Revue de presse théâtre

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 17 déc. 2025

Pour la réouverture du théâtre de Nanterre, l’auteur et metteur en scène invente son propre conte, épique et fantaisiste, misant sur l’étrangeté.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/12/17/avec-les-petites-filles-modernes-titre-provisoire-aux-amandiers-joel-pommerat-expedie-le-theatre-dans-une-fascinante-quatrieme-dimension_6658416_3246.html

La dernière fois que Joël Pommerat est venu au Théâtre Nanterre-Amandiers, c’était en 2020, avec Contes et Légendes, une fiction d’anticipation dont les héros étaient des androïdes. Un an plus tard, en mai 2021, le théâtre fermait ses portes pour travaux. Après quatre années d’un colossal chantier, elles vont se rouvrir sur la dernière création en date de l’auteur et metteur en scène. Avec Les Petites Filles modernes (titre provisoire), l’artiste propulse le théâtre vers une quatrième dimension fascinante. Face à son geste qui ne pose aucune limite aux possibles de la représentation, l’enchantement est total et le trouble, absolu.

Sur la scène, une intrigue, ses intrus et des flots d’intranquillité. Joël Pommerat, à qui l’on doit les adaptations du Petit Chaperon rouge (2004), de Pinocchio (2008) et de Cendrillon (2011), invente son propre conte, sans rien oublier de ce qui structure le genre : le merveilleux et l’effroi, l’antagonisme du bien et du mal, le pas-à-pas initiatique des personnages.

Un amour qui dérègle l’ordinaire

Le spectateur scrute pourtant des êtres de chair et d’os sur un plateau dont la nudité apparaît lors du salut des trois comédiens, tous formidables : Eric Feldman, un fidèle de la tribu Pommerat, et deux nouvelles recrues, Coraline Kerléo et Marie Malaquias. Tandis que Feldman incarne plusieurs hommes (un père, un vieillard, un amoureux), les deux actrices épousent la juvénilité de Jade et Marjorie, deux adolescentes bien de leur temps qui n’auraient rien d’exceptionnel si leur amour mutuel ne les poussait aux sorties de route. Leur passion dérègle leur ordinaire, et c’est à force de désobéissance et de transgression qu’elles vont vers l’émancipation.

Comme toujours avec Joël Pommerat, la banalité des situations est un leurre. Ce n’est pas un hasard si un jaguar (en peluche) investit la chambre où les deux amies se retrouvent la nuit, à l’insu des parents, chambre qui est le seul lieu où s’immisce un soupçon de quotidien. Un lit, un fauteuil, un bureau y apparaissent par magie, après un de ces fameux « noirs plateau » dont l’artiste est adepte.

En qui concerne les autres décors, ils appartiennent au fantastique et bénéficient des talents conjugués d’Eric Soyer, créateur lumières, et Renaud Rubiano, créateur vidéo. Deux orfèvres de la métamorphose qui dématérialisent les corps et les espaces, au point qu’on prend pour charnel ce qui est hologramme et pour mouvant un sol immobile.

Dans un écrin fluctuant, strié de lignes, de diagonales, de spirales, d’ondes de lumière ciselées par les lasers de la vidéo, les tableaux déployés par l’auteur et metteur en scène révèlent une suite de visions hallucinantes qui déplacent le public vers les confins de l’irrationnel.

« Une histoire vraie, jamais vérifiée »

D’entrée de jeu, la fiction mise sur l’étrangeté. Or l’étrange est le domaine de l’extraordinaire : là où des créatures invisibles menacent, où l’on ne vieillit pas, où l’on peut vivre des transmutations, mourir et renaître. Le ton est donné dès la première image : deux minuscules silhouettes perdues dans une lointaine galaxie avancent vers le spectateur. En voix off, ce préambule : « Ça commencerait comme ça, par le plus inconcevable, une histoire vraie, jamais vérifiée, une révélation jamais certifiée. Dans d’autres dimensions du vide il existerait des mondes tellement différents qu’il serait vain d’essayer de les décrire ou de les expliquer. Dans ces mondes-là, ce que nous appelons le temps, les distances, l’ombre et le silence n’auraient aucune signification. »

Venues de mondes parallèles, les « petites filles modernes » entraînent le public vers l’onirique. Toute rationalité abolie, on leur emboîte le pas pour atterrir dans une faille spatiotemporelle où les géographies, les durées, les présences échappent au sens commun. Un trou noir sur le sol où sombrent les désirs ; un puits sans fond qui mène vers l’inconnu ; une jeune fille enfermée dans une cage pour cent millions d’années ; des parents qui ne sont pas des humains ; des fillettes qui ont incorporé de précédentes existences dont elles sont, sans doute, la réincarnation.

La noirceur inquiétante du spectacle n’altère pas la dynamique de l’aventure vécue. Elle est épique et fantaisiste. Ici, ailleurs, hier, aujourd’hui, demain : aucun repère ne tient debout. Vraiment, c’est fou ce qu’un artiste est capable d’obtenir du théâtre lorsqu’il ne lui pose aucune limite.

Les Petites Filles modernes (titre provisoire). Création de Joël Pommerat, au Théâtre Nanterre-Amandiers (Hauts-de-Seine), Festival d’automne. Avec Eric Feldman, Coraline Kerléo, Marie Malaquias et les voix de David Charier, Delfine Huot, Roxane Isnard, Pierre Sorais, Faustine Zanardo. Du 18 décembre au 24 janvier 2026.

Légende photo : « Les Petites Filles modernes (titre provisoire) », de Joël Pommerat. AGATHE POMMERAT

Par Gilles Renault, publié dans Libération - 5 oct. 2025

Adaptée du film culte de Roger Corman, la comédie horrifique refait un tour de piste sous la forme d’un spectacle musical tonique agencée par le tandem Hecq-Lesort.

Jeu de massacre

Gilles Renault / Libération

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde - 2 octobre 2025

A 34 ans, le comédien, auteur et metteur en scène, fort d’un accueil triomphal au Festival « off » d’Avignon, aborde dans ses pièces des enjeux sociétaux par le biais de comédies caustiques.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/10/02/derriere-les-satires-politiques-made-in-france-et-coupures-l-itineraire-peu-banal-de-samuel-valensi_6644039_3246.html

Quelle est la place du débat démocratique face aux enjeux écologiques ? Que faire pour lutter contre la délocalisation industrielle ? C’est ce genre de questionnements, a priori très peu théâtraux, que Samuel Valensi porte sur scène. Et ça marche ! Après le succès de Coupures, toujours en tournée et à l’affiche, en novembre, du Théâtre de la Concorde à Paris, Made in France arrive aussi dans la capitale, au Théâtre de la Renaissance, dans la foulée de l’accueil triomphal reçu cet été au Festival « off » d’Avignon.

Ecrites avec Paul-Eloi Forget, ces deux pièces contemporaines abordent des enjeux sociétaux par le biais de comédies caustiques. Coupures met aux prises les habitants d’une commune rurale et un maire écologiste qui a accepté, sans en référer à ses administrés, l’installation de plusieurs antennes-relais 5G. Made in France nous plonge dans les rouages d’une usine en passe d’être délocalisée et dans les coulisses de notre monde politico-syndicalo-économique.

« Le choix des sujets vient de mes indignations personnelles », résume Samuel Valensi. A 34 ans, ce comédien, auteur, metteur en scène en pleine ascension déroule un parcours peu ordinaire et un engagement chevillé au corps face à un monde qui tourne mal. « On voit bien que ça ne va pas. Alors je préfère l’indignation à l’anesthésie. Je suis choqué par le peu de réaction et d’empathie face à la crise environnementale et par l’absence de réflexion sur notre système. On est coincés entre deux feux, le populisme et le technocratisme, qui tous deux nous mènent dans le mur », juge-t-il.

« Dissonance cognitive »

Diplômé d’HEC et d’une licence de philosophie, il a choisi, en 2020, de faire du théâtre sa seule activité, de lâcher son poste de directeur artistique dans une start-up de vidéo et de se consacrer à sa compagnie La Poursuite du bleu (référence à la métaphore utilisée par Romain Gary dans son roman Les Cerfs-Volants) fondée en 2014.

Son goût pour la scène est né durant ses études. Pour « sortir de la normativité de l’enseignement » délivré dans son école de commerce réputée, il prend la tête de Backstage, l’association qui prépare chaque année la comédie musicale d’HEC et s’inscrit en philosophie à la Sorbonne. « Dès la première année d’HEC, j’ai hésité à quitter l’école. J’étais désenchanté par la reproduction conservatrice des cours et je n’arrivais pas à me projeter dans les grandes entreprises où nous étions censés travailler, j’étais en pleine dissonance cognitive. Mais mes parents m’ont dissuadé d’arrêter. »

Tous deux vétérinaires (père né en Tunisie, mère issue d’une famille juive d’Europe de l’Est), ils attachent beaucoup d’importance aux études et au travail comme facteurs d’assimilation. « Au moment de trouver un stage, j’errais dans les allées des salons d’orientation, j’étais paumé. J’ai partagé à mon père mon désarroi. » Coup de chance, ce dernier soigne les chats de Philippe Tesson (mort en 2023), journaliste culturel et propriétaire du Théâtre de Poche Montparnasse, et lui parle de son fils lors d’une consultation.

Jeune homme hyperactif

« Deux choses ont changé ma vie : les chats de Philippe Tesson et Des souris et des hommes, de Steinbeck mis en scène par Paul Balagué, pièce dans laquelle j’ai joué en 2013. Steinbeck est devenu mon maître dans ma volonté de faire du théâtre politique et non politisé. » Il se souvient encore de son premier rendez-vous avec Philippe Tesson. « Ce fut un entretien incroyable, digne de la scène de rencontre entre John Ford et Steven Spielberg jeune dans The Fabelmans [le dernier film de Spielberg] ». Samuel Valensi devient son assistant de production au Théâtre de Poche pendant un an. « Je participais à l’élaboration des dossiers de presse, à la communication. Il me laissait assister à toutes les répétitions, m’abreuvait de textes de théâtre. Ç’a été ma meilleure vie ! »

Par la suite, le jeune homme hyperactif coproduit Merlin au Théâtre du Soleil puis écrit et met en scène, avec plus ou moins de bonheur, ses premières créations, L’Inversion de la courbe (sur le déclassement social) et Melone Blu (sur la raréfaction des ressources). Il met aussi en adéquation les enjeux de ses pièces et le fonctionnement de sa compagnie en insufflant un modèle écologique et social.

La démarche est repérée par The Shift Project (groupe de réflexion sur la décarbonation créé par Jean-Marc Jancovici). Samuel Valensi en devient le responsable culturel et le coauteur du rapport Décarbonons la culture publié en 2021. « L’activisme de la compagnie n’est pas sur le plateau, mais dans sa manière de faire des spectacles à faible impact environnemental, de respecter la parité homme-femme, de rémunérer l’équipe artistique et technique de manière égalitaire, de former les futurs professionnels du secteur culturel aux enjeux énergie-climat », précise Samuel Valensi.

Pour lui, le théâtre ne doit pas « faire de propagande, mais être un lieu de représentation du conflit ». Il revendique un théâtre « politique et populaire visant à toucher un large public avec des sujets a priori peu sexy ». Il dit vouloir « rendre le spectateur plus libre sur un sujet qui lui paraissait lointain ». Sa recette ? Dans sa « cuisine » d’auteur, sa plume est trempée dans le réel. Pour écrire Coupures ou Made in France, avec son complice, le comédien Paul-Eloi Forjet (désormais parti vivre à l’étranger), il se documente pendant des mois, lit les rapports d’enquêtes de commissions parlementaires, réalise des entretiens avec des syndicalistes, des hommes et des femmes politiques de tout bord et fait des rencontres sur le terrain, comme avec les ouvriers de Fralib.

Eviter tout militantisme

Pour dénoncer ce qui ne va pas dans notre système, il use de la force de la comédie, voire du vaudeville, pour « ne pas toucher que les convaincus. Il n’y a rien de plus beau que de voir 600 personnes pas d’accord rire ensemble de la même chose ». Selon lui, « l’humour c’est le désespoir bien habillé, la soupape indispensable à notre époque ». Scénographie mobile, rythme soutenu, troupe efficace, traits appuyés des personnages pour mieux faire passer la critique, Made in France débute comme du boulevard avec un invraisemblable quiproquo et va tendre vers une satire féroce des liens entre politiques et entrepreneurs, des négociations syndicales biaisées, des ministères hypocrites.

C’est à la fois intelligemment mené pour éviter tout militantisme et déconcertant tant la farce laisse un sentiment de « tous pourris » et pourrait décourager de voter. Samuel Valensi s’en défend : « Dans mon récit, je ne cherche ni à diaboliser ni à enjoliver qui que ce soit. Ce n’est pas la faute des gens, mais [celle] d’un système économique désespérant qui atomise, du Monopoly dans lequel on vit et qui entraîne un tiraillement entre l’intérêt personnel et l’intérêt général. Jamais je ne dirai “tous pourris”, je n’en veux pas aux élus. »

Régulièrement, ses spectacles se poursuivent par des « bords de plateau ». Le public est invité, après la représentation, à prolonger le questionnement suscité par la pièce à travers des rencontres entre chercheurs, artistes, responsables politiques, entrepreneurs, etc. Ainsi, un cycle de conférences est programmé pour Made in France. Le 6 octobre, par exemple, Xavier Jaravel, président délégué du Conseil d’analyse économique, Philippe Martinez, ancien secrétaire général de la CGT et la géographe Anaïs Voy-Gillis viendront dialoguer avec le public.

