Les Enquêtes de Chlorophylle est une série télévisée franco-canadienne en 52 épisodes de 13 minutes créée par Michel Marin et son associé Bruno Lamaury d'après la bande dessinée de Raymond Macherot, diffusée à partir du 13 septembre 1992 sur France 3, et à partir du 6 septembre 1993 sur Canal Famille[1]. Synopsis[modifier le code] Dans la vallée, rien ne va plus depuis que le rat Anthracite et sa bande de pollueurs se sont installés. Mais ils ne sont pas les seuls individus louches. Le lérot Chlorophylle, reporter à l'Echo des Fourrés, enquête sur tout ce qui se passe de suspect. Le soutien le plus précieux de Chloro, sans qu'Anthracite ne s'en doute, n'est autre que sa sœur Maeva, qui est secrètement amoureuse de Chlorophylle (et sera démasquée à l'ultime épisode, Rongeurs sans retour). Personnages[modifier le code] Chlorophylle : un lérot ; ses phrases fétiches sont « Figues et mûres ! » et « Bon sang ! Mais… c'est bien mûr ! » Maeva : une rate blanche, sœur d'Anthracite ; elle et Chlorophylle sont secrètement amoureux. Elle ne parle qu'en alexandrins. Anthracite : un rat noir ; il est chef du syndicat du crime nommé « la Rafia ». Sa phrase fétiche est : « Miasmes et furoncles ! » Pustule : un crapaud, spécialiste scientifique. l'Élégant : un vison tueur à gages, adjoint d'Anthracite Punky : un hérisson Malaria : une vieille rate, mère de Maeva et Anthracite. KGB : une taupe, indicateur Radar : une chauve-souris, photographe le Rouquin : un renard le Teigneux : un vautour, compagnon de Malaria. les Grands-ducs : un groupe de hiboux grands-ducs, gouvernement de la vallée. Ce sont eux qui chargent Chlorophylle d'éclaircir les mystères de la vallée. Voix[modifier le code] Alain Zouvi : Chlorophylle Valérie Gagné : Maeva Sébastien Dhavernas : Anthracite Yves Massicotte : Pustule Jean Fontaine : l'Élégant Jean-Marie Moncelet : Punky Élizabeth Chouvalidzé : Malaria Septimiu Sever : Kagébé Johanne Garneau : Narrateur Daniel Lesourd : le Rouquin Léo Ilial : un rat musqué Benoit Rousseau : un rat musqué Arthur Holden : un rat musqué Source et légende : version québécoise (VQ) sur Doublage.qc.ca[2] Fiche technique[modifier le code] Nom original : Les Enquêtes de Chlorophylle Réalisation : Michel Marin (créateur et réalisateur des douze premiers épisodes), Frédéric Goupil (épisodes 13 à 24), Bruno Carrière (25 à 38), Claude Grégoire (39 à 52). Auteur BD : Raymond Macherot conception : Michel Marin Scénaristes : Frédéric Krivine (auteur principal), Patrick Bancarel, Diane Cailhier, Laurence Condroyer, William Lambert, Louise Leblanc Musiques : Martin Fournier, Normand Corbeil Interprétation du générique : Sara Lazarus Origine : France, Canada Maisons de production : SFP, Damned Productions, France 3, Les Productions Espace Vert Épisodes[modifier le code] Il était une fois la pollution Cris et caquètements Cris et craquètements : le retour La patte au collet L'arme secrète L'aiglon Le faux coupable Main basse sur la rive Témoin à décharge Ne pas dépasser la dose prescrite Partie de chasse Le retour des Ralton La nuit de la chasse au phare Le plan secret La machine à remonter l'étang Votez Chloro! Le secret du ragondin Les visiteurs du loir Cris et caquètements : la dernière plume Hypnose La chute de la maison Anthrax Le silence de la mare Un condamné à mare s'est échappé La rate sur un toit brûlant Règlements de compte à O.K. Canard Le salaire du rongeur Nous avons dégluti ce soir Les lérots sont fatigués Rien ne va plus Soupçons Nous sommes tous des nuisibles L'arbre aux serpents Qu'elle est inerte ma vallée Tous les lapins du monde Sous le plus petit chapiteau du monde Pour une poignée de carottes Docteur Chloro contre Mister Phylle Seul contre la Rafia Le samourat La faute de l'inspecteur Museau Le seigneur des appeaux Un hérisson a disparu La cloche sonnera trois fois La règle du geai Pas de printemps pour la pie L’épouvantail Vol de nuit La serre brisée Au bout du tunnel La pluie acide La nuit du renard Rongeurs sans retour Autour de la série[modifier le code] Cette série est une adaptation très librement inspirée de la bande dessinée Chlorophylle créée par Raymond Macherot en 1954. Le personnage de Minimum, alter ego de Chlorophylle dans la BD, a disparu, et celui de Maeva, sœur d'Anthracite, a été créé pour la série, ainsi que l'Elégant, KGB la taupe, Punky le hérisson, Pustule le crapaud, et presque tous les autres personnages. En dehors de Chlorophylle, seul Anthracite a été conservé. Les nouveaux personnages ont tous été créés par Frédéric Krivine au cours de discussions avec Michel Marin. Chaque épisode se termine par « Figues et mûres! Une fois de plus, la lutte contre le crime et la pollution continue ! » La réalisation combine des marionnettes animées par des manipulateurs (dont plusieurs membres de l'équipe des Guignols de l'Info) et des animaux vivants (plus d'une quarantaine, dirigés par le dresseur animalier Pierre Cadéac), et baigne dans une ambiance de polar qui fut très appréciée à l'époque. Le tournage se déroula aux studios Duran/Duboi à Saint-Ouen. Produits dérivés[modifier le code] 1993 : édition VHS par Citel Vidéo Références[modifier le code] ↑ « Canal Famille : Cinq ans sans violence ni publicité », La Presse, vol. 109, no 266,‎ 21 juillet 1993, B4 (ISSN , lire en ligne) ↑ « Fiche de doublage québécois », sur Doublage Québec (consulté le 28 janvier 2020) Liens externes[modifier le code] Ressource relative à l'audiovisuel : IMDb Fiche sur Planète Jeunesse Bruno Carrière, réalisateur, site web http://www3.sympatico.ca/b.carriere/ Bande annonce de la série, Bruno Carrière, https://www.youtube.com/watch?v=zRaZUzLrlrE Portail de l’animation Portail de la bande dessinée Portail des marionnettes Portail des séries télévisées Portail de la télévision française Portail du Canada <img src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; alt="" style="border: none; position: absolute;" height="1" width="1"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Les_Enquêtes_de_Chlorophylle&oldid=234539631 ».

Le couple de randonneurs originaires de Liège, Sofie et Biagio, du blog So and Bia nous ont partagé leurs 5 randonnées préférées.

Michel Legrand, né le 24 février 1932 à Paris 20e[1] et mort le 26 janvier 2019 à Neuilly-sur-Seine, est un musicien, compositeur, pianiste de jazz, chanteur et arrangeur français. Il est notamment célèbre pour ses compositions de musique de film, mais aussi pour ses collaborations en jazz et ses chansons populaires. Sa carrière lui a valu de nombreuses distinctions, dont trois Oscars pour la musique de cinéma sur onze nominations, ce qui fait de lui l'artiste français le plus récompensé dans cette catégorie. Biographie[modifier le code] Jeunesse et formation[modifier le code] Michel-Jean Legrand naît à Paris dans le quartier de Ménilmontant[1],[2]. Ses parents, le compositeur Raymond Legrand (1908-1974) et Marcelle Der Mikaëlian (1909-1978) (sœur du chef d'orchestre Jacques Hélian, en partie d’ascendance arménienne) divorcent quand il a trois ans. Il a une sœur aînée, Christiane Legrand. Michel Legrand étudie le piano et l'écriture au Conservatoire national de musique à Paris de 1942 à 1949, dans les classes de Lucette Descaves, Henri Challan[3] et Nadia Boulanger notamment, et où il remporte plusieurs premiers prix[4]. Il se prend de passion pour le jazz après avoir assisté en 1947 à un concert de Dizzy Gillespie[4] avec lequel il collaborera quelques années plus tard, écrivant en 1952 les arrangements pour l'orchestre à cordes qui accompagne le trompettiste dans ses concerts européens. Sans être crédité aux génériques, il fait ses premiers pas pour des musiques de films auprès de son père, pour lequel il écrit des orchestrations et arrangements, quand ce ne sont pas des chansons complètes[5]. Arrangeur et jazzman[modifier le code] Praticien d'une douzaine d'instruments[4], il écrit en 1951 des arrangements pour l'orchestre de son père qui l'introduit dans l’univers de la chanson de variété. Il commence ainsi une carrière d’accompagnateur et d'arrangeur avec Jacques Canetti au théâtre des Trois Baudets, dans les tournées et pour la maison de disques Philips. Il met son talent d'arrangeur au service de Jacqueline François, Henri Salvador, Catherine Sauvage (pour l'album Léo Ferré), Jacques Brel. Le piano de ses débuts est actuellement chez Françoise, la fille de Jacques Canetti.[réf. nécessaire] En 1954, à la demande de la firme américaine Columbia et grâce à Jacques Canetti producteur musical chez Philips qui a passé un accord avec cette firme, il offre des relectures jazzy de rengaines françaises[6]. L'album I Love Paris est un énorme succès (8 millions d'exemplaires écoulés)[4] ; la reconnaissance de Legrand se fait internationale[4]. En 1956, Jacques Canetti le présente à Maurice Chevalier qui l'engage comme directeur musical de son spectacle à l'Alhambra. En 1957, il est invité au Festival mondial de la jeunesse de Moscou[7] et Zizi Jeanmaire lui confie la direction musicale de son spectacle. En 1958, pour Legrand Jazz, il enregistre à New York avec Miles Davis, John Coltrane et Bill Evans, devenant l'un des premiers Européens à travailler avec les maîtres du jazz moderne. En 1966, il a fait les arrangements de la chanson internationale C'est si bon d'Henri Betti et André Hornez pour l’album de Barbra Streisand Color Me Barbra. À noter qu'en 1948, son père Raymond Legrand a dirigé l’orchestre pour l’enregistrement de cette chanson par les sœurs Étienne. Influencé par Stan Kenton, il mène une brève carrière de jazzman comme leader : Holiday in Rome en 1955[4], Michel Legrand Plays Cole Porter[8] en 1957, Legrand in Rio en 1958. Certaines compositions de Michel Legrand, telles La Valse des Lilas (en anglais : Once upon a summer time, Chet Baker, Bill Evans), la Chanson de Maxence (You must believe in spring), What are you doing the rest of your life le thème principal du film The Happy Ending[9] ou encore le thème principal de la bande originale du film Un été 42 (The summer knows), sont devenues des standards de jazz. Compositeur pour le cinéma[modifier le code] L'émergence de la Nouvelle Vague au tournant des années 1960 va ancrer définitivement Michel Legrand dans le monde de la musique de film. Il travaille pour Agnès Varda (Cléo de 5 à 7 en 1962), Jean-Luc Godard (Une femme est une femme en 1961, Vivre sa vie en 1962 et Bande à part en 1964) et surtout Jacques Demy (Lola en 1961, Les Parapluies de Cherbourg en 1964, Les Demoiselles de Rochefort en 1967 et Peau d'Âne en 1970) avec qui il invente la comédie musicale à la française. Les Parapluies de Cherbourg est ainsi un film chanté en continu où tous les dialogues sont inspirés par la musique, ce qui était novateur à l'époque. En 1966, après avoir été nommé aux Oscars pour son travail sur Les Parapluies de Cherbourg, il décide d'aller tenter sa chance à Hollywood et s'installe à Los Angeles. Ses amitiés avec Quincy Jones et Henry Mancini l'aident grandement à se faire une place dans ce milieu hautement concurrentiel et lui permettent de rencontrer les paroliers Alan et Marilyn Bergman. En 1968, le réalisateur Norman Jewison l'appelle à la rescousse : il n'arrive pas à monter son dernier film tout en ayant déjà 5 heures d'images tournées. Michel Legrand propose alors de composer seul, sans contrainte et en n'ayant vu le film qu'une seule fois, une heure et demie de musique originale, pour que le réalisateur puisse ensuite monter son film en se calant sur cette musique. Le procédé est inédit, car d'habitude à Hollywood la musique de film est créée et ajoutée le tournage et le montage du film[10]. Le résultat est novateur pour l'époque : le film L'Affaire Thomas Crown dans lequel les plans suivent le rythme de la bande originale. Le film et sa musique sont un succès, et la chanson phare de la bande originale, The Windmills of Your Mind (Les Moulins de mon cœur) vaut à Michel Legrand de recevoir l'Oscar de la meilleure chanson originale l'année suivante. Les Moulins de mon cœur est repris ensuite par des chanteurs de variétés comme Marcel Amont[11] et Claude François[12]. Deux ans plus tard, il reçoit l'Oscar de la meilleure musique de film pour Un été 42 de Robert Mulligan (1971) dont la chanson-thème The Summer Knows par Barbra Streisand rencontre le succès. Entre 1971 et 1975, nommé vingt-sept fois aux Grammy Awards, il en remporte cinq. Il décroche un troisième Oscar pour Yentl de Barbra Streisand en 1983. La même année, il compose la bande sonore de Jamais plus jamais d'Irvin Kershner, ultime James Bond avec Sean Connery dont la chanson-titre est écrite par Alan et Marilyn Bergman. Ses deux dernières compositions pour le cinéma ont été pour des films de Xavier Beauvois : La Rançon de la gloire avec Benoît Poelvoorde et Roschdy Zem (2015) puis Les Gardiennes avec Nathalie Baye et Laura Smet (2017). Il a composé en tout plus de deux cents musiques pour le cinéma et la télévision. Compositeur, arrangeur, et interprète pour la chanson[modifier le code] Michel Legrand a enregistré avec différentes vedettes de la chanson dans des genres variés : Aretha Franklin, Céline Dion, Michael Jackson, Miles Davis, Louis Armstrong, Catherine Sauvage, Henri Salvador, Charles Aznavour, Zizi Jeanmaire, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Jack Jones, Tereza Kesovija, Ella Fitzgerald, Jessye Norman, Perry Como, Lena Horne, Kiri Te Kanawa, James Ingram, Johnny Mathis, Barbra Streisand, Caterina Valente, Frankie Laine, Nana Mouskouri, Frida Boccara, Danielle Licari, Raymond Devos, Stéphane Grappelli, Mireille Mathieu, Claude Nougaro, Mario Pelchat, Nicolas Folmer et plus récemment avec Natalie Dessay et Vincent Niclo. En 1962, il convainc Jacques Canetti de signer, chez Philips, avec Claude Nougaro, alors quasi inconnu, dont il réalise et compose la musique du second album, Le Cinéma, celui de la reconnaissance[13] (Le Cinéma, Les Don Juan, Le Rouge et le noir, Tout feu tout femme…), et dont il assure les orchestrations (également sur Le Jazz et la Java et Une petite fille)[14]. Musique classique[modifier le code] Michel Legrand est également auteur de deux opéras et ballets ainsi que de deux concertos. En tant que pianiste soliste, il s'est produit avec de nombreux orchestres à travers le monde, notamment ceux de Saint-Pétersbourg, Vancouver, Montréal, Atlanta et Denver. En 1994, il sortit son enregistrement du Requiem de Gabriel Fauré et de celui de Maurice Duruflé, auprès du label Teldec Classics[15]. Chanteur[modifier le code] À partir de 1964, Michel Legrand prend la décision d'interpréter lui-même les chansons qu'il compose. Il travaille et se construit un répertoire avec deux auteurs Eddy Marnay et Jean Dréjac. Pour son album Attendre… sorti en 1980, il est interprète, auteur et compositeur[16]. En 1978, en pleine vague disco, Michel Legrand publie le morceau Disco Magic Concorde sorte de medley de certaines de ses compositions, on y retrouve par exemple The Windmills of Your Mind ou encore la musique du film Un été 42. Longtemps oubliée, l'œuvre fut reprise par L'Impératrice en 2017 dans une version instrumentale remixée[17]. En 2009, Michel Legrand enregistre un album de ses grandes chansons avec le chanteur canadien Mario Pelchat, l’album comprend notamment un duo de Michel Legrand et Mario Pelchat (Elle a elle a pas) ainsi qu’un autre duo (How do You Keep the Music Playing) avec Mario Pelchat et Dionne Warwick ; l’album reçoit en 2010 le Félix de l’album jazz de l’année au gala de l’ADISQ au Québec. Ils partent ensuite en tournée qui les mènera dans les grandes villes du Québec ainsi qu’à Toronto mais également à Boston, New York, Washington et Las Vegas puis en France (Paris) et en Russie (Moscou et Saint-Petersbourg). Cette collaboration marque les cinquante ans de carrière de Michel Legrand[18]. Vie privée[modifier le code] Michel Legrand a été marié à Christine Bouchard, mannequin, puis à Isabelle Rondon[19] (de 1994 à 2007). En 2013, il se sépare de la harpiste Catherine Michel. Le 16 septembre 2014, il épouse à la mairie de Monaco la comédienne Macha Méril, avec laquelle il avait déjà eu une liaison quarante ans auparavant[20], liaison que Macha Méril qualifie de purement platonique[21],[22]. La cérémonie religieuse a lieu le lendemain à Monaco, lors d'une cérémonie orthodoxe[23]. Il est le père de Dominique Rageys (née en 1952), fondatrice avec son mari Jean-François du rallye « Maroc Classic », d'Hervé Legrand (né en 1959), pianiste et compositeur, de Benjamin Legrand (né en 1962), chanteur, et d'Eugénie Angot (née en 1970), cavalière de niveau international. Sa sœur aînée, la chanteuse Christiane Legrand (1930-2011), a été successivement membre de groupes de jazz vocal tels que les Blue Stars, Les Double Six et les Swingle Singers. Il est le demi-frère de l'écrivain Benjamin Legrand et du peintre Olivier Legrand. Il est l'oncle de Victoria Legrand, chanteuse du groupe Beach House et du vidéaste Alistair Legrand (enfants d'Olivier Legrand). Naturalisé américain vers la fin de sa vie, il renonce volontairement en 2011 à la nationalité française en demandant sa libération des liens d’allégeance à l'égard de la France[24],[25]. Mort[modifier le code] Michel Legrand meurt de septicémie[26],[27] dans la nuit du 25 au 26 janvier 2019, à l'hôpital américain de Neuilly-sur-Seine[26],[27] où il était hospitalisé depuis deux semaines pour une infection pulmonaire. Ses funérailles sont célébrées à Paris en la cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky le 1er février[28]. Il est inhumé au cimetière du Père-Lachaise (division 44, avenue transversale no 2), près de Francis Lemarque, Yves Montand, Simone Signoret, Jacques Perrin et Gaspard Ulliel, et non loin de Jacques Canetti, qu'il a bien connus. Sa tombe est ornée d'une croix orthodoxe, et le nom de sa dernière épouse est déjà inscrit sur la pierre tombale. Filmographie[modifier le code] Voir la catégorie : Film avec une musique composée par Michel Legrand. Cinéma[modifier le code] Années 1950[modifier le code] 1953 : Beau fixe (court-métrage) 1955 : Visages de Paris, court métrage de François Reichenbach 1955 : Les Amants du Tage d'Henri Verneuil 1957 : Charmants Garçons d'Henri Decoin 1957 : Le Triporteur de Jacques Pinoteau 1958 : Rafles sur la ville de Pierre Chenal 1959 : L'Amérique insolite de François Reichenbach (documentaire) Années 1960[modifier le code] 1960 : Me faire ça à moi de Pierre Grimblat 1960 : Lola de Jacques Demy 1960 : Chien de pique d'Yves Allégret 1960 : Terrain vague de Marcel Carné (cocompositeur avec Francis Lemarque) 1960 : Le Cœur battant de Jacques Doniol-Valcroze 1960 : Les portes claquent de Jacques Poitrenaud 1961 : Les Sept Péchés capitaux (cocompositeur avec Sacha Distel et Pierre Jansen) 1961 : Le cave se rebiffe de Gilles Grangier 1961 : Une femme est une femme de Jean-Luc Godard 1962 : Cléo de 5 à 7 d'Agnès Varda - également en tant qu'acteur 1962 : L'Empire de la nuit de Pierre Grimblat 1962 : Eva de Joseph Losey 1962 : Les Sept Péchés capitaux de Claude Chabrol et Édouard Molinaro 1962 : Un cœur gros comme ça de François Reichenbach 1962 : Retour a New York (documentaire) 1962 : Comme un poisson dans l'eau d'André Michel 1962 : Une grosse tête de Claude de Givray 1962 : Vivre sa vie de Jean-Luc Godard 1962 : L'Amérique lunaire (documentaire) 1962 : Histoire d'un petit garçon devenu grand 1962 : Le Joli Mai de Chris Marker 1963 : Illuminations (documentaire) 1963 : Le Grand Duc et l'Héritière (Love Is a Ball) de David Swift 1963 : La Baie des Anges de Jacques Demy 1964 : Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy 1964 : Les Plus Belles Escroqueries du monde de Claude Chabrol et Jean-Luc Godard 1964 : Une ravissante idiote d'Édouard Molinaro 1964 : Bande à part de Jean-Luc Godard 1964 : Fascinante Amazonie 1964 : Les Amoureux du France (documentaire) 1964 : La Douceur du village (documentaire) de François Reichenbach 1965 : Quand passent les faisans d'Édouard Molinaro 1966 : Monnaie de singe d'Yves Robert 1966 : Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? de William Klein 1966 : Tendre Voyou de Jean Becker 1966 : La Vie de château de Jean-Paul Rappeneau 1966 : The Plastic Dome of Norma Jean (en) de Juleen Compton (en) 1966 : Et la femme créa l'amour de Fabien Collin 1966 : L'An 2000 1966 : L'Or et le Plomb d'Alain Cuniot 1967 : L'Héritière de Singapour (Pretty Polly) de Guy Green 1967 : Bague au doigt, corde au cou (How to Save a Marriage and Ruin Your Life) de Fielder Cook 1967 : Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demy 1967 : Le Plus Vieux Métier du monde de Claude Autant-Lara et Mauro Bolognini 1968 : L'Affaire Thomas Crown (The Thomas Crown Affair) de Norman Jewison 1968 : Enfants de salauds (Play Dirty) d'André de Toth 1968 : L'Homme à la Buick de Gilles Grangier 1968 : Sweet November de Robert Ellis Miller 1968 : Destination Zebra, station polaire (Ice Station Zebra) de John Sturges 1969 : The Happy Ending de Richard