Revue de presse théâtre

par Anne Diatkine et Rémi Guezodje dans Libération / 21 juin 2024

Connu pour ses adaptations impressionnantes, l’artiste, nommé ce 21 juin par Emmanuel Macron, prend la succession de Stéphane Braunschweig. A la direction de la salle parisienne réputée difficile, il devra «garantir la polyvalence» du lieu, malgré un manque de moyens critiqué par son prédécesseur.

C’est donc bien lui, la rumeur était fondée, et on ne saurait s’en plaindre. Depuis plus d’un mois, elle donnait le metteur en scène Julien Gosselin prochain directeur du théâtre de l’Odéon-théâtre de l’Europe. On s’étonnait tout juste que le suspense s’étire. Le metteur en scène bien aimé dans ces pages, fondateur du collectif Si vous pouviez lécher mon cœur, et dont la dernière création,  Extinction, d’après Thomas Bernhard, Schnitzler et Hofmannsthal a été créée au dernier festival d’Avignon, vient d’être nommé par le président de la République, ce 21 juin, à la direction du théâtre, sur proposition de la ministre de la Culture, Rachida Dati.

«Paradoxe des grands théâtres nationaux»

Il prend la suite de Stéphane Braunschweig, qui avait annoncé en décembre à Libération ne pas se présenter à sa propre succession, pour cause d’absence totale de marge artistique pour poursuivre son projet, lequel implique des créations, l’invitation de plusieurs spectacles étrangers, et des prises de risques, des découvertes. Une quadrature du cercle telle que tous les autres metteurs en scène approchés – Thomas Jolly, Thomas Ostermeier – ont décliné les avances qui leur étaient faites. Comment fera Julien Gosselin qui aurait accepté ce poste sans augmentation de budget ? A-t-il au bout du compte obtenu de la ministre de la Culture, très probablement éphémère, l’assurance que des moyens financiers viendraient à la rescousse ? A-t-il prévu d’engager des négociations pour modifier la convention collective réputée très difficile à réécrire au profit de la marge artistique ?

«Le paradoxe de ces grands théâtres nationaux est qu’ils sont en état de marche mais sans moyen pour l’artistique. Sans augmentation de la subvention, Julien prend un grand risque»,  analyse un artiste et ancien directeur d’une grande maison. La nomination de Gosselin, connu pour ses adaptations impressionnantes d’œuvres littéraires dont les Particules élémentaires de Houellebecq en 2013, et le roman-fleuve de Roberto Bolaño 2666 en 2016, interroge sur la stratégie qui pourrait être la sienne pour réussir à montrer des œuvres d’envergure internationale – les siennes et celles des autres – mais aussi les faire tourner dès lors que l’Odéon est producteur.

Programmation ouverte aux artistes du monde entier

Dans son communiqué, Rachida Dati confirme néanmoins que Julien Gosselin aura pour mission de garantir la polyvalence offerte par le théâtre de l’Odéon et les Ateliers Berthier, tout en proposant une programmation ouverte aux artistes du monde entier, des concerts et des conférences sur le site historique, ainsi que des temps forts de festivals. Julien Gosselin prendra ses fonctions au 15 juillet 2024. Il n’a auparavant jamais dirigé de théâtre. A la veille des législatives, il prend la tête de ce grand théâtre public réputé difficile dans un contexte politique incroyablement incertain. Devra-t-il en faire un lieu de résistance ?

Publié sur le site d'Artcena  - 19 avril 2024

De ses années d’études en géo-architecture vécues à Brest, Anne Tanguy conserve un souvenir marquant, auquel Le Quartz est nullement étranger. « Découvrir cette salle à l’histoire exceptionnelle a complètement bouleversé mon parcours », confie-t-elle.

Communiqué de presse ministère de la Culture - 19 juillet 2023

Rima Abdul Malak, ministre de la Culture, en plein accord avec Anne Vignot, maire de Besançon, et Marie-Guite Dufay, présidente du Conseil régional de Bourgogne-Franche-Comté, a donné son agrément à la proposition de nommer Tommy Milliot à la direction du Centre dramatique national Besançon-Franche-Comté.

Né en 1984, Tommy Milliot est formé à la mise en scène et à la dramaturgie à l’université Paris-Nanterre avant de fonder, à partir de 2014, la compagnie Man Haast et de créer plusieurs spectacles, dont Lotissement qui remporte le prix du jury du festival Impatience en 2016 avant d’être repris au 70e festival d’Avignon. Son travail est depuis présenté dans les plus grands rendez-vous théâtraux et reçoit le soutien d’institutions diverses comme le CentQuatre, la Comédie de Béthune, le Festival d’Avignon ou la Comédie-Française. 

