Revue de presse théâtre

Par Elise Racque dans Télérama, publié le 7 avril 2025

Manque de visibilité, report de projets… La crise couve depuis plusieurs mois pour les fictions de France Culture. Le départ fin avril de Blandine Masson, directrice historique du service, laisse les équipes dans l’expectative.

Lire sur le site de Télérama : https://www.telerama.fr/radio/a-france-culture-les-fictions-se-reorganisent-laborieusement-on-a-le-sentiment-d-une-grande-improvisation-7025134.php

Une page se tourne à France Culture. Après vingt ans à son poste, la directrice des fictions, Blandine Masson, quittera la station fin avril. Pour « poursuivre ses projets personnels », avance la direction de la radio, qui tient à « rendre hommage à son travail ». Pas de confirmation de la principale intéressée, qui indique ne pas pouvoir répondre à nos questions. Elle a en revanche exprimé à ses collaborateurs son « immense tristesse », début février, dans un courrier dressant son bilan et qualifiant la création fictionnelle de « nécessaire à la santé d’une société démocratique ». Quelques jours plus tard paraissait sur le site de L’Humanité une tribune en forme d’hommage inquiet, signée notamment par Laure Adler, ancienne patronne de France Culture — c’est elle qui, en 2005, en avait confié les fictions à une Blandine Masson alors réalisatrice. Empruntant les mots de l’ethnomusicologue Alan Lomax, le texte inscrit l’avenir des œuvres produites par France Culture dans un « combat » pour « la variété artistique menacée d’extinction » par « quelques cultures standardisées, produites en masse et bon marché ».

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En vingt ans, sous diverses hiérarchies, Blandine Masson a structuré cette production fictionnelle en organisant le recrutement d’une quinzaine de réalisateurs et réalisatrices agréés. « Elle n’a pas hésité à engager des gens plus jeunes, et des personnalités artistiques qui venaient de la littérature, du théâtre ou de la musique », souligne l’un d’entre eux. Elle aura aussi relevé le défi du podcast, avec des séries cumulant en ligne plusieurs centaines de milliers d’écoutes. « Blandine est une poétesse-productrice comme il en existe de moins en moins. C’est une exception qui devrait se protéger », jauge l’auteur et metteur en scène Emmanuel Meirieu, à l’initiative de la tribune. Il voit en son départ « un très mauvais signal » et la perte d’une « gardienne du temple », quand d’autres la comparent à une gardienne de phare. « En tant que mémoire d’une histoire artistique forte connue par très peu, Blandine Masson faisait figure de sentinelle. Or une institution comme Radio France a besoin de sentinelles pour protéger ses missions, d’autant plus dans le contexte de menaces économiques que nous connaissons », s’inquiète l’homme de théâtre, qui rappelle que les fictions de France Culture constituent une manne de travail « colossale pour les auteurs, autrices, comédiens et comédiennes ».

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Tous les départs ne valent pas une tribune. Les inquiétudes qui transparaissent entre ces lignes traduisent le climat particulier qui entoure celui de Blandine Masson. En octobre, un rapport du cabinet Alcens, mandaté après une alerte des représentants du personnel pour risques psycho-sociaux, pointe du doigt le fonctionnement « en étoile » du service des fictions. Au même moment, Blandine Masson est en arrêt maladie. Celui-ci s’est poursuivi jusqu’à aujourd’hui. S’ouvre alors, tandis que la saison commence à peine, une longue période de transition déstabilisante pour la petite trentaine de personnes qui composent l’équipe. Laquelle non seulement perd sa directrice, mais doit faire avec un administrateur en intérim, Stéphane Spada, qui cumule la fonction avec son poste de délégué à la production de la station. Le tout en plein déménagement : en novembre, après quatre années de travaux nécessitant des enregistrements hors les murs, les studios de création de la Maison ronde, flambant neufs, accueillent à nouveau les tournages.

« Nous avons mis en place un plan d’action pour travailler sur cette période, qui a été riche et constructive, nous assure la directrice de la radio, Emelie de Jong, arrivée il y a deux ans pour succéder à Sandrine Treiner, partie dans le contexte d’un rapport dénonçant son management « brutal ». Sa successeuse, elle, a semblé miser sur la co-construction, devenant l’une des interlocutrices directes du service fictions pendant l’arrêt maladie non remplacé de Blandine Masson. « Nous avons commencé par écouter les équipes, qui ont pu faire part de leurs envies, et j’ai travaillé avec elles de façon très régulière, y compris avec des rendez-vous de travail sur la programmation et les textes en cours, en veillant à maintenir la production. »

“Manque de visibilité sur la production, “reports de projets”…

Pourtant, de réunion en réunion, le malaise monte au sein du collectif, dont une partie exprime ses inquiétudes à la patronne dans plusieurs mails. Le 10 mars, les quatorze réalisateurs et réalisatrices dressent ainsi plusieurs points d’alerte : « un manque de visibilité sur la production », des « reports de projets » laissant certains d’entre eux « sans perspective claire ». Réclamant la nomination rapide d’une direction éditoriale, ils estiment n’avoir jamais eu « aussi peu d’échanges sur le plan éditorial et artistique, sur des projets à venir, en cours ou prêts à diffuser ». Depuis la fin 2024, plusieurs projets de séries importantes semblent s’enliser : des auteurs voient sans cesse repoussé l’espoir d’obtenir une date de tournage, quand d’autres apprennent la « dé-priorisation » de leur œuvre. C’est le cas de Mehdi Bayad, auteur de la série à succès Fureurs, qui avait remporté le prix Fiction Télérama 2024. Il confie aujourd’hui avoir acquis « la certitude » que la saison 2 ne verrait pas le jour. Parmi les feuilletons en attente de concrétisation, la troisième saison de Projet Orloff, récit d’espionnage lui aussi récompensé en 2025 par notre prix Fiction, et adoubé par le Fonds podcasts originaux, géré conjointement par France Culture et la SACD. Ainsi que la deuxième saison de Doruido, le premier manga audio lancé en grande pompe en mai 2024.

Questionnée, Emelie de Jong nuance : « Le planning de production est assez complexe. Pour Doruido, nous n’avons pas encore de visibilité sur la production ; quant à la saison 3 d’Orloff, je statuerai lorsque j’aurai pu lire le texte. » Si plusieurs collaborateurs du service assurent n’avoir aucun projet en ligne de mire pour la rentrée 2025, leur directrice affirme de son côté que l’agenda se remplit. « Nous sommes en train de finaliser la programmation de nos fictions au Festival d’Avignon. Et pour la saison 2025-2026, nous avons des projets en cours comme de grandes séries, des concerts-fictions, et d’autres fictions très ambitieuses. » La station prépare par exemple l’adaptation, en dix épisodes, du Comte de Monte-Cristo. La patronne nous le répète : « Les fictions sont un pilier de France Culture », et « doivent être encore davantage au cœur de la politique éditoriale à venir », avec comme enjeu une meilleure visibilité auprès du public.

L’évolution des fictions sur la grille de France Culture est scrutée de longue date par les professions artistiques, qui y trouvent un gagne-pain précieux. Joachim Salinger, membre de la délégation générale du Syndicat français des artistes interprètes, porte un regard pessimiste sur le bilan des comédiens engagés par la radio en 2024. « À France Culture, on constate une baisse de l’emploi des artistes dramatiques par rapport à l’année dernière. Elle est certes légère, mais 2023 était déjà mauvaise. Et si on prend du recul, en onze ans, 57 % de ce volume d’emploi a disparu. C’est colossal. » Fin mars, les équipes ont appris qu’on attendait d’elles quatre-vingts productions par an. Un chiffre stable depuis plusieurs années, indique Emelie de Jong, arrivée au printemps 2023. Mais, selon plusieurs membres du service, elles étaient plutôt une centaine avant le Covid et les contraintes dues à l’inaccessibilité temporaire des studios, désormais derrière eux.

