Revue de presse théâtre

Par Anne Diatkine dans Libération 

«Au cœur d’une meute de loups qui déchirent la pièce avec leurs dents»

Actuellement sur scène à La Courneuve dans «les Frères Karamazov», avec la troupe de la Volksbühne Jeanne Balibar parle de son travail avec le metteur en scène Frank Castorf.

Et nous voici chez Jeanne Balibar, à Paris, une poignée de jours avant la première des Frères Karamazov monté par Frank Castorf avec la troupe de la Volksbühne (lire ci-contre). Le spectacle, créé à Vienne dans une ancienne usine de cercueils, s’est joué toute l’année dernière à Berlin. En France, il inaugure à la fois le Festival d’automne à Paris et un tout nouvel espace théâtral monumental, la Friche industrielle Babcock, dénichée à La Courneuve (Seine-Saint-Denis) par Hortense Archambault, directrice de la MC93 à Bobigny, actuellement en travaux.

Avez-vous lu «les Frères Karamazov» ?

Je l’ai lu quand j’avais 18 ans et relu avant de répéter, et j’ai été stupéfaite de découvrir à quel point c’était drôle. Drôle et insupportablement douloureux. Je l’ai relu sans savoir ce que j’allais jouer car avec Castorf, on ne sait jamais. Il compose au fur et à mesure, il fait selon les contraintes et l’inspiration du moment, et à partir de cela, il pose une deuxième brique. Ça a l’air d’être au hasard, ça ne l’est pas du tout, il suit son fil. On savait quand même qui jouerait les trois frères. Et que le contexte serait particulier car, à part moi, c’est la troupe historique qui est présente sur scène. Mais Castorf n’avait aucun doute que j’allais jouer le diable.

Pourquoi vous en diable ?

Parce que je suis quelqu’un de foncièrement gentil ! C’est bien connu, seuls les acteurs gentils jouent bien le rôle de méchants. «Je suis le diable, je m’incarne en religieux, en employé de banque, en journaliste culture, et en mère», dit Dostoïevski, et à la fin, on s’aperçoit que tous ces personnages ne sont que les figures d’une seule : le diable.

Est-ce que vous faites encore une différence entre jouer en allemand et en français ?

Je n’en ai pas la moindre idée. Apprendre et retenir des textes m’est beaucoup plus facile qu’il y a quatre ans, et même inventer en allemand si jamais j’ai un trou. Même ma bouche a pris l’habitude de la gymnastique pour former les mots allemands, alors qu’au début j’ai eu des problèmes d’articulation, ce n’est pas le même mouvement des lèvres.

Vous avez été pensionnaire à la Comédie-Française, vous l’avez quittée très vite. En Allemagne, faites-vous partie de la troupe de Castorf ?

Je n’ai pas le sentiment d’appartenir à la troupe de Castorf, à cause de son histoire particulière. Elle s’est constituée il y a vingt-cinq ans, elle a inventé quelque chose qui n’existait pas avant, je n’étais pas de cette aventure. J’ai la chance, depuis quatre ans, d’y être admise et de travailler avec elle. Etre complètement fondue dans une entité collective est une expérience merveilleuse, et je suis d’autant plus heureuse de la connaître qu’elle m’a toujours été impossible. Etudiante, j’ai détesté l’internat, puis j’ai détesté voir tout le temps les mêmes gens à la Comédie-Française - et ce que j’aime dans les tournages est qu’ils produisent des groupes éphémères. Le miracle a été possible ici grâce à une organisation des représentations très différente en Allemagne. En France, on n’a généralement qu’un jour de relâche dans la semaine, et on joue sur un temps resserré. A Berlin, c’est l’inverse : on joue le même spectacle toute l’année, mais un ou deux jours dans la semaine seulement. N’être sur scène que le samedi m’a permis de continuer de vivre à Paris, d’élever mes enfants, tout en vivant cette expérience de troupe.

Comment se caractérise l’invention du théâtre de Castorf ?

Lui et sa troupe ont inventé un théâtre avec perte et fracas : la mise en ruines de la représentation et de la soirée théâtrale. Les Allemands ont créé un mot pour dire cela : la mise en pièce de la pièce. Castorf utilise un système de juxtaposition de textes mais aussi une multitude d’outils différents - il est le premier à avoir filmé en live les acteurs sur scène et dans les coulisses, par exemple. Mais aussi, l’imbrication de tous les styles de jeux imaginables depuis le hurlement à la Artaud jusqu’à la déclamation, l’élégie, le boulevard le plus trivial. Toutes les techniques sont convoquées pour donner à voir le fracas du monde, la perte de soi, la déperdition d’énergie, de manière à faire surgir une préoccupation très fine et très sensible pour autrui. Dans le bruit et la fureur, Castorf donne à voir l’endroit où s’éprouve la plus grande compassion.

En quoi cette expérience vous a-t-elle transformée ?

C’est l’ensemble qu’il faut prendre en compte : jouer dans une autre langue, dans un autre style de jeu, au milieu de gens qui sont tous des loups… Parce que chez Castorf, il n’y a que des stars ! Chaque acteur met la barre à un niveau dangereusement acéré. Il n’y a aucune douceur sur ce plateau, alors même que Frank Castorf est quelqu’un de très doux. L’objectif ultime est du côté de la douceur, mais il se travaille chaque jour au milieu d’une meute de loups qui déchirent la pièce avec leurs dents. Pour moi qui ai travaillé dans des lieux où l’on accordait beaucoup d’importance à l’attention aux partenaires, c’est très étrange. Je ne veux pas m’adapter complètement à cette manière d’être, même si elle m’intéresse.

Comment se déroule une répétition ?

