Revue de presse théâtre

Par Anne Diatkine dans Libération du 1er janvier 2021

Rendu célèbre par son rôle de balafré dans «Angélique, marquise des anges», le comédien et metteur en scène a marqué le théâtre par une suite de superproductions à sujets historiques. Il est mort à 93 ans.

Par Rosita Boisseau dans Le Monde  22/12/2020

Créatrice puis directrice pendant plus de trente ans des Hivernales d’Avignon, elle a su allier la danse au théâtre et à la chanson, articulant la programmation avec des cours et des ateliers. Elle est morte le 17 décembre, à l’âge de 84 ans.

Lumineuse, offensive, Amélie Grand attirait l’attention par sa seule énergie rayonnante et le sourire qui allait avec. Cette personnalité majeure de la danse contemporaine depuis le milieu des années 1970, à la tête du festival Les Hivernales d’Avignon, de 1977 à 2009, n’a eu de cesse de soutenir les danseurs et les chorégraphes pour les faire grimper en haut de l’affiche. Elle est morte jeudi 17 décembre, chez elle, à Mouriès (Bouches-du-Rhône), entourée de Julia Grand, la fille qu’elle eut de son mariage avec le sculpteur Toni Grand (1935-2005), et de ses amis musiciens, qui l’ont accompagnée jusqu’au bout avec des concerts à la guitare et à l’accordéon. Elle avait 84 ans.

Amélie Grand est né, le 17 juillet 1936, aux Sables-d’Olonne (Vendée). Ultrasportive, elle sort diplômée de l’Ensep (Ecole normale d’éducation physique), tout en s’aventurant, avec l’ardeur qui était la sienne quoi qu’elle fasse, dans des spectacles de théâtre et de cabaret. Elle donnait encore son atelier chansons à Avignon avant la crise sanitaire. « La danse perd une vibrante dame, confie le chorégraphe Dominique Dupuy. L’histoire d’Amélie Grand, folle de chansons, qui laisse d’un coup ses grandes amours pour se consacrer pendant des années corps et âme à la danse à laquelle elle fait vivre une aventure des plus singulières, dont je suis fier d’avoir été un des premiers héros, est incroyable. La chanson ne l’ayant pas quittée, Amélie Grand, à sa sortie des Hivernales, a rempilé, chantant et rechantant à qui mieux mieux. Ceux de la danse cependant ne pourront oublier cette convaincue, concoctant dans sa ville aux couleurs du théâtre, des moments de danse fulgurants pour lesquels elle inventa le beau titre tout en blancheur des Hivernales. »

Amélie Grand : « On était juste une bande d’amis qui a soudain eu une idée folle : organiser une semaine de danse dans la ville du théâtre »

En 1960, à Paris, sa passion toute fraîche pour la danse contemporaine se muscle auprès de la chorégraphe allemande Karin Waehner (1926-1999), nourrie d’expressionnisme, puis se diversifie au gré de différents stages. Cinq ans plus tard, Amélie Grand commence à enseigner la danse à l’université de Nanterre. Elle collabore, à partir de 1968, avec le metteur en scène Gabriel Monnet, au Théâtre de Nice, tout en dirigeant des formations en danse pour les classes préparatoires au professorat d’éducation physique. Elle est nommée conseillère « danse et théâtre » à la direction départementale de la jeunesse et des sports du Vaucluse en 1974.

Dans la foulée, elle ouvre les premiers cours de danse contemporaine à l’université d’Avignon, puis lance la Semaine de danse d’Avignon, en 1977. Ce qui va devenir le festival Les Hivernales d’Avignon, toujours dans la course, à l’enseigne depuis 1996 du Centre de développement chorégraphique pour la région Provence-Alpes-Côte d’Azur, prend son élan. « On était juste une bande d’amis qui a soudain eu une idée folle : organiser une semaine de danse dans la ville du théâtre, rappelait en riant Amélie Grand, en 2018. J’avais envie de faire aimer cet art et j’ai appris sur le tas à construire et diriger ce qui est devenu un festival. »

« Une femme forte »

En lutteuse, elle va imposer l’art chorégraphique dans une ville dédiée dévolue historiquement au texte et au théâtre. « C’était une femme forte qui a su tisser des liens avec d’autres partenaires institutionnels et tenir tête aux politiques pour affirmer la présence de la danse, commente Isabelle Martin-Bridot, directrice des Hivernales depuis 2017, qui a collaboré avec elle dès 2004. C’était aussi une artiste qui savait être à l’écoute des danseurs et leur parler. »

L’identité de cette manifestation s’appuie sur les différentes passions d’Amélie Grand pour brosser une vision populaire, multicolore et joyeuse de la danse contemporaine, les bras grands ouverts au théâtre, à la chanson, au rire. L’idée forte des Hivernales : articuler la programmation des artistes avec des cours et ateliers. « Il ne s’agit pas de consommer mais de construire une culture. Les chorégraphes diffusés donnent obligatoirement une semaine de cours à des débutants ou à des professionnels qui vont assister à des représentations le soir », expliquait-elle lors d’une rencontre en 2001.

Aux Hivernales d’Avignon, on trouve un savant équilibre entre signatures repérées et jeunes pousses

D’où une communauté de passionnés faisant bouillir la marmite de la danse contemporaine du matin au soir dans la cité des Papes. On y croise, dans un savant équilibre entre signatures repérées et jeunes pousses, Elsa Wolliaston, Susan Buirge, Maguy Marin, Daniel Larrieu, Mark Tompkins…, mais aussi Yvann Alexandre, Hamid Ben Mahi, la compagnie Naïf Production…

Toujours au taquet, Amélie Grand lance, en 1997, Les Hivernales en été, et parallèlement le programme Sujet à vif, en complicité avec le Festival d’Avignon. En 2000, dans le cadre d’Avignon « ville européenne de la culture », elle met en œuvre un réseau qui relie Avignon avec des institutions de Bergen, Bologne, Bruxelles, Cracovie, Helsinki, Prague, Reykjavik, pour faire tourner dix compagnies sélectionnées dans ces différentes villes à l’enseigne d’un festival itinérant intitulé Trans Danse Europe 2000. « Amélie était une personnalité avec de l’autorité pour défendre la danse contemporaine, se souvient Bernard Faivre d’Arcier, directeur du Festival d’Avignon de 1980 à 1984, puis de 1993 à 2003. On a beaucoup collaboré ensemble et je lui demandais régulièrement conseil. C’était une excellente partenaire de travail. Elle savait résister à la mollesse du milieu avignonnais et s’est révélée une bonne tacticienne pour bâtir son festival. Elle était réaliste et idéaliste en même temps. »

Par Rosita Boisseau dans Le Monde  27/11/2020

Figure historique du spectacle vivant, pédagogue d’exception, elle a formé des générations de danseurs et de danseuses à New York comme au Centre national de la danse à Lyon. Elle est morte le 17 novembre, à l’âge de 94 ans.

La danseuse, chorégraphe et pédagogue américaine Betty Jones avait beau habiter à Honolulu (Hawaï), où elle avait installé, au milieu des années 1960, sa compagnie, créée avec son mari le danseur Fritz Ludin (né en 1941), elle donnait des ateliers dans le monde entier. Très demandée par les artistes et les interprètes, elle pilotait encore une master class en 2019 à New York. Figure historique du spectacle vivant, Betty Jones est morte le 17 novembre. « Elle ne se sentait pas très bien depuis quelque temps, mais elle est morte soudainement, en une semaine, a confié Fritz Ludin dans un mail envoyé à leurs amis. Son vœu est d’être incinérée et que ses cendres soient éparpillées dans l’océan Pacifique. » Betty Jones avait 94 ans.

Remarquée dès la fin des années 1940 dans la troupe du chorégraphe américain d’origine mexicaine José Limon (1908-1972), dont elle interprète des pièces phares comme La Pavane du Maure (1949) et avec lequel elle dansera pendant vingt-cinq ans, Betty Jones est née le 11 juin 1926 à Meadville (Pennsylvanie). Enfant, elle prend ses premiers cours de danse à Albany (New York), où sa famille a déménagé. Elle pratique les claquettes et apprend à chanter.

Elle se lance professionnellement dans des études de danse classique à l’âge de 15 ans sous la direction des stars de l’époque Anton Dolin (1904-1983) et Alicia Markova (1910-2004). Dès 1942, elle participe à des pièces de la chorégraphe Bronislava Nijinska (1891-1972) tout en gagnant sa vie au gré de différents petits boulots : elle joue et chante dans la comédie musicale Oklahoma !, d’Oscar Hammerstein, lors d’une tournée de soutien à l’armée américaine, en 1945.

Chute et suspension

Sur des musiques très variées, de Bach à Philip Glass, en passant par des ragas indiens, Betty Jones transmettait dans ses cours le fameux « Fall and Recovery » d’Humphrey, autrement dit la chute et la suspension, ou encore le rebondissement et le rétablissement. Elle reliait ce principe dynamique, qui impulse un mouvement profond et miroitant, à une recherche sur le rythme, le poids, le rapport au sol.

« Quand on voyait danser cette femme libre et pétillante qu’était Betty, cette suspension était comme un moment de rêve, une sorte d’apnée, où l’espace et le temps se confondaient quelques secondes, se rappelle Corine Duval Metral, chef du département de pédagogie au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Lyon. C’est une technique très fondatrice et structurante pour un danseur. »

Nombreux sont ceux qui ont profité de l’enseignement de Betty Jones. En 1973, lorsqu’elle fonde, toujours à Honolulu, une troupe consacrée à la transmission du répertoire d’Humphrey et Limon, elle engage comme interprète Didier Deschamps, aujourd’hui directeur de Chaillot-Théâtre national de la danse, alors jeune danseur de 18 ans. « J’avais suivi un de ses ateliers à Vichy [Allier] lorsque j’avais 15 ans, et j’avais beaucoup aimé, se souvient-il. Lorsqu’elle m’a proposé d’intégrer la compagnie, j’ai dit oui, et ça a été mon premier contrat professionnel. Le répertoire d’Humphrey et Limon est magnifique. La dramaturgie de leurs pièces repose sur une histoire qui déclenche le mouvement mais sans l’illustrer. On ne voit malheureusement plus assez leurs œuvres aujourd’hui en France. »

Cet héritage puissant, Betty Jones l’avait coloré à sa façon. « Mon approche de la danse offre beaucoup de similitudes avec la philosophie de Doris Humphrey et José Limon, peut-on lire dans Le Ballet (Bordas, 1981), qu’elle a coécrit. Mon objectif est que le corps suive les lois physiques naturelles, qu’il obéisse à son poids et soit articulé de manière à exprimer tout ce qu’il désire. »

Un but merveilleux que cette artiste, qui faisait du roller à 85 ans dans les rues de Lyon, a incarné jusqu’au bout de sa vie. Ses archives, photos, films et albums, collectés par sa mère dès ses débuts, sont conservés à la New York Public Library.

Rosita Boisseau

Légende photo : Betty Jones et Fritz Ludin dans « The Winged » (1966), de José Limon. Philip A. Biscuti, Courtesy Jacob’s Pillow

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 24 nov. 2020

Il n’a pas écrit ses mémoires, il n’a pas fait un roman de sa vie et pourtant sa vie fut on ne peut plus romanesque, mêlant l’amour du théâtre et l’anti-colonialisme sous le signe commun de l’engagement. A 92 ans, Jean-Marie Boeglin vient de disparaître. Le théâtre à Lyon, à Grenoble et à Alger perd un vieux compagnon de route.

Un rebelle engagé assorti d’une irrévérence anar chaleureuse mâtinée de discrétion, tel était Jean-Marie Boeglin. Né en 1928 à Châlons-en Champagne d’un père cheminot et d’une mère femme de ménage, à quinze ans comme d’autres gamins de son âge n’ayant pas froid aux yeux, il s’engage dans la Résistance dans les pas de son père, résistant lui aussi. Il devient agent de liaison FTP. A la Libération, il commet un beau doublé : exclu des Jeunesses communistes en 1947 puis exclu de la Fédération anarchiste quatre ans plus tard. L’orthodoxie, c’est pas son truc. Objecteur de conscience, le voici au trou pour six mois. Parallèlement à ces engagements, il a très tôt chopé le virus du théâtre. Il a été inscrit aux cours Dullin, a fondé une compagnie de théâtre amateur, « Les tréteaux du terroir ». Il croise Antonin Artaud ou Arthur Adamov, dit avoir été « biberonné au surréalisme ».