Brooks 1969 : La Pince à ongles de Jean-Claude Carrière (court métrage) 1969 : The Picasso Summer de Robert Sallin 1969 : Appelez-moi Mathilde de Pierre Mondy 1969 : La Piscine de Jacques Deray 1969 : Un château en enfer (Castle Keep) de Sydney Pollack Années 1970[modifier le code] 1970 : Le Messager (The Go-Between) de Joseph Losey 1970 : Entre Dieu et la femme (Pieces of Dreams) de Daniel Haller 1970 : Peau d'âne de Jacques Demy 1970 : The Magic Garden of Stanley Sweetheart (en) de Leonard Horn (en) 1970 : Les Hauts de Hurlevent (Wuthering Heights) de Robert Fuest 1970 : La Dame dans l'auto avec des lunettes et un fusil d'Anatole Litvak 1971 : Le Mans de Lee H. Katzin 1971 : Les Mariés de l'an II de Jean-Paul Rappeneau 1971 : La Poudre d'escampette de Philippe de Broca 1971 : Un été 42 (Summer of '42) de Robert Mulligan 1971 : Un peu de soleil dans l'eau froide de Jacques Deray 1971 : La Ville bidon de Jacques Baratier 1972 : Le Temps d'aimer (A Time for Loving) de Christopher Miles 1972 : Les Feux de la Chandeleur de Serge Korber 1972 : Un homme est mort de Jacques Deray 1972 : La Vieille Fille de Jean-Pierre Blanc 1972 : Lady Sings the Blues de Sidney J. Furie 1972 : Portnoy et son complexe (en) (Portnoy's Complaint) d'Ernest Lehman : 1972 : La Femme sans mari (One Is a Lonely Number), de Mel Stuart 1973 : Maison de poupée (A Doll's House) de Joseph Losey 1973 : Bequest to the Nation de James Cellan Jones 1973 : Quarante carats (Forty Carats) de Milton Katselas 1973 : Flics et Voyous d'Aram Avakian 1973 : Breezy de Clint Eastwood 1973 : L'Événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la Lune de Jacques Demy 1973 : Le Gang des otages d'Édouard Molinaro 1973 : L'Impossible Objet (Impossible Object) de John Frankenheimer 1973 : Les Trois Mousquetaires (The Three Musketeers) de Richard Lester 1974 : Our Time (en) de Peter Hyams 1975 : Le Merveilleux Voyage de Gulliver (en) (Gulliver's Travels) de Peter Hunt 1975 : Vérités et Mensonges (F for Fake) d'Orson Welles 1975 : Sheila Levine Is Dead and Living in New York (en) de Sidney J. Furie 1975 : Le Sauvage de Jean-Paul Rappeneau 1976 : Le Voyage de noces de Nadine Trintignant 1976 : Gable et Lombard (Gable and Lombard) de Sidney J. Furie 1976 : Ode to Billy Joe (en) de Max Baer Jr. 1976 : La Flûte à six schtroumpfs des Studios Belvision (film d'animation) 1977 : De l'autre côté de minuit (The Other Side of Midnight) de Charles Jarrott 1978 : Les Routes du sud de Joseph Losey 1978 : Lady Oscar de Jacques Demy 1978 : Mon premier amour d'Élie Chouraqui 1979 : Les Fabuleuses Aventures du légendaire baron de Münchhausen de Jean Image (film d'animation) Années 1980[modifier le code] 1980 : The Mountain Men 1980 : Hinotori (co-compositeur) 1980 : Atlantic City de Louis Malle 1980 : Le Chasseur (The Hunter) de Buzz Kulik 1981 : Au-delà de cette limite votre ticket n'est plus valable de George Kaczender 1981 : Les Uns et les Autres de Claude Lelouch 1981 : Falling in Love Again de Steven Paul (en) 1982 : Le Cadeau de Michel Lang 1982 : Qu'est-ce qui fait courir David ? d'Élie Chouraqui 1982 : Le Fou de l'espace (Slapstick of Another Kind) de Steven Paul (en) 1982 : Best Friends, de Norman Jewison 1983 : Il était une fois… l'Espace : la Revanche des Humanoïdes d'Albert Barillé 1983 : Jamais plus jamais (Never Say Never Again) d'Irvin Kershner 1983 : Un amour en Allemagne d'Andrzej Wajda 1983 : Yentl de Barbra Streisand 1984 : Paroles et Musique d'Élie Chouraqui 1984 : Train d'enfer de Roger Hanin 1984 : L'Étrangère (en) (Secret Places) de Zelda Barron (en) 1984 : Micki et Maude de Blake Edwards 1985 : Partir, revenir de Claude Lelouch 1985 : Palace d'Édouard Molinaro 1985 : Parking de Jacques Demy 1987 : Club de rencontres de Michel Lang 1987 : Spirale de Christopher Frank 1988 : La Boutique de l'orfèvre (en) (The Jeweler's Shop) de Michael Anderson 1988 : Scoop de Ted Kotcheff 1988 : Trois Places pour le 26 de Jacques Demy 1989 : Cinq Jours en juin de Michel Legrand - également scénariste et réalisateur Années 1990[modifier le code] 1990 : La Fuite au paradis (Fuga dal paradiso) d'Ettore Pasculli (it) 1990 : Gaspard et Robinson de Tony Gatlif 1991 : The Burning Shore 1991 : Dingo de Rolf de Heer 1993 : The Pickle de Paul Mazursky 1994 : Prêt-à-porter de Robert Altman 1995 : Aaron et le Livre des merveilles de Jaqueline Galia Benousilio et Albert Hanan Kaminski 1995 : Torin's Passage de Sierra On-Line 1995 : Les Misérables de Claude Lelouch 1995 : Les Enfants de Lumière de Jacques Perrin 1998 : Madeline de Daisy von Scherler Mayer 1999 : La Bûche de Danièle Thompson 1999 : Doggy Bag de Frédéric Comtet Années 2000[modifier le code] 2000 : La Bicyclette bleue de Thierry Binisti 2002 : And Now... Ladies and Gentlemen de Claude Lelouch 2005 : Cavalcade de Steve Suissa 2006 : Paris, je t'aime de Bernardo Bertolucci et Seijun Suzuki 2008 : Disco de Fabien Onteniente 2009 : Oscar et la Dame rose de Éric-Emmanuel Schmitt Années 2010[modifier le code] 2013 : Max Rose de Daniel Noah 2015 : La Rançon de la gloire de Xavier Beauvois 2017 : Les Gardiennes de Xavier Beauvois 2018 : De l'autre côté du vent (The Other Side of the Wind) d'Orson Welles Télévision[modifier le code] 1958 : L'Américain se détend 1970 : Oum le dauphin blanc de René Borg (série d'animation) 1970 : Brian's Song de Buzz Kulik (téléfilm) 1973 : The Adventures of Don Quixote (téléfilm) 1974 : It's Good To Be Alive (téléfilm) 1975 : Cage Without a Key (téléfilm) 1978 : Michel's Mixed Up Musical Bird (téléfilm) 1982 : Une femme nommée Golda (téléfilm) d'Alan Gibson 1982 : Le Rêve d'Icare de Jean Kerchbron 1982 : Il était une fois… l'Espace d'Albert Barillé (série d'animation) 1984 : The Jesse Owens Story (téléfilm) 1985 : Promises to Keep (téléfilm) 1986 : Il était une fois… la Vie d'Albert Barillé (série d'animation) 1986 : Crossings (mini-série) 1986 : As Summers Die (téléfilm) 1986 : Sins (mini-série) 1987 : Casanova de Simon Langton (téléfilm) 1990 : Not a Penny More, Not a Penny Less (mini-série) 1991 : La Montagna dei Diamanti (mini-série) 1992 : Il était une fois… les Amériques d'Albert Barillé (série d'animation) 1994 : Il était une fois… les Découvreurs d'Albert Barillé (série d'animation) 1995 : The Ring (mini-série) 1996 : Il était une fois… les Explorateurs d'Albert Barillé (série d'animation) 1996 : L'Anneau de Cassandra 2008 : Il était une fois… notre Terre d'Albert Barillé 2011 : L'amour dure 3 ans (téléfilm) Théâtre/Scène[modifier le code] 1997 : Le Passe-muraille, opéra-bouffe en collaboration avec Didier van Cauwelaert[29],[30]. 2011 : Liliom, ballet de John Neumeier[31],[32]. 2014 : Dreyfus, opéra, livret de Didier van Cauwelaert d'après l'Affaire Dreyfus[33],[34]. 2017 : Concerto pour piano[35] et Concerto pour violoncelle[36]. Discographie[modifier le code] En tant que musicien[modifier le code] 1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 1)(EP 45 médium) 1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 2)(EP 45 médium) 1954 : I Love Paris 1955 : Michel Legrand and his Orchestra - Holiday In Rome 1956 : Michel Legrand et sa grande formation - Musiques de films 1956 : Michel Legrand and his Orchestra - Castles In Spain 1957 : Bonjour Paris (sous le pseudo Big Mike) 1958 : Legrand in Rio 1958 : Legrand Jazz, avec Miles Davis, Bill Evans, Paul Chambers, John Coltrane 1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 1) 1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 2) 1958 : De Marlène à Marilyn 1959 : Michel Legrand et son trio - Paris Jazz Piano, avec Guy Pedersen et Gus Wallez 1961 : Bravissimo 1962 : Broadway in my Beat 1963 : Rendez-vous à Paris 1964 : Archi-Cordes 1965 : Michel Legrand plays for Dancers 1968 : At Shelly's Manne-Hole, avec Shelly Manne et Ray Brown 1969 : Bud Shank plays Michel Legrand 1971 : Communications '72, avec Stan Getz 1975 : Images, avec Phil Woods 1979 : Les Parapluies de Cherbourg Suite Symphonique/Thèmes & Variations for two pianos & Orchestra[37] 1979 : Le Jazz Grand, avec Gerry Mulligan 1983 : After the Rain, avec Phil Woods 1992 : Magic, avec Kiri Te Kanawa (chant), Michel Legrand (piano, arrangements et direction d'orchestre) 1993 : Erik Satie By Michel Legrand 1995 : Harpe et orchestre (Les Parapluies de Cherbourg, Un été 42, Le Messager, Yentl), avec Catherine Michel (harpe), Michel Legrand (clavecin, arrangements et direction d'orchestre) 1999 : Legrand Big Band 2008 : Nicolas Folmer plays Michel Legrand, avec Nicolas Folmer 2017 : Between Yesterday and Tomorrow, avec Natalie Dessay En tant qu'arrangeur[modifier le code] 1998 : Les Moulins de mon cœur avec Maurice André à la trompette, CD EMI Classics 2011 : Noël ! Noël !! Noël !!! En tant que chanteur[modifier le code] Les Moulins de mon cœur Avant le Jazz La Valse des Lilas Brûl' pas tes doigts Quand ça balance Paris Violon Elle a… Elle a pas… Les Enfants qui pleurent Soleil à vendre Comme elle est longue à mourir ma jeunesse Pourquoi ? Où vont les ballons ? Les Grands Musiciens Celui-là[38] Sérénade du XXe siècle 1789 Besoin de rien Les Grands Musiciens Qui es-tu? Trombones, Guitares et Cie Et si demain (avec Nana Mouskouri) Quand on s'aime (avec Nana Mouskouri) La Partie de tennis 1964 Oum le dauphin Autres travaux[modifier le code] 1964 : indicatif de RTL[39],[40] 1970 : musique de scène de Jarry sur la butte d'après les œuvres complètes d'Alfred Jarry, mise en scène Jean-Louis Barrault, Élysée-Montmartre 1985 : album Je suis heureux dans lequel il enregistre pour Jacques Canetti la chanson L'amour me protège. Cet album est dédié à Lucienne Canetti, sa femme, disparue quatre ans auparavant, les profits sont versés à l'institut Gustave-Roussy de Villejuif. 1994 : Michel Legrand apparaît dans la série télévisée d'animation Il était une fois… les Découvreurs (épisode 19 : intitulé Marconi et les ondes), dont il a composé la bande son (accompagnement musical et chanson du générique). Publication[modifier le code] En 2013, Michel Legrand écrit avec Stéphane Lerouge, spécialiste de la musique au cinéma, sa première autobiographie, Rien n'est grave dans les aigus, où il évoque de manière libre et non chronologique sa formation, ses rencontres, ses choix de parcours, son goût pour la musique au pluriel[5]. En 2018, ce livre est réédité et complété sous le titre J'ai le regret de vous dire oui[41]. Distinctions[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (janvier 2025). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Décorations[modifier le code] Officier de l'ordre des Arts et des Lettres Officier de l'ordre national du Mérite Commandeur de la Légion d'honneur (2015). Il fut officier en 2005[42]. Récompenses[modifier le code] Golden Globes 1969 : Meilleure chanson originale pour The Windmills of Your Mind dans L'Affaire Thomas Crown Oscars 1969 : Meilleure chanson originale pour The Windmills of Your Mind dans L'Affaire Thomas Crown BAFA 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 Oscars 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 Grammy Award de la meilleure composition instrumentale 1972 : pour le thème de Un été 42 Grammy Award de la meilleure composition instrumentale 1973 : pour le thème de Brian's Song Apex[Quoi ?] 1982 : Musique originale (comédie) pour Best Friends Apex[Quoi ?] 1983 : Chanson originale (drame) pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl Chanson originale de trame/adaptation/compilation (drame) pour Yentl Fennecus[Quoi ?] 1983 : Meilleure partition de chansons originale ou adaptée pour Yentl Chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl Oscars 1984 : Meilleure adaptation musicale pour Yentl Molières 1997 : Molière du spectacle musical pour Le Passe-muraille Henry Mancini Awards 1998 (ASCAP) pour Le Passe-muraille Aigle d'or 2002 : Contribution exceptionnelle au cinéma mondial Félix 2009 : Album de l'année - jazz interprétation Prix littéraire du syndicat français de la critique de cinéma 2013 : Rien n'est grave dans les aigus Trophée d'honneur de la comédie musicale en 2018 pour l'ensemble de sa carrière Nominations[modifier le code] Grammy Awards 1966 : Meilleure partition originale écrite pour un film ou une émission télé pour Les Parapluies de Cherbourg Golden Globes 1969 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Oscars 1969 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Meilleure adaptation musicale pour Les Demoiselles de Rochefort BAFA 1970 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Golden Globes 1970 : Meilleure musique de film pour The Happy Ending Meilleure chanson pour What Are You Doing for the Rest of Your Life? dans The Happy Ending Oscars 1970 : Meilleure chanson originale pour What Are You Doing for the Rest of Your Life? dans The Happy Ending Golden Globes 1971 : Meilleure musique de film pour Les Hauts de Hurlevent Meilleure chanson originale pour Pieces of Dreams dans Pieces of Dreams Oscars 1971 : Meilleure chanson originale pour Pieces of Dreams dans Pieces of Dreams Golden Globes 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 et Le Mans Primetime Emmy Awards 1972 : Meilleure musique pour une mini-série ou épisode spécial pour Brian's Song Golden Globes 1973 : Meilleure musique de film pour Lady Sings the Blues Golden Globes 1974 : Meilleure musique de film pour Breezy Meilleure chanson originale pour Breezy's Song dans Breezy BAFA 1975 : Meilleure musique de film pour Les Trois Mousquetaires Grammy Awards 1975 : Meilleur album d'une partition originale écrite pour un film pour Les Trois Mousquetaires César 1981 : Meilleure musique de film pour Atlantic City Golden Globes 1981 : Meilleure chanson originale pour Yesterday's Dreams dans Falling in Love Again César 1982 : Meilleure musique de film pour Les Uns et les Autres avec Francis Lai Primetime Emmy Awards 1982 : Meilleure musique pour une mini-série ou épisode spécial : Une femme nommée Golda Oscars 1983 : Meilleure chanson originale pour How Do You Keep the Music Playing? dans Best Friends Golden Globes 1984 : Meilleure musique de film pour Yentl Meilleure chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl 1984 : Meilleure chanson originale pour Papa, Can You Hear Me? et The Way He Makes Me Feel dans Yentl César 1985 : Meilleure musique de film pour Paroles et Musique Grammy Awards 1985 : Meilleur album d'une partition instrumentale écrite pour un film ou une émission télé pour Yentl Australian Film Institute Awards 1991 : Meilleure trame originale de film pour Dingo Tony Awards 2003 : Meilleure partition originale pour Amour (Le Passe-muraille) Drama Desk Awards 2003 : Partition originale exceptionnelle (Outstanding Original Score) pour Amour Hommages et reconnaissances diverses[modifier le code] Jacques Demy, obtenant la Palme d'or au Festival de Cannes 1964 pour Les Parapluies de Cherbourg, tient à la recevoir avec Michel Legrand, indissociable du projet avec sa musique et ses dialogues intégralement chantés[43],[44]. L'astéroïde (31201) Michellegrand, découvert en 1998, est nommé en son honneur[45]. Le 5 décembre 2007, la faculté de musique de l'université de Montréal, au Québec, lui décerne un doctorat honorifique visant à souligner le caractère exceptionnel de sa carrière[46]. À l'occasion de ses cinquante ans de carrière, début 2009, un hommage lui est rendu à la Cinémathèque française à Paris, avec la projection de la plupart des films dont il a écrit la partition. Il donne également pour l'occasion trois concerts salle Pleyel et accorde de multiples interviews à la radio et la télévision. À la suite de sa mort, de nombreux artistes ont repris un de ses plus grands succès, Les Moulins de mon cœur. Le 21 septembre 2019, la passerelle Michel-Legrand est inaugurée à Cherbourg-en-Cotentin en présence de Macha Méril. Elle traverse le bassin du Commerce et est située non loin de la place Jacques-Demy. Le 26 février 2024, La Poste française émet un timbre-poste pour le cinquième anniversaire de sa mort, avec présentation en avant-première le 12 décembre 2023 à Paris en présence d'un de ses deux fils, le chanteur Benjamin Legrand, et de sa seconde épouse Macha Méril[47]. À partir d'une photographie de Jean-Pierre Leloir, l'illustrateur Mathieu Persan a représenté le chef d'orchestre jeune, regardant la partition tout en tenant haut sa baguette ; de la partition jaillissent de la lumière et des notes de musique l'illuminant. La vente premier jour de ce timbre a lieu les 23 et 24 février dans deux villes rappelant des films mis en musique par Legrand : Cherbourg pour Les Parapluies de Cherbourg et Rochefort pour Les Demoiselles de Rochefort[48]. Annexes[modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia : Documentaires[modifier le code] 2018 : Michel Legrand, sans demi-mesure, réalisé par Grégory Monro. 2024 : Il était une fois Michel Legrand, réalisé par David Hertzog Dessites[49]. Liens externes[modifier le code] (en) Site officiel Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Britannica Den Store Danske Encyklopædi Deutsche Biographie Gran Enciclopèdia Catalana Hrvatska Enciklopedija Internetowa encyklopedia PWN Nationalencyklopedin Store norske leksikon Treccani Universalis Notices d'autorité : () Notes et références[modifier le code] ↑ a et b Et non à Bécon-les-Bruyères comme l'affirment certaines sources. Cf. Vue 5/21, tables décennales des naissances pour le 20e arrondissement de Paris (1922-1932) sur le site des archives de la ville de Paris. ↑ « Fiche de Michel Legrand », sur lesgensdicinema.com, 3 juin 2013 (consulté le 4 juillet 2016). ↑ « Jazz au Trésor : Michel Legrand - Hier & demain », sur Radio France, 18 avril 2022 (consulté le 30 avril 2023). ↑ a b c d e et f « Michel Legrand : Biographie », sur universalmusic.fr (consulté le 28 janvier 2019). ↑ a et b Michel Legrand, Rien n'est grave dans les aigus, Le Cherche Midi, 320 pages, 2013. (ISBN 978-2749127163) ↑ Michel Legrand, Rien n'est grave dans les aigus, Le Cherche Midi, 2013, p. 67. ↑ Charlotte Roux et Anne Kropotkine, « Jours de fête à Moscou : Le voyage des Français au festival mondial de la jeunesse en 1957 », France Culture, 19 avril 2011 (documentaire de 54 minutes). ↑ Son premier disque de jazz en grand orchestre. ↑ Olivia Cohen, « Michel Legrand en 10 chansons méconnues ou potentiellement gênante », France Inter,‎ 1er février 2019 (lire en ligne) ↑ Eric Bureau, « Michel Legrand, l’enchanteur du cinéma », Le Parisien, no 23141,‎ 27 janvier 2019, p. 18 (lire en ligne) ↑ (en) Marcel Amont - Les Moulins De Mon Coeur (lire en ligne) ↑ « les moulins de mon coeur - claude françois » (consulté le 5 novembre 2022). ↑ Livret du coffret Claude Nougaro l'essentiel des albums studio 1962-1985, 2011, Mercury Universal, auteur Laurent Balandras, page 3, citation : « Michel Legrand parvient à rendre percutive l'écriture de Nougaro. Nous sommes juste avant la consécration de Legrand avec Les parapluies de Cherbourg. L'album qui pointe le bout de son swing en cette année 1962, à contre-courant de la vague yé-yé, va imposer, un auteur, un compositeur et un interprète. » ↑ « Michel Legrand : « J'ai commencé à vivre le jour où je suis entré au Conservatoire » (1/5) », sur France Musique (consulté le 6 février 2019). ↑ Notice de la bibliothèque nationale de France [1] ↑ [PDF] « Michel Legrand, la musique au pluriel » sur le site de la Philharmonie de Paris ↑ [vidéo] « Michel Legrand - Disco Magic Concorde », a8detective, 17 novembre 2016, 9:43 min (consulté le 11 octobre 2024) ↑ « Mario Pelchat chante Michel Legrand », sur larevue.qc.ca (consulté le 24 février 2023). ↑ « fiche informative » ↑ Frédéric Dugit et Éric Bureau, « Macha Méril annonce son mariage avec Michel Legrand ! », sur leparisien.fr, 5 mars 2014. ↑ Michel et moi, Albin Michel, 30 août 2017 (ISBN 978-2226398000). ↑ « Macha Méril, le sexe avec Michel Legrand : « Mon appréhension a vite été dissipée » », sur purepeople.com, 19 août 2015 (consulté le 26 janvier 2019). ↑ « Macha Méril et Michel Legrand : leur mariage religieux à Monaco », sur lefigaro.fr, 18 septembre 2014. ↑ Décret du 28 juin 2011 portant libération de l'allégeance française, article 2, inscrit en page 11233 du journal officiel de la République française en date du 30 juin 2011, texte 111 (version papier seulement). ↑ , sur cinememorial.com (consulté le 1er février 2019). ↑ a et b « Mort de Michel Legrand : Le compositeur était hospitalisé, son état s’est « subitement dégradé » », sur La Voix du Nord, 28 janvier 2019 (consulté le 28 janvier 2019). ↑ a et b « Michel Legrand : Macha Méril raconte en larmes les derniers instants de son mari », sur programme-tv.net, 30 janvier 2019 (consulté le 31 janvier 2019). ↑ « Les funérailles de Michel Legrand seront célébrées vendredi à Paris », Ici Radio Canada, 28 janvier 2019. ↑ « Théâtre : Le Passe-muraille », sur lexpress.fr, lexpress, 13 février 1997 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Trois récompenses pour Le Passe-muraille », sur lesechos.fr, 14 mai 1997 