation sont au fond de nous. Il est si aisé de détester le Juif. C’est un peuple d’une commodité extraordinaire. Tout est de sa faute. Maux passés, maux présents, et même maux futurs, il est x dans l’équation de nos frustrations, l’inconnue qui s’accorde comme on veut à nos haines.

A l’heure où les images de Gaza nous parviennent dans toute leur violence, où les morts se comptent par milliers, à l’heure où la colonisation de la Cisjordanie se poursuit, que des volontés inhumaines issues du pire de l’extrême droite ont droit de parole dans un gouvernement israélien ouvertement raciste et pour qui la brutalité militaire est la seule réponse possible, à l’heure où des forces d’une obscurité folle travaillent des deux côtés pour empêcher le moindre espoir, où les empathies vont vers les civils palestiniens mais où la mémoire des victimes israéliennes du 7 octobre est en train de se diluer et que les otages ne sont plus, pour l’opinion publique, qu’un détail secondaire, il est vital de voir le piège dans lequel nous jette le Hamas en nourrissant et abreuvant la plante de la détestation faisant fleurir partout l’antisémitisme. Deux mille ans d’un christianisme dont une partie de la propagande consistait à répéter que les Juifs ont assassiné le Christ nous ont formatés pour en être une terre fertile. Cela l’Europe le sait bien.

Jamais la fleur de l’antisémitisme n’aura été si bien nourrie

Ce qui se passe à Gaza est monstrueux. Il faut que les bombardements cessent, que les morts cessent, que les otages soient libérés. Il faut trouver comment faire pour que le Hamas ne puisse pas recommencer son ouvrage de destruction, lui qui n’a de cesse d’affirmer qu’il recommencera. Il faut trouver une autre voie à la justice qui ne soit pas celle de la destruction dont les Palestiniens depuis si longtemps paient un effroyable prix. Il faut que le gouvernement israélien accepte de s’intégrer en intégrant les Palestiniens et les pays arabes dans cette bataille contre le Hamas et qu’il cesse de croire qu’Israël seul contre tous peut assurer sa survie. Mais pour que tout cela advienne je n’ai, pour ma part, que des vœux. Par contre, je sais que jamais la fleur de l’antisémitisme n’aura été si bien nourrie, si bien arrosée par les images qui nous proviennent d’Israël et de Gaza, jamais depuis longtemps elle n’aura été aussi opulente. L’islamophobie gronde partout en France et c’est une lèpre aussi dévastatrice que l’est toute forme de détestation. Un constat pourtant s’impose. Bien des personnes à qui l’ont dit «antisémitisme» répondent avec raison «oui, mais il ne faut pas faire l’impasse de l’islamophobie», et ils ont absolument raison. Mais lorsqu’on dit «islamophobie», la plupart d’entre nous qui ne sommes pas juifs n’avons pas le réflexe de dire «oui, mais il ne faut pas faire l’impasse de l’antisémitisme». Cette petite différence est un des symptômes du danger qui nous guette.

Je dois, à la lecture de l’actualité de chaque jour, ériger en moi des digues de plus en plus hautes pour empêcher le débordement du marécage. Or c’est précisément là que se trouve le piège tendu depuis le 7 octobre par l’esprit destructeur du Hamas : faire en sorte que l’après soit avant tout antisémite. Que l’après soit un tombeau pour tout Juif où qu’il se trouve. Que l’après soit un temps où chaque Juif vive dans l’effroi, terrorisé, viscéralement méfiant envers le monde. Que l’après soit une autre forme de diaspora. Que l’après soit synonyme d’exil pour tout Juif. C’est contre ce piège que nous devons lutter, chacun. A cet endroit il est possible d’agir : prendre conscience de ce que la situation tente de faire de moi, lutter contre elle, faire en sorte que le marécage ne déborde pas et par tous les moyens assécher la plante de la détestation pour espérer que les prochaines générations, sans doute encore lointaines, parviennent un jour à couper le fil macabre de sa transmission.

Texte publié sur le site du Théâtre national de la Colline - 16 octobre 2023

Au cours des dernières années, La Colline a eu la chance d’accueillir régulièrement des artistes iraniens, israéliens, libanais, palestiniens, syriens, animés par l’amour des mots, la puissance de l’esprit, la volonté de partager et de témoigner du monde.