En 1950, il devient instructeur régional d’art dramatique et, par la suite, dirigera des stages d’« éducation par le jeu dramatique ». C’est de ce giron que sortiront quelques pointures de la décentralisation dramatique. Lors des Rencontres internationales de la jeunesse de la Loreley en 1951, il fait deux rencontres capitales : Roger Planchon et Mohamed Boudia. Avec le premier, quatre ans plus tard, il vivra l’aventure naissante du Théâtre de la Cité à Villeurbanne dont il deviendra le secrétaire général tout en s’occupant de l’école. Avec le second, plus tard encore, après l’indépendance de l’Algérie, il allait créer le Théâtre national d’Alger.


Mais entre-temps, c’est la guerre d’Algérie. Il est, bien sûr, pour l’Indépendance. La mort sous la torture d’un étudiant algérien grenoblois le révolte et le pousse à militer pour le FLN. « J’ai été embarqué », dira-t-il. Il organise des réseaux, continue le travail au Théâtre de la Cité et à l’école, mène ces « trois vies parallèles ». Le réseau est bientôt infiltré. On le recherche. Le 26 novembre 1960, un journal lyonnais titre : « le chef du réseau métropolitain d’aide au FLN est activement recherché » et sous-titre : « il s’agit de Jean-Marie Boeglin, le secrétaire général du Théâtre de la Cité ». Il fuit à l’étranger. Condamné par contumace à dix ans de prison, il se réfugie au Maroc où il crée une société de films portant le nom de Nedjma, héroïne et titre d’une œuvre de son ami le poète Kateb Yacine.

Après l’indépendance, il gagne Alger. Commence l’aventure du Théâtre national d’Alger avec Mohamed Boudia et Mustapha Kateb. Boeglin y signe des spectacles comme la traduction de L’Exception et la Règle de Brecht qu’il avait rencontré des années auparavant à Berlin. Il met aussi en scène Foehn, pièce du dramaturge Mouloud Mammeri, première œuvre du TNA jouée en français. Le pouvoir algérien, se méfiant des électrons par trop libres, lui montre la porte de la sortie en octobre 1968. On le retrouve, dix ans plus tard, dans l’équipe de Georges Lavaudant au Centre dramatique national des Alpes. Entre-temps, son fils Bruno Boeglin a signé ses premières mises en scène. Secrétaire général puis conseiller artistique, Jean-Marie Boeglin restera auprès de Lavaudant jusqu’en 1988. C’est dans ces années grenobloises qu’on le rencontre. Affable mais discret. Ne faisant pas exploit de sa vie. Mais quelle vie !

Légende photo :  Jean-Marie Boeglin en 1984 à Chalons © dr

Par Julien Ducouret dans Actu.fr      Publié le 19 Nov 20 

 Fondateur et directeur du Théâtre de l'Usine d'Éragny-sur-Oise, dans le Val-d'Oise, s'est éteint mercredi 18 novembre 2020 à l'âge de 82 ans.

Par Armelle Héliot dans son blog - 13 novembre 2020

Cinéaste, romancière, femme d’une intelligence éblouissante, elle s’est éteinte à 89 ans, vaincue par la covid. Juste trois lignes pour saluer cette artiste d’exception.

Elle nous manquait. On ne la croisait plus dans Paris depuis quelques saisons et au 34 Champs-Elysées, le téléphone sonnait dans le vide.

Elle décrochait rarement son portable. On savait qu’elle était en Suisse. Elle nous manquait et on espérait bien qu’on la reverrait un jour avec ses yeux étincelants d’intelligence et d’amour, de joie.

Sa belle voix, ce très subtil accent qui faisait que l’on n’oubliait jamais qu’elle était née en Argentine, le 11 avril 1931, dans une famille d’origine, en partie, russe.

On aimait son goût de l’aventure. Elle avait quitté son pays natal parce qu’elle ne voulait pas être enfermée dans les normes. Elle avait été une petite fille rebelle, une adolescente passionnée de livres et de films.

Elle ne parlait pas encore le français, mais elle s’était embarquée avec quelques sous, une lettre de recommandation du directeur de la cinémathèque de Buenos Aires pour Henri Langlois et l’énergie d’une toute jeune femme d’à peine 22 ans.

Rien que cela, cet épisode fondateur, forçait l’admiration. Après, c’est Paris, et les rencontres dont elle fait un destin. Henri Langlois l’accueille, elle envoûte Abel Gance, bien sûr, Philippe Soupault en 1955, André Breton, en 1956? la croisent par hasard mais ne la lâchent plus…Elle, Nelly, croyait aux forces décisives et savait, notamment pour Breton, rencontré dans une exposition d’art précolombien, que quelque chose allait advenir…

Pages très connues dont elle a très bien parlé, dans des entretiens, des livres, des films. Le plus bel hommage à Nelly Kaplan est signé ce matin Marie-Noëlle Tranchant : Nelly Kaplan était sa marraine de journalisme et se livrait avec une sincérité profonde à son interlocutrice-miroir…Il faut lire leurs entretiens…

C’était bien après les premières années de la beauté argentine qui faisait beaucoup penser, à des années de distance, évidemment, à une autre farouche et lumineuse venue d’Argentine, la peintre Leonor Fini. Comme Nelly, très sensible aux univers oniriques, aux chats, au surréalisme et aux univers parallèles. Sensibles aux créatures du monde, fussent-elles fées ou sorcières, anges, démons, et jusqu’aux monstres. Femmes sensibles, sensuelles, audacieuses, et très secrètes en même temps.

Dès 1954, elle assiste Gance pour La Tour de Nesle et joue Alice. Le film sort l’année suivante. Dès Austerlitz, en 60, si elle joue Madame Récamier, elle dirige la seconde équipe.

C’est elle qui applique le procédé de la « polyvision » à J’accuse.

Dès ces années là, elle écrit, publie. Des histoires souvent un peu vénéneuses, érotiques, mystérieuses. Des textes qui seront plusieurs fois republiés, sous d’autres formes : elle a un pseudonyme, Belen pour a Géométrie dans les Spasmes, Délivrez-nous du Mâle et La Reine des Sabbats.

Elle ne brise pas, loin de là, avec le 7ème art, tournant des courts-métrages très beaux Le peintre Gustave Moreau, l’écrivain André Pieyre de Mandiagues avec qui elle entretiendra une longue correspondance, publiée par Tallandier en 2009;

Elle compose des portraits très lumineuse du cinéaste de génie qu’elle a accompagné longtemps : Abel Gance hier et demain, en 1963, et, vingt ans plus tard, un film d’une heure : Abel Gance et son Napoléon.

Avec Le Regard de Picasso, elle reçoit un Lion d’or à Venise en 1967.

Par Armelle Héliot dans son blog - 6 novembre 2020

Ancien administrateur général de la Comédie-Française de 1983 à 1986, il avait été, auparavant, le très énergique directeur du Théâtre national de Strasbourg et, plus tard, celui de Nanterre-Amandiers. Il s’est éteint dans la nuit de mercredi 5 à jeudi 6 novembre. Il avait 78 ans.

Avec lui, on refaisait le monde. On discutait, on disputait, on bataillait. Et surtout, on partageait et on applaudissait. Jean-Pierre Vincent était un esprit qui ne jugeait pas les personnes sur des critères d’appartenance –à tel ou tel journal, par exemple. Il s’intéressait aux autres, il était un citoyen engagé et n’avait jamais conçu son travail d’homme de théâtre autrement. Pourtant, il était d’abord un artiste, un être sensible, susceptible d’être blessé. Mais la camaraderie avait toujours éclairé sa vie et c’est en camarade qu’il allait sa vie.

Il s’est éteint dans la nuit du mercredi 4 au jeudi 5 novembre, vaincu par des ennuis de santé en cascade : au printemps, il avait été saisi par la COVID avant de subir deux AVC coup sur coup. Il avait eu 78 ans le 26 août dernier.

Camarades, copains d’école : le très jeune Jean-Pierre Vincent fait ses premiers pas d’homme de théâtre, comédien, metteur en scène, homme de troupe, au Lycée Louis-le-Grand à la fin des années 50. Un groupe légendaire auquel appartiennent les jeunes Jérôme Deschamps, Michel Bataillon, Patrice Chéreau.  On ne refera pas ici la grande histoire de ce noyau d’une fertilité éblouissante. Au départ, il joue, met en scène, est le lieutenant du jeune voyant, plus du côté du dessin, de la scénographie que de la direction d’acteurs, alors, Chéreau. Le très jeune Vincent trouvera un peu plus tard son propre chemin. Il a épousé Hélène, Hélène Vincent, et, un peu plus tard, en 1964, naît Thomas, aujourd’hui réalisateur connu et original. Hélène et Jean-Pierre s’étaient séparés, et on ne peut évoquer Jean-Pierre Vincent, sans saluer Nicole Taché, ancienne co-directrice du festival d’Avignon, femme essentielle.  L’amour de la nature, du sud, des animaux et des dîners du dimanche soir (seul soir de liberté des gens de théâtre, ne l’oubliez pas) dans la maison de Nanterre et plus tard à Mallemort, entre Marseille et Avignon.

Plus de soixante ans durant, Jean-Pierre Vincent se sera consacré au théâtre et il avait des projets que le confinement avait suspendus, notamment avec les élèves de l’Ecole du Théâtre national de Strasbourg, à l’invitation de Stanislas Nordey, qu’il avait justement autrefois accueilli à Nanterre. Il devait mettre en scène Antigone, après L’Orestie d’Eschyle.

C’est en rencontrant Jean Jourdheuil, à l’orée de 1968, que Jean-Pierre Vincent va continuer d’affirmer sa personnalité : forte et partageuse. Tout son chemin est marqué par la lumière des années Louis-le-Grand : ensemble et intensément. On ne fera pas ici tout son parcours (on l’a écrit, rapidement, pour Le Figaro), mais on peut souligner qu’il s’est toujours conduit en citoyen, en serviteur du théâtre. Il n’a jamais lâché le fil du public, il ne s’est jamais fait gloire de ses responsabilités. Diriger le TNS, la Comédie-Française, Nanterre-Amandiers, ce n’était pas exercer du pouvoir. Mais conduire les spectateurs à découvrir de grands poètes dramatiques, de Sophocle et Shakespeare, à Jean-Claude Grumberg, Ivane Daoudi, en s’entourant toujours de ses amis, son premier cercle de travail, Dominique Muller, disparu il y a quelques mois, Michel Deustch, ou Bernard Chartreux, bien sûr, le premier des dramaturges de cet artiste marqué par son chemin avec le germaniste et philosophe Jean Jourdheuil et par son séjour à Strasbourg. Les jeunes du TNS que sont Vincent et ses proches rivalisent avec la Schaubühne de Berlin….Il y a un peu plus de deux ans, en septembre 2018, on avait organisé, pour Le Figaro, les retrouvailles de Peter Stein, l’aîné et de Jean-Pierre Vincent. On aurait pu écrire un livre…

Dans les années qui suivent Sartrouville, de Dijon à Toulouse en passant par Paris, il multiplie les mises en scène : Brecht comme Goldoni ou Marivaux, Labiche, mais aussi Serge Rezvani. Capitaine Schelle, Capitaine Eçço, un événement, au TNP-Chaillot, en 1971, puis Le Camp du drap d’or. Il choisit aussi Jean-Claude Grumberg. L’année suivante naît la Compagnie Vincent-Jourdheuil/Théâtre de L’Espérance et ils poursuivent leur exploration du répertoire de langue allemande, Brecht toujours, et Büchner, et Grabbe. Ils vont même jusqu’au Palace qui est alors une salle de théâtre d’avant-garde.

Indissociable de son parcours est aussi le peintre Jean-Paul Chambas, qui aura signé de très belles scénographies, colorées, aérées et très denses de sens

Michel Guy qui veut la jeunesse à la tête des institutions, le nomme donc à la direction du Théâtre national de Strasbourg. Il est homme de troupe, de groupe. Ceux que nous avons cités plus haut et tous ces comédiens magnifiques, André Wilms, Philippe Clévenot disparu très prématurément, Evelyne Didi, Michèle Foucher, Andrée Tainsy, Bérangère Bonvoisin, Alain Rimoux, Jean-François Lapalus, tant d’autres. Et puis, évidemment, metteur en scène frère, André Engel et son comédien premier, Gérard Desarthe.

Dans ces années -à, Strasbourg est la capitale du théâtre, avec Villeurbanne où règne Planchon. Les textes marquants sont des plongées dans  l’ Histoire de France : Vichy fictions (1980), ou de fantastiques coupes dans le réel : Le Palais de Justice (1981), ou encore des réflexions sur le présent comme Dernières nouvelles de la peste (83) donné dans la cour d’Honneur du palais des Papes. De ces années-là date son merveilleux Peines d’amour perdues, dans la belle traduction de Jean-Michel Déprats à qui il restera toujours fidèle, notamment pour Macbeth, quelque temps plus tard, lorsqu’il aura été nommé administrateur général de la Comédie-Française. Il avait forgé sa formule –qu’on lui a souvent piquée, depuis- : « Diriger depuis le plateau ». Il commence par Félicité de Jean Audureau, Le Suicidé de Nikolaï Erdman. Il connaît la troupe qu’il a dirigée dans Les Corbeaux de Henri Becque, un grand succès. De 1983 à 1986, avec fermeté et loyauté, il affronte tout ce qu’il peut y avoir de compliqué au cœur de cette troupe.