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Liliom de John Neumeier par le Ballet de Hambourg : La mort au carrousel », sur concertclassic.com (consulté le 6 février 2019). ↑ (fi) « Hamburg Ballett John Neumeier - Play », sur hamburgballett.de (consulté le 6 février 2019). ↑ « Dreyfus de Michel Legrand, en création mondiale à l'opéra de Nice », sur musicologie.org (consulté le 6 février 2019). ↑ Le Point, magazine, « Dreyfus, opéra populaire signé Michel Legrand, en création mondiale à Nice », sur Le Point, 28 mai 2014 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Michel Legrand : Concerto pour piano, Concerto pour violoncelle », sur France Musique (consulté le 6 février 2019). ↑ « Henri Demarquette crée le Concerto pour violoncelle de Michel Legrand : Enthousiasmes unis », sur concertclassic.com (consulté le 6 février 2019). ↑ https://www.discogs.com/release/2486032-Michel-Legrand-London-Symphony-Orchestra-The-Umbrellas-Of-Cherbourg-Theme-Variations-For-Two-Pianos- ↑ Chanson hommage au président Kennedy, écrite peu de temps après son assassinat ((en) « Melissa Errico's Epic Collaboration With Michel Legrand & Phil Ramone Gets 10/18 Release On Ghostlight Records, 'Legrand Affair' », sur Top 40 Charts, 13 août 2011) ↑ « Comment Michel Legrand a composé le jingle de RTL », sur RTL.fr, 26 janvier 2019 (consulté le 3 février 2019). ↑ Romain Iriarte, « RTL fête les 50 ans de son top horaire », sur tvmag.lefigaro.fr, 1er octobre 2014. ↑ Michel Legrand et Stéphane Lerouge, J'ai le regret de vous dire oui, Liana Levi, coll. « Piccolo », 2020 (ISBN 979-10-349-0329-0) ↑ Ministère de la culture et de la communication, « Décret du 31 décembre 2015 portant promotion », jorf no 0001 du 1er janvier 2016 (consulté le 1er février 2019). ↑ Anne Audigier, « 1964 : un petit coin de parapluie », sur France Inter, 18 mai 2015 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Il faut sauver Les Parapluies de Cherbourg », sur KissKissBankBank (consulté le 6 février 2019). ↑ (en) « (31201) Michellegrand = 1998 AT5 », sur le site du Centre des planètes mineures (consulté le 14 mai 2022). ↑ « Hommage à deux figures marquantes du monde musical », sur musique.umontreal.ca, 27 septembre 2007 (consulté le 22 septembre 2018). ↑ Sophie Bastide-Bernardin, « Macha Méril a dévoilé le timbre Michel Legrand, un allié de taille pour clamer son amour éternel », Atout timbres no 300, 15 janvier 2024, pages 12-13. ↑ « Le plus beau point d'orgue pour le génial compositeur Michel Legrand : un timbre à son effigie », Atout timbres no 301, 15 février 2024, page 4. ↑ Jacques Denis, « «Il était une fois...», Michel Legrand large » , sur Libération (consulté le 4 décembre 2024). v · mOscar de la meilleure musique de film Oscars du cinéma Les Oscars du cinéma par année Oscar de la meilleure chanson originale 1935-1938Meilleure musique de film Columbia Pictures - Une nuit d'amour (1935) RKO Pictures - Le Mouchard (1936) Warner Bros. - Anthony Adverse (1937) Universal Studio - Deanna et ses boys (1938) 1939-1941 Meilleure partition originale Erich Wolfgang Korngold - Les Aventures de Robin des Bois (1939) Herbert Stothart et Harold Arlen - Le Magicien d'Oz (1940) Harline, Smith et Washington - Pinocchio (1941) Meilleure adaptation musicale Alfred Newman - La Folle Parade (1939) Hageman, Harling, Leipold et Shuken - La Chevauchée fantastique (1940) Alfred Newman - Adieu Broadway (1941) 1942-1962 Meilleure partition film dramatique/comédie Bernard Herrmann - Tous les biens de la terre (1942) Max Steiner - Une femme cherche son destin (1943) Alfred Newman - Le Chant de Bernadette (1944) Max Steiner - Depuis ton départ (1945) Miklós Rózsa - La Maison du docteur Edwardes (1946) Hugo Friedhofer - Les Plus Belles Années de notre vie (1947) Miklós Rózsa - A Double Life (1948) Brian Easdale - Les Chaussons rouges (1949) Aaron Copland - L'Héritière (1950) Franz Waxman - Boulevard du crépuscule (1951) Franz Waxman - Une place au soleil (1952) Dimitri Tiomkin - Le train sifflera trois fois (1953) Bronisław Kaper - Lili (1954) Dimitri Tiomkin - Écrit dans le ciel (1955) Alfred Newman et Sammy Fain - La Colline de l'adieu (1956) Victor Young - Le Tour du monde en quatre-vingts jours (1957) Malcolm Arnold - Le Pont de la rivière Kwaï (1958 A) Dimitri Tiomkin - Le Vieil Homme et la Mer (1959) Miklós Rózsa - Ben-Hur (1960) Ernest Gold - Exodus (1961) Henry Mancini - Diamants sur canapé (1962) Meilleure adaptation d'un film musical Frank Churchill et Oliver Wallace - Dumbo (1942) Ray Heindorf et Heinz Roemheld - La Glorieuse Parade (1943) Ray Heindorf - This Is the Army (1944) Morris Stoloff et Carmen Dragon - La Reine de Broadway (1945) Georgie Stoll - Escale à Hollywood (1946) Morris Stoloff - Le Roman d'Al Jolson (1947) Alfred Newman - Maman était new-look (1948) Johnny Green et Roger Edens - Parade de printemps (1949) Roger Edens et Lennie Hayton - Un jour à New York (1950) Adolph Deutsch et Roger Edens - Annie, la reine du cirque (1951) Johnny Green et Saul Chaplin - Un Américain à Paris (1952) Alfred Newman - Un refrain dans mon cœur (1953) Alfred Newman - Appelez-moi Madame (1954) Adolph Deutsch et Saul Chaplin - Les Sept Femmes de Barbe-Rousse (1955) Robert Russell Bennett, Jay Blackton et Adolph Deutsch - Oklahoma ! (1956) Alfred Newman et Ken Darby - Le Roi et moi (1957) Malcolm Arnold - Le Pont de la rivière Kwaï (1958 A) Andre Previn - Gigi (1959) Andre Previn et Ken Darby - Porgy and Bess (1960) Morris Stoloff et Harry Sukman - Le Bal des adieux (1961) Chaplin, Green, Ramin et Kostal - West Side Story (1962) 1963-1968 Meilleure partition originale Maurice Jarre - Lawrence d'Arabie (1963) John Addison - Tom Jones (1964) Richard M. Sherman et Robert B. Sherman - Mary Poppins (1965) Maurice Jarre - Docteur Jivago (1966) John Barry - Vivre libre (1967) Elmer Bernstein - Millie (1968) Meilleure adaptation musicale Ray Heindorf - The Music Man (1963) André Previn - Irma la Douce (1964) André Previn - My Fair Lady (1968) Irwin Kostal - La Mélodie du bonheur (1966) Ken Thorne - Le Forum en folie (1967) Alfred Newman et Ken Darby - Camelot (1968) 1969 - 1970 Meilleure partition pour un film dramatique ou une comédie John Barry - Le Lion en hiver (1969) Burt Bacharach - Butch Cassidy et le Kid (1970) Meilleure adaptation pour un film musical Johnny Green - Oliver ! (1969) Lennie Hayton et Lionel Newman - Hello Dolly ! (1970) 1971 - 1985 Meilleure partition originale Francis Lai - Love Story (1971) Michel Legrand - Un été 42 (1972) Chaplin, Rasch (en) et Russell - Les Feux de la rampe(1973) Marvin Hamlisch - Nos plus belles années (1974) Nino Rota et Carmine Coppola - Le Parrain, 2e partie (1975) John Williams - Les Dents de la mer (1976) Jerry Goldsmith - La Malédiction (1977) John Williams - Star Wars, épisode IV : Un nouvel espoir (1978) Giorgio Moroder - Midnight Express (1979) Georges Delerue - I love you, je t'aime (1980) Michael Gore - Fame (1981) Vangelis - Les Chariots de feu (1982) John Williams - E.T., l'extra-terrestre (1983) Bill Conti - L'Étoffe des héros (1984) Maurice Jarre - La Route des Indes (1985) Meilleure partition de chansons et adaptation musicale Les Beatles - Let It Be (1971) John Williams - Un violon sur le toit (1972) Ralph Burns - Cabaret (1973) Marvin Hamlisch - L'Arnaque (1974) Nelson Riddle - Gatsby le magnifique (1975) Leonard Rosenman - Barry Lyndon (1976) Leonard Rosenman - En route pour la gloire (1977) Jonathan Tunick - A Little Night Music (1978) Joe Renzetti - The Buddy Holly Story (1979) Ralph Burns - Que le spectacle commence (1980) Henry Mancini et Leslie Bricusse - Victor Victoria (1983) Michel Legrand, Alan Bergman et Marilyn Bergman - Yentl (1984) Prince - Purple Rain (1985) 1986-1995Meilleure musique de film John Barry - Out of Africa (1986) Herbie Hancock - Autour de minuit (1987) David Byrne, Ryūichi Sakamoto et Cong Su - Le Dernier Empereur (1988) Dave Grusin - Milagro (1989) Alan Menken - La Petite Sirène (1990) John Barry - Danse avec les loups (1991) Alan Menken - La Belle et la Bête (1992) Alan Menken - Aladdin (1993) John Williams - La Liste de Schindler (1994) Hans Zimmer - Le Roi lion (1995) 1996-1999 Meilleure partition originale Pour un film dramatique Luis Bacalov - Le Facteur (1996) Gabriel Yared - Le Patient anglais (1997) James Horner - Titanic (1998) Nicola Piovani - La vie est belle (1999) Pour un film musical ou une comédie Alan Menken et Stephen Schwartz - Pocahontas : Une légende indienne (1996) Rachel Portman - Emma, l'entremetteuse (1997) Anne Dudley - The Full Monty (1998) Stephen Warbeck - Shakespeare in Love (1999) Depuis 2000Meilleure musique de film John Corigliano - Le Violon rouge (2000) Tan Dun - Tigre et Dragon (2001) Howard Shore - Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau (2002) Elliot Goldenthal - Frida (2003) Annie Lennox et Howard Shore - Le Seigneur des anneaux : Le Retour du roi (2004) Jan A. 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L'hypothèse Gaïa, appelée également hypothèse biogéochimique[note 1], est une hypothèse controversée, initialement avancée en 1970 par le climatologue britannique James Lovelock en lien avec la microbiologiste américaine Lynn Margulis, mais également évoquée par d'autres scientifiques avant eux, selon laquelle la Terre serait « un système physiologique dynamique qui inclut la biosphère et maintient notre planète depuis plus de trois milliards d'années en harmonie avec la vie[2]. » L'ensemble des êtres vivants sur Terre formerait ainsi un vaste superorganisme — appelé « Gaïa », d'après le nom de la déesse de la mythologie grecque personnifiant la Terre — réalisant l'autorégulation de ses composants pour favoriser la vie. Un exemple cité par Lovelock à l'appui de son hypothèse est la composition de l'atmosphère terrestre, qui aurait été autorégulée au cours du temps de manière à permettre le développement et le maintien de la vie. L'hypothèse Gaïa, qui a été déclinée en plusieurs théories, repose sur un modèle scientifique qui se fonde sur plusieurs constatations écologiques, climatologiques, géologiques ou encore biologiques — à travers la notion d'écoévolution notamment —, appelé science du système Terre[note 2]. Il en résulte un pronostic alarmiste quant à l'avenir de la biosphère, face au défi du changement climatique notamment[note 3]. L'hypothèse Gaïa est développée par James Lovelock dans plusieurs ouvrages : La Terre est un être vivant, l'hypothèse Gaïa (1979) ; Les Âges de Gaïa (1990) ; Gaïa. Une médecine pour la planète (2001) et La Revanche de Gaïa (2006), ce dernier ouvrage brosse le tableau d'une planète devenue inhabitable pour l'homme. D'autres scientifiques, comme Lynn Margulis, reprennent l'hypothèse Gaïa, qui, depuis les travaux de Lovelock, a fait l'objet d'une abondante littérature scientifique et philosophique[note 4]. Du modèle géobiochimique est née la géophysiologie qui, dans la continuité de l'hypothèse Gaïa, propose d'étudier toutes les interactions existantes au sein du système-Terre. Définition et champ épistémologique[modifier le code] Expériences et constats ayant conduit à Gaïa[modifier le code] Articles détaillés : Écologie globale et Hypothèse CLAW. Le modèle de Lovelock est né d'une multitude de constatations scientifiques de toutes disciplines, s'échelonnant principalement de 1965 à 2000[3] et dont l'ensemble constitue ce que Mitchell Rambler, René Fester et Lynn Margulis ont nommé l'« écologie planétaire » (Global Ecology[4]). Des recherches sont encore menées au sein de divers centres d'étude comme le Centre for Ecology and Hydrology, le Hadley Centre for Climate Prediction and Research et l'Edinburgh Research Station. Dans ses divers ouvrages James Lovelock cite un corpus d'expériences appuyant son modèle gaïen. Dès 1968, Lynn Margulis écrit un article intitulé The Origin of Mitosing Eukaryotic Cells[5], qui fondera plus tard la théorie endosymbiotique. Elle fait alors dans cet article, et plus tard dans son ouvrage, le lien entre la physiologie et les régulations à l'échelle terrestre ; en 1971, elle s'associe à Lovelock[6] et, en 1976, les deux scientifiques écrivent « Is Mars a Spaceship, Too? » qui propose une lecture gaïenne de l'atmosphère martienne[7]. En 1972, James Lovelock entreprend un voyage scientifique sur le navire le Shackleton ; son but est de mesurer la teneur atmosphérique en sulfure de diméthyle (DMS)[8],[9] en des points différents du globe. Il conclut que les organismes marins ont un rôle de régulation dans la diffusion du DMS et publie la même année le premier article évoquant le mécanisme gaïen : Gaia as seen through the atmosphere[10]. Avec d'autres scientifiques — Robert Charlson, Meinrat Andrea et Stephen Warren[11] —, Lovelock émet l'hypothèse « CLAW » (acronyme des noms des auteurs) qui postule que les émissions de DMS produites par le plancton marin sont impliqués dans la régulation climatique, via la formation de nuages et donc le changement de l'albédo[8],[12]. Richard Betts du Hadley Centre for Climate Prediction and Research a montré dans quelle mesure les forêts tropicales ont surmonté la limitation en eau en s'adaptant à un milieu chaud, par un recyclage de celle-ci. Betts et son collègue, Peter Cox, postulent qu'une élévation de 4 °C de la température suffirait à mettre la forêt amazonienne hors d'état d'assurer ce mécanisme de refroidissement[13]. Andrew Watson et Tim Lenton ont montré le maintien d'une composition chimique stable dans le mélange atmosphérique, et notamment le rôle joué par le phosphore[14]. Enfin, Peter Liss a expliqué en quoi les océans sont les sources biologiques des éléments essentiels à la chimie de la biosphère (soufre, sélénium et iode principalement)[15]. Un nouveau point de vue sur la vie[modifier le code] Plus qu'une explication géologique, l'hypothèse Gaïa est, selon ses partisans, une vision particulière de la vie, une réponse scientifique à la question du vivant, concept protéiforme selon la discipline concernée, voire ignorée par les communautés scientifiques. James Lovelock déclara : « Je lus beaucoup, espérant découvrir dans la littérature scientifique une définition complète de la vie considérée comme un processus physique, sur laquelle il serait possible de fonder le principe des expériences visant à la détecter. (…) On avait accumulé des tonnes de données sur tous les aspects imaginables des espèces vivantes, des parties les plus extérieures aux plus intérieures. Mais dans la vaste encyclopédie de faits qui se trouvait à notre disposition, le cœur du sujet (la vie elle-même) avait été quasiment ignoré[16]. » En ce sens la conception gaïenne tient de celles d'Alfred James Lotka et d'Erwin Schrödinger (dans What is Life?, 1944)[17]. L'hypothèse permet de dépasser le cadre dichotomique habituel du biotique-abiotique[note 5] en montrant que les espèces participent à l'histoire du milieu qui, en retour, a pour finalité le développement de la biosphère : « La vie ne s'est pas adaptée à un monde inerte déterminé par la main morte de la chimie et de la physique. Nous vivons dans un monde qui a été construit par nos ancêtres, anciens et modernes, entretenu en permanence par le biote actuel dans sa totalité. » D'un point de vue philosophique, le modèle gaïen — que Jacques Grinevald nomme la Biosphère-Gaïa — s'apparente à une nouvelle philosophie des Lumières[17]. Il ajoute que les espèces obéissent également à une autorégulation vers plus de stabilité : « Si, dans le monde réel, l'activité d'un organisme modifie son environnement matériel dans un sens qui le favorise, et que par conséquent, il a une descendance plus abondante, alors l'espèce et la modification vont croître l'une et l'autre jusqu'à ce qu'un nouvel état stable soit atteint. » Enfin, finalement, « à une échelle locale, l'adaptation est le moyen par lequel les organismes peuvent survivre dans des environnements défavorables, mais à l'échelle planétaire, l'association entre la vie et son environnement est tellement étroite que la notion tautologique d'« adaptation » est proprement évacuée[18]. » En ce sens, le modèle gaïen est une réponse au darwinisme strict, qui voit dans la vie un accident n'ayant aucune espèce de relation à l'environnement, selon Lynn Margulis[19]. Philippe Bertrand, dans Les Attracteurs de Gaïa (2008), décrit l'évolution du système-Terre comme la mise en place d'une complexité croissante, créant et faisant interagir différents niveaux de régulation (les « attracteurs »), biologiques et non biologiques, depuis les cellules jusqu'au cadre global, chimique, biogéochimique, climatique et gravitationnel, et où l'évolution par sélection naturelle joue toutefois pleinement son rôle. Origines du nom « Gaïa »[modifier le code] Article détaillé : Gaïa. L'hypothèse d'une Terre animée (bien que Lovelock ne lui attribue jamais d'intelligence ou d'émotions) est un thème récurrent dans l'imaginaire humain, dans la littérature et dans les théories scientifiques. Si aucun modèle n'a été aussi précis et argumenté que celui de Lovelock, qui est un « scientifique sans affiliation »[20], d'autres auteurs ont proposé une vision assez proche de la sienne. La personnification du concept n'est donc finalement qu'une métaphore heuristique qui remplit un but avant tout didactique : « Dans cet ouvrage, je parle souvent de l'écosystème planétaire, Gaïa, comme vivant […] Lorsque je fais cela, je ne me cache pas que le terme « vivant » relève de la métaphore et que la Terre n'est pas vivante comme vous et moi ou même une bactérie. Dans le même temps, j'insiste sur le fait que la théorie Gaïa elle-même est véritablement de la science et non une simple métaphore. J'utilise le terme « vivant » comme un ingénieur disant qu'un système mécanique est vivant, pour distinguer son comportement lorsqu'il est mis en marche ou arrêté, ou au point mort » explique son créateur[21]. Ce point de vue est celui de Lovelock au début de son hypothèse, au moment où il doit ménager son image au sein de la communauté scientifique. Depuis, il l'a largement personnifiée, jusqu'à élargir le modèle à une dimension mystique voire religieuse, mais sans jamais en faire une entité consciente ou une sorte de dieu vivant. Les théories Gaïa par contre, se réclamant de ses assertions, ont développé à sa suite l'idée que la Terre aurait une « conscience »[22], voire qu'elle serait une sorte de divinité, dans la tradition du mouvement New Age[23]. Gaïa — Gaya, Gaiya, Gæa ou Gè — est, dans la mythologie grecque, la déesse de la Terre, mère des dieux et des titans, liée au culte de la fécondité, et aussi l'une des plus anciennes représentations théistes de l'histoire humaine puisqu'on retrouve des statues de la terre-mère (Déesse mère) à l'époque préhistorique (Mohenjo-daro et Harappa). Le nom de l'hypothèse a été choisi par Lovelock sur l'avis de l'écrivain et ami William Golding[24] ; l'universalité du nom, permis par la diffusion de la mythologie grecque d'une part, le fait que le nom véhicule par ailleurs une idée de protection et de maternalisme, procure à l'hypothèse une métaphore adéquate[25]. Lovelock fut, dès le début, conscient de l'importance de fournir une métaphore universelle et immédiate afin d'en rendre le contenu vulgarisable et de rivaliser avec les autres modèles reconnus. Par opposition à cet aspect positif, Lovelock parle aussi de Kâlî, déesse qui représente l'aspect destructeur divin dans l'hindouisme, aspect négatif de la Terre si elle venait à expulser l'homme[26]. Gaïa et le darwinisme[modifier le code] Article connexe : Darwinisme. Lovelock conserve la théorie de Darwin sur l'évolution des espèces au sein de leur milieu[27]. L'hypothèse Gaïa intègre donc les conclusions de la sélection naturelle, en dépit d'une critique du généticien anglais Richard Dawkins au début des exposés de Lovelock. Dawkins considère qu'on ne peut pas attribuer un rôle à la Terre dans l'évolution[28]. Lovelock réfute cet argument et intègre même la « théorie du gène égoïste » de Dawkins[note 6] à son modèle. L'hypothèse Gaïa n'est, selon lui, aucunement en contradiction avec les conclusions du darwinisme, qui a pour objet épistémologique le vivant[29]. En réalité, Lovelock retient du néodarwinisme l'idée que la génétique a pour rôle d'adapter au mieux les espèces à leur milieu. Il développe ainsi un concept mixte, celui d'écoévolution, qui définit le vivant comme une propriété émergente de l'écosystème ; alors que chaque espèce poursuit son intérêt propre, la combinaison de leurs actions tend à contrebalancer les effets du changement environnemental[30]. Or Darwin stipule que le milieu modifie les espèces, non l'inverse, et c'est la raison pour laquelle Richard Dawkins s'oppose à Lovelock. Tout en reconnaissant le côté autorégulateur de la planète, il met l'accent sur le fait que Lovelock a oublié la condition essentielle nécessaire à définir un être vivant et son évolution, qui est « l'opposition permanente à un milieu extérieur (proies et prédateurs), seule susceptible de le faire évoluer