En France, les metteurs en scène travaillent la plupart du temps quelques semaines à la table, auscultent le sens, puis trouvent une forme. En Allemagne, la forme se cherche d’emblée, sans lecture préalable. Castorf, lui, ne travaille que trois heures par jour pendant quatre à cinq semaines, ce qui est très court, et signifie qu’on commence à jouer en public, quand en France, on serait encore dans le secret des répétitions. Mais ces trois heures demandent une incroyable agilité intellectuelle et sportive. Sportive au sens propre : on court beaucoup sur scène. Castorf est branché sur son inspiration, dans une sorte de transe, et il nous demande d’être sur la même onde. Si bien qu’on est tous plongés dans un état second. Et durant la troisième heure, il nous explique ce qu’on vient de faire, et il explicite pour lui ce qu’il vient de fabriquer. On doit être très concentré durant ce dernier moment car sinon, on ne pourra pas reproduire le geste. Par définition, quand on est en transe, on ne sait pas très bien ce qu’on fait.

Par Virginie Bloch-Lainé dans Libération


L’actrice revient dans un rôle-titre, cachée sous un costume de panda. Un effacement de son image qu’elle semble apprécier.

Pour vivre heureux, vivons cachés, sous un casque haute technologie, comme le chanteur de Daft Punk Thomas Bangalter, qui préserve ainsi sa vie privée des effets d’un succès planétaire, ou sous une peau de panda, comme Elodie Bouchez, sa compagne depuis 1999. Elle est effectivement déguisée en panda dans le premier film réussi de Ramzy Bedia, Hibou. Les vendeuses du grand magasin où flâne madame panda, rayon parfumerie, ou les passants des rues canadiennes dans laquelle cette jolie comédie d’auteur fut tournée ne trouvent là rien d’anormal. Certains autour d’Elodie Bouchez ont tiqué à l’idée qu’elle joue «sous le panda», mais elle, maître zen, ça ne la dérange pas de ne pas se montrer. Le rapprochement avec les masques de Daft Punk, elle ne l’a même pas fait lorsque Bedia, son voisin dans le quartier parisien du Marais, lui a raconté son projet.

L’actrice de 43 ans menue-menue, douce, gracieuse, note qu’elle n’a pas été tête d’affiche depuis un bail, mais le constat ne trouble pas celle qui, à 20 ans, épatait les spectateurs des Roseaux sauvages de Téchiné en interprétant Maïté, fille d’une professeure de français communiste. Maïté qui en bave avec la dépression de sa mère, Maïté si mûre, si bienveillante. Les Roseaux sauvages et la Vie rêvée des anges sont les deux films que l’on accole au nom d’Elodie Bouchez. Après, nous séchons.

Pourtant, l’actrice n’a jamais cessé de travailler. Sur sa fiche Wikipédia, vous lirez un titre par année. Elle était de la série américaine Alias,d’un des films loufoques de Quentin Dupieux ou d’une pièce mise en scène par Emmanuel Demarcy-Mota, puisqu’Elodie Bouchez a intégré pendant cinq ans la troupe du Théâtre de la Ville qu’il dirigeait. «Les gens ont l’impression que j’ai disparu alors que j’étais au cœur du travail avec le Théâtre de la Ville. Nous sommes partis en tournée en Russie, en Corée, aux Etats-Unis. J’ai reçu des propositions de théâtres privés, mais elles ne m’intéressaient pas», dit celle qui a reçu le césar de l’espoir féminin pour le Téchiné, puis celui de la meilleure actrice pour le Zonca, avec lequel elle tourne actuellement un polar en compagnie de Cassel, Berling, Kiberlain et Duris. Elodie Bouchez n’y est pas policière, on n’en sait pas plus. Découverte par Gainsbourg (Stan the Flasher, 1990), elle est partante pour les aventures expérimentales telles que Too Much Flesh, le film de Jean-Marc Barr sur une passion sexuelle, ou Happy Few d’Antony Cordier, dans lequel deux couples s’entendent plus que bien. Mais ce n’est pas une raison pour pratiquer le grand déballage autobiographique.

Alors elle répond aux questions personnelles avec son beau sourire, mais brièvement. «Question biographie, elle est dans la pingrerie», écrivait Libération dans un premier portrait d’elle, en 1997. La position n’a pas pris une ride. Son trait de caractère complique l’exercice. Mère de deux garçons, de 8 et 14 ans, Elodie Bouchez ne babille pas sur la maternité ni sur le couple avec des remarques psycho-chiottes : «Avec les enfants, je suis sympa jusqu’à un certain point, comme tout le monde. Mais s’ils me font basculer vers la mère chiante, je deviens très chiante.»

L’entretien a lieu dans un café de Montparnasse, donc nous ne verrons pas son appartement, «près du BHV». Pour déterminer le moment et le lieu du rendez-vous, elle s’assure avec délicatesse que l’ensemble nous convient aussi. Du neuf sur ses parents depuis le précédent portrait ? La mère assistante de direction est aujourd’hui retraitée. Le père architecte, puis chauffeur de taxi à la suite d’un revers de fortune, retraité également. Ni frère ni sœur, et tout le monde s’entend bien. Sa vie quotidienne aux côtés d’une star de la musique électronique est «la même que celle des autres. Nous faisons tout sans être dérangés». C’est la vertu du casque ? «Le génie du casque.» Est-elle branchée ? «Difficile de ne pas la trouver branchée, dit son amie Mia Hansen-Love. Elle a une liberté qui ne correspond pas à l’image de la comédienne française. Ses tenues ne sont jamais démonstratives. Elle a un truc un peu mec, elle porte des tee-shirts larges tout en étant féminine, très sexy.» C’est exactement le cas le jour de la rencontre. Sur son tee-shirt est imprimée la couverture de l’album Billie Jean. Il est rentré dans un jean moulant. Par-dessus, un blazer bleu et, aux pieds, des bottines en daim. Tout est fin, mais son corps bouge avec tonicité. C’est du solide.