Stabilité des budgets

Concernée par cette situation, la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD) a carrément organisé une réunion à propos des fictions de France Culture, le 18 mars dernier, en présence d’auteurs, de réalisateurs, d’Emelie de Jong et de la pdg de Radio France, Sibyle Veil. « Nous voulions pouvoir exprimer, dans un dialogue fructueux et sans langue de bois, les divers motifs d’inquiétude et de mécontentement des auteurs, autrices, réalisateurs et réalisatrices, liés à la désorganisation du service fictions depuis plusieurs mois, nous explique Corinne Klomp, administratrice radio de la SACD. Certains sont déstabilisés par le fait que la production de textes écrits ne soit pas garantie, d’autres par l’absence de réponse à leurs mails. » Plusieurs participants à cette réunion jugent les réponses de la direction sur le plan éditorial « beaucoup trop creuses », et tiquent sur le recours annoncé à des script doctors, parfois déjà présents sur les projets, pour parfaire les scénarios. Mais Pascal Rogard, directeur général de la SACD, voulait surtout décrocher une déclaration sans ambiguïté sur le budget. « Ce que je retiens, c’est que Sibyle Veil a dit très clairement qu’elle n’allait pas sabrer les budgets de la fiction. Même si, bien sûr, nous ne sommes à pas à l’abri de nouvelles économies demandées à l’audiovisuel public. »

Le montant alloué aux fictions, 2,4 millions d’euros, soit environ un quart du budget de la station, va donc rester stable en 2025-2026. Mais son pilotage, jugé « inadéquat » dans un document fourni fin mars par la direction aux élus, évolue. Auparavant entre les mains d’un administrateur particulier, il sera désormais géré au même niveau que celui des documentaires et des magazines. « Il y avait jusqu’ici un usage de sanctuarisation du budget des fictions, explique Bertrand Durand, délégué syndical CGT. Là, il est réintégré au budget global de France Culture, ce qui fait perdre en visibilité sur d’éventuels futurs arbitrages. On ne peut que s’inquiéter. »

Non-remplacement

Cette réorganisation acte également que Blandine Masson ne sera pas remplacée en tant que telle. Son poste de directrice des fictions disparaît. À la place, trois référent(e)s directement placé(e)s, sur l’organigramme, sous Emelie de Jong. La patronne de France Culture détaille ces trois « piliers », pensés pour clarifier l’offre déjà existante. « Je tiens tout d’abord à renouer avec la longue tradition de l’atelier de création de fiction ; le deuxième pilier est celui du théâtre, qu’il s’agisse de captations, d’adaptations ou de créations en studio ou dans les festivals ; le troisième est celui des séries, anciennement les feuilletons. Je pense qu’il faut séparer les expertises pour les renforcer. »

Cette annonce laisse les équipes dans l’expectative. Si certains estiment qu’un « tournant » était nécessaire, la future répartition des rôles demeure floue, ce qui génère de nouvelles angoisses. Qui sera vraiment décisionnaire dans le choix des textes ? Les futurs référents éditoriaux garantiront-ils l’expertise artistique singulière de France Culture ? « On ne sait pas précisément quels profils la direction souhaite recruter, on a le sentiment d’une grande improvisation », s’alarme un collaborateur du service. Emelie de Jong, elle, assure se sentir « dans une dynamique très positive avec les équipes ». Entre avril et juin, des ateliers de mise en œuvre doivent avoir lieu, notamment pour clarifier les circuits décisionnels et les missions des uns et des autres. Le nouvel organigramme devrait voir le jour au plus tard en septembre. Le dénouement d’une quasi-année sans véritable direction éditoriale.

Elise Racque / Télérama 

Légende photo : Blandine Masson en 2006. « En tant que mémoire d’une histoire artistique forte connue par très peu, Blandine Masson faisait figure de sentinelle. », l’auteur et metteur en scène Emmanuel Meirieu.

Photo Stéphane Lavoué/Pasco&co pour Télérama

Sur la page de l'émission Le Book Club,  animé par Marie Richeux, site de France Culture, 7 février 2025 

Aujourd’hui, c’est le metteur en scène et dramaturge Hubert Colas qui déballe pour nous ses rayonnages. Il fait la part belle aux textes contemporains, de Laura Vazquez, à Simon Johannin, en passant par Jean D’Amérique et Sarah Kane.

Chronique de Marie Sorbier sur France Culture - 3 juillet 2023

Marie Sorbier, productrice à France Culture, partage ses immanquables de l'édition 2023 du festival Off d'Avignon : du chorégraphe Olivier Dubois, au metteur en scène Dorian Rossel, en passant par un auteur syrien qui nous parle intégrisme religieux et une compagnie taïwanaise haute en couleurs...

Peu importe vos préférences, vous trouverez forcément votre bonheur à Avignon. Si vous avez évidemment préparé avec soin votre agenda de spectacles à voir dans le In, la programmation officielle, comment s'y retrouver dans le panel de près de 1 491 spectacles qu'offre le Off ? Soit on s'en remet au bouche-à-oreille avignonnais, soit à l'intuition de la productrice à France Culture Marie Sorbier qui, chargée d'une chronique quotidienne "Le Son d'Avignon" consacrée à l'actualité de cette 77e édition, partage ici et en avant-première ses coups de cœur parmi la programmation du Off 2023.

Pour ceux qui préfèrent la danse contemporaine

✨ Pour sortir au jour d'Olivier Dubois / La Scala, du 7 au 16 juillet

Coup de cœur absolu pour une petite pièce qui procure de grandes émotions. Le chorégraphe et danseur Olivier Dubois revient sur son histoire et danse pour nous des extraits des pièces qui ont marqué son parcours. Une autobiographie en solitaire qui se joue sur scène afin de mettre en évidence l'abîme de la mémoire du corps.

Olivier Dubois est danseur et chorégraphe. Il crée sa compagnie en 2007, en résidence au CENTQUATRE à Paris, et se voit nommé en 2011 parmi les 25 meilleurs danseurs du monde. Il est notamment l'auteur de la pièce Tragédie, créée à l'édition 2012 du Festival d'Avignon, dans laquelle les corps nus des danseurs évoquent le destin commun de l'humanité.

Pour ceux qui aiment les histoires vraies qui finissent bien

📚 Tous les poètes habitent Valparaiso de Dorian Rossel / Théâtre Transversal, du 7 au 25 juillet

Tous les poètes habitent Valparaiso est l’histoire vraie, découverte dans un article du journal Le Temps en 2014, d’un poète disparu qui traverse les époques et les frontières, de la Suisse jusqu’au Chili. Un récit d’enquêtes plurielles, pleines d’humour et de rebondissements, qui font toutes signe vers un mystérieux poème... Dorian Rossel confectionne, à travers sa pièce, ce qu'il envisage comme une ode à la littérature et à la beauté du hasard.

Metteur en scène et comédien franco-suisse, Dorian Rossel est notamment l'auteur de Oblomov et Une Femme sans histoire. Il fonde sa compagnie Super Trop Top ! en 2004 et se démarque notamment par son usage de textes hors du genre dramaturgique.

Pour ceux qui veulent mettre des mots sur les maux contemporains

🦠 Howl 2122 de Laure Catherin / La Manufacture, du 8 au 24 juillet

La pandémie de Covid n’est pas encore qu'un lointain souvenir : dans une pièce à la croisée des genres, du rap et du slam, du théâtre et du concert, Laure Catherin écrit la précarité étudiante, la détresse psychologique et le découragement devant l’immensité du marasme que fut cette parenthèse de quelques mois, mais dont les effets et les séquelles perdurent sur ceux qui l'ont vécue.

Pour ceux qui aiment les sujets sensibles

🧎‍♂️ Shahada, il y a toujours un ailleurs possible de Fida Mohissen et François Cervantes / Le 11. du 7 au 26 juillet

Témoignage, profession de foi, martyr : toutes les significations que recouvrent le terme “shahada” traversent la pièce autobiographique écrite par Fida Mohissen. De la Syrie à la France, le public assiste à la dissection d’une mémoire d’homme dont l’enjeu consiste à comprendre la cause énigmatique de sa plongée dans le dogmatisme religieux. Cette "fiction-témoignage" est un récit poignant, prenant la forme originale d'un dialogue avec soi-même, à deux âges de la vie.

Pour ceux qui rêvent d’ailleurs

🎪 Taiwan in Avignon / aux théâtres La Condition des soies et Le Rouge-Gorge, du 7 au 29 juillet

Qui dit Avignon ne dit pas que productions hexagonales. Comme chaque été, les compagnies taïwanaises nous surprennent avec des propositions de spectacles de cirque, de danse et de marionnettes. Une proposition scénique et esthétique parfois incongrue, toujours rafraîchissante et dépaysante.

Retrouvez chaque matin la chronique de Marie Sorbier, "Le son d'Avignon", à 8h40 dans les Matins d'été.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 28-04-2021 

Directrice de la fiction à France Culture, Blandine Masson se raconte en racontant l’histoire singulière de cette précieuse facette de la radio publique qui commença dans les bras du théâtre avant de s’émanciper, prenant bientôt une tournure nouvelle sous l’impulsion d’Alain Trutat. La voix et l’intime étant les maîtres mots de l'aventure.

La radio, c’est souvent beaucoup de blabla et de bruit mais, pour le meilleur, c’est le temple intime de la voix. Celle des actrices et des acteurs bien sûr, mais pas seulement. Celle tout autant des gens de radio, je ne parle ici que des chaînes de Radio France. Il est une émission comme « Affaires sensibles » sur France Inter que l’on aime pour ses sujets et leur traitement (une façon de fictionnaliser le réel par sa mise en scène) mais qui perdrait beaucoup sans la voix enveloppante de son récitant-conteur, Fabrice Drouelle. On aime retrouver, chaque soir sur la même fréquence, la voix amicale et partageuse de Laure Adler et le rituel immuable de son Heure bleue : « mais comme chaque soir nous allons commencer en musique par…. » et s’ensuit une chanson.