« Avec le théâtre, j’ai trouvé mon lieu d’action, c’est mon remède à l’anxiété. Le monde va mal, il faut faire le pari pascalien qu’on n’a rien à perdre d’essayer que ça aille mieux », résume Samuel Valensi. « C’est finalement une chance d’être passé par HEC et le monde de l’entreprise, dit-il aujourd’hui. En tant qu’auteur, j’ai une empathie par rapport aux injonctions contradictoires que nous ressentons tous en nous levant le matin. »

« Made in France », jusqu’au 31 mars 2026 au Théâtre de la Renaissance, Paris 10e, puis en tournée. « Coupures », le 7 octobre à Laval, le 15 octobre au Théâtre du Château de la Ville d’Eu (Seine-Maritime), du 12 au 15 novembre au Théâtre de la Concorde, Paris 8e.

Sandrine Blanchard / Le Monde 

Légende photo : Samuel Valensi, lors des répétitions de « Made in France », au Théâtre de Belleville, à Paris, le 31 mars 2025. LAURA BOUSQUET

Par Cristina Marino (Le Grand-Bornand (Haute-Savoie), envoyée spéciale du Monde - 27 août 2025

Pour sa 33ᵉ édition, qui se tient jusqu’au 28 août, la manifestation, destinée au jeune public, a accueilli 19 compagnies étrangères, venues de 11 pays différents.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/08/27/au-grand-bornand-les-beaux-accents-etrangers-du-festival-au-bonheur-des-momes_6636148_3246.html

Chaque année, la dernière semaine d’août venue, Le Grand-Bornand (Haute-Savoie) se vide de voitures pour cause de circulation interdite dans le centre-ville et s’emplit de cris d’enfants, le temps du rendez-vous annuel destiné au jeune public, Au bonheur des mômes. La 33e édition du « festival le plus tendre de l’été », pour reprendre son slogan, du dimanche 24 au jeudi 28 août, n’a pas dérogé à la règle. Chose plus inattendue : on y entend parler différentes langues, autres que le français, non pas tant au niveau du public, qui reste très majoritairement hexagonal, mais plutôt sur scène, parmi les artistes venus du monde entier.

Cette année, sur les 73 compagnies accueillies au Grand-Bornand, 19 étaient internationales, représentant 11 pays : Allemagne, Argentine, Belgique, Brésil, Ecosse, Espagne, Italie, Norvège, Mexique, Pérou et Suisse. Et ce, pour un total de 91 spectacles, soit 465 représentations, dont 8 premières françaises de troupes étrangères.

Mais pourquoi tant de compagnies internationales dans ce petit village haut-savoyard en plein cœur de l’été ? Tous les artistes et professionnels rencontrés s’accordent sur un point : le rôle essentiel joué par son fondateur, Alain Benzoni, dit « Benzo », directeur général et artistique de la manifestation. Comme le résume Eric Wolff, directeur et programmateur du Relais culturel – Théâtre d’Haguenau (Bas-Rhin) : « Grâce à lui, depuis plus de trente ans, il y a une âme dans ce festival. Il en incarne l’esprit résolument humain. »

Une dimension « humaine »

Cette dimension profondément « humaine » d’Au bonheur des mômes est revenue à plusieurs reprises chez les artistes interrogés sur les raisons de leur venue. Ainsi, Luzia Bonilla, du duo Lucy & Lucky Loop, souligne « les bonnes conditions d’accueil » des compagnies au Grand-Bornand, tant au niveau du public que des infrastructures mises à leur disposition, techniques et autres.

Egalement originaire de Suisse, du Tessin plus précisément, la Family Camus, une vraie famille à la ville comme à la scène, avec le père, Henry, la mère, Gaby, et les deux enfants, Viviana et Dominic. Déjà venus il y a plus de quinze ans avec leur Duo Full House, les parents ont décidé d’y revenir cette année à quatre pour présenter Les Touristes, un irrésistible mélange de musique, de jonglage, de danse et d’humour.

« Un anti-Avignon »

Les artistes et programmateurs rencontrés voient tous Au bonheur des mômes comme « un anti-Avignon », un lieu où l’accent est mis avant tout sur le qualitatif plus que sur le quantitatif. Une exigence de qualité qui intervient dès la sélection des spectacles. Aucune création ne peut arriver devant les festivaliers sans avoir été vue au préalable dans son intégralité par Alain Benzoni ou un membre de son équipe, surtout pour des représentations destinées au jeune public.

Roser Vila, fondatrice de 23 Arts Brothers Projections, une agence de production et diffusion spécialisée dans le spectacle vivant et installée en Catalogne, désormais dirigée par son fils Jordi Fabregas, a rencontré « Benzo » il y a des années à Charleville-Mézières lors du Festival mondial des théâtres de marionnettes et ils sont devenus « compagnons de chemin ». Elle souligne « le niveau artistique très élevé » de la programmation qui fait d’Au bonheur des mômes « un festival réputé à l’international où de nombreuses compagnies rêvent de venir pour se faire repérer par des professionnels et décrocher des dates en France ». C’est le cas de la compagnie espagnole Giramagic venue présenter un spectacle plein de magie et de poésie, KariGuri, qui a séduit le public.

Federico Cibin, chargé de diffusion pour la compagnie Nando e Maila, fondée par Ferdinando D’Andria et Maila Sparapani, installée à Bologne, en Italie, déjà venue à plusieurs reprises au Grand-Bornand, « un véritable tremplin » pour les artistes étrangers, et président de l’Association pour le cirque contemporain en Italie, estime qu’en fin de compte, le festival Au bonheur des mômes contribue aussi au « bonheur des artistes ».

Au bonheur des mômes, Le Grand-Bornand (Haute-Savoie), jusqu’au 28 août. Passe journée, 7 €, et passe semaine, 24 €. Puis tarification spécifique pour chaque spectacle, de 4 € à 14 €.

Cristina Marino (Le Grand-Bornand (Haute-Savoie), envoyée spéciale) / Le Monde 

Par Elisabeth Franck-Dumas dans Libération - 25 juillet 2025

Dans un numéro parodique de «danse du pigeon» folklorique, l’artiste Louis Chevalier et la chorégraphe luxembourgeoise Simone Mousset provoquent avec brio les moments de gêne.

Fous rires nerveux

Elisabeth Franck-Dumas / Libération

Par Diana Liu (Taipei) pour Le Monde - 23 juillet 2025

Plusieurs spectacles de danse ou de cirque font écho à la situation géopolitique instable du pays.

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Le départ pour l’Europe approchait à grands pas, et l’enthousiasme des artistes était palpable. Au Centre du théâtre traditionnel de Taïwan, à Taipei, des représentants de la culture et plusieurs diplomates européens s’étaient réunis, vendredi 20 juin, pour adresser des adieux chaleureux à la dizaine d’artistes du spectacle vivant taïwanais qui s’apprêtaient à aller représenter l’île lors de deux prestigieux festivals, le Festival Fringe d’Edimbourg, au Royaume-Uni, qui a lieu du 1er au 25 août, et le Festival « off » d’Avignon, qui se tient jusqu’au 26 juillet. Et pour voir en avant-première leurs spectacles. Dans les trois œuvres présentées en France, danseurs et clowns s’inspirent de formes traditionnelles, de phénomènes naturels, d’observations quotidiennes et de rapports interpersonnels pour mettre en scène la complexité et l’instabilité des relations – humaines ou géopolitiques – qu’ils vivent.

La première représentation, Push and Pull (« pousser et tirer »), est un pas de deux signé par le chorégraphe Lai Hung-chung, fondateur de la compagnie de danse contemporaine Hung Dance. Dans une chorégraphie mêlant les mouvements du tai-chi – art martial traditionnel chinois – à un ballet contemporain naturaliste, deux danseurs, une femme et un homme, vêtus de tenues simples aux tons terreux, s’affrontent dans une série de prises opposant douceur et dureté, lenteur et rapidité, explosivité et force minimale. Une philosophie de mouvement inspirée du taoïsme, religion largement pratiquée à Taïwan. En fond sonore, un vrombissement continu se mêle à une boucle de piano au tempo changeant, tandis qu’un micro capte et restitue en direct les sons produits par les corps des danseurs.

Derrière le bras de fer entre l’homme et la femme, c’est aussi la situation géopolitique fragile dans laquelle Taïwan se trouve qui est évoquée, explique Lai Hung-chung. Menacé par la Chine, le pays est tiraillé entre les intérêts divergents des grandes puissances. « Tout au long de cette œuvre, les deux interprètes utilisent un minimum de force pour obtenir un maximum d’effets. Je pense que cela reflète la situation de Taïwan sur la scène internationale, dit le chorégraphe. A la fin, le côté le plus faible trouve toujours différents moyens, grâce à la philosophie du tai-chi, pour danser avec le côté le plus fort », glisse-t-il, avec un sourire en coin.

Raconter ses propres histoires

L’œuvre qui suit, Palingénésie, suscite un trouble étrange en imaginant le corps humain en créature plus primitive. Chorégraphiés par Chuang Po-hsiang, directeur artistique de la compagnie de danse D-Antidote et élève de Lin Hwai-min, le fondateur de Cloud Gate, la plus célèbre compagnie de danse contemporaine taïwanaise, un trio de danseurs masculins, vêtus de sous-vêtements couleur chair, têtes recouvertes de masques aux allures d’extraterrestres, sont liés les uns aux autres, leurs membres enchevêtrés formant une masse pulsatile. Sur une trame musicale grave et solennelle, ils bougent lentement, de manière collective. Leurs corps semblent former une nouvelle entité étrange. Celle-ci est inspirée, dit Chuang Po-hsiang, par un phénomène rare qui se produit quand les rats hibernent : « Ils se rassemblent et leurs queues s’emmêlent. Ils vivent ainsi pour le reste de leur vie. » Métaphore qu’il utilise pour amplifier les liens entre les individus dans la société. « L’œuvre parle essentiellement du cycle de la vie et de la mort, de racines et de réincarnation. »

La dernière œuvre présentée à Avignon change radicalement de ton, suscitant sourires et éclats de rire. Amour utopique, un spectacle de clown ludique et féerique de Mimofatguy, raconte une romance entre un clown désinvolte mais sincère et l’amour dont il rêve. La représentation est parsemée de numéros de cirque classiques sur un fond musical de jazz des années 1960, où résonne notamment le célèbre Take Five (1959), du Dave Brubeck Quartet. L’œuvre est « une lente confession sur l’amour et le temps, l’échec et la croyance, confie Mimofatguy. Ce n’est pas un conte de fées sur le grand amour qui frappe à la porte, mais une histoire d’obstination. Même si personne ne vient, je suis toujours prêt à attendre. »

Pour Taïwan, qui peine à trouver sa place sur la scène internationale, ces échanges artistiques représentent une opportunité précieuse de se présenter au public international, et notamment européen, et de raconter ses propres histoires. Depuis plusieurs années, l’île tisse avec l’Europe des liens culturels de plus en plus étroits, malgré l’absence de reconnaissance diplomatique officielle sur le continent – à l’exception du Vatican. Taïwan célèbre actuellement l’Année de la culture taïwanaise en Europe, une initiative réunissant une dizaine de pays dont la France, et qui se traduit par des collaborations muséales et des projets dans le domaine des arts du spectacle. « C’est aujourd’hui le moment pour Taïwan de trouver sa propre voie, d’avancer et d’entrer en dialogue avec le monde », proclame Chuang Po-Hsiang.

Push and Pull. Festival « off » d’Avignon, Condition des soies. Jusqu’au 26 juillet, tous les jours à 11 h 45, sauf le mercredi 23 juillet.

Palingénésie. Festival « off » d’Avignon, Condition des soies. Jusqu’au 26 juillet, tous les jours à 16 h 15, sauf le mercredi 23 juillet.

Amour utopique. Festival « off » d’Avignon, Rouge Gorge. Jusqu’au 26 juillet, tous les jours à 11 h 55.

Diana Liu (Taipei) / LE MONDE

Par Anne Diatkine / Libération du 22 juillet 2025

Au Train bleu, Ysanis Padonou saisit le spectateur en évoquant seule sur scène la maladie qui la touche, lui faisant perdre précocement ses fonctions motrices et cognitives.

Faire entendre ce qu’elle a à dire

Anne Diatkine / Libération

Légende photo : Ysanis Padonou, «Une chose vraie», au Train bleu à Avignon jusqu'au 23 juillet. (Olivier Duverger Houpert)

Par Nicole Vulser (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 18 juillet 2025

Les éditeurs de théâtre représentent un micromarché qui édite plus d’un millier de nouveaux textes par an. La diffusion en librairie reste souvent anecdotique et militante.

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https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/18/au-festival-d-avignon-l-edition-theatrale-se-met-en-scene_6622090_3246.html

« Je suis un vieux crocodile du théâtre mais un jeune éditeur », affirme le comédien et metteur en scène Stanislas Nordey. A 58 ans, l’ancien directeur du Théâtre national de Strasbourg (TNS) vient tout juste de reprendre, début juillet, la direction des Editions Espaces 34, une petite maison indépendante spécialisée dans le théâtre, portée depuis 1992 par sa fondatrice, Sabine Chevallier, qui lui a transmis le flambeau. « La maison risquait de disparaître. Tous mes amis m’ont dit : “C’est la dernière chose à faire”… », raconte le metteur en scène. Il se lance quand même, en sachant qu’« on ne gagnera pas d’argent, mais l’enjeu, c’est de ne pas en perdre ». Il sera bénévole tout comme le directeur financier, et a embauché un correcteur également chargé de la fabrication.

