Revue de presse théâtre

ès le 6 juillet prochain, sous l’impulsion de son directeur, Olivier Py, le Festival d’Avignon s’arrimera au XXIe siècle en inscrivant les questions de genre au cœur de sa programmation. Ses scènes s’ouvriront ainsi à l’androgyne, au travesti, au transgenre. Rien de neuf sous le soleil, noteront les historiens. Et ils auront raison. Sauf que la manifestation entend mettre les points sur les i en portant le sujet au-delà de la sexualité. Le genre, affirme David Bobée qui met en scène, dans la Cité des papes, Mesdames, Messieurs et le reste du monde, un feuilleton quotidien dédié au thème, « est une clef de compréhension du monde et de l’humanité grâce à laquelle on peut tout traiter : le sexisme, le classisme et le racisme ».N’en déplaise à ceux qui voient dans le choix d’Olivier Py un recentrage dans le seul créneau des problématiques sexuelles, cette 72e édition s’empare du genre sur un plan philosophique, social et politique. Elle ne se contente pas de troubler le duo masculin-féminin, trouble auquel le spectacle vivant s’adonne, par ailleurs, depuis la nuit des temps.

Voilà en effet des millénaires que le théâtre bouscule l’idée selon laquelle l’homme et la femme ne seraient que le produit de leur sexe biologique. Thèse réductrice qu’Olivier Py réfute dans un sourire : « Ce qui fait que nous nous sentons homme ou femme n’a que très peu à voir avec ce que nous avons dans la culotte. » Parce qu’il tend une passerelle où se brouillent les frontières du masculin et du féminin, le théâtre bouleverse l’analyse des relations nouées de l’un à l’autre. Dans son ADN figure une longue tradition de travestissement qui ouvre les perspectives. « Le théâtre est le premier à nous rappeler que toute identité est un arc entre masculin et féminin. Le seul fait de voir des hommes jouer des femmes, ce qui a été le cas des tragédies grecques et shakespeariennes, était en soi un discours politique »,rappelle Py. Du temps des Grecs, l’acteur portait un masque et des costumes de couleurs vives pour interpréter les rôles féminins. Antigone, Electre, Iphigénie, les héroïnes tragiques sont nées dans la peau de virils comédiens. L’époque antique a des œillères : les femmes, rarement admises dans les théâtres, n’ont pas le droit d’y jouer. Ni dans l’Italie romaine, où on ne les tolère que comme danseuses ou mimes.

Quel paradoxe ! Alors que le travestissement témoigne, aujourd’hui, d’un coup de canif planté dans le clivage homme/femme, il doit ses origines à une mise au ban : « La femme grecque, première exclue de l’histoire du théâtre », relève ainsi la journaliste Chantal Aubry dans son ouvrage intitulé La Femme et le Travesti (éd. du Rouergue). Cette exclusion ne restera pas l’apanage des rives méditerranéennes. L’interdit frappe l’Angleterre élisabéthaine, où des hommes interprètent les Viola, Juliette, Ophélie à qui Shakespeare a donné corps. Il s’exerce avec une égale virulence en Orient, où le théâtre nô, bientôt rejoint par le kabuki, écarte les actrices de la scène japonaise dès le XVIIe siècle pour leur substituer des acteurs travestis triés sur le volet, héritiers d’emplois convoités qui se transmettent de dynastie en dynastie. Ces comédiens, que leur technique d’un raffinement inouï place au sommet de leur art, portent un nom. On les appelle les « onnagata ». Leur travail n’est pas d’imiter la femme mais de la recréer. Visage fardé de blanc, cils recourbés et lèvres peintes, ils incarnent la quintessence de la féminité. Considéré comme le plus grand travesti de son temps, Yoshizawa Ayame (1673-1729) écrivait de l’acteur : « S’il ne vit pas sa vie normale comme s’il était une femme, il ne lui sera pas possible d’être appelé un habile onnagata. »