Avec Romain Duris, son «meilleur ami», rencontré sur le tournage du Péril jeune, ou Melvil Poupaud, elle appartenait à une bande dans les années 90. Les deux hommes sont les échantillons du reste de ses goûts, générationnels : Olivier Assayas, Lætitia Masson et Harmony Korine, brillant réalisateur américain, né lui aussi en 1973. Dire pour qui elle vote ne présente, selon Elodie Bouchez, aucun intérêt. L’argent ? «Ce n’est pas mon truc d’acheter des trucs. Quand j’ai commencé à en gagner, j’ai acquis un petit appartement. Pour être indépendante et quitter la banlieue, où j’ai grandi.» Parmi ceux que l’on sollicite pour le portrait figure Abdellatif Kechiche, réputé si caractériel. L’attachement, réciproque, entre Elodie Bouchez et le réalisateur témoigne du fait qu’elle n’est pas une brindille fragile : «Des tensions, on en a tous. Mais sur un tournage, ce qui m’agace, c’est de m’apercevoir que je ne suis pas entre de très bonnes mains. Heureusement, c’est rare. Sans mettre en doute la parole des filles, les polémiques autour du tournage de la Vie d’Adèle m’ont énervée. Je préfère me retrouver avec un réalisateur un peu survolté comme Abdel, qui a une vision, plutôt qu’avec quelqu’un de mou et très affable.» Le réalisateur de la Vie d’Adèle a tourné avec elle son premier film en 2000, la Faute à Voltaire. Il dit : «Elle est intègre. C’est de l’ordre du miracle dans ce métier de rester simple de corps et d’esprit. Surtout pour une actrice. Et puis elle est intelligente, mais c’est prétentieux de dire ça, parce c’est à l’aune de sa propre intelligence qu’on le juge.» Abdellatif Kechiche ne doit pas distribuer des compliments tous les quatre matins.

Tiens, deux questions oubliées lors du rendez-vous : le «z» à la fin de Bouchez se prononce-t-il, et comment a-t-elle rencontré son compagnon ? Réglons cela par SMS, nous avons fonctionné ainsi jusqu’à présent. Elodie Bouchez a toujours répondu avec simplicité et efficacité. «Oui, le "z" de mon nom se prononce, et le reste, je le garde pour moi.» C’est réglé, placidement et clairement. 

5 avril 1973 Naissance.

1993 Les Roseaux sauvages (André Téchiné).

1998 La Vie rêvée des anges (Erick Zonca).

2007 Gamines, pièce de Sylvie Testud.

2014 Etre ou ne pas être (Lætitia Masson).

6 juillet 2016 Hibou (Ramzy Bedia).

Virginie Bloch-Lainé

Photo Jérôme Bonnet

Golshifteh Farahani interprètera Anna Karénine à la Tempête. CR : Antonia Bozzi

Devant un tel monument, il fallait bien sûr couper, retailler, sculpter à sa manière. Gaëtan Vassart a choisi de centrer sa version d’Anna Karénine sur le personnage central du roman, en soulignant à quel point celui-ci constitue une figure d’émancipation féminine. Dès lors, confier le rôle à Golshifteh Farahani, actrice iranienne et française, prend un sens tout particulier. Cette dernière s’est exilée d’Iran en raison des persécutions consécutives à son succès hollywoodien. Elle a ensuite posé nue à la une d’Egoïste dans un geste politique. Huit comédiens issus du Conservatoire l’accompagneront pour déployer la fresque légendaire.

Eric Demey



A PROPOS DE L’ÉVÈNEMENT
ANNA KARÉNINE (LES BALS OÙ ON S'AMUSE N'EXISTENT PLUS POUR MOI)
du 12 mai 2016 au 12 juin 2016
Théâtre de la Tempête
Route du Champ de Manoeuvre, 75012 Paris, France
du mardi au samedi à 20h, le dimanche à 15h. Tel : 01 43 28 36 36.

Par Patrick Sourd dans le Monde

¨L’actrice est Agrippine, dans « Britannicus », à partir du 7 mai. Un rôle qui marque son entrée au Français.


Pensionnaire à la Comédie-Française depuis mars, l’actrice se prépare à y jouer Agrippine dans Britannicus, de Racine. Une double consécration pour cette comédienne au parcours singulier. 

Etre aujourd’hui pensionnaire de la Comédie-Française revêt quel sens pour vous ?

J’étais très émue quand j’ai signé mon contrat. J’ai été accueillie par toute l’équipe. C’était à la fois un bonheur, un honneur et une fierté. Je tenais à en faire une fête et nous avons sablé le champagne. Il s’agit de bien plus qu’une invitation à jouer, j’entre dans une troupe et dans une maison de théâtre vieille de plus de trois siècles. Entrer au Français est une des envies qu’ont les jeunes actrices au sortir du Conservatoire. L’événement a d’autant plus d’importance qu’il se passe à un moment de ma vie et de ma carrière où je n’imaginais plus pouvoir faire un jour partie de cette famille.

Quelle a été votre réaction quand Eric Ruf vous a proposé le rôle d’Agrippine sous la direction de Stéphane Braunschweig ?

C’était incroyable pour moi de me savoir ainsi désirée simultanément par l’administrateur du Français, et par ce metteur en scène… Deux hommes pour qui j’ai le plus grand respect. Je trouvais surprenant qu’ils me proposent le rôle d’Agrippine. Je ne m’y voyais pas du tout, mais je pense que ce type de rôle est encore plus intéressant quand on ignore au départ jusqu’où il peut vous mener. Savoir que j’allais jouer aux côtés de Clotilde de Bayser, Laurent Stocker, Hervé Pierre, Stéphane Varupenne, Georgia Scalliet et Benjamin Lavernhe était aussi la promesse d’une grande aventure. J’ai dit « oui » à tout ça…
Et ce n’est qu’à partir de ce moment-là que j’ai commencé à me rêver dans le rôle.