Il reprend sa liberté. Il travaille avec des jeunes. Cela le galvanise. Il le fera jusqu’à ces derniers mois. Dans cette parenthèse sans responsabilité d’institution, en 1987, il met en scène un formidable Mariage de Figaro, avec notamment Didier Sandre, Dominique Blanc, Denise Chalem, Roch Leibovici, André Marcon, pour n’en citer que quelques-uns et dans le désordre…Et il retrouve la Comédie-Française pour La Mère coupable en 1990.

C’est cette année-là qu’il succède à Patrice Chéreau à la direction de Nanterre-Amandiers. Programmé dans la cour d’Honneur, il signe Les Fourberies de Scapin dans un magnifique décor de Jean-Paul Chambas et avec Daniel Auteuil dans le rôle du valet malin. A Nanterre, il invitera Stanislas Nordey à partager les responsabilités et le plateau, mettra en scène de merveilleux Musset mais aussi de jeunes auteurs, telle Fatima Gallaire, disparue il y a très peu de temps ou Bruno Bayen, lui aussi mort tôt. A cette époque, en 1996, Jean-Pierre Vincent est rappelé au Français et monte l’étrange Léo Burckart de Gérard de Nerval. Plus tard, on s’en souvient, en 2012, il mettra en scène Dom Juan de son cher Molière.

Saluer un artiste comme Jean-Pierre Vincent revient à énumérer des spectacles car tous nous ont laissé beaucoup de souvenirs d’émotions, de questionnements. En 1999, les Pièces de guerre d’Edward Bond, comme en 2000, Lorenzaccio, avec Jérôme Kircher, jambe cassée, comme Novarina avec des amateurs magistralement portés, tout nous aura frappés, spectateurs et professionnels.

Du côté de l’opéra, également, il signait de beaux spectacles. Mozart souvent. Puis, ayant retrouvé sa liberté de jeune homme avec le « Studio », nouvelle compagnie, il aborde Jean-Luc Lagarce, renouant avec son goût féroce du rire avec Les Prétendants avec notamment Anne Benoit et sa fibre très sensible avec Derniers remords avant l’oubli. Dans les hommages qui saluent l’artiste, il y a Dominique Bluzet qui a souvent accueilli les créations de Jean-Pierre Vincent, à Marseille ou Aix. En 2013, Iphis et Iante d’Isaac de Benserade, puis les Suppliantes d’Eschyle, avec des comédiens et des amateurs du Gymnase, ou encore En attendant Godot en 2015.

On ne résume pas une telle vie. Elle se confond complètement avec la passion du théâtre. Un homme direct et fin, très cultivé mais secret, d’une certaine manière, Jean-Pierre Vincent. Un grand qui allait son chemin, généreux, croyant en la jeunesse, transmettant depuis toujours. Un artiste qui a apporté énormément au théâtre des XXème et début XXIème siècles.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 5 novembre 2020

Jean-Pierre Vincent ne signera plus de mises en scène, ne dirigera plus aucun cours, ne découvrira plus de pièces méconnues. À 78 ans, atteint du Covid, le corps de ce combattant du théâtre vivant a lâché, emportant avec lui son ironie mordante, sa fraternité, sa pugnacité, son civisme en actes. Père parmi ses pairs, fédérateur obstiné, il avait porté haut les mots collectif et transmission

C’est presque par hasard qu’à seize ans, enfants du quartier, Jean-pierre Vincent se retrouve dans le groupe de théâtre du Lycée Louis Legrand en 1958. L’année suivante, arrive un autre très jeune homme dont les parents sont artistes, lui veut absolument faire du théâtre, c’est Patrice Chéreau. Vincent joue, c’est un acteur né (et aussi un sacré imitateur) et met en scène La cruche cassée de Kleist tandis que Chéreau signe la mise en scène remarquée de L’intervention de Victor Hugo, deux pièces alors méconnues. Quand Vincent se souvenait de cette époque ces dernières années, il parlait plus de Chéreau que de lui, il en parlait comme d’un visionnaire du théâtre, un metteur en scène follement inspiré comme le fut en Allemagne Klaus Grüber, (que Vincent plaçait au dessous de tous). Vincent était d’une autre trempe, moins poétique peut-être, mais plus durablement civique et politique, un homme obstiné et jamais versatile, un homme de théâtre au cœur de la cité soucieux de parage et de transmission.

Avec Patrice Chéreau, Jean Jourdheuil

Leur compagnonnage durera dix ans , toutes les aventures de Vincent tourneront de huit à dix ans exceptée celle, on le verra, de la Comédie-française. Repérée à Louis le Grand , la bande de Louis Le Grand auto constituée autour de Chéreau et Vincent se fait (re) connaître passera par Gennevilliers où Bernard Sobel à fondé un théâtre, par Nancy oû Jack Lang a fondé un festival et surtout par le CAC ( centre d’animation culturelle) de Sartrouville accueilli durablement par Claude Sévenier. Des années fructueuses, tumultueuses, qui se solderont par un déficit.

Alors que Chéreau part en Italie, Vincent se retrouve en Bourgogne appelé par Jacques Fornier. Entre temps, dans un stage d’été, Vincent a rencontré Jean Jourdheuil. Commence un second compagnonnage. Avec un premier spectacle en 1968 La noce chez les petits bourgeois de Brecht (gros succès en Bourgogne et nombreuses représentations par la suite) qui va sceller trois ans plus tard la naissance de la compagnie Vincent-Jourdheuil alias le Théâtre de l’espérance.

Entre le dramaturge, maoïste de mai 68, et le citoyen de gauche, sous l’œil de Brecht revisité, la tension est productive. Jourdheuil fait entrer dans l’aventure des peintres comme Lucio Fanti ou Gilles Aillaud qui allaient secouer la scénographie. Autour d’eux une groupe d’acteurs se forme, nombre d’entre eux ont été rencontrés sur le tournage des Camisards de René Allio. Et les spectacles se multiplient affirmant la force de cette génération qui prend le relais des pères fondateurs de la décentralisation. A Théâtre Ouvert qui vient de naître au festival d’Avignon, la compagnie Vincent-Jourdheuil fait connaître le théâtre de Rezvani. Au Palace parisien (au temps de sa splendeur), elle monte Woyzeck de Büchner ou La tragédie optimiste de Vsevolod Vichnevski. Un théâtre de troupe, de commando avec comme astre référentiel le Berliner ensemble auquel succédera bientôt le Schaubhune de Peter Stein et Klaus Grüber.

Les années TNS

En 1975, Secrétaire d’état à la culture sous Giscard d’Estaing Michel Guy nomme cette nouvelle génération à la tête de grandes maisons : Lavaudant à Grenoble, Bayen à Toulouse, Gironès à Lyon, etc. Vincent, lui, est nommé à la tête du Théâtre National de Strasbourg. Il n’arrive pas en terrain inconnu, il y a déjà monté La cagnotte de Labiche en 1971 dans une mise en scène décapante. Et bon nombre de ses acteurs sont sortis de l‘école du TNS. Ce n’est pas un metteur en scène qui est nommé, mais une équipe, un esprit, en un mot un collectif. Avec comme membres permanents des dramaturges, Dominique Muller et Bernard Chartreux, un auteur, Michel Deutsch, un jeune metteur en scène qui va sortit le théâtre des théâtres, André Engel, des acteurs allant de Gérard Desarthe à Philippe Clevenot en passant par Evelyne Didi, André Wilms, Bernard Freyd, Michèle Foucher, Jean-François Lapallus, Laurence Mayor, Christiane Cohendy, Bérangère Bonvoisin, j’en oublie. Et une liaison permanente avec l’école, cet antre de la transmission, Un modèle dont se souviendra plus tard Stanislas Nordey lors qu’il arrivera à la direction du TNS. Jourdheuil, très critique vis à vis des institutions, n’est pas du voyage. Mais il reviendra comme metteur en scène.

C’est avec joie que l’on prenait le train depuis Paris pour aller découvrir des œuvres marquantes comme Germinal, Le Palais de Justice, Dimanche, le diptyque Vichy fictions et Violence à Vichy, Convoi et ruines et puis, comment l’oublier le Misanthrope avec Philippe Clevenot, l’acteur sublime et emblématique des ces années-là. Et, hors des théâtres, les spectacles d’André Engel, aux antipodes de ceux de Vincent (comme les deux extrémité d’un arc tendant sa corde)  ; Baal ,Week-end à Yaïk, Et ils allaient obscurs dans la nuit solitaire, Kafka-théâtre complet... Et c’est les yeux bordées de reconnaissance qu’on reprenait l’Orient express de 2H12 (quand on ne le ratait pas) pour revenir à Paris au petit matin essayer sans attendre de rendre compte tant bien que mal des chocs émotionnels, politiques, esthétiques et amoureux que l’alcool ne parvenait pas à apaiser.

Je me souviens de la dernière de Dernières nouvelles de la peste ( à l'époque où Le Pen montait en puissance) à Strasbourg puis, dans la Cour d’honneur à Avignon alors que l’on savait que Vincent allait quitter Strasbourg après huit saisons, pour la Comédie-Française. C’était la fin d’une aventure, la fin d’une époque me disais-je. C’était déchirant. Cela ne pouvait pas se terminer comme cela, c’était si beau, si fort.

Comédie Française, Conservatoire

Certains acteurs suivirent Vincent Place Colette, d’autres s’y refusèrent. l’Administrateur Jean-Pierre Vincent ne devait rester que trois saisons à la Comédie-Française faisant découvrir un auteur français contemporain, Jean Audureau, nous régalant avec Le suicidé l’exquise comédie du russe Nicolas Erdman ou se ratatinant avec Macbeth , la pièce maudite. Quand ce spectacle fut repris dans la Cour d’honneur du Palais des papes le mistral s’amusa à soulever les robes parachutes de Thierry Mugler et décoiffer les têtes couronnées.

Jean-pierre Vincent devait retrouver ses marques au Conservatoire en devenant professeur activité qu’il poursuivra avec bonheur jusqu’à aujourd’hui à l’ENSATT, à l’ERAC, à l’école du TNS et ailleurs, formant nombre d’élèves et se nourrissant d’eux aussi bien. Respecté comme un père , un pédagogue hors pair, plus peut-être que comme un maître, il mit alors en scène des spectacle produits par de grands théâtres comme Chaillot (Le mariage de Figaro), le TNP de Villeurbanne (Le faiseur de théâtre de Thomas Bernhard). Au festival d’Avignon 1989, retrouvant l’esprit de Strasbourg , il signa une fabuleuse trilogie Oedipe ou les oiseaux avec sa garde rapprochée et fidèle : Bernard Chartreux à la dramaturgie (et relayant Sophocle pour dernière partie) ,Jean-Paul Chambas son décorateur attitré depuis ses années TNS, Patrice Cauchetier aux costumes et Alain Poisson aux lumières

Les années Nanterre et après

Dernière grande aventure à la tête d’une institution, Nanterre, où il succède à Patrice Chéreau en 1990. Antoine Vitez meurt cette année. Cette grande figure disparue, Vincent, plus que d’autres (comme Ariane Mnouchkine) allait devenir au fil des années comme la conscience du théâtre français. Celui qui fédère, celui aussi qui interpelle les élus, le ministère de la culture. Un père qui accueillera à Nanterre le jeune Stanislas Nordey meurtri par son aventure au TGP. Et bien d’autres. A Nanterre, Vincent reprend d’anciens spectacles, se lance avec bonheur dans un cycle Musset, monte aussi bien Marivaux que Bond, L’échange de Claudel que Thyeste de Sénèque. Et signe un Karl Marx Théâtre inédit, spectacle que je ne console pas de ne pas avoir pu voir alors (j’étais en poste à Moscou). En 2001 , après trois bons et loyaux mandats, il quitte Nanterre, fonde le Studio libre, une compagnie, il a soixante ans.

Sa curiosité reste intacte comme son goût des textes anciens et nouveaux. Il commence cette nouvelle aventure qui le conduira jusqu’à aujourd’hui par une extraordinaire mise en scène de la pièce de Jean-Luc Lagarce, Les prétendants, sur la nomination d’un nouveau directeur dans une structure en province type scène nationale. Dix sept personnages, autant d’acteurs et actrices. C’est rythmé, hilarant, époustouflant. Jamais rassasié , toujours avide, Jean-Pierre aime circuler entre les genres, les époques, découvrir un texte ou en revisiter un autre , s’interroger en 2007 sur Le silence des communistes ( italiens) avant d’enchaîner la saison suivante avec L’école des femmes de Molière puis en 2009 avec un Ubu roi où il retrouve la troupe de la Comédie-française. Régulièrement il signe des spectacles avec des élèves des écoles où il enseigne ou des élèves amateurs.