Que serait, sur France Culture, « Les chemins de la philosophie » sans la voix d’Adèle van Reeth ? Et « les nuits de France Culture » sans le générique musical increvable et la voix de Philippe Garbit ? Et comment ne pas songer à la voix de d’Alain Veinstein accompagnant, en chuchotant ou presque, la voix des écrivains qu’il accueillait dan son émission « Du jour au lendemain » ? Ce sont des voix amies. En revanche, certaines voix de Radio France peuvent nous insupporter, sans que l’on sache toujours pourquoi, au point de tourner le bouton jusqu’au soulagement du off ou d’aller se calmer sur une autre fréquence de la Maison de la radio.

A l’ombre des ondes

Ecouter la radio, et plus précisément écouter France Culture, c’est avoir un rendez-vous solitaire avec une voix, ou un faisceau de voix, de préférence la nuit. La voix parle, me parle, je l’écoute, elle sait que je l’écoute et c’est encore plus captivant si elle est sans visage. Les voix de la radio sont longtemps restées sans visage. Je ne connaîtrai jamais les visages de ceux (acteurs, bruiteurs, réalisateurs, mixeurs) qui, dans mon lit d’enfant, recroquevillé sous les draps, me faisaient frémir lorsque ma mère et moi écoutions dans le noir « Les maîtres du mystère ». Ce fut, je crois, ma première incursion dans l’univers magique de ce que l’on allait nommer plus tard « la fiction radiophonique ». Et c’est cette histoire, en commençant par sa préhistoire, que nous raconte l’une de ses héroïnes, Blandine Masson, de façon à la fois historique et personnelle dans un livre au beau titre : Mettre en ondes.

Mettre en ondes, comme on dit mettre en scène. Blandine Masson rembobine les rapports complexes, amicaux et orgueilleux qu’ont entretenus et entretiennent encore partiellement France Culture et le théâtre (bien que divorcés, ils restent en contact, bouffent ensemble, se refilent la garde des enfants) et, de façon moindre, le cinéma (bien que jamais marié). Et Blandine Masson le fait, à hauteur d’hommes plus que de femmes, en racontant que cette histoire se focalisa dans ses balbutiements, au sortir de la guerre, autour de quelques hommes (les femmes venues plus tard se sont depuis bien rattrapées) : Pierre Schaeffer, Jean Tardieu et bien d’autres dont Jacques Copeau, puis cette grande figure venue un peu plus tard, Alain Trutat lequel forma la jeune recrue Blandine Masson. Laquelle allait passer sa vie à écouter, enregistrer, orchestrer des voix. Elle deviendra réalisatrice en 1996, puis, neuf ans plus tard, directrice des programmes de fiction à France Culture, nommée par Laure Adler (alors directrice de la chaîne).

Enfin vint Alain Trutat

Blandine Masson voue une admiration sans bornes à Alain Trutat et, d’une certaine façon, son livre est comme une dette qu’elle lui paie en nous faisant entrer dans l’intimité de ce personnage, aussi mythique pour l’histoire de France Culture que le fut Henri Langlois pour celle de la Cinémathèque. Un pionnier, un inventeur, un formateur. « J’étais là lorsque Alain Trutat cherchait sa route dans le paysage, il me l’a montrée, il m’en a parlé, il me l’a décrite, il me l’a tracée. Lorsque tout commença à changer dans le monde de la fiction radiophonique, lorsque les principes d’une possible rénovation furent posés, j’eus la chance d’y assister et d’en être un des premiers témoins », écrit Blandine Masson.

En 1990, avec le feu vert du président de Radio France Jean Maheu, Alain Trutat ouvre un vaste chantier réunissant une trentaine de personnes. Le chantier durera un an et Trutat demanda à Blandine Masson d’en être la secrétaire de séance. La fiction à France Culture telle que nous la connaissons aujourd’hui est née de ce chantier qui allait entraîner un mouvement de recrutements, l’arrivée successive de nouvelles générations de réalisatrices et réalisateurs, avant que survienne une nouvelle révolution venue de l’extérieur : les podcasts. Toutes les émissions étaient écoutées une seule fois avant de s’endormir dans les archives de l’Ina. Elles sont désormais ré-écoutables à l’envi et les nuits de France Culture font ressurgir et revivre des voix mortes depuis parfois longtemps.

Blandine Masson consacre de nombreuses pages à la présence, chaque année, de France Culture au Festival d’Avignon, fidélité fondée autour de deux rencontres, celle connue de Jean Vilar avec Lucien Attoun (association entre le « Nouveau répertoire dramatique » côté radio et « Théâtre Ouvert » côté plateau) et celle, plus secrète, plus littéraire, entre deux timides, Alain Trutat et Alain Crombecque. Enfin, Blandine Masson nous parle d’elle, de son parcours, de sa mère (comédienne trop vite éloignée de la scène et grande agitatrice culturelle à Aix-en-Provence), et de ce qu’elle nomme joliment sa radio intérieure. « J’appelle radio intérieure la manière très intime dont je me suis constituée à travers les voix, la radio et toutes les occasions de transmissions qui me furent offertes. J’appelle radio intérieure la conversation silencieuse que j’ai menée avec des livres, des absents, des morts, des amis, des maîtres, des voix. » A commencer par les voix des acteurs et des actrices dont les noms tapissent les pages du livre, d’Alain Cuny à Michel Piccoli, de David Warrilow à Serge Merlin, de Maria Casarès à Jeanne Moreau, mais encore les noms de précieuses rencontres professionnelles, de la créatrice de l’Académie expérimentale des théâtres Michelle Kokosowski au réalisateur complice que fut le regretté Jacques Taroni. Et cela sans jamais cesser de revenir, une fois encore, à Alain Trutat, sa boussole, voyant dans ses mots un manifeste qu’elle s'approprie : « Un bruit, une voix et soudain la phrase que l’on croyait réservée au cabinet secret de lectures s’offre en partage aux solitudes d’un auditoire, offre l’intime en partage. »

Mettre en ondes, sous-titré « la fiction radiophonique », de Blandine Masson, Actes-Sud Papiers, collection Apprendre, 224p., 18€.

Fiction a à écouter sur le site de France Culture 13 mars 2021

Ecouter "Le bruit du monde" (58mn)

"Marie-Hélène Coulanges, dite Marilène, est née le 18 juillet 1964 dans une famille pauvre. Ce n’est pas noté sur sa carte d’identité. Sur sa carte d’identité, Marilène n’est pas pauvre. Elle est seulement née le 18 juillet 1964 à Pouzauges. Elle peut tout devenir. Fermière. Chirurgienne. Pute de luxe. Ostéopathe. Secrétaire d’Etat. Bouchère. Professeure des universités. Pianiste professionnelle. Catcheuse. D’un point de vue strictement virtuel, Marie-Hélène Coulanges, dite Marilène, a un avenir aussi ouvert que les champs qui bordent la maison familiale. Même s’ils sont hypothéqués."

Marie-Hélène Coulanges grandit à Brigneau, un petit hameau de Vendée : lieu de l’enfance, des cabanes et des jeux, c’est aussi l’endroit où elle prend conscience de la pauvreté dans laquelle vit sa famille. Après un déménagement dans un autre village, il y aura les années de collège et puis de lycée… Le Bruit du monde est le récit d’une émancipation : quand la pauvreté et la honte creusent les blessures, enferment dans la peur et les doutes et obscurcissent toute perspective, comment parvenir à être soi et à trouver sa juste place dans la société.

Adaptation et réalisation : Christophe Hocké
Conseillère littéraire Céline Geoffroy

Avec  Emilie Incerti Formentini
Création musicale : John Kaced
Prise de son, montage, mixage : Pierre Henry, Pierric Charles
Assistante à la réalisation : Laure Chastant  

Le Bruit  du monde est publié aux éditions Noir sur Blanc

Propos recueillis par Géraldine Sarratia pour les Podcasts du Monde 6 mars 2021

PODCAST L’actrice est la nouvelle invitée du podcast « Le Goût de M ». Dans cet entretien, elle évoque son enfance, ses passions, et l’énergie qu’elle aime retrouver sur scène.

Ecouter le podcast

Irène Jacob est la nouvelle invitée du podcast « Le Goût de M » proposé par M Le magazine du Monde. La comédienne a répondu depuis son appartement parisien aux questions de la journaliste et productrice Géraldine Sarratia.

