Art and culture

Sur son compte Twitter, l'auteur d'"American Psycho" twitte compulsivement sur tout et n'importe quoi.

"Alexander Slysarev (1944-2010) o también transcrito del cirilico como Slusarev, es una de las miradas más importantes de la fotografía rusa de la última parte del siglo XX.
No voy a hablar de sus escasas notas biográficas que se encuentran el la red si no de su trabajo.
La sensación que percibes es de un sujeto silencioso que refleja su realidad desde un punto del vista del testigo, a veces incomodo, que muestra su entorno con una carga estética y formal muy cuidada, acentuando el dramatismo de sus trabajos con un blanco y negro que enfatiza la narración. Una parte de su obra esta cargada de negatividad como rechazo al arte oficial de régimen soviético y a su vez de un lirismo poético.

Alexander Slyusarev ©

Alexander Slyusarev ©
Todo se desmorona y estoy aquí para contarlo, ese discurso es el que parece transmitir al espectador, con una imágenes directas y llenas de sutilezas que aumentan el interés de la narración.
Hay un Slyusarev que muestra su realidad y otro que produce imágenes llenas de metáforas, cargadas de una estética conceptual y minimalista en algunos casos,
La metáfora le sirve para sacar de contexto los elementos que usa y dotarles de otro significado de aquel que tiene habitualmente. En otros casos descubrimos a un Slysarev lleno de simbolismo y simetría, con una búsqueda de la expresión a través de las formas.

Alexander Slyusarev ©
En muchas ocasiones nos perdemos miradas muy interesantes simplemente porque sus autores se encuentran en una órbita de influencia cultural distinta a la nuestra. Esa ha sido mi experiencia cuando expuse en el NCCA en 2007 y descubrí a los autores de la vídeo creación rusa.
Por eso es importante explorar lo que otros nos ofrecen, para poder ver las interrelaciones que se producen entre las miradas de los artistas que pertenecen a diferentes zonas geopolíticas, y tener una visión global del conjunto."

Diaporama photo : Ils sont plusieurs dizaines de milliers à avoir fui vers la Turquie, le Liban, la Jordanie et l'Irak, pour échapper à la répression du régime d'Al-Assad et aux combats.

Photography & Culture... "By Walter Hopps, essay from The Hasselblad Award, 1998

‘I think of them as parts of a novel I’m doing.’

These were the first words William Eggleston uttered when I asked what he felt he was accomplishing with his photographs. Another fine photographer from the South, William Christenberry, had brought Eggleston to meet me at the Corcoran Gallery of Art around 1970. The three of us had looked through a box of Eggleston’s 8 x 10 chromogenic coupler prints in silence. By the time I went through the prints a second time, I believed them to be the finest work in color photography I’d seen.

In 1974 while serving at the Smithsonian’s National Museum of American Art, I was planning an exhibition of Eggleston’s work which would have been that institution’s first exhibit of photography as fine art. When I learned that John Szarkowski, the distinguished curator of photography at the Museum of Modern Art, New York wanted to make the first museum presentation, I deferred my ..."

Une immersion de neuf mois, sans commentaire, de Fernand Melgar dans le quotidien d’un centre de rétention suisse.

poema

A 14 ans, lors de son arrivée à Paris, elle était punk,
A 21 ans, elle est devenue star de cinéma internationale grâce à Betty Blue le personnage de 37,2° le matin de Jean-Jacques Beineix.
Très vite elle a refusé tous les rôles de composition, elle n’a plus voulu jouer qu’elle-même.
Elle est aujourd’hui à l’affiche de Bye bye Blondie de Virginie Despentes, avec Emmanuelle Béart,

Béatrice Dalle est l’invitée du Tête-à-tête de Frédéric Taddeï.

