Revue de presse théâtre

Par Amélie Blaustein Niddam dans Cult.news - 7 mai 2025

Sur le papier, le roi de la radicalité et celui du vaudeville ne pouvaient pas se rencontrer. Voici un stéréotype bien ancré sur le théâtre public : il serait très austère. Eh bien non ! On peut y rire !  Plongez dans l’écriture au cordeau de Feydeau, porté par la direction marathonienne des acteurs et des actrices de la troupe de Nordey. Vous y laisserez sans doute quelques plumes semées par Raoul Fernandez  entre deux portes qui claquent. Ciel ! C’est génial !

Amélie Blaustein Niddam / Cult.news

Par Brigitte Salino dans Le Monde 16/12/2021

Le maître du vaudeville et fin observateur de la nature humaine entre dans la prestigieuse collection avec un choix de treize pièces hilarantes.

« Théâtre », de Georges Feydeau, édité par Violaine Heyraud, Gallimard, « Bibliothèque de la Pléiade », 1 776 p., 62 €.

Georges Feydeau est mort il y a cent ans, le 1er juin 1921, à 58 ans, au sanatorium de Rueil-Malmaison, où il était soigné pour la syphilis. La maladie l’avait rendu fou. Il collait des fleurs en papier sur les murs de sa chambre et se prenait pour Napoléon III, qui aurait été son géniteur, selon une rumeur insistante : il portait la même barbiche et les mêmes moustaches pour prouver la ressemblance. Etrange fin pour un homme à l’esprit étincelant, qui avait si bien su montrer la folie des lapsus et des portes qui claquent – celle du vaudeville, dont il fut et reste le roi. Il n’y a pas aujourd’hui une saison sans que son nom soit à l’affiche, et les théâtres publics, qui l’ont longtemps regardé de haut, comme un auteur attaché à un genre désuet, léger, grivois et bourgeois, le considèrent aujourd’hui pour ce qu’il est : un observateur de la nature humaine.

Feydeau ne croyait pas à sa postérité. Tout en défendant le vaudeville, il souffrait de ne pas recevoir la reconnaissance littéraire liée à un genre théâtral noble, comédie ou tragédie. Il pensait que seule lui survivrait Feu la mère de Madame (1908). La pièce est dans le volume qui paraît dans « La Pléiade », avec douze autres, éditées par Violaine Heyraud, universitaire spécialiste de Feydeau, à qui elle a consacré plusieurs livres. Elle l’a découvert en regardant « Au théâtre ce soir », à la télévision, dans sa vie natale, Saint-Etienne. Puis, explique-t-elle au « Monde des livres », « je ne l’ai pas retrouvé dans mes études, ni au lycée ni à l’université. C’est mon professeur de théâtre qui m’en a parlé quand je cherchais un sujet de thèse. Je l’ai lu, j’ai éprouvé un intense plaisir intellectuel, et j’ai renoué avec un bonheur de rire presque enfantin ».

Personnages poussés à bout

Dans les années 1970, Henry Gidel avait mené les premiers grands travaux sur le comique chez Feydeau, en explorant la fabrique du rire. Violaine Heyraud creuse le sujet : elle s’intéresse aux mécaniques de répétition, et examine « la machine à vertiges », pour reprendre le titre d’un de ses ouvrages (Classiques Garnier, 2012). Ces vertiges, tout spectateur les connaît. Ce sont ceux de personnages pris en faute, et qui essaient de s’en sortir. Feydeau les pousse à bout, il les piège dans leurs pulsions. Leurs corps agissent moins qu’ils ne sont agis : ils semblent détachés de leur esprit, qui leur court après. Une fois entraînés, rien ne les arrête, la machine s’emballe, les objets s’en mêlent, le langage éclate, les actions s’enchaînent et se déchaînent. Alors le public rend les armes : complice parce qu’il voit tout, et dupe parce qu’il est mené par le bout du nez, il cède devant l’absurdité orchestrée d’une manière implacable. « En organisant les folies qui déchaîneront l’hilarité du public, disait Feydeau, je n’en suis pas égayé, je garde le sérieux, le sang-froid du chimiste qui dose un médicament. »

Le lecteur de ce volume, où les treize pièces choisies sont éditées suivant un texte validé par Feydeau lui-même en son temps, peut prendre la mesure de ce sang-froid : il jongle entre les répliques et les didascalies – indications scéniques dont l’accumulation n’a d’égale que la précision. Rien de psychologique dans ces didascalies, mais des « yeux hors des orbites », des « ne perdons pas le nord », « saisissons la balle au bond » : le langage et l’émotion passent toujours par une expression physique, comme si la pensée elle-même était en train de marcher.