De Tous des oiseaux à House, de Salman Rushdie à Amos Gitaï, de Aïda Sabra, Leora Rivlin, Jalal Altawil à David Grossman, la question de l’Autre, de l’ « ennemi » et du dialogue nécessaire n’a eu de cesse d’être au centre de nos réflexions.

Une semaine après les massacres de civils israéliens, perpétrés par les miliciens du Hamas dont l’organisation ne cherche rien de moins que la destruction d’Israël, massacres qui renvoient, par leur cruauté, autant à ceux du Rwanda qu’à ceux de Sabra et Chatila, qu’à ceux des pires pogroms et qui s’inscrivent dans la longue liste des obscurités, celles des massacres des Amérindiens comme ceux de Srebrenica que ceux de mars 2022 de la ville de Boutcha par les militaires russes sur les civils ukrainiens, qu’à tant d’autres si longs à énumérer ici, massacres où, toujours, enfants, femmes, hommes, vieillards, sont assassinés, avec la préméditation et l’intention de les assassiner, une semaine donc après ces massacres que rien ne peut ni justifier, ni excuser, et que rien ne peut contextualiser - car aucun massacre de ce genre, jamais ne peut, ni ne doit se contextualiser - l’effort de réfléchir à la manière de rester humain dans une situation inhumaine s’impose à nous avec une violence folle. Nous voici face à ce que la barbarie exige de dépassement pour continuer à créer des espaces où les « ennemis » peuvent encore dialoguer et faire entendre ensemble une voie, même infiniment petite, qui ne soit pas celle de la haine.

Le théâtre peut en ce sens être cet espace.

Alors que les civils palestiniens de Gaza, aujourd’hui, à leur tour meurent et mourront sous les bombes israéliennes comme ils meurent déjà depuis trop longtemps dans le manque de dignité, d’espoir, de reconnaissance d’être un peuple, qu’ils meurent dans l’attente d’un État que bien des forces contraires s’entêtent à leur dénier, qui meurent depuis si longtemps dans l’impossibilité de rêver, de partager, d’être dans le monde, dans l’égarement de leur terre, spoliée par la colonisation meurtrière dans l’indifférence presque totale, aujourd’hui donc que la violence qui va s’exercer sur eux sera impitoyable par la volonté politique d’un gouvernement israélien d’extrême-droite aussi impitoyable que raciste, impitoyable parce que raciste, irresponsable devant l’avenir, face à cette vague immense de haine, La Colline, comme bien d’autres à travers le monde, goutte d’eau à contre-courant, tâchera de participer à recoudre la trame de l’espoir, mille fois déchirée, mille fois déchiquetée, mise en lambeaux. Participer en tentant de continuer à être un espace de rencontre et de dialogue, par l’art, entre acteurs, artistes, techniciens et spectateurs, participer, du moins en ne participant pas à ajouter haine et fragmentation à toute la haine et toute la fragmentation que le sang versé ne manquera pas de décupler, préparant à son tour d’autres massacres dans l’addition des malheurs.

Wajdi Mouawad

16 octobre 2023

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 13 nov. 2022

La nouvelle création du metteur en scène libano-québécois fait un triomphe au Théâtre de la Colline, à Paris

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2022/11/13/racine-carree-du-verbe-etre-de-wajdi-mouawad-une-piece-a-l-efficacite-indiscutable-mais-qui-n-evite-pas-les-cliches_6149676_3246.html

La critique est un exercice solitaire. On le ressent plus que jamais quand une œuvre rencontre un public enthousiaste mais vous laisse, en tant que journaliste, totalement sur le bas-côté de la route, incapable de vous agglomérer à l’élan collectif. Ainsi en a-t-il été, pour nous, avec Racine carrée du verbe être, la nouvelle création de Wajdi Mouawad, le directeur du Théâtre de la Colline, à Paris. Le spectacle dure six heures, à voir en version intégrale, le week-end, ou en deux parties, en semaine. Et il triomphe, avec un public qui se lève comme un seul homme à l’issue des représentations.