L’histoire du théâtre prouve une porosité croissante au mélange des genres

Ces « hommes-femmes » (la formule est de Chantal Aubry) que n’effraie pas l’ambiguïté dans leur vie quotidienne ne sont pas les précurseurs des combats portés par les personnes LGBTQ (« lesbiennes, gay, bisexuelles, transgenres, queer »). Leur choix d’assumer à toute heure les codes féminins répond à des impératifs artistiques. Il n’empêche. L’histoire du théâtre prouve une porosité croissante au mélange des genres au point de faire de l’indifférenciation des sexes un postulat dramaturgique. « Il » et « elle » s’entrecroisent sous la plume des auteurs. Shakespeare, créant dans La Nuit des rois le rôle de Viola (une jeune femme qui échappe à la mort en se grimant en un homme prénommé Césario), est l’icône de fictions où féminin et masculin se percutent dans un vertige abyssal. La belle Olivia croit aimer Césario quand c’est en fait Viola qui est l’objet de ses soupirs. De l’autre côté de la Manche, quelques décennies plus tard, Marivaux use lui aussi de la mystification. A cette différence près que l’auteur de La Fausse Suivante, du Jeu de l’amour et du hasard ou du Prince travesti préfère intervertir les rôles des maîtres avec ceux des valets, des maîtresses avec ceux des soubrettes, plutôt que de substituer les filles aux garçons. A l’exception de sa pièce Le Triomphe de l’amour, le travesti chez Marivaux, écrit Chantal Aubry, « est un révélateur social ».

Ce ne sont plus seulement les acteurs qui se déguisent sur les plateaux. Les personnages eux-mêmes endossent les habits du sexe opposé ou du puissant qui les dirige. Le travestissement devient une donnée fictionnelle subversive. Entré dans la chair textuelle du théâtre, il n’en sortira plus. Cette confusion identitaire qui contamine héros et héroïnes sert de loupe pour observer de près les rapports de force entretenus entre les hommes et les femmes. Thomas Cepitelli, spécialiste des questions de genre au théâtre, observe : « Ce qu’il y a de formidable chez Shakespeare, c’est que l’héroïne se travestit en homme pour savoir. C’est-à-dire que le savoir est supposé se situer du côté du masculin. » Loin d’être un artifice qui suscite de plaisants quiproquos, le travestissement permet de déconstruire les logiques de pensée émises sans partage depuis les rivages mâles dominateurs. C’est un outil émancipateur, dont les actrices (autorisées à investir pleinement les plateaux aux abords du xviiie siècle) ne tardent pas à se saisir. Virginie Déjazet (1798-1875) revêt plusieurs fois le costume de Napoléon, Sarah Bernhardt (1844-1923) se glisse dans celui de Hamlet avant de jouer, en 1900, L’Aiglon, d’Edmond Rostand.

Le Festival 2018 s’engage auprès des féministes et des communautés LGBTQ

Un siècle et dix-huit ans plus tard, le travestissement est un classique du spectacle contemporain. On ne compte plus les artistes qui aiment franchir le gué : dans les années 1970, Jean-Claude Dreyfus se rebaptise Erna von Scratch pour les besoins des spectacles de transformistes du cabaret La Grande Eugène. Puis Alfredo Arias fait scandale en attribuant à un homme le rôle d’Eva Perón, pièce de son compatriote argentin Copi. Olivier Py enfile une robe de lamé et, depuis trente ans, promène Miss Knife, son double féminin. Michel Fau, tout de rose vêtu, se coule dans la peau d’une diva pathétique (Névrotik-Hôtel). Jonathan Capdevielle porte perruque blonde, talons hauts, minijupe dans son solo Adishatz. Du côté des femmes, la traversée est moins systématique, donc moins repérable. Pourtant, c’est en partie grâce à elles que se déploieront, demain, dans l’enceinte d’Avignon, ces fameuses questions de genre. « Ce que nous vivons est une des révolutions symboliques les plus importantes du siècle, affirme Olivier Py. Liée à la révolution féministe, elle signe la fin du patriarcat. » La fin du patriarcat, rien de moins ? Comme l’explique Thomas Cepitelli, « le monde s’est construit sur la binarité homme/femme, noir/blanc, juste/vrai, etc. Dire que les frontières sont poreuses entre les classes sociales, les sexes, et même au sein de nos vies avec nos corps qui vieillissent, c’est faire vaciller ce socle rassurant qui voudrait que se tiennent, d’un côté, les hommes ou les hétéros et, de l’autre, les femmes ou les homosexuels. Ne plus savoir où placer le curseur participe de la lutte contre la domination masculine patriarcale. »