Feydeau écrivait souvent sur le moment, au fil des répétitions, et il accordait un soin maniaque aux placements des comédiens sur le plateau. Aucun détail, bibelots compris, n’était négligé pour atteindre le but : faire rire en montrant la lâcheté, l’égoïsme et la bêtise de la bourgeoisie moyenne. Les couples s’ennuient, quand ils ne se harcèlent pas. Ils prennent, ou voudraient prendre maîtresse ou amant, mais leur désir cède devant la pression sociale. Feydeau se montre impitoyable, et aussi corrosif avec les hommes qu’avec les femmes. Il met au jour leur hypocrisie fondamentale, il étale leurs viscères, il traque leur inconscient, à une époque où Charcot et l’hypnose enthousiasment les foules. Tout explose, la folie guette, on s’en délecte comme un pansement hilarant. C’est ainsi que, traversant le temps, Feydeau est grand.

Brigitte Salino

Légende photo : Une scène de « Tailleur pour dames », de Georges Feydeau, avec Véronique Barrault et Sébastien Castro, mise en scène d’Agnès Boury, 2015. PASCAL VICTOR/ARTCOMPRESS VIA LEEMAGE

Voir le documentaire

Feydeau à la folie, conçu et réalisé par Anne-Sophie Plaine (52 mn)

Présenté sur France 5 le 2 avril 2021

Auteur de théâtre souvent méprisé, Feydeau a pourtant connu une gloire internationale de son vivant. Ses pièces ont essuyé de nombreuses critiques, mais ont résisté à toutes les attaques et tiennent toujours le haut de l’affiche. Portrait de l’un de nos plus grands génies comiques.

En 1951, une pièce de Georges Feydeau est mise en scène pour la première fois à la Comédie-Française : Le Dindon provoque un séisme et divise le public. Les situations vaudevillesques et la trivialité des dialogues heurtent les spectateurs, partisans d’une mission éducative du Français. Ce qui choque le plus : le lit installé au milieu de la scène. Mais le public en redemande et la pièce restera à l’affiche pendant dix ans. « L’effet Dindon » s’avère très rentable pour l’institution. « Aujourd’hui, Feydeau est devenu un classique, explique la conservatrice-archiviste Agathe Sanjuan. On le joue très souvent… plus que Corneille ! » Longtemps Feydeau « était presque de l’ordre de l’interdit dans le théâtre public », rappelle le metteur en scène Alain Françon. Mais, depuis les années 2000, il a désormais le vent en poupe.

Acteurs, metteurs en scène, critiques et spécialistes éclairent, dans ce documentaire illustré de nombreuses archives, les différentes facettes du dramaturge. Un « auteur noble » pour Isabelle Nanty, qui a monté L’Hôtel du Libre-Échange en 2017 à la Comédie-Française : « Plus on le travaille, plus on découvre des choses, c’est extrêmement profond. » Le théâtre vaudevillesque de Georges Feydeau est sans doute nourri par son histoire personnelle : celle d’un fils qui doute de sa filiation réelle avec Ernest Feydeau. Sa mère, une courtisane polonaise, est aussi la maîtresse du duc de Morny et même de Napoléon III. Passionné par le théâtre qu’il découvre à 7 ans, il écrit très jeune des dizaines de pièces. Le succès arrive avec Tailleur pour dames, qui ne sera reprise que dans les années 1980. Ce grand amateur de peinture et joueur invétéré était « un grand mélancolique », selon Jean-Louis Barrault. L’habitué de chez Maxim’s finira par s’installer à l’hôtel pendant dix ans. Sa vie de noctambule en marge de son foyer nourrit sa peinture de la société bourgeoise qu’il décrit dans son théâtre. Ses interminables didascalies témoignent du soin apporté à la mise en scène — « une dramaturgie de l’instant » — et son sens du comique atteint parfois le subversif. « Je crois que les surréalistes avaient une profonde admiration pour Feydeau, rappelle Alain Françon. Je pense qu’il est très sur-réel… c’est un auteur des extrêmes. »