#photo of the Famous Water Fountain of #Geneva #Switzerland + The Jellowjackets song

"El atardecer, al igual que las primeras luces del día me produce un desorden interno. En esas horas de tránsito siempre se nace o se muere, y las dudas te asaltan bruscamente igual que un navajero en un callejón oscuro. El vacío, el silencio, la oscuridad despiertan a los fantasmas interiores que alimentan nuestro desasosiego y alteran nuestra paz interior. En esos momentos imaginamos las escenas mas extrañas o convulsas y para liberarnos de ellas las convertimos en imágenes.
Los pintores comienzan una encarnizada batalla contra el lienzo y los fotógrafos preparamos la escena para materializarla.
La cámara te parapeta, eres un voyeur mirando por el visor esa realidad que has soñado antes, entre penumbras. El sonido del obturador te libera, y mucho más cuando separas el positivo y sumerges la placa en el fijador. Ya lo tienes, no necesitas otra toma y en esos momentos deseas que todos se vayan, y el silencio te permita terminar el proceso sin nadie que lo interrumpa.
La imagen que te produjo angustia la noche anterior se ha convertido en algo tangible que cuelga de una cuerda para secarse, un ancho por alto con texturas, luces y sombras, un objeto que recrea una pesadilla, algo que te produjo una zozobra inquietante y que ahora puedes contemplar todos los días como si fuese la terapia de tus miedos.
Por eso me gustan los artistas que caminan sobre el vacío de sus inquietudes internas, que necesitan expresar todos sus fantasmas para evitar que les persigan siempre y encontrar algún instante de paz. Huir de uno mismo, de aquellos que habitan dentro de nosotros y nos persiguen.
Witkin tiene también esos fantasmas que le parten en dos, y Chet Baker buscaba en las drogas su paraíso para huir de sus miserias, pero al final de la noche, cantaba con desgarro " I’ m fool to want you" porque necesitaba que esas notas y esas palabras le diesen unos momentos de luz interior."

por Antonio Munoz Molina "En la exposición de Cindy Sherman en el MOMA me fijé en un visitante que tomaba fotos no de las obras de la fotógrafa omnipresente sino de los largos textos explicativos que hay en cada sala y que indican de manera muy conveniente al espectador qué es lo que tiene delante de los ojos. Me pareció una decisión muy sabia. Como explicó Tom Wolfe hace ya muchos años en un panfleto devastador, La palabra pintada, en el arte importa cada vez menos la obra en sí y más lo que los entendidos dicen sobre ella. En los años cincuenta del siglo pasado, dos críticos de Nueva York, Clement Greenberg y Harold Rosenberg, compitieron entre sí para envolver la pintura de algunos de sus contemporáneos en una especie de legitimidad teórica a la que los mejores entre aquellos artistas no hicieron mucho caso, pero que acabó dándoles una etiqueta y asegurándoles un lugar en el relato de la historia del Arte. Ahora el término “expresionismo abstracto” parece el término natural para designar un cierto periodo, una cierta manera de pintar, pero a los pintores mismos les parecía pretencioso o superfluo, y a los más lúcidos les irritaba por lo que tenía de clasificación obligatoria. El crítico o el teórico quieren apresar al artista en un estilo o en una categoría igual que el entomólogo clava al escarabajo o a la mariposa disecados en un trozo de cartón. El artista, si es honrado consigo mismo, si tiene verdadera ambición, ve su trabajo como un proceso, su estilo como una forma de búsqueda, y lo ya hecho se apresura a darlo por olvidado, o a dejarlo atrás con alivio, y hasta a veces con remordimiento. Al gran De Kooning, Clement Greenberg le expidió un certificado de maestría hacia 1950, pero justo un poco después empezó a pintar aquellas figuras bárbaras de mujeres tan visiblemente no abstractas que Greenberg lo excomulgó de inmediato.

En las mismas salas donde estuvo hasta hace poco la exposición de De Kooning ahora circulan multitudes cada fin de semana para ver la de Cindy Sherman. En el más de medio siglo que ha pasado desde que Greenberg y Rosenberg reinaban en la crítica de Nueva York el peso de las palabras y de las explicaciones en el mundo del arte se ha multiplicado exponencialmente, volviéndose mucho más críptico, y también mucho más decisivo. Los pintores de aquella edad heroica solían ser pobres y taciturnos, con un brío físico de trabajadores manuales. Ahora el término “artista” se ha emancipado de cualquier servidumbre o habilidad manual, de modo que algunos de los pintores que más se cotizan no tocan jamás los pinceles. Hasta la escultura, que en otros tiempos implicaba el trato áspero con materiales, con esfuerzo muscular, con herramientas de carpintería y hornos de fundición, ahora la ejercen celebridades que solo deben de sudar en el gimnasio o en las salas de baños de vapor. Artista es el que dice serlo, el trabajo lo hace un subcontratista, y la obra no tiene que expresar ni que significar nada por sí misma. Ahora la obra es lo que dicen que es las tarjetas explicativas, o lo que voces algo robóticas transmiten por esos teléfonos que llevan pegados al oído muchos visitantes de los museos.