Comment décririez-vous votre parcours au théâtre ?

Depuis son tout début, il se déroule hors des clous et à rebours de la tradition. Je désirais apprendre le théâtre, mais ni le Conservatoire ni l’école de la rue Blanche n’ont voulu de moi. J’ai toujours eu le désir d’être d’une école, d’une tribu, d’un clan. Je me suis rapidement rendu compte que ça ne marcherait pas ainsi pour moi, que mon chemin se ferait hors des sentiers battus et qu’il serait un chemin solitaire. C’est grâce à Patrice Chéreau que les choses ont changé. Il m’avait repérée lors d’un travail que je présentais dans un atelier avec Pierre Romans au cours Florent et m’a proposé un petit rôle dans sa mise en scène de Peer Gynt d’Ibsen. Une année durant, j’ai observé de l’intérieur le travail des répétitions de la troupe magnifique qu’il avait réunie. La seule façon, pour moi, d’apprendre mon métier a été cette école du regard. Mais Patrice Chéreau a quitté son théâtre à Nanterre et, comme souvent dans cette profession, je suis revenue à la case départ.

La dernière fois que vous avez interprété Racine, c’était Phèdre sous la direction de Patrice Chéreau. Eric Ruf jouait Hippolyte.

J’y repense toujours avec beaucoup d’émotion. A cette époque Patrice Chéreau m’avait dit : « Tu n’as jamais fait de tragédie, moi non plus, c’est peut-être là qu’est notre principal atout. » Avec lui, il fallait tordre le cou à la tradition. Faire jaillir le sang et les larmes… Quand on y arrivait, le plaisir était fou et l’on avait le sentiment d’accéder à une liberté de jeu extraordinaire. On a souvent distribué Hippolyte en jeune adolescent immature. S’agissant d’Eric Ruf, il lui donnait la stature d’un homme. Cela changeait la donne de nos échanges et j’avais une confiance totale en lui comme partenaire.

Comment se déroulent les répétitions avec Stéphane Braunschweig ?

Il monte souvent sur scène. Il ne joue pas, mais nous indique avec une grande précision ce qu’il aimerait nous voir faire. Stéphane Braunschweig est capable d’une grande concentration dans le travail, mais il sait aussi s’amuser. Il a beaucoup d’humour. C’est un homme particulièrement heureux en ce moment après sa nomination à la tête de L’Odéon-Théâtre de l’Europe et c’est un artiste épanoui. Comme ce fut le cas avec Patrice Chéreau, lui aussi se confronte pour la première fois à la tragédie avec Britannicus.

Quel est le point de vue de Stéphane Braunschweig sur la pièce ?

Chaque metteur en scène a son avis sur le vers racinien. L’important étant que les comédiens se conforment à cette règle pour que le souffle du texte s’accorde entre eux tous. C’est à travers notre jeu choral que la pièce va trouver son unité, son rythme et sa respiration. Britannicus est basée sur les intrigues du pouvoir. Stéphane Braunschweig l’inscrit dans un décor d’aujourd’hui pour en faire l’écho de batailles politiques qui pourraient se dérouler à notre époque. Son parti pris est très contemporain. Incarner une femme politique de notre siècle me permet d’aller dans le sens de la grande modernité qui existe dans le personnage d’Agrippine.

Propos recueillis par Patrick Sourd

Britannicus, de Jean Racine, mise en scène de Stéphane Braunschweig. Avec Dominique Blanc, Clotilde de Bayser, Laurent Stocker, Hervé Pierre, Stéphane Varupenne, Georgia Scalliet, Benjamin Lavernhe. A la Comédie-Française, Salle Richelieu. Place Colette, Paris 1er. Tél. : 01-44-58-15-15. Du 7 mai au 23 juillet. www.comedie-francaise.fr

Ancienne pensionnaire de la Comédie Française, la comédienne et actrice Dominique Valadié enseigne aujourd’hui au Conservatoire national supérieur d’art dramatique. Elle s’entretient avec Laure Adler.

Ecouter l'émission  : http://media.radiofrance-podcast.net/podcast09/11189-17.03.2016-ITEMA_20938437-0.mp3


Dominique Valadié • Crédits : Samuel Bernard

Dominique Valadié voulait être danseuse. « Ça m’a plu lorsque ma mère m’a inscrite au cours à l’Opéra de Nice. ». Elle y découvre une certaine discipline, « le goût de l’exercice et puis ensuite le rêve de voler de la ballerine, de s’envoler. Parce que c’est quand même ça, le saut, qui est beau dans la danse».

Puis elle ira vers le théâtre où elle s’investit avec la même discipline, le même sérieux. « Je prends au sérieux ce qui est écrit. J’essaye de ne pas le déformer. J’essaye de le faire entrer en moi d’une certaine manière, de l’encastrer sans trop le bouger. ». Celle qui a joué aux côtés de nombreux grands metteurs en scène tels que Antoine Vitez, Alain Françon, Claude Regy, connaît la fragilité d’un texte, et la liberté qu’il peut offrir à son interprète : « on peut dire des répliques de façon tout à fait opposée sans même que ce soit si visible que ça pour les partenaires. ». Elle évoque le moment du jeu. Lorsque l’acteur joue son texte. Un exercice qui oscille entre composition et spontanéité, « c’est une activité cérébrale continue, (…) une respiration, une espèce de liberté, je dirais. »