Tommy Milliot souhaite faire du Centre dramatique national Besançon Franche-Comté une maison de théâtre public ouverte et généreuse à la programmation variée, mêlant grands classiques et créations contemporaines. Le nouveau directeur aura à cœur d’impliquer les jeunes spectateurs, en développant la pratique amateure et en proposant trois parcours de découverte des arts vivants destinés à accompagner la première fois au théâtre, visiter les coulisses ou exercer son regard critique en rencontrant des artistes. Le programme Résidences d’accompagnement offrira un cadre d’accueil adapté aux besoins de recherche, d’écriture, de fabrication et de production des artistes de toutes les générations, des plus émergents aux plus reconnus, qui contribueront à la vitalité créative du territoire et à son rayonnement. Tommy Milliot sera épaulé par les artistes Héloïse Desrivières, Marcus Lindeen, Marianne Ségol-Samoy et Emilie Charriot. Lors de moments forts de convivialité comme les Tablées du théâtre ou Jours de fête, ils offriront aux habitants de Bourgogne-Franche-Comté des propositions théâtrales joyeuses, en prise avec notre époque et investiront le centre dramatique pour en faire un lieu d’innovation, d’inclusion et de créativité.

Tommy Milliot prendra ses fonctions au 1e janvier 2024, succédant ainsi à Célie Pauthe. Rima Abdul Malak salue l’action de celle-ci à la tête du Centre dramatique national Besançon Franche-Comté, où elle a porté un projet remarqué pour son soutien aux écritures contemporaines francophones et son engagement en faveur des femmes artistes.

Publié sur le site d'Artcena, le 29 mars 2021

NOMINATION
À la tête du Centre dramatique national et de son École, le metteur en scène continuera de promouvoir un théâtre ouvert sur le monde, où les questions d’égalité et de développement durable occuperont une place centrale.

Par Anne Diatkine dans Libération — 7 mars 2019
Nommée à 40 ans à la tête du Préau, Lucie Berelowitsch évoque ses ambitions pour le petit Centre dramatique national de Vire, en Normandie.


Lucie Berelowitsch vient d’être nommée directrice du Préau, à Vire, une petite ville du Calvados à mi-chemin entre le Mont-Saint-Michel et Caen. Elle a 40 ans, elle a fondé la compagnie les 3 Sentiers, elle est metteure en scène et actrice, et elle monte actuellement un spectacle musical sur un texte du jeune Kevin Keiss, Rien ne se passe jamais comme prévu, avec (entre autres) les acteurs Niels Schneider et Camélia Jordana. La pièce se jouera notamment à Vire et dans les villes normandes avoisinantes. Rencontre avec une toute nouvelle directrice qui, pour son premier poste, a choisi d’être à la tête du plus «petit» Centre dramatique national (CDN) de France.

Pourquoi avez-vous choisi de candidater spécifiquement pour diriger le Centre dramatique national de Normandie-Vire, qui regroupe huit petites communes ?
Ma compagnie est implantée depuis sa création en Normandie, où nous avions commencé un partenariat avec le Trident, Scène nationale de Cherbourg. Le compagnonnage avec Mona Guichard nous a permis de bien connaître le pays en jouant dans toutes sortes de lieux, en pratiquant ce qu’on nomme l’hyperdécentralisation, en allant quasiment chez les gens. L’autre raison est que j’aime ce théâtre, son rapport scène-salle, sa situation particulière à Vire. Les adolescents ont transformé le hall et le bar du théâtre en point de ralliement. Ce qui ne signifie pas qu’ils entrent dans la salle spontanément. Mais on ne peut qu’être réjoui par cette nuée qui donne le sentiment, quand on arrive au théâtre, qu’on est chez eux, et pas l’inverse. Le théâtre jouxte un cinéma d’art et d’essai dont la programmation ne démérite pas. Je souhaite ouvrir encore davantage le théâtre à d’autres publics.

On a le sentiment que cette question de l’ouverture à de nouveaux publics est redécouverte à chaque génération. Or elle est aussi vieille que les CDN…
C’est vrai. Mais elle se pose de manière un peu différente qu’à l’époque de Jean Vilar - qui plaçait des autocars à la sortie des usines en direction du Théâtre de Chaillot - et qu’à Vire, où tout le monde passe devant le bâtiment transparent du théâtre plusieurs fois par jour. L’équipe précédente a créé un festival ado. Je souhaite poursuivre dans cette voie, mais en décloisonnant le festival. Un spectacle réussi l’est pour tout le monde même si on n’y puise pas les mêmes plaisirs selon son âge, et il faudrait que les ados et les enfants puissent amener leurs parents au théâtre, et qu’eux-mêmes aient envie de voir des spectacles qui ne leur sont pas spécifiquement destinés.

Pourquoi a-t-on si peur de s’ennuyer au théâtre au point de ne pas pouvoir y entrer ?
C’est un ennui insupportable, car on est face à des gens qui bougent devant nous, respirent, donnent tout, alors qu’on ne rêve que de quitter la salle. C’est très culpabilisant. Au cinéma, on n’a pas le sentiment de mettre en péril les acteurs lorsqu’on déteste ce qu’on voit.