Anne-Laure Fournier

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello - 28 février 2020

Toute nue – Variation Feydeau Norén, mise en scène d’Emilie Anna Maillet. Et à lire « La révolution du féminin » par Camille Froidevaux-Metterie – Edition actualisée et préface inédite de l’auteur, Gallimard, Folio Essais N°659.

 Le féminisme a produit bien plus qu’une dynamique d’égalisation des conditions féminine et masculine, il a profondément transformé nos sociétés occidentales en initiant un double processus de féminisation du social et de masculinisation de l’intime, écrit l’autrice et philosophe Camille Froidevaux-Metterie (La révolution du féminin, nouvelle édition de l’ouvrage de 2015, actualisée et préfacée par ses soins).

Au-delà des inégalités discriminatoires et des violences, reste active une mutation de l’histoire humaine, la convergence des genres pour la venue d’un individu générique.

A l’orée d’un monde neutre et égalitaire, la condition incarnée de nos existences revêt un sens nouveau. Affranchie des déterminismes naturels et culturels, la sexuation des corps est d’abord singulière, tel un projet de libre volonté individuelle.

Analyser les modalités de l’expérience du féminin revient à définir ce dernier comme un rapport à soi, au monde et aux autres qui passe spécifiquement par le corps.

Le théâtre donne à voir les normes sociales traditionnelles comme leur mutations. Si une première vague de mouvements féministes s’est affirmée au XIX è siècle, revendiquant le droit à l’éducation et au vote de citoyenne, la deuxième vague des seventies impose enjeux d’indépendance et de droit des femmes à disposer de soi.

La troisième vague, valorisée par le mouvement #Metoo, se penche sur les relations entre les sexes et porte des enjeux de parité et de « Réappropriation par les femmes de leurs corps dans ses dimensions les plus intimes. » (Camille Froidevaux-Metterie)

Pour les femmes qui n’ont longtemps été que des corps, il s’agit encore et toujours d’éprouver une condition paradoxale vécue, écartelée entre aliénation et libération.

Toute nue, l’audace est belle, pour la metteure en scène Emilie Anna Maillet, de réunir deux auteurs – Feydeau et Lars Norén -, que non seulement un siècle sépare, mais que l’écriture et le monde de l’œuvre respective de chacun opposent.

Humour loufoque et grivoiseries faciles d’une bourgeoisie parvenue pour l’un, et pour l’autre, distance et cynisme amer d’une société décidément indifférente à autrui.

Tel se réalise le spectacle de la metteure en Emilie Anna Maillet, à partir de Mais n’te promène donc pas toute nue ! de Georges Feydeau et des extraits de l’œuvre de Lars Norén tirés de ses pièces La Veillée, Détails, Démons et Munich-Athènes.

Clarisse est l’épouse de Ventroux, un homme politique ambitieux qui n’hésite pas à exposer aux média son couple heureux pour arriver à ses fins. Réduite à n’être qu’un outil de communication et privée de toute intimité, Clarisse fait acte de résistance et décide de se promener toute nue, non par inconscience, mais bien pour exister.

En choisissant le cadre politique, le vaudevilliste critique l’ambition professionnelle, la compétition, le calcul, l’utilisation de l’image et les stratégies politiques dans l’absence même de propos politiques en tant que tels, univers où la femme n’est pas.

Celle-ci existe comme atout, béquille, accessoire, moyen et support, offrant mensongèrement au public et aux électeurs l’image d’un amour de papier glacé.

« La femme d’un homme politique est une machine à gouvernement, une mécanique à beaux compliments, à révérences ; elle est le premier, le plus fidèle des instruments dont se sert un ambitieux ; enfin, c’est un ami qui peut se compromettre sans danger, et que l’on désavoue sans conséquence. », écrit Balzac en son XIX è.