Sur l’enseignement du théâtre, elle défend une pédagogie de la non-intrusion : « le regard long sur un acteur, la capacité de le regarder sans trop le déranger, c’était bon pour enseigner. (…) Ca pouvait aider l’acteur à trouver cette liberté. Pour ne pas qu’il soit dans cette sorte de prison qui est : qu’est-ce que mon personnage ? Qu’est-ce qu’il me dit ? Au bout d’un moment ça ferme et l’acteur ne s’exprime plus. ». Elle se souvient d’un ancien professeur de théâtre, à Nice, « qui était comme ça, qui ne parlait pas. Je l’aimais beaucoup. Il était très intéressé mais il parlait très peu. On voyait qu’il était émerveillé par les personnalités des gens, des jeunes acteurs. Donc on se sentait nécessaire à son regard. On sentait que ça voulait dire quelque chose pour lui d’être là tous les après-midis »…

Par Fabien Bonnieux et Chantal Malaure dans La Provence

L'Avignonnais Loïc Corbery, sociétaire de la Comédie-Française, va jouer pour la première fois dans la cour d'honneur du palais des papes


Loïc Corbery incarne Herbert Thalman, témoin de toutes les déflagrations des "Damnés".

Il vient d'avoir 40 ans et pour la première fois, il va jouer dans la Cour d'honneur d'Avignon, sa ville. Entré au "Français" en 2005, Loïc Corbery en est devenu sociétaire cinq ans plus tard. "Lundi dernier (le 27 juin), on avait tous rendez-vous à 18h. J'ai tourné autour du Palais des papes comme avant un rendez-vous amoureux. On a très envie mais on redoute que ce moment ne soit pas aussi beau que ce que l'on a imaginé."



Regard vif, mots choisis, Loïc Corbey vit pleinement son songe d'une nuit d'été à lui. "J'ai l'impression de réveiller mes rêves d'enfant." La Cour, il l'a arpentée en spectateur, pour applaudir Sami Frey, ("la pudeur même"), dans Nathan, le sage (1997), et son premier choc, Henry VI de Stuart Seide (1994).

"Avec mon frère, on entrait par effraction au Palais"

Après avoir joué, à six ans, dans un court-métrage d'Agnès Varda tourné à Avignon, Corbery, ado, prend des cours au "Théâtre Tremplin" (Rostand, Molière), toujours dans la Cité des papes. "Avec mon frère, on entrait par effraction au Palais. On jouait aux explorateurs avec nos lampes torche."

Plus tard, en Terminale au lycée Saint-Joseph, il s'immisce entre midi et 14h "dans la Cour d'honneur, encore ouverte à l'époque. Là, je rêvais de théâtre". À partir de mercredi, Loïc Corbery campera dans "Les Damnés" un des seuls gentils de l'histoire. "Herbert Thalman est le témoin conscient de la montée du nazisme et le témoin de cette famille qui se désintègre. Sa parole est une mise en garde."

Festival In d'Avignon : dans la Cour, en répétition avec la Comédie-Française
Quant au metteur en scène, Ivo Van Hove, "il laisse l'acteur avec sa matière à lui, sa réflexion intime. Il architecture nos corps, nos voix et nos regards à l'intérieur de cette formidable machine à jouer." Hasard du calendrier, ce 6 juillet, jour de la première de la pièce, Corbery sera, au cinéma, à l'affiche du film "Sur quel pied danser". "J'y joue un salaud. Ça compense !"

"On est si fiers de travailler avec Ivo"

Elsa Lepoivre joue dans "Les Damnés" la baronne Sophie von Essenbeck. Dans les travées de la Cour d'honneur, on la dirait comme chez elle, tout en aisance élégante et souriante. C'est pourtant la toute première fois , comme quelques-uns de ses camarades du "Français", qu'Elsa Lepoivre foule l'immense plateau, "chargée du bonheur d'être de cette aventure". Après les classiques du répertoire, sous la direction des Françon, Lassalle, Schiaretti... la 516e sociétaire s'inscrit dans le projet d'Ivo Van Hove avec une appétence totale, "ses Shakespeare et Vu du pont m'avaient époustouflée".


Elsa Lepoivre (ici avec Loïc Corbery) est la 516e sociétaire de la Comédie-Française.
Diriger des acteurs en français était encore, il y a quelque temps, un cauchemar pour le patron du Toneelgroep d'Amsterdam : "Il a vite vu que nous étions des acteurs assoiffés de travail et d'une grande adaptation face à la variété des projets. On a rapidement saisi ce qu'il pouvait imaginer et tout le monde a joué le jeu ", confie Elsa Lepoivre. "Ivo est un homme secret, attachant, qui nous laisse assez libres dans un cadre très construit qu'il a beaucoup travaillé en amont avec son équipe technique. Il travaille beaucoup à l'oreille, aux rythmes. Quand il lance une indication, ce n'est pas tant qu'il veut un sentiment mais juste une note".

Le film de Visconti, celle qui reprend le rôle d'Ingrid Thulin, (la baronne Sophie von Essenbeck) avoue qu'elle ne l'avait auparavant jamais vu : "Au départ, je voulais m'en inspirer, je l'interprète au même âge qu'elle, 43 ans, mais la forme théâtrale en est tellement éloignée que j'ai eu besoin de rester sur ma ligne".

Scènes violentes, de nudité, "tout a un sens avec une esthétique forte. La distance historique est brisée". A quelques jours de la première, si l'effervescence n'est pas encore palpable, l'impatience est bien là, celle d'entendre les trompettes de Jarre et d'admirer les vols de martinets à la nuit tombée.