au fil du temps par le mécanisme bien connu de l'évolution naturelle ». Or la Terre ne possède pas de prédateur et n'évolue dans aucun milieu permettant la compétition ; il s'ensuit que l'hypothèse Gaïa est un abus du modèle de la sélection naturelle, ce que Lovelock reconnaît pourtant. Néanmoins, avec son modèle de simulation informatique Daisyworld, Lovelock intègre à sa théorie la vision de Darwin, qui n'est plus incompatible avec ses postulats : « Daisyworld a été imaginé pour montrer que la théorie darwinienne de l'évolution par la sélection naturelle n'est pas en contradiction avec la théorie Gaïa, mais en fait partie intégrante »[31]. Le débat s'est poursuivi avec le soutien apporté à Lovelock par l'entomologiste Edward Osborne Wilson, qui le rejoint dès 2002 avec son ouvrage The Future of Life. Wilson est également un proche de Dawkins. Fondateur de la sociobiologie, Wilson permet d'adapter le modèle écologiste de Lovelock avec celui, phylogénétique, de Darwin[note 7]. Si Wilson dit partir des espèces pour deviner un écosystème intelligent, Lovelock part, lui, de l'écosystème pour aboutir à définir les espèces y contribuant, mais, selon Wilson, tous deux se rejoignent[32]. Néanmoins, des zones de conflits existent toujours entre le modèle gaïen et la théorie de la sélection naturelle. La principale concerne l'absence de capacité de reproduction, capacité qui est le propre des espèces, et que Gaïa ne possède pas[33]. Gaïa et la systémique[modifier le code] Articles connexes : Cybernétique et Systémique. Le modèle de Lovelock s'enracine précisément dans la systémique, théorie elle-même née de la cybernétique de Norbert Wiener et exposée notamment par Joël de Rosnay dans Le Macroscope[note 8]. Gaïa répond ainsi à toutes les propriétés inhérentes à la définition d'un système. Lovelock et ses partisans n'ont en effet de cesse dans leurs ouvrages de faire de la Terre, de son climat et de ses processus des systèmes ouverts suivant les conclusions de la cybernétique[34], même si certains processus ne sont pas reconnus comme systémiques par des détracteurs tels que Richard Dawkins. Le système-Terre possède en effet trois caractéristiques cybernétiques : l'« interaction », qui renvoie à l'idée d'une causalité non linéaire et qui entre dans les phénomènes d'écoévolution et de symbiose en biologie. L'interaction (qui se confond avec le concept de « finalité ») se manifeste dans la recherche constante d'états stables, en interaction avec la biosphère ; la « totalité », qui postule que si un système est d'abord un ensemble d'éléments, il ne s'y réduit pas, idée reprise dans la formule consacrée : « le tout est plus que la somme de ses parties ». La Terre se comporte ainsi comme un tout cohérent en boucle fermée : « Par la théorie Gaïa, je vois la Terre et la vie qu'elle porte comme un système, système qui a la faculté de réguler la température et la composition de la surface de la Terre et de la maintenir propice à l'existence des organismes vivants. L'autorégulation de ce système est un processus actif fonctionnant grâce à l'énergie fournie sans contrepartie par le rayonnement solaire[35]. » ; l'« organisation » est le concept central pour comprendre ce qu'est un système. L'organisation est l'agencement d'une totalité en fonction de la répartition de ses éléments en niveaux hiérarchiques. Une interaction avec des systèmes dynamiques subordonnés est partie intégrante de Gaïa : « La majorité des géochimistes considéraient l'atmosphère comme un produit final de l'émission de gaz planétaire et étaient convaincus que les réactions subséquentes par processus abiologiques avaient déterminé son état actuel (…) La vie empruntait simplement les gaz à l'atmosphère et les lui renvoyait non modifiés[36]. » Cette propriété est démontrée par le modèle de simulation Daisyworld[37] ; L'hypothèse Gaïa devient ainsi, après sa reconnaissance en 2001 lors du Congrès d'Amsterdam, un pilier fondateur du modèle interdisciplinaire écologique nommé Earth system science[38], qui réunit de nombreuses disciplines scientifiques autour d'une volonté commune : comprendre, modéliser et prévoir les soubresauts de la Terre, dans une approche systémique[39]. Précédents théoriques[modifier le code] Précédents philosophiques[modifier le code] Dès l'Antiquité, les stoïciens conçoivent l'Univers comme un tout ordonné (le cosmos) dans lequel tout a une cause, de sorte qu'un événement, quel qu'il soit, entraîne nécessairement un événement futur déterminé. Pour les Grecs, la raison est la faculté qui nous permet de saisir ces relations de cause à effet. Parallèlement, les stoïciens appellent « Raison » (le logos) cet ordonnancement universel de la Nature qui forme un tout qualifié de « divin »[40],[41]. Johannes Kepler, dès le XVIIe siècle, est le premier scientifique à émettre l'idée que la Terre serait assimilable à un organisme rond et unique[42]. Léonard de Vinci, avant lui, avait fait une comparaison entre le fonctionnement interne du corps humain et le mécanisme de la Terre. Par ailleurs, la pensée de Lovelock se rapproche de celle de Ralph Waldo Emerson, philosophe américain, qui a voulu replacer la Nature dans le débat métaphysique. Pour Emerson, dans son ouvrage Nature (1836), l'homme est devenu un demi-homme, qui utilise la nature par son entendement seul, par le travail pénible des forces matérielles, parce qu'il a perdu ses forces spirituelles. Enfin, l'écologie littéraire d'Henry David Thoreau, pionnier de la conscience environnementale selon Donald Worster, propose une vision spirituelle de la Terre proche de celle de Gaïa. Thoreau dit ainsi en 1851 que « la terre que je foule aux pieds n'est pas une masse inerte et morte, elle est un corps, elle possède un esprit, elle est organisée et perméable à l'influence de son esprit ainsi qu'à la parcelle de cet esprit qui est en moi » ; il parle par ailleurs de « terre vivante » et de « grande créature »[43]. Précédents scientifiques[modifier le code] Des métaphores scientifiques assimilant la Terre à un organisme vivant ont émergé avant Lovelock[44]. Jean-Baptiste Lamarck, partisan d'une théorie parallèle à celle de Charles Darwin, développe l'idée que la Terre serait un tout organisé et interdépendant. En 1785, le géologue James Hutton, dans son ouvrage fondateur pour cette discipline, The Theory of the Earth, explique : « I consider the Earth to be a super organism and that its proper study should by physiology » (« Je considère la Terre comme un super organisme et sa physiologie devrait être étudiée »)[45]. En 1801, le savant naturaliste allemand Alexander von Humboldt s'inquiète déjà des ravages que l'Homme pourrait faire sur les équilibres en jeu sur la Terre : « L’équilibre général qui règne au milieu des perturbations est le résultat d’une infinité de forces mécaniques et d’attractions chimiques qui se balancent les unes par les autres ». Selon lui La Terre, poursuivait-il, est « une entité naturelle mue et animée par une même impulsion »[46]. En 1875, le géologue Eduard Suess introduit le concept de « biosphère ». Dès 1877, Thomas Henry Huxley, partisan de Darwin, pense que la Terre s'autorégule. Dans les années 1880, Friedrich Ratzel parle d'« organisme terrestre », concept central de ce qu'il nomme la biogéographie[47]. Dans les années 1920-1930, deux mathématiciens étudient la mathématique des équilibres et relations prédateurs-proies et de la dynamique des populations biologiques qui luttent ou coopèrent pour la maîtrise des ressources énergétiques, jusqu'à modeler et influencer leur milieu. Ce sont Alfred Lotka[48] et Vito Volterra (1926)[49] — dont les principes et formules seront repris par James Lovelock dans ses modélisation (modèle Floréal) et concept d'écoévolution. En 1924, le paléontologue et géologue Teilhard de Chardin forge, en lien avec Vernadsky et le philosophe Édouard Le Roy, le concept de « noosphère »[50], que reprend Vernadsky : il s'agit de l'ensemble formé par les interactions de consciences à la surface de la planète, jusqu'à ne former plus qu'une seule entité. Lewis Thomas, quant à lui, envisage la Terre comme une cellule unique[51],[52]. En 1960, le biologiste Eugène Odum voit dans les écosystèmes des entités autorégulées[53]. Ce sont surtout les théories de Vladimir Vernadsky et de Walter Cannon qui semblent avoir influencé l'hypothèse Gaïa. Vladimir Vernadski et les couches écologiques[modifier le code] La notion de « biosphère » énoncée par Vladimir Vernadski (1863-1945) en 1924 est le précédent conceptuel fondamental[note 9],[54] de l'image d'un système clos sur lui-même et tendant à l'autorégulation optimale. Fondateur de la géochimie moderne, Vernadsky postule que la vie s'exprime comme une force géologique et constitue un phénomène cosmique. C'est en effet le concept de biosphère qui a, selon Eileen Crist et H. Bruce Rinker, préfiguré le modèle biogéochimique[55]. Le modèle gaïen qu'il propose pour la planète se compose de différentes couches en interaction : la lithosphère, noyau de roche et d'eau ; l'atmosphère, enveloppe gazeuse constituant l'air ; la biosphère constituée par la vie ; la technosphère résultant de l'activité humaine et enfin la noosphère ou sphère de la pensée. L'ambition de l'Earth system science est de comprendre en quoi la Terre est un système dans lequel chacune de ces couches participe à la mécanique générale. Vernadsky considère que la compréhension de ce phénomène global ne peut se faire sans prendre en compte l'action du Vivant — idée que Lovelock reprend à travers l'écoévolution[17]. Walter Cannon et le concept d'homéostasie[modifier le code] Évoqué par le médecin français Claude Bernard[56], le concept biologique d'« homéostasie », forgé par Walter Cannon (1871-1945), puis précisé par W. Ross Ashby, à partir de deux mots grecs : stasis (« état », « position ») et homoios (« égal », « semblable à »), définit la stabilisation des états qui permettent les processus biologiques de la vie. Dans son ouvrage fondateur, The Wisdom of the Body, Cannon définit ainsi l'homéostasie : « Les êtres vivants supérieurs constituent un système ouvert présentant de nombreuses relations avec l'environnement. Les modifications de l'environnement déclenchent des réactions dans le système ou l'affectent directement, aboutissant à des perturbations internes du système. De telles perturbations sont normalement maintenues dans des limites étroites parce que des ajustements automatiques, à l'intérieur du système, entrent en action et que de cette façon sont évitées des oscillations amples, les conditions internes étant maintenues à peu près constantes[57]. » De biologique, le concept en est venu à désigner toute recherche d'un état d'équilibre, au sein d'un système cybernétique. Cette autorégulation peut être appliquée à l'écologie, au climat et même aux cycles géochimiques, et naît des multiples interactions des différents constituants du système concerné. La « propriété émergente » traduit le concept d'homéostasie dans le domaine cybernétique[58] et est reprise par le modèle biogéochimique comme étant la capacité, pour le système-Terre, à maintenir une température stable et favorable à la vie. Genèse et actualité de l'hypothèse Gaïa[modifier le code] L'article « James Lovelock » est un complément à cette section. De Mars à la Terre[modifier le code] En 1970, Lovelock fonde sa théorie Gaïa, faisant partie du modèle plus vaste de l'« Earth system science », issu des recherches de la NASA dans les années 1980, et développé par David Wilkinson, biologiste au département Biological and Earth Sciences[59]. Cette hypothèse — que l'écologue affine peu à peu, d'abord seul puis à travers un collectif de scientifique de tous horizons — relève d'une démarche géonomique (même si ses auteurs n'ont pas utilisé ce terme, encore peu connu en 1969). Le cœur de l'hypothèse de Lovelock est que la biomasse modifie les conditions de vie de la planète dans un sens qui les rapproche de ses propres besoins, rendant ainsi la planète plus « hospitalière ». L'hypothèse Gaïa relie cette notion d'« hospitalité » à l'homéostasie. Cette approche lui est venue dans les années 1960, alors qu'il est sous contrat avec la NASA[60], pour mettre au point des instruments chargés de recueillir des traces de vie, lors des missions d'exploration des planètes du système solaire par des sondes[61]. Lovelock se demande comment un extraterrestre saurait qu'il y a de la vie sur terre et il conclut que l'atmosphère est ce qui peut le mieux renseigner sur la présence d'une biosphère. Il propose alors l'analyse de l'atmosphère de Mars comme moyen de repérer la vie, soutenant s'il y en avait une, qu'« il lui faudrait utiliser l'atmosphère pour y puiser des matières premières et évacuer ses déchets ; cela aboutirait à en modifier la composition »[62]. Son premier article Life Detection by Atmospheric Analysis, avec D. R. Hitchcock, paraît en 1967 dans la revue de Carl Sagan, Icarus[63]. Ses conclusions sont sans appel : Mars n'a pu abriter la vie puisque son atmosphère ne montre aucune trace de régulation provenant d'organismes. Cette conception lui valut un certain ostracisme dans le milieu scientifique de la NASA. La conception de Lovelock influence les protocoles suivis dans le domaine de l'exobiologie. Plusieurs prédictions de la théorie Gaïa ont en effet conduit à des « découvertes planétaires significatives »[64]. Lovelock s'intéresse ensuite, personnellement, à la question de la continuité de la vie. En effet, celle-ci s'est maintenue en dépit d'une augmentation de 30 % de la luminosité solaire depuis la formation de la Terre. La température globale n'a donc pas beaucoup varié et ce en raison d'une régulation qui reste à expliquer : « ces réflexions m'ont conduit à conjecturer que les êtres vivants régulent dans leur intérêt le climat et la chimie de l'atmosphère »[65]. Lovelock travaille par la suite avec l'éminente biologiste américaine Lynn Margulis ; tous deux écrivent ensemble un premier article scientifique, en 1974, fondateur du modèle géobiochimique intitulé « Biological modulation of the Earth's atmosphere »[66]. Dans cet article, ils étudient l'idée selon laquelle la composition de l'atmosphère terrestre, sa température et son pH sont régulés par les organismes vivants dans le but d'optimiser leurs reproductions. Ils y montrent que la Terre est un système de contrôle actif capable de maintenir la planète en homéostasie[67]. James Lovelock porte ensuite ses recherches sur la géobiochimie ; dans le cadre d'un programme d'étude océanologique, duquel émerge l'hypothèse CLAW, il découvre les porteurs moléculaires naturels des éléments soufre et iode : le sulfure de diméthyle (DMS) et l'iodure de méthyle, qui deviennent une brique fondamentale de sa théorie[68]. Enfin, dans une série d'articles, il examine en quoi l'hypothèse Gaïa est compatible avec les conclusions de la sélection naturelle. Seuls quelques spécialistes lui font alors bon accueil et Lovelock affronte Richard Dawkins, défenseur international de la théorie de l'évolution darwinienne. Il finit néanmoins par s'accorder avec le biologiste de la sélection naturelle quant à l'incompatibilité de son modèle avec les canons darwiniens. « Comme je ne doutais pas de Darwin, quelque chose devait clocher dans l'hypothèse Gaïa »[69] dit-il, revenant du même coup sur son hypothèse de travail. En 1981, Lovelock rompt avec les modèles antérieurs (excepté celui de Vernadsky) qui considèrent que la biosphère seule s'autorégule et met en conformité son hypothèse avec les postulats darwiniens, en recourant à la simulation informatique de Daisyworld. Du sulfure de diméthyle au modèle informatique Daisyworld[modifier le code] Les articles « Daisyworld » et « Diméthylsulfure » sont des compléments à cette section qui ne peut aborder l'ensemble du sujet. L'hypothèse de travail de Lovelock peut se résumer de la façon suivante : l'ensemble du système (géologique et biologique) se régule, et ce via un complexe réseau d'interactions et de rétroactions. La subtilité d'un tel réseau laisse entendre une multitude de paramètres chimiques. En 1986, à Seattle, Lovelock, Robert Charlson, M. O. Andreae et Steven Warren découvrent que la formation des nuages et, par voie de conséquence, le climat, dépendent du diméthylsulfure — DMS en anglais — engendré par les algues Coccolithophores du phytoplancton des océans. Ces algues participent elles-mêmes au cycle du carbone. Le sulfure de diméthyle produit par ces algues s'oxyde dans l'atmosphère et constitue les noyaux de condensation des nuages. Le sulfure de diméthyle a donc un rôle fondamental dans la formation de la couverture nuageuse des régions situées au-dessus des océans et, au-delà, dans l'équilibrage thermique. Il en va de même pour l'Iodométhane[70]. Lovelock y voit alors l'un des mécanismes de régulation de Gaïa, la rétroaction par laquelle les algues et les nuages sont liés ; pour cette découverte, il reçoit en 1988 le prix Norbert Gerbier de la communauté des climatologues[71]. C'est ce mécanisme qui va lui donner l'idée de reproduire un modèle élémentaire de Gaïa, au moyen d'une simulation informatique tenant en quelques paramètres rudimentaires. Lovelock écrit un premier article à dimension épistémologique concernant l'hypothèse Gaïa en 1989 sous le titre Geophysiology, the science of Gaia[72] mais a besoin de prouver expérimentalement son modèle. Il réalise donc, en 1983, avec le géochimiste américain Andrew Watson, un modèle informatisé destiné à prouver un mécanisme autorégulateur simple : celui de la température terrestre, faisant intervenir les végétaux. Ses conclusions sont publiées ensuite la même année dans la revue Telus[73]. Ce modèle numérique, baptisé Daisyworld (« monde de pâquerettes » en anglais), utilise un système simple faisant intervenir trois variables : la luminosité solaire et les superficies recouvertes par deux populations de pâquerettes, l'une noire et l'autre blanche, et qui prospèrent au-dessus d'une température de 5 °C et ne peuvent plus croître au-delà de 40 °C. Il montre que l'équilibre entre populations de pâquerettes, qui détermine l'albédo, tend à maintenir la température constante lorsque la luminosité solaire varie : la biosphère y sert d'agent homéostatique[74]. Dans une seconde version du modèle, Lovelock et Lee Kump[75], en 1993 puis en 1994, prouvent que le darwinisme est compatible avec leur modèle numérique[75] puisque la population des pâquerettes est régie par les lois de la sélection naturelle. Une autre simulation, baptisée Damworld (« le monde du barrage »), permet ainsi à W. D Hamilton et à Peter Henderson, en 1999, de mettre en jeu trois espèces animales[76]. Grâce à Daisyworld, les recherches progressent et de nombreuses versions logicielles ont vu le jour[note 11]. Deux biologistes : John Maynard Smith et William Hamilton confirment en effet par la suite les conclusions de Tim Lenton[77] lorsque celui-ci publie dans la revue Nature en 1998 un article intitulé « Gaïa and natural selection »[78] dans lequel il ajoute, avec succès, des facteurs chimiques (oxygène et phosphate) et des variables d'adaptation selon la sélection naturelle[79]. William Hamilton coécrit ensuite avec Tim Lenton un article : « Spores and Gaïa » qui fait un lien entre l'océan, les algues et le climat. Selon les auteurs, le modèle de simulation de Lovelock est une véritable révolution et Hamilton pose à ce moment le débat dans lequel l'hypothèse Gaïa s'inscrit : lors d'une émission télévisée, en 1999, il explique en effet : « De même que les observations de Copernic avaient besoin d'un Newton pour les expliquer, nous avons besoin d'un autre Newton pour expliquer comment l'évolution darwinienne aboutit à une planète habitable »[80]. L'écologue Stephan Harding[81] vient renforcer la simulation de Lovelock et Watson en modélisant des écosystèmes entiers, plus complexes, et en tenant compte entre autres des chaînes alimentaires. Ses conclusions sont publiées dans son article « Food web complexity enhances community stability and climate regulation in a geophysiological model »[82]. Harding considère que la biosphère tente par tous les moyens de s'autoréguler[83], en usant de la sélection naturelle, thèse qui forme le centre de son argumentation dans Animate earth: science, intuition and Gaia (2006). La consécration internationale : les conférences[modifier le code] C'est lors des deux conférences Chapman, sous l'égide de l'American Geophysical Union (AGU), que Lovelock expose publiquement, auprès de la communauté scientifique concernée, son hypothèse[84]. Dans la conférence de 1988, à San Diego, une définition de l'hypothèse est proposée[85] ; par ailleurs James Kirchner propose sa division épistémologique. Selon lui, on peut distinguer cinq « sous-théories » : Gaïa influente, coévolutionnaire, homéostatique, téléologique, optimisante, qu'il réunit en deux Gaïa : weak Gaïa et strong Gaïa[86]. Beaucoup de conférenciers, et même des critiques