L’enjeu du Festival 2018 est de taille : en affirmant, depuis ses scènes, que le genre résulte d’une construction culturelle, il croise le fer avec les normes hétérosexuelles. Et s’engage auprès des féministes et des communautés LGBTQ. Certains lui reprochent son militantisme ? C’est oublier que l’art fuit les normes comme la peste. Présente à Avignon, l’artiste transgenre Phia Ménard (ex-Philippe Ménard) veut en finir avec les cloisonnements : « Il s’agit d’affirmer que nous ne sommes que des êtres en perpétuelle transformation. Cet état de transformation nourrit le théâtre. En créant l’empathie avec le spectateur, il lui donne la possi­bilité de s’imaginer autre que ce à quoi on le destine. C’est une façon de s’interroger sur les modèles auxquels on nous demande de nous conformer. » En optant pour la transition, Phia Ménard a perdu le fait « d’appartenir au pouvoir dans le corps d’un homme ». Mais elle a trouvé mieux : l’accès à la « sororité ». Est-ce de là qu’elle tire cette sagesse mâtinée de bon sens ? « Je n’ai choisi ni mon sexe, ni ma couleur, ni d’être hétéro, homo ou trans. Dans ces conditions-là, il faut accepter que chacun se développe à sa manière et pour le bien de la société, plutôt que mettre l’individu dans une case où il cultivera son malaise. » Ces phrases, Phia Ménard les répète au public qui l’interroge sur sa transformation. Mais, elle ne s’en cache pas, si le spectateur est de plus en plus tolérant, « il faut encore de la pédagogie ». Or le théâtre, regrette Thomas Cepitelli, n’est pas à la pointe de la lutte.

« La littérature, par exemple Virginie Despentes, a beaucoup plus interrogé la question du “sexe social”, expression qui peut se substituer au mot “genre”. Seuls quelques spectacles l’ont abordée de manière poétique, intelligente et politique. C’était le cas de Gardenia, du Belge Alain Platel, dans lequel d’anciens acteurs travestis reprenaient le chemin de la scène pour raconter leur histoire. Ou de Regarde, maman, je danse, de Vanessa Van Durme, danseuse transgenre dont le monologue expliquait son choix de devenir une femme. » Il faut donc aller plus avant. Se souvenir de Jean Genet (1910-1986), qui avait écrit pour un homme le rôle de Madame dans sa pièce Les Bonnes. Invoquer Sarah Kane (1971-1999), dramaturge britannique dont le texte Purifiés donnait vie à une héroïne en transition sur fond de drame sanglant. Ouvrir les pages des fictions théâtrales à venir aux personnes LGBTQ sans que leur parcours rime avec tragédie, comme c’est encore trop souvent le cas. Normaliser des trajectoires de vie dont on espère qu’elles cesseront d’être ostracisées. « Peut-être que le Festival d’Avignon aidera à dire que ce n’est pas juste le fait de l’excentricité d’un artiste mais la réalité d’un sujet qui est une vraie question de société », espère Phia Ménard. Un jour viendra où les questions de genre traverseront les scènes sans avoir à être formulées, revendiquées, légitimées. Où le mot « genre » ne sera plus le bras armé de l’émancipation. Ce jour-là, nous vivrons dans une société de liberté et d’égalité de droits, identiques pour toutes et pour tous. Il va falloir être patient.