PHOTO BRUNO SOUILLARD

Par Sophie Jouve pur Culturebox

Ses yeux brillent, son sourire est radieux, Loïc Corbery ne cache pas son excitation. Dans quelques jours, ce natif d'Avignon, au physique éternellement juvénile, va jouer pour la première fois dans la Cour d'honneur, "Les Damnés" de Visconti avec sa troupe de la Comédie-Française. La Cour d'honneur où il se faufilait quand il était petit, s'imaginant incarner les plus grands rôles du répertoire.
On l'avait découvert en 2005. Il était alors un jeune premier prometteur qui arrivait en scooter aux répétitions. Depuis on l'a vu joué avec la même aisance Dom Juan, Alceste dans le Misanthrope, le Prince de la Double Inconstance… Il nous a bouleversé en Perdican dans "On ne badine pas avec l'amour" de Musset. On a hâte de le voir incarner Herbert Thallman, l'âme pure, le proscrit des "Damnés". Rencontre pendant les dernières répétitions parisiennes.

Comment se déroulent le travail avec Ivo van Hove ? 

On savait qu'on avait très peu de temps. Je redoutais que tout soit prédéterminé dans la mise en scène, qu'on prenne les places qu'il avait décidé et que le spectacle se monte comme ça. En fait ce n'est pas du tout ce qui s'est passé.

Le spectacle est extrêmement pensé en amont, visuellement, scénographiquement, dramaturgiquement, esthétiquement et techniquement, mais en revanche toute la matière humaine s'est façonnée en répétitition avec lui, à l'instant présent.


Ce qui m'a surpris chez Ivo c'est sa douceur. Je m'attendais à un esprit brillant, à un metteur en scène pertinent, on découvre tous, je crois, une humanité assez belle, extrêmement discrète, secrète, délicate, tout ça est vraiment très chaleureux
Ivo van Hove à l'habitude de travailler avec une troupe d'acteurs très physique à Amsterdam… 

On a cette sensation, ce sentiment ou ce souvenir que les acteurs du Français sont plus cérébraux que physique, mais ce n'est pas le sentiment que j'ai. J'ai le sentiment d'appartenir à une génération de comédiens, par les metteurs en scène avec qui on travaille, par les spectacles que nous avons vus, et des envies qu'on a , assez sensible à ce que notre corps peut raconter, aussi bien que notre voix, et aussi à la manière dont différents corps peuvent se parler sur un plateau, se rencontrer, s'entrechoquer, se briser.
Quel rôle tenez-vous dans cette famille von Essenbeck ? 

Herbert, mon personnage, est dans cette histoire le seul qui a une conscience aigüe de ce qui est en train de se passer. Dès le départ il voir venir le danger, il va en souffrir très violemment lui et sa famille. C'est celui qui pressent, qui a un regard très clairvoyant sur la Grande histoire  et la petite histoire, le sort de cette famille dans la Grande histoire.

Content d'en être ?! 

On est content d'en être (sourire rayonnant), d'autant plus que moi je suis natif d'Avignon. Pour n'importe quel acteur aller jouer là-bas, quand même, c'est un moment important. Moi il se trouve que c'est aussi un rendez-vous secret, de l'enfant que j'étais, qui a pu rêver sur cet endroit, du spectateur que j'ai été beaucoup là bas, de mon adolescence jusqu'à aujourd'hui. C'est un moment très particulier pour moi. 
Comment appréhendez-vous la Cour d'Honneur ? 

J'y vais avec une grande confiance, j'en connais tous les recoins. C'est la première fois que j'y joue, mais j'y ait tellement joué étant enfant ! J'y jouais à cache-cache avec mes amis quand j'étais tout petit, puis tous les grands rôles du répertoire quand j'étais adolescent, tout seul l'hiver… Entre midi et deux je mangeais très vite à la cantine, la Cour était encore ouverte au public à cette époque là, j'y allais et je rêvais à Musset, Molière Schakespeare. Il n'y a pas que la cour, il y a aussi tous ces regards qu'on a croisé, Casarès…

On est très heureux, les uns les autres, de vivre cette aventure tous ensemble. C'est un peu la famille quand même. J'ai l'impression, avec la famille, de redescendre à la maison.

INFOS PRATIQUES

"Les Damnés" d'après Luchino Visconti, mise en scène d'Ivo van Hove
Cour d'honneur du Palais des Papes
6, 7, 8, 9, 11, 12, 13, 15, 16 juillet à 22H/ 14 juillet à 23H

Illustration : Loïc Corbery,  Elsa Lepoivre © Jan Versweyveld, coll. Comédie-Française

Par Clémentine Gallot pour Libération/Next

Sandra Hüller . Prodigieuse, la comédienne allemande de «Toni Erdmann» est un petit soldat d’une redoutable précision, rodée dès l’adolescence sur les scènes de théâtre.

Une scène sidérante de Toni Erdmann, dans laquelle Sandra Hüller s’égosille sur le tube Greatest Love of All de Whitney Houston, s’est vue acclamer par l’auditoire cannois. Ce genre de manifestation euphorique, qui se déclenche rarement avant le générique (dans le meilleur des cas), fait sans doute de la comédienne, très identifiée chez elle mais inconnue de nos radars, une candidate toute désignée au prix d’interprétation féminine. Dans le somptueux troisième film de l’Allemande Maren Ade (lire aussi pages II-III), un patriarche boute-en-train et mythomane qui s’incruste chez sa fille, Inès, femme d’affaires workaholic et surdiplômée installée en Roumanie, vient dérégler son quotidien d’expatriée nantie. En duo crispé avec le vétéran autrichien Peter Simonischek jouant l’affabulateur échevelé et édenté, la trentenaire aux pommettes de Cate Blanchett se déploie en majesté dans cet état des lieux de la filiation qui évoque en même temps l’aliénation salariale et le devenir de l’Union européenne. Elle commente, en anglais : «Nous ne discutons jamais des thèmes du film, qui sont un sous-texte. Mais bien entendu, je vis dans ce monde-là. Par exemple, au théâtre et au cinéma, les femmes sont moins rémunérées que les hommes, c’est un fait. En interview, on demande aux femmes comment elles font pour travailler avec des enfants.» Message reçu.