Stanislas Nordey se plonge dans la lecture du fonds, « bluffé de ne trouver aucune faute de goût parmi les 230 titres du catalogue ». Il compte lancer deux nouvelles collections : « Les introuvables » – qu’il inaugurera en janvier 2026 avec le projet d’adaptation de l’Orestie, d’Eschyle, par Pier Paolo Pasolini (1922-1975) et un texte de Didier-Georges Gabily (1955-1996) – ainsi qu’une autre collection autour du théâtre, étrennée avec les carnets de création de Jean-Pierre Vincent (1942-2020).

A l’honneur pendant le Festival d’Avignon, l’édition théâtrale en France reste un micromarché, évalué par l’institut NielsenIQ GFK à 1,35 million d’euros en 2024, en léger déclin par rapport à 2023. Le nombre de nouveautés s’est établi à 1 149 titres en 2024 et le « top trois » des meilleures ventes a été attribué, toujours selon cet institut, à Antigone (1942), de Jean Anouilh, suivi par le deuxième tome du Sang des promesses, Incendies (2012), de Wajdi Mouawad, puis par les tragédies d’Eschyle.

Importance des ventes du fonds

Avec un catalogue de 1 300 ouvrages et une vingtaine de nouveautés chaque année, dont 12 à 15 pièces de théâtre, Actes Sud Papiers reste, de loin, le plus important acteur de ce secteur. Claire David, directrice d’Actes Sud Papiers et du pôle des arts de la scène, sort les textes des pièces jouées à Avignon comme L’Enfant de verre, de Léonore Confino et Géraldine Martineau, ou La Faille, de Serge Kribus. Elle ressort aussi Le Canard sauvage, d’Henrik Ibsen (1828-1906), mis en scène par Thomas Ostermeier. « Dans le théâtre, les ventes sont très lentes à décoller, mais peuvent parfois se métamorphoser en véritables triomphes sur la durée, comme Incendies, de Wajdi Mouawad, écoulé à plus de 350 000 exemplaires », explique-t-elle.

Les ouvrages d’autres auteurs maison comme Jean-Claude Grumberg, avec L’Atelier, et Joël Pommerat dépassent les 25 000 exemplaires. Ce mini-marché, tout comme celui de la poésie, se caractérise par l’importance des ventes du fonds (60 à 70 %), bien supérieures à celles générées par les nouveautés. Soit l’exact inverse du roman.

Autre éditeur de poids, Les Solitaires intempestifs – qui publie une vingtaine de nouveautés par an – profite aussi d’Avignon pour mettre en avant ses auteurs à l’affiche, comme Clotilde Mollet, Tiago Rodrigues, Tamara Al Saadi ou Ronan Chéneau. « Le tirage des nouveautés excède rarement 3 000 exemplaires. Arriver à 10 000 exemplaires de ventes est exceptionnel », reconnaît François Berreur, son directeur.

Dans l’édition théâtrale, le Graal consiste à intégrer les programmes scolaires. Un sort enviable partagé par Illusions comiques, d’Olivier Py (Actes Sud, 2006) ou encore Clôture de l’amour, de Pascal Rambert (Les Solitaires intempestifs, 2011), mais surtout Juste la fin du monde (1990), de Jean-Luc Lagarce, vendu selon son éditeur, Les Solitaires intempestifs, à plus de 100 000 exemplaires.

Rayons spécialisés minuscules

Le Festival d’Avignon a conclu, depuis 2018, un partenariat avec la librairie Lettres vives de Tarascon (Bouches-du-Rhône), qui prend ses quartiers d’été dans la Maison Jean-Vilar – où est proposée une offre foisonnante de près de 5 000 références en théâtre, danse et spectacle vivant. Soit le lieu le mieux approvisionné de l’Hexagone. La librairie éphémère se déploie aussi dans la cour du cloître Saint-Louis et a ouvert une ribambelle de petits comptoirs de vente directement dans les lieux de spectacles, à la Carrière Boulbon, au Musée Calvet, à Vedène (Vaucluse), au Gymnase Mistral… Dans le quartier général du « off », la librairie avignonnaise La Comédie humaine a aussi ouvert une seconde boutique temporaire, qui regorge d’œuvres de dramaturges.

La question de la diffusion et de la place accordées au théâtre dans les librairies reste cruciale. Les rayons spécialisés s’avèrent souvent minuscules. La directrice de la maison d’édition L’Arche, Claire Stavaux, souligne les difficultés liées à l’arrêt de certaines librairies spécialisées. A Paris, par exemple, Palimpseste, installée dans le 5e arrondissement, a fermé, tandis que Le Coupe-Papier, à deux pas du Théâtre de l’Odéon, dans le 6e arrondissement, a été repris par une librairie de manuscrits et de beaux livres. EXC a également baissé le rideau, dans le 3ᵉ arrondissement, mais renaîtra début septembre sous le nom de Librairie centrale, en étant hébergée par la Maison de la poésie.

Même constat dans les théâtres. La librairie du TNS a disparu. Au Théâtre du Rond-Point, à Paris, la librairie, gérée par EXC, a baissé le rideau en octobre 2024, mais la Réunion des musées nationaux doit reprendre les rênes du lieu, le 9 septembre. Préserver un comptoir de vente de livres dans les théâtres est souvent « un acte militant », souligne Claire David. Déjà en 1987, le dramaturge Michel Vinaver (1927-2022) avait analysé les « mille maux dont souffre l’édition théâtrale » et suggéré d’améliorer sa diffusion parmi les « trente-sept remèdes pour l’en soulager ».

Droits de représentation théâtrale

Tous les éditeurs sont concernés par cette difficulté. Même les éditions Théâtrales, qui appartiennent au Théâtre ouvert, un centre national des dramaturgies contemporaines subventionné par des aides publiques. A côté des résidences, des spectacles ou de l’accompagnement dramaturgique, ce pôle d’édition se démarque par son statut de coopérative, dont certains auteurs sont sociétaires.

Sa directrice, Caroline Marcilhac, confie recevoir près de 600  manuscrits par an et publier « quatre nouveaux auteurs par an, jamais édités précédemment ». Quitte à poursuivre avec eux un compagnonnage sur plusieurs années, avant qu’ils ne quittent le Théâtre ouvert pour rejoindre un autre éditeur, comme Baptiste Amann ou Nicolas Doutey, passés chez Actes Sud.

Autre singularité dans ce secteur, L’Arche est à la fois un éditeur – avec une quinzaine d’ouvrages présentés dans le « off » à Avignon, signés Lukas Barfüss, Alexandra Badea, Lee Hall, Dennis Kelly… – et une agence théâtrale depuis trente ans. Seul modèle alternatif à la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD), L’Arche gère les droits de représentation théâtrale de près de 500 auteurs français et internationaux. Et finalement jouer la pièce d’un auteur peut lui rapporter bien davantage que la vente de ses ouvrages. En 2024 – une très bonne année pour la perception des droits dans le spectacle –, la SACD, qui encaisse en moyenne 10 % de la recette de billetterie des théâtres pour reverser des droits aux auteurs, a rétrocédé à plus de 7 700 d’entre eux une somme totale de 20 millions d’euros. Sans dévoiler qui a touché le jackpot.

Nicole Vulser (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Légende photo : A la Maison Jean-Vilar, à Avignon, en 2019. FESTIVAL D’AVIGNON

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - Publié le 17 juillet 2025

Au Théâtre du Train bleu, la comédienne de 27 ans, atteinte de la maladie de Huntington, livre un monologue sobre et bouleversant.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/17/au-festival-off-d-avignon-une-chose-vraie-avec-ysanis-padonou-laisse-le-public-petrifie-d-emotion_6621737_3246.html

Tout arrêter et prendre le temps de repenser à ce qui a eu lieu. Respirer un bon coup, laisser filer les secondes avant de regagner la rue en titubant sous le soleil. Pas parce qu’il saoule les corps de sa chaleur. Mais parce qu’un choc vient de se produire dans la fraîcheur d’une salle de théâtre. C’est aussi ça, le Festival d’Avignon. Une suite de spectacles qui s’enchaînent bon an mal an, et puis, soudain, un artiste surgit qui emporte tout sur son passage. Quelque chose, « une chose vraie », a fait rupture avec l’ordinaire.

Voici le tableau : un public pétrifié d’émotion. Une actrice prostrée, buste enroulé en mode fœtal après une heure vingt d’une représentation sidérante, essentielle (c’est certain) et inoubliable (c’est probable). La communion, ce graal maintes fois invoqué au théâtre mais qui s’y manifeste si peu, ce point de ralliement fantasmé est la note finale, définitive et bouleversante du monologue proposé au Train bleu : Une chose vraie.

Le titre est à prendre au pied de la lettre. Sobre, apoétique, d’une froide neutralité, il est factuel. A l’exact opposé des perceptions tempétueuses que provoque le récit (mis en scène par Romain Gneouchev) porté au plateau par la comédienne Ysanis Padonou. Ses mots et sa façon de les dire, son histoire et sa manière de la jouer : rien, chez cette interprète fabuleuse, ne cède au pathos.

Cette actrice-là n’a plus de temps à perdre en vague à l’âme ou en flou artistique. Elle est atteinte de la maladie de Huntington, une affection génétique et neurodégénérative qui la condamne à l’effritement de ses facultés cognitives et motrices. La dégradation (qui s’apparente à un Alzheimer précoce) s’amorcera entre ses 35 et ses 50 ans. Elle a 27 ans, aujourd’hui. Elle est au stade 3 d’une atteinte qui, pour l’instant, reste discrète, mais dont elle connaît les symptômes à venir : son grand-père en est mort, sa mère en est atteinte. Huntington est héréditaire. Elle l’a appris, en 2014, de la bouche du neurologue qui les a informées, elle et sa mère, en quatorze minutes chrono d’une consultation brutale ne laissant aucune place à la dernière respiration qui précède la noyade.

Elégance sidérante

L’aveu des faits ne se fait pas attendre. Un préambule sans embarras ni fioriture. Avec Ysanis Padonou, le théâtre ne triche pas. Ou très peu. La comédienne porte une oreillette (elle l’enlève, la montre, la remet) dans laquelle lui parvient son texte enregistré. Si elle se sépare de l’appareil, elle ne se donne pas plus de quelques minutes pour se mettre à bafouiller. Le pire cauchemar pour une actrice professionnelle dont la bête noire est le trou de mémoire. Elle ne se plaint et ne se plaindra pas. Jamais. Elle constate. Elle égrène avec précision (et le sourire) les origines, les causes, les circonstances, les conséquences. Son élégance est sidérante, sa pudeur exemplaire. Tête haute, sculpturale dans son tee-shirt échancré, elle est d’une classe folle.

Elle opère un retour sur le passé qui démarre au Théâtre national de Strasbourg, où, élève recrutée en 2011 à l’école, elle entend un metteur en scène dire d’elle : « Elle est bien la petite Négresse. » Ysanis Padonou est noire. Le racisme décomplexé, elle le traverse et le surmonte avant de s’enfouir dans la solitude. Six ans à détaler loin de sa mère malade pour se construire en dépit de Huntington. Elle travaille, elle tourne, elle enchaîne les pièces sous la direction (notamment) de Stanislas Nordey. Elle est – elle se croit – heureuse, cette jeune femme fuyant l’annonce. Et que la « chose vraie » rattrape. C’était fatal.

Les épaules trempées de sueur, elle livre les détails. La densité d’un présent dupant le futur improbable, tout tient d’un bloc dans un décor plastique d’une blancheur aveuglante. Toile tendue sous ses pieds, dans son dos. Un plateau de photographe où les projecteurs saturent l’espace de couleurs pop. Elle est épinglée dans le lieu par son metteur en scène, Romain Gneouchev. Un dispositif épuré où les babioles disposées au sol (une statuette, un coffret de porcelaine ou le courrier du laboratoire de recherche) sont des cailloux de Petit Poucet semés là, au cas où. Et puis elle enlève l’oreillette. Requiert la présence d’un souffleur. Répète les vers d’une tragédie qu’une spectatrice lui murmure. Se prostre à terre. Elle n’est pas une victime. Elle est actrice. Et pas qu’un peu. Pas du genre qu’on oublie.

Une chose vraie, conception, écriture et mise en scène : Romain Gneouchev. Jeu et collaboration à l’écriture : Ysanis Padonou. Festival « off » d’Avignon, Théâtre du Train bleu. Jusqu’au 23 juillet.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale du Monde )

Par Thierry Jallet dans Wanderer - 11 juillet 2025

"Ancora tu", de Salvatore Calcagno et Dany Boudreault, Théâtre du Train Bleu, Festival OFF Avignon, 2025 

Par Thierry Jallet dans Wanderersite - 17 juillet 2025

Le Dîner chez les Français de Valéry Giscard d’Estaing, de Julien Campani et Léo Cohen-Paperman, Théâtre du Train Bleu, Festival OFF Avignon 2025 

Par Sonya Faure dans Libération, 17 juillet 2025

«La Neige est blanche», «le Journal de Maïa» et «la Peau des autres» : pensés pour être joués dans les établissements scolaires et destinés aux adolescents, ces trois spectacles sondent leurs tourments.

