Revue de presse théâtre

Par Armelle Héliot dans Le Figaro  Publié le 17/02/2019  

DISPARITION - Le comédien connu par le cinéma, mais surtout passionné par le théâtre s'est éteint samedi 16 février. Il avait 86 ans. Un visage et une voix inoubliables.

Tout le monde connaissait son visage torturé, son visage à la Artaud à la fin de sa vie. Tout le monde connaissait sa voix grave et envoûtante pouvant se faire grêle et aiguë, sa silhouette fragile, son regard impressionnant. Serge Merlin était le peintre Raymond Dufayel dans le film de Jean-Pierre Jeunet Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain qui l'avait d'ailleurs fait tourner dans La Cité des enfants perdus. Il était le chef des cyclopes….

Mais c'est par le théâtre que Serge Merlin était devenu un acteur «culte», intransigeant, sauvage, mais aussi très fragile et hanté par la peur de perdre sa mémoire, transi d'angoisse quand il fallait monter sur un plateau ou, ces dernières années, s'asseoir derrière une table, pour lire. Longtemps sa femme se consacra à le soutenir, l'accompagner. Elle s'est éteinte il y a quelques années et l'on devinait Serge Merlin ravagé par cette absence.

Il ne parlait guère de lui. On ne savait pas grand-chose de sa vie. Il était né Serge Merle, tout court, en 1933. Il avait grandi en Algérie et dès l'orée des années 50, il avait joué au théâtre. Il était allé vers l'homme le plus épris de poésie, de musique, de peinture et qui considérait que le théâtre avait besoin de tous les arts, Jean-Louis Barrault.

Les premiers pas professionnels de Serge Merlin, à Paris, sont liés à ce grand ouvreur de voies: il joue dans Christophe Colomb de Paul Claudel mis en scène au Théâtre Marigny où s'est installée la compagnie Renaud-Barrault. On est en 1952. Il ne cesse de travailler dans les années qui suivent et commencent à tourner pour le cinéma au début des années 60 avec Andrzej Wajda dans Samson. C'est en 1961.

Un roi bouleversant
Très récemment, Serge Merlin avait tourné dans Un peuple et son roi . Il est Louis XI dans le film de Pierre Schoeller, en 2018. Autant dire que Serge Merlin n'a jamais cessé de travailler et, au théâtre, on peut rappeler que ses dernières apparitions, impressionnantes lui valurent par deux fois le prix du syndicat de la critique: en 1991 pour Le Réformateur de Thomas Bernhard dans une mise en scène de André Engel et en 2010 pour Minetti de Thomas Bernhard dans une mise en scène de Gerold Schumann et Extinction de Thomas Bernhard, toujours, dirigé par Alain Françon et Blandine Masson, des spectacles de 2009 et 2010.

On le voit, Thomas Bernhard a beaucoup compté dans la vie de cet être obsédé par les poètes dramatiques et la littérature. Mais que dire de Shakespeare: il est l'un des rares comédiens qui a joué deux fois, à des années de distance, le Roi Lear et deux fois d'une manière exceptionnellement bouleversante. Une première fois avec Matthias Langhoff en 1986, de Strasbourg à Bobigny et une autre fois avec Christian Schiaretti, en 2013, du TNP de Villeurbanne au Théâtre de la Ville. Et l'autre auteur qu'a servi de manière fascinante Serge Merlin, c'est Samuel Beckett. Il était fait pour cette écriture.

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Avec Matthias Langhoff, Serge Merlin a fait un long parcours. Il aura toujours été du côté de la création, et sans prévention. Ainsi a-t-il, à ses débuts, beaucoup joué avec Marcelle Tassencourt et créé des textes nouveaux. Plus tard, il a joué sous la direction de Patrice Chéreau, et de beaucoup d'autres grands metteurs en scène, dont, Jacques Rosner, Bernard Sobel, et, on l'a cité, André Engel.

Une dernière fois, on aurait dû le voir dans un spectacle inspiré de Shakespeare dans une mise en scène de Wilfried Wendling compositeur qui signait une partition avec Pierre Henry: Hamlet, je suis vivant et vous êtes mort… Pierre Henry ne vit jamais ce spectacle, il mourut quelques mois auparavant. Quant à l'interprète, il était fatigué, déchiré d'angoisse, et certains jours où avait voulu assister au spectacle, il était sorti de scène et n'était pas revenu…Mais Serge Merlin restera bien vivant dans nos mémoires…

Par LIBERATION avec AFP
— 16 février 2019 

Acteur majeur du cinéma européen avec son rôle d’ange emblématique dans «Les Ailes du désir» ou encore celui d’Adolf Hitler dans «La Chute», il est décédé ce samedi dans son pays, la Suisse.