Qui d’autre que lui, à part Bernard Sobel, aurait songé à monter Iphigénie en Tauride de Goethe. Il le fait avec des acteurs qu’il aime et sa garde rapprochée inchangée en retrouvant la grande scène du TNS et il fait mouche. Sa dernière grande passion aura été En attendant Godot qu’il met en scène après avoir et relu l’article que Günther Anders consacre à cette œuvre de Beckett dans L’obsolescence de l’homme, un livre que Vincent gardait toujours auprès de lui.

Au TNS ces prochaines saisons, il devait retrouver Beckett avec Fin de Partie puis mettre en scène Antigone de Sophocle. C’était une joie pour Nordey qui avait été son élève et qui l’avait accueilli à Nanterre avec bienveillance. La saloperie de virus en a décidé autrement. Stanislas Nordey, dévasté, vient de déclarer : « C’est la personne la plus importante de ma vie théâtrale. D'abord parce qu'il a été mon professeur. C’était un pédagogue extraordinaire qui n’a jamais cessé d’enseigner. Pour lui, la transmission était au centre de tout. Ce que j’ai beaucoup aimé chez lui, c’est qu’il n’a jamais mis en scène sa postérité, contrairement à des gens comme Jean Vilar ou Antoine Vitez qui ont énormément écrit, ce que je trouve très respectable aussi. Jean-Pierre construisait obstinément le théâtre français, allait énormément au théâtre et suivait les jeunes compagnies avec bienveillance. C’était quelqu’un qui était toujours au premier plan dès qu’une crise se produisait liée à la culture et il le faisait toujours avec mesure, justesse et en même temps, si nécessaire, avec emportement. Il était partageur. »

Oui, il était partageur autant que fédérateur. Sa parole, la finesse de ses analyses, ses traversées du répertoire, ses découvertes et ses fidélités, sa défense sans appel du service public nous manqueront. Merci Jean-Pierre.

Mais assez parlé de lui. Laissons lui la parole. C’était un homme qui aimait parler, encore parler. Il ne laisse derrière lui aucun livre – le seul conséquent, Le désordre des vivants (Les solitaires intempestifs) est un livre d’entretiens (avec Dominique Darzacq). C était donc en 2015, lors du festival de Dijon où il présentait son Godot. Vincent était le parrain du festival et devait rencontrer les jeunes troupes présentes et discuter avec elles. Ce qu’il fit avec avidité. Mais avant, interrogé par Olivier Neveux, devant le public d’une ville qu’il avait arpenté à ses débuts, il allait revenir sur son itinéraire. Ecoutez-le.

Conversation avec Jean-Pierre Vincent (animée par Olivier Neveux à Dijon en 2015) (vidéo intégrale)

Le théâtre de Jean-Pierre Vincent est un théâtre profond et joyeux, ou plutôt, d'une joie profonde. C'est une foi absolue dans la littérature, dans le théâtre, dans les acteurs, dans le théâtre public particulièrement. Parmi tous les metteurs en scène de sa génération, il n'a jamais travaillé dans le privé. Le concept du théâtre public était une chose très importante pour lui.      
Stanislas Nordey

Ce qui résume le mieux pour moi Jean-Pierre Vincent, c'est l'art de la transmission. C'était un grand pédagogue qui a passé sa vie à transmettre. Stanislas Nordey

Légende photo : Jean-Pierre Vincent, lors des répétitions de sa création "Iphigénie en Tauride" au Théâtre National de Strasbourg, en 2016.• Crédits : JL Fernandez

L'hommage de Sceneweb

http://bit.ly/hommagevincent

L'hommage de Fabienne Arvers dans Les Inrocks :

https://abonnes.lesinrocks.com/2020/11/05/scenes/scenes/lhomme-de-theatre-jean-pierre-vincent-est-decede/

L'hommage de Philippe Chevilley dans Les Echos :

https://www.lesechos.fr/weekend/spectacles-musique/la-mort-de-jean-pierre-vincent-un-grand-homme-de-theatre-1262342

L'article du Huffington Post (source AFP) :

https://www.huffingtonpost.fr/entry/mort-de-jean-pierre-vincent-le-metteur-en-scene-avait-78-ans_fr_5fa3db3dc5b660630aeea26a

-----------

Le metteur en scène Stanislas Nordey réagit à la mort de Jean-Pierre Vincent

Vidéo 

Conversation avec Jean-Pierre Vincent (intégralité) entretien avec Olivier Neveux, à Dijon en 2015 :

https://www.youtube.com/watch?v=p5uSfKSoJME

 --------------------------------------------------------------

Message de Jack Lang 

Jack Lang

--------------------

Photographie: PATRICK KOVARIK | Crédits : AFP

Le Monde avec AFP Publié le 19/10/2020

Apprécié particulièrement pour ses prestations avec Andrzej Wajda ou au Théâtre national de Chaillot à Paris, Wojciech Pszoniak est mort lundi à l’âge de 78 ans.


Grand homme de cinéma et de théâtre polonais et français, Wojciech Pszoniak, apprécié particulièrement pour ses prestations avec Andrzej Wajda ou au Théâtre national de Chaillot à Paris, est mort lundi 19 octobre d’un cancer généralisé, a annoncé un proche ami de la famille de l’acteur.

« Wojciech Pszoniak est décédé aujourd’hui, à 6 h 08 du matin, à l’âge de 78 ans. Un des plus grands, un des géants du film et du cinéma polonais de l’après-guerre », a écrit sur le site du journal catholique Wiez le père Andrzej Luter, qui accompagné l’artiste jusqu’aux dernières heures de sa vie.

Né le 2 mai 1942 à Lviv (aujourd’hui en Ukraine), il a mené une carrière très riche en films et en spectacles, tous d’une grande diversité. Il s’est éteint à Varsovie, selon les médias polonais.

Insallé en France depuis les années 1980
Sous la houlette d’Andrzej Wajda, il a interprété Robespierre dans Danton, le Juif Moryc Welt dans la série La Terre de la grande promesse, ou encore le rôle éponyme de Korczak. Il a également collaboré avec Volker Schlöndorff ainsi qu’avec Peter Handke, et ce aux côtés de Gérard Depardieu, de Michel Piccoli ou de Michel Aumont.

Dans les années 1980, il avait fui le régime du général Wojciech Jaruzelski pour s’installer en France. Il s’y était vu remettre, en 2008, les insignes d’officier de l’ordre national du Mérite.

Légende photo : Wojciech Pszoniak en 1990 dans « Korczak », d’Andrzej Wajda. BBC / ERATO FILMS / ERBOGRAPH CO / REGINA ZIEGLER FILMPRODUC / Ronald Grant Archive/The Ronald Grant Archive / Photononstop / BBC / ERATO FILMS / ERBOGRAPH CO / REGINA ZIEGLER FILMPRODUC / Ronald Grant Archive/The Ronald Grant Archive / Photononstop

Ses grands rôles au théâtre en France :

2007 La Locandiera de Carlo Goldoni mise en scène Philippe Mentha

2001 La Boutique au coin de la rue d'après Miklós László… mise en scène Jean-Jacques Zilbermann

1998  L'Atelier de Jean-Claude Grumberg mise en scène Gildas Bourdet

1994  Marchands de caoutchouc de Hanoch Levin mise en scène Jacques Nichet

1992  Ubu roi d’Alfred Jarry mise en scène Roland Topor

1983  Par les villages de Peter Handke mise en scène Claude Régy

1980  Ils ont déjà occupé la villa voisine de Stanislaw Ignacy Witkiewicz mise en scène Andrzej Wajda

1978  Les gens déraisonnables sont en voie de disparition d'après Peter Handke mise en scène Claude Régy

Montage par Jean-Pierre Jourdain, à partir des archives des enregistrements radiophoniques de Michael Lonsdale. Diffusé sur France Culture sur le programme des Fictions  le 18 octobre 2020

Lien pour écouter l'émission en ligne (2h)

Suite à la disparition de Michael Lonsdale (21/09/2020) nous avons voulu partager avec vous ces 2 heures durant lesquelles nous retrouvons Michael Lonsdale et des auteurs, Duras, Ionesco, Beckett, Aperghis, Césaire… autant d’auteurs, d’inventeurs, avec lesquels il dit avoir été le plus heureux à la radio.

Photo : Michael Lonsdale (en 2012)• Crédits : ullstein bild - Getty

Artistes disparus en 2020

 Chaque nom est un lien à cliquer qui vous fera accéder à un article en hommage ou à une notice biographique

Théâtre :

Isaac Alvarez comédien, mime, pédagogue (03/11/2020) - Marie-Paule André  comédienne (29/03/2020)  -  Jean-Marc Avocat comédien (05/10/2020) - Maurice Barrier comédien (12/04/2020) - Guy Bedos comédien, humoriste (28/05/2020)  - Jenny Bellay comédienne (03/12/2020) - Didier Bezace comédien, metteur en scène, directeur de théâtre (11/03/2020) - Christian Biet, historien et universitaire spécialiste du théâtre (13/07/2020) - Hervé Blanc comédien (16/08/2020) - Jean-Marie Boëglin comédien, animateur culturel (23/11/2020) - Jean Bois auteur, metteur en scène (30/10/2020) - Olindo Bolzan comédien (19 /05/2020) - Xavier Boulanger comédien (20/10/2020) - Claude Brasseur comédien (22/12/2020) - Elisabeth Carecchio photographe de théâtre (09/06/2020)  -   Roger Carel comédien, acteur de doublage (11/09/2020) - Hélène Chatelain comédienne, réalisatrice, écrivaine (12/04/2020)  -  Jean-Laurent Cochet, comédien, pédagogue   (07/04/2020) - Saskia Cohen-Tanugi metteuse en scène (20/07/2020) - Flaminio Corcos comédien (07/05/2020) - Gigi Dall' Aglio comédien, metteur en scène (05/12/2020) -   -  Alexis Danavaras comédien (28/01/2020)  -  Jean Darnel comédien, metteur en scène, pédagogue (20/11/2020) - Simon Eine  comédien  (30/09/2020) -  Claude Evrard (comédien)  (20/04/2020) -  Ahmed Ferhati comédien, pédagogue (10/02/2020) -  Jacques Fornier comédien, metteur en scène, directeur de théâtre (14/11/2020) -  Patrice Fourreau  directeur de théâtre (01/10/2020) -  David Gabison comédien (22/06/2020)  -   Fatima Gallaire  dramaturge (15/09/2020) -  Jean-François Garreaud comédien (09/07/2020) -   Philippe Grombeer directeur de théâtre (26/04/2020) -  Gérard Hardy comédien (02/09/2020) -  Eric Hémon comédien (11/04/2020)  - Israël Horovitz dramaturge (09/11/2020) - Robert Hossein comédien, metteur en scène (31/12/2020) -  Hubert Jappelle comédien, metteur en scène, directeur de théâtre (18/11/2020) -  Jutta Lampe  comédienne (03/12/2020) -  Vannick Le Poulain comédienne (20/11/2020) -  Frie Leysen directrice de festival (22/09/2020) -  Michael Lonsdale  comédien, metteur en scène (21/09/2020) -  Robert Lucibello comédien (27/04/2020) -  Marcel Maréchal comédien, metteur en scène, directeur de théâtre (11/06/2020) -  Bernard Meulien conteur, poète (19/07/2020) -  Ricardo Montserrat écrivain, dramaturge, nouvelliste (18/10/2020) -  Bruce Myers comédien (16/04/2020) -  Philippe Nahon comédien (19/04/2020) -  Michel Piccoli comédien (12/05/2020) -  André Pomarat comédien, metteur en scène, directeur de théâtre  (30/04/2020) -  Jean-François Poron comédien (03/09/2020) -  Wojciech Pszoniak comédien (19/10/2020)  -  Malka Ribowska comédienne (05/09/2020) -  Michel Robin  comédien (18/11/2020) -  Elisabeth Saint-Blancat directrice de théâtre (19/08/2020) -  Jean-François Save  directeur de théâtre (06/2020) -  Murray Schisgal dramaturge, scénariste (01/10/2020) -  Martine Spangaro directrice adjointe théâtre (31/05/2020)  -   Antonio Tarantino dramaturge (21/04/2020) -  Fred Ulysse comédien (24/10/2020) -  Brigitte Verlières directrice de théâtre (01/01/2020) -  Roman Viktiouk metteur en scène, pédagogue (17/11/2020) -  Jean-Pierre Vincent metteur en scène, directeur de théâtres (04/11/2020) -  Gérard Vivane comédien, pédagogue (05/09/2020) -  Wladimir Yordanoff comédien (06/10/2020)

Danse

Philippe Chevalier danseur, pédagogue (25/02/2020) -  Amélie Grand directrice des Hivernales (17/12/2020) -  Zizi Jeanmaire danseuse, chanteuse (17/07/2020) -    Betty Jones danseuse, chorégraphe, pédagogue (17/11/2020)   -    Nejib Ben Khalfallah danseur chorégraphe (24/07/2020)   -  Ann Reinking danseuse, actrice, chorégraphe (12/12/2020) -  Monet Robier danseuse, pédagogue (04/12/2020)  -  Maria Jesus Sevari danseuse, chorégraphe, pédagogue (20/12/2020) - Ousmane Sy chorégraphe (27/12/2020)

 (en préparation, les listes pour le cinéma, la musique, la danse et les arts visuels : cette liste sera complétée chaque jour jusqu'au 5 janvier 2021)

Par Jean-Luc Douin dans le Monde 22/12/2020

Issu d’une dynastie de comédiens et d’acteurs, le comédien a joué dans une centaine de films, de nombreuses pièces de théâtre et a reçu deux Césars. Il est mort ce mardi à l’âge de 84 ans.