«Ce que tu vis, c’est normal et ce n’est pas si grave»

S’offrir aux adolescents

La neige est blanche, jusqu’au 26 juillet à 11 heures à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (cinquante minutes).

Le Journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (cinquante minutes).

La Peau des autres, jusqu’au 23 juillet, à 13 h 15 les jours impairs au théâtre du Train bleu (une heure et vingt minutes).

Par Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) dans Le Monde - 15 juillet 2025

L’ancien président de la République, qui avait l’étoffe d’un personnage de théâtre, est évoqué dans deux spectacles à l’affiche du Festival, « Lettres à Anne » et « Génération Mitterrand ».

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/15/le-retour-de-francois-mitterrand-devenu-personnage-du-off-d-avignon_6621383_3246.html

La légende raconte que François Mitterrand (1916-1996), président de la République en exercice, avait l’habitude, au mois de juillet, d’échapper à la vigilance de ses gardes du corps pour débarquer, sans crier gare, au Festival d’Avignon, où le directeur, averti d’un coup de téléphone, lui réservait une place discrète dans les salles obscures.

Le spectateur clandestin d’autrefois est aujourd’hui l’un des héros du Festival « off ». Il fait son entrée à pas de loup sur les scènes de deux théâtres. Il s’immisce à la Scala Provence, où Alice Faure dirige Samuel Churin et Céline Roux dans une adaptation des Lettres à Anne (magnifique et impressionnant recueil des courriers de Mitterrand, publié chez Gallimard par Anne Pingeot vingt ans après la mort de son compagnon). Il se glisse aussi au Train bleu, où Léo Cohen-Paperman, son coauteur Emilien Diard-Detœuf et trois comédiens revisitent avec impertinence et lucidité les années fastes, puis crépusculaires qui ont suivi le 10 mai 1981.

Deux faces d’un même homme surgissent. L’une intime et privée, l’autre publique et populaire, les deux formant l’envers et l’endroit d’un Mitterrand qui a l’étoffe d’un personnage de théâtre. Sa personnalité, sa vie, ses secrets, ses manœuvres, ses stratégies, son ambition : qu’on l’aborde de l’intérieur ou qu’on le contemple de l’extérieur, il a toute sa place sur les scènes.

Du flux ardent des lettres envoyées à Anne Pingeot émerge la figure d’un amant déterminé, dévorateur, et dont le désir relève d’une forme de prédation. Emprise intellectuelle autant qu’amoureuse et sans doute sexuelle : la jeune fille de 18 ans qu’entreprend de séduire Mitterrand n’avait aucun moyen de lui échapper. Samuel Churin n’enlace d’ailleurs pas Céline Roux, qu’il domine de toute sa hauteur. Il la sculpte, la modèle, la soumet à la caresse autoritaire de sa main. Superbe duo qui trouve son point d’équilibre lorsque l’actrice, relevant la tête, abandonne le sourire pour la rage, le hurlement et la révolte. « Laisse-moi partir », lui écrit-elle à 28 ans dans une lettre furieuse (mais qu’elle n’enverra pas).

A partir de là, la balance penche vers plus d’égalité. La transposition théâtrale de ce brasier épistolaire souligne la force d’âme identique de deux partenaires qui s’enrichissent mutuellement. Elle s’émancipe peu à peu, il s’enfonce dans la vieillesse. Il a plus besoin d’elle qu’elle de lui. Leur relation et ce qu’en restitue le spectacle, tout, dans ce qui se joue à la Scala, est d’une grande intelligence.

Illusions et désillusions

Ce même amant consumé par la passion est élu en 1981 président de la République. La fiction mise en scène par Léo Cohen-Paperman a pour point de départ le 10 mai 1981. Jour de liesse pour les trois protagonistes qui se partagent la narration des illusions et des désillusions : un professeur à Vénissieux (Rhône), une journaliste parisienne, un ouvrier à Belfort. Quatre décennies plus tard, en 2022, le temps a fait son œuvre : l’enseignant vote pour Jean-Luc Mélenchon, la journaliste pour Emmanuel Macron, l’ouvrier pour Marine Le Pen.

Ce condensé de trajectoires ne travaille pas par hasard sur les clichés. Ces clichés sont la matière première d’une représentation où chaque mot prononcé est familier aux oreilles d’un public quinquagénaire (et plus). Mais, qu’ils aient voté ou non en 1981 (beaucoup de jeunes assistent à la pièce), les spectateurs, de près ou de loin, connaissent les épisodes mis en jeu : la maladie de Mitterrand, sa détestation de Rocard, le tournant de la rigueur, l’entrée du Front national à l’Assemblée nationale, la réélection de 1988, l’Europe enfin.

Ces événements, petits et grands, sont entrés dans l’histoire de la France. Ils appartiennent au peuple, sont commentés par la vox populi, qui peut en chanter par cœur les refrains. Assumant plusieurs rôles (leurs personnages, ceux des politiques), les acteurs se mettent au diapason d’une comédie endiablée piquée de politique vivante, à vous redonner le goût du militantisme. Avec son lot de volte-face, de reniements, de ruses, son précipité de cocasseries, cette farce a le rythme d’un vaudeville à la Feydeau. Et le tragique d’un drame shakespearien sur lequel plane, dès les premières lignes, dès 1981, l’ombre d’une mort à l’œuvre.

« Lettres à Anne », mis en scène par Alice Faure. Avec Samuel Churin et Céline Roux. La Scala Provence, Avignon, jusqu’au 27 juillet.

« Génération Mitterrand », mis en scène par Léo Cohen-Paperman. Avec Léonard Bourgeois-Tacquet, Mathieu Metral, Hélène Rencurel. Théâtre du Train bleu, Avignon, jusqu’au 23 juillet. Festivaloffavignon.com

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale)

Par Gilles Renault dans Libération, publié le 13 oct. 2025

Sa mère, l’identité, le racisme… Dans son presque seul en scène au Rond-Point à Paris, l’auteur défend avec justesse sa place dans la société.

Tranches de vie ordinaire

Gilles Renault / Libération

Publié par Télérama - le 5 octobre 2025

Connu notamment pour son film “La Conquête” sur Nicolas Sarkozy, Xavier Durringer est décédé d’une crise cardiaque, à l’âge de 61 ans.

Le réalisateur et dramaturge Xavier Durringer est mort d’une crise cardiaque à son domicile de L’Isle-sur-la-Sorgue, près d’Avignon, à l’âge de 61 ans, a indiqué son agente à l’AFP. Il avait notamment réalisé en 2011 La Conquête, une farce aux accents de polar sur l’ascension du candidat Nicolas Sarkozy (joué par Denis Podalydès). Scénarisé par Patrick Rotman, le film avait fait l’objet d’une présentation remarquée (hors compétition) à Cannes en 2011 – Nicolas Sarkozy, alors Président de la République, n’avait pas souhaité le voir, se justifiant ainsi auprès de Télérama : « Je n’ai pas besoin de me voir en personnage de fiction pour connaître la part de création, d’art presque, qu’il peut y avoir dans le rôle de président ».

Né à Paris en 1963, Xavier Durringer avait fondé une compagnie de théâtre à 19 ans, et avait présenté sa première vraie création, Une rose sous la peau, en 1988, dans le festival « off » d’Avignon. Dix ans plus tard, il revient dans le « in » avec Surfeurs, « chronique désenchantée de notre monde en perdition où on ne fait jamais que surfer sur le vide, ramer dans le malheur », écrivait Télérama. Entretemps, il s’était également lancé au cinéma avec La Nage indienne en 1993, portrait doux-amer d’une jeunesse paumée, et J’irai au paradis… car l’enfer est ici en 1997, pour l’écriture duquel il s’était associé à un ex-braqueur, et salué par Télérama comme « un polar français digne de Scorsese ».

Son dernier film de cinéma, L’Homme parfait, était sorti en 2022, et mettait en scène l’arrivée d’un androïde chez un couple dont la femme n’en peut plus de s’occuper de tout (avec Didier Bourdon dans le rôle du mari, Valérie Karsenti dans celui de l’épouse et Pierre-François Martin-Laval en robot). Il avait également réalisé de nombreux téléfilms et en 2008 la série Scalp, pour Canal+, l’histoire d’une poignée de golden boys, amis de longue date, plongés dans la tourmente financière du début des années 90.

Légende photo : Xavier Durringer en 2001 à Cannes, pour la présentation de son film « La Conquête » hors compétition. Le réalisateur et dramaturge est mort à l’âge de 61 ans. Guillaume Baptiste / AFP

Par Sandrine Blanchard, Rosita Boisseau, Joëlle Gayot, Cristina Marino et Marie-Aude Roux dans Le Monde - 05/09:2025

L’heure est à la reprise sur les scènes de théâtre, dans les salles de danse et de stand-up ou sous les chapiteaux de cirque. Les journalistes du «Monde » ont sélectionné, parmi l’offre de rentrée, les rendez-vous à ne pas manquer.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/09/05/les-spectacles-a-reserver-en-septembre_6638981_3246.html

Ce mois-ci, nous vous proposons notamment une pièce de théâtre tirée d’un récit autobiographique d’Annie Ernaux sur un avortement, une histoire d’adolescents désœuvrés et rivés à leur smartphone, une battle de danses urbaines, un opéra autour du fanatisme religieux, ou encore de (re) découvrir l’univers absurde et sensible de Marc Fraize.

THÉÂTRE

Les mots radioactifs d’Annie Ernaux dans « L’Evénement »

En 1963, Annie Ernaux a 23 ans. Etudiante à Rouen, elle se retrouve enceinte d’un amant de passage. Elle veut avorter et elle avortera. Mais à quel prix : entre le choix assumé en conscience et son accomplissement, le chemin de croix exige une volonté de fer. Cet écrit autobiographique, insoutenable joyau noir, est porté sur scène par Marianne Basler. Vêtue de noir, l’actrice se tient seule sur un plateau plongé dans l’obscurité. Elle en habite chaque recoin et semble pousser les mots devant elle. Elle les dépose dans l’espace à l’intention du public, puis elle s’éloigne d’eux, fuyant, sans doute, leur dimension radioactive. Impossible d’esquiver l’impact d’un témoignage rude et cru où la réminiscence brute des actes et leur nature agressive heurtent le spectateur dans sa chair. On dit parfois du théâtre qu’il doit passer par le corps pour être pleinement reçu et perçu. L’expression prend ici tout son sens. J. Ga.

Théâtre de l’Atelier, Paris 18e, du 12 septembre au 19 octobre.

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Emilie Rousset ne plaisante pas avec les « Affaires familiales »

Convoqués à tour de rôle sur les ondulations d’un podium blanc déposé au centre de l’espace, sept acteurs reprennent mot pour mot, à la virgule, aux hésitations et aux soupirs près, les argumentaires d’avocates spécialisées en droit de la famille. Ces professionnelles, interviewées caméra à l’appui, par la metteuse en scène Emilie Rousset, racontent leur façon de mener la bataille de la loi : de la PMA à la GPA, de la protection des mineurs victimes d’inceste ou d’enlèvement à celle des femmes qui subissent des viols conjugaux, du mariage pour tous à l’adoption d’enfants par les couples homosexuels, le droit de la famille ne s’arrête pas aux portes des chambres à coucher. Sérieux du propos, gravité des faits, acuité des combats : Emilie Rousset fait le pari de la rigueur dans un spectacle documentaire qui tisse le lien entre théâtre et vidéo. J. Ga.

Théâtre de la Bastille, Paris 11e, du 19 septembre au 3 octobre.

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« Woke » libère la fiction et émancipe les imaginaires

Quatre auteurs se réunissent pour écrire une pièce dont le sujet pourrait être la liberté de créer dans un contexte d’oppression généralisée. Cheffe de file d’un spectacle collectif et irrévérencieux, Virginie Despentes orchestre le dérapage contrôlé d’un théâtre qui s’abandonne à la fantaisie pure de la fiction et de ses héros de papier. Un homme affublé d’une longue queue, une drag-queen : les créatures fictionnelles qui vivaient, jusque-là, enfermées dans les pages des écrivains font intrusion sur scène et actent l’appel définitif à l’insurrection des imaginaires. De sorties de route en dérapages, c’est un théâtre d’une sauvage liberté qui dicte peu à peu les règles. Il vagabonde en terre pirandellienne, entre réalité et onirisme, royaume des vivants et des morts, pamphlet et poésie, concert et agora. Et s’achève en musique, dans une salle noyée de fumigènes où, du plateau aux gradins, tout le monde danse. Ce n’est plus du théâtre, c’est de la transe. J. Ga.

Théâtre public de Montreuil (Seine-Saint-Denis), du 24 septembre au 2 octobre.

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« La guerre n’a pas un visage de femme », entre l’effroi et la dignité

D’un geste artistique radical et puissant, Julie Deliquet adapte et met en scène La guerre n’a pas un visage de femme. Un récit polyphonique, documentaire et majeur de Svetlana Alexievitch, qui, dès 1975, a tendu son micro aux femmes russes parties combattre l’ennemi nazi durant la seconde guerre mondiale. Ces combattantes de tous âges étaient tireuses d’élite, brancardières, infirmières ou agentes de renseignement. Les corps amputés, les enfants massacrés, les tortures subies ou infligées, le froid, la faim, la saleté : en quatre ans de carnage, rien ne leur a été épargné. Pour faire vivre au théâtre un tel matériau, Julie Deliquet a opéré un fabuleux travail de recomposition du texte original. Il est ici servi par dix actrices exceptionnelles de vérité et d’humanité dont le jeu, la tenue et la dignité font honneur à la grandeur d’héroïnes russes un peu trop vite oubliées. J. Ga.

