Comunicación en la era digital

El presente artículo tiene como finalidad estudiar las representaciones de género de robots, cíborgs, ginoides, clones, hologramas e inteligencias artificiales femeninas en el cine de ciencia ficción. Se plantea como hipótesis es la de que los estereotipos sexistas ampliamente estudiados en personajes cinematográficos femeninos se perpetúan en las creaciones artificiales femeninas del cine de ciencia ficción. Metodología: Se ha tomado una muestra de 83 personajes extraídos de la base de datos IMdB. Tras un análisis cuantitativo y clasificación de los datos, se procedió a realizar un análisis cualitativo sobre representación, asignación social y estereotipos de los personajes. Resultados: Los resultados obtenidos confirman que el género de ciencia ficción está intensamente masculinizado y la segregación ocupacional vertical es la nota dominante. Además, roles y estereotipos de género habituales en otros géneros cinematográficos se reproducen también en la ciencia ficción. tradicionalmente asociados a las mujeres.

Este ensayo tiene como objetivo el análisis narrativo de las representaciones contemporáneas más paradigmáticas de autómatas, robots, androides/ginoides, cíborgs o replicantes existentes en los ámbitos cinematográfico y televisivo. A través de diferentes técnicas –como el Matte Painting, 3D, VFX, CGI o Motion Capture–, los ejemplos escogidos provocan la más inquietante y desgarradora distopía posible: la del humano-no humano; unos engendros cuyos cuerpos se rinden a la voluntad del propio artificio, tendiendo en algunos casos hacia su transformación final en un complejo algoritmo. Para ello, se han seleccionado una serie de títulos a través de los cuales exploraremos diferentes vías: tanto la trasposición corporal de lo diferente en una serie de universo(s) futuro(s) imaginado(s), como la deconstrucción de la realidad-real, fuente de todo mundo alternativo –metaverso–; así como la disociación de identidades, elemento que supone el primer paso hacia la deconstrucción total del ser, cobrando forma bajo los parámetros narrativos, iconográficos y estéticos del cine.

Este artículo se propone conceptualizar el surgimiento de los fashion films como cortometrajes que facilitan la distribución de contenidos en redes sociales, ideales no solo para abordar la publicidad transmedia, sino también intentar comprender los escenarios convergentes que la atraviesan en un contexto de digitalización cultural.

Se reflexiona a través de distintos autores sobre la incursión de la industria de la moda en la digitalización, su vinculación con el cine, el tiempo, la memoria y las plataformas. A grandes rasgos, se estudia a los fashion films como puente para incursionar y revolucionar la expresión de la dinámica del movimiento entendida dentro de un fenómeno social contemporáneo.

Se investigan las nuevas narrativas de los principales canales de youtubers relacionados con la industria cinematográfica. Se propone un modelo que combina la recogida e interpretación de datos cuantitativos y cualitativos con el análisis del contenido, la etnografía digital y los métodos de observación y exploración semiótica/discursiva. Mediante la cuantificación, se deduce cuáles son las tipologías de las nuevas narrativas audiovisuales más demandadas, se discute acerca del tipo de contenido generado a partir de terceros y de las estrategias actuales de los youtubers del sector cinematográfico para mantener afluencia de seguidores. Se evidencia la existencia de narrativas mixtas que triangulan el contenido creado por la industria cinematográfica con el del autor y con el impulsado por el fandom.

El montaje cinematográfico es un proceso esencial en la creación de películas que permite manipular el tiempo, el espacio y la composición de la imagen para dar forma a un relato cinematográfico. Con el surgimiento de los modelos de aprendizaje profundo (deep learning) e inteligencia artificial (IA), se abren nuevas posibilidades de exploración en el montaje cinematográfico, transformando significativamente los procesos de edición y proponiendo nuevas metodologías de trabajo. Este artículo analiza cómo la implementación de sistemas basados en IA puede automatizar procesos, mejorar la eficiencia en la producción cinematográfica y abrir nuevas vías de experimentación y creación artística. Se exploran casos de estudio en la comprensión y generación de contenido audiovisual, como el proyecto experimental Blink de Adobe, el proyecto de generación de vídeo destacado de momentos fotogénicos y la propuesta de edición en el espacio latente. Además, se discute cómo la incorporación de interfaces generosas puede permitir una interacción más intuitiva y natural con el material audiovisual en el ámbito del montaje cinematográfico. Por último, se examina el potencial de modelos de generación automática de videos, como Phenaki de Google y Gen de Runway, en la expansión de la lógica del montaje hacia prácticas generativas y la creación de contenidos faltantes o pertinentes para las obras audiovisuales.