Quelle est la spécificité de votre projet ?
De par mon bilinguisme, ma formation théâtrale au Conservatoire de Moscou, mais aussi la situation géographique de Vire, très enclavée, j’estime qu’il est de notre devoir politique d’ouvrir ce théâtre à l’international pour permettre aux publics de réfléchir très concrètement à la construction de l’Europe et à comment s’y inscrire. Dès la saison prochaine, il y aura un projet participatif du collectif la Cavale en langue étrangère, qui emmènera des ados en voyage, et le théâtre accueillera de jeunes étrangers. Il y a quelques années, J’ai créé Antigone en Ukraine, avec Dakh Daughters, un groupe de cabaret punk - il s’agissait de voir comment résonnait Antigone et sa capacité de dire «non» en Ukraine. Je souhaite construire une programmation à la fois très attentive aux artistes de la région normande, et internationale. Les liens seront renforcés avec les lieux patrimoniaux, les abbayes, dans les Vaux-de-Vire, les berges du fleuve, afin de permettre aux habitants d’y découvrir des propositions artistiques. Il y a aussi un laboratoire d’artistes pluridisciplinaires associés au Préau. On a envie de partager cet outil. Je suis très intéressée par la démarche de certains directeurs en Belgique qui donnent les clés de la programmation à une jeune compagnie pour une saison. De même, Jacques Vincey à Tours confie la programmation du festival Wet° aux jeunes comédiens permanents du CDN. C’est un partage du pouvoir passionnant, car il évite de s’enfermer.

Vous aussi, vous associez à l’équipe trois comédiens permanents, qui sont une sorte de mini-troupe. D’où viennent-ils ?
Deux d’entre eux - Josué Ndofusu et Bachir Tlili - viennent du Conservatoire de Paris, et Ella Benoit a un parcours plus atypique. Je l’ai rencontrée grâce au metteur en scène Lazare.

On constate qu’à part Macha Makeïeff à la tête de la Criée à Marseille, les «petits» lieux sont confiés à des femmes. Pourquoi, à votre avis, manque-t-on cruellement de candidatures féminines pour le poste de direction du Théâtre national populaire de Villeurbanne (1) ?
Chloé Dabert vient d’être nommée à la Comédie de Reims, qui est bien dotée. Est-ce que les femmes dirigent de plus petits CDN parce qu’elles refusent de s’occuper de lieux qui ont plus de moyens, ou parce qu’elles savent d’avance qu’elles ne seront pas choisies ? J’ai entendu des metteures en scène dire qu’elles ne voulaient pas servir d’alibi pour justifier une parité de façade.

Le Préau a-t-il les moyens suffisants pour coproduire des spectacles ?
Ils sont limités. Ce qui est intéressant, c’est que cela nous oblige à réfléchir à d’autres manières de soutenir les artistes. On a peu de possibilités pour accueillir des spectacles chers car ils ont un impact sur le reste de la programmation. Je souhaiterais le plus souvent possible faire connaître un artiste non pas avec un seul spectacle, mais en l’invitant une semaine ou plus, afin de révéler son univers, ses goûts. Et qu’il prenne le temps, lui aussi, de découvrir ce territoire.

(1) Faute d’un nombre suffisant de candidatures féminines, le ministère de la Culture et les collectivités ont reporté la date de dépôt des dossiers pour le poste de directeur du TNP de Villeurbanne.

Rien ne se passe jamais comme prévu de Kevin Keiss m.s. Lucie Berelowitsch. Tournée en Normandie en mars, et aux Bouffes du Nord à Paris, du 15 au 27 octobre.

Légende photo Lucie Berelowitsch, lundi à Paris. Photo Frédéric Stucin pour Libération 

Par Joëlle Gayot dans Le Monde, publié le 21 juin 2024

Le metteur en scène de 37 ans, adepte des «chocs  esthétiques », succédera le 15 juillet à Stéphane Braunschweig à la direction de la scène parisienne.

Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2024/06/21/julien-gosselin-nomme-a-la-tete-du-theatre-national-de-l-odeon-theatre-de-l-europe_6242144_3246.html

La nouvelle est tombée le vendredi 21 juin : le metteur en scène Julien Gosselin prendra, à partir du 15 juillet, la direction du Théâtre national de l’Odéon-Théâtre de l’Europe, à Paris. Nommé pour un mandat de cinq ans, sur proposition de la ministre de la culture, Rachida Dati, et sur décision du président de la République, cet artiste puissant, né en 1987, s’est formé au sein de l’école de théâtre du Centre dramatique de Lille, où il a cofondé, dès la fin de ses études, la compagnie Si vous pouviez lécher mon cœur. Révélé en 2013 au Festival d’Avignon avec la création hilarante et cynique des Particules élémentaires, d’après le roman de Michel Houellebecq, il s’est d’emblée affirmé comme l’un des metteurs en scène les plus enthousiasmants de sa génération.

Julien Gosselin conçoit des spectacles uppercuts qui immergent le public dans des traversées au long cours. Vidéos, musiques, jeu pulsionnel, exacerbation des passions, corps-à-corps avec la part monstrueuse de l’humain, ses représentations, le plus souvent adaptées de romans-fleuves, laissent rarement indifférent. Le dernier spectacle en date, Extinction (créé à Montpellier en juin 2023), revenait aux sources maléfiques du nazisme à travers une exploration des œuvres de Thomas Bernhard et d’Arthur Schnitzler.