L’acteur suisse Bruno Ganz, qui s’est distingué notamment dans Les Ailes du désir et dans La Chute où il jouait Hitler, est mort dans la nuit de vendredi à samedi d’un cancer à l’âge de 77 ans à Zurich, a indiqué ce samedi son agente Patricia Baumbauer. «Oui, aujourd’hui dans les premières heures de la journée», a-t-elle dit à l’AFP en confirmant son décès annoncé par le quotidien allemand Frankfurter Allgemeine Zeitung. «Il avait un cancer», a-t-elle ajouté.

Natif de Zurich, fils d’un mécanicien suisse et d’une mère originaire d’Italie, il est considéré comme l’un des les plus importants acteurs germanophones de l’après-guerre, sur les planches comme au cinéma. Il commença sa carrière au théâtre et quitta sa Suisse natale pour Berlin, où il co-fonda la célèbre troupe Schaubühne. Dans une interview croisée donnée à Libération, il racontait son travail avec le metteur en scène de théâtre Klaus Michael Grüber, dont il louait la poésie et le rapport avec la réalité «radicalement différent».

«Acteur élégant et discrètement théâtral»
Il est réellement devenu acteur au milieu des années 1970 et a commencé à se distinguer avec des films comme l’Ami américain en 1977. Parmi ses rôles les plus marquants, celui de l’ange Damiel dans Les Ailes du désir, tourné par Wim Wenders en 1987 et dans lequel son personnage épie et scrute le Berlin d’avant la réunification. Le film avait obtenu une Palme pour la mise en scène à Cannes. Dans la critique des Ailes du désir Libération décrivait un «acteur élégant et discrètement théâtral dont les élans de folie font à la fois peine et plaisir à voir». Un an plus tard, L'Eternite et un jour de Théo Angelopoulos, dans lequel Bruno Ganz a le rôle principal, décroche la Palme d’or à Cannes.

Son rôle explosif et sombre en tant qu’Adolf Hitler dans La Chute l’a consacré définitivement en 2004. Il s’agissait d’un des premiers films allemands consacré au personnage du «Führer», dans un pays toujours traumatisé par le souvenir de la barbarie nazie.

Début 2016, ce monument du cinéma suisse avait incarné un «magnifique» papy bourru dans Heidi. Cet été, il avait monté les marches du festival de Cannes pour présenter The House That Jack Built, de Lars von Trier, film dans lequel il interprétait «Verge», alias Virgile.

LIBERATION avec AFP

Légende photo : Bruno Ganz dans Les ailes du désir de Wim Wenders en 1987 Photo Everett.Rue des Archives 

Par Clémentine Mercier et Jérémy Piette dans Libération
— 27 janvier 2019 

Orateur extravagant et émouvant, l’artiste liégeois Eric Duyckaerts, connu pour ses «conférences-performances» improvisées et vidéos où il mêle avec humour les arts plastiques et la vulgarisation des savoirs, s’est éteint samedi, à l’âge de 65 ans.


Fin embobineur, acrobate du discours, orateur farfelu et décortiqueur des mécanismes du langage, l’artiste liégeois Eric Duyckaerts, génie filiforme au phrasé et au cœur délicats, a élaboré depuis le milieu des années 80 un travail insolite mêlant avec facétie les arts plastiques et la vulgarisation des savoirs exogènes, les sciences, les droits, la physique, la logique, les mathématiques… Ces connaissances ainsi dérivées et passées au hachoir de la vulgarisation et de l’absurde ont permis à l’habile orateur de présenter, d’improviser, parfois sous les éclats de rire, d’autres fois dans l’incompréhension la plus totale, des parodies de discours savants vertigineux. Celles-ci se sont manifestées sous forme de «conférences-performances» hilarantes – E falso quodlibet en 1994 à la Fondation Cartier ou l’Argument de la diagonale avec Jean Gaudin à l'université Paris-X, en 2005 (pour n’en citer que deux) – ou encore de vidéos hypnotiques comme sa série Euristique où il s’épanche par exemple sur le théorème de Pappus et aborde le thème de la méthodologie de la recherche, l’excellent Magister (1989) et ses 19 séquences, «pour mettre en scène différents styles de métalangages artistiques», sans oublier son foldingue Abécédaire (2011). Auteur d’Hegel ou la vie en rose (Gallimard, «L’arpenteur», 1992) et de Théories Tentatives (Léo Scheer, «variation VI», 2007), il fut également un enseignant singulier et attentif, passé entre autres par l’université Paris-VIII (1988-1989), les Beaux-Arts de Bourges (1993-1997), ceux de Dijon (1998-2001) ou encore La Villa Arson (2001-2012). Le doux parleur désopilant, à l’âme teintée de mélancolie, s’est éteint samedi à l’âge de 65 ans.