Plus de cent films à son actif, et le souci perpétuel de s’effacer derrière ses rôles. « Je n’aime pas parler de moi, disait-il. Ce n’est pas un sujet passionnant. Le travail d’une vie consiste à préciser la marge entre ce que l’on veut et ce que l’on peut. » Modeste, pudique, considérant son métier comme un jeu plutôt qu’un labeur, déterminé à se penser comme « un artisan qui appartient à un collectif », le comédien Claude Brasseur est décédé mardi 22 décembre à l’âge de 84 ans, a annoncé son agent à l’AFP.

« Claude Brasseur est décédé ce jour dans la paix et la sérénité entouré des siens. Il n’a pas été victime du Covid. Il sera inhumé à Paris dans le respect des règles sanitaires et reposera aux côtés de son père, au cimetière du Père-Lachaise à Paris », a annoncé Elisabeth Tanner, à la tête de l’agence Time Art.

« Brasseur Père et Fils, Maison fondée en 1820 » : le sous-titre du livre de mémoires qu’il publie en 2014 (Merci !, Flammarion) souligne l’importance à ses yeux d’avoir appartenu à une dynastie. De son vrai nom Claude Espinasse, celui qui devient populaire en incarnant Vidocq pour la télévision au début des années 1970 aura donc hérité d’un pseudonyme familial.

Le premier Brasseur fut Jules Dumont, commis gantier à la Chaussée d’Antin reconverti aux planches, acteur comique et fondateur du Théâtre des Nouveautés. Son fils Albert lui succède, porté sur l’opérette, qui épouse une certaine Germaine, bientôt vedette du Théâtre du Palais-Royal, et si complice avec un certain Georges Espinasse, hallebardier de la troupe de Sarah Bernhardt, qu’elle donne naissance à Pierre, l’inoubliable prince des histrions à verve truculente, le séducteur sûr de lui qui aborde Arletty au début des Enfants du paradis de Marcel Carné : « Ah, vous avez souri ! Ne dites pas non, vous avez souri… »

Claude Brasseur était le fils de Pierre (et de cette autre star que fut Odette Joyeux, l’héroïne boudeuse du Mariage de Chiffon et de Douce, de Claude Autant-Lara). Il était aussi le père d’Alexandre, avec lequel il est monté sur scène en 2007 dans Mon père avait raison, de Sacha Guitry, et qui a évoqué son grand-père en 2016 sur la scène du Petit-Saint-Martin, dans Brasseur et les Enfants du paradis.

L’enfance, un souvenir douloureux

Né à Neuilly-sur-Seine le 15 juin 1936, il grandit entouré de têtes couronnées, Malraux, Jouvet, Sartre, Casarès… parmi lesquelles un ami de son père nommé Ernest Hemingway, qui est son parrain. Mais l’évocation de son enfance sera toujours douloureuse : ses parents ne s’occupent pas de lui. « Je n’ai aucun souvenir de ma vie avec eux et je dois dire que je m’en fous. » Ces parents égocentriques vont se séparer très vite, Odette Joyeux conservant un tel mauvais souvenir de Pierre Brasseur qu’elle en voudra à son fils d’adopter son pseudo.

« Tu ne peux pas rester journaliste avec un nom pareil, il faut que tu sois acteur ! » la comédienne Elvire Popesco

En pension, Claude Brasseur côtoie Philippe Noiret, Jean-Jacques Debout, et Jacques Mesrine. Peu porté sur les études, qu’il abandonne en classe de 2de, le gamin n’ose pas avouer qu’il a envie d’être acteur. Grâce à son père, le voilà journaliste à Paris Match, assistant du photographe Walter Carone. C’est en allant interviewer Elvire Popesco, reine du boulevard, qu’il voit son destin basculer : « Tu ne peux pas rester journaliste avec un nom pareil, lui dit la comédienne. Il faut que tu sois acteur ! » Et celle qui vient d’acheter le Théâtre de Paris lui signe illico un contrat, pour qu’il interprète, en 1955, trois rôles dans le Judas de Marcel Pagnol qu’elle s’apprête à monter : charpentier, apôtre et frère de Judas, avec fausse barbe. Après cela, Claude Brasseur entre au Conservatoire, tout en commençant à jouer au cinéma. En 1959, dans Rue des prairies, de Denys de La Patellière, il est le fils de Jean Gabin et coureur cycliste sur piste.

Fidèle lecteur de L’Equipe, Claude Brasseur aurait pu embrasser une carrière de sportif. Tenté par le vélo au point de s’entraîner avec le futur vainqueur du Tour de France Stephen Roche, il a été deux fois champion de France de bobsleigh (victime en 1964 d’un grave accident durant les Jeux olympiques à Innsbruck), il remporte le Paris-Dakar en 1983 comme copilote de Jacky Ickx, et joue au football dans l’équipe folklorique des Polymusclés. Mais la tradition familiale va éloigner ce grand bourru des terrains sportifs.

Pierre et Claude se côtoient sur le plateau des Yeux sans visage, de Georges Franju, de Lucky Jo, de Michel Deville (1964), où le vrai père joue un père fictif. Séquence émotion post mortem dans Les Acteurs, de Bertrand Blier (2000), où Claude Brasseur joue le rôle de… Claude Brasseur : son téléphone sonne dans la rue, c’est Pierre Brasseur qui l’appelle, puis qui lui passe Bernard Blier… ; Claude refile son portable à son metteur en scène, Bertrand. Sur le plan affectif, les deux hommes se sont ratés, mais Claude respectera toujours la carrière de son géniteur : « Mon père est mort ? Je ne sais pas, je l’ai vu hier soir à la télé ! »

Personnages emblématiques

« Si tu cherches à me ressembler ou à ne pas me ressembler, tu risques de fuir ta véritable nature et de devenir un acteur bâtard », lui avait dit ce père disparu. Message reçu. Claude sera lui-même, avec son accent de titi parisien, et s’il ne peut renier cette voix rauque, le timbre vibrant si légendaire de l’ogre paternel, il prêtera plutôt son visage à des personnages emblématiques (Rouletabille dans Le Mystère de la chambre jaune, de Jean Kerchbron, Vidocq pour 13 aventures orchestrées par Marcel Bluwal, Sganarelle pour le Don Juan avec Michel Piccoli à la télévision, Maupassant, le Georges Dandin de Molière ou le Leopold Trepper de L’Orchestre rouge au cinéma, Joseph Fouché dans Le Souper et Clemenceau dans La Colère du Tigre au théâtre). Ou bien il s’effacera derrière ses personnages, privilégiant l’attrait des rencontres humaines et professionnelles au critère de l’importance du rôle.

Claude Brasseur est tout sauf vaniteux. Ce n’est pas sans émotion qu’il endosse le personnage d’avocat véreux et maître chanteur dans Une belle fille comme moi, en 1972, parce que François Truffaut lui demande de revêtir un smoking, le même que celui porté par son père dans Les Portes de la nuit, de Marcel Carné. Ou qu’il se fait grimer comme le fut Pierre Brasseur interprétant Othello dans Josepha, de Christopher Frank, en 1981, jouant un acteur de théâtre dans la dèche et la déconfiture conjugale.

Ses rôles, il les choisit au feeling, sans jamais se poser « la question de la reconnaissance »

Il remporte ses deux Césars avec humour (« Depuis le temps qu’on me dit de me faire un prénom ! ») et humilité (« La popularité n’est pas un critère de qualité »). Le premier, en 1977, honore son interprétation de l’un des quatre copains d’Un éléphant ça trompe énormément, d’Yves Robert : il n’a accepté le rôle qu’à condition de donner à cet homosexuel l’allure d’un hétérosexuel, de ne « pas jouer les grandes folles ». Le second, en 1980, consacre le succès de La Guerre des polices, de Robin Davis, où il est un commissaire traquant un ennemi public.

Aucun plan de carrière

A cette époque, il oscille volontiers du flic (Une affaire d’hommes, de Nicolas Ribowski, La Crime, de Philippe Labro, Dancing Machine, de Gilles Béhat) au bandit (Un cave, de Gilles Grangier, Une robe noire pour un tueur, de José Giovanni), voire au détective privé (Il faut vivre dangereusement, de Claude Makovski), ou au juge (La Banquière, de Francis Girod) : « Un jour je suis le gendarme, un jour je suis le voleur. » On se souvient de lui aussi en prisonnier d’un stalag (Le Caporal épinglé, de Jean Renoir, 1962), écrivain impliqué dans un meurtre (Les Seins de glace, de Georges Lautner, 1974), écrivain alcoolique (Descente aux enfers, de Francis Girod, 1986), trafiquant raciste (L’Etat sauvage, de Francis Girod, 1978), amant dont s’éloigne Romy Schneider (Une histoire simple, de Claude Sautet, 1978), vétérinaire harcelé par une inspectrice des impôts (Signes extérieurs de richesse, de Jacques Monnet, 1983), flic macho tiraillé par le désir (Sale comme un ange, de Catherine Breillat, 1991), industriel pied-noir (L’Autre côté de la mer, de Dominique Cabrera, 1996), sans oublier le personnage de Jacky Pic, le beauf retraité de Melun, amateur de pastis en tongs, abonné à l’emplacement 17 aux Flots Bleus de Pyla-sur-mer (Camping, de Fabien Onteniente, 2005).

Ses rôles, il les choisit au feeling, sans jamais se poser « la question de la reconnaissance », et sans aucun plan de carrière. Il refusera ainsi le rôle porteur, finalement tenu par Philippe Léotard, dans La Balance, de Bob Swaim, parce qu’il vient de faire La Guerre des polices et ne veut pas se spécialiser dans le polar. Il arrête aussi de jouer Le Dîner de cons au théâtre en plein triomphe, afin d’honorer ses contrats de cinémas ; Francis Veber lui en voudra tellement qu’il s’opposera à ce qu’il reprenne son rôle dans le film (Thierry Lhermitte en héritera). S’il joue le père de Vic/Sophie Marceau, l’ado dans La Boum, de Claude Pinoteau, en 1980, c’est parce qu’il pense qu’il aimerait être le spectateur d’une telle comédie, et que s’il avait eu une fille, il l’aurait élevée de la même manière que celle que professe son personnage fictif dans le film.

Humilié et blessé

Au summum de ses prestations figurent sans doute Daniel, le vendeur de voitures d’Un éléphant ça trompe énormément et de Nous irons tous au paradis, aux côtés de Jean Rochefort, Guy Bedos et Victor Lanoux, avec cette scène réellement vécue au temps du Conservatoire, Belmondo, Marielle et Rochefort en complices : avec ses potes, il fait semblant d’être aveugle dans une brasserie, canne blanche brandie en arme de destruction prétendument passive (Brasseur aime la déconnade, bien bouffer, lever le coude…).