ont alors reconnu « l'ingéniosité du nouveau regard sur la planète que constitue le modèle de Gaïa »[87] et la dénomination de « théorie Gaïa » remplace celle d'« hypothèse Gaïa ». Une seconde conférence Chapman est organisée les 19 et 23 juin 2000 à Valence en Espagne. Les trois thématiques abordées sont destinées à consolider l'hypothèse. Il est examiné : « Gaia dans le temps », « Le rôle du vivant dans la régulation des cycles biogéochimiques et du climat » et « Comment gérer la complexité et les mécanismes de rétroaction du système terre ». L'ouvrage Scientists debate Gaia (2004), sous la direction de Stephen Schneider, réunit toutes les interventions. C'est en juillet 2001, lors de la conférence d'Amsterdam, intitulée « Challenges of a Changing Earth: Global Change Open Science Conference », à laquelle participent les quatre principales organisations de recherche sur le Changement Global, que la théorie de Lovelock se voit consacrée dans le milieu scientifique[88]. En effet plus d'un millier de délégués signent alors une déclaration commune dont l'article principal énonce : « le système Terre se comporte comme un système unique autorégulé, composé d'éléments physiques, chimiques, biologiques et humains »[89]. L'hypothèse Gaïa « s'émancipe » ainsi, explique Lovelock dans La Revanche de Gaïa. Biologistes et géologues s'accordent sur l'essentiel et les délégués concluent sur la nécessité de fusionner les disciplines en une approche unique et cohérente, un nouveau système pour une science globale de l'environnement[89] : l'« Earth system science » que Lovelock appelait de ses vœux dès le début de ses travaux. Une quatrième conférence, qui s'est tenue en octobre 2006 à Arlington, présidée par Lynn Margulis, intitulée : Gaia Theory : Model and Metaphor for the 21st Century, sur le campus de l'université George Mason, a réuni nombre de spécialistes : Tyler Volk, Dr Donald Aitken, Dr Thomas Lovejoy, Robert Correll, J. Baird Callicott. L'axe de réflexion principal est surtout l'apport de l'hypothèse Gaïa à la compréhension du phénomène de réchauffement climatique[90],[91]. La géophysiologie[modifier le code] Fondée en 1996 à Oxford par Peter Westbroek, la Société de géophysiologie prolonge le modèle biogéochimique, sous un autre nom que celui de « Gaïa » et constitue « le champ d'études des interactions entre la vie et le reste de la Terre »[92]. Selon Westbroek la « géophysiologie » « est un autre mot pour l'idée de Gaia lancée par James Lovelock, mais on a éliminé le mot Gaia, parce qu'il a été accaparé par le new age, et qu'il est contaminé pour la science »[93]. Inventée par James Hutton au XIXe siècle, cette discipline combine diverses approches : la génétique, la biologie, la systémique, la climatologie, la géologie, la biogéochimie également et a pour but, entre autres, de lutter contre le cloisonnement scientifique, mais aussi contre le dogmatisme et l'obscurantisme[94]. Le rôle d'agent géophysiologique de l'algue Emiliania huxleyi, par exemple, est révélateur d'un système complexe, du « plus grand organisme vivant existant »[95]. Les recherches en géophysiologie sont nombreuses et regroupent des spécialistes ayant déjà travaillé avec Lovelock ou de nouveaux experts[96] : Tyler Volk et D. Schwartzman pour l'approche bioastronomique (à travers la notion d'habitabilité), A.S. McMenamin Mark et L.S Diane McMenamin pour l'étude de la vie marine, Michael Woodley pour le lien sélection naturelle-écosystème, Axel Kleidon pour la relation homéostase-entropie au sein du couple biote-climat, ou encore G. Evelyn Hutchison pour les processus de régulation du biota. Le modèle de Lovelock[modifier le code] Une métaphore heuristique[modifier le code] Lovelock est, dès le début, conscient de la dimension non scientifique du nom donné à l'hypothèse d'une autorégulation au niveau global. Néanmoins son but est avant tout pédagogique, grâce à une métaphore heuristique[97],[98] : « C'est seulement en considérant notre planète comme une entité vivante que nous pouvons comprendre (peut-être pour la première fois) pourquoi l'agriculture a un effet abrasif sur le tissu vivant de son épiderme et pourquoi la pollution l'empoisonne tout autant que nous. »[99] Le modèle de Lovelock est heuristique car il appelle à une fusion des disciplines, jusqu'alors cloisonnées (la biologie d'un côté, la géologie de l'autre) et à l'annexion également d'autres sciences plus nouvelles comme la génétique ou l'écologie, et même la politique[100]. Lovelock voit ainsi dans la conférence d'Amsterdam de 2001 un premier pas positif vers une synthèse des sciences de la Terre et de la vie, centré sur la planète comme système autorégulé. Une analogie spiritualiste[modifier le code] La métaphore d'une Terre autorégulée peut conduire à des dérives religieuses, voire à la naïveté scientifique, notamment à propos de la question du nucléaire civil duquel Lovelock est partisan[101]. En effet l'analogie utilisée par Lovelock ancre sa conception dans un paradigme spiritualiste et la simplicité de l'image a souvent donné lieu à une critique de méthode[102]. Mais c'est surtout Anne Primavesi qui a, dans Gaia's Gift[note 12], montré le lien qui existe entre foi et écologie gaïenne, lien que Lovelock appelle de ses vœux et qu'il applique lui-même, dans sa façon de vivre, chez lui en Angleterre. Ce qu'il cherche, c'est un renouveau du sentiment mystique de la Terre-Mère, par opposition aux croyances actuelles matérialistes, reposant selon lui sur « un même socle de croyances religieuses et humanistes : la Terre est destinée à être exploitée pour le bien de l'humanité »[103], et que la culture judéo-chrétienne[note 13] a encouragé. Un constat de société[modifier le code] Un renouveau philosophique[modifier le code] Article détaillé : Écologie profonde. Le modèle biogéochimique est une volonté scientifique de fusionner les disciplines en vue de cerner le système-Terre, mais c'est aussi un constat et un pronostic pour la civilisation mondiale : « Notre civilisation se trouve dans la situation de celui que la drogue tuera, qu'il continue ou cesse brusquement d'en consommer »[104] explique Lovelock. Il considère en effet la nature humaine comme étant « schizoïde », à l'instar du duo Dr Jekyll et M. Hyde de Stevenson. Le modèle de Lovelock, de scientifique, devient militant puisqu'il donne une nouvelle impulsion au mouvement de l'écologie profonde, qui appelle à un renouveau spirituel, mais aussi rationnel, vis-à-vis de l'environnement[105]. Les références philosophiques sont nombreuses dans les travaux de Lovelock. Ce dernier cite John Gray qui, dans Straw Dogs : Thoughts on Humans and Other Animals (2003), analyse les conséquences de la démographie comme étant le facteur premier de la tendance autodestructive de l'humanité. Lovelock cite également la philosophe Mary Midgley, qui, dans Science and Poetry (2001)[note 14], met en garde contre le réductionnisme de la pensée scientifique, modèle opposé à l'hypothèse Gaïa. La séparation de l'esprit et du corps, amorcée dès René Descartes, a conduit selon lui à une vision réductionniste du monde et, de là, à son exploitation. Or, pour Lovelock, il est urgent de repenser le sens de l'homme dans la Nature, sans quoi celle-ci pourrait nous détruire, en réaction à notre activité destructrice. La « passion de la ville » est ainsi une absurdité ayant conduit l'homme à oublier son milieu. Les réformes et plans écologiques mondiaux sont également des pis-aller : le mythe du développement durable et les énergies alternatives sont des idéologies qui permettent de repousser le problème selon Lovelock et Margulis, problème qui demeure notre capacité d'adaptation de nos besoins à notre milieu, et non d'assujettissement du milieu à nos besoins. Reconnaître cette menace est la seule chose qui puisse mobiliser l'homme : « Tant qu'un danger réel et immédiat n'est pas perçu, la tribu n'agit pas à l'unisson »[16] explique-t-il. Une critique de la croissance démographique[modifier le code] Le principal problème est, pour Lovelock — et a contrario de la pensée commune — la démographie, cause de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles[106] : « Les choses que nous faisons à la planète ne sont pas agressives et ne représentent pas non plus une menace géophysiologique, tant que nous ne les faisons pas à grande échelle. S'il n'y avait sur Terre que 500 millions d'humains, pratiquement rien de ce que nous faisons actuellement à l'environnement ne perturberait Gaïa. […] Ce n'est pas une simple question de surpopulation ; une forte densité de population causerait moins de perturbations dans les régions tempérées de l'hémisphère Nord que dans les tropiques humides[107]. » L'anthropisation peut, finalement, se résumer à la surpopulation qui détruit les mécanismes naturels de rétroaction négative, conduisant au dérèglement de la Terre : « Un slogan comme “la seule pollution, c'est la population” désigne une implacable réalité. La pollution est toujours affaire de quantité. Dans l'état naturel, il n'y a pas de pollution. […] Aucune des atteintes écologiques auxquelles nous sommes actuellement confrontés — la destruction des forêts tropicales, la dégradation des terres et des océans, la menace imminente d'un réchauffement de la planète, la diminution de la couche d'ozone et les pluies acides — ne constituerait un problème perceptible si la population humaine du globe était de 500 millions[108]. » Ses détracteurs ont ainsi taxé Lovelock de néomalthusianisme car il propose de revenir à des moyens de lutte démographique ou de régulation des naissances[109], sans toutefois ne jamais cautionner l'eugénisme[110]. Une critique de l'écologie politique[modifier le code] Le modèle Gaïa s'oppose radicalement aux courants écologistes politiques actuels : « Les militants écologistes, les Églises, les politiciens et les scientifiques s'inquiètent tous des dégâts causés à l'environnement. Mais s'ils sont inquiets, c'est pour le bien de l'humanité » explique Lovelock qui vilipende souvent dans ses écrits les mouvements écologistes, accusés de perpétuer un anthropocentrisme naïf[111],[112]. Lovelock les accuse de ne pas prendre le problème dans sa juste dimension scientifique, et de soutenir des points de vue sans fondements rationnels selon lui, tels la pollution par la radioactivité, l'efficacité des énergies renouvelables, la place du nucléaire civil enfin. « L'idéologie des écologistes nuit à la santé de la Terre » dit-il[106]. Plus que tout, Lovelock taxe l'écologie politique de continuer à placer l'homme au centre des préoccupations liées au problème du réchauffement climatique. La position de Lovelock et de ses partisans a permis à des mouvements écologistes pronucléaires, comme le collectif Environmentalists For Nuclear Energy, d'asseoir leurs actions sur une base scientifique[113]. Le fonctionnement de Gaïa[modifier le code] Existence de contraintes physiques[modifier le code] Lovelock précise qu'avant même de comprendre le « fonctionnement » du système-gaïen, il est impératif de saisir le fait que la Terre est soumise à un ensemble de contraintes ou de limitations purement physiques. Par exemple, les populations biologiques obéissent à des règles limitatives sans lesquelles la vie aurait eu une croissance exponentielle empêchant toute régulation homéostatique. Il en est de même au niveau des cycles géochimiques et des autres « agents gaïens ». Lovelock parle de « paramètres globaux », et cite : le climat, la composition de l'atmosphère et celle des océans, la luminosité solaire, les propriétés de l'eau, la force géothermique, etc. Néanmoins, ces contraintes environnementales dépendent de la tolérance des organismes eux-mêmes ; il existe par exemple une température minimale, maximale, et optimale pour la multiplication de tous les êtres vivants (hors quelques espèces extrêmophiles). Ce constat vaut également pour l'acidité, la salinité et la concentration de l'oxygène dans l'air et dans l'eau. « En conséquence, les organismes doivent vivre à l'intérieur des limites fixées par les propriétés de leur milieu »[115]. En réalité, Lovelock démontre que pour l'essentiel la vie prospère entre 25 et 35 °C. La formation de la couche de surface est également une forte contrainte sur la vie océanique ; les propriétés de l'eau limitent la multiplication des espèces au-delà d'une certaine densité. La salinité de l'eau est aussi un paramètre contraignant[116] : un taux supérieur en sel de 8 % entraîne la mort de l'organisme. En somme, ces contraintes physiques imposées par les propriétés de l'eau ont un effet sur la croissance du vivant et déterminent le rapport entre cette croissance, la température, et la répartition de la vie sur Terre[117]. Le contrôle par le système de la température, au moyen de quatre processus identifiés, est pour lui la preuve première d'une recherche d'un équilibre favorable à la vie[118]. Mais le maintien d'une composition chimique stable est aussi important. Les conclusions d'Andrew Watson et de Tim Lenton ont montré les mécanismes régulant l'oxygène atmosphérique, permis par le rôle du phosphore[119]. Les rôles du sélénium, du soufre et de l'iode sont également fondamentaux pour cerner la question. L'ouvrage de Lee Kump, James Kasting et Robert Crane, The Earth System, fournit l'état des connaissances actuelles sur les liens complexes qui unissent les algues, la production de soufre gazeux, la chimie atmosphérique, la physique des nuages et le climat[note 15]. Les rétroactions positives[modifier le code] Le modèle informatique Daisyworld permet à Lovelock et Lee Kump de mettre en avant un phénomène de régulation automatique, et délicat à cerner : les rétroactions positives (positive feedback loop en anglais). Le modèle montre en effet que dans un scénario où l'écosystème propre aux algues subit une agression, les fluctuations s'amplifient sous l'effet d'une rétroaction positive — une augmentation soudaine, de la température moyenne le cas échéant. Lovelock pense alors que tout apport de chaleur, quelle qu'en soit la source, sera amplifié, sans qu'aucune résistance ne s'y oppose ; la température joue donc un rôle dynamique fondamental, en plus de permettre un diagnostic de l'état du système global. Les rétroactions positives empirent un système, en empêchant une stabilisation en retour, au contraire des rétroactions négatives, qui conduisent à contrebalancer les premières. Lovelock énumère six rétroactions positives, ou rétroactions anti-gaïennes selon la terminologie de James Kirchner[120] à l'œuvre sur le globe[121] : l'albédo de la glace : la fonte de la couverture neigeuse entraîne à son tour un réchauffement qui accélère le processus. Lovelock cite ainsi l'effet Budyko, du nom du géophysicien russe Mikhail Budyko[note 16] qui en découvrit la propriété. Tyler Volk a étudié le rôle des couches de glace dans le processus de refroidissement planétaire ; la vitesse d'absorpt

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Troie (en grec ancien Τροία / Troía et en turc Truva), Ilios (en grec ancien Ἴλιος, Ílios) ou Ilion (en grec ancien Ἴλιον, Ílion), ou encore Ilium en latin, est une cité antique d'Asie Mineure. Elle est au centre des récits et légendes notamment de la guerre de Troie, le lieu principal des événements du cycle troyen rapportés dans les poèmes épiques homériques l'Iliade et l'Odyssée. Refondée par les Éoliens quelques siècles après son abandon, sur l'emplacement de la cité-palais de l'âge du bronze, Ilion poursuit sa vie de cité grecque au cours de l'Antiquité. Elle devient un lieu de passage prestigieux où l'on honore Athéna Ilias et les héros de la guerre de Troie, tombés au combat et réputés être enterrés dans les environs de la ville. La cité est choyée et courtisée par de nombreux souverains hellénistiques, ainsi que par Rome qui y situait les origines de son peuple, issu du prince troyen légendaire Énée. La plupart des spécialistes du monde hittite et anatolien de l'âge du bronze assimilent Troie à la cité de Wilusa mentionnée dans les tablettes hittites et dont le roi contrôlait un territoire situé à l'ouest desdits hittites, près de l'île de Lesbos et du fleuve Caïque : la Troade. La région est aussi mentionnée dans ces documents diplomatiques sous le nom de Truwisa. Son emplacement a été recherché depuis le XIXe siècle. Située à l'entrée de l'Hellespont, non loin de la mer Égée, au nord-ouest de la péninsule anatolienne dans la région appelée Troade, la ville de Troie est aujourd'hui localisée sur la colline d'Hisarlik, le site archéologique de Troie (en turc Hisarlık). Le lieu, occupé depuis le IVe millénaire av. J.-C., partiellement abandonné à la fin de l'âge du bronze, fut par la suite l'emplacement d'une cité grecque de l'époque classique, puis hellénistique et romaine. Le site de Troie est classé au patrimoine mondial de l'UNESCO dans la région Europe et Amérique du Nord, comme l'ensemble de la Turquie[1]. Localisation[modifier le code] Article détaillé : Site archéologique de Troie. Le site de Troie — Ilion — est resté fréquenté et identifié comme tel durant toute l'Antiquité et la Troade est une région bien identifiée par les voyageurs de l'époque moderne. Mais sa localisation exacte s'est perdue à la fin de l'Antiquité et au début du Moyen Âge : la communauté grecque puis romaine abandonne le site au VIe siècle. Un évêché y subsiste néanmoins jusqu'au IXe siècle, mais l'appellation d'Ilion se perd progressivement. L'identification du site devient l'objet d'une enquête historique et archéologique au cours du XVIIIe siècle[2]. À l'ère des antiquaires et du « Grand Tour »[modifier le code] Les premiers siècles de l'époque moderne apportent leur lot de voyageurs à la recherche de l'antique cité de Troie. Aux XVIe et XVIIe siècles, Pierre Belon et Pietro Della Valle situent Troie à l'emplacement d'Alexandrie de Troade, qui se situe à 20 km au sud d'Hissarlik[3]. Au milieu du XVIIIe siècle, un regain d'intérêt pour la culture classique se manifeste. L'exploration archéologique fait ses premiers pas, avec la redécouverte de grandes villes de l'Antiquité comme Pompéi et Herculanum, respectivement découvertes en 1748 et 1738. Les récits d'Homère et de Virgile incitent quelques voyageurs à chercher les ruines de Troie. En 1776, l'aristocrate français Choiseul-Gouffier, analysant l'Iliade, suggère que les ruines de Troie pourraient être enterrées sous un monticule proche d'un petit hameau turc, Bunarbashi, situé à cinq kilomètres d'Hissarlik, à dix kilomètres de la mer Égée et à treize kilomètres du détroit des Dardanelles. Plus tard, cette théorie sera popularisée par son collaborateur Jean-Baptiste Le Chevalier et trouvera crédit chez les hellénistes du XIXe siècle. Il publie son hypothèse dans Voyage de la Troade et la localisation qu'il propose reste majoritairement admise pendant près d'un siècle[3]. Romantisme et premières fouilles[modifier le code] En 1801, les savants britanniques Edward Daniel Clarke et John Martin Cripps avancent l'hypothèse que la cité doit se trouver sous une autre colline, plus proche de la côte, que les Turcs appellent Hissarlik. D'autres travaux, notamment ceux du journaliste écossais Charles Maclaren (1822)[4],[3] et de Gustav von Eckenbrecher (1842), vont dans le même sens[5]. Au fil des ans, plusieurs explorateurs se rendent sur place pour rechercher des traces de la guerre de Troie. En 1810, Lord Byron fait une lecture publique de l'Iliade sur les lieux supposés des événements. En 1847, Thomas Burgon publie un rapport sur des fragments de céramiques trouvés dans la zone d'Hissarlik. Grâce à ses recherches, des universitaires se montrent moins sceptiques, et c'est ainsi que Charles Thomas Newton, qui sera par la suite conservateur des antiquités grecques et romaines du British Museum, compare les découvertes de Burgon avec les céramiques trouvées en Égypte. Il conclut qu'elles datent du XIVe siècle av. J.