Théâtre Gérard-Philipe, Saint-Denis (Seine-Saint-Denis), du 24 septembre au 17 octobre.

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« Une mouette » sur le qui-vive

Une saisie impérieuse de la pièce de Tchekhov, de folles libertés prises avec ce texte iconique : le fil suivi par Elsa Granat, adaptatrice et metteuse en scène de La Mouette, est d’une cohérence imparable. Grâce à elle, les héroïnes tchékhoviennes sont des femmes qui ne s’autorisent que d’elles-mêmes. Exit les visions passées et patriarcales de Nina en jeune fille crédule ou d’Arkadina en mère insensible. Sur le plateau de la salle Richelieu, dans un décor de hauts rideaux, de toiles peintes, de transats alanguis à la nuit tombante, ces femmes, qui ne lâchent rien sur leur désir, tiennent la dragée haute à des héros masculins de petite envergure. Elsa Granat impose un spectacle singulier, servi par une fabuleuse distribution, où pas un personnage n’est conforme à l’idée qu’on pouvait en avoir. Et où chaque comédien est talonné par l’ici et maintenant d’une représentation qui se tient sur le qui-vive de sa première à sa dernière minute. J. Ga.

Comédie-Française, salle Richelieu, Paris 1er, du 19 septembre au 11 janvier 2026.

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« Denali » ou le drame d’une jeunesse trop connectée

Quand le théâtre s’empare avec justesse des codes des séries, cela donne un très bon thriller policier sur une jeunesse sans repères face à la folie de notre monde hyperconnecté. Denali – créé en 2023 au Festival Off d’Avignon et repris au théâtre parisien Juliette-Récamier qui vient de rouvrir ses portes – s’inspire d’une histoire vraie, celle de Cynthia, une ado retrouvée en 2019 à Anchorage (Alaska) tuée d’une balle dans la tête. Denali, c’est une histoire d’adolescents désœuvrés, rivés à leur smartphone et aux réseaux sociaux, persuadés que réussir se résume à être riche et célèbre. Cette quête dépourvue de sens, à l’image d’une époque envahie par les apparences, va mener Denali et son ami Kayden au pire. Parfaitement construite et rythmée, cette pièce du jeune auteur et metteur en scène Nicolas Le Bricquir, conçue en trois épisodes, porte un regard précis et nécessaire sur des ados influençables, qui prennent le virtuel pour du réel et finissent par être aussi coupables que victimes. S. Bl.

Théâtre Juliette-Récamier, Paris 7e, du 10 septembre au 19 octobre.

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« Maintenant je n’écris plus qu’en français », le récit poignant d’un comédien ukrainien en exil

Au matin du 24 février 2022, la vie de Viktor Kyrylov est devenue « absurde ». Cet Ukrainien, alors âgé de 20 ans, est réveillé par un coup de téléphone de sa mère qui lui annonce que la Russie a déclaré la guerre à son pays, que des bombardements frappent sa ville natale d’Odessa. Viktor Kyrylov vit à Moscou où, depuis trois ans, il étudie au Gitis, prestigieuse école de théâtre. « Mon rêve de culture fait de moi un traître pour les Ukrainiens et un ennemi pour les Russes, ma vie n’a plus de sens », résume le comédien. Où aller ? Doit-il faire la guerre contre ceux chez qui il voulait vivre ? Doit-il fuir ? Trois ans plus tard, dans un seul-en-scène captivant en forme de confession, Viktor Kyrylov fait le récit d’un exil avec l’ardeur de celui qui a besoin de lever l’ambivalence (combattre ou s’enfuir) qui lui a longtemps serré la poitrine. Grâce à sa présence intense sur scène, à la qualité de son écriture et à la profondeur de ses réflexions, Viktor Kyrylov, 23 ans, nous ébranle et nous questionne : qu’aurions-nous fait à sa place ? S. Bl.

Théâtre de Belleville, Paris 11e, du 7 au 30 septembre.

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« La Disparition de Josef Mengele », leçon d’histoire et performance d’acteur

En cette année de commémoration de la libération des camps de concentration, quatre-vingts ans après la capitulation du régime nazi, l’adaptation du livre d’Olivier Guez La Disparition de Josef Mengele, par Mikaël Chirinian, résonne comme la nécessité absolue de ne jamais oublier que l’homme ordinaire peut devenir un monstre. Seul en scène au milieu des « vestiges » (unes de journaux, portraits, cartes et photos) de cet officier SS, médecin de son état, qui parvint à fuir en Argentine en 1949 après avoir envoyé des centaines de milliers d’hommes, de femmes et d’enfants dans les chambres à gaz, Mikaël Chirinian nous bouleverse et nous captive grâce à la force du texte et à l’intensité de son jeu. Récit glaçant d’une fuite et d’une traque d’un effroyable nazi sans remords, jusqu’à un ultime face-à-face père-fils, ce spectacle, mis en scène par Benoît Giros, est à la fois une leçon d’histoire et une performance d’acteur. S. Bl.

Théâtre La Pépinière, Paris 2e, du 2 septembre au 5 novembre.

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DANSE

Le choc esthétique du « Sacre du printemps » de Pina Bausch

On ne s’en lasse pas. Voir et revoir Le Sacre du printemps, chef-d’œuvre chorégraphié en 1975 par l’artiste allemande Pina Bausch sur la partition éruptive de Stravinsky, réserve toujours un choc esthétique et émotionnel. Hier comme aujourd’hui, la barre est si haute techniquement que cette pièce solidement tempétueuse reste plus que jamais un sommet à franchir. Pour ce Sacre, qui se déploie sur un sol couvert de terre vite dévasté par les déplacements affolants des danseurs, ils sont 36 interprètes de 14 pays africains rassemblés au sein de l’Ecole des Sables, au Sénégal, par la chorégraphe Germaine Acogny. Soutenue par la Fondation Pina Bausch, cette production, en tournée depuis 2022, est accompagnée ici par une création intitulée Joséphine, interprétée par Acogny elle-même et cochorégraphiée avec Alesandra Seutin, autour de la vie et l’œuvre de Joséphine Baker. Un programme insolite dans le cadre du Théâtre des Champs-Elysées, où fut créé, en 1913, Le Sacre du Printemps, signé par Vaslav Nijinski. R. Bu.

Théâtre des Champs-Elysées, Paris 8e, Du 24 au 28 septembre.

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« Echelle humaine » sur le thème de la mémoire

La 8e édition d’Echelle humaine, rendez-vous piloté par Lafayette Anticipations, en partenariat avec le Festival d’automne, soutient de jeunes artistes, chorégraphes, performeurs, cinéastes et plasticiens. Sur le thème cette année de l’histoire, de la mémoire et de la nécessité de conserver des traces, la manifestation met en avant La Vertigineuse Histoire d’Orthosia, des cinéastes Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, qui nous entraînent au sein du camp de Nahr El-Bared, situé sur les ruines d’une cité romaine, dans le nord du Liban. Parallèlement, les chorégraphes Makisig Akin et Anya Cloud présentent leur pièce We Are (nothing) Everything, autour de l’amour queer. A l’affiche pendant les trois jours du festival, The Complete Works, de la performeuse Nina Beier, distingue les parcours de deux étoiles de l’Opéra national de Paris : Alice Renavand et Karl Paquette. Quant à Alex Baczynski, il se focalise sur le travail des mains dans la performance Federico. R. Bu.

Lafayette Anticipations, Paris 4e. Du 19 au 21 septembre.

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« Fusion Concept », une battle de danses urbaines

Quel incroyable décor pour une battle de danses urbaines que le merveilleux Cirque d’hiver, à Paris. C’est là que la finale internationale de la battle Fusion Concept, créé en 2009 par le danseur et chorégraphe Kanon Zouzoua, aura lieu le dimanche 14 septembre dans une ambiance effervescente. Au programme de cette soirée de haut niveau rythmée comme un show avec des démos enlevées, des affrontements en duo avec plusieurs styles au plateau, du breaking au krump en passant par la house et le popping. Sélectionnés dans différents pays dont cette année, pour la première fois, le Kazakhstan, le Kirghiszistan et le Mexique, 28 danseurs au total composant 14 équipes vont se jeter avec fougue dans l’arène. Devant un jury composé de Marvin Gofin, Akamz, Dany Dan, Storm et Ladia Yates, l’invention et l’intrépidité, le dépassement de soi et la cohésion en duo vont assurément exploser les codes de la virtuosité. Une soirée feu d’artifice. R. Bu.

Cirque d’hiver, Paris 11e. Dimanche 14 septembre.

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« Plastique danse flore », le choc de l’urbain et de la nature

On a toujours aimé le nom de ce festival pour le choc de l’urbain et de la nature autour de la danse. Sous la houlette de Frédéric Seguette, directeur du Dancing, à Dijon, la conjugaison incongrue du plastique et de la végétation a entraîné un rendez-vous éclectique et festif se déroulant dans les espaces du Potager du roi, à Versailles, en partenariat avec l’Ecole nationale supérieure de paysage. Pour la 19e édition de ce rendez-vous téméraire et champêtre, une kyrielle d’artistes vont s’enchaîner sur les thèmes, entre autres, de la beauté et de la fragilité. Parmi les invités, Olga de Soto nous prend par la main pour La Balade du regard ; Yaïr Barelli questionne le groupe et son pouvoir dans Unisson ; Rémy Héritier fouille les couches des gestes qui nous habillent avec Un monde réel ; la plasticienne Alix Boillot présente son concert de batterie sur l’eau intitulé Grace, en hommage à Jeff Buckley. De la musique, une buvette et un environnement vert magique, c’est Plastique danse flore. R. Bu.

Potager du roi, Versailles, les samedi 6 et dimanche 7 septembre.

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CIRQUE

« Village de cirque » se redéploie sur la pelouse de Reuilly

Pour sa 21e édition, Village de cirque, qui se déploie sur la pelouse de Reuilly, à Paris, télescope les styles et les genres. La compagnie historique Rasposo, dirigée par Marie Molliens, accroche ses exploits aériens sur les thèmes de la désobéissance et de la libération dans Hourvari ; le Cirque Queer, comme son nom l’indique, navigue entre la piste et le cabaret avec Il n’y a pas que les chat·tes qui ont 9 vies, tandis que la compagnie La Bossue, dirigée par Julieta Salz, repérée comme interprète chez Raphaëlle Boitel et Bastien Dausse, joue Mon royaume pour un cheval, un solo plein de surprises resserré sur un mètre carré… Les spectacles Blob, trio mis en scène par la fameuse compagnie Les Colporteurs, qui se déroule dans la forêt à dix minutes du village, ainsi que la carte blanche au jeune expert en corde lisse et clown Daniel Kvasnovsky, diplômé de l’Académie Fratellini en 2024, sont gratuits. Des ateliers cirque pour les enfants de 7 à 12 ans sont proposés. R. Bu.

Pelouse de Reuilly, Paris 12e. Du 12 au 21 septembre.

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OPÉRA

Une « Aida » sous le faix du fanatisme religieux à l’Opéra de Paris

Raison du cœur, raison d’Etat. Tel est le cornélien dilemme d’Aida, princesse éthiopienne que l’Egypte a réduite en esclavage, amoureuse de Radames, général ennemi également aimé de sa rivale, Amneris, la fille du pharaon. Créé en 1871 à l’Opéra du Caire, l’opéra de Verdi alterne scènes épiques (ainsi la fameuse marche triomphale avec trompettes) et airs plus intimes tels le « Céleste Aida » chanté par Radames. La plasticienne, photographe et cinéaste Shirin Neshat s’est emparée des thèmes universels de l’amour et de la guerre, mais aussi du fanatisme religieux qui oppresse les femmes pour mettre en scène, au moyen de nombreuses vidéos tirées de ses propres œuvres, un opéra dont la production salzbourgeoise de 2017, reprise ici à l’Opéra de Paris du 24 septembre au 4 novembre, signera les débuts de l’artiste iranienne sur la scène lyrique française. Sur le plateau, dont la distribution changera le 19 octobre, l’Aida de Saioa Hernandez affrontera la mort pour les beaux yeux du Radames de Piotr Beczala (remplacés ensuite par Ewa Plonka et Gregory Kunde), que tentera de sauver, malgré sa dévorante jalousie, l’Amnéris d’Eve-Maud Hubeaux (suivie de Judit Kutasi). Le tout sous la baguette italianissime du talentueux Michele Mariotti. M.-A. R.

Opéra Bastille, Paris 12e. Du 24 septembre au 4 novembre.

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L’édifiante conversion de « Thaïs »

Tiré du roman du même nom d’Anatole France, l’opéra de Massenet a été créé à l’Opéra de Paris en mars 1894. Il relate la confrontation entre la courtisane Thaïs et l’ascète et rigoriste Athanaël. Tandis que la « prêtresse de Vénus » accède peu à peu aux joies de la spiritualité et se convertit aux lumières compatissantes du christianisme, le moine, amoureux de Thaïs, sombre dans le péché de chair et se damne. Parmi les nombreux atouts de cette nouvelle production venue du Teatro Regio, à Turin (2008), présentée du 26 septembre au 5 octobre au Théâtre du Capitole, les prises de rôle très attendues de la soprano américaine Rachel Willis-Sorensen et du baryton grec Tassis Christoyannis. La mise en scène a été confiée au « magicien » Stefano Poda (comptable, en 2017, d’un magnifique Ariane et Barbe-Bleue, de Dukas), la direction musicale à la baguette d’Hervé Niquet, réputé grand amoureux de la musique française. M.-A. R.