Il n’est qu’à voir Donald Trump et son épouse descendre d’avion, dans la même posture d’unité affichée du couple idéal, et plus proches de nous encore, les couples Macron – Emmanuel et Brigitte -, Sarkozy et Carla Bruni, Hollande et ses ratés promotionnels puisqu’on a vu se succéder à ses côtés, Ségolène, Valérie et Julie.

Dans ce jeu de la représentation sociale, la presse est un outil de promotion qui peut aussi détruire une réputation. D’un siècle à l’autre, rien ne change, tout perdure et s’aggrave, ne serait-ce que les événements récents d’une candidature annulée.

Pour ce qui nous occupe sur le plateau de théâtre d’Emilie Anna Maillet, les rapports de force entre Ventroux, Hochepaix, les concurrents, et le journaliste De Jaival mettent en évidence une éternelle compétition masculine ancestrale et atavique.

Obsédé par la peur de perdre sa place sociale et par le besoin d’être le dominant, l’homme politique en vue, député et peut-être bientôt ministre, est poussé à la folie.

La mise en scène est savoureuse, formellement parlant, faisant feu de tout bois, et d’abord d’un texte mixé, croisé, répété, à l’ombre de la vidéo et des relations par écrans interposés, de l’image en direct de reportages bâclés d’informations volées.

La sphère intime disparaît au seul bénéfice de la sphère sociale – l’espace même de la représentation -, car la scène est un bureau de travail entre un grand écran sur un mur destiné à Skype, iPhone et portables, un fauteuil, et des espaces latéraux qu’une vitre sépare, la cuisine, la salle de bain, le refuge des gradins de la salle.

Les journalistes – caméraman et prise de son – ne sont plus derrière le petit écran ou seulement nommés sur une colonne de papier de journal mais dans le foyer même, circulant où bon leur semble dans le hors-champ du regard des spectateurs.

Sébastien Lalanne dans le rôle de Ventroux, l’homme politique promouvable est parfait, satisfait de lui-même, heureux d’être et soumis à sa propre auto-admiration.

Il entame à l’envi un jeu de répétition des mêmes répliques qui s’enclenchent à n’en plus finir, avec son ancien rival Hochepaix, maire de commune, que joue à merveille Denis Lejeune : les deux s’engagent dans une danse ludique verbale fort délectable.

Matthieu Perotto, pour le rôle du journaliste du Figaro dont le nom n’est jamais correctement retenu – De Jaival -, en alternance avec Simon Terrenoire, incarne les jeunes loups des médias d’aujourd’hui, prêts à tout pour accumuler les scoops.

Le batteur François Merville  – qui joue aussi le discret valet Victor – donne le la à cette partition verbale jazzy, bien balancée et volontairement heurtée, assénée, brusquée et cassée, donnant à entendre avec niaque le monde brutal tel qu’il est.

Un monde qui ne sied guère à l’épouse de Ventroux, Clarisse, qu’interprète avec flegme et belle tranquillité la comédienne Marion Suzanne qui n’en a plus que faire des préoccupations d’un mari indifférent, ne restant occupé que de lui-même.

Elle fait front, via sa nudité – une nudité toujours paradoxale et déconcertante sur une scène de théâtre, à la fois dénonciation d’une condition honnie et complaisance d’un corps exposé aux regards, et d’autant que ces messieurs de la ville sont vêtus.

Sûre d’elle, elle fait front, et sous ses coups de colère, des jets et des filets d’eau d’une bouteille incapable d’étancher sa soif, s’échappent sur les murs blancs quand la rage bat son plein, maculant les murs de taches noires explosées, façon de b.d.

Véronique Hotte

Théâtre Paris-Villette, 211 avenue Jean Jaurès 75019 – Paris, du 27 février au 21 mars, du mardi au jeudi à 20h, vendredi à 19h, samedi à 20h, dimanche à 15h30. Tél : 01 40 03 72 23. Et à lire « La révolution du féminin » par Camille Froidevaux-Metterie – Edition actualisée et préface inédite de l’auteur, Gallimard, Folio Essais N°659.