Ce propagateur de « chocs esthétiques » (la formule est de lui) succède à Stéphane Braunschweig, qui, en janvier, a renoncé à se présenter pour un troisième et dernier mandat à la tête de la maison. « Je n’avais plus les moyens de mener à bien mon projet artistique », avait-il alors déclaré au Monde, en déplorant le soutien insuffisant de ses tutelles alors que les caisses du théâtre étaient de plus en plus asséchées.

Préféré à Thomas Jolly

Placé sous la coupe directe du ministère des finances, l’Odéon bénéficiera-t-il du coup de pouce financier que réclamait, en vain, son ancien directeur ? Pour l’instant, Julien Gosselin ne souhaite pas s’exprimer. « Je suis très heureux, a-t-il fait savoir au “Monde”, mais avant de répondre aux demandes d’interview, je veux d’abord parler avec les équipes du théâtre. »

Son projet, précise le communiqué de presse du ministère, « s’inscrit dans une approche résolument tournée vers l’Europe et vers la création, sous toutes ses formes ». Ouverture aux artistes du monde entier, à des concerts, des conférences, ouverture également aux étudiants en théâtre, rencontres avec des personnalités du monde artistique et intellectuel : la note d’intention est encore à l’état de promesses. Reste à savoir si ces dernières pourront se concrétiser alors que le théâtre de service public clame, depuis des mois, les difficultés financières extrêmes dans lesquelles il se trouve. Et que la France traverse une crise politique sans précédent. Cela fait longtemps que Julien Gosselin souhaitait assumer une direction. Il vient enfin de l’obtenir.

Joëlle Gayot / LE MONDE

Légende photo : Julien Gosselin à Lille, en 2013. PHILIPPE HUGUEN/AFP

Par Anne Diatkine dans Libération - 19 octobre 2023

Dans les Centres dramatiques nationaux (CDN), la parité est quasi atteinte en termes de direction et de programmation. Et elle progresse sur les scènes nationales. On revient pourtant de loin.

Ne boudons pas, attrapons les bonnes nouvelles, même lorsqu’elles se présentent sous la forme d’une forêt touffue de chiffres. Longtemps, l’égalité des hommes et des femmes, dans et sur les scènes publiques labellisées, était un genre d’Himalaya supposé inaccessible. Pas assez d’autrices dramatiques, pas assez de metteuses en scène, pas assez d’artistes femmes ayant envie de diriger une structure, prétendait-on pour qu’il soit possible d’envisager des saisons théâtrales paritaires et une direction qui ne soit pas majoritairement masculine. Jusqu’à l’année dernière, les chiffres étaient impitoyables : lorsque les femmes étaient majoritaires, c’était parce que les spectacles dont elles se chargeaient avaient trait à la jeunesse ! Elles restent toujours surreprésentées dans cette catégorie. Pour le reste, ça s’arrange.

Deux études dont Libération a eu la primeure indiquent une inflexion, qui prouve que la volonté collective vers moins de discrimination sexuelle est payante. La première provient de l’Association des Centres dramatiques nationaux (ACDN), dont les 38 directions ont signé en 2022 pendant le festival d’Avignon une charte les engageant à œuvrer concrètement en faveur de l’égalité femmes-hommes dans la programmation, les budgets alloués, ainsi que les jauges offertes aux spectacles. L’ACDN s’est associée à une chercheuse doctorante, Inés Picaud Larrandart, qui mène à ses côtés un travail d’analyse sur la mise en œuvre de la parité et explore également les questions de diversité – où tout reste à faire. L’analyse fine de la saison 2022-2023 constitue donc une sorte d’année zéro. Elle montre que dans les Centres dramatiques nationaux, ces structures dont la spécificité est d’être dirigées par un artiste, la parité est quasi atteinte en termes de direction et de programmation. On revient pourtant de loin. En 2006, seulement trois femmes étaient à la tête d’un CDN. Aujourd’hui, elles sont 19, dont 3 co-directrices qui partagent leur mission avec un directeur, sur les 38 structures existantes. Toujours dans les CDN, en termes de programmation, de durée des séries, de jauges allouées, les nouvelles sont bonnes : 50,5% des spectacles ont été mis en scène par des femmes et ils sont programmés aussi longtemps que ceux proposées par des hommes, dans des jauges légèrement plus restreintes, mais légèrement plus remplies

Un seul théâtre national dirigé par une femme

La metteuse en scène Emilie Capliez, qui préside l’association, incite pourtant à ne pas faire sonner trop vite les youyous de la victoire. Notamment parce qu’une disproportion dans les moyens alloués, nerf de la guerre pour produire des spectacles, est criante. Tout se passe comme si les tutelles acceptaient de nommer des femmes dans des structures à condition qu’elles soient petites, circonscrites, modestes, et qu’elles ne fassent pas trop de bruit. Leur art séculaire de savoir accommoder les restes est-il censé déteindre sur leur pratique et leur permet-il de savoir mieux que leurs homologues masculins comment faire plus avec moins ? Les cinq CDN les mieux dotés sont dirigés par des hommes tandis que quatre des cinq les moins lotis le sont par des femmes !