Irène Jacob évoque son enfance à Genève (Suisse) entre ses trois frères, son père astrophysicien au CERN, qui aimait dessiner des flip books de personnages de cartoons, et sa mère qui, après quelques années passées au foyer, a repris ses études pour devenir psychothérapeute pour enfants. Très jeune, la future comédienne développe un fort intérêt pour les histoires, les déguisements. « Mon père m’a donné le goût des chats et du cinéma », confie-t-elle. Sa mère la pousse davantage vers la musique. Deux passions artistiques qui lui permettent d’accéder à son premier rôle au cinéma : celui d’une professeure de piano dans le film Au revoir les enfants, de Louis Malle. En attendant de retrouver Krzysztof Kieślowski pour La Double Vie de Véronique, qui lui vaut un prix d’interprétation à Cannes en 1991.

Grande amoureuse des couleurs et de la cuisine italienne, Irène Jacob a trouvé dans la culture slave la force de l’expression des sentiments jusqu’au tragique. Elle préfère les maisons qui ont de la vie, un peu de « bordel », au look propret des intérieurs qui singent l’esthétique des hôtels. Une énergie qu’elle aime retrouver sur scène. « Le théâtre, c’est l’instant, le présent, quelque chose de vivant », s’enthousiasme-t-elle. Ainsi les comédiennes qu’elle admire le plus – Gena Rowlands, Giulietta Masina ou Marie Trintignant – ont cette capacité à aller dans les extrêmes. « Pour moi, le goût, c’est une émotion. »

Un podcast produit par Géraldine Sarratia (Genre idéal)

Réalisation : Sulivan Clabaut

Musique : Gotan Project

Par Marie Sorbier sur le site de l'émission La Grande Table sur France Culture 25/02/21

La captation est le signe qu'il ne s'agissait pas d'une création de nos esprits qui rêvent de retourner dans les théâtres. Le plan séquence, réalisé par Corentin Leconte, est disponible sur la plateforme d'Arte. Cette œuvre hybride, portée par des chanteurs et chanteuses lyriques, est dirigée musicalement par Geoffroy Jourdain, créateur de l'ensemble Les Cris de Paris. 

Ecouter l'entretien radiophonique

Notre guide en ce rêve est Judith Chemla. Elle nous transporte dans le temps mythologique pour y voir (et par moment être) Actéon, ce chasseur changé en cerf et dévoré par ses chiens après avoir surpris la déesse Diane dans son bain. 

Benjamin Lazar, nourri à l'école du théâtre baroque aux côtés d'Eugène Green, se délecte d'une mise en scène portée autour de la toile du Cheval attaqué par un jaguar (1910, Musée Pouchkine), du Douanier Rousseau. Lui en sont inspirés des accessoires minimalistes qui prennent sens lorsque les nymphes font tournoyer leurs grandes feuilles autour de la caméra ou que cette dernière s'approche d'un aquarium pour y voir Diane (Adèle Carlier) à travers les nénuphars blancs. 

Légende photo : Actéon, Théâtre du Châtelet, mis en scène par Benjamin Lazar, 2020• Crédits : D.R.

Entretien radiophonique avec Laure Adler, sur le site de France Inter, 4 janvier 2021

Ecouter l'entretien en ligne (54 mn)

Son instrument de travail au quotidien, c'est son corps. Nicolas Bouchaud raconte dans "Sauver le moment" (Actes Sud) le métier de comédien dans toutes ses facettes, de la relation au public, au rapport au texte. Alors que les théâtres sont fermés, le grand comédien se livre à une représentation exceptionnelle ce soir.

Il a joué aussi bien du Shakespeare que du Ibsen, du Molière que du Thomas Bernhardt. Sous la gouverne de metteurs en scène comme Jean-François Sivadier ou Didier-Georges Gabily, ou dans ses propres mises en scène, le comédien-acteur Nicolas Bouchaud est à l'aise tant dans le registre comique que dans le tragique. Il se singularise dans l'art dramatique par sa capacité à donner le sentiment qu'il est le personnage, tout en étant à côté, laissant l'homme toujours transparaître derrière le rôle. Nicolas Bouchaud incarne ainsi dans son sens plein le mot "jouer". 

"Enfant de la balle", fils de deux comédiens, il a toujours été baigné dans l'univers du théâtre, de la scène et du jeu. Dans "Sauver le moment", il écrit sur sa propre pratique du métier de comédien, le travail de la voix, l'exigence de ne pas tricher, le rapport au spectateur, cet autre, présent, qui écoute et qu'il faut en même temps captiver. 

Il devait monter sur les planches au début du mois de janvier pour une mise en scène du texte "Maîtres anciens" de Thomas Bernhardt au Théâtre de la Bastille, déjà repoussée en juin dernier à cause du confinement. Le comédien, qui s'est caractérisé par son engagement dans la défense du statut des intermittents en 2014, et par ses prises de position contre la réforme des retraites notamment, analyse, avec une colère froide, l'absence de politique culturelle dans la crise sanitaire qui frappe la France depuis mars 2020. 

Ce soir, dans L'heure bleue, Nicolas Bouchaud revient sur son parcours de théâtre et ses souvenirs de spectacles, le drame de l'arrêt du monde de la culture avec le Covid-19 et la préparation au retour sur les planches. 

Musiques :

• Joe Strummer and the Mescaleros: « Coma girl »
• Bach: « L’art de la fugue » Contrapunctus 1 (Contrepoint 1) par Grigory Sokolov.
• François & the Atlas Mountains : « Coucou » 

Archives : 

• Archive Ina non identifiée : Antoine Vitez parle de la pédagogie traditionnelle en art dramatique 
•  Archive Ina de février 1992 : Serge Daney évoque sa capacité de révolte contre la morale sociale

Générique Veridis Quo des Daft Punk 

• Nicolas Bouchaud Comédien

• Laure Adler Productrice
• Lilian Alleaume Réalisateur
• Elodie Royer attachée de production
• Céline Villegas Attachée de production
• Jean-Baptiste Audibert Programmateur musical
• Alexandra Brouillet Stagiaire

Légende photo : Nicolas Bouchaud, acteur de théâtre et auteur de "Sauver le moment" (Actes Sud. Collection : Le Temps du théâtre). © AFP / Joël Saget

Tribune publiée par L'Humanité le 21 février 2025

« Pour être vivant à jamais, soyons d’éternels mourants. » 


Nous sommes au soir du 14 juillet, dans la cour du Musée Calvet, à Avignon. Et ces mots que l’on entend sont ceux du poète Federico Garcia Lorca, les derniers qu’il prononça peut-être, avant d’être fusillé par la milice franquiste, sur un bord de route près de Grenade, le 19 août 1936. Et ce soir du 14 juillet 2024, ils résonnent pour nous entre les murs de pierre de cette cour dont France Culture a fait sa maison de festival, son théâtre de plein air.

Depuis 28 ans maintenant, la Radio Publique y donne à entendre et y enregistre en public les chants, les mots, les fables des écrivain.es mort.es et vivant.es ; c’est ici que poésie, théâtre et littérature sont mis en ondes pour être portés à des milliers d’auditeurs, au-delà du Festival et des murailles d’Avignon. « Toute l’année on y pense, on y travaille, on en rêve, on imagine pour la cour du musée Calvet des lectures et des spectacles en plein air, et puis on y arrive enfin, dans les premiers jours de juillet, et on se bat alors avec ou contre le vent, le froid parfois, jamais la pluie par chance, et les cigales toujours », raconte Blandine Masson, qui en écrit la partition comme on écrit une symphonie, mêlant les voix, et les genres : roman et pièce de théâtre, journal intime ou dialogue philosophique, fragments du réel, correspondance amoureuse et essai théorique. Puis elle ajoute, reprenant amoureusement les mots d’Alain Trutat auquel elle a succédé au poste de Directrice des Fictions à France Culture : « Avignon, il faut y aller pour y planter, y montrer des fleurs. France Culture en Avignon, c’est comme une radio qui naît dans un jardin. » 


C’est à Avignon déjà que l’histoire de la radio s’est mêlée à la sienne, une nuit de juillet 1993, sur le Pont Saint-Bénézet : la nuit de sa première rencontre avec la fiction sonore. Alain Trutat avait imaginé pour le Festival « Les nuits des ondes » : nuits d’écoute, nuits blanches peuplées de voix, celles des acteurs, actrices et écrivain.es, nuits de musiques, et de poèmes.