Par Fabienne Darge (Toulouse ) pour Le Monde - 5 mai 2025

Le metteur en scène donne à voir un ballet étourdissant et burlesque où le langage se fait révélateur de l’inconscient des personnages.

Lire l'article sur le site du "Monde"
https://www.lemonde.fr/culture/article/2025/05/05/au-theatre-de-l-odeon-avec-l-hotel-du-libre-echange-stanislas-nordey-caracole-sur-les-mots-de-feydeau_6603127_3246.html

Au Théâtre de l’Odéon, à Paris, la saison se termine dans le plaisir. Stanislas Nordey, plus coutumier d’un registre empreint de gravité, s’offre un retour à Georges Feydeau (1862-1921), vingt ans après avoir monté La Puce à l’oreille. Et nous fait le cadeau d’une légèreté bienvenue dans la pesanteur ambiante, avec cet Hôtel du Libre-Echange qui caracole avec une liberté folle dans l’univers du grand vaudevilliste français. Lequel, décapé de ses afféteries bourgeoises, retrouve toute sa fraîcheur, sa folie, sa dimension fantastique et surréalisante.

Chez ce Feydeau-là, le plaisir vient d’abord de voir le délire, la panique, monter en tourbillon à partir des situations et des fantasmes les plus communs – fantasmes tenant en un mot : coucher, dans une société reposant sur l’institution du mariage. Soit, donc, une équation simple au départ : deux couples vivant sur le même palier, les Pinglet et les Paillardin. Monsieur Pinglet, à qui sa femme, Angélique, donne visiblement peu de satisfactions au lit, rêve de faire la chose avec Marcelle, la femme de Paillardin – le mal nommé, puisqu’il est de toute évidence peu allant de ce côté-là.

Au milieu de ces exaspérations conjugales arrive un prospectus publicitaire vantant les charmes de l’Hôtel du Libre-Echange : « Sécurité et discrétion ! Hôtel du Libre-Echange, 220, rue de Provence ! Recommandé aux gens mariés… ensemble ou séparément !… ». Ni une ni deux, Pinglet propose à Marcelle de s’y retrouver le soir même, pour goûter aux folles joies de l’adultère. La mécanique est enclenchée, qui verra tous les protagonistes de la pièce se retrouver dans cet hôtel de passe au cours d’une nuit totalement dingue, avec – entre autres – quelques fantômes et quatre jouvencelles de Valenciennes tout juste sorties du couvent.

Qu’est-ce qui peut bien intéresser Stanislas Nordey là-dedans, lui qui est plus coutumier de Pasolini et des écritures contemporaines les plus pointues ? Le langage, d’abord, que Feydeau, bien avant Jacques Lacan, manie comme un révélateur de l’inconscient des personnages, avec un pouvoir comique sans égal. Et la dimension kafkaïenne de cet étourdissant ballet où les protagonistes ne savent plus qui ils sont, où ils sont, où la réalité se dérobe sous leurs pas, où la mécanique bourgeoise bien huilée se détraque, où des fantasmes pas bien méchants – néanmoins empreints d’une misogynie crasse – débouchent sur une vision cauchemardesque du monde.

Costumes iconoclastes

Ce qui ne signifie aucunement que le metteur en scène en rajoute dans la noirceur. Tout au long du spectacle se distillent une légère distanciation, un sens du burlesque, tout autant qu’un regard qui ne déshumanise pas ces personnages affolés, dans le miroir qu’ils nous tendent. Exit le décor réaliste et chargé décrit par les longues didascalies de la pièce, dont le texte s’imprime sur les murs blancs du décor, avant que ne se déploient les ors et les rouges un peu miteux du fameux hôtel.

Le plaisir théâtral se déploie aussi dans les costumes iconoclastes signés par Raoul Fernandez, à l’image de la robe-lampadaire d’Angélique Pinglet, qui ne saurait mieux dire à quel point cette femme n’est rien de plus qu’un meuble, un élément de décor, dans le regard de son mari. Ou encore de ces capes de plumes dont sont revêtus ces drôles d’oiseaux lors de la folle nuit à l’hôtel, et qui résonnent avec la photo d’une tête d’autruche, affichée plus tard dans le spectacle.