Qu’en est-il dans les autres structures publiques ? Et bien indiquons déjà, ce n’est pas un scoop, que si quatre des cinq théâtres nationaux – la Comédie française, l’Odéon, le Théâtre national de la Colline et Chaillot – sont dirigés par des hommes, un seul – le théâtre national de Strasbourg – l’est par une femme, Caroline Guiela NGuyen, et depuis peu. Si l’on zoome sur le théâtre du Châtelet, joyau de la ville de Paris, rappelons que c’est un homme qui vient d’y être nommé, Olivier Py, alors que la short list était constituée de deux candidatures féminines fortes (Valérie Chevalier et Sandrina Martins).

Les 78 scènes nationales qui maillent le territoire français ne sont, sauf infime exception, pas dirigées par des artistes. Elles ont une mission davantage pluridisciplinaire que les CDN, au point que 23 d’entre elles intègrent un cinéma d’art et d’essai en plus de leurs salles de spectacles traditionnelles. Une autre différence de taille les distingue des CDN : la grande majorité des directions à la tête d’une scène nationale sont nommées en CDI, c’est à dire potentiellement pour la vie. Fabienne Loir , secrétaire générale de l’Association des Scènes nationales, observe elle aussi une progression nette des femmes à la tête des structures, qui passe de 26% en 2017 à 39% aujourd’hui – loin de la situation quasiment équilibrée des CDN. Et elle aussi note que les femmes, dernières arrivées, gèrent des structures plus petites et moins bien dotées que les hommes. «Plus les gens sont expérimentés, plus ils peuvent postuler à de grosses structures», constate Fabienne Loir.

Nomination attendue à la tête de la Commune, à Aubervilliers

On vous avait promis une forêt de chiffres, poursuivons notre promenade, armez-vous d’une machette. Les chiffres globaux de la saison 22-23 délivrés dans le nouveau rapport du Syndeac, principal syndicat des scènes subventionnées toutes catégories confondues, témoignent eux aussi d’une progression des femmes sur tous les terrains. Mais de moindre ampleur que dans les CDN, et ils sont tous en-deçà de la parité. Citons en deux : si 35% des spectacles étaient mis en scène par des femmes dans les structures adhérentes au syndicat en 2019-2020, ils sont 42% deux ans plus tard. Si elles n’étaient que 29% d’autrices représentées en 2019-2020, elles sont 35% en 2021-2022. Les pourcentages cachent de fortes disparités entre les structures, et le Syndeac promet «d’examiner, au cas par cas, la situation des adhérents dont les chiffres sont très éloignés des objectifs afin de trouver des soutions».

On peut s’en réjouir : les tutelles – l’Etat, les municipalités, les collectivités locales, la région – prennent garde de nommer des femmes à la tête des structures. Mais savent-elle les renommer ? Autrement dit, les directrices jeunes et moins jeunes peuvent-elle faire fructifier leur expérience ? Ou se retrouvent-elles fatalement «à la rue» après leurs bons et loyaux services ? Pour l’instant, seulement deux femmes metteuses en scène ont pu renouveler leur expérience de directrice de CDN. La salve de nominations récentes – Bérangère Vantusso à la tête du CDN de Tours, Fanny de Chaillé au CDN de Bordeaux, Marcial Di Fonzo Bo au Quai à Angers – ne modifie pas l’équilibre. Restent encore deux lieux à pourvoir : la Comédie de Caen et, de manière imminente, la Commune – CDN d’Aubervilliers, en Seine-Saint-Denis, lieu emblématique de la démocratisation culturelle. Et où figurent en dernière sélection Célie Pauthe et Laetitia Guedon, toutes deux en fin de mandat. La Commune va donc concentrer tous les regards.

Anne Diatkine / Libération

Légende photo : Fanny de Chaillé (CDN de Bordeaux), Caroline Guiela Nguyen (Théâtre national de Strasbourg) et Bérangère Vantusso (CDN de Tours). (Frédérick Florin/AFP)

Par Fabienne Darge dans Le Monde 1/03/23

La nouvelle directrice de l’établissement public parisien explique son projet pour ce lieu où elle a pris ses quartiers depuis fin février.


Lire l'article sur le site du "Monde" : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/03/01/claire-dupont-veut-faire-de-la-bastille-un-theatre-traverse-par-les-echos-du-monde_6163798_3246.html

« J’ai toujours rêvé de diriger un théâtre, et d’en faire une maison vivante et habitée », s’amuse Claire Dupont, en ouvrant les portes du Théâtre de la Bastille, de plain-pied sur la rue de la Roquette à Paris, où elle a pris ses quartiers, lundi 20 février. A 42 ans, c’est elle qui a été nommée, à l’issue d’un long processus juridique pour transformer ses statuts, à la tête de ce lieu qui occupe une place à part dans le cœur des spectateurs parisiens. Jean-Marie Hordé, qui l’a dirigé de 1989 à la fin de 2022, a fait de la Bastille un foyer de découvertes, unique dans le rapport privilégié, intime, qu’il permet entre les artistes et les spectateurs.