Blandine Masson était présente à la toute première nuit et s’en souvient encore : « Allongée comme beaucoup d’autres auditeurs dans un des transats blancs sur le pont qui enjambe le fleuve, équipée d’un minuscule casque infrarouge, j’écoutais. Ceux qui embarquaient pour ce voyage sonore semblaient se préparer à une très longue traversée. Yeux fermés, corps enveloppés dans nos couvertures, nous les auditeurs-écouteurs-voyageurs plongions dans un grand ruban sonore. » 


C’est cette nuit-là, à l’écoute de l’adaptation radiophonique du film d’Orson Welles « La dame de Shanghai », qu’elle se promet d’en faire sa vie, « de chercher sans cesse à recréer ce pouvoir des mots et de la musique, ce miracle de l’émotion né de l’alliance d’un texte et d’une voix ». En 1995, elle devient réalisatrice de fictions à France Culture, et c’est elle qui, plus tard confectionnera la « Nuit Maria Casarès », la « Nuit Alain Cuny », la « Nuit du théâtre citoyen »…


C’est cette nuit de 93 qu’elle découvre le pouvoir magique des mots, et de la voix humaine, et qu’au matin, encore ivre de sons, se révèle sa vocation : mettre en onde comme on met en scène, des bruits, des mots, des notes et des silences, dont elle fera récit et poésie. « La scène de la fiction radiophonique est une onde, immatérielle, invisible, magnétique, acoustique, c’est aussi une sensation qui se propage et j’aime cette idée douce d’un mouvement aussi léger qu’une vague, entêtant, intime, venant déranger, bousculer, distraire « l’autre », en l’arrachant à sa solitude intérieure ».

Comme Svetlana Alexievitch aime à le dire d’elle-même, Blandine Masson devient « une femme oreille ».


Ce sont les actrices et les acteurs qu’elle enregistre qui lui apprendront, dit-elle, le théâtre et la radio. « Dans les voix des autres, et particulièrement des artistes, j’ai longtemps cherché la mienne ». Ces autres, Blandine Masson aime les nommer en reconnaissance, en gratitude, sachant ce qu’ils lui ont confié : la part peut-être la plus intime d’eux-même, leur voix déposée sur son micro. Car elle sait mieux que quiconque la vérité de ces mots de Jacques Copeau : « le micro, c’est le gros plan de l’âme ».

Elles sont si nombreuses ces voix, on ne peut toutes les citer. Blandine Masson, dont la mère fût, peu après sa naissance, une actrice privée de rôles, de scène, de mots, une artiste sans public, « une exilée de l’intérieur » a donné à écouter la voix de tant d’acteurs, d’actrices et de poètes.ses : Celle de Pierre Clémenti qu’elle a enregistré dans le studio 110 de la Maison de la Radio, lisant « Qui je suis » de Pier Paolo Pasolini, celle d’Édith Scob disant « Le journal de Virginia Woolf », de Maurice Garrel interprétant « Le Réformateur », la voix d’André Wilms pulsant sur « La Mort de Virgile », celles de Denis Lavant et Anouk Grinberg lisant « La Fille aux talons d’argile ». De Maria Casares enregistrée dans son appartement du 14e arrondissement de Paris, et dont elle revoit encore le sourire. Et la voix pleine de gravité, d’enluminures et de rocailles de Serge Merlin « artiste de l’exagération », et dont elle entend toujours le rire, les embardées et les chuchotements. La voix de Jérôme Kircher disant les mots de David Grossman face à lui cour du musée Calvet. Celles de Sami Frey, Jeanne Moreau, Evelyne Didi, Irène Jacob, Wajdi Mouawad, Serge Rezvani, Laurent Gaudé, et tant d’autres encore.

« Les voix s’évanouissent, nous en perdons douloureusement la mémoire » mais celles-ci sont gravées en elle, déchirantes, envoûtantes. « La voix a tout pouvoir sur les êtres que nous sommes : la voix hurlante comme la voix douce, la voix insupportable ou la voix enveloppante, la voix que l’on voudrait toujours entendre et réentendre comme une drogue douce, les voix reconnaissables entre toutes de certains acteurs ou actrices, et celles des êtres aimés ».

Ce métier de réalisatrice radiophonique, Blandine Masson l’a pratiqué intensément, au côté des preneurs de son, monteurs, mixeurs de Radio France, des bruiteurs, « ces merveilleux bricoleurs du son, magiciens de l’image sonore, qui ont bâti pour moi, pour nous, tant de décors immatériels pour tant de textes, poèmes, scénarios, pièces de théâtre. » 


En 2004 Laure Adler la nomme responsable du service des fictions à France Culture. D’artiste, elle devient productrice. Succédant à Alain Trutat 10 ans après son départ, elle s’y est toujours sentie « de passage, avec le sentiment qu’il fallait aller vite, ne pas perdre de temps, ne pas ménager sa peine, ne pas s’installer, rester sur le qui-vive. » Comme Trutat, et plus encore, elle y défend l’étendue de la liberté d’imaginer, l’absence de limites, « l’insolence de l’invention et du collage ». Elle y affirme la place de la fantaisie, de l’irréel ou du surréel dans le paysage radiophonique. « La nuit, je n’aime pas sommeiller avec des voix trop réelles, trop actuelles, je préfère les voix intemporelles des comédiens, des poètes, celles qui déchaînent l’imaginaire. » 
Depuis exactement 20 ans, avec les réalisateur-ices et son équipe éditoriale, elle travaille à faire de la radio ce lieu de création.

La fiction radiophonique est définitivement pour elle le huitième art, un art qui livre « cette perpétuelle bataille contre la solitude et le silence ». Comme l’écrivait Jean-Loup Rivière, homme de lettres et de radio : « On est seul, on est dans le noir, des voix parviennent et vont peut-être vous faire du bien. »


Blandine Masson va, avec l’appui de Radio France, recruter et former une nouvelle génération de réalisateur.ices, elle éduquera leur oreille et fera d’eux des audiophiles comme d’autres deviennent cinéphiles : elle cultive en eux, en elles, l’art qui est le sien : l’art d’écouter. Ils, elles, viennent du cinéma ou du théâtre, de la radio, ou la musique ; elle en fait des « homo-radiophonicus », comme les a rêvés en 1952 Pierre Schaeffer, pionnier de la réalisation radiophonique, « des gens qui savent à la fois avoir les connaissances techniques et en même temps une profondeur de poésie, personnelle. » Responsable des fictions, elle travaille inlassablement à combler l’absence de reconnaissance des réalisateurs sonores en France, quand tant d’autres pays et depuis longtemps les ont accueillis pleinement dans le monde des Arts. « La réalisation radiophonique ne bénéficie encore aujourd’hui d’aucune formation initiale, d’aucune académie. Pourquoi une telle absence ? Pas d’audiothèque comme il existe des cinémathèques, pas d’audio-club comme il y avait les ciné-clubs. » Elle se bat.


En 2010, c’est l’irruption du podcast. Elle planifiera au sein de France Culture, et avec le service des fictions, la révolution numérique, rendant les œuvres plus visibles, plus audibles que jamais. En Covid, elle tend ses micros aux écrivain.es, à leurs mots et aux voix des artistes qui les portent. Dans cette période de confinement, et plus que jamais peut-être, elle livre avec son équipe, et de toute la force de son art, « cette perpétuelle bataille contre la solitude et le silence ».


Dans son livre « Mettre en onde », paru en 2021 chez Actes Sud, elle ravive la mémoire de son métier, en dit les origines. Mieux que quiconque, Blandine Masson en connaît l’histoire et nous la rappelle : cette Grande Histoire qui a rejoint la sienne, intime, professionnelle, une nuit de juillet 93 en Avignon, a peut-être, elle aussi, commencé vraiment là, dans ce Festival qui a vu converger, comme deux fleuves puissants, la radio et le théâtre publics. Car la radio était là dès le premier soir, la première représentation, en 1947, pour poser ses micros sur ses tréteaux et ne les a plus quittés jusqu’à aujourd’hui, jusqu’à la cour du musée Calvet, jusqu’à ce qu’y résonnent les mots de Garcia Lorca : « Pour être vivant à jamais, soyons d’éternels mourants ».

Radio Publique, Théâtre Public, ces deux fleuves ont convergé pour n’en former plus qu’un : un grand service public des Arts, des Cultures et de l’Éducation Populaire, commencé ici par les artistes technicien.nes, intellectuel.les et poètes.ses de l’après-guerre, avec l’espoir fou d’un monde meilleur et, plus encore, d’un être humain meilleur, et qui croyaient avec Alain Trutat « qu’à côté des nourritures terrestres, il faut bien des nourritures imaginaires, c’est ce que nous essayons de fournir. » Cette histoire, Blandine Masson s’en sait l’héritière, et en combat l’oubli. Cette histoire, elle l’a écrite chaque jour à la Maison de la Radio, servant la Radio Publique comme on sert un idéal, comme on sert les grandes causes.