Se mettent-ils la tête dans le sable, ces êtres qui incarnent une société vieillie, privée de vraie pulsion vitale, puisque l’acte sexuel, ici, reste jusqu’au bout inassouvi ? Ils font face en tout cas à une jeunesse à la vitalité éclatante, à l’instar de Victoire – qui ne porte pas son prénom pour rien –, la femme de chambre des Pinglet : c’est elle qui mène le jeu, dans cette mise en scène qui laisse clairement voir que le dernier mot revient à la jeunesse, au plaisir, et à ceux que cette société considère comme inférieurs.

Cette Victoire aussi affûtée que les soubrettes de Molière est formidablement interprétée par Anaïs Muller. Mais toute la distribution est à l’unisson : les acteurs portent haut le type de jeu particulier de Stanislas Nordey, qui projette le langage dans l’espace notamment dans les mouvements des bras. Un jeu superbement incarné dans les corps, par jeux de résonances et de contrastes. Cyril Bothorel (Pinglet), démesurément long et mince, s’oppose à ce tanagra qu’est Marie Cariès (Marcelle Paillardin). Claude Duparfait, comme toujours, n’a pas son pareil pour donner chair au névrosé Paillardin, affligé de tics et de spasmes divers. De même qu’Hélène Alexandridis en Angélique Pinglet, dont la déstabilisation se lit dans tout son être. Avec Feydeau vu par Nordey, c’est le libre-échange entre les mots et les corps qui gagne.

Voir le teaser vidéo

du spectacle

L’Hôtel du Libre-Echange, de Georges Feydeau. Mise en scène : Stanislas Nordey. Odéon-Théâtre de l’Europe, Paris 6e. Du 6 mai au 13 juin.

Fabienne Darge (Toulouse ) / Le Monde 

Par Philippe Chevilley dans Les Echos  - Oct. 2020

La comédienne confirme son génie comique dans « On purge bébé », qu'elle joue, met en scène - et en chansons - au Théâtre de L'Atelier. Sans écraser ses partenaires, elle fait des étincelles en mégère survoltée et transforme le vaudeville de Feydeau en joyeux cauchemar.

Philippe Chevilley

Par Sandrine Blanchard dans Le Monde le 13/12/2020

Les confinements et les couvre-feux dus à la pandémie en 2020 poussent les lieux à s’interroger sur l’amplitude de leur ouverture au public.

Les théâtres resteront portes closes au moins jusqu’au 7 janvier 2021. Ils avaient espéré rouvrir le 15 décembre, mais leur espoir a été douché par les mauvais chiffres de l’épidémie de Covid-19 qui ont poussé le gouvernement à maintenir la fermeture des lieux culturels. En réalité, pour bon nombre de théâtres subventionnés, ces trois nouvelles semaines d’arrêt ne correspondent qu’à une semaine sans lever de rideau pour le public.

En effet, l’immense majorité des centres dramatiques nationaux (CDN) et une très grande partie des scènes nationales allaient, quoi qu’il en soit, être fermés pendant les vacances scolaires, comme c’est le cas chaque année. Les deux confinements de 2020, qui ont contraint les lieux à réorganiser sans cesse leurs programmations, n’avaient pas pour autant modifié le calendrier traditionnel de fermeture. Mais la crise liée au Covid-19 pousse les lieux à s’interroger sur l’amplitude de leur ouverture au public.

« Les vacances scolaires sont très souvent des moments de créations et de résidences d’artistes. Pour cette fin d’année, il y avait peu de changement de planning de représentations, uniquement quelques ajustements qui permettaient de profiter de cette fenêtre entre le 15 et 22 décembre avant la reprise, qui était prévue autour du 6 ou 12 janvier », constate-t-on à l’Association des centres dramatiques nationaux après un sondage auprès des trente-huit centres répartis sur le territoire.