Dans une géographie théâtrale parisienne qui se recompose, sans forcément se renouveler, comme l’atteste le choix d’Olivier Py à la tête du Théâtre du Châtelet, l’Etat, lui, a fait à la Bastille un choix audacieux. Claire Dupont, si elle n’est pas encore connue du grand public, arrive dans le jeu avec un beau parcours et un profil de tête chercheuse à même d’affronter les évolutions qui vont affecter le secteur du spectacle vivant dans les prochaines années.

Enseignante-chercheuse à l’université Paris-III et fondatrice de Prémisses Production, une officine dévolue à la jeune création fondée en 2017, elle a, dit-elle, « toujours voulu mêler ses deux amours, le théâtre et l’université ». Et c’est ce qu’elle a fait, ne cessant jamais d’enseigner, tout en travaillant au Théâtre de la Tempête, niché au cœur du bois de Vincennes, et en accompagnant, au tout début de leur parcours, des artistes comme Pauline Bureau ou Julien Gosselin.

Avec Prémisses, elle a inventé un nouveau type de structure, faisant le constat qu’« il manquait un maillon pour aider les artistes sortant des écoles à démarrer, à se structurer et à entrer dans la profession ». Directement inspiré par l’économie sociale et solidaire, Prémisses est une sorte d’incubateur, qui a permis à de jeunes créateurs – souvent des créatrices, à l’image des membres du Collectif Marthe ou de Raphaëlle Rousseau – d’émerger.

« Rajeunissement et diversification »

Après un passage au Théâtre de la Cité internationale, il était temps pour elle d’envisager de prendre la tête d’une maison. La Bastille s’est présentée comme une occasion rêvée. « Une magie particulière habite les lieux, s’enthousiasme-t-elle. Je me reconnais totalement dans l’“expérience Bastille”, qui est celle d’un théâtre à échelle humaine, qui a ouvert nombre d’espaces créatifs. »

Comme de nombreux spectateurs, c’est ici que Claire Dupont a découvert les Flamands du tg STAN, l’Iranien Amir Reza Koohestani, Nathalie Béasse ou les premiers spectacles de Tiago Rodrigues, devenu depuis directeur du Festival d’Avignon. Elle souhaite donc s’inscrire dans cette histoire, tout en la faisant évoluer. « Il existe un véritable public Bastille, qui considère ce théâtre comme le sien, ce qui est formidable, mais il a vieilli, constate-t-elle. Il va y avoir une problématique de rajeunissement et de diversification, qui est de notre responsabilité à tous dans la profession, pour la survie même du spectacle vivant. »

Claire Dupont se propose donc de « désembastiller Bastille », d’en faire « un théâtre traversé par les échos du monde », ouvert sur d’autres territoires, à la fois proches et lointains, locaux et internationaux, que ceux qui ont été investis jusqu’à présent. La nouvelle patronne souhaite d’abord réancrer le théâtre dans son quartier du 11e arrondissement, par des actions hors les murs et des projets participatifs. Quant à la dimension internationale, qui fait partie intégrante de l’identité du théâtre, Claire Dupont veut « l’ouvrir sur d’autres polarités ».

« L’histoire de Bastille a été très liée au formidable essor des arts de la scène en Belgique flamande depuis quarante ans, explique-t-elle. Aujourd’hui, je souhaite déplacer le regard vers les dramaturgies du bassin méditerranéen, qui sont en plein envol : au Liban, en Grèce, en Espagne, notamment, émergent des créateurs passionnants, qui offrent d’autres rapports à l’art. Et cette ouverture permet la rencontre des diversités au niveau des spectateurs : pour modifier un public, il faut modifier ce qu’on pose sur les plateaux, convoquer d’autres patrimoines culturels. »

Un « parlement artistique »

Pour faire de la Bastille ce « théâtre qui traverse son époque, et est traversé par elle », Claire Dupont va aussi mettre en place ce qu’elle appelle un « parlement artistique », composé de trois créateurs qui vont l’accompagner, chacun pour une saison, dans les choix de programmation : la performeuse catalane Agnès Mateus, l’acteur-auteur-performeur d’origine iranienne Gurshad Shaheman et la chorégraphe franco-camerounaise Betty Tchomanga. « Ensemble, nous allons structurer chaque saison autour d’une question contemporaine : l’identité, la montée des extrêmes en Europe, la migration, le corps colonial… »

« Il s’agit donc de renouveler, tout en restant fidèle à l’esprit bien particulier de Bastille et à certaines équipes », résume Claire Dupont. « Nathalie Béasse, Nicolas Bouchaud, Pierre Maillet et sa compagnie Les Lucioles, le collectif L’Avantage du doute, et bien sûr Tiago Rodrigues s’il a envie de revenir avec des petites formes… » Autant d’artistes qui auront toujours leur place dans ce théâtre. Mais plus de la moitié de la programmation sera changée, promet-elle.

Claire Dupont sait qu’elle arrive dans un théâtre dont les finances sont saines, fort de ses deux salles qui offrent un excellent rapport scène-public et d’un statut éclairci qui fait de la Bastille un établissement public, financé à 74 % par des subventions (le reste étant assuré par les recettes propres), mais sans les contraintes d’un centre dramatique ou d’une scène nationale. Bref, « le terrain est très favorable à l’invention », se félicite la nouvelle patronne, qui a déjà prouvé qu’elle pouvait joindre l’acte à la parole.