Aujourd’hui nous parvient l’annonce de ce départ.
Alan Lomax, « l’homme qui a enregistré le monde », écrivait déjà en 1999 : « La variété artistique est menacée d’extinction. Un phénomène de grisaille est en cours qui, s’il n’est pas maîtrisé, remplira le ciel de l’humanité d’un brouillard factice et coupera les familles des hommes de la vision de leurs propres constellations culturelles et de ses voix les plus singulières. Un système de communication électronique mal géré et trop centralisé impose partout quelques cultures standardisées, produites en masse et bon marché. »


C’est un perpétuel combat. C’est celui de Blandine Masson. Et c’est le nôtre.
Au moment de son départ nous reviennent ces mots de Sydney Pollack, ces mots qui pourraient être les siens tant ils lui ressemblent et nous parlent d’elle, et de son œuvre qui continue : 
« Au milieu des coups de feu, il n’est pas toujours facile de l’entendre. Mais la voix humaine est différente des autres sons. Elle peut être entendue par-dessus les sons qui couvrent normalement tous les autres. Même sans crier. Même lorsqu’elle n’est que murmure. 
Même le plus léger des chuchotements l’emporte sur le fracas des canons, lorsqu’il dit la vérité. »

Les signataires :

Didier Abadie, directeur ERACM,

Association des 38 Centres Dramatiques Nationaux,

Laure Adler,  journaliste, essayiste et productrice de radio, Carole Albanese,  directrice de la scène nationale de l’Ariège, 

Ariane Ascaride, comédienne,

Gwenaëlle Aubry,  écrivaine,

Anne Azoulay,  comédienne,

Alexandra Badea, écrivaine et metteuse en scène,

Sylvie Ballul, conseillère littéraire,

Camille Barnaud,  directrice Scène nationale du Havre,

Razerka Ben Sadia-Lavant directrice du Petit Festival de la Côte Vermeille,

Sophie Berger,  réalisatrice son et autrice,

Charles Berling , acteur,

François Berreur, éditeur,

Cécile Bertin directrice L’arc scène nationale Le Creusot,

Marie-Louise Bischofberger, metteuse en scène,

Dominique Blanc,  comédienne,

David Bobée,  metteur en scène, directeur du Théâtre du Nord Centre Dramatique National,

Sandrine Bonnaire , actrice,

Audrey Bonnet, comédienne,

Nicolas Bouchaud, comédien,

Sophie Calle, artiste,

Amira Casar, comédienne,

Astrid Cathala artiste,

Olivier Chaudenson  directeur de la Maison de la Poésie,

Enzo Cormann écrivain,

Romaric Daurier, directeur le Phénix scène nationale Valenciennes, Claire David  éditions Actes Sud,

Gwénola David,

Simon Delétang, metteur en scène et directeur du Théâtre de Lorient-CDN,

Maryline Desbiolles  écrivaine,

Michel Deutsch écrivain et metteur en scène,

Marcial Di Fonzo Bo acteur metteur en scène et directeur du Quai Angers Centre Dramatique National,

Évelyne Didi, actrice,

Géraud Didier, directeur de scène nationale;

Dimitris Dimitriadis auteur,

Nasser Djemaï, auteur et metteur en scène,

Dominique Dominique comédienne,

Eva Doumbia, autrice, metteuse en scène,

Mohamed El Khatib auteur et metteur en scène,

Mathias Enard, écrivain,

Vincent Farasse, auteur,

Michele Foucher comédienne,

Alain Françon, metteur en scène,

Claudine Galea, écrivaine,

Xavier Gallais, comédien,

Samuel Gallet, écrivain et metteur en scène,

Jacques Gamblin, comédien et auteur,

Julie Gayet, actrice productrice et réalisatrice,

Amos Gitai, architecte and film builder,

Damien Godet, directeur de la scène nationale du Sud-Aquitain et administrateur du Festival d’Avignon de 2014 à 2018,

Julien Gosselin, metteur en scène et directeur du Théâtre National de l’Odéon,

Dominic Gould, acteur,

Sylvie Gouttebaron, directrice maison des écrivains et de la littérature,

Didier Grimel, accompagnateur d’équipes artistiques et de lieux du spectacle vivant public,

Anouk Grinberg, comédienne et peintre,

Marie Rose Guarnieri, libraire,

Katell Guillou, scénariste,

Clément Hervieu-Léger comédien et metteur en scène,

Irène Jacob, comédienne,

Marc  Jacquin, directeur de phonurgia nova,

Pierre Jourde, écrivain,

Jérôme Kircher, acteur,

Fanny Lannoy, responsable pédagogique,

Laurent Le Gall,

Micha Lescot  comédien,

Isabelle Lusignan,  comédienne,

Macha Makeieff, metteuse en scène,

Christine Malard, directrice du Théâtre Jean Lurçat scène nationale d’Aubusson,

Caroline Marcilhac, directrice de Théâtre Ouvert,

André Marcon, comédien,

Yannick Marzin, directeur MA scène nationale Pays de Montbéliard,

Muriel Mayette, comédienne metteuse en scène et directrice du Théâtre de Nice Centre Dramatique National,

Jacques Mazeran, comédien,

Emmanuel Meirieu, auteur et metteur en scène,

Philippe  Meirieu pédagogue,

Olivier Mellano, compositeur et musicien,

Fabrice Melquiot, écrivain, 

Stéphane Michaka, romancier et dramaturge,

Christophe Miossec, auteur compositeur et interprète,

Alexandra Moreira Da Silva,  enseignante chercheur et traductrice et dramaturge,

Anna Mouglalis,  actrice,

Pascale Nandillon, metteuse en scène,

Marie Ndiaye, autrice,

Alain Neddam 

Johanna Nizard, actrice,

Stanislas Nordey, acteur et metteur en scène,

Marc Paquien, metteur en scène,

Nicolas Philibert, cinéaste,

Eric Pierrot, comédien et metteur en scène,

Laurent Poitrenaux, comédien,

Guillaume Poix,  écrivain,

Pascal Rambert, auteur et metteur en scène,

Patrick Ranchain, directeur Théâtre du Bois de l’Aune / Aix-en-Provence,

Christophe Rauck, metteur en scène et directeur du Théâtre Nanterre-Amandiers,

Pascal Rénéric, comédien,

Robin Renucci, comédien metteur en scène et directeur du Théâtre National de Marseille LA CRIÉE,  

Serge Rezvani, peintre et écrivain,

Jean-Michel Ribes, auteur dramatique,

Vincent Roche Lecca directeur d’un théâtre public,

Alexandre Rochon artiste et musicien,

Tiago Rodrigues, auteur metteur en scène acteur et directeur du Festival d’Avignon,

Olivier Rolin,  écrivain,

Stanislas  Roquette, comédien et auteur,

Nathalie Roussel comédienne,

Olivier Saksik, attaché de presse,

Christian Schiaretti, metteur en scène,

Jean-Pierre Simeon poète,

Michel Simonot, écrivain, 

SivadierJean-François metteur en scène,

Samuel Strouk, compositeur,

Jean-Philippe Toussaint, écrivain,

Erik Truffaz, musicien,

Serge Valletti, auteur,

Frédéric Vossier, auteur dramatique,

Emmanuel Wallon, professeur émérite à l’université Paris Nanterre

Sur le site de l'émission de Marie Richeux sur France Culture, le 1er janvier 2024

Pour ce premier janvier, votre Book Club invite Denis Podalydès pour partager avec nous son goût, son appétit pour celui qui fut “sa porte d’entrée au théâtre” : Molière.

Avec

• Denis Podalydès Acteur, metteur en scène, scénariste et écrivain français, sociétaire de la Comédie-Française

Un premier Book Club de l'année sous le signe de la passion. Pour les textes. Pour la chimie toujours réactivée des mots de Molière quand ils passent par le corps, au présent. Ces mots matière que notre invité articule, admire sans sacraliser, porte sur scène depuis bien des années. Denis Podalydés dit qu'il est annexé à Molière, comment lutter contre cela et rendre grâce au plaisir extrême qu'il a à le jouer ?

De jouer à écrire il y a un chemin, que Denis Podalydes traverse dans un livre à la grande vitalité, intitulé En Jouant, en écrivant (Seuil) il est notre invité. Avec ce texte Denis Podalydès partage l’élan vital que produit un compagnonnage d’une vie avec Molière. L’occasion pour lui de redéfinir la notion même de "classique" et de mettre en lumière l’énergie contemporaine et subversive contenue dans son théâtre.

Ecouter l'émission en ligne (59 mn)

Le nouveau livre de Denis Podalydès : "En lisant en écrivant avec Molière", de Denis Podalydès, Ed. Seuil

https://www.seuil.com/ouvrage/en-jouant-en-ecrivant-denis-podalydes/9782021538793

Une sélection d'archives radiophoniques avec Claude Régy (1923-2019), homme de théâtre qui a révolutionné la scène contemporaine avec des mises en scène de textes de Sarah Kane, Edward Bond ou Georg Trakl et une approche nouvelle du jeu de l'acteur.

Sur la page du site de France Culture - rediffusion dans le cadre des "Nuits rêvées", l'entretien avec Mohamed El Khatib 2018

|Premier entretien avec le metteur en scène Mohamed El Khatib, pour sa "Nuit rêvée", diffusée pour la première fois en avril 2018. Le dramaturge et metteur en scène revenait sur son parcours, ses thèmes d'inspiration et son choix d'archives : de Barthes à Bourdieu, en passant par Fernand Deligny.