Esta investigación se centra en aquellos filmes cuya trama viene marcada por el uso de un videojuego y lo que éste implica respecto a la concepción de los personajes, la estructura y la historia. Se observaron 29 producciones cinematográficas. Se realizó un análisis fílmico de carácter temático discursivo, con el objetivo de profundizar en los usos y conceptualizaciones que se derivan de esta intertextualidad. Los resultados muestran una heterogeneidad en la manera de utilizar el juego digital como aporte narrativo. Se reflexiona sobre sus diferentes implicaciones, especialmente con la relación entre realidad y ficción, el uso del avatar, la estructura y reglas, el concepto de tiempo, la figura del demiurgo, la lucha contra la tiranía y la audiencia. Se concluye que este tipo de películas puede suponer un subgénero propio y muy prometedor dentro de la ciencia ficción y de la fantasía.

Cada año las salas de cine pierden un porcentaje más elevado de espectadores, a la par que las plataformas de contenido en streaming incrementan exponencialmente sus suscriptores, una cifra que creció hasta en un 26% en el año 2020. Valiéndonos de la reciente teoría de la interfaz de Carlos A. Scolari, responderemos a cuestiones tales como si estos dos fenómenos están relacionados o si la pérdida de espectadores del cine se puede revertir a través del rediseño de esta plataforma discursiva como interfaz. Para ello, hemos realizado un estudio comparativo en el que se identifican las diez leyes de la interfaz de Scolari en el cine clásico y contemporáneo y en las plataformas de streaming, verificando estas leyes a partir de teorías cinematográficas bien arraigadas. De acuerdo a los resultados, se ha constatado la hipótesis de partida sugerida: el cine es una interfaz en crisis y que el streaming es un rediseño de otra plataforma discursiva en crisis, como es la televisión.

Los servicios de las plataformas digitales audiovisuales en directo (streaming) de grandes operadores como Netflix se han consolidado en el contexto de la pandemia de covid 19 en América Latina. Este escenario genera una serie de procesos desiguales e inequitativos en las dimensiones de producción, distribución y consumo audiovisual, por lo que la intención de este trabajo es reivindicar, recuperar e incentivar la discusión sobre el establecimiento de políticas audiovisuales basadas en los preceptos de la diversidad cultural, para proteger las cinematografías latinoamericanas y regular las condiciones del poder corporativo, económico y comercial de aquellas empresas que dominan los mercados a nivel mundial. La estrategia de análisis se basó en una revisión documental y estadística que describe cómo el cine latinoamericano presenta una serie de asimetrías que permanecen y continúan desde la etapa analógica y se incrementan en un contexto digital. Las líneas de trabajo propuestas para el establecimiento de estrategias políticas de diversidad cultural en América Latina, que surgen como resultado de este análisis, se fundamentan en 10 ejes para elaborar una propuesta de políticas públicas para la diversidad cultural en el sector audiovisual latinoamericano.

En este artículo nos proponemos pensar al cine como un arte cyborg, un punto de encuentro entre arte, ciencia y tecnología. Tomando la perspectiva de las “ontologías abiertas” u ontologías de la monstruosidad de Donna Haraway que son constitutivamente fronterizas y relacionales, buscaremos ver cómo se manifiestan en lo cinematográfico. Desde distintos teóricos del cine se lo plantea como un arte constitutivamente monstruoso: André Bazin nos habla del cine como “arte impuro”, Alain Badiou lo retoma para pensar la operación de síntesis que va de lo impuro, el caos del mundo, a la pureza o síntesis. Edgard Morin resalta capacidad cinematográfica de metamorfosis, y Jean Epstein vincula el cine a la energía diabólica, ya que considera al Diablo como un gran inventor. También el cineasta chileno Raúl Ruíz comparte esta mirada al proponer un cine-chamánico y hechicero, y por último, Jean-Louise Comolli quien hace un elogio del cine-monstruo.