Fabienne Darge

Légende photo : Claire Dupont, la nouvelle directrice du Théâtre de la Bastille, à Paris, le 1er février 2023. MATTHEW AVIGNONE

Par Brigitte Salino dans le Monde 15 janvier 2020

Depuis lundi 6 janvier, le metteur en scène Jean Bellorini dirige le Théâtre national populaire de Villeurbanne (Rhône), où il succède à Christian Schiaretti. Pendant sept ans, il a dirigé le Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis, où son successeur devrait être nommé fin janvier.

A 38 ans, Jean Bellorini est aguerri par ses années en banlieue parisienne, où il a affronté la polémique autour d’Exhibit B., de Brett Bailey, en 2014, puis les tensions liées aux attentats. Cet adepte d’un théâtre de texte, et de la fête, signera son premier spectacle dans la Cour d’honneur du Palais des papes, lors du Festival d’Avignon en juillet : Orfeo, dans une nouvelle version, commandée à l’auteur Valère Novarina.

Un certain nombre de metteurs en scène de votre génération refusent de prendre la direction de centres dramatiques nationaux. Pas vous. Pourquoi ?

Je comprends l’envie de lieux nouveaux, qui motive ceux qui ne veulent pas diriger des centres dramatiques nationaux. Mais je crois que ces outils offrent plus de liberté qu’on ne le pense, et je suis attaché à la résistance qu’ils représentent, surtout aujourd’hui, où on tend à perdre la raison d’être de la culture, et peut-être même du ministère de la culture.

Par ailleurs, de nature, je ne me sens pas comme un nomade qui va travailler à droite et à gauche. J’aime l’idée que chaque personne que je croise chaque matin au théâtre est liée à l’acte de création.

Le TNP n’est pas un théâtre comme un autre, ne serait-ce qu’à cause de son sigle, Théâtre national populaire, héritier d’une utopie incarnée par Jean Vilar. Comment fait-on quand on hérite de ce sigle, transféré de Chaillot à Villeurbanne en 1972 ?

C’est effectivement un sigle unique et exemplaire, qui contient un projet : offrir du théâtre au plus grand nombre, et avec la plus grande exigence. Soit ce qu’Antoine Vitez appelait du théâtre « élitaire pour tous ». En tant que directeur, je n’ai pas d’autre projet que d’être à la hauteur de ce sigle, et de l’inscrire dans le contexte d’aujourd’hui.

Un des mes maîtres est Jacques Copeau, pour qui le théâtre, c’était le plateau nu, le texte, et rien d’autre. Je crois au langage comme arme, comme émancipateur. J’aime que le théâtre soit une fête généreuse. Je sais qu’à Villeurbanne je vais trouver un public nombreux – il y a 10 000 abonnés, ce qui est énorme –, cultivé et averti.

Tous ceux qui jouent au TNP le disent : ce n’est pas comme ailleurs, on sent que les spectateurs sont liés à une histoire du théâtre. Ce public, il faut l’élargir, encore et toujours.
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Comment ?

Il y a deux écoles : l’école du spectateur et l’école de la pratique, en laquelle je crois beaucoup. Je veux développer à Villeurbanne l’idée de la troupe éphémère que j’ai adoré pratiquer à Saint-Denis.

La troupe éphémère, c’est un groupe de vingt-cinq jeunes filles et jeunes gens, de 15 à 20 ans, qui vivent dans les alentours du théâtre et qui créent un spectacle qu’ils jouent trois fois sur le grand plateau, au cœur de la saison. Ce n’est donc pas un atelier dans un coin, mais une vraie production professionnelle. Quand on a 15 ans, qu’on monte sur le grand plateau et qu’on dit la phrase d’un autre, on devient auteur de soi-même. Après, on perçoit autrement les spectacles que l’on voit de la salle.

Et l’école du spectateur, comment l’envisagez-vous ?

Il faut dépasser la logique du « consommable » et construire un lien en profondeur avec le public. Une des meilleures façons de le faire serait d’avoir une troupe permanente. Mais, comme cela est impossible, je vais associer des acteurs à la marche du TNP, dans la durée.

Dès la saison prochaine, tous les mardis, on présentera Onéguine, le spectacle que j’ai mis en scène, d’après Pouchkine. Les années suivantes, je voudrais reprendre Tempête sous un crâne, d’après Les Misérables, de Victor Hugo, puis d’autres spectacles. Les acteurs sont des repères. C’est important que le public les retrouve et que, par exemple, un professeur vienne les voir avec sa classe, d’une année sur l’autre.
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Allez-vous associer des metteurs en scène au TNP ?

Oui. Il y aura Joël Pommerat et Tiphaine Raffier, pour qui le TNP sera un outil : ils viendront y créer leurs spectacles, en toute liberté.