Pistolet.
Si l’on contemple, grisé, ce personnage à la maîtrise magnifique sombrer inexorablement, la comédienne studieuse n’est pas étrangère à ces bouffées anxiogènes : «Inès fait ce qu’elle peut. Elle n’a pas de vie et oublie de s’amuser. Je connais ça.» Ce récit à combustion lente conçu comme une montée en puissance envisage à rebours le motif de la femme au bord de la crise de nerfs hérité de la Movida. Un portrait d’une working girl perturbée par un surgissement œdipien qui met en branle une irrésistible mécanique burlesque.

Rigoureuse machine de guerre, l’actrice s’est soumise successivement avec la cinéaste Maren Ade à de longues répétitions, un tournage de trois mois et jusqu’à 40 prises par scène. Avec une discipline teutonne, Sandra Hüller aiguise sa concentration hors des plateaux en tirant à l’arc et au pistolet pour son plaisir. Son homologue allemand, le comédien Lars Eidinger, à l’affiche de Personal Shopper d’Olivier Assayas, qui l’a connue jadis au conservatoire berlinois Ernst-Busch, est catégorique sur cette «Spielwütige» (possédée de théâtre) : «C’est la meilleure actrice contemporaine chez nous. Elle est très authentique, directe, drôle et son amplitude émotionnelle est très vaste. C’est une comédienne très technique, qui navigue entre précision et folie sauvage.» Elevée en RDA à la fin des années 70, sans téléphone ni voiture, Sandra Hüller raconte une enfance paisible au milieu de parents éducateurs dans une petite ville de Thuringe. «Pour contacter les gens, il fallait aller chez eux. Les choses étaient simples. J’ignorais tout du système politique mais je me sentais en sécurité», se souvient-elle. Sa famille, modeste, descend de fermiers et de tisseurs, elle fait donc ses premiers pas sur scène à l’école. Diplôme en poche, elle s’installe à Berlin pour suivre des cours d’art dramatique. Cette indépendance arrachée à 17 ans l’affole, elle est dévastée par le mal du pays. Trop sérieuse et trop stressée, elle s’abîme dans une vision doloriste du jeu d’acteur. «Je prenais les choses trop à cœur. Je pensais qu’il fallait souffrir et éprouver de grandes émotions. Je n’avais aucune distance, je ne savais pas me protéger.»

Démons.
Formée dans plusieurs troupes régionales, à Iéna, Munich et en Suisse, elle travaille jusqu’à l’épuisement. «Au bout d’un moment, je n’avais plus rien à donner.» Mieux armée, elle connaîtra ensuite une épiphanie auprès du metteur en scène hollandais Johan Simons, qui la rassure : «Tu sais, on peut faire ce qu’on veut sur scène.» L’actrice placide - qui a débuté au cinéma en 2006 en étudiante possédée par le démon dans Requiem de Hans-Christian Schmid et reçu l’ours d’argent à Berlin - s’avoue intimidée par sa première incursion cannoise, papillonnant raout «où tout est chronométré». A l’affiche l’an dernier d’Amour fou de l’Autrichienne Jessica Hausner, sur le suicide du poète Kleist, elle n’avait pas été conviée. Désormais installée à Leipzig, elle enchaîne les projets et se contente de glisser : «J’aime mieux ma vie aujourd’hui.» Puis elle botte en touche : «C’est vraiment personnel, désolé.» Inquiète de l’actualité, elle estime que l’Allemagne traverse «une période très dangereuse. On traite les étrangers comme des animaux. Pour certains, il est même normal de faire le salut nazi».

Clémentine Gallot

Par Nathalie Rouiller dans Libération :

Comment se passe l’après-césar pour l’espoir féminin ? Rencontre avec l’actrice de «Fatima», qui avance sans s’en faire, rieuse et fougueuse.

A l’annonce de son nom, elle a flotté un peu, étourdie, ailleurs. Et puis, malgré le before à bulles champagnisées, le plexus s’est figé dans un corps à cœur inégal. Meilleur espoir féminin. La corde de l’émotion pincée pizzicato, il a fallu remercier sans débordements excessifs. Tout se passe si vite aux césars. Entre ballet de micros poilus, flashs ébouriffants et incrédulité devant le trophée, cette compression qu’on berce à bras bouclés.

Que reste-t-il à Zita Hanrot du grand raout parisien ? La découverte un brin écœurante d’un packaging doré sur tranche : clip de présentation à gros budget, dîner au Meurice, compliments en escadron pour les perdrix de l’an ? L’espoir de durer dans le cinéma qu’elle incarne actuellement, celui de l’épure et de la pudeur ? Assurément, la fierté de sa prestation dans Fatima, long métrage d’une tendre violence, qui dit la difficulté de louvoyer entre deux cultures. Zita Hanrot y campe une étudiante en médecine, stressée autant par l’intensité du cursus que par un tacite devoir de réussite envers sa mère, une femme de ménage maghrébine.

On la rencontre à Bastille, loin du velours rouge des fauteuils du Châtelet. La princesse en robe Fendi a rendu son déguisement, troqué les talons pour des baskets noires. Jean troué, marinière planquée sous le pull à grosses mailles, créoles en poinçon d’une identité mélangée, la jeune lauréate anticipe les désillusions. «Les gens vont croire que je n’ai qu’une tenue», dit-elle en souriant, désignant les rayures régulièrement arborées. Devant l’objectif, la paupière cligne, prunelle dépolie. La fatigue des déplacements. Aix-en-Provence avec Noces de sang, la pièce de García Lorca, le Maroc pour Canal +, les obsèques d’une amie, victime d’un accident cardiaque. En introspective avisée, elle disserte sur l’intérêt de ces troubles moments d’épuisement. Avoue surtout qu’elle a mal aux yeux. La faute à son nouvel iPhone et à l’appli de la contrée, une version méditerranéenne de la belote, qu’elle vient de télécharger.