Théâtre national du Capitole, à Toulouse. Du 26 septembre au 5 octobre.

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« La Traviata » de Jean-François Sivadier, remise sur le métier

Présentée pour la première fois au Festival d’Aix-en-Provence en 2011, La Traviata, de Verdi, mise en scène par Jean-François Sivadier autour de la personnalité de Natalie Dessay, qui tenait à elle seule le spectacle, a déjà parcouru les scènes des maisons d’art lyrique (Vienne, Dijon, Caen, Nancy). Un making of réalisé par Philippe Béziat, intitulé Traviata et nous, a même fini de mythifier ce spectacle conçu dans le dénuement d’un plateau quasiment vide, laissant la bouleversante « dévoyée » de Verdi aux prises avec la solitude et la mort après avoir cru un instant que l’amour d’Alfredo la sauverait. Le Paris du XIXe siècle peut-il en effet rédimer une courtisane comme elle, et lui concéder le bonheur, quand s’exerce la cruelle sentence de l’ordre social ? De l’ivresse des premières fêtes aux larmes du sacrifice, chaque acte déploie une musique qui célèbre la voix dans toute sa splendide acception, servie par une orchestration d’une expressivité inouïe. Du 26 septembre au 6 octobre, sous la baguette de Dayner Tafur-Diaz à la tête de l’Orchestre de l’Opéra Normandie Rouen, la scène rouennaise accueillera les amours « sivadiennes » de Violetta et Alfredo – incarnés par la soprano Chelsea Lehnea et le ténor Leonardo Sanchez – que brisera, non sans quelque état d’âme, l’inflexible Giorgio Germont d’Anthony Clark Evans. M.-A. R.

Théâtre des arts, à Rouen. Du 26 septembre au 6 octobre.

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HUMOUR

« Madame Fraize », poétique et drolatique

Qu’il est bon de rire. Surtout avec Marc Fraize. Se laisser embarquer par cet humoriste singulier, c’est comme plonger dans une bulle poétique et réconfortante loin du cynisme du monde. Après avoir, pendant plus de quinze ans, fait vivre son personnage inoubliable de Monsieur Fraize, antihéros magnifiquement burlesque, le comédien a créé Madame Fraize. Détachée du monde, rompant avec la frénésie de notre époque, Madame Fraize cultive l’art de prendre son temps. On pourrait croire qu’elle joue avec nos nerfs, mais sa manière d’être nous donne tout de suite le sourire puis l’envie irrépressible de rire. Ce spectacle inénarrable est d’une drôlerie déconcertante, mais délicieuse. Amateurs de punchlines, passez votre chemin. Jouant, avec malice, l’ambiguïté entre le masculin et le féminin, Marc Fraize n’est jamais grotesque dans le costume de Madame. Il respecte son personnage avec délicatesse et tendresse grâce à une gestuelle précise et maîtrisée. A la fois absurde et sensible, audacieux et candide, l’univers de Marc Fraize est unique. S. Bl.

La Nouvelle Seine, Paris 5e, du 10 septembre au 28 octobre

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ARTS DU RÉCIT

L’association Calliope transforme parcs et jardins en berceaux du merveilleux

Depuis 2021, la mairie du 17e arrondissement de Paris propose, en partenariat avec l’association Calliope, de venir écouter des contes dans les parcs et jardins du quartier, tous les week-ends de septembre. L’occasion de découvrir les différents espaces verts du 17e (le parc Martin-Luther-King, le square Sainte-Odile, le square des Epinettes…) tout en partant vers d’autres contrées grâce aux histoires des conteurs et conteuses programmés. Le dimanche 7 septembre, la comédienne Isabelle Genlis, accompagnée en musique par Hô Thuy Trang et Thanh Nam Mai, présentera Tam et Cam, une Cendrillon du Vietnam. Le dimanche 14 septembre, direction l’Ukraine avec Gorochko contre le dragon, un récit musical conté par Magda Lena Gorska. Puis viendra le tour du Burkina Faso avec François Moïse Bamba et son bestiaire africain (21 septembre) et, pour finir, ce voyage en Corée avec Le Dit du bon Heungbo et de son odieux frère Nolbo, par Hervé Péjaudier et Benjamin Bertocchi (28 septembre). Le tout accompagné d’ateliers, d’une scène ouverte, d’une séance de signature et, en clôture, la 3e édition du Salon du livre de conte, organisé place Richard-Baret, le 28 septembre, en partenariat avec les bibliothèques et médiathèques du 17e : Batignolles, Colette-Vivier et Edmond-Rostand. C. Mo.

Le 17e, berceau du merveilleux, 5e édition, à Paris, les samedis et dimanches, jusqu’au 28 septembre.

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MARIONNETTES

Un début de saison hors les murs pour Le Mouffetard

La saison 2025-2026 s’annonce placée sous le signe du changement pour Le Mouffetard – Centre national de la marionnette. Elle ne débutera vraiment qu’en décembre pour cause de fermeture pour travaux. La Ville de Paris a souhaité rendre accessible cette salle aux personnes à mobilité réduite. Par ailleurs, Isabelle Bertola, qui dirigeait le lieu depuis 2013 et son installation rue Mouffetard, dans le 5e arrondissement, va quitter ses fonctions le 1er janvier 2026. En attendant ces changements, Le Mouffetard propose deux rendez-vous de rentrée avec le Théâtre de la Tortue noire, une troupe venue du Québec. Deux performances en plein air, les 28 et 29 septembre, présentées dans le quartier autour du théâtre. La première, 2050, entre intelligence artificielle et bêtise humaine, est la dernière création en date de la compagnie québécoise : du théâtre en boîte (six vraies boîtes installées dans l’espace public) avec une représentation destinée à un seul spectateur à la fois. La seconde, L’Autre dans la cité, remonte à 2018 et repose sur la déambulation dans les rues de la ville d’une marionnette à taille humaine qui expérimente le quotidien des habitants en sirotant un verre en terrasse, en consultant un livre à la bibliothèque ou en déjeunant au restaurant, entre autres. C. Mo

Spectacles du Théâtre de la Tortue noire pour Le Mouffetard – Centre national de la marionnette, Paris 5e. Les 28 et 29 septembre.

Par le service Culture du "Monde" Sandrine Blanchard, Rosita Boisseau, Joëlle Gayot, Cristina Marino et Marie-Aude Roux

Légende photo : Blanche Ripoche, Amandine Pudlo et Julie André, dans le spectacle « La guerre n’a pas un visage de femme », au festival Printemps des comédiens, en juin 2025. CHRISTOPHE RAYNAUD DE LAGE

Par Sandrine Blanchard (Alloue (Charente), envoyée spéciale du Monde), publié le 7 août 2025

Entièrement rénové, le logis de l’illustre comédienne est désormais ouvert à tous. Et le domaine de la Vergne, en Charente, bat au rythme du Festival d’été jusqu’au 16 août.

Lire l'article entier sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/08/07/a-la-maison-maria-casares-une-belle-ambiance-entre-patrimoine-et-theatre-contemporain_6627337_3246.html

Dormir dans la chambre de Maria Casarès, petit-déjeuner dans sa salle à manger, bouquiner dans sa bibliothèque, flâner dans son salon… Depuis le 26 juillet, le logis du domaine de la Vergne, niché dans la Charente limousine, où l’illustre comédienne (1922-1996) vécut régulièrement de 1961 jusqu’à sa mort, est désormais accessible à tous : aux artistes en résidence comme aux festivaliers et autres amoureux de l’art.

La tragédienne, exilée de l’Espagne de Franco, qui fit don de ce domaine au village voisin d’Alloue en remerciement à la France pour avoir été une terre d’asile, serait sans doute heureuse de savoir qu’il est désormais entièrement restauré et consacré à la culture. Des papiers peints aux meubles rustiques, l’esprit du lieu, à la fois simple et chaleureux, a été préservé grâce à une restauration à l’identique, et cinq chambres d’hôtes peuvent y être louées.

Cette rénovation, financée à hauteur de 1,2 million d’euros par l’Etat, les collectivités locales et la Fondation du patrimoine, signe la dernière étape de la métamorphose du domaine de la Vergne, inscrit monument historique, en lieu réservé au théâtre contemporain, au patrimoine et aux repas partagés. Depuis 2017, la comédienne Johanna Silberstein et le metteur en scène Matthieu Roy ont pris, avec succès, la direction de ce centre culturel de rencontre. A leurs compétences artistiques se sont ajoutées celles de « gestionnaire, maître d’ouvrage, hôtelier, restaurateur », listent-ils avec le sourire. Il faut tout ça, et beaucoup de persévérance et de passion, pour faire vivre chaque année cette initiative culturelle en milieu rural.

En ce mardi 29 juillet, le désormais traditionnel Festival d’été démarre sous les meilleurs auspices – trois semaines de festivités du 26 juillet au 16 août, soit le temps fort du lieu qui, au printemps et à l’automne, accueille des artistes en résidence et des ateliers de théâtre pour les collégiens et les lycéens de la région. De 1 000 entrées lors de la première édition il y a huit ans, la fréquentation devrait atteindre 8 000 entrées cette année grâce à une fidélisation du public, composé pour moitié de Charentais. Il faut dire que le cadre est idyllique et le programme généreux. Le tout compose une sorte d’art de vivre commun entre spectateurs et artistes.

Trois rendez-vous théâtraux

Dans une campagne vallonnée et verdoyante, les festivaliers ou simples visiteurs peuvent se promener dans les cinq hectares de jardin et, équipés d’un casque audio, écouter, en longeant un bras de la Charente, des extraits de la correspondance amoureuse entre les deux amants, Maria Casarès et Albert Camus (Correspondance 1944-1959, publiée en 2017 chez Gallimard). « Tu es ma certitude, ma liberté, je t’aime pour toujours », écrit l’auteur de L’Etranger (1942) à la comédienne. « Comment va mon éternel angoissé ? Je trouverai toutes les patiences pour te laisser en paix pendant que tu travailles. Je t’aime à en mourir », lui répond-elle.

Cette balade sonore d’une grande intimité est d’autant plus touchante que cet amour se fracassa en 1960 avec la mort, dans un accident de voiture, d’Albert Camus. Anéantie par cette disparition, Maria Casarès, alors âgée de 38 ans, cherchera un refuge, une terre où s’ancrer, tombera sous le charme du domaine de la Vergne et l’achètera avec le comédien André Schlesser (1914-1985), son compagnon de route, qui deviendra son mari en 1978.

Les promenades sonores et les visites guidées du logis ne sont qu’un des aspects du Festival d’été. Au-delà de ces expériences patrimoniales, les responsables des lieux ont imaginé trois rendez-vous théâtraux ponctuant chaque journée : goûter-spectacle, apéro-spectacle, dîner-spectacle, en salle ou en plein air. Le concept prend des allures de fêtes de famille estivales. Matthieu Roy accueille les spectateurs, déroule le menu qui les attend, et, à l’issue des représentations, les comédiens et comédiennes leur servent les viennoiseries, les verres de pineau ou les plats chauds servis en bocaux. « Nous voulons trouver un autre rapport au public », défend Johanna Silberstein.

La programmation repose sur trois piliers : un artiste issu du dispositif Jeunes pousses (soutien à des metteurs en scène diplômés depuis moins de cinq ans), une compagnie régionale et une pièce du répertoire de la Compagnie Veilleur, dirigée par Matthieu Roy et Johanna Silberstein. « Nous souhaitons partager des esthétiques diverses et assumons des sujets engagés », explique le duo.

Sujets de société

A l’heure du goûter, le spectacle familial Prélude en bleu majeur, de la compagnie Choc Trio, offre un voyage enchanteur et burlesque à partir de l’œuvre de Kandinsky. Monsieur Maurice (interprété avec justesse par Claude Cordier), tel Charlot dans Les Temps modernes (1936), enfermé dans un quotidien gris et répétitif, va voir son ordinaire bousculé par l’apparition d’une balle bleue. L’univers de Kandinsky se met à éclabousser murs et cartons dans une ambiance à la fois clownesque et poétique. Répété au domaine d’Alloue, en 2019, lors d’une résidence, ce spectacle a, depuis, été joué plus de 400 fois.

Timlideur, une histoire de militantisme, proposé pour le dîner-spectacle, a, lui, été présenté en mai 2024 aux rencontres Jeunes pousses de la Maison Maria Casarès avant d’y être créé en septembre. Grâce à ce Festival d’été, la jeune troupe lyonnaise, emmenée par le metteur en scène Grégoire Vauquois, bénéficie de dix-neuf représentations, « presque comme un petit Avignon “off” », souligne Matthieu Roy.

Cette fiction-documentaire, comme la définit son auteur, plonge les festivaliers dans l’itinéraire d’un jeune étudiant sans histoire, convaincu que la crise climatique est le grand combat du XXIe siècle et qui, au-delà de ses gestes écologiques individuels, se met en tête de rejoindre une association pour être « au cœur de l’action ». En plein air, à l’arrière de la Maison Maria Casarès, il est question de « bloquer la République des pollueurs » en occupant, notamment, le hall du ministère de l’écologie. Engagée, cette pièce politique évite le piège du pensum moraliste en instillant de la drôlerie. Surtout, elle est portée par cinq jeunes comédiennes et comédiens au talent rafraîchissant.