L’abécédaire d’Éric Duyckaerts (lien vidéo) 

Né le 4 février 1953 à Liège, Eric Duyckaerts réalise un double parcours en droit et philosophie et obtient en 1972 la deuxième place au tournoi d’éloquence de la Faculté de droit. Dans la revue Art Press en septembre 2001, l’écrivain et philosophe Joseph Mouton, son fidèle compère artistique pour des séquences de lectures filmées (comme Straubisme en 2011) revient sur cet épisode : «Eric Duyckaerts a raté de justesse un premier prix d’éloquence dans sa Belgique natale : nul doute que celui qui le lui a soufflé était excellent et tenait une grande forme ce jour-là. […] Il s’agit en somme d’enchaîner des automatismes avec tant de variété apparente et de vivacité que l’auditeur croit assister au miracle d’une parole qui jaillit naturellement de la roche humaine. La virtuosité rhétorique a un rapport avec le funambulisme : on enveloppe l’orateur dans l’aura de sa chute inévitable et qui ne vient jamais.»

Admirateur d’artistes comme Andrea Fraser, Robert Filliou, Laurie Anderson, du mouvement Fluxus, aussi bien que des entrelacs du mathématicien allemand Hermann Brunn, Eric Duyckaerts donne sa première performance au Ans-Palace de Liège en 1983, Expliquer le transfini à ses amis. Déjà, l’homme y révèle ses préoccupations en lien avec le langage. Dans la Main à deux pouces (conférence/vidéo/dessins/moulage) présentée à la galerie Emmanuel Perrotin en 1993, il est habillé en chercheur-gribouilleur tout en défendant l’idée que dans un passé lointain, les hommes avaient six doigts et deux pouces : «Comment est-ce qu’on étrangle avec une main à deux pouces ? Parce que l’on voit tout de suite que les deux pouces, ça donne une force plus grande pour la strangulation mais ça pose un des problèmes cruciaux de la fonctionnalité des deux pouces, qu’est plus grande dans certains domaines. Parce que où est-ce qu’on va mettre les quatre doigts médians ? D’ailleurs on ne sait pas encore comment ils s’appellent ces quatre doigts médians donc on peut imaginer une strangulation en deux temps. Commencer par un uppercut donné par les quatre doigts médians suivi de la strangulation par les deux pouces…" Et ainsi l’artiste dans la vidéo finit par lui-même procéder à une auto-strangulation comique.



En 2000, il performe aussi The Dummy’s Lesson au Crac de Sète, en collaboration avec Jean-Pierre Khazem. «C’était un être élégant, à part, rare. Surtout brillant. Il parlait de nombreuses langues, connaissait le latin et le grec. C’était un puits de science qui ne la ramenait pas, il ne faisait jamais étalage de son savoir, il était pudique», se souvient Jean-Pierre Khazem qui a réalisé les masques de la performance. Dans un décor de cabaret, une marionnette à l’effigie de l’artiste donne une leçon de dessin à Duykaerts, lui-même sous un visage en silicone, dans lequel il ne voit rien. La marionnette manipulée par l’artiste prend le contrôle de la scène qui s’inspire d’un numéro de ventriloquie. Qui manipule qui ? Qui donne une leçon à qui ? Dans The Dummy’s Lesson, (qui regroupe un film, une sculpture, une série de dessins et des photos) les deux inquiétants personnages, la poupée et son maître, se disputent sur le sens de l’art à travers les dessins réalisés à l’aveugle par l’artiste. Arnaud Labelle-Rojoux, artiste, performeur et également enseignant à la Villa Arson à la même époque donnait avec lui un séminaire (improvisé) chaque mercredi «Im/Posture de l’artiste» à propos de l’imposture dans l’art. Labelle-Rojoux nous évoque alors un grand «funambule verbal» – d’une importance égale à Esther Ferrer, artiste contemporaine espagnole aux performances composites, jouant des bascules symboliques vers l’absurde. «On avait l’artiste Jacques Lizène comme ami proche en commun [autoproclamé "petit maître liégeois de la médiocrité" et connu dans les années 1970 pour avoir remplacé ses tubes de peinture par des excréments qui forment l’élément essentiel de la composition de ses tableaux, ndlr] Eric est vraiment devenu artiste grâce à lui."