A voir

Mesdames, Messieurs et le reste du monde, de David Bobée, jardin Ceccano, Festival d’Avignon, du 7 au 21 juillet, 12h (relâche les 8 et 15), durée : 50 mn.

Saison sèche, de Phia Ménard, L’Autre Scène du Grand Avignon, Vedène (84), du 17 au 24 juillet, 18h. (relâche le 19), durée : 1h30.

Névrotik-Hôtel, de Michel Fau, festival de Figeac (46), 31 juillet, 21h30.

www.festival-avignon.com

A lire

La Femme et le Travesti, de Chantal Aubry, éd. du Rouergue, 192 p., 16 €­.

Par Mario Cloutier pour Lapresse.ca (Canada) 

Météore du théâtre français âgé de 37 ans, David Bobée a créé des spectacles en Russie, en Indonésie, en Tunisie et au Québec, notamment. Directeur de théâtre en Normandie et conseiller de la ministre de la Culture française en matière de diversité, ce jeune homme très demandé ne fait pas les choses comme les autres. Surtout pas au théâtre.

Comment s'est bâti ce projet?

Je suis assez influencé par les endroits où je fais des créations, donc par Ginette Noiseux, ses engagements artistiques et politiques, son féminisme. J'ai voulu travailler sur une parole féminine. Me sont revenues en mémoire les Lettres d'amour d'Ovide, poète latin contemporain de Jésus-Christ. Evelyne commençait sa résidence ici [à Espace Go]; comme c'est une parole très fine avec un registre élevé, on s'est dit qu'on pourrait faire cohabiter ces deux écritures.

Le texte n'est pas le seul élément. Vous composez aussi le spectacle en répétitions.

C'est mon ADN. C'est ma façon de faire, que ce soit Shakespeare, Hugo ou Calderón. Faire du théâtre, pour moi, c'est faire avec tous les artistes qui sont à l'oeuvre. Mon boulot, c'est de tresser la créativité des uns et des autres ensemble. Je ne fais pas du théâtre pour être le réalisateur de mes propres idées. Je ne suis pas plus intelligent que qui que ce soit. Le théâtre est un endroit de recherche et de créativité. Par définition, la création, c'est faire survenir des choses qui n'existent pas encore.

Venant du cinéma, vous vous posez en premier spectateur du spectacle?

Je ne suis pas arrivé au théâtre par une école de théâtre. En France, le texte est toujours primordial. L'auteur est sacré et le metteur en scène possède le pouvoir, tel un Moïse qui a reçu les textes et les transmet au peuple des élus. Moi, je rentre au théâtre par les gens qui sont au plateau. Tout ce qu'ils sont: leur personne, leur corps, leur personnalité.

À deux semaines de la première [au moment de l'entrevue], tout n'est donc pas fixé?

Je ne sais jamais ce que ça va donner au final. J'essaie d'être le plus honnête possible par rapport à la recherche et à l'amour des différentes personnes qui sont là. Je ne sais pas si ce sera un bon show ou pas. Ce n'est pas le but. Le but, c'est de faire un travail de création. Sinon, je change de métier. Il faut que je sois dans une zone d'inconfort, de doute. Je suis suffisamment solide pour affirmer la fragilité. Je mets tous les éléments ensemble pour que le spectateur puisse le prendre, l'accepter. Il est au coeur de mon processus créatif et, au final, c'est lui qui décide. Heureusement, la réponse a été bonne jusqu'à maintenant.

Le cirque est important pour vous?