Avec cette pièce fleuve, l’auteur libano-québécois revient aux racines de sa vie et de son œuvre : le Liban, la guerre, l’exil, la question de la filiation et celle de l’identité. Tout part de sa propre histoire, lui qui a dû quitter le Liban à l’âge de 9 ans, en 1978, avec sa famille, pour venir vivre en France d’abord, puis au Québec. A partir de là, Wajdi Mouawad s’invente une série d’avatars, avec pour matrice métaphorique cette constante mathématique qui fait de la racine carrée de 2 un nombre irrationnel, possédant un nombre infini de chiffres après la virgule.

De ces infinis possibles, il extrait cinq projections de lui-même, de ce qu’il aurait pu devenir, au gré des grains semés par le hasard. Son premier double est un neurochirurgien italien, homme détestable qui a abandonné ses enfants et passe sa vie dans des hôtels de luxe avec de jeunes prostituées. Le deuxième, un chauffeur de taxi parisien, qui se retrouve à accompagner un botaniste à la Gilles Clément et de jeunes activistes écologiques dans leur combat. Le troisième a les traits d’un plasticien québécois, homosexuel et misanthrope, confronté à une polémique sur l’une de ses œuvres. Le quatrième, qui a une boutique de vêtements à Beyrouth, se retrouve pris dans le chaos de l’explosion du 4 août 2020 dans la capitale libanaise. Le cinquième, enfin, attend son exécution dans le couloir de la mort d’une prison texane, après avoir assassiné un couple vingt ans auparavant.

Rhétorique du pardon

On voit par là que Wajdi Mouawad embrasse bien des sujets de ce qui fait notre monde. La construction de sa pièce est tout à fait virtuose, l’exercice mathématique parfaitement exécuté, avec ces cinq histoires en parallèle qui finissent par se mêler et se développer de manière rhizomateuse. Idem pour la mise en scène qui, aidée par la scénographie mobile d’Emmanuel Clolus, passe d’un univers à l’autre avec fluidité.

Le trait est souvent un peu gros, dans ce spectacle qui n’évite pas les clichés

Le problème, c’est ce que les personnages, auxquels on n’a pas le temps de s’attacher par ailleurs, et les situations nous disent. Et là, de même que sur la direction d’acteurs, Wajdi Mouawad ne fait pas toujours dans la dentelle. Le trait est souvent un peu gros, dans ce spectacle qui n’évite pas les clichés. Ainsi les mères ont tendance à être forcément hystériques, les sœurs forcément dévouées − c’est leur rôle, n’est-ce pas ? −, les artistes forcément torturés, et les enfants dont les parents ont été massacrés forcément remplis d’empathie pour leurs meurtriers. La rhétorique du pardon développée dans le spectacle, provenant d’un substrat chrétien sans doute, apparaît bien naïve au regard de la réflexion autrement plus complexe sur la justice traditionnellement proposée par la tragédie depuis les Grecs.

Que dire aussi de la représentation − toujours délicate au théâtre − hyperréaliste et appuyée des scènes de sexe, de l’insistance un peu gênante dans la manière de montrer la violence à l’égard des femmes ? Que dire, encore, du « viol » (le mot ici est-il bien employé ?) d’un père par sa fille, tel qu’il est mis en scène ? Wajdi Mouawad semble avoir oublié l’existence de la métaphore et du mystère, qu’il maniait si bien dans sa trilogie composée de Littoral, Incendies et Forêts.

La dimension métaphorique est prise en charge par les mathématiques, mais, au-delà de cet affichage brandi en étendard, elle apparaît comme assez gratuite, un habillage chic, une caution intellectuelle. Du côté des acteurs, on est également partagé tant certains d’entre eux surlignent leur jeu. Jérôme Kircher, qui partage l’incarnation de ses avatars avec Wajdi Mouawad lui-même, et Norah Krief sont formidables. Et dans la jeune garde éclatent les talents de Jade Fortineau, Jérémie Galiana, Julie Julien et Maxime Le Gac Olanié.

Racine carrée finit par apparaître comme une machine théâtrale d’une efficacité indiscutable, mais où, malgré les qualités de la pièce, l’émotion, à force d’être convoquée comme si elle était une obligation, peut décider d’aller se faire voir ailleurs, dans des biotopes où on l’aura laissée s’épanouir avec plus de délicatesse.