Encore ému par une sublime conférence-fleuve de Duyckaerts à l’Ecole normale supérieure lors de la Nuit blanche en 2009, Frank Lamy (chargé des expositions temporaires au MAC/Val-Musée d’art contemporain du Val-de-Marne) se souvient qu’«avec Eric, il y avait toujours de la pensée, du savoir, de la drôlerie et du whisky. C’était quelqu’un d’essentiel, de tellement joyeux et en même temps de tellement grave.» En 2011, le MAC/Val lui organise une exposition monographique intitulée «‘Idéo». On y trouve une quarantaine de vidéos, dont Parades (2011) avec Virginie Le Touze, caricaturant les gestuelles amoureuses que l’on peut avoir en boîte de nuit, ou encore une autre très belle élucubration appelée Détachements (2011). Près des arbustes l’artiste divague : «Je connais un mec, il est zen, ça c’est bien, c’est pas mal, enfin bon et…. faut entendre un peu ces mots-là parce que, "cool", c’est un monosyllabe, un peu long, "zen", bon normalement, on dirait "chan", "chan" avec une dental tchk tchk, non, "zen", plus étale, "cool", "coooool". En français, ça marche pas mal, parce que c’est coulant…» et ainsi de suite avec une drôle de logique à bout de souffle. Il n’est pas – pour le coup – absurde de penser qu’Eric Duyckaerts avait encore beaucoup de choses à nous dire et il est très difficile – pour le coup – de penser que son art du dire va laisser place à un grand silence. Il sera toujours possible à l’infini, jusqu’à épuisement, rire nerveux ou éclats de bon cœur, de le (re)voir sur écran et de l’écouter nous parler d’hermétiques équations mathématiques, ou de concombres de mer comme «fantastique vedette de la neurologie», ou encore de jubiler face à ses sabotages de discours courants sur l’art. Eric Duyckaerts n’est plus là, mais quelque part ses mots d’esprit, restent en nous, en équilibre, sur un fil.



Détachement from Eric Duyckaerts (lien vidéo)

Clémentine Mercier , Jérémy Piette

Légende photo ; «Straubisme», vidéo avec Joseph Mouton. Vue de l’exposition «’idéo», MAC/Val, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, 2011. PHOTO Marc Domage. MAC/Val 

Par Rosita Boisseau dans Le Monde 15.01.2019

Le fondateur de la compagnie Red Notes, créateur d’une soixantaine de spectacles, avait travaillé auprès de Robert Wilson.


Le danseur et chorégraphe Andy de Groat, personnalité essentielle de la scène contemporaine depuis le début des années 1980, collaborateur du metteur en scène américain Bob Wilson sur la première version du spectacle Einstein on the Beach (1976), est mort jeudi 10 janvier, à Montauban, où il était installé depuis 1997. Il avait 71 ans.

Né en 1947, à Paterson (New Jersey), aux Etats-Unis, Andy de Groat avait des racines très mélangées : hollandaise, italienne, française, allemande et anglaise. Passé par des études d’arts plastiques, à New York, il intègre la compagnie de Bob Wilson en 1967 et travaille auprès de lui sur différentes pièces comme Le Regard du sourd et Einstein on the Beach. Parallèlement, cet autodidacte croise également Jerome Robbins, le père de West Side Story (1957) et commence à chorégraphier ses propres spectacles.

Guy Darmet, directeur de la Maison de la danse de Lyon (1980-2010) : « Andy, c’est d’abord un regard, un sourire, la beauté et l’humour »

Il fonde la compagnie Red Notes, en 1973, à New York. Régulièrement, il débarque en France pour y présenter ses productions, insolites alliages de minimalisme et de flamboyance, soudés par une passion pour les interprètes de tous bords, professionnels et amateurs. Il choisit de venir travailler à Paris en 1982.