Restent aussi, sans aucun doute, ses deux collaborations avec Jean-Luc Godard : dans Bande à part d’abord, en 1964, l’histoire de deux voyous (lui et Sami Frey) amoureux d’Anna Karina, avec la fameuse visite record de la Grande Galerie du Musée du Louvre parcourue en courant en 9 minutes 43 secondes. Et la danse madison scandée dans un café, devant un juke-box. Godard disait alors de lui : « Claude Brasseur a l’innocence et la folie des enfants lorsqu’ils jouent aux billes ou à la guerre. C’est-à-dire à la fois la brutalité nécessaire et la candeur suffisante. »

En 1985, Brasseur est pilote de ligne, en passe de séparation avec Nathalie Baye qui en pince pour Johnny Hallyday, dans  Détective. Peut-être son rôle le plus touchant, intériorisé, blessé. Une épreuve. Car durant le tournage, Godard se conduit mal avec lui, l’humilie : « Mon pauvre Claude, lui dit-il, il y a vingt ans tu avais encore quelques qualités, maintenant t’as tout perdu. Il ne te reste plus rien du tout. » Godard enfonce le clou dans les Cahiers du cinéma : « Claude est un bon acteur mais surévalué, qui ne sait plus ce qu’il doit faire, qui ne fait que de mauvais films… » (n° 373, juin 1985). L’acteur a la dignité de réagir positivement : « Quand on se fait traîner dans la merde, on est secoué et ça nettoie. »

Sur la page de l'émission de Blandine Masson  Fiction / Théâtre et Cie le 22 nov. 2020 

Le récit d'une dynamique collective, d'une aventure intellectuelle, esthétique et politique au Théâtre national de Strasbourg

Hommage au metteur en scène Jean-Pierre Vincent mort le 4 novembre 2020.

Retour sur les « années TNS », les huit saisons passées entre 1975 et 1983 au Théâtre National de Strasbourg par Jean-Pierre Vincent avec un collectif d’artistes et dramaturges.

Ecouter l'émission en ligne (2h)

Par Fabienne Darge dans Le Monde  19/11/2020

Au long de soixante ans de carrière, c’est le théâtre qui aura été son lieu de prédilection, pour servir les plus grands auteurs, Beckett ou Tchekhov. Sociétaire de la Comédie-Française, second rôle dans de nombreux films de cinéma ou de télévision, il est mort, le 18 novembre, à l’âge de 90 ans.

Avec lui disparaît un acteur-poète, et un homme aussi merveilleux que discret : le comédien Michel Robin est mort, mercredi 18 novembre, à l’âge de 90 ans, des suites du Covid-19. Il était né à Reims, le 13 novembre 1930. Il s’était illustré à la télévision et au cinéma dans de nombreux seconds rôles, notamment dans Les Aventures de Rabbi Jacob (1973), La Chèvre (1981) ou Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain (2000), mais c’est le théâtre qui a été son royaume, au long de plus de soixante ans d’une carrière où il a mis son art de comédien funambule au service des plus grands auteurs.

Ce royaume du théâtre, pourtant, lui avait d’abord paru inaccessible, dans son enfance rémoise tranquille et bourgeoise. « Je pensais que c’était irréalisable, nous racontait-il dans un entretien, en avril 2003. D’abord, j’étais trop moche : dans ma jeunesse, au début des années 1950, l’Acteur, c’était Gérard Philipe… » Michel Robin se lance quand même, arrivant à Paris en 1956, à l’âge de 26 ans, pour entrer à l’école du Théâtre national populaire (TNP), alors installé au Théâtre de Chaillot et dirigé par Jean Vilar.

Roger Planchon, qui en 1957 se voit confier le Théâtre de la Cité de Villeurbanne, l’engage six mois plus tard. « Au début, je tenais les hallebardes, et puis je suis resté dix ans… », se souvenait Michel Robin. Il joue dans une petite vingtaine de spectacles du maître, de George Dandin aux Trois Mousquetaires en passant par toute une collection de Shakespeare, de Richard III à Falstaff.

La révélation Beckett

En 1970 a lieu la grande rencontre théâtrale de sa vie, celle de Samuel Beckett, qui restera jusqu’au bout son auteur de prédilection, avec Tchekhov. Roger Blin l’engage pour jouer Lucky dans En attendant Godot, qu’il avait créé en 1953 et dont il propose une nouvelle mise en scène. Pour Michel Robin, c’est une révélation. Dix ans plus tard, en 1980, il retrouve Beckett pour Fin de partie, dans lequel il joue Clov, sous la direction de Guy Rétoré.

Il jouera de nouveau la pièce en 1986, avec Marcel Maréchal, et, en 2011, avec Alain Françon. Le rôle et la pièce de sa vie. « Fin de partie, pour moi, c’est encore plus magnifique que Godot, plus simple, moins bavard. Ça peut paraître très prétentieux, mais, chez Beckett, je suis chez moi. C’est tellement drôle, et tellement affreux, en même temps. Il s’approche de choses tellement mystérieuses, tellement graves, qu’il n’y a plus qu’à en rire. Il n’y a rien à comprendre chez Beckett, il faut se laisser porter, comme par la mer, par l’émotion… »

C’est avec Beckett, surtout, que Michel Robin a compris quel acteur il voulait et pouvait devenir. Comme l’auteur de Godot, il était fasciné par les grands clowns d’autrefois, dont il estimait que l’art s’était perdu, sauf chez Raymond Devos. « Mon rêve, ce serait de pouvoir entrer en scène, de m’asseoir sur une chaise, de ne rien faire, et de faire rire et pleurer en même temps », disait-il en livrant ainsi le secret de son art de comédien.

« Ça peut paraître très prétentieux, mais, chez Beckett, je suis chez moi. C’est tellement drôle, et tellement affreux, en même temps »

Au fil des années 1970 et 1980, il a peaufiné cet art en jouant avec les metteurs en scène importants de l’époque, de Jean-Louis Barrault à Claude Régy en passant par Alfredo Arias, Lucian Pintilie ou Jérôme Savary. En 1994, son ami Jean-Pierre Miquel l’appelle pour lui proposer d’entrer, sur le tard, dans la troupe de la Comédie-Française. Il joue son premier grand rôle dans la maison en 1996 , Monsieur Jourdain, dans Le Bourgeois gentilhomme, puis il en devient le 495e sociétaire en 1997. Il va y rester jusqu’en 2010, et y donne pendant quinze ans une grandeur inédite aux rôles de vieux serviteurs, de Marivaux à Molière en passant par Feydeau.

Art profond et aérien

Mais c’est surtout avec les Russes Tchekhov et Ostrovski qu’il va donner une épaisseur humaine inouïe à ces personnages qui ont passé leur vie dans les coulisses de l’existence : Firs dans La Cerisaie et Feraponte dans Les Trois Sœurs, sous la direction d’Alain Françon, Karp dans La Forêt d’Ostrovski, mise en scène par Piotr Fomenko.

En 2014, Denis Podalydès rend un magnifique hommage à cet art profond et aérien en mettant en scène Michel Robin, au Théâtre des Bouffes du Nord, à Paris, dans le rôle du vieux Nioukhine dans Les Méfaits du tabac, de Tchekhov. « Pour moi, toute l’essence de Tchekhov est dans ce que dit Firs à la fin de La Cerisaie, observait alors Michel Robin : “La vie, elle a passé, on a comme pas vécu”. Tchekhov porte un regard d’une tendresse infinie sur ces êtres dont la vie a été gâchée, mais qui ne sont pas des ratés. »

Ce fut le dernier rôle de Michel Robin, dont la présence familière évoquera d’autres souvenirs à nombre de spectateurs. A l’image du Pipe du film d’Yves Yersin Les Petites Fugues (1979), un vieux paysan qui faisait souffler un vent de liberté sur son vélomoteur, et qui lui a valu le prix d’interprétation au festival de Locarno. Ou du Doc de la série télévisée Fraggle Rock (1983), qui en a fait le grand-père imaginaire d’une génération. Il y avait bien « un monde d’humanité et d’intelligence contenu dans cette longue et humble silhouette courbée », comme l’écrit Eric Ruf, l’administrateur de la Comédie-Française, dans l’hommage qu’il rend au comédien au nom de toute la Maison de Molière, où Michel Robin était infiniment aimé et admiré par ses pairs, toutes générations confondues.

Lire aussi  Michel Robin fait encore un « Tabac »

Lire aussi : Les "Trois Sœurs" dans un portrait de groupe figé

Légende photo : Michel Robin en avril 1990, après avoir reçu le Molière du meilleur second rôle dans « La Traversée de l’hiver » lors de la cérémonie au Théâtre du Châtelet à Paris. PIERRE VERDY/AFP

Mélisande Queïnnec - franceinfo Culture
France Télévisions Rédaction Culture

Le comédien, particulièrement apprécié au théâtre, avait fait des incursions fréquentes remarquées au cinéma et à la télévision ("La Chèvre", "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain", "Un long dimanche de fiançailles"...).

Publié sur le site du Théâtre du Nord  CDN - Direction Christophe Rauck

On attendait avec impatience de voir prochainement sa version d’Antigone de Sophocle, au Théâtre National de Strasbourg. Qu’aurait-il fait de ce mythe vieux de 2500 ans et de son héroïne? Comment aurait-il fait exploser au plateau l’intelligence du texte, sa sensibilité, pour mieux en découdre avec le monde d’aujourd’hui ?

 

Quand Jean-Pierre Vincent était venu présenter à notre équipe Iphigénie en Tauride – celle de Goethe et non celle d’Euripide – qu’il était en train de répéter en 2016, il avait exprimé le bonheur qu’il avait de se ressaisir des classiques, de les explorer pour les mettre en scène, avec la revigorante modernité qui était la sienne.
Le 12 mars 2016, il avait participé, à l’invitation de Christophe Rauck, à une journée de rencontres autour du personnage de Figaro, pour évoquer, également avec Jacques Lassalle, leur mise en scène respective du Mariage de Figaro. En 1987, Jean-Pierre Vincent déjà, montrait combien les femmes menaient le jeu autour du couple maître-valet…

 
Jean-Pierre Vincent, c’était d’abord une énergie. Blouson de cuir noir, œil vif et toujours un projet, une bataille, voire un combat à mener.
Ce passionné d’histoire aimait à dire qu’il avait horreur du passé : « Je travaille pour que le passé serve le présent et pas l’inverse comme dans la culture réactionnaire française, bien calée bien traditionnelle, catholique et cuistre ».

 
Directeur du Théâtre National de Strasbourg (1975-1983), du Théâtre Nanterre- Les Amandiers (1990-2001), administrateur de la Comédie-Française (1983-1986) sur laquelle Mitterrand via Jack Lang lui demande de souffler un vent nouveau, Jean-Pierre Vincent avait repris sa liberté en 2002 en créant la compagnie Studio libre qui ne manquait pas de lui laisser du temps pour travailler avec de jeunes comédiens dont il adorait l’énergie. Brillant pédagogue, il a été découvreur de talents, et nombre de grands comédiens d’aujourd’hui peuvent se réclamer de son enseignement.  

 
Jean-Pierre Vincent, c’était aussi la fidélité à ceux qui avaient bâti avec lui la centaine de mises en scène qu’on lui doit et, notamment, Bernard Chartreux son dramaturge et Jean-Paul Chambas, son scénographe.

Avec ses camarades du club-théâtre du lycée Louis-Le-Grand (1958), Patrice Chéreau (1944-2013) et Jérôme Deschamps, Jean-Pierre Vincent a été de cette génération de metteurs en scène, qui a donné le grand coup de pied salvateur dans le théâtre bourgeois de l’après-guerre.


Sa disparition nous laisse orphelins, comme avant lui, celle de son compagnon de route, Patrice Chéreau, nous avait coupé les ailes. Il reste des captations et le souvenir de ses spectacles présentés au Théâtre du Nord : Le Jeu de l’amour et du hasard de Marivaux (1999) ; Lorenzaccio d’Alfred de Musset (2001) ; Derniers remords avant l’oubli de Jean-Luc Lagarce (2005) ; L’Eclipse du 11 août de Bruno Bayen (2007) ; Le Silence des communistes (2008) ; Iphigénie en Tauride de Goethe (2016). 

Le Théâtre du Nord

 

► https://www.theatre-contemporain.net/video/Figaro-divorce-rencontre-avec-J-Lasalle-J-P-Vincent-et-C-Rauck

 

► https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2020/11/05/le-metteur-en-scene-jean-pierre-vincent-est-mort_6058662_3382.html#:~:text=Le%20metteur%20en%20sc%C3%A8ne%20Jean-Pierre%20

Par Gilles Costaz dans Sceneweb - 5 novembre 2020 

L’un des plus importants metteurs en scène français vient de mourir : Jean-Pierre Vincent, décédé à l’âge de 78 ans, victime du covid-19. Rien que la liste des établissements qu’il a dirigés au cours de sa carrière donne la dimension de ce qu’il a représenté dans le paysage théâtral français : il a été directeur du Théâtre national de Strasbourg de 1975 à 1983, administrateur général de la Comédie-Française de 1983 à 1986 et directeur de Nanterre-Amandiers de 1990 à 2001. Mais, au départ, il y a le Groupe théâtral du lycée Louis-le-Grand, à Paris, où deux très jeunes gens s’affirment : Jean-Pierre Vincent et Patrice Chéreau, qui resteront amis toute leur vie. Plutôt brechtien, Vincent crée sa troupe, s’entourant de personnalités comme Jean Jourdheuil, puis plus tard André Engel, impose un style radical qui, ouvert à la réflexion politique et aux esthétiques européennes, démode le classicisme dominant de l’époque. Sa femme, la grande comédienne Hélène Vincent, le peintre-scénographe Jean-Paul Chambas et le dramaturge Bernard Chartreux sont de l’aventure et y joueront des rôles importants. Infatigable, Vincent va poursuivre une activité créatrice qui aura duré 60 ans (de 1959 à 2019). Il appartenait au petit nombre de ces artistes qui, surdoués, n’ont jamais raté une mise en scène.