Ya no hay manera de estar solo frente a la obra de arte. Es como esos subrayados que uno encuentra en los libros electrónicos, que le informan afectuosamente del número de lectores que han considerado memorable una frase. Hay multitudes subiendo por las escaleras mecánicas hasta la última planta del MOMA para ver la exposición de Cindy Sherman, y una vez que se llega a ella la densidad humana se agrava porque hacia cualquier parte que uno mire se encuentra a la propia Cindy Sherman, en cada palmo de cada pared, en color y en blanco y negro, en tamaño de sello de correos y de postal y de cartelón de cine o panel publicitario iluminado por dentro, Cindy Sherman con veintitantos años y con casi sesenta, con gafas negras de película de Godard o con melena platino de multimillonaria operada, Cindy Sherman como la Fornarina de Rafael y como el Baco borracho de Caravaggio, como estrella porno y como víctima decapitada y como payaso horripilante y como abuela encogida y casi disecada. El crítico de The New Yorker ha escrito que Cindy Sherman es la artista americana más importante de los últimos cuarenta años. El de The New York Times dice que Cindy Sherman sacó a la fotografía del gueto en el que al parecer estaba y la elevó a la consideración más alta entre las artes, consideración certificada por los millones de dólares que pagan por sus fotos los museos y los coleccionistas privados. En los textos explicativos que ese visitante fotografiaba con tanta dedicación la prosa del arte amontona su conocida pedrería, sus verbos y sustantivos más reiterados: explora, desafía, experimenta, investiga, cartografía, estereotipo, provocador, convención, turbador, ruptura, complejidad. En inglés, que es una lengua tan monosilábica, las palabras largas suenan todavía más importantes: investigates, impersonation, disturbing, groundbreaking, stereotype, communicates, challenges, complexity, identity, representation, construction, convention, provocative.

En las pesadillas del opio Thomas de Quincey veía olas y océanos de caras humanas, que eran aquellas con las que se había cruzado por las calles de Londres en su juventud vagabunda y hambrienta. En mi caso el riesgo de mal sueño se simplifica: corro el peligro de ver una multiplicación de caras humanas que serán siempre la cara de Cindy Sherman, su agotadora capacidad de metamorfosis. Cindy Sherman asegura que ninguna de esas mujeres de las que se disfraza y a las que fotografía es ella misma. Pero si está tan interesada por la condición humana y en particular la condición femenina uno se pregunta el motivo de que desde el principio de su carrera hasta ahora tan solo se haya ocupado de fotografiar a Cindy Sherman. Woody Allen decía que la gran ventaja de la masturbación es la posibilidad de hacer el amor con la persona más querida. Cindy Sherman se maquilla y se disfraza para posar ante sí misma, y los entendidos aseguran que desafía estereotipos y que investiga y explora las representaciones de la identidad y socava las convenciones y rotura nuevos territorios y cuestiona rompedoramente los roles del género (verbos y sustantivos son intercambiables: el lector puede reordenar este párrafo según le parezca bien).

A mí, con todos los respetos, lo que me deja es la impresión de monotonía y tristeza que suele haber en los juegos solitarios. Que de todo el espectáculo del mundo y de la infinita galería de las presencias humanas Cindy Sherman haya elegido con tan duradera convicción a la propia Cindy Sherman me provoca más empacho que intriga. Pero quizás es que me gusta demasiado la fotografía como catálogo del mundo visible y de lo excepcional que hay en lo común como para interesarme por cierto tipo de retorcimientos visuales. Cada cual tiene sus limitaciones. En cualquier caso, es un alivio salir del museo y comprobar que ni el conductor del autobús, ni la camarera del café, ni la vendedora de la tienda, ni la taquillera del cine, ni el portero de casa, tienen la cara de Cindy Sherman. O

Cindy Sherman. The Museum of Modern Art (MOMA). Nueva York. Hasta el 11 de junio. www.moma.org. www.cindysherman.com."