Racine carrée du verbe être, de et par Wajdi Mouawad. Théâtre national de la Colline, 15, rue Malte-Brun, Paris 20e. Tél. : 01-44-62-52-52. En version intégrale ou en deux parties, jusqu’au 30 décembre.

Fabienne Darge

Légende photo : 
« Racine carrée du verbe être », de et par Wajdi Mouawad, au Théâtre national de la Colline, à Paris, le 3 octobre 2022. SIMON GOSSELIN

Par Brigitte Salino dans Le Monde 22/12/21

Légende photo : Aïda Sabra dans « Mère » au Théâtre de la colline, à Paris, en novembre 2021. TUONG VIN GUYEN

La comédienne libanaise joue le rôle-titre du nouveau spectacle de Wajdi Mouawad, « Mère », troisième volet du cycle que le dramaturge consacre à sa famille.

La scène se passe dans un bus, à Montréal, au début des années 1990. Un homme aborde Aïda Sabra. Ils entament une conversation, elle lui dit qu’elle est libanaise, comédienne. L’homme lui parle de Wajdi Mouawad, dont le nom commence à circuler, et lui donne son numéro de téléphone – peut-être pourrait-elle travailler avec lui ? « J’ai gardé le numéro, mais je n’ai pas osé appeler », dit Aïda Sabra. C’est Wajdi Mouawad qui l’a appelée. Trente ans plus tard, il lui a demandé de jouer sa mère. Sans connaître, évidemment, l’histoire du numéro de téléphone qu’Aïda Sabra raconte un après-midi, au Théâtre de la Colline, à Paris, où elle est fabuleuse dans Mère, le troisième volet du cycle que Wajdi Mouawad consacre à sa famille, après Seuls, et Soeurs.

C’est une mère qui n’en peut plus. Déchirée d’angoisse, exilée du Liban en proie à la guerre civile, elle vit à Paris avec ses trois enfants, dans un appartement du 15e arrondissement. Son mari est resté à Beyrouth pour gagner de l’argent, elle n’arrive pas à le joindre, les lignes téléphoniques sont sans cesse coupées. Elle trouve les Parisiens méchants, elle s’emporte contre ses enfants, se noie dans le ménage, la cuisine, les cris et les injures. Et quelles injures ! D’une grossièreté telle qu’elle en devient céleste, elles éclatent comme les bombes qui tombent sur Beyrouth, et envahissent l’écran de la télévision, à l’heure du journal présenté par Christine Ockrent, qui joue son propre rôle dans le spectacle. « Je suis en ruine », hurle cette mère incapable de tendresse envers ses enfants, détruite par la guerre qui détruit sa vie, et désespérément accrochée à l’espoir d’un retour au Liban. Il n’y en aura pas. Et la France refusera, au bout de cinq ans, de renouveler les visas, poussant la famille à partir pour Montréal.

« Je suis en ruine »

Ces cinq années, Wajdi Mouawad les a vécues de 1978 à 1983. Sa mère est morte le 17 décembre 1987 à Montréal, et « je n’ai plus pleuré depuis », avoue-t-il au début du spectacle, auquel il participe. Il se tient sur le plateau, déplace les meubles, écoute les uns et les autres. Naji, le frère aîné n’apparaît pas, on devine sa présence hors du salon où tout se joue entre sa sœur, Nayla, lui-même enfant, la mère, et Christine Ockrent qui sort de l’image de la télévision et les rejoint. Nous sommes au théâtre, Wajdi Mouawad ne cherche pas la vérité, sinon celle du souvenir, de ses cicatrices et de ses repères – les oiseaux de Folon, Goldorak, les chansons d’Adamo, de Gainsbourg ou de Pierre Bachelet sont de la partie, au même titre que le téléphone et la nourriture.