En este ensayo se analizan las formas en que los internautas apropian fotogramas de películas para crear memes de imagen fija. Dichos memes, como obras creativas, se alejan de lo tradicional y la fuente ori- ginal para construir nuevas narrativas que ilustren el mensaje, y ampliar, así, el campo de expresión con creaciones transmedia en la línea del humor gráfico.

La aparición de las tecnologías inmersivas y el registro de la imagen volumétrica están dando lugar a innovadoras producciones de ficción audiovisual de realidad aumentada (RA). Atendiendo a esta reformulación del dispositivo narrativo audiovisual, tratamos de profundizar en aquellas cuestiones clave sobre el aparato cinematográfico. Desde una perspectiva cualitativa, se realizó una primera fase de revisión bibliográfica a la que siguió un estudio de caso del filme volumétrico de realidad aumentada A Jester´s Tale (Malik, 2019), estructurado en dos bloques. El primero de entrevistas semiestructuradas al autor y el segundo de análisis de la obra objeto de estudio a través de un modelo propio. Se demuestra la reconfiguración del aparato cinematográfico en el contexto de la RA, descomponiéndose en cinco capas. Además, es notoria la diferencia en cuanto a su producción y consumo respecto a los procedimientos del cine convencional, donde la capa de interactividad cobra especial relevancia. Se observa, también, una estrategia de fracturación de la focalización del relato, que genera dos tipos de espectador, el que es interpelado e interactúa y el espectador invisible. Finalmente, se identifica la narrativa como tecnología primera en tensión interna con las derivas tecnológicas del dispositivo audiovisual.

Se analiza la inclusión de las figuras de youtubers e instagrammers en la producción audiovisual internacional. Como objetivos se propone mostrar la progresiva introducción de estos perfiles en el imaginario de la sociedad a través del mapa cultural que dibuja la cinematografía actual. Sobre una muestra de 1738 producciones audiovisuales que incluyen el término que es objeto de análisis en el título o como palabra clave, se ha llevado a cabo un análisis de contenido cuantitativo y cualitativo. En primer lugar, a través de la base de datos IMDb, se ha accedido a las narraciones que tratan el tema de estos perfiles para conocer el número de producciones, el progresivo crecimiento y los diferentes géneros audiovisuales que los recogen. Después, mediante un análisis de palabras clave, sinopsis y críticas especializadas, se ha podido conocer los rasgos de estos nuevos comunicadores que las películas de ficción reflejan. Los resultados muestran la ausencia de valores y los riesgos que derivan de un uso poco responsable de las redes. Por la capacidad del cine para interpelar y educar, se concluye con la necesidad de formación en competencias éticas y estéticas de los cineastas y especialmente de la ciudadanía que consume este medio audiovisual.

La red social Twitch acoge una forma novedosa de visionar colectivamente productos audiovisuales, cuyo público son centennials. Se analiza el caso de las Watch Parties (‘fiestas de visionado’) que permiten a los usuarios ver películas en tiempo real con un streamer. Tomando como caso de estudio tres Watch Parties del streamer Lynx_Reviewer se realiza una triangulación metodológica: etnografía virtual, análisis de contenido y entrevista semiestructurada. Mediante la exploración del fenómeno se construye un modelo de análisis de consumo colectivo de contenidos gracias a una sistematización descriptiva de los hábitos y usos de consumo de la audiencia analizando las conversaciones y los mensajes generados en las transmisiones