Un inoubliable Mariage de Figaro
A la tête du TNS, il révise et re-lit les classiques, comme Le Misanthrope ou les Shakespeare traduits par Jean-Michel Déprats ; il s’affirme comme l’un des pionniers du théâtre documentaire, avec la mise au théâtre de comptes rendus de tribunaux, Le Palais de justice. Au Français, il n’obtient pas une entente parfaite avec les acteurs mais il y monte des spectacles marquants comme Félicité de Jean Audureau, Le Suicidé de Nicolas Erdman (plus tard, il reviendra présenter un très beau Léo Burckart de Nerval). Avant de reprendre la responsabilité d’une grosse structure, il a le temps de mettre en scène un Mariage de Figaro mémorable, joué notamment par André Marcon, Dominique Blanc, Didier Sandre, Denise Chalem, à Chaillot : un miracle d’équilibre entre le brio des sentiments et l’éclat sombre de la comédie sociale. Puis, à Nanterre, il donne à voir des spectacles à la fois exigeants et populaires, comme Les Fourberies de Sapin avec Daniel Auteuil (d’abord créé à Avignon) et un cycle Musset auquel participent Auteuil et Emmanuelle Béart. Et se confronte au théâtre d’Edward Bond (Pièces de guerre).

Redevenu indépendant, ayant constitué sa compagnie Studio libre, il exhume des textes oubliés (Benserade), s’intéresse au théâtre de Jean-Luc Lagarce, revient à l’un de ses domaines favoris, la tragédie grecque - son dernier grand spectacle sera, à Avignon, L’Orestie jouée par de jeunes comédiens sortant de l’école du TNS. La maladie l’aura empêché de monter Antigone qui était prévue au TNS cette saison. Parmi les metteurs en scène contemporains, Jean-Pierre Vincent était un personnage tout à fait ouvert, passionné par les jeunes générations (il fit beaucoup pour Stanislas Nordey qui le remplace actuellement à la tête du TNS), accueillant, actif à tous les échelons : la formation, le débat politique, l’action culturelle et les relations du théâtre avec les milieux scolaires et universitaires, la défense de la profession… Fasciné par la culture germanique, travaillant à l’allemande (il avait un dramaturge, Chartreux, et n’attaquait pas ses répétitions sans disposer d’un énorme dossier historique), il ne fut pas fermé aux autres inspirations et aux écritures françaises comme celles de Jean-Claude Grumberg, Rezvani, Fatima Gallaire ou Bruno Bayen. Jamais fossilisé dans un répertoire ou une fonction, il allait, avec une belle souplesse, une ample curiosité, d’un univers à l’autre, d’une activité à l’autre. On l’interviewait facilement, et ses propos étaient toujours passionnants. Notre rédaction, qui comprend Dominique Darzacq - laquelle avait réalisé avec Vincent un ouvrage et la série d’entretiens télévisés Mémoires du théâtre -, adresse ses plus vives condoléances à son épouse, Nicole Taché, sa famille et à ses proches.

Gilles Costaz - Webthéâtre

Photo Artcena.

Par Fabienne Darge dans Le Monde, le 5 novembre 2020

Cette figure tutélaire du théâtre français est morte le 5 novembre à Mallemort (Bouches-du-Rhône), à l’âge de 78 ans.

On le voit encore, le regard vif, la moustache frémissante de combats à venir, tellement vivant. Le metteur en scène Jean-Pierre Vincent est mort, dans la nuit du mercredi 4 au jeudi 5 novembre, à 78 ans, dans sa maison de Mallemort (Bouches-du-Rhône), des séquelles du coronavirus, contracté au printemps et à la suite duquel il avait eu plusieurs AVC. Il était né le 26 août 1942, à Juvisy-sur-Orge (Essonne).

Avec lui, le théâtre perd une figure tutélaire : Jean-Pierre Vincent n’a pas seulement signé une centaine de spectacles et dirigé successivement le Théâtre national de Strasbourg (TNS), la Comédie-Française et les Amandiers, à Nanterre (Hauts-de-Seine). Il a aussi été un pédagogue exceptionnel, et le « père » de théâtre de nombre de talents, qu’il s’agisse de Denis Podalydès, de Stanislas Nordey, d’Emmanuelle Béart, de Pascal Rambert et de bien d’autres. Il était toujours le premier à monter au front pour défendre le modèle du théâtre public à la française, qu’il estimait aujourd’hui menacé, et le rôle fondamental qu’il joue dans une société démocratique.

On le voit encore, un jour froid de l’hiver 2017, commencer un long voyage dans l’Orestie d’Eschyle avec les élèves de première année de l’école du TNS. Tout Jean-Pierre Vincent était là : la rigueur et l’humour, la passion des textes, de leur histoire, et la nécessité de les lire dans le présent d’aujourd’hui.

« On voulait bouffer le monde ! »

La passion pour l’histoire française, il l’avait chevillée au corps, lui dont l’histoire personnelle a épousé celle de la France de l’après-guerre. Une enfance de titi parisien, dont il garderait toujours la gouaille, une enfance populaire, dont il disait pourtant qu’elle avait été « privilégiée et miraculeuse ».

« Mon père était un petit employé du Palais de justice de Paris, racontait-il lors d’un entretien en 2018. Il s’occupait du matériel : les chaises, les crayons et les buvards des magistrats. Mais le miracle, c’est que ce poste était logé dans le Palais de justice. C’était la fonction publique de la IIIe République. Et donc mon école, c’était celle de la rue du Pont-de-Lodi [Paris 6e], où habitait Pierre Dux [comédien et metteur en scène, 1908-1990] et où Picasso [1881-1973] avait son atelier. Mon collège, c’était Montaigne, mon lycée, Louis-le-Grand. Aujourd’hui, avec le statut de mes parents – ma mère était couturière à la maison –, il serait impossible d’accéder à un tel établissement… »

La suite appartient à la légende du théâtre : un jour de 1958, Jean-Pierre Vincent accompagne son meilleur ami à l’audition du club théâtre de Louis-le-Grand. « Dans la salle, ça sentait bon le bois et les planches », se souvenait-il. Il est reçu, et se retrouve avec d’autres jeunes gens qui vont changer la face du théâtre français : Patrice Chéreau (1944-2013), Jérôme Deschamps, Michel Bataillon… Des jeunes gens qui veulent en découdre : « Le théâtre français de l’époque était horrible, pour nous – ces Marivaux joués avec l’accent du 7e arrondissement… On était méchants, on voulait bouffer le monde ! »

C’est alors la découverte de Roger Planchon (1931-2009) qui, au Théâtre national populaire (TNP) de Villeurbanne (Rhône), révolutionne l’art de la mise en scène. Et celle, fondamentale, de Bertolt Brecht, grâce à Patrice Chéreau qui, à 16 ans, prend le train à travers la RFA et la RDA pour aller voir les spectacles du maître au Berliner Ensemble, et les raconte à ses camarades au retour.

Jean-Pierre Vincent va accompagner Patrice Chéreau tout au long des années 1960, notamment quand celui-ci prend, à 22 ans, en 1966, la direction du Théâtre de Sartrouville (Yvelines). L’expérience dure un an et se solde par des dettes considérables. Chéreau et sa bande doivent partir.

Comique de rupture et critique sociale

Arrive 1968 et son parfum révolutionnaire. Dans un colloque sur Brecht, Jean-Pierre Vincent rencontre un jeune universitaire cinglant et contestataire, à l’humour aussi ravageur que le sien : Jean Jourdheuil. Les deux hommes s’associent, et les « Vincent-Jourdheuil », comme on les appellera dorénavant, forment en France le premier duo entre un metteur en scène et un dramaturge, au sens allemand du terme, c’est-à-dire dégageant les implications historiques, politiques et philosophiques d’un texte.

Ils montent La Noce chez les petits-bourgeois ou Dans la jungle des villes, de Brecht, La Cagnotte, de Labiche, ou Le Marquis de Montefosco, de Goldoni, dans un alliage de comique de rupture et de critique sociale.

Ce travail leur vaut une belle reconnaissance et, en 1975, Jean-Pierre Vincent est nommé directeur du TNS. Jean Jourdheuil, rebelle à l’institution, ne le suit pas, mais Jean-Pierre Vincent rencontre un autre universitaire-dramaturge, Bernard Chartreux. Les deux hommes resteront jusqu’au bout professionnellement inséparables. A Strasbourg, Jean-Pierre Vincent fait du théâtre un foyer permanent de recherche et de discussions collectives.

Avec Bernard Chartreux, ils inventent une nouvelle forme de drame historique, notamment avec Vichy-Fictions et Violences à Vichy (1980), dans une France giscardienne qui commence à peine son travail de mémoire sur la seconde guerre mondiale. Une nouvelle forme de drame social, aussi, avec Germinal (1975), réécriture du roman de Zola par l’auteur Michel Deutsch, ou Le Palais de justice (1981), mise en scène de la journée ordinaire d’un tribunal avec ses petits vols, ses délinquants, ses désespoirs.

Parallèlement, Jean-Pierre Vincent poursuit son travail de relecture des classiques, signant en 1977 un Misanthrope qui fait date, notamment par sa vision du personnage de Célimène : la prétendue coquette comme son camarade Alceste sont montrés comme des victimes d’une société formaliste, écrasée par la puissance de l’Etat.

Le théâtre comme révélateur de son époque

Jean-Pierre Vincent a 40 ans quand, en 1982, François Mitterrand à peine élu à la présidence de la République, le ministre de la culture Jack Lang l’envoie souffler sur la poussière qui recouvre alors la Comédie-Française. Il y mène pendant trois ans un travail de titan pour faire enfin entrer la « Maison de Molière » dans le grand concert créatif du théâtre européen, qui est alors en pleine effervescence.

Jean-Pierre Vincent crée Félicité (1983), de Jean Audureau, adaptation d’Un cœur simple de Flaubert, aventure sexuelle et quasi animale d’une vieille femme seule. Fait entrer au répertoire de la maison Le Balcon, de Jean Genet. Invite le metteur en scène allemand Klaus Michael Grüber (1941-2008), qui signe une sublime Bérénice, de Racine, entrée dans l’histoire du théâtre.

Mais le nouveau directeur se heurte à l’opposition obstinée de certains sociétaires de la troupe, acharnés à défendre une vision plus conservatrice de l’institution. En 1986, Jean-Pierre Vincent claque la porte, lançant, en une formule restée célèbre, que le poste d’administrateur de la Comédie-Française est « le plus difficile, avec celui de Matignon ».

Il reprend sa liberté de metteur en scène, jurant qu’on ne l’y reprendrait plus. Le Mariage de Figaro (1987), de Beaumarchais, un de ses meilleurs spectacles, et Le Faiseur de théâtre (1987), de Thomas Bernhard, prolongent sa réflexion sur le théâtre comme révélateur de son époque.

Mais, en 1990, son ami Patrice Chéreau l’appelle, le priant de prendre sa suite à la tête du Théâtre des Amandiers de Nanterre. Jean-Pierre Vincent va y rester dix ans, appelant à ses côtés Stanislas Nordey – actuel directeur du Théâtre national de Strasbourg –, et faisant travailler une flopée de jeunes comédiens qui vont faire leur chemin, de Denis Podalydès à Emmanuelle Béart en passant par Eric Elmosnino et Jérôme Kircher. C’est lui aussi qui donne sa chance à Daniel Auteuil en tant que comédien de théâtre, en le mettant en scène dans Les Fourberies de Scapin dans la Cour d’honneur du Palais des papes, à Avignon, en 1990.

En 2001, il quitte définitivement l’institution, sans nostalgie, estimant qu’une nouvelle génération doit prendre les commandes. Il fonde, avec Bernard Chartreux, sa compagnie, Studio libre, avec laquelle il cultive l’alternance qu’il aime pratiquer entre mises en scène de textes du répertoire, pièces d’auteurs contemporains et projets documentaires et historiques. C’est ainsi qu’Ubu roi, d’Alfred Jarry (2009), et le Dom Juan de Molière (2012) cohabitent avec Dernier remords avant l’oubli, de Jean-Luc Lagarce (2004), ou Onze débardeurs, d’Edward Bond (2003), et avec Le Silence des communistes (2007), qui se penche sur l’évolution du communisme italien, en miroir de la situation française.