Cette vie, Aïda Sabra sait ce qu’il en est, de l’intérieur. Elle l’a vécue, semblable et différente. Quelques années la séparent de Wajdi Mouawad. Tous les deux sont nés dans les années 1960, dans une famille chrétienne-maronite, pour lui, musulmane, pour elle. « Mais on peut dire que j’ai été élevée dans une famille laïque », explique cette femme délicate et attentionnée. « Mon père et mes oncles, commerçants, travaillaient avec des commerçants de toutes les religions. J’ai été dans une école de sœurs, mes parents jeûnaient pendant le ramadan, mais ne me laissaient pas jeûner, on fêtait Noël, il y avait beaucoup de mariages mixtes, et, même pendant la guerre, mes parents ont gardé leurs relations avec leurs amis d’autres religions. »

La famille habitait près de la ligne de démarcation. Plusieurs fois, elle a quitté Beyrouth, pour se protéger des bombardements, et elle est venue quelques mois en France, à Villeurbanne. En 1988, Aïda Sabra épouse un chrétien. Formée à la danse et au théâtre, elle joue avec des figures du théâtre libanais, comme Roger Assaf, et participe au festival de Damas, qui la récompense à deux reprises. En 1990, elle part pour Montréal avec son mari, qui a perdu son travail à Beyrouth. « Il y avait beaucoup de bombardements, on était jeunes mariés, on voulait vivre. » Aïda Sabra espère poursuivre sa carrière artistique. Elle déchante. A une audition pour une troupe de danse, on lui demande si elle est musulmane ou chrétienne. « Ça a un rapport avec mon engagement ? » , rétorque-t-elle. Lors d’une autre audition, on lui fait remarquer qu’on préfère engager des Québecois plutôt que des immigrés. « J’ai enseigné dans une école maternelle, ce n’était pas ce que je voulais faire. Et je voulais revenir au Liban, parce que je croyais que la situation allait s’arranger. »

Retour à Beyrouth

En 1994, Aïda Sabra et son mari retournent à Beyrouth, avec leur jeune fils. Elle joue beaucoup, écrit des pièces sur la condition des femmes, l’état de son pays. Son mari travaille au journal Al-Hayat, un second fils naît. Mais, peu à peu, la situation se dégrade. « Quand tu quittes un pays, puis que tu y reviens, explique Aïda Sabra, tu perçois les choses d’une autre manière. J’ai vu les mentalités changer, j’ai senti s’aggraver une déchirure entre les gens. » Le travail se fait plus rare, Al-Hayat cesse de paraître, un nouveau départ s’impose.

En juin 2020, retour à Montréal, où la naturalisation et l’expérience rendent désormais la vie plus facile à Aïda Sabra et à sa famille. C’est là que Wajdi Mouawad l’a appelée.  « Je cherchais une comédienne libanaise d’une cinquantaine d’années, mais je n’en connaissais pas. On m’a envoyé trois photos. J’ai choisi Aïda parce qu’elle a quelque chose de terrien, et que j’ai reconnu quelque chose de ma mère dans son visage. Je ne savais pas qu’elle était très populaire au Liban. Ma sœur m’a dit : “C’est Catherine Deneuve !” En travaillant avec elle, j’ai découvert une machine de guerre : elle a une puissance émotive inépuisable. Elle vient du même milieu que ma mère, elle m’a permis de comprendre des choses sur elle que je ne comprenais pas. »

Mère, de et mis en scène par Wajdi Mouawad. Avec Odette Makhlouf, Wajdi Mouawad, Christine Ockrent, Aïda Sabra, Emmanuel Abboud, Théo Akiki, Dany Aridi, Augustin Maîtrehenry (Wajdi enfant, en alternance). théâtre national de la Colline, 15, rue Malte-Brun, Paris 20e. Tél. : 01-44-62-52-52. De 8 euros à 30 euros. Durée : 2 h 10. Jusqu’au 30 décembre.

Brigitte Salino

Par Philippe Chevilley dans Les Echos - 24/11/2021

Avec ce nouveau volet de son cycle « domestique », Wajdi Mouawad signe une de ses pièces parmi les plus tendres et les plus belles. Un manifeste humaniste entre rires et larmes, porté par des comédiennes libanaises magnifiques et une surprenante Christine Ockrent en messagère de guerre.