En este trabajo se abordan aspectos relacionados con la función interpersonal o interactiva (Halliday, 2004) ofrecida en el libro álbum de Chris Van Allsburg El expreso polar (1985) y en la versión cinematográfica de la Warner Brothers dirigida por Robert Zemeckis en 2004. Para ello aplicamos el Análisis Crítico del Discurso Multimodal (especialmente el sistema de focalización) planteado por Painter, Martin y Unsworth (2013) en dos productos multimodales. Queremos analizar las realizaciones que se llevan a cabo en las imágenes estáticas y dinámicas y comparar las elecciones entre sí para comprobar si las elecciones pretenden provocar empatía e implicar a la audiencia en los hechos representados o si, en cambio, simplemente persiguen mostrar los hechos relatados desde posturas asépticas.

Este ensayo a partir de una visión interdisciplinaria de la comunicación, sociología, antropología y estudios culturales expone la convergencia del consumo no solo como un escenario económico, sino como una configuración de nuevas formas, muchas de ellas irracionales, de actuar y socializar por parte de los humanos. Para reflexionar estas situaciones se toma como ejemplo la figura del zombi, la cual posee una serie de argumentos para pensarlos como referentes metafóricos del consumo, irracionalidad y de comportamientos violentos. Así este trabajo recorre conceptualmente la sociedad del consumo, el cine zombi, hasta ubicarlo en la película de George Romero Dawn of the Dead quien dio las narrativas y argumentos necesarios para pensarlos como figuras de los debates sociales contemporáneos, y de ahí proyectarlo como un imaginario apocalíptico característicos de nuestros tiempos.

A través del análisis de dos cortometrajes de Pixar, Purl y Salir, se busca poner en valor el potencial del cine como recurso comunicativo para la construcción de una sociedad más igualitaria e integradora. En el artículo se estudia la comunicación actual adoptada dos producciones de Pixar como respuesta a las demandas sociales imperantes en la actualidad que evidencian un cambio de representación en la narrativa cinematográfica. De esta manera, se reflexiona sobre la perspectiva de género y la integración del colectivo LGTBI+ en el mundo actual a través de la comunicación social que representa el cine.

Este trabajo es una exploración teórica sobre la aplicación de la herramienta de emplazamiento publicitario en el cine de animación de Pixar. En concreto, se analiza en la presencia de marcas reales y marcas ficticias en distintas películas de la compañía cinematográfica y su importancia en el relato. En una lectura de conjunto, destaca con especial atención el trabajo realizado con la marca Vespa para el film Luca (Casarosa, 2021). Es un caso sin precedentes en la historia de la empresa y resulta paradigmático para su storydoing. Para realizar este estudio, se ha aplicado una metodología exploratorio-descriptiva donde se profundiza en la cuestión utilizando herramientas de medición audiovisual y de narratología. Como resultado, obtenemos un estudio cualitativo que refleja la importancia del uso de esta ténica con aplicaciones narrativas para diseñar y comunicar relatos interpretables por el espectador contemporáneo.

Si existe un género característico del cine que refleje la idea de una narración simbólica este es, sin duda, el wéstern. Una puesta en escena estereotipada de la industria audiovisual y la cultura norteamericana, enmarcada en el relato fundacional de la conquista del territorio. Una estructura estética y narrativa que ha migrado a otros medios como el cómic, la televisión, las novelas o el videojuego. Es en este último escenario donde se analiza la serie Red Dead con el fin de observar cómo los elementos más característicos del far west –en todas sus vertientes– se introducen en este entorno videolúdico diseñado por Rockstar Games a través de una propuesta narrativa intermedial.

Las tendencias de comportamiento de los jóvenes en el uso de las redes sociales derivan en ocasiones hacia una determinada asunción de roles. Sobre ello existen diversos estudios que lo atestiguan. El ámbito audiovisual, como eco de los acontecimientos de la sociedad, provoca la reflexión y en ocasiones alerta sobre la invasión del entorno digital en los jóvenes. El análisis de esta situación, desde un punto de vista comunicativo, es el objetivo de este artículo, en el que se toma como ejemplo la película norteamericana Nerve (2016) basada en la novela “Nerve, un juego sin regla” de Jeanne Ryan.