Avant eux, lors de l’apéro-spectacle, un autre sujet de société, celui du monde du travail et de ses absurdités, est proposé avec l’adaptation par Matthieu Roy du roman de Mariette Navarro, Palais de verre (Quidam, 2024). Soit une femme, employée modèle, « parfait rouage » d’une grande institution, qui, un jour, « n’adhère plus », ne comprend plus les « nouvelles directives » et se détache peu à peu de cet univers de soumission, en quête d’une nouvelle liberté. Création de la Compagnie Veilleur, cette pièce sera reprise au cours de l’hiver à La Scène Maria-Casarès à Poitiers, le pendant « citadin » de la maison charentaise ouvert depuis octobre 2023.

A l’issue du dîner-spectacle, 116 spectateurs se retrouvent pour un repas sous les tilleuls dans une ambiance de guinguette. « Dites donc, c’est de plus en plus engagé vos spectacles, attention », interpelle un retraité, habitué du festival. « C’est bien, continuez comme ça, se réjouit une autre convive qui vient aussi à chaque édition. C’est ma sortie théâtrale de l’année. Je ne regarde même pas le programme, je fais confiance et je viens. »

Bénévoles indispensables

Comme la plupart des initiatives culturelles, le modèle économique de la Maison Maria Casarès est fragile et tient, en partie, grâce à 20 % de fonds propres issus de privatisations (pour des mariages, des séminaires, etc.). « Avec la fin des travaux de rénovation, nous avons, grâce à l’investissement, un outil en ordre de marche. Mais quid du fonctionnement ? », s’interroge Matthieu Roy.

La structure, qui participe à l’animation du territoire, n’a obtenu aucun financement du plan Culture et ruralité, lancé en 2024 par le ministère de la culture. Et le metteur en scène ne cache pas son inquiétude quant au renouvellement du soutien financier de la direction régionale des affaires culturelles (DRAC) pour le dispositif Jeunes pousses.

La Maison Maria Casarès, c’est sans doute Nadine Boutant qui en parle mieux. Cette agricultrice fait partie des bénévoles indispensables – au-delà de la petite équipe rattachée au lieu – à la bonne marche de cette aventure culturelle. Elle aide notamment à l’organisation des repas et pour rien au monde ne louperait la moindre soirée de ce Festival d’été. « Ça fait partie de ma vie, ça me permet de sortir, ce sont mes vacances. J’ai toujours des frissons quand je franchis l’entrée du domaine et j’admire le travail des troupes de théâtre », témoigne Nadine sans cacher son émotion.

En 2024, après avoir assisté à une réunion locale consacrée au plan Culture et ruralité, elle a, « exceptionnellement », écrit un courrier à Rachida Dati, à la DRAC et à la sous-préfète. « Les agriculteurs n’osent pas venir au théâtre, ils pensent que ce n’est pas pour eux. Mais une fois qu’ils ont assisté à une représentation, leur opinion change, écrit-elle. Il faut défendre ces lieux qui rapprochent les gens et créent du lien social. »

Festival d’été de la Maison Maria Casarès, Alloue (Charente). Jusqu’au 16 août.

Sandrine Blanchard (Alloue (Charente), envoyée spéciale)

Sandrine Blanchard / Le Monde 

Légende photo : Le repas partagé sous les tilleuls après le dîner-spectacle lors du Festival d’été à la Maison Maria Casarès, à Alloue (Charente), le 26 juillet 2025. JOSEPH BANDERET

Par Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) - 26 juillet 2025

La manifestation, devenue un passage obligé pour les compagnies théâtrales, a présenté 1 731 spectacles, avec de fortes disparités de fréquentation.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/26/au-festival-off-d-avignon-un-public-en-hausse-pour-une-offre-toujours-plus-variee_6624063_3246.html

Des rues piétonnes fourmillantes, des dizaines de spectacles affichant complet dès les premiers jours, l’ambiance festive qui a rythmé le Festival « off » d’Avignon durant trois semaines, du 5 au 26 juillet, se confirme dans les chiffres. Les premières tendances de fréquentation placent cette 59e édition « sous le signe de la réussite », constatent les responsables de l’association Avignon Festival & Compagnies (AF&C), coordonnatrice de ce vaste marché du spectacle vivant. « Selon les premières remontées, nous serions à 1,6 million de billets vendus et le taux moyen de remplissage des salles se rapprocherait des 60 % », détaillent Laurent Domingos et Harold David, coprésidents d’AF&C.

Surtout, les deux indicateurs les plus fiables, sur lesquels l’association s’appuie chaque année pour établir son prébilan, affichent des hausses significatives. Ainsi, Ticket’off, la plateforme de billetterie proposée par AF&C (en parallèle de celles dont dispose chacun des 139 théâtres avignonnais et des plateformes privées telles que Billetreduc), a écoulé 290 000 tickets, contre 203 000 en 2024 et 172 000 en 2023. « C’est un record », se félicite Harold David. Même tendance pour les cartes « off » d’abonnement (offrant 30 % de réduction sur les places de spectacles) : 79 400 ont été achetées cette année, contre 62 900 en 2024 et 65 477 en 2023.

Si ces données témoignent d’un fort attrait du public pour ce grand rendez-vous théâtral, elles cachent de fortes disparités de fréquentation parmi les quelque 1 731 spectacles proposés par 1 405 compagnies. Comme la récente comédie Avignon, de Johann Dionnet, l’a très bien dépeint, il y a plusieurs « off » dans le « off ». Le populaire, le contemporain, le classique, l’intello. C’est un peu à l’image du film Le Goût des autres (2000), mais au sein même de la famille théâtrale. En ne cessant de grossir (il y avait 600 spectacles en 2003, 1 491 en 2023) cette manifestation parallèle au Festival « in » d’Avignon ne se vit plus tout à fait de la même façon, que ce soit du côté du public, des compagnies ou des journalistes.

Si de moins en moins de festivaliers se baladent avec le lourd programme du « off » sous le bras, ce n’est pas seulement parce qu’ils ont téléchargé sur leurs smartphones son équivalent numérique, mais parce qu’ils sont de plus en plus nombreux à avoir établi leurs choix avant même leur arrivée dans la cité des Papes. L’heure est de moins en moins aux découvertes impromptues. « Désolés, on est déjà pris », ne cessent d’entendre les comédiens et comédiennes s’épuisant à tracter dans les rues avignonnaises pour attirer des spectateurs.

De plus en plus d’avant-premières

« Mais comment choisissez-vous vos spectacles ? », me demande une spectatrice dans la file d’attente du Cabaret mythique au théâtre du Petit Louvre, spectacle musical et théâtral dans lequel la compagnie Les Mauvais Elèves revisite avec une folle fantaisie les personnages de la mythologie grecque. Comme bon nombre d’habitués du « off », cette retraitée constate qu’il est devenu très difficile d’accéder à certaines programmations sans avoir réservé. Rançon d’un bouche-à-oreille favorable pour certains spectacles ? Volonté de rationaliser des séjours raccourcis pour des raisons budgétaires ? Poids des prescriptions des médias qui ont pu découvrir des pièces avant leur programmation avignonnaise ?

Soyons honnêtes, journalistiquement, il est impossible de couvrir de manière exhaustive un festival aussi foisonnant. Cela conduit forcément à des injustices, des spectacles de qualité passant chaque année hors des radars de la presse. Dans cet écosystème du « off », les médias sont notamment influencés par le travail des attachés de presse qu’ils côtoient le reste de l’année à Paris. Ces dernières années, de plus en plus d’avant-premières sont proposées aux journalistes dès la fin du printemps. Cela leur permet de s’avancer sur leur programme et d’anticiper la publication de listes de recommandations dès les premiers jours du Festival.

Mais cette tendance a ses revers : il pousse le public à réserver de plus en plus tôt et favorise les compagnies ayant les moyens de s’adjoindre une ou un attaché de presse. Or, selon une enquête réalisée par l’AF&C, seules 30 % des compagnies ont engagé une ou un attaché de presse et/ou une ou un chargé de diffusion externe.

Grande variété artistique

Néanmoins, les succès du « off » 2025 reflètent la grande variété artistique de ce rendez-vous hors norme. Qu’il s’agisse de créations contemporaines comme Annette, de Clémentine Colpin, ou Made in France, de Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget ; de théâtre documentaire tel que Fast, d’Olivier Lenel et Didier Poiteaux sur les ravages de la fast-fashion ; de classiques revisités (Ubu président adapté par Mohamed Kacimi, L’Illusion comique mis en scène par Frédéric Cherboeuf) ; d’épopée historique (Cléopâtre. La reine louve, d’Eric Bouvron) ; de seuls-en-scène intimes (Michaël Hirsch, Mickaël Délis, etc.), toutes ces propositions, pour ne citer qu’elles, ont fait rapidement le plein.

Attirant plus de 2 500 professionnels du spectacle vivant (programmateurs, diffuseurs, représentants de collectivités territoriales, etc.), le « off » est devenu un passage obligé aussi bien pour les compagnies émergentes que pour les producteurs déjà bien installés pour lesquels Avignon constitue une rampe de lancement avant une exploitation parisienne. En apparence, il y a une forme de paradoxe entre la vitalité de ce Festival et les contraintes actuelles de la filière du spectacle vivant confrontée aux coupes budgétaires des collectivités et aux difficultés de diffusion. Dans ce contexte, l’effet entonnoir du « off » ne cesse de croître. Il faut y être pour espérer décrocher des dates de tournées en France.

Selon l’enquête menée par AF&C, 78 % des spectacles ne bénéficient pas de subventions publiques. Et les retombées de leur participation au Festival ne sont pas mirobolantes. Ainsi, 80 % des compagnies obtiennent entre zéro et cinq dates de tournée et environ 10 % entre cinq et quinze. Quant au prix de cession, il est très majoritairement inférieur à 4 000 euros par représentation. Alors que le « off » fêtera en 2026 son 60e anniversaire, des « assises nationales de la diffusion » vont être mises en place par l’association.

Sandrine Blanchard (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE

Légende photo :  Les affiches du Festival « off » d’Avignon, le 7 juillet 2025. ADÈLE BOSSARD/RADIO FRANCE/MAXPPP

Par  Armelle Héliot dans son blog - 13 juillet 2025

Elle a écrit et interprète ce texte très personnel, Mon père, cet arabe. Monologue moiré d’émotions et d’humour, dans une mise en scène de Kheireddine Lardjam.

Sanglée dans un imperméable, petit sac à main, cheveux relevés en chignon chic, elle est à cour. Au milieu du petit plateau d’Artéphile, très bonne adresse, se dresse un mannequin grand qui porte une robe belle et inspirée beaux vêtements d’Afrique du Nord. Parfois, la narratrice se perchera derrière, offrant son visage à la haute silhouette.

Cette narratrice est une jeune femme de notre temps que l’on connaît car elle est une artiste reconnue pour son art, sa sensibilité, sa personnalité forte.

Linda Chaïb est là, si douce et si forte en même temps. Elle possède un très joli timbre, musical et nuancé. Elle nous regarde droit dans les yeux, si l’on peut dire. Elle s’adresse à nous, spectateurs attentifs, Son regard est ferme, sans faiblesse, mais on y devine une pudeur extrême que, parfois, elle doit oublier.

Car elle parle d’elle, de son père. On l’a vue au cinéma, au théâtre,, mais c’est la première fois qu’elle écrit. Parlant de son père, elle parle de sa vie. Elle témoigne. Avec ses soeurs, elles ont été des adolescentes rêvant de sortir le soir, malgré les interdictions paternelles. Au coeur de ce monologue dans lequel elle se livre, précautionneuse, car il s’agit de ne blesser personne, il y a des scènes cocasses que l’on « voit » littéralement.

Elle a beaucoup d’esprit, Linda Chaïb. Une tenue. Une grâce. On pense parfois à Ariane Ascaride. Deux femmes libres, deux femmes de Méditerranée.

Sous son imper, la belle narratrice porte une robe noire qui lui va très bien. Qu’en aurait dit son père ? Un homme sobre, bon, franc, mais avec ses règles, ses raideurs, ses rugosités. Ses erreurs, sans doute. Mais il y a de l’aristocratie en cet homme. C’est ce que révèle Linda Chaïb dans ce texte irrigué de sa vie, de son passé et de ses espérance. Un des très beaux moments du off, cet été.

Théâtre Artéphile, 7 rue du Bourg-Neuf, à 17h05. Durée 1h15. Relâche les dimanches, 13 (aujourd’hui) et 20 juillet.

Armelle Héliot 

Publié le 15 juillet 2025 par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog

Il y a trente ans, Jacques Osinski créait son premier spectacle d’après La faim de Knut Hamsun avec un certain Denis Lavant. Au fil des années, ils devaient se retrouver plusieurs fois autour des textes de Beckett. C’était encore le cas la saison dernière avec Fin de partie (lire ici). Et donc, cette année, avec En attendant Godot. Denis Lavant dans le rôle de Vladimir dit Didi et Jacques Bonnaffé dans celui d’Estragon dit Gogo, deux vagabonds qui n’en finissent pas de ne pas se séparer et qui attendent un certain Godot qu’ils attendront encore à la fin de la pièce.