-C. Les fouilles de Calvert[modifier le code] En 1863-1865, le Britannique Frank Calvert, dont la famille est propriétaire de la moitié de la colline d'Hissarlik, confirme que celle-ci est une élévation artificielle formée des ruines enterrées, qu'il localise au cours de quatre fouilles sommaires. Le rôle de Calvert dans la redécouverte archéologique de Troie a été longtemps éclipsé par le succès médiatique de Heinrich Schliemann[7]. Son apport décisif sera cependant réévalué à la fin du XXe siècle[8]. Autodidacte, Calvert mène de nombreuses fouilles en Troade[9], notamment à Hissarlik où il organise des prospections avec son frère, agent consulaire pour les États-Unis dans la région[10]. Son travail et ses explorations de Hissarlik[11] achèvent de convaincre Schliemann qu'il s'agit bien de Troie[12]. Les fouilles de Schliemann : les neuf cités[modifier le code] En 1868, Heinrich Schliemann, armateur, marchand et archéologue amateur, rend visite à Calvert. Il lui demande l'autorisation de fouiller à Hissarlik, étant convaincu que les événements décrits dans l'Iliade et l'Odyssée peuvent être vérifiés par l'archéologie. Il finance les fouilles avec sa propre fortune. Il divorce et se remarie avec la jeune Sophia[13], qui l'accompagne dans les nombreuses campagnes de fouilles[14]. De 1871 à 1873 et de 1878 à 1879, Schliemann fait creuser de grandes tranchées. Il met au jour une série de villes empilées et enchevêtrées les unes dans les autres, sur une colline artificielle de vestiges accumulés au cours des millénaires. Il exhume de nombreux édifices qui remontent à l'âge du bronze et jusqu'à l'époque romaine tardive. De nombreuses inscriptions en grec et en latin sont exhumées. Schliemann est le premier à séquencer le site en neuf phases, de Troie I à Troie IX. Cette stratigraphie est toujours utilisée, bien que révisée et ayant fait l'objet de subdivisions plus précises[2]. Dans les ruines de Troie II, il découvre de nombreux objets précieux en or, en argent et en bronze. Cet ensemble considérable de pièces d'orfèvrerie et de bijouterie, qu'il baptise « trésor de Priam », lui fait penser que le niveau de Troie II est celui de la Troie homérique. Cependant, les niveaux de Troie II sont bien plus anciens que les datations généralement retenues pour les événements décrits par Homère, qui correspondent en réalité à la période d'occupation de Troie VII[2],[15]. L'identification du site d'Hissarlik à la cité légendaire de Troie est alors largement diffusée. Elle reçoit l'approbation d'une grande partie de la communauté scientifique, notamment du fait des inscriptions en grec et en latin qui mentionnent toutes le nom de la cité à l'époque classique, hellénistique et romaine : Ilion / Ilium, le nom antique le plus répandu de Troie[2]. Carte de 1890 situant Troie à l'emplacement du site archéologique d'Hissarlik. Reste des remparts de Troie VII (à gauche), identifiée comme la Troie homérique, vers 1200 av. J.-C. Après Schliemann[modifier le code] À l'invitation de Schliemann, Wilhelm Dörpfeld rejoint les fouilles en 1893. Il hérite de la direction de celles-ci et mène des fouilles pendant plusieurs décennies, concentrant ses travaux sur Troie VI[16]. Dans les années 1930, les fouilles sont encadrées par l'Université de Cincinnati, sous la direction de Carl Blegen. Ils appliquent aux fouilles de Troie un cadre méthodologique moderne, scientifiquement plus poussé que la méthode Schliemann. Blegen publie un phasage étendu de l'acropole d'Hissarlik : il divise les 9 villes de Troie de Schliemann en 46 subdivisions plus fines des vestiges[17],[18]. Les fouilles de Troie sont dirigées ensuite, de 1988 au début des années 2000, par Manfred Korfmann, à la tête d'une équipe binationale mêlant des membres de l'Université de Cincinnati et de l'Université de Tübingen. Korfmann confie à Charles Brian Rose les fouilles des niveaux postérieurs à l'âge du bronze. Les travaux de Korfmann et de Rose permettent progressivement d'affiner le faciès archéologique et la datation des vestiges de chaque phase, et permettent de mettre au jour de nouveaux édifices. Le site est classé au patrimoine mondial de l'Unesco en 1988. Il constitue une trace historique majeure des contacts entre Anatolie et monde méditerranéen antiques, de par ses échos dans la littérature au cours des millénaires, et de par la formidable architecture qui s'y trouve toujours, accessible au public[19]. Toponymie[modifier le code] Si le nom actuel de Troie est unanimement utilisé, comme tel et dans ses variantes, dans la plupart des langues modernes, le nom antique de Troie est multiple, selon la langue, le type de document historique (tablette, poésie, inscription, monnaies, etc.) dans lequel la cité est nommée, ou l'époque de l'Antiquité (âge du bronze, époque archaïque, époque romaine). Dans la documentation cunéiforme et hiéroglyphique[modifier le code] Dans les années 1920, le Suisse Emil Forrer propose d'identifier les toponymes hittites Wilusa et Taruisa, deux noms attestés dans la documentation en langue hittite sur tablette d'argile, avec les noms de Ilion et de Troia respectivement[20]. Il est le premier à proposer la transcription du nom de souverain anatolien Alaksandu en Alexandros (par ailleurs autre nom de Pâris dans l'Iliade). Ce nom est en effet mentionné dans un traité en langue hittite. En 1999, après plusieurs décennies de débats sur ces identifications, Trevor Bryce, un hittitologue australien, propose, dans son ouvrage The Kingdom of The Hittites, de localiser le royaume de Wilusa dans la région désignée dans la lettre écrite par un roi client des Hittites, un certain Manapa-Tarhunda[21],[22], au souverain hittite, vers 1295 av. J.-C., et faisant allusion à « une terre au-delà de la rivière Caïque et près de l'île de Lesbos »[23]. La lettre mentionne par ailleurs un autre souverain de Wilusa, Piyama-Radu, selon une autre lettre écrite par un certain Tawagalawa. Le nom Piyama pourrait avoir donné le nom de Priam dans les épopées homériques[24],[25],[26]. La « lettre de Tawagalawa » (CTH 181) contient la correspondance entre un roi hittite, Hattusili III (règne : 1265-1240 av. J.-C.) ou Muwatalli (règne : vers 1296-1272), et un « roi des Ahhiyawa » au sujet d'un épisode militaire conflictuel avec Wilusa. L'identification des Ahhiyawa avec les Achéens d'Homère demeure controversée[27],[28],[29],[30]. Le roi de Milet, autrement appelée Milawata dans la correspondance diplomatique hittite, est, selon cette lettre, l'auteur d'une campagne militaire contre Wilusa, alliée historique du royaume des Hittites. Tawagalawa est par ailleurs la transcription, en hittite, du nom grec Étéocles, Etewoklewes dans les sources grecques mycéniennes[21],[31]. Si cette identification Ilios - Wilusa / Troia - Taruisa est toujours pour l'heure source de débats historiographiques et linguistiques dans la communauté des linguistes et des historiens, elle demeure très majoritairement admise, et fournit ainsi un arrière-plan géopolitique et diplomatique de premier intérêt pour la compréhension des relations entre états vassaux anatoliens, grands royaumes orientaux et monde mycénien au cours du IIe millénaire, censément l'époque à laquelle se serait déroulée la légendaire guerre de Troie[32],[33]. Les inscriptions égyptiennes du Nouvel Empire évoquent quant à elles un peuple appelé les Tursha / Teresh (T-R-S), issu des peuples de la mer et qui ont attaqué l'Égypte pendant les XIXe et XXe dynasties. La proximité phonétique entre la région de la Taruisa hittite et les Tursha / Teresh en égyptien a incité les historiens à penser qu'il s'agit peut-être du même peuple, venu de l'Anatolie occidentale et ayant mené des expéditions maritimes. Une inscription de Deir el-Medina évoque ainsi la victoire de Ramsès III sur les peuples de la mer, dont ces Tursha ([twrš3] en égyptien). Une stèle de Mérenptah commémore, elle, une victoire sur les Teresh ([trš.w] en égyptien) vers 1220 av. J.-C.[34]. Dans la littérature homérique[modifier le code] Dans les poèmes homériques l'Iliade et l'Odyssée, la métrique rigoureusement suivie par le genre poétique suggère que le nom de Troie, Ilion, Ἴλιον, était à l'origine marqué par un digamma initial, transcrit Ϝίλιον (Wilion)[35] ; le nom hittite de Troie, Wilusa, indique une prononciation similaire[35],[36]. La cité mentionnée pour la première fois par Homère dans la littérature grecque est nommée de différentes manières, selon les auteurs et selon les filiations mythologiques auxquelles ces derniers se raccrochent pour identifier les origines de Troie : Teucrie par les poètes, du nom de son premier roi mythique, Teucros de Phrygie, chez Apollodore, Diodore de Sicile, et Virgile ; Ilios (en grec ancien Ἴλιος, Ílios) ou Ilion (en grec ancien Ἴλιον, Ílion) qui, selon les linguistes, pourrait dériver du hittite Wilusa ou, selon la mythologie, du nom de son fondateur : Ilos, héros éponyme de la cité ; Ilium, du nom de la cité romaine refondée à l'emplacement de Troie à l'époque impériale, ayant notamment produit un monnayage. Étymologie[modifier le code] L'étymologie du nom de Τροία / Troía / Troie pourrait avoir deux origines : le toponyme dériverait du hittite Taruiša (« rivières ») selon les linguistes[37] ; il dériverait de l'anthroponyme Tros, l'un des héros mythologiques de Troie, toujours selon Apollodore, Diodore de Sicile, Virgile, et d'autres auteurs comme Plutarque. La Troie légendaire[modifier le code] L'histoire de Troie est l'objet de plusieurs traditions. La cité, au centre du cycle troyen, est très largement mentionnée dans le cadre de légendes, mythes et guerres dont l'historicité est discutable, mais dont le contenu raccroche la ville à la très grande majorité des héros grecs et à de nombreux dieux. Sur la fondation, l'histoire et la destruction de la Troie légendaire, les auteurs antiques ont abondamment écrit, non seulement Homère, mais aussi de nombreux auteurs de la tradition post-homérique, jusqu'à la fin de l'époque romaine et même au cours de l'époque byzantine. Commentaires sur les personnages, interprétations concurrentes, généalogies modifiées, ordre chronologique des événements sont autant de points sur lesquels les auteurs se livrent à de nombreux commentaires érudits. Ces légendes font l'objet de nombreuses études d'analyse du mythe, selon un angle comparatiste, structuraliste, fonctionnel, politique, faisant de l'histoire de Troie un réceptacle fécond pour l'étude des catégories mentales grecques antiques. Le vase de Mykonos, musée archéologique de Mykonos (Inv. 2240), portant sur sa panse une des représentations les plus anciennes du cheval de Troie, vers 670 av. J.-C. Le sac de Troie, par le peintre de Brygos, face A d'un kylix attique à figures rouges, vers 490 av. J.-C. Provenance : Vulci. Table iliaque : bas-relief illustrant des scènes des poèmes homériques et du cycle troyen – ici, de l'Ilioupersis, de l'Iliade, de la Petite Iliade et de l'Éthiopide. Calcaire, œuvre romaine, Ier siècle av. J.-C. Fondation[modifier le code] Origines de la dynastie[modifier le code] Article connexe : Arbre généalogique des rois de Troie. Dans la mythologie grecque, Ilos (en grec ancien Ἶλος / Îlos), parfois nommé Ilion, fils de Tros et de Callirrhoé, est le fondateur mythique de Troie (ou Ilion). Il est marié à Eurydice, fille d'Adraste, de qui il a un fils, Laomédon, et une fille, Thémisté. Son père, Tros (en grec ancien Τρώς / Trốs), est le héros éponyme de la Troade et de Troie. Tros était le fils d'Érichthonios et d'Astyoché, et donc le petit-fils de Dardanos, héros éponyme de la Dardanie, fils de Zeus et de la pléiade Électre[38]. Dardanos avait fui le déluge et trouvé asile auprès du roi Teucros de Phrygie. Après la mort de Teucros, il devint le seul héritier, en se mariant avec Batia, la fille du roi Teucros. La fondation de la ville[modifier le code] Selon le pseudo-Apollodore, Ilos prit part à des jeux organisés par le roi de Phrygie où il remporta le concours de lutte. Il reçut en récompense cinquante jeunes hommes et cinquante jeunes filles. Le roi, faisant suite à un oracle, lui donna également une vache en lui disant de fonder une ville là où l'animal se coucherait ; cela se produisit finalement sur une colline nommée Até (« Folie », d'après la déesse éponyme). Se conformant à l'oracle, Ilos entreprit de dessiner les fondations d'une ville, et pria Zeus de lui envoyer un signe afin de témoigner de sa faveur. Tombant du ciel, la statue du Palladium (représentant Pallas Athéné en armes) apparut devant sa tente. Il décida de consacrer un temple à la déesse afin de l'honorer (la statue conférait l'inexpugnabilité à Troie). Selon une autre légende, rapportée par Plutarque, il devint aveugle en sauvant le Palladium d'un incendie (il était interdit aux hommes de le regarder). Il retrouva par la suite la vue par l'entremise de sacrifices expiatoires. Dans l'Iliade, il est fait référence, à de nombreuses reprises, au tombeau d'Ilos situé dans la plaine de Troie à proximité d'un gué pour traverser le Scamandre. Au IVe siècle av. J.-C., le philosophe Théophraste mentionne des arbres vieux et vénérables existant sur la tombe d'Ilos à Ilion. La cité est parfois nommée Pergame, du nom de sa citadelle (Πέργαμος / Pérgamos[Pi 1],[Ap 1],[39]). Pergame est le surnom de Troie et il ne faut pas le confondre avec le nom d'une autre forteresse, Pergame, plus au sud. Le règne de Laomédon[modifier le code] Laomédon, le fils d'Ilos, lui succède sur le trône comme second roi mythique de Troie (daté par certains des XIVe et XIIIe siècles). Il est le père de Priam, roi de Troie au cours de la guerre contre les Grecs, et d'Hésione, qu'il fait enchaîner à un rocher, la sacrifiant au monstre marin Céto envoyé par Poséidon en colère. Elle est sauvée grâce à l'intervention d'Héraclès. Cependant, l'attitude de Laomédon est à l'origine de bien des troubles pour Troie : son histoire met souvent en avant sa mauvaise foi et ses parjures à l'encontre des dieux et d'Héraclès, du fait des promesses non tenues par le roi envers les dieux[AA 1],[VG 1],[VÉ 1],[VÉ 2],[AA 2]. La construction des remparts[modifier le code] Laomédon fait rapidement construire le mur de Troie qui encercle sa ville et doit la rendre inviolable. Ces remparts suscitent l'admiration par leur hauteur et leur réputation d'inviolabilité. On attribue alors leur construction aux dieux Apollon[AA 3] — le dieu tutélaire de la région — et Poséidon — le dieu de la mer[40],[AA 4]. Selon Homère, ils sont, l'un et l'autre, exilés par Zeus de l'Olympe pour une année entière. Ils sont contraints par Zeus de se faire serviteurs chez les hommes et de travailler contre un salaire. Ils arrivent chez Laomédon et doivent alors obéir à ses ordres[HI 1],[Ap 1],[AA 1],[AA 5],[DS 1],[Ly 1],[Mü 1],[AA 6],[AA 7],[AA 8],[AA 9],[AA 10]. Refusant cependant de les rétribuer, Laomédon attire leur courroux sur lui et ses sujets[41]. Toujours selon Homère, c'est seulement Poséidon qui érige les murailles troyennes alors qu'Apollon fait plutôt paître ses troupeaux près du mont Ida de Troade[HI 1],[Pa 1],[VÉ 3],[AA 10]. Ainsi Troie est-elle parfois surnommée la Citadelle de Poséidon[AA 11],[VÉ 4],[Se 1]. La tradition fait tantôt des deux dieux les constructeurs du mur, tantôt d'Apollon un simple berger et Poséidon le bâtisseur, comme si le premier était honoré et soustrait du servage, l'autre devant travailler à la construction du mur[Mü 2],[42]. Laomédon fait appel à un troisième constructeur selon le poète Pindare[Pi 2] : alors que les dieux s'apprêtent à achever la ceinture murée de la ville telle une couronne[PS 1], le roi d'Égine, Éaque, dont le royaume insulaire se trouve au sud d'Athènes en Grèce, se voit appelé — voire sommé — et associé au travail divin. L'épisode de la construction des murailles de Troie a fait l'objet de nombreux commentaires : Pierre Commelin suggère que c'est Apollon qui érige les murailles tandis que les grandes digues que Laomédon fait aussi bâtir contre les vagues passent pour l'ouvrage de Poséidon[HI 2],[43]. Selon Eustathe de Thessalonique, érudit et ecclésiastique byzantin qui commente les récits d'Homère au XIIe siècle, deux ouvriers auraient œuvré à construire le mur sans en attendre de salaire et auraient voué leur travail aux deux dieux Poséidon et Apollon, c'est à partir de cela que le mythe se serait développé[AA 10]. Cette lecture s'inscrit dans une perspective évhémériste. Eustathe de Thessalonique démythifie plus avant l'épisode de la construction des murailles en suggérant que Laomédon aurait pris les richesses des temples d'Apollon et de Poséidon pour financer son mur et le développement de sa ville, d'où la colère des dieux dans les légendes[AA 10] ; une scholie commente le mythe en affirmant que les poètes antiques ont simplement personnifié les dieux alors que Laomédon aurait simplement vendu sur la place publique les richesses des fêtes sacrificielles dédiées et amassées dans les temples consacrés à ces dieux dans la ville haute (l'acropole)[Mü 1],[AA 12],[FGrH 1] ; Laomédon se serait ainsi rendu coupable de prédation sur les biens des temples et aurait détourné leurs richesses : il aurait promis de grandes constructions aux dieux et en aurait utilisé le bénéfice pour le dépenser afin de terminer son mur[Se 2]. Paléphatos, cité par Eustathe de Thessalonique, partisan d'une lecture evhémériste du mythe de la construction des remparts de Troie, ne croit pas non plus à la participation des dieux à la construction de l'édifice. Il considère, lui, que c'est parce que Laomédon a fait usage de la richesse du temple de ces divinités, afin de construire les fondations de ses murs, que ces ouvrages auraient donné une apparence concrète et matérielle aux dieux. Selon lui, si Poséidon est associé à la construction du rempart, c'est en raison de l'eau utilisée pour faire de l'argile ou du gypse, un liant pour les pierres (par le biais d'un enduit argileux ou d'un mortier de chaux). De cette même façon, selon lui, la chaleur ambiante dispensée par le Soleil fait consolider l'ensemble en le desséchant donc et ainsi Apollon devient acteur de la construction du mur par son pouvoir solaire[AA 13]. L'introduction du personnage d'Éaque participant aux côtés des dieux Apollon et Poséidon à la construction des murs est, pour certains (peut-être le grammairien Didymus Chalcenterus), un ajout de Pindare pour justifier un point faible dans la muraille — et par la même occasion magnifier les portions divines — et par lequel cette partie du mur, et seulement elle, permettra de justifier l'entrée des Grecs dans la cité plus tard. Le poète thébain a voulu éviter ce qui lui semblait un manque de respect ou un affaiblissement de l'image grandiose des dieux. On retrouve plus tard également l'évocation du personnage d'Éaque chez Euphorion de Chalcis[PS 2],[PS 3],[AA 14],[42]. La vengeance des dieux[modifier le code] Les châtiments divins contre Laomédon sont nombreux et impitoyables : Apollon décoche sur la région entière une épidémie[Ap 1],[AA 5], qui touche tout un chacun sans distinction de rang, de justice ou de clémence envers les plus faibles ou les plus jeunes. Pour certains auteurs, notamment Valérius Flaccus[AA 5], viennent aussi des incendies dans les campagnes, dont on ne sait s'il s'agit là de l'acte des hommes qui brûlent les corps de parents qui ont expiré de la maladie ou s'il s'agit de l'action du dieu solaire Apollon. Poséidon, quant à lui, envoie le monstre marin Céto / Kétos pour attaquer Troie. L'attaque de Céto contre Troie, après la construction des remparts de la cité, est l'objet de plusieurs versions contradictoires dans les différents corpus mythologiques antiques. Mentionnant la vengeance des dieux contre Laomédon, Ovide identifie Céto à une inondation[AA 1]. D'autres auteurs, comme Valerius Flaccus, y joignent un bruit de tremblement de terre[AA 5], ces deux éléments suggérant un tsunami. Héraclès contre Troie : la « première guerre de Troie »[modifier le code] Selon Apollodore, le monstre Céto, un géant marin au corps de serpent et de cheval, fut tué par Héraclès[Ap 2]. Selon les Histoires incroyables de Palaiphatos de Samos, Céto, qu'il dit s'appeler aussi Céton, était non pas un monstre mais un roi puissant qui, grâce à ses navires, soumettait toutes les côtes de l'Asie mineure, dont notamment la ville de Troie, qui lui devait un tribut appelé dasmos. À cette époque l'argent n'existait pas — aussi payait-on le tribut en nature, avec des chevaux, des bœufs, ou des jeunes filles. Si le tribut n'était pas payé, il dévastait la région. La victoire de Troie contre Céto / Céton est toujours du fait de l'intervention d'Héraclès dans ces récits mythiques. Selon Palaiphatos, Héraclès et ses hommes armés passaient à ce moment-là dans la région alors que le roi Céton débarquait et marchait contre Troie ; Laomédon engagea les soldats grecs, qui aux côtés des siens luttèrent et tuèrent Céton et ses hommes[AA 15]. Pour d'autres auteurs, Héraclès, suivant Jason à la recherche de la toison d'or en Colchide, trouve Hésione enchaînée à un rocher sur le rivage de Troie, entièrement nue et parée de ses seuls bijoux. Il brise ses chaînes et propose au roi Laomédon de tuer le monstre marin Céto en échange de deux chevaux blancs immortels que Zeus avait offerts à Tros, le grand-père de Laomédon, pour le prix de l'enlèvement de Ganymède[44]. Les Troyens construisent alors un haut mur à quelque distance du rivage. Lorsque le monstre atteint le mur, il ouvre ses énormes mâchoires, et Héraclès s'engage tout entier, armé, dans la gorge du monstre. Après trois jours, il sort victorieux du ventre du monstre. Laomédon aurait alors trompé Héraclès (c'est ainsi son deuxième parjure) en substituant deux chevaux ordinaires aux chevaux immortels promis. Héraclès s'embarque très en colère après avoir menacé de mener la guerre contre Troie. La tromperie de Laomédon met en colère Héraclès[Da 1] qui prépare sa vengeance[Di 1]. Le géographe Strabon soutient que ce n'est pas pour les juments qu'Héraclès est en