Ecouter l'entretien (40 mn) en ouverture de la Nuit rêvée (sélection par Mohamed El Khatib d'archives radiophoniques)

Fiction radiophonique de Nancy Huston, diffusée sur France Culture le 3 avril 2021

Atteinte d’une maladie incurable, une femme écrit une longue lettre à sa fille, et livre ainsi un témoignage intime et puissant sur la féminité.

Ecouter la fiction (58 mn)

Entretiens menés par Lucile Commeaux pour "A voix nue" sur France Culture

LIEN POUR L'ECOUTE DU PREMIER EPISODE

(30 MN)

Né en 1955 Christian Schiaretti grandit dans un Paris ouvrier, où la culture est réduite à portion congrue, mais où il découvre fasciné la grande littérature.


Christian Schiaretti naît dans une famille parisienne recomposée, dans une atmosphère ouvrière et libertaire. Sa mère est une femme indépendante et féministe, une des premières à accoucher à la Clinique des Lilas, pionnière dans la pratique de l’accouchement sans douleur. Il grandit avec elle et son compagnon, qui travaille aux Halles, dans le 11e arrondissement de Paris, quartier Voltaire, resté dans les années soixante un “faubourg” ouvrier et populeux. C’est pour lui un lieu d’épanouissement et de violence, comme l’école, où son patronyme italien lui vaut d’être classé parmi les “rastaquouères”. 

J'étais dans un milieu plutôt libertaire. Ma mère s'était mise en rupture familiale avec l'ensemble de sa famille puisqu'elle vivait avec quelqu'un avec un enfant pas reconnu, mais qui portait le nom de son premier mari. Je ne sais pas si vous voyez ce que ça veut dire.  

"Je me suis réfugié dans un placard pour échapper à la promiscuité que je subissais"

A l’abri dans un placard, seul endroit où on peut s’isoler dans les petits logements qu’il habite avec sa famille, Christian Schiaretti commence à lire, en prenant la littérature par le seul ordre qui lui paraisse légitime: l’ordre chronologique. Il dévore les Grecs anciens, la farce médiévale, le roman, sans hiérarchie aucune, et avec le même appétit. 

Rétrospectivement, il considère avec un étonnement sans cesse renouvelé cette expérience intellectuelle première, à laquelle son milieu et son existence d’alors ne le poussaient pas. Dans sa famille, dans son quartier, on ne lisait pas, on n’allait pas au théâtre, un peu au cinéma parfois, mais les choses de l’esprit ne faisaient pas partie du quotidien. Dans l’ensemble il conserve de son enfance des souvenirs plutôt joyeux: la violence sociale existait certes, la misère n’était pas loin, mais la famille restait soudée et les amitiés fortes. 

J'avais par-devers moi peut être, une sorte d'intuition dans ce rapport aux mots, dans cette espèce de macédoine multiculturelle, j'avais peut être une conscience du mot fort. (...) J'explique cette conscience de la langue qui est très présente chez moi parce que je vis dans un dans un milieu qui ne maîtrise pas le mot. Donc,  j'ai un rapport très fort à cela et je crois aussi à la conscience qu'il y a un monde ailleurs. 

Une série d'entretiens proposée par Lucile Commeaux, réalisée par Franck Lilin. Prise de son : Georges Thô. Attachée de production : Daphné Abgrall. Coordination : Sandrine Treiner.

Bibliographie 

Christian Schiaretti, Pour en finir avec les créateurs, Atlande, 2014.

Liens

• Son discours d’inauguration du TNP en 2011 
• La Masterclasse de Christian Schiaretti, animée par Aude Lavigne, en 2020, France Culture
• Un grand entretien donné à Erudit 
• Teaser d'Une Saison au Congo de Aimé Césaire, mise en scène par Christian Schiaretti. Théâtre National Populaire.

Episode 2 : Un petit boulot au Festival (30 mn)

Episode 3 : Du grand Conservatoire au petit théâtre de l’Atalante (30 mn)

Épisode 4 : A la Comédie de Reims: le texte, toujours le texte (30 mn)

Épisode 5 : Diriger le théâtre national Populaire: avec le pouvoir, la responsabilité (30 mn)

Huis clos d’un appartement, intimité d’une vie passée et en devenir. Deux couples. L’Homme et la Femme, Elle et Lui. Une pièce blanche, appartement vide marqué par deux fenêtres. Un canapé, des rideaux. Mais tout ici est clair, débarrassé des fioritures et des nécessités de l’habitation.

Huis clos d’un appartement, intimité d’une vie passée et en devenir. Deux couples. L’Homme et la Femme, Elle et Lui. Les premiers, plus âgés, sont sur le point de se séparer, ou tout du moins de déménager de ce cocon qui leur est familier depuis de nombreuses années. Ils y ont encore quelques affaires, un canapé, des rideaux, un vieux pantalon, des livres de cuisine, un sac de bowling et quelques photos… Autant d’objets qui raniment leur mémoire endolorie. Les plus jeunes emménagent. Lui s’occupe de vider leurs premiers cartons, tandis qu’Elle, enceinte de dix semaines, lasse, paralysée par un avenir incertain et des désirs impossibles, ne peut lui être d’aucune aide. « Concentration du temps écoulé, depuis son commencement jusqu’à sa fin. Des moments et des souvenirs différents se confondent.

Traduit du suédois par Katrin Ahlgren, d’après la mise en scène de Lars Norén
Réalisation de Myron Meerson

Avec Catherine Sauval (la femme), Françoise Gilard (elle), Alexandre Pavloff (il), Christian Cloarec (l’homme),  de la Comédie Française

Equipe de réalisation : Philippe Bredin, Eric Villenfin

Le spectacle Pur a été enregistré par le réalisateur Myron Meerson lors des représentations données par la troupe de la Comédie Française au Théâtre du Vieux-Colombier en 2009. 

L’œuvre de Lars Norén est éditée à l’Arche.

Né en 1944 en Suède, Lars Norén grandit dans le pays des fantômes de Strindberg. Adolescent, il compose un premier recueil de poèmes, Schizopoésie. À vingt ans, il est interné en hôpital psychiatrique pour schizophrénie, il affronte les électrochocs et l’isolement. Poète, romancier, dramaturge, Lars Norén devient dès les années quatre-vingts l’emblème d’une création engagée, violemment politisée. Avec Démons, La Veillée ou Automne et hiver, tout un pan de son œuvre fouille d’abord du côté des violences familières, plonge dans l’enfer d’être ensemble, en couple et en famille. Il explore nos propensions aux mensonges, aux haines, aux trahisons. L’autre part du théâtre de Norén, toujours attaché à l’individu lâché dans un contexte destructeur, s’attaque à la  société. Avec Catégorie 3.1, _Froid!_ou À la mémoire d’Anna Politkovskaïa, il fait entendre ceux que la société recrache dans ses marges, gamins skinheads et criminels, comme d’autres pantins des désastres contemporains. Son projet marque alors un tournant décisif de l’écriture contemporaine, qui impose l’exploration sociologique du monde présent.

Lars Norén traduit les œuvres de Jon Fosse, lui-même traducteur en norvégien du théâtre de Norén. En 1992, il signait sa première mise en scène, s’attaquait au père spirituel Strindberg. Il orchestrait l’aliénation et l’emprise de Danse de mort au Dramaten de Stockholm. Depuis, il met en scène Shakespeare, Tchekhov, Primo Levi ou ses propres œuvres, dont les pièces regroupées sous l’intitulé Terminal, où le temps devient son nouveau champ d’exploration. Le temps qui reste, celui qui éloigne du passé, arrêté ou volatile, insaisissable. Aussi Lars Norén écrit-il sans relâche lorsqu’il met en scène"; pour ne rien figer. À l’occasion de sa première mise en scène à la Comédie-Française, il a affiché dans son bureau les photographies des acteurs, pour réécrire, d’après sa lecture de leurs traits, la parole de ses personnages. Il a transformé, augmenté sa pièce Pur I!; il a composé Pur II d’après ces rencontres. Comme l’espace, paysage ouvert traversé de lumières changeantes, les écritures scéniques et dramatiques de Norén évoluent selon qui les traverse. Elles travaillent autour du temps, avec le temps, mais se laissent tout autant travailler par lui.

Pierre Notte (ex Secrétaire Général de la Comédie Française)

Une série de cinq entretiens de Bruno Tackels, réalisée par Massimo Bellini et diffusée du 17 au 21 juillet 2006.

Au fil de ces cinq entretiens, Edward Bond revient sur cette expérience traumatique (et tragiquement féconde) de la guerre mondiale, retraverse l'histoire du théâtre, celui des Grecs et celui de Shakespeare...