Je ne peux pas faire un spectacle de théâtre sans acrobate. Quand je monte Hamlet, c'est à un acrobate que je donne le rôle d'Hamlet. Mes producteurs français se sont mis à hurler: tu es fou! Sauf que la vérité et la réalité d'un acrobate en scène et sa capacité à créer des renversements physiques font que son corps devient métaphore.

On transcende la notion de multidisciplinarité dans ce cas-là.

C'est comme ça que je fais dialoguer les disciplines. Je n'ai pas appris les cloisonnements au départ. Je crois que ce genre de spectacle est le reflet d'aujourd'hui. On vit dans un monde multiple et fragmenté. Le théâtre d'aujourd'hui ne peut que ressembler à ce bordel dans lequel on vit. Mais ce bordel peut être joyeux.

Et la musique se situe au même niveau que les autres éléments?

Bien sûr. Une communauté artistique au travail est toujours une image d'une communauté plus large. Moi, je m'assure que personne ne prenne le pouvoir sur qui que ce soit. Que chacun ait sa place et soit respecté comme personne et comme artiste pour que le spectateur puisse embrasser cette multitude. Quand l'humilité, la générosité et la bienveillance sont mises en place dès le départ, ça se passe assez joliment.

Aimeriez-vous créer un spectacle à grand déploiement?

Je refuse les grosses productions. Je viens de le faire à Taïwan parce que le cadre était trop rigide et qu'il y avait trop de moyens. Non merci. J'ai besoin de relations humaines. Le bonheur de rencontrer des gens comme Macha Limonchik, les Dear Criminals et Anthony Weiss...

Vous êtes très engagé politiquement, mais ce spectacle ne l'est pas.

Ça me fait du bien de faire un spectacle qui n'est pas politique dans le propos. Il est humaniste, féministe, mais il n'a pas un propos politique direct sur le monde. Après les attentats en Europe, que fait-on? J'essaie d'agir politiquement d'un côté, mais je ne veux pas utiliser le temps du théâtre pour tenir un discours. J'ai besoin d'amour et qu'on se prenne dans les bras, qu'on passe du temps ensemble. Qu'on écoute les lettres d'amour du Ier siècle après Jésus-Christ. Comme metteur en scène, c'est ma réponse à la barbarie. Retourner à l'essentiel de l'humanité.

Par Christophe Candoni dans Sceneweb

Directeur du Centre Dramatique de Rouen, David Bobée signe sur ses terres normandes sa première mise en scène d’opéra avec The Rake’s progress répété et créé à Caen avant une tournée en France et au Luxembourg. L’opéra libertin de Stravinsky y est transposé dans le monde du libéralisme en crise.

Très éloigné de l’univers pictural de Hogart dont les gravures ont inspiré le compositeur, la mise en scène de David Bobée recontextualise l’opéra dans un univers matérialiste. L’oeuvre perd en poésie facétieuse et débridée ce qu’elle gagne en brutale actualité. Passant du bordel à la banque, le débauché Tom Rakwell, qui dès son premier air soupire « I wish I had Money », endosse le costume d’un trader qui rappelle le Macbeth de Verdi mis en scène par Ivo van Hove à l’Opéra de Lyon.

Sur un plateau nu à la froideur mortifère, la City s’affiche en grand format comme les cours de la Bourse. Le Shard domine la Tamise sous un lourd ciel gris et la ville se manifeste par la marche frénétique d’un chœur toujours en mouvements. Des silhouettes et visages, divers et brassés, se multiplient pour former un melting-pot culturel, une foule grouillante dans laquelle Anne, en petite robe saumonée, se trouve fragile et égarée. Bien que moderne et affranchie, la mise en scène de David Bobée ne rompt pas totalement avec la lecture naïve attendue et se montre parfois un peu sage. Elle dit néanmoins avec pertinence l’ambition vaine et la perdition de Tom, antihéros par excellence dont la tentation d’ascension sociale et d’argent facile cause la perte.