colère, mais en raison du refus de le récompenser[AA 16]. Après ses douze travaux et les trois années passées en esclavage auprès d'Omphale, Héraclès revigoré s'en va solder le différend avec Laomédon que les années n'ont pas permis d'apaiser[Ap 3],[Di 2], incapable de se languir dans le repos[AA 17]. Héraclès s'en retourne en Grèce, dans le Péloponnèse, pour préparer la guerre contre Laomédon[Di 3]. Il se rend sur l'île de Paros dans les Cyclades où il dresse un autel à Zeus et Apollon. Puis sur l'isthme de Corinthe, rempli de colère, il prédit le châtiment futur de Laomédon[PF 1]). Dans sa propre ville de Tirynthe, il cherche des soldats et érige un autel au dieu de la guerre Arès[Pi 3],[AA 18]. Héraclès réunit alors une armée[Mü 2],[Mü 3] et s'entoure des meilleurs et des plus braves et plus nobles compagnons[Di 3], la fleur des guerriers de Grèce[AA 3], tous volontaires[Ap 3]. Il compte parmi ses alliés de puissants héros et guerriers : Télamon, de Salamine[Ap 4], fils du roi Éaque qui, par le passé, avait participé à la construction des remparts de Troie[Pi 2]. Télamon est sans doute le compagnon d'Héraclès le plus cité[Di 3],[Ap 3],[AA 1],[Pi 3],[Pi 4],[Pi 5],[Da 1],[AA 19],[So 1],[AA 18],[Mü 4],[FGrH 2]. Télamon avait été chassé d'Égine par son père Éaque après le meurtre de son frère Phocos[Ap 4] ; Pélée, roi de la ville de Phthie en Thessalie[Ap 5]. Il est le frère de Télamon et fils d'Éaque[Ap 4]. Zeus lui a donné l'immortelle Thétis comme épouse[Ap 6] dont le mariage conduira à la guerre de Troie homérique[Hy 1] ; si Pélée se joint donc à Héraclès[Da 1],[PF 2],[AA 18], c'est son fils Achille qui s'illustrera par la suite durant la seconde guerre de Troie, celle de l'Iliade[Ap 6] ; Oïclès d'Argos ou d'Arcadie[Ap 7],[Pa 2] est considéré habituellement comme le père d'Amphiaraos[HO 1],[Di 4],[Pa 3],[Ap 8], dont le descendant de ce dernier, Amphiloque, combat à la guerre de Troie d'Homère[AA 20]. Oïclès est un parent du devin Mélampous[Pa 3],[Di 4]. Oïclès se trouve aux côtés d'Héraclès lors de sa guerre contre Troie[Ap 3],[Di 3],[AA 18] ; Iolaos ou Iolas, fils d'Iphiclès et neveu d'Héraclès[Ap 9]. C'est un proche d'Héraclès et l'un de ses principaux compagnons, notamment durant les « Travaux ». Il conduit fréquemment le char de son oncle[Ap 10],[Pa 4]. Héraclès finit par lui confier sa femme Mégara[Di 5],[Ap 11]. Iolaos sera célébré dans la ville de Thèbes[Pi 6],[Pa 5] ; Déimaque fils d'Éléon, originaire de Béotie, est un jeune homme plein de vertu selon Plutarque[AA 21] ; Castor et Pollux de Sparte, les fameux Dioscures. Pollux est le fils de Zeus et donc le demi-frère d'Héraclès. Une version tardive les fait tous deux fils de Zeus[Hy 2] ; Nestor, roi de Pylos, seul fils de Nélée à avoir accepté de purifier Héraclès du meurtre d'Iphitos[Di 5]. Réputé pour sa longévité exceptionnelle, il participe aux deux guerres de Troie[HI 3]. L'armée d'Héraclès s'embarque à bord de plusieurs navires à Tirynthe[Ly 2],[Pi 3]. Selon certains auteurs, Héraclès équipe dix-huit vaisseaux longs[Di 3] d'environ cinquante rameurs chacun[Ap 3]. Il débarque près de Troie par surprise et confie la garde des navires à Oïclès. Laomédon envoie ses hommes pour brûler les navires d'Héraclès. Oïclès résiste jusqu'à la mort, laissant aux soldats le temps de s'enfuir vers les vaisseaux et de reprendre le large[45],[Ap 3],[Di 3]. Pendant ce temps, Héraclès ordonne l'assaut de la ville. Télamon réussit à faire une brèche dans la muraille et à pénétrer dans la ville. Laomédon revient alors sur ses pas afin de prendre à revers Héraclès et aux soldats amassés près de la ville[Di 3]. Deux versions du mythe sont proposées par les Anciens : dans la première, Laomédon tombe dans la mêlée avec un grand nombre des siens[Di 3] ou bien il meurt de la main même d'Héraclès[Da 1] ; dans la seconde, les Troyens[46] et Laomédon sont repoussés et ils réussissent à s'échapper et à se réfugier dans la cité[Ap 3]. Héraclès établit le siège de la cité et cherche à percer les murailles[Ap 3],[Di 3],[Da 1]. Héraclès réussit à prendre la cité. Il détruit le palais et Laomédon et ses fils meurent à l'exception du jeune Podarcès. Hésione est alors attribuée à Télamon en guise de récompense pour sa bravoure au combat ; elle a la permission de racheter le prisonnier de son choix et achète son frère Podarcès pour le prix du voile d'or qu'elle porte au front. Ceci vaut à Podarcès le nouveau nom de Priam qui signifie « racheté ». Après avoir brûlé la ville et dévasté les environs, Héraclès s'éloigne de la Troade avec Glaucia, fille du fleuve Scamandre, en laissant Priam sur le trône. Héraclès fait par la suite périr tous les souverains des côtes asiatiques (Asie mineure) selon l'orateur athénien Isocrate[AA 17]. Le règne de Priam[modifier le code] Remise en état de la ville[modifier le code] Après la terrible guerre déclenchée par la légèreté de Laomédon et la colère d'Héraclès, Priam, désormais au pouvoir, fait face à une ville et un territoire ruinés. Les poètes — comme Virgile — apprécient de rappeler combien la ville ou la patrie des Troyens sont sous les cendres et que le célèbre mur est détruit[VÉ 5],[Ly 3]. Priam implore les dieux et, chargé d'or[DS 2], sollicite l'oracle de Delphes. Il envoie un fils de son beau-frère Anténor pour connaître les desseins d'Apollon ; il ramène de son expédition un prêtre qu'il rencontre, Panthoos, père de Polydamas, jusqu'à Troie[Se 3] pour expliquer l'oracle aux Troyens[Se 3],[DS 2],[PF 3] ; Priam nomme Panthoos prêtre d'Apollon à Troie afin de calmer la colère du dieu déclenchée par Laomédon. La cité est alors réconciliée et met un terme à la vengeance du dieu archer. Pour garantir la survie de sa dynastie, Priam fonde une famille très nombreuse : il épouse Hécube, fille du roi de Phrygie Dymas[47] ou de Cissée, roi de Thrace, elle est la sœur de Théano. Elle eut avec Priam, selon Homère, dix-neuf enfants. Au cours d'une de ses grossesses, Cassandre prédit à sa mère que le futur prince qu'elle porte causera la perte de Troie. Effrayé, Priam ordonne que l'enfant soit assassiné : Pâris est ainsi abandonné sur le mont Ida, où toutefois il se trouve recueilli par un berger du nom d'Agélaos. Devenu adulte, il se fait reconnaître comme prince troyen, fils de Priam. Au cours de sa jeunesse, alors qu'il garde ses troupeaux de moutons, il voit apparaître devant lui Aphrodite, Athéna et Héra, qui lui demandent de choisir à qui doit être remise la « pomme de discorde », destinée « à la plus belle des déesses de l'Olympe » : c'est le jugement de Pâris. Pâris opte pour Aphrodite, qui lui promet l'amour de la plus belle femme du monde. Priam élève un nouveau palais sous l'égide de Zeus. Il entreprend la réfection des remparts et des portes afin de rendre la ville encore plus imprenable. Priam rebâtit donc les murs, plus vastes et plus hauts encore, et dispose un grand nombre de soldats pour veiller et garder les remparts, qui se voient aussi dotés de six portes que certains auteurs tardifs nomment d'Anténor (Antenoria), de Dardanus (Dardania), d'Ilion (Ilia), de Scée (Scaea), de Thymbrée (Thymbraea) et de Troie (Trojana) ; Homère ne semble en compter qu'une, les Portes Scées[HI 4]. Ambassades et signes de paix[modifier le code] Priam multiplie les signes d'amitié vis-à-vis des Grecs, par ses envoyés à Delphes, mais aussi par ses voyages personnels : cherchant à récupérer sa sœur Hésione, Priam conduit une ambassade envers les chefs grecs[Se 4],[AA 22]. Il est accompagné d'Anténor[Da 2] ; ou un fils de celui-ci[Se 3], parfois d'Anchise[Se 5] voire d'Énée, d'Alexandre-Pâris ou Polydamas notamment dans la version de Dracontius[AA 23]. Mais le résultat se solde par la négative : soit Hésione elle-même fait comprendre que revenir à Troie est irréalisable[AA 23], soit les Troyens font face au rejet des Grecs eux-mêmes qui prétextent que cela raviverait la guerre entre leurs deux peuples[Se 4]. Selon Darès de Phrygie, seul le sage Anténor est envoyé par Priam afin de visiter les chefs grecs qui ont soutenu la guerre d'Héraclès contre son père Laomédon. Anténor va en Magnésie obtenir le soutien de Pélée, qui, après lui avoir tenu les égards de l'hospitalité, lui demande enfin la raison de sa venue et le rejette de son pays. Il se dirige par la suite vers l'île de Salamine, chez Télamon, qui détient Hésione, et qui refuse de la céder à Priam. Anténor doit quitter à nouveau la région et continue pour l'Achaïe, afin de rencontrer Castor et Pollux à Sparte, où là aussi il se voit répondre que les Dioscures n'ont fait aucune injure et que Laomédon les avaient eux-mêmes insultés en premier. Auprès de Nestor, roi de Pylos, Anténor reçoit l'accueil le plus froid : le roi reproche à Anténor même d'avoir osé mettre le pied en Grèce alors que les Troyens avaient les premiers outragé les Grecs. L'ambassadeur Anténor rembarque et rapporte alors à Priam ces refus faits à sa personne et les mauvais traitements qu'il avait éprouvés de la part des Grecs, et l'envoyé exhorte Priam à leur déclarer la guerre[Da 3]. Réarmement troyen et casus belli de la guerre de Troie[modifier le code] Priam, entouré de ses conseillers et de ses fils, aurait alors formulé un plan pour se venger des Grecs. Hector tempère son père à venger la mort de Laomédon en insistant sur les faiblesses de l'armée troyenne et notamment son absence de flotte[Da 4], son autre fils, Alexandre-Pâris organise alors la construction de nombreux navires avec l'architecte naval Phéréclos et l'aval de Priam et ce en allant à l'encontre de la volonté des dieux qui avaient interdit à Troie de se doter d'une flotte par le biais d'un oracle[HI 5],[Da 5]. Selon la légende, le bois nécessaire déboise tant les forêts qu'il rend « chauve » les sommets du Mont Ida[Mü 5],[Mü 6],[Ly 4],[DS 3],[AA 24]. Après une ultime sollicitation diplomatique auprès de Castor et Pollux à Sparte, Priam déclare la guerre aux Grecs et la flotte navigue vers la Grèce sous le commandement de Pâris, accompagné d'Énée, Polydamas et Déïphobe[Da 6]. Le prince Pâris part donc avec sa flotte, à la tête d'une ambassade en Grèce, malgré les avertissements de Cassandre qui lui prédit la fin de Troie. Le prétexte est initialement de prendre des nouvelles d'Hésione, sœur de Priam donnée en mariage à Télamon, roi de Salamine, mais en réalité, Pâris vient chercher son dû, promis par Aphrodite. Arrivé à Sparte, il est reçu par Ménélas. Profitant d'un bref voyage du roi spartiate en Crète, il séduit et enlève Hélène, sa femme. Le Troyen n'oublie pas de faire main basse également sur une partie des richesses de son hôte, le tout étant emporté à Troie. Pour venger cet affront, Ménélas demande l'appui de tous les Grecs au nom du Serment de Tyndare, ce qui provoque la guerre de Troie. Le serment stipulait en effet que tous les anciens prétendants à la main d'Hélène - rois, dynastes et princes grecs en grand nombre - se devaient de lui porter secours tous ensemble si jamais quiconque tentait de l'enlever à son époux. Listes comparées des prétendants d'Hélène Apollodore (Bibliothèque, III, 10, 8) Catalogue des femmes(fr. 68) Hygin (Fables, LXXXI, XCVII) Agapénor Agapénor Ajax fils d'Oïlée Ajax fils d'Oïlée Ajax fils de Télamon Ajax fils de Télamon Ajax fils de Télamon Alcméon Amphiloque Amphiloque Amphimaque (es) Amphimaque Ancée Antiloque Antiloque Ascalaphe Ascalaphe Blaniros Clytios Diomède Diomède Éléphénor Éléphénor Éléphénor Épistrophe Eumélos Eumélos Eurypyle Eurypyle Ialmène Idoménée Idoménée Léitos Léontée Léontée Lycomède Machaon Machaon Mégès Mégès Ménélas Ménélas Ménélas Ménesthée Ménesthée Ménesthée Mérion Nirée Patrocle Patrocle Pénélée Pénélée Phémios Phidippos Philoctète Philoctète Philoctète Podalire Podalire Schédios Ulysse Ulysse Ulysse La guerre de Troie[modifier le code] Article détaillé : Guerre de Troie. La guerre de Troie est l'épisode le plus célèbre de la mythologie antique. Elle fait l'objet de représentations constantes dans les arts, de références systématiques dans la poésie, l'épopée, la littérature, l'écriture historique et la géographie. Tous les personnages ayant participé à cet épisode sont reliés par un dense réseau de relations familiales, divines et politiques, à l'ensemble du monde Méditerranéen. De nombreuses cités grecques s'enorgueillissent d'avoir eu des combattants sur les plages de Troie. Il s'agit d'un mythe structurant et fondateur pour les identités politiques et pour l'identité culturelle grecque. Avant l'Iliade[modifier le code] Rassemblement de l'armée et de la flotte[modifier le code] Le règne de Priam est marqué par l'épisode légendaire le plus fameux de la mythologie grecque : la guerre de Troie. Elle fait suite à l'enlèvement d'Hélène par Alexandre-Pâris, fils de Priam. Le conflit commence par le voyage de Ménélas et de Nestor, qui parcourent la Grèce pour rappeler les anciens prétendants à leur promesse[AA 25],[AA 26]. Accompagné d'Agamemnon et de Palamède, Ménélas va trouver à Ithaque Ulysse, qui tente de se défiler avant de se rallier à l'expédition. Selon les auteurs tardifs, le devin Calchas avait prédit que Troie ne pourrait être prise sans Achille, fils de Thétis. Sa mère, pour le protéger de la guerre, le cacha, déguisé en fille, chez Lycomède, roi de Skyros. Il est reconnu grâce à une ruse d'Ulysse, qui excita son instinct de guerrier et le poussa à se révéler en faisant sonner la trompette aux portes de la cité[Ap 12]. Homère raconte simplement que Nestor et Ulysse, étant venus à Phthie pour recruter des troupes, se virent confier Achille par son père Pélée[HI 6]. D'autres rois et héros, tels que les deux Ajax, Diomède et Tlépolémos les rejoignirent encore[48]. Idoménée, roi de Crète, lui aussi ancien prétendant d'Hélène[Hy 3], qui avait amené un nombre considérable de navires[49],[Hy 4],[Da 7], obtint le commandement des gardes[HI 7]. Toutes les troupes se rassemblèrent à Aulis avant de partir pour l'Asie. Débarquement en Mysie[modifier le code] La flotte achéenne accoste en Mysie, non loin d'Élée. Ils affrontent d'abord Télèphe, roi de Mysie et fils d'Héraclès. Après des combats acharnés, Télèphe apprend qui sont les chefs de l'armée ennemie et le combat cesse alors. La flotte grecque repart chez elle après cette première expédition, et se repose pendant huit ans. Cette première expédition était relatée dans les Chants cypriens, première épopée du Cycle troyen, attribués à Stasinos et composés au VIe siècle av. J.-C. ; cette épopée est presque entièrement perdue, mais on en connaît un résumé transmis beaucoup plus tard dans la Chrestomathie de Proclos au Ve siècle[AA 27]. Le débarquement sur les plages de Troie[modifier le code] Alors que l'armée grecque s'apprête, la colère d'Artémis contre Agamemnon bloque la flotte à Aulis[Hy 5]. Selon Eschyle (Agamemnon) et Euripide (Iphigénie à Aulis), c'est là qu'Agamemnon, à l'initiative de Calchas, le meilleur des devins, sacrifie sa fille Iphigénie pour obtenir des vents favorables. La fille d'Agamemnon est attirée par un piège à Aulis : on lui promet alors un mariage avec Achille[Eu 1],[Eu 2]. En souvenir de cette légende, le roi de Sparte Agésilas II sacrifia une biche à Aulis avant d'entreprendre son expédition d'Ionie en 397 av. J.-C.[Hy 6]. La flotte grecque s'embarque après la mort d'Iphigénie et arrive devant Troie. Les combats débutent immédiatement, Protésilas meurt d'ailleurs le premier parmi les grecs sous les coups d'Hector[HI 8]. Les achéens organisent alors la cérémonie funèbre en l'honneur de celui-ci. Ils sont attaqués par surprise par Cycnos, fils de Poséidon[AA 28],[AA 29],[Pi 7] ; il est tué par Achille, qui l'étrangle avec la jugulaire de son casque[AA 30]. Les Grecs installent leur camp sur la plage qui s'étend devant Troie ; une ambassade achéenne pour réclamer Hélène échoue[Ap 13]. Soumission de la Troade[modifier le code] Une fois les Troyens retranchés derrière leurs murailles, Achille s'emploie à leur couper les vivres et à rompre le lien de ravitaillement entre Troie et les communautés sujettes des environs. Il attaque et réduit ainsi onze cités d'Anatolie, tributaires de Troie. C'est dans Lyrnessos[50], l'une de ces villes, lors de la dixième année de siège, qu'il reçoit pour part d'honneur Briséis[HI 9], tandis qu'Agamemnon reçoit Chryséis lors du sac de Thèbe sous le Placos[HI 10]. La colère d'Achille, l'Iliade[modifier le code] L'affront[modifier le code] C'est à ce moment que commence le récit de l'Iliade. Au chant I, la peste envoyée par Apollon frappe le camp grec[HI 11] et le devin Calchas, encouragé par Achille, révèle qu'Apollon a puni Agamemnon car celui-ci avait refusé de rendre la captive Chryséis à son père Chrysès, prêtre d'Apollon dans une ville de Troade[HI 12]. Contraint de céder, Agamemnon furieux réclame pour son compte une autre récompense. Agamemnon décide de prendre Briséis, le butin d'Achille[HI 13]. En colère, Achille se retire et jure sur le sceptre d'Agamemnon de ne pas retourner au combat[HI 14]. Zeus, sur sa demande, donne l'avantage aux Troyens tant qu'il sera absent du champ de bataille[HI 15]. La mort de Patrocle[modifier le code] Privés de son appui, les Grecs essuient défaites sur défaites. Nestor, Phénix et Ulysse viennent implorer Achille qui reste ferme. Patrocle, ému par les malheurs de ses compatriotes, obtient l'autorisation d'Achille de sauver les Grecs en portant ses armes[HI 16]. La manœuvre réussit mais Patrocle, malgré sa promesse à Achille, se livre à une poursuite et est tué par Hector, frère de Pâris, qui prend les armes d'Achille comme butin[HI 17]. Furieux contre lui-même et humilié, Achille décide de se venger. Héphaïstos lui forge de nouvelles armes, avec lesquelles il sort à la recherche d'Hector[HI 18]. Aristie d'Achille et mort d'Hector[modifier le code] Revêtu de son armure divine, Achille reprend le combat et tue un grand nombre de Troyens sur son passage[HI 19], à tel point que les eaux du fleuve voisin, le Scamandre, sont souillées de cadavres[HI 20]. Achille rencontre enfin Hector, le défie et le tue avec l'aide d'Athéna[HI 21]. Il traîne sa dépouille autour de la ville avec son char[HI 22] avant de la ramener dans le camp achéen. Achille fait preuve d'humanité et laisse alors le roi Priam emporter le corps de son fils afin qu'il lui accorde des funérailles honorables[HI 23]. Il obéit ainsi à sa mère[HI 24], envoyée par les dieux qui étaient mécontents du traitement infligé à la dépouille du prince troyen[HI 25]. Selon Virgile, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon[VÉ 6], qui est selon certains roi d'Éthiopie, font ensuite leur arrivée sur le champ de bataille[AA 31],[Ap 14]. Penthésilée est tuée par Achille[Hy 7], mais il tombe instantanément amoureux du cadavre, ce qui lui vaut la moquerie de Thersite qu'il tue sur le champ, s'attirant la vengeance d'Antiloque[Ap 15],[AA 32],[Pi 8]. Antiloque affronte Memnon et se fait tuer par lui. Achille le venge en tuant Memnon[Hy 7],[AA 32]. Le cheval de Troie[modifier le code] Article détaillé : Cheval de Troie. Sur une idée d'Épéios[VÉ 7] ou d'Ulysse[Ap 16], les Grecs construisent un énorme[VÉ 8] cheval en bois, dans lequel ils cachent des guerriers, au nombre desquels se trouvent notamment Ulysse, Ménélas et Néoptolème[VÉ 9],[AA 33]. Les Grecs brûlent ensuite leur camp[AA 33] et feignent de s'embarquer sur leurs navires pour la Grèce, mais se dissimulent en réalité à quelques encablures, derrière l'île de Ténédos[VÉ 10]. Les Troyens se disputent sur le sort à faire du cheval de bois : vrai cadeau ou piège, les uns veulent le faire entrer, d'autres s'en débarrasser et le brûler, notamment Laocoon. Celui-ci est tué avec ses fils par deux serpents, qui se réfugient ensuite dans le temple d'Athéna. L'incident est perçu comme un présage de la colère de la déesse, qui doit être apaisée. Ils décident alors d'ouvrir les murs de la cité et de faire entrer l'offrande[VÉ 11]. Malgré les prédictions de Cassandre, les bruits d'armes à l'intérieur du cheval, et les avertissements de Laocoon, l'objet est introduit dans la ville. Le piège est alors prêt à se refermer sur les Troyens. Une fois la nuit venue, les guerriers sortent et les portes sont ouvertes. L'attaque commence, Troie est ravagée et incendiée. La famille royale massacrée. La tradition historiographique grecque antique, qui considère que la guerre de Troie est un événement historique indiscutable, propose les dates suivantes pour les événements. L'intervalle qui fait le plus consensus se place entre 1194 et 1184 av. J.-C. D'après les calculs d'Ératosthène, la prise de Troie par les Achéens a lieu dans la nuit du 11 au 12 juin 1184 av. J.-C. lors d'une éclipse solaire[20]. Période Œuvre 1344 Douris de Samos[FGrH 3] Timée de Tauroménion[FGrH 4] 1300–1290 Érétès[FGrH 5] 1280–1270 Vie d'Homère[AA 34] Hérodote[AA 35] 1222–1212 Dicéarque[FGrH 6] 1218–1208 Hellanicos[FGrH 7] Éphore de Cumes[FGrH 8] Chronique de Paros[AA 36] 1210–1200 Hécatée de Milet et Thucydide 1208–1198 Manéton, Julien l'Africain 1202–1192 Timée de Tauroménion[FGrH 9] 1200–1190 Velleius Paterculus[AA 37] 1194–1184 Ératosthène[FGrH 10] Apollodore d'Athènes[FGrH 11] Diodore de Sicile[Di 6] Castor de Rhodes[FGrH 12] Denys d'Halicarnasse[AA 38] Eusèbe de Césarée[AA 39] Orose[AA 40] 1192–1182 Girolamos[AA 41] 1182–1172 Sosibios de Laconie[FGrH 13] 1160–1150 Artémon de Clazom