« Andy, c’est d’abord un regard, un sourire, la beauté et l’humour, se souvient Guy Darmet, directeur de la Maison de la danse de Lyon de 1980 à 2010. Dans l’explosion chorégraphique des années 1980, il représente l’indépendance, la liberté, un souffle différent de l’abstraction du maître Merce Cunningham. Il est à la fois derviche tourneur et pionnier de la lecture impertinente des grands classiques comme, épaulé par le compositeur Michael Galasso, Casse-Noisette, en 1995, ou La Bayadère, que j’ai programmé en 1988 à la Biennale de la danse de Lyon. »

Une perle inaltérable
Créateur d’une soixantaine de spectacles parmi lesquels Nouvelle Lune (1983), conçu pour les étoiles de l’Opéra national de Paris, Wilfride Piollet et Jean Guizerix, qui resteront des complices de travail au long cours, sa relecture du Lac des Cygnes (1982) le fait connaître. Il collabore avec le Groupe de recherches chorégraphiques de l’Opéra de Paris, piloté par Jacques Garnier. Il enchaîne les productions, du romantique Giselle (1992) à Tangos (1994), étrange mix de danse argentine et de vocabulaire classique, sur des musiques d’Igor Stravinsky, d’Erik Satie et d’Astor Piazzolla. Parallèlement, il met également en scène des opéras comme Orphée et Eurydice, de Gluck, ou The Rake’s Progress, de Stravinsky.

« Lorsque je suis arrivé à Paris en 1980, Andy était considéré par une génération comme la mienne comme une figure, forte, libre, intelligente et drôle qui aimait l’indépendance, se souvient le chorégraphe Daniel Larrieu. Auteur inventif, audacieux et iconoclaste, il a énormément contribué à la danse en France. »

Andy de Groat, danseur : « La “Danse des éventails” est un hymne à la coordination physique, mentale et sensorielle, à la discipline de groupe et à la liberté individuelle »

Régulièrement programmé au festival Les Hivernales d’Avignon par sa directrice Amélie Grand, il y présenta en 2009, à la Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon, un spectacle-déambulation somptueux, inspiré par le poète Gustave Mallarmé intitulé Autour de La Folie d’Igitur. Parmi les moments de grâce confiés par Andy de Groat à des dizaines de danseurs pro et amateurs, Fan Dance (Danse des éventails), transmise régulièrement depuis sa création en 1978, est une perle inaltérable, tourbillon cadencé de lignes subtilement enchevêtrées sur une musique de Michael Galasso.

Pour fêter le trentième anniversaire des Centres chorégraphiques nationaux, au Théâtre national de Chaillot à Paris, Daniel Larrieu proposa à certains de ses amis et collègues d’apprendre cette Danse des éventails, hommage à cet artiste mystérieux qui fila avant la fin de la représentation. Andy de Groat la présentait ainsi : « La Danse des éventails est un mélange de pas simples mais inhabituels auxquels s’ajoutent des mouvements de bras précis et un espace aléatoire constant. La conception de ce puzzle chinois est le mélange apparemment contradictoire entre unisson et liberté de mouvements. C’est un hymne à la coordination physique, mentale et sensorielle, à la discipline de groupe et à la liberté individuelle. » Ses Carnets, de notes et de dessins, sont déposés au Centre national de la danse de Pantin.

Andy de Groat en quelques dates

1947
Naissance à Paterson (New Jersey)

1973
Fonde la compagnie Red Notes à New York

1976
Collabore avec le metteur en scène américain Bob Wilson sur la première version du spectacle Einstein on the Beach

1978
Crée Fan Dance (Danse des éventails)

1982
S’installe à Paris pour travailler

2009
Présente un spectacle-déambulation, inspiré par le poète Gustave Mallarmé et intitulé Autour de La Folie d’Igitur dans le cadre du festival Les Hivernales d’Avignon

10 janvier 2019
Mort à Montauban (Tarn-et-Garonne)

Légende photo Le danseur et chorégraphe Andy de Groat. FESTIVAL D’AUTOMNE 1974

Par LIBERATION avec AFP
— 16 février 2019 

Acteur majeur du cinéma européen avec son rôle d’ange emblématique dans «Les Ailes du désir» ou encore celui d’Adolf Hitler dans «La Chute», il est décédé ce samedi dans son pays, la Suisse.