Créé en 1951, le dernier opéra de Stravinsky apparaît comme une œuvre hors-temps, un anachronisme, plus proche du pastiche néo-classique que des avant-gardes contemporaines à sa composition. Avec ses récitatifs accompagnés au clavecin et son écriture musicale et vocale d’inspiration mozartienne, il reste décrié bien que de plus en plus souvent joué. Pour preuve, se distinguent quelques versions de référence comme celles de Sellars, Lepage, Warlikowski ou d’Olivier Py qui assurait en 2008 l’entrée tardive de l’œuvre au répertoire de l’Opéra de Paris. Si cette production jouait à fond la carte du cabaret licencieux, celle de Bobée se montre bien moins frivole. En revanche, la partition flamboie et ne risque pas de se faire trop corseter sous la vive et flatteuse direction de Jean Deroyer, chef d’orchestre principal de l’Orchestre Régional de Normandie qui déploie des sonorités brillantes et se fait à bon escient autant lyrique qu’ironique. La distribution réunit des chanteurs homogènes et pour la plupart anglo-saxons. Vocalement, le jeune ténor Benjamin Hulett se montre clair et solide bien qu’il surjoue constamment la candeur. Face à lui, un formidable mauvais diable – car il s’agit bien d’un conte faustien – est composé par le baryton Kevin Short à la puissance écrasante. La pureté angélique du personnage d’Anne se voit gâtée par les aigus tendus de Marie Arnet dont la délicate incarnation scénique reste émouvante. En starlette à paparazzi, la Baba d’Isabelle Druet éblouit.

Christophe candoni – www.sceneweb.fr

The Rake’s Progress
opéra en trois actes
Igor Stravinsky (1882-1971)
livret Wystan Hugh Auden, Chester Kallman
créé à Venise le 11 septembre 1951
Orchestre Régional de Normandie
Chœur de l’Opéra de Limoges – direction Jacques Maresch
Jean Deroyer direction musicale
David Bobée mise en scène et scénographie

18 et 20 novembre à l’Opéra de Reims
11,13 et 16 décembre à l’Opéra de Rouen
20 et 22 janvier à l’Opéra de Limoges
3 et 5 février au Grand Théâtre de Luxembourg

Plus de minorités, des toilettes unisexe… Le CDN de Rouen « décolonise » les arts

Par Clarisse Fabre pour Le Monde.fr


Vous êtes blanc, noir, asiatique, métisse ? Juif, chrétien, musulman ? Homme, femme, transgenre, hétéro, homo ? Peu importe, ou plutôt si. La diversité sous toutes ses formes est la « colonne vertébrale » du metteur en scène David Bobée. Celle qui selon lui pourrait permettre à la République de se redresser. L’ancien danseur et comédien qui a travaillé avec Pascal Rambert dirige, depuis janvier 2014, le Centre dramatique national de Haute-Normandie. Ce dernier, installé à Rouen, a « absorbé » la scène nationale de Grand-Quevilly et de Mont-Saint-Aignan et irrigue donc trois territoires.

Alors qu’il entame sa « saison 2 », l’artiste trentenaire au look immuable – barbe de quelques jours, blouson en cuir – veut faire de son lieu la tête de proue des « cultures minorées ». Depuis une semaine, et jusqu’au 20 mars, le CDN abrite le festival Art et Déchirure, lequel fête ses trente ans avec des créations en tous genres (arts plastiques, cinéma, théâtre, danse, etc.) menées dans l’univers de la « santé mentale » – soit l’univers psychiatrique. « C’est le plus beau festival que je connaisse. Je l’ai découvert gamin, ayant grandi à Rouen, et j’étais émerveillé. Cette manifestation a compté dans ma vocation de metteur en scène », souligne David Bobée qui a mené plusieurs créations avec des acteurs handicapés. Deux programmateurs passionnés, Joël Delaunay et José Sagit, accompagnés par l’enseignante Marion Quibel Girat, font circuler « l’art hors normes », et permettent à des publics différents, abonnés des théâtres, usagers ou professionnels des hôpitaux, de se rencontrer.