La pièce En attendant Godot a été publiée en 1952 aux Entions de Minuit ( comme tous les textes de Beckett) et,depuis, souvent rééditée avec en couverture une image reprise de la mise en scène de Roger Blin qui créa la pièce dans un petit théâtre parisien aujourd’hui disparu. La pièce, traduite dans bien des langues, a été jouée, et reste toujours jouée, de par le monde, sur une multitude de scènes. En France, Jean-Pierre Vincent puis , plus récemment Alain Françon l’ont servie avec force.

Comme Françon, Osinski part non de la version publiée en France mais d’une version dite de Saint Quentin dans une mise en scène de Walter Asmus, version reprenant la mise en scène signée par Beckett lui-même en 1975 au Schiller théâtre de Berlin et où Asmus était son assistant. Beckett assista aux répétitions de son ancien assistant, modifia quelque peu le texte ( ajoutant « de la chair aux os » aux dires des acteurs) et plusieurs didascalies. Ainsi, au tout début de la pièce, Beckett note : «  Estragon est sur le sol. Il appartient à la pierre. Vladimir est lumière. Il est orienté vers le ciel. Il appartient à l’arbre ».

Estragon (Denis Lavant) est donc assis sur une pierre, il essaie d’ôter son soulier. Plus loin, se tient Vladimir (Jacques Bonnaffé), non loin de l’ arbre aux branches nues. Au deuxième acte, l’arbre sera pourvu de « quelques feuilles » . « J’aime cette attention que Beckett porte aux éléments : minéral (pierre), végétal (arbre), animal (homme). Il y a quelque chose de très concret, très terrien qui m’intéresse, j’ai envie de partir de ça pour mettre en scène Godot » note Osinski.

Je ne sais pas si Lavant et Bonnaffé ont déjà joué ensemble, l’un terrien, l’autre plus aérien, ils font merveilleusement la paire. Plus tard, apparaîtront Pozzo (Aurélien Recoing qui fut proche de Vitez ) tenant au bout d’une corde son serviteur, esclave soumis, Lucky (Jean François Lapalus qui appartenait à la troupe du TNS dans les années Vincent). Le dernier et éphémère personnage, un enfant, apparaît en impression virtuelle, informant Estragon et Vladimir que « monsieur Godot » ne viendra pas le soir. Personnages moins éphémères, Pozzo et Lucky, gardent un part de leur mystère quant à leur identité et à leur relation, l’un tenant l’autre par une corde. Ils quitteront la scène laissant seuls Estragon et Vladimir lesquels  pour finir, disent vouloir partir et ne bougent pas. La force d’Osinski est là : loin d’expliquer ces quatre personnages, il .en accentue progressivement l’ insaisissable mystère. 

Jean-Pierre Thibaudat 

Avignon off, au Théâtre des Halles, 21h jusqu’au 26 juillet. Puis tournée : le 27 juil au festival de Figeac, le 29 juil  au festival Beckett à Roussillon et la saison prochaine du 25 mars au 3 mai au Théâtre de l’Atelier à Paris. .

Chronique du Festival d'Avignon par Libération - Le 18 juillet 2025

Les excès ont été cadrés (pour des raisons de respect du voisinage comme dans un souci écologique) mais l’affiche reste un élément central du Festival d’Avignon. Placards d’affiches, amoncellement d’affiches, déversement torrentiel d’affiches, sur les murs ou le long des poteaux, pour vanter les spectacles du Off, les fauchés accrochant leur flyer format carte postale à l’agrafeuse sur les pancartes des plus fortunés. En pressant le pas d’un théâtre à l’autre, un titre de spectacle nous accroche, deux autres lus trop vite n’en font plus qu’un (le Horla d’Annie Ernaux ?), on imagine aussi le brainstorming pour se démarquer dans une concurrence acérée (1 724 spectacles cette année dans le Off, tout de même). Il y a les intrigants (la Sœur de Jésus-Christ, Au-delà de la pénétration) et ceux qui ne mettent pas toutes les chances de leur côté, c’est courageux : Pôvre Vieille Démocrasseuse, Pourquoi je ne suis pas en haut de l’affiche, Rossignol à la langue pourrie, Je me petit-suicide au chocolat ou encore Noir, Juif et Borgne (non là on triche, c’est un spectacle sur Sammy Davis Jr). Il y a les multiples spectacles à prénom (Annette, Alexeï et Yulia, Frantz…) et ceux qui nous rappelle qu’on a oublié notre rendez-vous chez le dermato (la Peau des autres, Dans le silence des paumes, Une peau plus loin). Et nos préférés, les petits malins qui tentent de piquer des lecteurs à Katherine Pancol : la Lente et Difficile Agonie du crapaud buffle sur le socle patriarcal ou le Chemin du wombat au nez poilu.

Les spectacles du jour

On adore

On aime

L’interview fournaise

Les coulisses

Par Thierry Jallet dans Wanderer - 9 juillet 2025

L'enfant de verre, de Léonore Confino et Géraldine Martineau, Présence Pasteur, Avignon OFF 2025 

Avignon OFF 2025 : À quelques centimètres de la vérité…

Par Thierry Jallet dans Wanderer Publié le 10 juillet 2025

Les Paillettes de leur vie ou la Paix déménage, de et avec Mickaël Délis, Théâtre Avignon – Reine Blanche, Avignon OFF 2025 

Par le service Culture de Libération - 17 juillet 2025

L’équipe théâtre de «Libé» vous aide à vous y retrouver parmi les 1 724 spectacles du off. Du dancefloor aux lycées en passant par l’industrie musicale, sélection de 10 spectacles.

«L’ouvrir», le génie lesbien de Morgan·e Janoir

Jusqu’au 24 juillet à 11h45, Théâtre 11 Avignon, 11, boulevard Raspail (84 000). Une heure.

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«Album» de Lola Molina et Lélio Plotton

Album de Lola Molina, mise en scène Lélio Plotton, à La Manufacture, Festival off Avignon, jusqu’au 22 juillet. Texte édité aux éditions Théâtrales

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«Fast», d’Olivier Lenel et Didier Poiteaux

Fast- Festival OFF d’Avignon, Théâtre des Doms, 1 bis rue des Escaliers Sainte-Anne (84000). A 10h30 jusqu’au 26 juillet, relâche les mercredis 16 et 23 juillet.

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«L’Evénement» de Joëlle Fontannaz

Jusqu’au 20 juillet à la Manufacture à 18h15 (durée 1h15). Dans la sélection suisse.

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«Azira’i», de Zahy Tentehar

Azira’i, mis en scène par Zahy Tentehar avec l’aide de Duda Rios jusqu’au 13 juillet à la Manufacture à 17 h 25 (relâche le 10 juillet).

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«Annette», de Clémentine Colpin

Annette de Clémentine Colpin au Théâtre des Doms, festival Off jusqu’au 26 juillet.

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«Décoloniser le dancefloor», de Habibitch

Décoloniser le dancefloor, Habibitch, jusqu’au 22 juillet au Château de Saint-Chamand, navette 19h15, spectacle 19h40. Relâche le 17 juillet. Retour à Avignon 21h35 en navette.

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«Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer» d’après Virginie Despentes

Rien n’a jamais empêché l’histoire de bifurquer  de Virginie Despentes, mis en scène par Anne Conti, jusqu’au 26 juillet à 18 heures (durée : 1 heure), à la Scierie (relâche les 8, 15 et 22 juillet).

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«La neige est blanche» de Marine Mane

La neige est blanche jusqu’au 26 juillet à 11 h 00 à Présence Pasteur. Relâche les 8, 15, 22 juillet (50 minutes).

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«Le journal de Maïa» de Cédric Orain

Le journal de Maïa, jusqu’au 24 juillet à 9 h 45 au Théâtre du Train bleu. Relâche les 11 et 18 juillet (50 minutes).

Par Joëlle Gayot dans Le Monde - 16 juillet 2025

Proposé dans le « off » du festival, le spectacle, créé en mars 2024 à Villeneuve-d’Ascq pour deux acteurs, connaît un tel succès que trois duos se succèdent désormais à la distribution.

https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/07/16/a-avignon-l-abolition-des-privileges-poursuit-son-exceptionnel-parcours_6621650_3246.html

Histoire paradoxale d’un succès qui fait du bien, mais ne protège de rien : l’épopée de L’Abolition des privilèges (adapté et mis en scène par Hugues Duchêne à partir d’un roman de Bertrand Guillot) est l’exemple même d’un projet modeste qui a su rencontrer un large public. La raison de cet engouement ? Sa forme souple et son contenu percutant qui, sous prétexte de retracer une séquence historique, tape au cœur de préoccupations contemporaines.

La fiction ressuscite la nuit du 4 août 1789, au cours de laquelle représentants du tiers état, du clergé et de la noblesse en finissent avec les privilèges et instaurent l’universalité de l’impôt. Une heure quinze de débats jubilatoires que perturbe l’insertion hilarante de thèmes sociétaux tels que le féminisme, le patriarcat ou encore le « wokisme ». « Le roman décrit un bouleversement politique qui renverse un ordre établi depuis quatre cents ans et prouve qu’il est possible de faire advenir du nouveau. Or, de quelle nuit du 4 août rêvons-nous aujourd’hui ? », s’interroge le metteur en scène qui reprend, à sa manière, le flambeau d’illustres prédécesseurs. Ariane Mnouchkine, Sylvain Creuzevault ou Joël Pommerat ont, avant lui, redonné des couleurs à la Révolution française.

Proposé au Train bleu, dans le « off » d’Avignon, dans un dispositif quadrifrontal, avec deux acteurs au plateau, L’Abolition des privilèges nécessite désormais une triple distribution, les comédiens étant dans l’impossibilité d’assurer les représentations prévues dans les mois à venir. Un premier duo a ouvert le festival, le second l’a relayé du 7 au 17 juillet, le troisième fermera le ban jusqu’à la clôture de la manifestation. Ces trois équipes seront sur le pied de guerre pendant la saison 2025-2026, et c’est là l’heureux karma d’une aventure née il y a un peu plus d’un an.

Quelque chose d’inédit

En mars 2024, lorsque Hugues Duchêne, directeur de la compagnie Le Royal Velours, donne le coup d’envoi de L’Abolition des privilèges au Théâtre de La Rose des vents, à Villeneuve-d’Ascq (Nord), il est loin de se douter de ce qui l’attend. Quelques jours plus tard, à Paris, où le spectacle se reprend dix fois au Théâtre 13, c’est le jackpot : record d’affluence dans la salle. Trois mois plus tard, l’artiste casse la tirelire familiale pour s’offrir un créneau d’exposition dans le « off » du Festival d’Avignon. Le marché est concurrentiel, mais la rumeur, excellente, sait trier le bon grain de l’ivraie. Trois cents professionnels se bousculent à la porte : « Certains n’ont pas pu entrer, ce qui a aiguisé leurs convoitises, dit en souriant le metteur en scène, pas dupe. C’est un spectacle léger et qui ne coûte pas cher : 3 500 euros la session. »

En octobre 2024, Léa Serror, la directrice de production, l’avertit : il se passe quelque chose d’inédit : les demandes d’accueil affluent de toutes parts, pas question de décliner les sollicitations. Revers de la médaille : Maxime Pambet, le créateur du rôle principal, ne pourra pas être de toutes les soirées. Duchêne monte donc une équipe B, puis, en janvier, une équipe C. Il anticipe à juste titre : entre mars 2024 et juin 2026, L’Abolition des privilèges devrait cumuler 290 dates de représentation. Un nombre « inespéré et fou » dans un laps de temps aussi resserré.

A la croisée des chemins

Cette performance, qui rassure l’intermittent en quête de cachets, ne fait pourtant pas de Hugues Duchêne un homme riche. « Je gagnais mal ma vie, je la gagne un peu mieux, mais sans plus. » D’un point de vue économique, l’opération n’est pas une martingale. Venir à Avignon coûte cher. Location de la salle, logements, repas, voyages, communication : la note grimpe à 54 000 euros (assumée par Le Royal Velours et trois autres partenaires). Pour récupérer l’argent investi, il faut vendre 25 dates du spectacle : « Nous y parviendrons. Mais, une fois amorti le coût avignonnais, ce qui restera dans nos caisses ne suffira pas à financer ma prochaine création. »

Pour son futur projet, il a besoin de 140 000 euros. Des coproducteurs ont répondu présent, mais ne peuvent, pour l’heure, préciser le montant de leurs apports. La subvention récemment attribuée par la direction régionale des affaires culturelles des Hauts-de-France (25 000 euros annuels pendant deux ans) et l’aide de la région Hauts-de-France ne suffiront pas à boucler le budget : « Je fais avec les moyens de production du théâtre public, et ils ne sont plus ce qu’ils étaient. » S’il admet malgré tout faire « partie des privilégiés du système », Hugues Duchêne est à la croisée des chemins. Réclamé par les directeurs de théâtre, plébiscité par le public, le succès de L’Abolition des privilèges n’a en rien aboli l’incertitude des lendemains qui tremblent.

L’Abolition des privilèges. D’après Bertrand Guillot. Adaptation et mise en scène : Hugues Duchêne. Train bleu. Avignon Jusqu’au 24 juillet. Distribution : Maxime Pambet en alternance avec Maxime Taffanel et Oscar Montaz ; et Hugues Duchêne en alternance avec Baptiste Dezerces et Matéo Cichacki.

Joëlle Gayot (Avignon, envoyée spéciale) / LE MONDE