Ecouter les entretiens en ligne

1. "J'ai rencontré le paradoxe au sein de moi-même" 25 MIN
Dans ce premier épisode, le dramaturge Edward Bond né en 1934 parle de la guerre, des souvenirs de bombardements à l'origine de son écriture, de sa création. Il fait le constat que 'nous sommes incapables de décrire le monde dans lequel nous vivons'. Cela l'amène à développer sa pensée autour de la fiction et de la réalité. Les sociétés effectuent un va-et-vient inéluctable entre fiction et réalité, selon lui. Il observe que 'nous sommes les animaux qui détiennent la fiction, tous les autres animaux vivent dans leur réalité'. Il estime d'ailleurs que les distinctions que nous faisons entre fiction et réalité 'sont souvent inadéquates' et l'art dramatique doit justement permettre de faire cette distinction, 'sa tâche est d'empêcher que ces confusions ne surviennent'. Edward Bond revient à nouveau dans l'entretien sur ses souvenirs d'enfant bombardé, 'on ramassait des bouts d'obus dans la rue, et ça nous apportait un grand bonheur', raconte-t-il. Dans l'art dramatique actuel, il relève que si 'le personnage est important', ce qui l'est encore plus, 'c'est la situation intentionnellement conçue' comme 'extrême' pour nous obliger à faire un choix qui nous définira.

2. "L'art dramatique nous permet de revenir au moi originel"
25 MIN
"L'art dramatique nous permet de revenir au moi originel"
Edward Bond nous fait part dans ce deuxième volet de sa conception du monde tel qu'il nous environne, de la nécessité d'apprendre ce qui existe autour de nous. Il prend l'exemple du nouveau né qui n'a pas encore conscience de ce qui l'entoure, il n'est alors que 'plaisir et douleur'. Jusqu'au moment où ces sensations se 'transforment en tragédie et comédie, et à ce moment-là, le moi s'est créé'. Le dramaturge raconte ensuite non sans humour comment il s'est emparé du sujet de Shakespeare, lequel estime-t-il, 'empêche la lumière de passer' pour tout homme de théâtre et malgré cela, il est parvenu à s'atteler à l'écriture de sa pièce 'Lear' en écho au 'Roi Lear' de Shakespeare. Mais avant encore Shakespeare, c'est à la tragédie grecque qu'Edward Bond fait référence, 'c'est aux questions du théâtre grec que nous devons revenir', explique-t-il et de distinguer philosophie et théâtre : 'On pourrait même dire que la philosophie a été inventée pour fuir le drame, mais il faut revenir à l'art dramatique'.

3. "Toutes mes pièces cherchent à créer la nécessité dramatique d'une solution"
25 MIN

Troisième entretien avec le dramaturge britannique Edward Bond qui revient sur l'apport du théâtre grec lequel pose des problèmes 'fondamentaux' et qui a été inventé au moment-même où les Grecs inventaient la démocratie avec des institutions assez complexes. Ce qui fait dire à Edward Bond que 'la démocratie est toujours dépendante de l'art dramatique' car 'ce n'est que dans l'art dramatique que les questions les plus profondes peuvent être posées'. Il reprend alors les récits d'Œdipe, d'Antigone et de Médée qui ont été à la source de ses pièces comme dans 'Les Enfants'. A travers le théâtre grec, c’est bien la question centrale de la justice qui est soulevée. Il conclut que pour lui, 'ce qu'on trouve chez les Grecs, c'est la question humaine, l'impératif humain'.

4. "S'il y a une chose centrale pour l'art dramatique, c'est l'acteur'
25 MIN

Edward Bond, dans ce quatrième entretien, évoque la censure qu'il a connue pour sa première pièce 'Sauvés' et raconte qu'il a refusé de faire les modifications demandées. 'A partir de ce moment-là, le moi se censure lui-même', constate-t-il. Puis il aborde en tant que metteur en scène sa relation aux comédiens, auxquels il demande non pas de jouer les personnages, ce qui les désarçonne, mais de jouer 'la situation'. Il attend de l'acteur, un acte de création, 'une surprise'. Une pièce de théâtre est là pour 'traduire en acte' la justice, pas la 'décrire' et E.Bond de rappeler que 'le centre de toute pièce de théâtre, c'est : qu'est-ce-que la justice ?'. L'art dramatique crée une réalité, grâce au 'sens de la situation qui est réel, pas une abstraction' et grâce aussi au public qui doit être à la hauteur.

5. "Nous sommes obligés de vivre dans l'Histoire et donc nous devons créer la justice"
24 MIN

Dernier entretien avec Edward Bond qui parle ici de son expérience théâtrale à travers le monde de l'enfance. 'Les jeunes gens ont le privilège, ou le fardeau, d'être plus proches de la réalité dont moi je parle', explique le dramaturge. Il lui semble que 'les jeunes n'ont pas encore appris les arts de la survie' or 'quand on apprend la technique, l'art de la survie, très souvent on se détruit soi-même' et c'est pour cela qu'il écrit pour eux, sans avoir jamais à 'édulcorer' son écriture. Ensuite, il dit s'inquiéter de leur devenir dans une société corruptrice. Edward Bond nous livre également dans cet entretien, ses réflexions sur le théâtre actuel et notamment le théâtre allemand qui ne parvient pas à se libérer ni de Hitler, ni de Brecht et cela l'empêche de se poser les vraies questions. Il revient ainsi sur l'impératif du théâtre qui est de se confronter à une situation 'extrême' qui nous oblige à nous 'définir' nous-mêmes en posant la question impérative de justice.

Depuis plus de trente ans (on oublie souvent qu'il était dans la Cour d'Honneur dès 1970, dans une mise en scène de Georges Wilson), Edward Bond est sans doute le dramaturge anglais le plus joué sur les plateaux français (ce n'est pas le cas en Angleterre, loin s'en faut). On peut même dire qu'il est mis en scène par toute la gamme esthétique des metteurs en scène du paysage théâtral, de Claude Yersin à Jean-Pierre Vincent, en passant par Christian Benedetti, Suart Seide, et bien sûr Alain Françon, qui a fait connaître l'oeuvre de Bond au grand public, lors des mémorables représentations avignonnaises des "Pièces de guerre", dont le titre sonne d'emblée comme le manifeste de toute son écriture : quel théâtre peut et doit provenir d'un monde "en guerre" comme le nôtre ? 

Une série de cinq entretiens de Bruno Tackels, réalisée par Massimo Bellini et diffusée du 17 au 21 juillet 2006.

Par Aurélie Charon sur le site de son émission Tous en scène sur France Culture 3 novembre 2019

Une émission spéciale autour du Festival TNB à Rennes 2019, avec quatre femmes artistes qui y participent. Marion Siéfert met en scène dans "Du Sale!" la rappeuse Laëtitia Kerfa. Cécilia Bengolea propose une nuit de dance hall comme en Jamaïque. Vanessa Larré présente "La Passe".

Emission spéciale autour du festival TNB 2019 à Rennes,pour fêter l’évènement porté par Arthur Nauzyciel et l’équipe du Théâtre National de Bretagne, du 06 au 17 novembre, dans 10 lieux partenaires à Rennes et en métropole. 

Marion Siéfert, auteure, metteure en scène et performeuse. Du sale ! est présentée du 06 au 09 novembre au CCN de Rennes et de Bretagne : cette pièce d’actualité N°12 avait été créée au Théâtre de la Commune (Aubervilliers), où elle sera reprise du 16 au 20 décembre. Deux jeunes femmes au plateau, l’une rappe, l’autre danse. Marion Siéfert a écumé les battles de la région parisienne pour les rencontrer et les réunir sur scène. 

Laetitia Kerfa aka Original Laeti, rappeuse. Elle est l’une des deux interprètes de Du sale ! avec Janice Bieleu, danseuse de popping et de lite feet. 

Cécilia Bengoléa, chorégraphe franco-argentine. Oneness – Party Animal constitue l’une des deux soirées musicales du festival, le 09 novembre à UBU (Rennes). La scène se transforme en dancefloor géant avec light show, projection vidéo et sound-system. Sur l’écran tourne en boucle un mix de chorégraphies filmées par l’artiste en Jamaïque. Un DJ s’installe aux manettes, quatre performeurs investissent l’espace, qui devient une fête. Le dancehall débarque au TNB ! 

Vanessa Larré, comédienne, auteure et metteure en scène. La Passe est présentée du 15 au 17 novembre à la salle Parigot (Rennes). La saison passée, Vanessa Larré avait installé deux cabines téléphoniques dans le hall du TNB, dans lesquelles le public pouvait écouter des entretiens menés avec des prostituées et des clients. Le dispositif de cette nouvelle performance, qui met en scène deux comédiennes et une prostituée, invite les spectateurs à s’immerger dans la pièce par l’arrière du décor, pour explorer la condition féminine à travers le prisme des 3 archétypes aliénants : la Mère, la Vierge et la Putain. 

LIVE : Laetitia Kerfa aka Original Laeti interprète deux morceaux en studio, dont un inédit ! 

Crédit photo : 
Du Sale ! mise en scène Marion Siéfert• Crédits : Willy Vainqueur