Un « racisme d’omission »

Pour David Bobée, « si le mot République a un sens » , les lieux culturels doivent « proposer une culture commune ». « Or, la scène française est dominée par une majorité blanche, masculine, bourgeoise, hétéro, dit-il. Notre passé colonial nous fait oublier qu’il n’y a quasiment que des Blancs sur scène. Ce n’est pas un racisme de haine, mais un racisme d’omission ». La question des récits a aussi son importance : « Qu’est-ce qu’on raconte sur les plateaux ? L’Histoire de France doit assumer son passé colonial. Actuellement, on fait grandir des jeunes qui se sentent déracinés, et peuvent être tentés par des récits fantasmés. Il ne faut pas s’étonner que certains se tournent vers le FN ou les sectarismes religieux », ajoute-t-il, intarissable sur le sujet.

David Bobée est membre du Collège de la diversité, mis en place en décembre 2015 par l’ancienne ministre de la culture, Fleur Pellerin, à la suite des « Assises de la diversité », qui visaient à identifier les bonnes pratiques dans la culture. Dans cette veine, du 6 juin au 14 août, David Bobée présentera son projet Fées, une ancienne création revisitée avec des jeunes du Conservatoire du Rouen sur le thème suivant : « Avoir 25 ans en France, quand on est musulman ». Les représentations auront lieu dans l’ancienne salle des « nus » de l’Ecole des beaux-arts de Rouen.

Lettre-questionnaire

Un grand débat anime les membres du Collège de la diversité, raconte David Bobée : « l’absence de statistiques ethniques en France, laquelle nourrit l’illusion d’une République une et indivisible ». Cette analyse l’a conduit à rédiger un projet visant à « décoloniser » les arts, avec d’autres artistes et intellectuels – le comédien Yann Gaël, la chercheuse Françoise Vergès, etc. Il s’agit d’une lettre-questionnaire à l’attention des « directeurs et directrices de théâtres, de festivals » et des « responsables culturels ».

Ces derniers sont invités à dresser le portrait-robot de leur équipe, ainsi que le profil des artistes programmés. « Utilisez les critères qui vous semblent les plus justes : blanc ou non-blanc, critères sociaux (…) Faites un trombinoscope pour faire apparaître le monochrome, demandez à vos artistes de s’auto-définir », lit-on dans le document. « L’idée n’est pas de pointer du doigt les un.e.s ou les autres mais de connaître précisément l’étendue du problème et surtout d’éveiller les pratiques vertueuses », ajoutent les auteurs de cette missive.

Résonner avec son époque

Le CDN de Rouen n’échappe pas aux clichés. « J’ai hérité d’une équipe en place. Grosso modo, les femmes sont dans les bureaux, les hommes sur les plateaux », concède-t-il. Quant aux moyens de production donnés aux artistes, ils diffèrent selon le sexe d’appartenance. Pour ceux qui ne se reconnaissent pas dans les catégories masculine ou féminine, le CDN de Rouen a donc ouvert des toilettes… ni hommes, ni femmes. Une idée trouvée dans un bar en Colombie, raconte David Bobée, qui a travaillé avec des acrobates colombiens, à l’affiche du CDN en octobre 2015.

Pour David Bobée, si le lieu culturel doit résonner avec son époque, il ne doit pas pour autant rejeter le passé ou les œuvres de répertoire. Ni les manifestations « grand public ». Ces dernières, David Bobée les met au goût du jour : par exemple, le partenariat avec le festival Normandie Impressionniste (du 16 avril au 26 septembre) sera l’occasion de réaliser des portraits de « Nouveaux Normands », immigrés ou nouveaux arrivants. Bobée, le jeune Normand, ne lâche jamais.

Clarisse Fabre
Reporter culture et cinéma