En dehors de celui de Vire (Calvados), qui prévoyait de maintenir la deuxième édition de son festival Les Feux de Vire, du 26 au 28 décembre, seul le CDN de Nice devait rester ouvert jusqu’au 31 décembre. « Ce n’était pas une habitude ici, explique Muriel Mayette-Holtz, à la tête du Théâtre national de Nice depuis novembre 2019. Mais on a tellement enchaîné de difficultés que des liens de solidarité ce sont créés, et cela avait été facilement accepté par l’équipe. »

« Pas le moment de tout bousculer »

Au CDN de Normandie-Rouen, la question d’ouvrir pendant les vacances de fin d’année « ne s’est pas posée », assure son directeur, David Bobée. « JoeyStarr va venir répéter comme c’était prévu. Le personnel permanent du théâtre est très perturbé, a besoin de repos. Ce n’était pas possible de les mobiliser à nouveau pour tout chambouler sur des calendriers pensés depuis un an. Il ne fallait pas ajouter de la crise à la crise », estime le metteur en scène.

A Toulon, Charles Berling, directeur de la scène nationale Châteauvallon-Liberté, a interrogé ses administrateurs sur la possibilité d’un prolongement de la programmation pendant les fêtes. « J’avais obtenu une ouverture jusqu’au 20 au lieu du 18 décembre, mais pas au-delà. Les gens sont tendus, fatigués, ce n’était pas le moment de tout bousculer, argumente-t-il. Les équipes ont été très mobilisées pour faire et défaire la billetterie. J’ai pesé le pour et le contre et ne voulais pas rouvrir à tout prix. Je préférais me battre pour la motivation de l’équipe plutôt que pour ces dix jours. » Sans compter que les théâtres publics « se heurtent aussi au droit du travail », ajoute le comédien, les congés et RTT étant pris pendant les vacances scolaires.

« Pourquoi ne pas ouvrir pendant les vacances, lorsque le public est davantage disponible ? C’est une bonne question, reconnaît Frédéric Maurin, coprésident du Syndicat national des scènes publiques. Même si c’est compliqué pour les équipes, le service public des arts et de la culture se doit de remplir au mieux sa mission. » A la faveur de la crise engendrée par le Covid-19, « de plus en plus d’opérateurs s’interrogent sur le rythme de nos maisons, et notamment sur les fermetures pendant les congés scolaires, poursuit M. Maurin. Mais cela a des conséquences en termes de budget et de ressources humaines ».

Déjà, à l’issue du premier confinement, peu de lieux avaient ouvert pendant l’été. Néanmoins, un peu comme s’est posée la question de l’ouverture des bibliothèques le dimanche, le débat est désormais ouvert sur l’étendue du calendrier des théâtres publics.

« A situation nouvelle, réponses nouvelles »

Interrogez Emmanuel Demarcy-Mota sur l’ouverture des théâtres pendant les vacances scolaires et vous ne l’arrêtez plus. « La crise est un révélateur et un accélérateur des carences du système, insiste le directeur du Théâtre de la Ville, à Paris. Il est indispensable de travailler aux modifications structurelles de nos institutions dans le temps présent, car cela permettra de construire le temps d’après. A situation nouvelle, il faut des réponses nouvelles. » Au Théâtre de la Ville, qui a fait le choix de rester ouvert cet été et avait prévu plusieurs spectacles pendant les fêtes pour tous les âges, « les priorités ont été réarbitrées dans une démarche de solidarité avec les artistes, défend Emmanuel Demarcy-Mota. Nous avons utilisé une partie du budget que nous consacrons habituellement à la communication, aux pots de première et aux voyages à l’étranger pour découvrir de nouveaux artistes – bref, tout ce qui a été stoppé à cause du Covid –, pour soutenir les intermittents ».

Au CDN de Nice, des propositions ont aussi été faites aux spectateurs pendant tout l’été en extérieur. Et deux spectacles auraient dû se jouer jusqu’au 31 décembre : du théâtre avec Chat en poche, de Georges Feydeau, et de la magie avec Larsene magie. « Du fait de la situation, on avait densifié notre calendrier. L’équipe avait conscience qu’on jouait notre avenir en faisant cela, il y avait une grosse envie de rester vivant, sinon on avait l’impression de ne pas être nécessaire », souligne Muriel Mayette-Holtz, pour laquelle « il est logique de jouer pendant les fêtes ». Mais, reconnaît-elle, « c’est grâce à la présence d’une troupe sur place et parce que c’est moi qui fais la mise en scène du Feydeau qu’on a pu réagir très vite ».