L’acteur suisse Bruno Ganz, qui s’est distingué notamment dans Les Ailes du désir et dans La Chute où il jouait Hitler, est mort dans la nuit de vendredi à samedi d’un cancer à l’âge de 77 ans à Zurich, a indiqué ce samedi son agente Patricia Baumbauer. «Oui, aujourd’hui dans les premières heures de la journée», a-t-elle dit à l’AFP en confirmant son décès annoncé par le quotidien allemand Frankfurter Allgemeine Zeitung. «Il avait un cancer», a-t-elle ajouté.

Natif de Zurich, fils d’un mécanicien suisse et d’une mère originaire d’Italie, il est considéré comme l’un des les plus importants acteurs germanophones de l’après-guerre, sur les planches comme au cinéma. Il commença sa carrière au théâtre et quitta sa Suisse natale pour Berlin, où il co-fonda la célèbre troupe Schaubühne. Dans une interview croisée donnée à Libération, il racontait son travail avec le metteur en scène de théâtre Klaus Michael Grüber, dont il louait la poésie et le rapport avec la réalité «radicalement différent».

«Acteur élégant et discrètement théâtral»
Il est réellement devenu acteur au milieu des années 1970 et a commencé à se distinguer avec des films comme l’Ami américain en 1977. Parmi ses rôles les plus marquants, celui de l’ange Damiel dans Les Ailes du désir, tourné par Wim Wenders en 1987 et dans lequel son personnage épie et scrute le Berlin d’avant la réunification. Le film avait obtenu une Palme pour la mise en scène à Cannes. Dans la critique des Ailes du désir Libération décrivait un «acteur élégant et discrètement théâtral dont les élans de folie font à la fois peine et plaisir à voir». Un an plus tard, L'Eternite et un jour de Théo Angelopoulos, dans lequel Bruno Ganz a le rôle principal, décroche la Palme d’or à Cannes.

Son rôle explosif et sombre en tant qu’Adolf Hitler dans La Chute l’a consacré définitivement en 2004. Il s’agissait d’un des premiers films allemands consacré au personnage du «Führer», dans un pays toujours traumatisé par le souvenir de la barbarie nazie.

Début 2016, ce monument du cinéma suisse avait incarné un «magnifique» papy bourru dans Heidi. Cet été, il avait monté les marches du festival de Cannes pour présenter The House That Jack Built, de Lars von Trier, film dans lequel il interprétait «Verge», alias Virgile.

LIBERATION avec AFP

Légende photo: Bruno Ganz dans Les ailes du désir de Wim Wenders en 1987 Photo Everett.Rue des Archives 

8 FÉVRIER 2019 A 14:13 PAR CAÏN MARCHENOIR
Nous avons appris hier le décès de l’ancien codirecteur, avec Michel Raskine, du théâtre du Point-du-Jour. Un acteur engagé du monde théâtral, qui fut aussi codirecteur du CDN du Nord, à Tourcoing.

Disparu à l’âge de 69 ans, André Guittier était devenu une figure incontournable du théâtre à Lyon, depuis sa prise de fonction à la tête du théâtre du Point-du-Jour en 1995, en association avec son ami, le metteur en scène Michel Raskine. À la suite de Jean-Louis Martinelli (quand le théâtre du Point-du-Jour s’appelait encore TOL, théâtre de l’Ouest lyonnais), ils ont dirigé la plus petite des grandes salles de Lyon durant dix-sept ans, jusqu’en 2012. Sans conteste, les plus belles années qu’a connues le théâtre du Point-du-Jour, avec des créations mémorables mises en scène par Michel Raskine (Max Gericke ou Pareille au même de Manfred Karge, L’Amante anglaise de Marguerite Duras, Les 81 Minutes de Mademoiselle A. de Lothar Trolle, La Danse de mort d’August Strindberg, Les Relations de Claire de Dea Loher…). Toutes incluaient dans leur distribution Marief Guittier, qui fut la compagne d’André et avec qui il eut une fille, Judith. Sous l’impulsion d’André Guittier et de Michel Raskine, la programmation était résolument tournée vers le théâtre contemporain. Des auteurs comme Jean-Luc Lagarce, Olivier Cadiot, Heiner Muller étaient à l’affiche, tandis que s’instaurait une concurrence parfois rude mais toujours stimulante avec le théâtre de la Croix-Rousse, alors sous la direction de Philippe Faure. Batailleur, déterminé, engagé politiquement (à gauche toute !) André Guittier défendait l’orientation et les choix de son théâtre aussi bien devant son public que dans les bureaux des organismes de tutelle. Il s’engagea aussi pour pousser la candidature de Gwenaël Morin, le moment de la succession venu.