Par Mireille Davidovici dans Théâtre du blog - 15/11/2020

    Le Fil d’Ariane du Théâtre de la Colline  

Face à la coupure  que représente ce deuxième confinement pour tout citoyen et, en particulier, pour les artistes privés de contact avec le public, Wajdi Mouawad entend garder un lien avec lui. Il a donc imaginé plusieurs dispositifs ludiques aux titres attrayants Après les Poissons pilotes qui ont accompagné le premier confinement (voir Le Théâtre du Blog). Familier de la mythologie, il reprend la figure d’Ariane guidant Thésée hors du Labyrinthe. Il file ainsi la métaphore dans un manifeste poétique : « Si le sens est un horizon, voilà que sa ligne semble s’être défaite de son sillon et, voilà qu’elle se relâche brutalement et sous le choc, s’emberlificotant, se tortillant, s’entortillant autour de nous, elle est devenue labyrinthe, dédale. Perdant toute possibilité de rêver le temps, de rêver le futur, l’horizon nous tient désormais prisonnier. » 

Le metteur en scène et dramaturge déplore la situation mais n’abandonne pas pour autant le terrain, qu’il veut collectif : « Personne ne saurait lutter seul contre l’incertitude. Il faut alors avancer ensemble. Chacun devenant l’appui de l’autre dans un dédale dont nul ne connaît la superficie. Quand en sortirons-nous ? Nul ne peut répondre. Mais avancer chacun dans la capacité qui lui est propre. La nôtre, ici, consiste à être dans le récit, dans les histoires, dans le conte, dans l’oralité, dans la parole, dans la poésie de ce que parler veut dire.» Un combat par les textes, les mots, la poésie : « Avec la parole d’artistes et de spectateurs comme fil d’Ariane, (…) il s’agit de faire de La Colline, un métier à tisser engagé contre nos déchirures.» L’équipe du théâtre et de nombreux artistes associés ne manquent pas de ressources et reste à choisir entre des propositions de participation interactive à distance.

Comme écouter une émission hebdomadaire L’Autre horizon: un rendez-vous avec des artistes, en direct sur Facebook, tous les mardis soirs: « Depuis des pays différents, ils décrivent en temps réel, à celles et ceux qui écoutent, ce qu’ils voient depuis leur fenêtre, qu’elle soit réelle ou imaginaire ». Un cycle qui sera inauguré par Wajdi Mouawad, le 24 novembre à 21 h.

Participer à un récit collectif. Avec Bouche à oreille, on fait circuler par téléphone une histoire, inventée par Wajdi Mouawad. Un premier interlocuteur entend le texte et le transmet à un deuxième, qui le transmet à son tour… Les variations introduites par chacun constitueront un récit final qui sera restitué au théâtre. (A partir du 18 novembre). Il suffit de s’inscrire et d’attendre que le téléphone sonne…Dans le même esprit du jeu du cadavre exquis, il y a un récit fictionnel à plusieurs voix, en vidéo. A la manière des surréalistes qui l’inventèrent, chacun, artiste ou spectateur, doit poursuivre l’histoire à partir de la dernière image de son prédécesseur. Chaque fragment de vidéo sera diffusé sur les réseaux sociaux du lundi au vendredi; et le samedi, on pourra voir l’intégralité de l’histoire. A partir du lundi 23 novembre.

 Avec Poésie en boîtes, La Colline propose de recevoir dans notre boîte aux lettres une enveloppe contenant quelques lignes écrites à la main et choisies par de jeunes volontaires amis du théâtre. Des extraits de textes anciens ou contemporains qu’ils adressent à un destinataire inconnu. Le théâtre propose aussi des travaux manuels poétiques avec Papiers brodés : un puzzle géant de mots à assembler… Chaque participant recevra la poste un mot à broder accompagné d’un fil et d’une aiguille. Les deux cent premiers brodeurs et brodeuses seront invités à la Colline pour assembler chaque mot et faire renaître le texte.

La Parole Nochère : ce projet conçu par Wajdi Mouwad et la danseuse Kaori Ito autour de la mémoire des disparus, a dû être annulé mais se poursuit autrement. Par téléphone, les gens peuvent se confier à un artiste quand ils ont perdu un être cher. « Le nocher, dit Wajdi Mouawad, est le navigateur qui, sur sa barque, conduit un passager d’une rive à l’autre. Il est Charon, nocher de l’Hadès. Sa parole serait donc celle qui relie un monde à un autre et qui porte la mémoire de ceux et celles qui nous ont quittés. » (…) « Comment parler de la mort en dehors des statistiques ? Comment aider à faire son deuil ? C’est là une question qu’un théâtre doit se poser ? » Ces paroles, enregistrées sur un disque dur seront enterrées au troisième sous-sol sous la scène, «une présence radioactive au cœur du théâtre»  et ne pourront être exhumées qu’à l’été 2.520. Elles pourront aussi être dispersées, telles des cendres anonymes, depuis le toit du théâtre, lors d’une grande fête, après la levée des restrictions sanitaires. (à partir de samedi 21 novembre).