A côté, il y aura un collectif qui réunira le traducteur André Markowicz, deux metteuses en scène, Lilo Baur et la jeune Margaux Eskenazi, la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton, le dessinateur Serge Bloch, le chorégraphe Thierry Thieû Niang. Ils pourront bien sûr créer des spectacles ou participer à des spectacles, mais ils seront aussi chargés d’aller avec les acteurs à la rencontre des habitants, des écoles, des associations…

Je ne veux pas qu’on ait, comme c’est souvent le cas, des artistes invités qui viennent faire des ateliers et puis s’en vont, mais que ce soit ceux que l’on voit aux génériques des spectacles qui fassent ce travail.

Et pour les créations internationales ?

Je veux aussi que le TNP renoue avec une fonction qui s’est perdue : être une référence en matière de créations internationales. Les grands spectacles étrangers passaient au TNP, du temps de Roger Planchon. Il faut que les Krzysztof Warlikowski, Frank Castorf, Simon McBurney ou Katie Mitchell soient présents, pas seulement avec leurs spectacles, mais aussi avec des créations qu’ils feront au théâtre. Là aussi, il s’agit de dépasser la logique de la « consommation » et d’ouvrir le champ de l’international.

Il est essentiel que des artistes étrangers créent en France, avec des acteurs venus de différents pays : même si c’est risqué, c’est une façon de régénérer le théâtre.

Je suis en train de nouer des partenariats avec le Festival d’Avignon et le Printemps des comédiens, à Montpellier. Eux manquent de moyens techniques, nous, nous avons les outils. On peut répéter un spectacle au TNP, le présenter en avant-première avant un festival, puis le reprendre dans la saison. Il ne s’agit pas de faire des coups, mais de rêver ensemble et de travailler main dans la main. Dès cette année, nous avons établi, avec le Printemps des comédiens, un partenariat avec la Chine. Des projets sont en cours pour l’édition 2021 du Festival d’Avignon.

Brigitte Salino

Légende photo : Jean Bellorini, nouveau directeur du TNP de Villeurbanne, le 30 avril 2014, au Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis. YANN RABANIER POUR « LE MONDE »

 Communiqué de presse du ministère de la Culture

Nomination de Jean Bellorini à la direction du Théâtre national populaire, centre dramatique national de Villeurbanne

Franck Riester, ministre de la Culture, en accord avec Jean-Paul Bret, maire de Villeurbanne, Laurent Wauquiez, président du conseil régional d’Auvergne Rhône-Alpes, et David Kimelfeld, président de la métropole du Grand Lyon, a nommé Jean Bellorini à la direction du Théâtre national populaire, centre dramatique national de Villeurbanne.

Né en 1981, Jean Bellorini a été formé à l'école Claude Mathieu. Avec sa compagnie Air de Lune, il a été accueilli par Ariane Mnouchkine au Théâtre du Soleil puis associé au Centre dramatique national de Toulouse et au Centre dramatique national de Saint-Denis, avant d’en prendre la direction. Son travail au plateau se distingue notamment par ses brillantes adaptations de textes littéraires majeurs ou d’œuvres du théâtre contemporain dans lesquels il instille une grande vitalité issue du travail collectif de la troupe.

Fort de son expérience réussie au Théâtre Gérard Philipe, à Saint-Denis, Jean Bellorini a proposé pour le TNP un projet artistique exigeant et généreux :

- celui d’un théâtre de création placé sous le signe de la transmission et de l'éducation, un théâtre poétique, faisant la part belle à la langue, en associant à son mandat des auteurs, metteurs en scène et leurs équipes, tels que Joël Pommerat, Tiphaine Raffier, André Markowicz, Thierry Thieû Niang ou Lilo Baur ;

- celui d’un théâtre de création d’envergure, privilégiant les grandes formes, les grands plateaux, montrant une ambition internationale, tout en cultivant un ancrage territorial fort, grâce aux artistes qui l’habiteront et qui travailleront au plus près de tous les publics.

Son adresse au jeune public et au public adolescent, ses propositions d’actions dans la Cité, son souci éthique de créer un lien intime entre le théâtre et toutes les classes de la société, dans sa diversité, avec une attention vigilante au respect de la parité, font de son projet celui d’un théâtre de service public, exigeant et populaire, miroir poétique du monde. Celui-ci s’inscrit dans l’héritage des artistes majeurs qui l’ont précédé au TNP : Jean Vilar, Georges Wilson, Roger Planchon et, depuis 2002, Christian Schiaretti. Jean Bellorini lui succèdera à partir du 1er janvier 2020.

Au travers de son action, Christian Schiaretti et son équipe auront incarné l’esprit même du TNP, en privilégiant la découverte des grands textes classiques, l’ouverture au répertoire contemporain, le travail de troupe, le travail sur la langue et le rapport au public. Il est l’un de ces artistes qui auront marqué de leur empreinte l’art du théâtre pendant ces trente dernières années.

Ensemble, ils seront les maîtres d’œuvre des célébrations du centenaire de cette institution majeure du paysage théâtral européen, symbole éminent de la décentralisation dramatique fondé en 1920 par Firmin Gémier. 

Franck Riester salue « l’engagement absolu de Christian Schiaretti au service du rayonnement de l’art dramatique et de la langue française dans un projet ambitieux de partage avec toutes et tous ».