Et c’est dans la dernière décennie, à partir de 2010, qu’il signe plusieurs de ses meilleurs spectacles, comme un artisan ayant longuement peaufiné ses outils et son geste. En 2015, il offre une vision magnifique d’En attendant Godot, de Beckett, vivante, charnelle et drôle, à rebours des clichés abstraits qui collent à la pièce – un Godot qui met en regard la catastrophe de la seconde guerre mondiale et des camps avec celle de la destruction écologique du monde aujourd’hui.

En 2018, George Dandin, le cauchemar du paysan parvenu de Molière, lui inspire un spectacle où s’emboîtent avec une précision imparable les mécanismes de la lutte des classes et de la guerre des sexes.

Un classique trempé dans la modernité

L’ancien jeune homme en colère est devenu un classique, mais un classique trempé dans la modernité, avec sa manière unique de lier l’histoire et l’actualité, le comique et le tragique. « Je suis profondément passionné par l’Histoire, viscéralement, depuis toujours, mais j’ai horreur du passé. Je travaille pour que le passé serve le présent, et pas l’inverse, comme dans la culture réactionnaire française bien calée, bien traditionnelle, catholique et cuistre », revendiquait-il dans nos colonnes, en 2018. « Le théâtre n’est pas un art d’actualité. Quand il s’y essaie, il s’y perd. Le théâtre parle du présent, dans toute son épaisseur (passé et avenir compris) », précisait-il dans un autre entretien, en 2015.

Comme ses camarades du lycée Louis-le-Grand, Jean-Pierre Vincent avait fait sienne la première phrase de Petit Organon pour le théâtre, le grand texte programmatique de Brecht : « Le théâtre est un divertissement, c’est la meilleure définition qu’on puisse en donner. Mais [Et le « mais » a toute son importance] il y a divertissement simple, et divertissement complexe. » Jean-Pierre Vincent n’avait cessé de tirer la sonnette d’alarme, ces dernières années, face à un théâtre à nouveau fortement happé par le divertissement et la facilité, notamment de la part d’un monde politique qu’il estimait largement déculturé.

Avec lui s’en va l’un des hommes emblématiques de cette génération nourrie par le XVIIIe siècle des Lumières et par l’analyse marxiste, dont il estimait qu’elle était toujours utile pour décrypter les rapports sociaux, dans le monde postmoderne d’aujourd’hui.

Au cours de cette saison si particulière pour le théâtre français, celui qui n’avait pas son pareil pour choisir le bon moment pour monter une pièce aurait dû créer sa version d’Antigone, de Sophocle, au Théâtre national de Stasbourg. Antigone, une toute jeune femme dressée contre l’arbitraire du pouvoir, Antigone qui se bat pour enterrer son frère dignement…

Le Covid-19 aura rattrapé Jean-Pierre Vincent avant qu’il ne puisse se pencher sur cette étrange coïncidence entre un virus du XXIe siècle et un mythe vieux de deux mille cinq cents ans.

Fabienne Darge

Liens vers d'autres articles du Monde (archives)

 Lire la critique de « Violences à Vichy » en 1980 : Le temps des monologues

 Lire la critique de 1987 : "Le Mariage de Figaro" à Chaillot : La folle nuit

Lire la critique de 1987 : " Le Faiseur de théâtre ", de Thomas Bernhard Un râleur enragé

 Lire la critique de 1990 : "LES FOURBERIES DE SCAPIN", DE MOLIÈRE, MIS EN SCENE PAR JEAN-PIERRE VINCENT Les escarmouches d'un galopin

 Lire aussi (1994) : THÉÂTRE Changement de cap à Nanterre-Amandiers Les nouvelles ambitions de Jean-Pierre Vincent

Lire aussi Denis Podalydès évoquant Jean-Pierre Vincent en 2005 : "L'éphémère absolu crée le sentiment de la beauté"

 Lire l’entretien avec Jean-Pierre Vincent en 2007 : "Aucun communiste français ne parlerait comme les Italiens"

Lire l’entretien (en 2015) : Jean-Pierre Vincent : « Dans “Godot”, plus c’est drôle, plus c’est tragique »

Lire aussi (2016) : Jean-Pierre Vincent ramène Iphigénie sur nos rivages

 Lire la critique (en 2018) : Théâtre : George Dandin, ce dindon de la farce

 Lire le portrait de 2018 : Jean-Pierre Vincent, une histoire française

Légende photo : Le metteur en scène Jean-Pierre Vincent en 2019. Jean-Louis Fernandez

Par Armelle Héliot dans Le Figaro - 5 novembre 2020

DISPARITION - Administrateur de la Comédie-Française, directeur de grandes institutions, à Strasbourg ou Nanterre, le metteur en scène s’est éteint dans la nuit du 4 au 5 novembre. Il avait 78 ans.

La jeunesse! Il inspirait le sentiment d’une jeunesse profonde et n’aimait rien tant que de travailler avec des jeunes. Jean-Pierre Vincent s’est éteint dans la nuit de mercredi 4 à jeudi 5 novembre. Il avait subi l’attaque du Covid au printemps dernier, puis avait été touché par deux AVC. Il avait eu 78 ans, le 26 août dernier. Il n’aura jamais cessé de servir l’art du théâtre.

Jean-Pierre Vincent fit partie du légendaire groupe de théâtre du lycée Louis-le-Grand. En 1958, il a 16 ans, il rencontre ses amis, ses pairs, Jérôme Deschamps, Michel Bataillon, auprès de Planchon des années durant et, évidemment, Patrice Chéreau qu’il accompagnera longtemps. C’est dans le cadre de ce groupe que Jean-Pierre Vincent endosse ses premiers rôles et met en scène ses premières pièces: La Cruche cassée de Kleist, Scènes populaires d’après Henri Monnier. Il est le double de Patrice Chéreau, dans ces années-là et l’accompagne à Gennevilliers puis à Sartrouville. Il rencontre sa femme, la comédienne Hélène Vincent. Leur fils, Thomas Vincent, est réalisateur. Ils sont séparés depuis longtemps. Jean-Pierre Vincent avait épousé une autre femme de théâtre, notamment ancienne codirectrice du Festival d’Avignon, Nicole Taché.

Chéreau poursuit sa route avec Richard Peduzzi, et Jean-Pierre Vincent, qui a rencontré l’universitaire Jean Jourdheuil, signe des spectacles mémorables dans des institutions diverses, de Dijon à Toulouse en passant par Paris. Brecht comme Goldoni ou Marivaux, Labiche, mais aussi Serge Rezvani. Capitaine Schelle, Capitaine Eçço, un événement, au TNP-Chaillot, en 1971, puis Le Camp du drap d’or. Il choisit aussi Jean-Claude Grumberg. L’année suivante naît la Compagnie Vincent-Jourdheuil/Théâtre de L’Espérance et ils poursuivent leur exploration du répertoire de langue allemande, Brecht toujours, et Büchner, et Grabbe. Ils vont même jusqu’au Palace qui est alors une salle de théâtre d’avant-garde.

Grandes années
Michel Guy, secrétaire d’État à la Culture, renouvelle le cercle des directeurs d’institution et nomme Jean-Pierre Vincent à la tête du Théâtre national de Strasbourg, le TNS, pourvu d’une école. De très grandes années. Il forme son équipe: le regretté Dominique Muller, Bernard Chartreux, Michel Deutsch, et le peintre essentiel dans l’ensemble du parcours du metteur en scène, Jean-Paul Chambas. Des textes interrogent l’histoire de France: Vichy fictions (1980), Le Palais de Justice (1981), Dernières nouvelles de la peste (1983). Et des comédiens souverains éclairent ces spectacles: Philippe Clévenot, Évelyne Didi, André Wilms, on ne saurait tous les citer.

Jack Lang va lui confier la Comédie-Française, où il a mis en scène, avec un grand succès, en 1982, Les Corbeaux d’Henry Becque. Jean-Pierre Vincent trouve alors cette formule: «Diriger depuis le plateau». De 1983 à 1986, la maison, pas facile, on le sait, voit les créations, par son administrateur général, de Félicité de Jean Audureau, du Suicidé de Nicolaï Erdman et plus tard, dans la Cour d’honneur d’Avignon, de Macbeth. Le mistral s’en mêle et le spectacle est affaibli par ce coup du sort.

C’est de lui-même que Jean-Pierre Vincent choisit de quitter le Français pour retrouver un peu de liberté. Il enseigne au Conservatoire. Il adore transmettre et sera également, plus tard, professeur à l’Érac, l’école de Cannes. Il montera des spectacles avec des jeunes, comme il le fera à l’ENSATT-Lyon (l’ancienne «Rue Blanche»). Il est très sollicité et monte un inoubliable Mariage de Figaro, en 1987, à Chaillot: Didier Sandre est un Almaviva extraordinaire et Dominique Blanc, une Suzanne délicieuse. Il met aussi en scène Musset, Bernhard, Sophocle comme Ivane Daoudi. Il revient salle Richelieu pour La Mère coupable de Beaumarchais, en 1990.

Il aimait les acteurs
Mais Vincent est décidément quelqu’un sur qui les tutelles s’appuient et, en 1990, il est nommé, succédant à Patrice Chéreau, à la tête du Théâtre de Nanterre-Amandiers. Encore de très brillantes années. Il n’a pas 50 ans, il est dans le rayonnement de ses talents. On lui a commandé l’ouverture d’Avignon, cet été-là. Ce sont Les Fourberies de Scapin avec Daniel Auteuil, l’une des plus belles créations de l’histoire du Festival. À Nanterre, Daniel Auteuil et Emmanuelle Béart vont porter de leurs radieuses personnalités, un cycle Musset. Le directeur accueille le jeune Stanislas Nordey et lui confie la codirection, travaillant régulièrement pour des maisons d’opéra ou le festival d’Aix. Au théâtre, il révère Molière, au lyrique, il adore Mozart.

On ne saurait, au moment de saluer cette belle vie, ce grand parcours, citer les dizaines et dizaines de mises en scène de Jean-Pierre Vincent. Après Nanterre, il avait repris la route et signé de merveilleux spectacles, tels Les Prétendants et Derniers Remords avant l’oubli de Jean-Luc Lagarce, à La Colline, à l’Odéon. Les contemporains, les classiques. Isaac de Benserade, par exemple. Et toujours Molière, L’École des Femmes à l’Odéon, avec Daniel Auteuil, formidable, et Dom Juan à la Comédie-Française avec Loïc Corbery et Serge Bagdassarian, Suliane Brahim, et leurs camarades, magnifiques.

Un très long et beau chemin qu’il poursuivait, se passionnant toujours pour la jeunesse. Il aimait les acteurs. Il aimait lire. Il se tenait toujours au courant des affaires du monde, mais c’est au plus profond des livres qu’il trouvait ses bonheurs et sur un plateau qu’il était pleinement heureux.

Légende photo : Jean-Pierre Vincent en 2016 au théâtre des Abbesses. PATRICK KOVARIK/AFP

Publié par Stéphane Capron dans Sceneweb le 27 octobre 2020

Le comédien Fred Ulysse est mort à l’âge de 86 ans. Toujours sur les planches depuis le milieu des années 50, il devait être dirigé l’année prochaine par Arnaud Meunier dans Tout mon amour de Laurent Mauvignier.

Formé aux cours André Bauer, Pierre Valde et Tania Balachova, Fred Ulysse débute sa carrière en 1956 au Centre dramatique de l’Ouest, il joue sous la direction d’Hubert Gignoux dans Noë d’André Obey.. Claude Régy le met en scène en 1965 dans L’Accusateur public de Fritz Hochwälder au Théâtre des Mathurins. A la télévision, il est le père de Jacquou le Croquant dans la série de Stellio Lorenzi. En 2007, au Festival d’Avignon, il participe à l’aventure des Feuillets d’Hypnos de René Char dans la Cour d’honneur sous la direction de Frédéric Fisbach. Il travaille sous la direction de Luc Bondy à l’Odéon dans Tartuffe et Ivanov. Il devait partager l’affiche l’année prochaine de Tout mon amour de Laurent Mauvignier dans la mise en scène d’Arnaud Meunier avec Anne Brochet, Romain Fauroux, Ambre Febvre, Philippe Torreton.

Par Jérôme Skalski dans L'Humanité - 19/10/2020

L’écrivain et dramaturge s’est éteint ce week-end à Concepcion, au Chili, à l’âge de 66 ans. Homme engagé, au singulier comme au pluriel, il avait animé des dizaines d’ateliers de création, afin que ceux à qui on ne donne jamais la parole prennent la plume et s’expriment.