 En attendant, les artistes travaillent à huis-clos à maintenir le théâtre vivant !

 (à suivre)

 Mireille Davidovici

Théâtre de la Colline, 15 rue Malte-Brun, Paris (XX ème). T. 01 44 62 22 22

https://www.colline.fr/publics/le-fil-dariane

Publié dans Sceneweb

L’Association professionnelle de la critique théâtre, danse et musique a dévoilé ce matin son palmarès 2018 au théâtre Paris-Villette. Wajdi Mouawad, Gisèle Vienne, Andrew Skeels et Le Domino noir remportent les Grands Prix.

Palmarès Théâtre

Grands prix: Tous des Oiseaux de Wajdi Mouawad

Prix Laurent-Terzieff du théâtre privé: Seasonal Affective Disorder mise en scène par Lélio Plotton au Lucernaire

Prix Georges-Lerminier (du meilleur spectacle créé en province): Saïgon de Caroline Guiela Nguyen
Meilleur Comédien: Benjamin Laverhne dans Scapin
Meilleure Comédienne: Anouk Grinberg dans Un mois à la Campagne de Tourgueniev mis en scène par Alain Françon

Prix Jean-Jacques-Lerrant de la révélation: Pauline Bayle pour Iliade-Odyssée
Meilleur spectacle étranger: Tristesses d’Anne-Cécile Vandalem

Meilleure création d’éléments scéniques: Emmanuel Clolus pour Tous des Oiseaux
Meilleur musique: Vincent Cahay et Pierre Kissling pour Tristesse

Meilleure création d’une pièce en langue française: Les Ondes magnétiques de David Lescot au Vieux-Colombier

Meilleur livre sur le théâtre: Qu’ils crèvent les critiques ! de Jean-Pierre Léonardini

Palmarès Danse

Grand Prix : Find Now » d’Andrew Skeels (Théâtre de Suresnes) et Crowd de Gisèle Vienne

Meilleur interprète: Hofesh Shechter

Personnalité chorégraphique de l’année: Bruno Bouché, directeur du CNN/ballet de l’opéra du Rhin

Meilleure compagnie: le Ballet du Canada pour Nijinsky de John Neumeier

Palmarès Musique

Grand prix: Le Domino noir d’Auber (direction Patrick Davin/Mise en scène de Valérie Lesort et Christian Hecq) créé à l’Opéra-comique Prix Claude Rostand (Création en province): Werther de Massenet (direction : Jean-Marie Zeitouni/Mise en scène : Bruno Ravella) à l’Opéra National de Lorraine
Meilleure création musicale: Pinocchio (Boesmans/Pommerat), création au Festival d’Art Lyrique d’Aix en Provence
Personnalité musicale de l’année: le baryton, Stéphane Degout
Révélation, le chef d’orchestre Julien Masmondet

photo Simon Gosselin

Wilfrid apprenant la mort de son père, se met alors en quête d’un lieu de sépulture. Il ne sait pas encore qu’il se lance dans une aventure qui le mènera aux fondements même de sa propre existence.

Fouillant la mémoire et le passé, faisant se côtoyer les vivants et les morts, mêlant comédie et tragédie, cette pièce au souffle épique écrite par l’un de plus grands auteurs du répertoire contemporain sera portée sur scène par dix-huit comédiens professionnels et amateurs.

Littoral
De Wajdi Mouawad
Mise en scène et scénographie Simon Delétang
Collaboration artistique Jean-Philippe Albizzati
Lumières Jérémie Papin
Son Nicolas Lespagnol-Rizzi
Costumes Marie-Frédérique Fillon
Collaboration à la scénographie et accessoires Léa Gadbois-Lamer
Avec Ali Esmili, Roberto Jean, Mathilde-Edith Mennetrier, Emmanuel Noblet, Anthony Poupard, Simon Delétang et la troupe de comédiennes et comédiens amateurs ( constitution en cours)
durée 2 h 30 (avec entracte)

Théâtre du Peuple de Bussang
14 juillet > 25 août 2018 à 15h00