BFM TV l’a bombardée «première femme noire à obtenir un césar», le Conseil représentatif des associations noires de France (Cran) a surligné ce «progrès notable». Zizanie assurée, puisqu’en 1984, une réalisatrice martiniquaise avait déjà été récompensée. «C’est ridicule, on se croirait dans Vénus noire, le film de Kechiche. Je déteste les étiquettes, la discrimination positive. C’est daté, c’est dommage.» Le terme «Black» ne fait pas partie de son vocabulaire, alors comment l’imaginer en égérie ethnique ? Elle n’en veut pas à Guillaume Gallienne de s’être interrogé sur la prime à la diversité dont aurait bénéficié Fatima, imagine un débat en tête à tête. A 26 ans, Zita Hanrot redoute les récupérations et a hâte de prendre le pouvoir. Rien de très politique. Elle n’a jamais voté, et les hommes d’Etat, «des mecs super égotripés», ne lui tirent qu’une moue dégoûtée. C’est sur les planches et les plateaux qu’elle entend éprouver l’effet césar. Cueillie en terminale par les Ephémères, pièce d’Ariane Mnouchkine, la diplômée du Conservatoire de Paris fourmille de projets. Elle voudrait faire du théâtre un lieu d’expériences sensorielles multiples, casser les codes scène-public. Côté cinéma, elle travaille à un court métrage, une histoire d’arnaque religieuse. A la sortie d’une église à Londres, sa grand-mère jamaïcaine a vu Dieu et Jésus. Ce qui n’est pas rien. Les concepts de mensonge et d’illusion, la naissance des mythes, les parallèles entre fois chrétienne et artistique intéressent l’incrédule.

Intermittente du spectacle et dépensière compulsive, elle n’a ni gros moyens ni gros besoins. Elle a touché 8 000 euros pour Fatima, érige en dogme partage et débrouille. Son passé de serveuse n’est pas si lointain, et elle se satisfait volontiers de petits arrangements avec ses proches. En couple depuis cinq ans avec Ambroise Sabbagh, son «chéri», également acteur, elle verse une toute petite somme à «ses beaux-parents» pour l’appartement. Lui se charge de régler les factures.

Philippe Faucon, le réalisateur de Fatima, dit l’avoir choisie pour «son regard direct, frontal et fort. Pour son côté nature, sans rien de factice». Sans doute aussi pour l’éclat émoussé de son rire enfantin et pour sa peau rhum caraïbe. Dans ses veines, il y a de la Jamaïque, du Suriname. Des relents d’Alsace-Lorraine à chants guerriers. Graphiste et éditeur, le père est originaire de Reims (Marne). La mère, illustratrice de livres et peintre, est londonienne. L’histoire des parents, c’est un peu l’auberge espagnole version british. Bébé Erasmus regrette seulement que la langue maternelle ait été sacrifiée au désir d’intégration, et que ni Idrissa, le frère aîné, producteur et acteur, ni elle ne soient bilingues. «Ma mère ne nous a pas parlé anglais. Même si, enfants, on allait régulièrement passer des vacances à Hackney, un district du Grand Londres, j’ai souffert du manque de communication avec ma grand-mère.»

A la maison, les piles de livres branlants remplaçaient la télévision. De quoi jouer facilement les décalées magnifiques. A l’âge des pornos numériques, Zita Hanrot ne boudait pas la philosophie du divin marquis, se saoulait à Bukowski, s’attendrissait avec Fitzgerald. Aujourd’hui, ses faveurs vont à Joyce Carol Oates ou à Siri Hustvedt. Elle continue d’offrir ses ouvrages fétiches, Tortilla Flat de Steinbeck ou Solal de Cohen, et abandonne aux hasards de la rue des cartons de bouquins. Quelques remontées d’argot marseillais émaillent son phrasé jeune. Preuve que la Phocéenne sans accent, qui avoue un rapport d’amour-haine à sa ville natale, n’est pas parvenue à museler la rebelle sudiste. En espérant que de petites canailleries sans conséquence ne finissent pas en indigeste mayonnaise, on livre volontiers deux épisodes du passé, imaginés ou rêvés qui sait, poussières de macadam témoignant une volonté ancienne de se faire des films. A l’adolescence, l’énergique, qui pratique le kayak de mer et joue les femmes araignées dans les calanques calcaires, opte pour des ivresses plus hallucinogènes. Le «shit marseillais à base de vieux pneus» devient une préoccupation majeure. Avec une copine, elle «gratte de la weed» aux Cap-Verdiens et des euros un peu partout. S’imagine bientôt dealeuse. A la fac de Marseille, les pochons s’écoulent facilement. Les deux filles décident d’investir, jusqu’à 180 euros. Elles achètent l’herbe, la conditionnent. Et se font détrousser dare-dare par des gamins plus malins… Ensuite, la frondeuse vire effrontée. Un soir de cagnard noir, elle sautille sur le toit de voitures en stationnement, se prend de bec avec une quadragénaire. Les insultes fusent, les mains talochent. Et la future césarisée finit par s’incliner devant les griffes de résine rose de la cagole furibarde.

7 décembre 1989 Naissance à Marseille.

2014 Conservatoire de Paris.

2012 Radiostars (Romain Lévy).

2014Eden (Mia Hansen-Løve).

2015Fatima (Philippe Faucon).

Février 2016 César pour Fatima. 

Automne 2016 De sas en sas (Rachida Brakni).

Zita Hanrot, le 14 mars à Paris. (Photo Edouard Caupeil pour «Libération»)