Este artículo presenta un primer análisis de las nuevas sociedades hipermediatizadas desde una perspectiva pantallológica, esto es, centrada en el estudio de las pantallas. El trabajo pretende ser también una continuación del debate iniciado en los estudios semióticos por autores como Oscar Traversa o Eliseo Verón en torno a este importante dispositivo de mediatización, el cual actualmente va más allá de su empleo corriente como superficie cuadrangular de mostración de imágenes en movimiento para adquirir nuevos usos y significados que le están confiriendo una complejidad tal que hace necesario el desarrollo de más investigación.

  Se recogen 43 investigaciones multidisciplinares en las que se muestra cómo se utilizan Tecnologías de Información y Comunicación (TIC) actuales, como las redes sociales o los videojuegos, en contextos no tan recientes como el cine, las series de televisión, el periodismo, la publicidad, el deporte o la política. Ámbitos en los que la figura del destinatario es más importante que nunca, por lo que se antoja fundamental saber, no solamente los medios que tiene a su alcance para recibir el mensaje sino también, analizar en profundidad el discurso que recibe para poder comprender el mundo que le rodea.

El objetivo principal de este artículo es analizar la construcción estética y narrativa de los relatos enmarcados de la novela juvenil Un monstruo viene a verme, escrita por Patrick Ness, en su reescritura para la gran pantalla, dirigida por Juan Antonio Bayona y estrenada en 2016. Aunque la película está realizada principalmente mediante imagen real, los dos primeros relatos que incluyen los cuentos que un monstruo le narra al joven protagonista, Conor, para ayudarle a superar la inminente muerte de su madre a causa de un cáncer, fueron realizados mediante animación digital por el estudio catalán Headless. Se plantea un diseño metodológico mixto basado en el análisis de contenido cuya aplicación ha permitido el estudio comparativo de los capítulos/secuencias del libro y la película, para luego focalizar la atención en la construcción estética y narrativa resultante del trasvase de los relatos del monstruo a la gran pantalla. El trabajo vislumbra las posibilidades de la hibridación de la imagen real y la imagen animada en la producción de películas de estética mixta para la traslación de los mecanismos del lenguaje literario al discurso cinematográfico con el propósito de mantener un grado alto de dependencia constitutiva.

Los servicios de las plataformas digitales audiovisuales en directo (streaming) de grandes operadores como Netflix se han consolidado en el contexto de la pandemia de covid 19 en América Latina. Este escenario genera una serie de procesos desiguales e inequitativos en las dimensiones de producción, distribución y consumo audiovisual, por lo que la intención de este trabajo es reivindicar, recuperar e incentivar la discusión sobre el establecimiento de políticas audiovisuales basadas en los preceptos de la diversidad cultural, para proteger las cinematografías latinoamericanas y regular las condiciones del poder corporativo, económico y comercial de aquellas empresas que dominan los mercados a nivel mundial. La estrategia de análisis se basó en una revisión documental y estadística que describe cómo el cine latinoamericano presenta una serie de asimetrías que permanecen y continúan desde la etapa analógica y se incrementan en un contexto digital. Las líneas de trabajo propuestas para el establecimiento de estrategias políticas de diversidad cultural en América Latina, que surgen como resultado de este análisis, se fundamentan en 10 ejes para elaborar una propuesta de políticas públicas para la diversidad cultural en el sector audiovisual latinoamericano.

El arte del cinematógrafo provoca una relación singular de tipificación cultural de la cual sólo pocos logran despegarse. A partir de ahí, el Fashion Film se configura en clave artística combinando ciertas clasificaciones que incluyen directrices normativas bien características: cortas producciones audiovisuales cinematográficas que evidencian por medio de la imagen y el sonido conceptos o estéticas propias de diseñadores de indumentaria. Todo esto llevado a cabo con la intención no sólo de dar a conocer o comercializar una determinada colección, sino con el fin de provocar sentimientos en aquellos espectadores para lograr su identificación, en el mejor de los casos..