Emmanuel Demarcy-Mota en est persuadé, « l’année 2020 restera comme un pli dans l’histoire. On ne peut pas en ressortir à l’identique en reprenant les pratiques d’avant. Nos institutions, notre système doivent avoir l’humilité de se réinventer ». De cette crise sans précédent, qui va entraîner un fort embouteillage avec les spectacles reportés sur la saison 2021-2022, émergeront de nouvelles questions. Et Frédéric Maurin de lister tout ce qui pourrait sortir de « positif » de cet annus horribilis : « Il faut réinterroger notre rythme de travail, se questionner sur la possibilité de semestrialiser nos programmations, ouvrir davantage nos séances à un public occasionnel, de non-abonnés, et inventer de nouvelles propositions artistiques, notamment dans les espaces publics. »

Par Patrick Sourd dans Les Inrocks 13/02/20

Boosté par un happening final orchestré par Les Bâtards dorés avec lasers et fumigènes, ce vaudeville inachevé trouve une nouvelle jeunesse.

S’agissant du roi du vaudeville et pour prendre la mesure de ses dramaturgies, le mieux avec Feydeau est de se référer à l’avis de Sacha Guitry. Dans son recueil Pensées, maximes et anecdotes, le fin connaisseur de la mécanique du rire en appelle avec justesse à la métaphore horlogère pour décrire ses pièces comme des constructions où rien n’est laissé au hasard.

“Faites sauter le boîtier d’une montre et penchez-vous sur ses organes : roues dentelées, petits ressorts et propulseurs – mystère charmant, prodige ! C’est une pièce de Feydeau qu’on observe de la coulisse. Remettez le boîtier et retournez la montre : c’est une pièce de Feydeau vue de la salle – les heures passent, naturelles, rapides, exquises…”

Accueil en fanfare
En montant Cent millions qui tombent, les membres du collectif Les Bâtards dorés s’attaquent à une pièce écrite en 1911 et restée dans la marge de l’œuvre car inachevée. Une opportunité d'explorer en profondeur les deux versants de l’analyse chère à Guitry en entreprenant un improbable dialogue entre le texte et une coda inventée par la troupe, qui témoigne de l’imaginaire mis en branle par le délire vaudevillesque.

Nul besoin d’attendre le lever de rideau pour être dans l’ambiance. Bien avant l’ouverture de cette boîte de Pandore où les portes ne vont cesser de claquer, la présence d’un acteur plongé dans un profond sommeil à l’avant-scène résume en une image sonorisée les ambitions du manifeste. La salle commence par convulser de rire quand la surprise l’emporte sur la gêne et qu’il est clair que l’acteur endormi est seul responsable de l’accueil en fanfare orchestré dans un chapelet de pets intempestifs.

Artillerie lourde
Sous les yeux d’un personnel de maison qui brique l’argenterie comme on se livre à l’onanisme, place donc à la chronique drolatique d’une cocotte surprise par son régulier avec un acteur des grands boulevards dans son lit. Monsieur a misé sa fortune au casino à Monte-Carlo. Revenant ruiné, il se contente d’une chasse au coucou de principe en comptant sur le nouvel arrivant pour payer les factures… avant que l’on apprenne que le valet est l’héritier de cent millions, ce qui le place soudain en tête de liste des amants potentiels de la dame.

Prétexte à bousculer tout l’édifice, ce scoop nous entraîne dans une hallucination jubilatoire où l’étrangeté du texte retraduit en vieux français fait des merveilles tandis que Les Bâtards dorés sortent la grosse artillerie, avec lasers et fumigènes, pour un voyage dans le temps convoquant le Moyen Age des Monty Python et 2001, l’odyssée de l’espace de Kubrick. Un crash-test surréaliste qui dépayse le franchouillard Feydeau et comble de plaisir.

Cent millions qui tombent de Georges Feydeau par le collectif Les Bâtards dorés, avec Romain Grard, Lisa Hours, Ferdinand Niquet-Rioux, Jules Sagot, Manuel Servi et Lucien Valle. Jusqu'au 22 février, TnBA, Bordeaux. En tournée jusqu’au 27 mars