André Guittier était un touche-à-tout du théâtre. Il en a connu tous les métiers : électricien, régisseur lumière, régisseur général, directeur technique. Sa rencontre avec Gildas Bourdet fut déterminante. Il fait sa connaissance en 1967 au Havre au sein de la compagnie Le Tableau Gris, qui devient professionnelle et prend le nom de La Salamandre en octobre 1969 (Michel Raskine et Marief Guittier en faisaient aussi partie). Quand Gildas Bourdet est nommé, en 1974, à la direction du centre dramatique national du Nord, à Tourcoing, il emmène André Guittier dans ses valises, qui en devient le codirecteur. Ils vont écrire les grandes heures de la décentralisation dans le Nord et connaître d’immenses succès, comme Le Saperleau créé en 1982 et présenté au festival d’Avignon. Au départ de Gildas Bourdet, en 1991, André Guittier reste à Lille ; il codirige le théâtre avec son nouveau directeur, Daniel Mesguich. C’est après la fin de l’aventure de La Salamandre, puis de la compagnie La Métaphore qui lui succède, qu’André Guittier, qui a toujours soif de théâtre, prend la direction du théâtre du Point-du-Jour avec Michel Raskine. La boucle est, hélas, aujourd’hui bouclée.

Merci à Philippe Mangenot pour les photos d'André Guittier qui illustrent cet article.

Par Stéphane Capron dans Sceneweb 3 février 2019


Il était de tous les spectacles de Pippo Delbono depuis 1995, depuis sa rencontre avec le metteur en scène italien. Il s’appelait Vincenzo Cannavacciuolo. Il avait 82 ans. Pippo Delbono l’avait sorti de son asile. Il est décédé des suites d’une pneumopathie bronchique.

“L’acteur est un oiseau dont une aile touche la terre, tandis que l’autre se tient dans le ciel …” écrit sur son site internet le théâtre Ert-Emilia Romagnal qui rend hommage à Bobò. Il devait accueillir le mois prochain La Gioia, le nouveau spectacle de Pippo Delbono, dont le Théâtre de Liège est chargé de la diffusion. Bobò s’appelait Vincenzo Cannavacciuolo. Né à Villa di Briano, dans la province de Caserte, il a vécu plus de quarante ans à l’asile d’Aversa. Pippo Delbono décide de le sortir de cet enfer en 1995 lorsqu’il le rencontre lors d’un atelier théâtral. Bobò acteur microcéphale, sourd-muet, devient l’un des piliers de la troupe. Son corps maladroit, ses pas traînants, ses silences en disant longs sur ses blessures. A la fureur et la rage de Pippo Delbobo répondait la tendresse et la poésie de Bobò qui était devenu au fil des années un acteur reconnu. Il avait été nommé chevalier des arts en France et avait reçu le titre de citoyen d’honneur d’Aversa, la ville où il avait été emprisonné pendant des années dans un asile: une revanche. Dans La Gioia, Pippo Delbono dit: “Après Bobò, il y a toujours un vide.” Ses spectacles ne seront plus jamais les mêmes.

Stéphane CAPRON – www.sceneweb.fr

Publié dansLa Voix du Nord 23/01/2019

Jean-Louis Martin-Barbaz est décédé mardi. La famille du théâtre lui rend un hommage unanime.

Toute l’équipe de la Comédie de Béthune rend hommage à Jean-Louis Martin Barbaz, fondateur et directeur du Centre Dramatique National Nord Pas-de-Calais – Comédie de Béthune de 1982 à 1992.

Ça ne s’appelait pas encore La Comédie de Béthune mais le théâtre des pays du Nord et c’était déjà un centre dramatique national du Nord – Pas-de-Calais implanté à Béthune. Jean-Louis Martin-Barbaz en a été le premier directeur de 1982 à 1992 et y a réalisé de nombreuses productions. Il est décédé mardi.

Il a ensuite co-fondé en 1993 le Studio-Théâtre d’Asnières qui a formé des centaines de comédiens dont Rachida Brakni. Un grand metteur en scène qui a également interprété quelques beaux personnages, et un homme apprécié pour sa pédagogie.