Une diode électroluminescente (abrégé en DEL en français, ou LED, de l'anglais : light-emitting diode) est un dispositif opto-électronique fait de matériau semi-conducteur, capable d'émettre de la lumière lorsqu'il est parcouru par un courant électrique. Une diode électroluminescente ne laisse passer le courant électrique que dans un seul sens et produit un rayonnement monochromatique ou polychromatique non cohérent par conversion d'énergie électrique lorsqu'un courant la traverse. Les premières LED commercialisées dès les années 1960 ont produit de la lumière infrarouge, rouge, puis verte et jaune[1],[2]. Leur usage commercial restait limité à des applications de télécommande et d'indications lumineuses. L'arrivée de la LED bleue puis blanche, associée aux progrès techniques et d'assemblage, a permis aux lampes d'émettre dans une bande de longueurs d'onde plus large, correspondant au spectre visible, et même au-delà[3]. De nombreux appareils sont aujourd'hui munis de LED composites (trois LED réunies en un composant : rouge, vert et bleu) permettant d'afficher de très nombreuses couleurs. En raison de nombreux avantages, les lampes LED remplacent d'autres types de lampes[4]. Elles sont aussi utilisées dans la construction des écrans : pour le rétroéclairage des écrans à cristaux liquides ou comme source d'illumination principale dans les écrans à OLED, ces dernières étant des LED où le semi-conducteur est un composé organique. Histoire[modifier le code] La première émission de lumière par un semi-conducteur date de 1907 et est découverte par Henry Round, ingénieur chez Marconi. En 1927, le russe Oleg Lossev dépose le premier brevet de ce qui sera appelé plus tard une diode électroluminescente, mais les applications peinent à émerger, le carbure de silicium alors utilisé comme semi-conducteur ayant de piètres propriétés électroluminescentes. La découverte de l'émission infrarouge à basse température de l'arséniure de gallium et d'autres semi-conducteurs III-V par Rubin Braunstein en 1955 à la RCA à Princeton permet d'envisager de prometteurs développements[5]. Nick Holonyak Jr. et S. Bevacqua créent la première LED rouge en 1962. Durant quelques années, les chercheurs se limitent à quelques couleurs telles que le rouge (1962), le jaune, le vert et plus tard le bleu (1972)[2],[6]. Dans les années 1990, les recherches, entre autres, de Shuji Nakamura et Takashi Mukai de Nichia, dans la technologie des semi-conducteurs InGaN permettent la création de LED bleues de forte luminosité, ensuite adaptées en LED blanches, par adjonction d'un luminophore jaune[7]. Cette avancée permet de nouvelles applications majeures telles que l'éclairage et le rétroéclairage des écrans de téléviseurs et des écrans à cristaux liquides. Le 7 octobre 2014, Shuji Nakamura, Isamu Akasaki et Hiroshi Amano reçoivent le prix Nobel de physique pour leurs travaux sur les LED bleues[8]. Essor des LED[modifier le code] En 2007, Audi et Lexus bénéficient de dérogations de la Commission européenne pour commercialiser des modèles munis de feux avant à LED. En 2009, la Ferrari 458 Italia innove elle aussi avec des phares à LED. En 2020, la majorité des automobiles avec un niveau d'équipement élevé bénéficient de feux de route à LED désormais bien plus performants que les éclairages à lampe à incandescence halogène. Plusieurs villes remplacent leur éclairage public par des LED dans le but de diminuer leur facture d'électricité et la pollution lumineuse du ciel (éclairage dirigé vers le bas). Le recours aux LED est aussi courant dans les feux tricolores. L'exemple de Grenoble est le plus souvent cité : la ville a réalisé son retour sur investissement en trois ans seulement. En effet, les LED permettent des économies d'énergie, mais ce sont surtout les coûts de maintenance qui baissent, du fait de leur robustesse. En 2010, la Régie autonome des transports parisiens (RATP) expérimente l'éclairage des espaces du métro parisien, notamment à la station Censier-Daubenton première station de métro entièrement éclairée par cette technologie. En 2012 estimant le produit mature la RATP décide de modifier la totalité de son éclairage vers la technologie LED. ce sont plus de 250 000 luminaires qui seront modifiés, faisant ainsi du métro parisien le premier réseau de transport en commun d'envergure à adopter le « tout LED »[9]. Le remplacement des éclairages est finalisé en 2016[10]. Économie[modifier le code] Le développement de la technologie des LED suit une loi analogue à la loi de Moore, appelée loi de Haitz (en), du nom de Roland Haitz d'Agilent Technologies, et qui prévoit que les performances des LED doublent tous les trois ans, pour des prix divisés par dix tous les dix ans[11]. L'intérêt des lampes à LED en matière de consommation électrique, de durée de vie et de sécurité électrique s'est rapidement confirmé pour l'automobile (dans l'habitacle et pour les phares et clignotants, où les LED se montrent plus performantes que les sources xénon ou halogène), l'éclairage urbain, l'éclairage d'infrastructures, les usages dans la marine et l'aéronautique. Cet intérêt a, au début des années 2000, dopé le marché, qui a dépassé en 2010 le seuil des dix milliards de dollars américains (USD), soutenu par une croissance annuelle globale de 13,6 % de 2001 à 2012, et devrait atteindre 14,8 milliards USD avant la fin 2015[12]. Dans ce marché, la part de l'éclairage augmente régulièrement de 2008 à 2014 et devrait se stabiliser en 2018, alors que la part du rétro-éclairage devrait décroître dès 2014 en raison d'évolutions techniques[12]. La part destinée à l'automobile semble dans les années 2010-2015 stable (environ 10 % du marché global) et pourrait le rester jusqu'à 2020[12]. Les LED ont d'abord équipé des véhicules de luxe (Audi, Mercedes) puis de moyenne gamme (Seat Léon, Volkswagen Polo en 2014). En 2016, les principaux fabricants sur ce marché sont Nichia et Toyoda Gosei au Japon, notamment pour les LED GaN de « forte » puissance (plus de 1 watt), Philips Lumileds Lighting Company et OSRAM Opto Semiconductors GmbH en Europe, Cree et General Electric aux États-Unis. Samsung Electronics et Seoul Semiconductor (en) produisent des LED pour l'automobile. Mécanisme d'émission[modifier le code] La recombinaison d'un électron et d'un trou d'électron dans un semi-conducteur conduit à l'émission d'un photon. En effet, la transition d'un électron entre la bande de conduction et la bande de valence peut se faire avec la conservation du vecteur d'onde . Elle est alors radiative (émissive) c'est-à-dire accompagnée de l'émission d'un photon. Dans une transition émissive, l'énergie du photon créé est donnée par la différence des niveaux d'énergie avant (Ei) et après (Ef) la transition : (eV) Une diode électroluminescente est une jonction P-N qui doit être polarisée en sens direct lorsqu'on veut émettre de la lumière. Le potentiel imposé aux bornes doit être supérieur à celui imposé par la jonction P-N. La plupart des recombinaisons sont radiatives. La face émettrice de la LED est la zone P car c'est la plus radiative[13]. Gros-plan d'une diode électroluminescente rouge-vert-bleu à 4 pôles. Fonctionnement d'une LED. Techniques de fabrication[modifier le code] La longueur d'onde du rayonnement émis dépend de la largeur de la « bande interdite » et donc du matériau utilisé. Toutes les valeurs du spectre lumineux peuvent être atteintes avec les matériaux actuels. L'infrarouge est obtenu grâce à l'arséniure de gallium (GaAs) dopé au silicium (Si) ou au zinc (Zn). Les fabricants proposent de nombreux types de diodes aux propriétés différentes. Les diodes à l'arséniure de gallium sont les plus économiques et les plus utilisées. Les diodes à l'arséniure de gallium-aluminium (AlGaAs) offrent une plus grande puissance de sortie mais nécessitent une tension directe plus élevée et ont une longueur d'onde plus courte (< 950 nm, ce qui correspond au maximum de sensibilité des détecteurs au silicium) ; elles présentent une bonne linéarité jusqu'à 1,5 A. Enfin, les diodes à double hétérojonction (DH) AlGaAs offrent les avantages des deux techniques précédentes (faible tension directe) avec des temps de commutation très courts (durée nécessaire pour qu'un courant croisse de 10 % à 90 % de sa valeur finale ou pour décroître de 90 % à 10 %), permettant des débits de données très élevés dans les transmissions de données numériques par fibres optiques. Les temps de commutation dépendent de la capacité de la jonction dans la diode. Efficacité lumineuse[modifier le code] L'efficacité lumineuse varie selon le type de diodes, de 20 à 100 lm/W, et atteint en laboratoire 200 lm/W[14]. Une grande disparité de performances existe selon la couleur (température de couleur pour le blanc), la puissance ou encore la marque. Les diodes bleues n'excèdent pas 30 lm/W alors que les vertes ont une efficacité lumineuse atteignant 100 lm/W[15]. La limite théorique d'une source qui transformerait intégralement toute l'énergie électrique en lumière visible est de 683 lm/W[16], mais il faudrait qu'elle possède un spectre monochromatique de longueur d'onde 555 nm. L'efficacité lumineuse théorique d'une LED blanche est de l'ordre de 250 lm/W[17]. Ce chiffre est inférieur à 683 lm/W du fait que le maximum de sensibilité de l'œil se situe vers 555 nm. L'efficacité lumineuse des LED blanches de dernière génération est supérieure à celle des lampes à incandescence mais aussi à celle des lampes fluocompactes ou encore de certains modèles de lampes à décharge. Le spectre de la lumière émise est presque intégralement contenu dans le domaine du visible (les longueurs d'onde sont comprises entre 400 nm et 700 nm). Contrairement aux lampes à incandescence et aux lampes à décharge, les diodes électroluminescentes n'émettent quasiment pas d'infrarouge, sauf celles fabriquées spécifiquement dans ce but. L'efficacité lumineuse dépend de la conception de la LED. Pour sortir du dispositif (semi-conducteur puis enveloppe externe en époxy), les photons doivent traverser (sans être absorbés) le semi-conducteur, de la jonction jusqu'à la surface, puis traverser la surface du semi-conducteur sans subir de réflexion et, notamment, ne pas subir la réflexion totale interne qui représente la grosse majorité des cas. Une fois arrivé dans l'enveloppe externe en résine époxy (quelquefois teintée pour des raisons pratiques et non pour des raisons optiques), la lumière traverse les interfaces vers l'air à incidence proche de la normale ainsi que le permet la forme de dôme avec un diamètre bien plus grand que la puce (3 à 5 mm au lieu de 300 µm). Dans les diodes électroluminescentes de dernière génération, notamment pour l'éclairage, ce dôme plastique fait l'objet d'une attention particulière car les puces sont plutôt millimétriques dans ce cas et le diagramme d'émission doit être de bonne qualité. À l'inverse, pour des gadgets, on trouve des LED quasiment sans dômes. Effet Auger[modifier le code] Aux fortes intensités, l'efficacité lumineuse des LED chute au cours de leur vie. Il a été suspecté en 2007-2008[18],[19], mieux compris en 2010-2011[20],[21] puis confirmé début 2013 que cette diminution est attribuable à un « effet Auger » qui dissipe une partie de l'énergie sous forme de chaleur[22],[23]. Des projets de recherche visent à limiter ou contrôler cet effet[24]. Caractéristiques techniques[modifier le code] Forme[modifier le code] Ce composant peut être encapsulé dans divers boîtiers destinés à canaliser le flux de lumière émis de façon précise : cylindrique à bout arrondi en 3, 5, 8 et 10 mm de diamètre, cylindrique à bout plat, ou de forme plate (LED SMD[25]), rectangulaire, sur support coudé, en technologie traversante ou à monter en surface (composant monté en surface, CMS). Les LED de puissance ont des formes plus homogènes : la Luxeon 1 W ci-contre est assez représentative. Ces types de LED sont également disponibles en version « multicœur », « multipuces », ou « multichips » en anglais, dont la partie émissive est composée de plusieurs puces semi-conductrices. L'enveloppe transparente, ou « capot », est généralement en résine époxy, parfois colorée ou recouverte de colorant. Luminosité[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. L'intensité lumineuse des diodes électroluminescentes basse puissance est assez faible, mais suffisante pour la signalisation sur tableau ou appareils, voire en montage de multiples unités dans les feux de circulation (feux tricolores, passages piétons). Les bleues sont également suffisamment puissantes pour signaliser les bords de route, la nuit, aux abords des villes. Les LED de puissance sont aussi utilisées dans la signalisation maritime comme sur les bouées permanentes. Deux de ces diodes sont situées l'une par-dessus l’autre et suffisent à un éclairement important et visible par les bateaux de nuit. Des LED de forte puissance ont vu le jour au début des années 2000. Dans la première décennie du XXIe siècle, des rendements lumineux d'environ 130 lumens/watt sont ainsi atteints. Par comparaison, les ampoules à filament de tungstène de 60 W atteignent un rendement lumineux d'environ 15 lumens/watt et le rendement lumineux maximum théorique étant de 683 lumen par watt (découlant de la définition de la candela et du lumen). Les LED sont, dès 2014, suffisamment puissantes pour servir d'éclairage principal dans le secteur de l'automobile. Employées d'abord pour les feux de position, stop, clignotants ou de recul, celles-ci remplaceront certainement, à terme, toutes les lampes à incandescence. Couleurs[modifier le code] La couleur de la lumière d'une diode électroluminescente peut être produite de différentes manières[26],[27] : couleur due à la nature du semi-conducteur (capot transparent) : la longueur d'onde émise correspond directement au gap du matériau utilisé ; coloration modifiée par le capot de la diode (émission bleue ou UV + revêtement à base de luminophores) ; coloration par plusieurs émissions de longueur d'onde différentes (diodes électroluminescentes polychromatiques). Elles permettent notamment de proposer une vaste gamme de couleurs[28]. Voici quelques colorations en fonction du semi-conducteur utilisé : Couleur Longueur d'onde (nm) Tension de seuil (V)[29] Semi-conducteur utilisé Infrarouge λ > 760 ΔV < 1,63 arséniure d'aluminium-gallium (AlGaAs) Phosphure d'indium (InP) Rouge 610 < λ < 760 1,63 < ΔV < 2,03 arséniure d'aluminium-gallium (AlGaAs)phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Orange 590 < λ < 610 2,03 < ΔV < 2,10 phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Jaune 570 < λ < 590 2,10 < ΔV < 2,18 phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Vert 500 < λ < 570 2,18 < ΔV < 2,48 nitrure de gallium (GaN)phosphure de gallium (GaP) Bleu 450 < λ < 500 2,48 < ΔV < 2,76 séléniure de zinc (ZnSe)nitrure de gallium-indium (InGaN)carbure de silicium (SiC) Violet 400 < λ < 450 2,76 < ΔV < 3,1 nitrure de gallium-indium (InGaN)[30] Ultraviolet λ < 400 ΔV > 3,1 diamant (C)nitrure d'aluminium (AlN)nitrure d'aluminium-gallium (AlGaN)Arséniure d'indium (InAs) Blanc Chaude à froide, spectre large ΔV = 3,5 séléniure de zinc (ZnSe)nitrure d'aluminium-gallium (AlGaN) On peut remarquer dans le tableau ci-dessus qu'en multipliant la longueur d'onde λ par la tension de seuil de la diode, on obtient chaque fois une valeur proche de 1240. Cette valeur est à rapprocher de l'énergie d'un photon exprimée en électronvolt. En exprimant la longueur d'onde en nanomètre (nm) et la tension de seuil en volt, on a : proche de Pour le blanc, on ne parle pas de longueur d'onde mais de température de couleur proximale. Celle des diodes électroluminescentes est assez variable en fonction du modèle. Modules communs[modifier le code] Module Dimensions (mm x mm) Puissance (watt) Flux lumineux (lumen) Index couleur (Ra) Intensité (candela) Angle (degrés) radiateur (oui / non) Efficience (minimum) (lm/W) Efficience (maximum) (lm/W) Couleurs 8520 8,5 x 2,0 0,5 & 1 55-60 80 110 120 Monochrome 7020 7,0 x 2,0 0,5 & 1 40-55 75-85 80 110 Monochrome 7014 7,0 x 1,4 0,5 & 1 35-50 70-80 70 100 Monochrome 5736 5,7 x 3,6 0,5 40-55 80 15-18 120 non 80 110 5733 5,7 x 3,3 0,5 35-50 80 15-18 120 non 70 100 5730 5,7 x 3,0 0,5 30-45 75 15-18 120 non 60 90 5630 5,6 x 3,0 0,5 30-45 70 18.4 120 non 60 90 5060 5,0 x 6,0 0,2 26 non 130 Monochrome 5050 5,0 x 5,0 0,2 24 non 120 Monochrome ou RGB 4014 4,0 x 1,4 0,2 22-32 75-85 110 160 3535 3,5 x 3,5 0,5 35-42 75-80 70 84 3528 3,5 x 2,8 0,06-0,08 4-8 60-70 3 120 non 70 100 3258 3,2 x 5,8 3030 3,0 x 3,0 0,9 110-120 120 130 3020 3,0 x 2,0 0,06 5,4 2,5 120 non 80 90 3014 3,0 x 1,4 0,1 9-12 75-85 2,1-3,5 120 oui 90 120 2835 2,8 x 3,5 0,2 14-25 75-85 8,4-9,1 120 oui 70 125 1206 1,2 x 0,6 3-6 55-60 1104 1,1 x 0,4 Câblage et alimentation électrique[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Comme toutes les diodes, les diodes électroluminescentes sont polarisées, elles présentent un « sens passant » et un « sens bloquant ». Dans le sens bloquant, la tension d'avalanche est plus faible que sur une diode dite de redressement. Dans le sens passant, on trouve un effet de seuil et un courant nominal à ne pas dépasser : on raccorde le pôle « - » à la cathode « - » et donc le pôle « + » à l'anode « + »[31]. Les diodes à dôme basse puissance ont généralement trois détrompeurs : la cathode est plus courte, l'électrode à l'intérieur du dôme est plus grosse et le bord extérieur du dôme est plat. Inversement, l'anode est plus longue, l'électrode à l'intérieur du dôme est plus petite et le bord extérieur du dôme est arrondi (cf. illustration). Gros-plan d'une diode électroluminescente. L'anode et la cathode d'une LED. Les signes indiquent la polarisation (courant conventionnel) lorsque la diode est utilisée en sens direct. Sur tous les modèles et pour toutes les puissances, il est indispensable de ne pas dépasser l'intensité admissible (typiquement : 10 à 30 mA pour une LED de faible puissance et de l'ordre de 350 à 1 000 mA pour une LED de forte puissance). On intercale pour cette raison un circuit limiteur de courant, souvent une résistance en série pour les faibles puissances. Les données du fabricant permettent de calculer la résistance en fonction de cette intensité désirée I, de Valim la tension d'alimentation, de VLED la tension directe de la LED et du nombre n de LED en série (loi d'Ohm : R = (Valim - n × VLED) / I). On peut regrouper plusieurs diodes dans un schéma série ou série-parallèle : les tensions directes s'additionnant en mode série ; ce qui permet de diminuer la résistance en série et donc d'augmenter le rendement du dispositif. Le courant maximal admissible est multiplié par le nombre de diodes en parallèle. Une méthode peu dispendieuse en énergie et adaptée aux plus forte puissances consiste à utiliser un circuit de régulation du courant construit sur des principes analogues à ceux mis en œuvre dans les alimentations électriques à découpage. Cette méthode est employée pour les lampes LED d'éclairage, le circuit est intégré dans les culots des lampes. Pour conserver leurs caractéristiques colorimétriques (température de couleur proximale, IRC…), il est primordial d'apporter un soin particulier à l'alimentation électrique des LED[32]. Points forts et faiblesses[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Article connexe : Points forts et faiblesses des lampes électroluminescentes. Avantages[modifier le code] Petite taille : on peut par exemple construire des LED de la taille d'un pixel (ce qui ouvre la possibilité d'utiliser des diodes pour construire des écrans de haute résolution). Facilité de montage sur un circuit imprimé, traditionnel ou composant monté en surface (CMS). Consommation inférieure aux lampes à incandescence et du même ordre de grandeur que les tubes fluorescents. Excellente résistance mécanique (chocs, écrasement, vibrations). Taille beaucoup plus réduite que les lampes classiques, ce qui offre la possibilité de réaliser des sources de lumière très ponctuelles, de faible à très faible consommation électrique (quelques dizaines de milliwatts) et avec un bon rendement. En assemblant plusieurs LED, on peut réaliser des éclairages avec des formes novatrices. Durée de vie (20 000 à 50 000 heures environ) beaucoup plus longue qu'une lampe à incandescence (1 000 heures) ou qu'une lampe halogène (2 000 heures), mais du même ordre de grandeur que les lampes fluorescentes (5 000 à 70 000 heures). Les lampes puissantes voient leur durée de vie limitée, mais pouvant néanmoins atteindre 10 000, voire 15 000 heures selon le type d'utilisation qui en est fait[33][source insuffisante],[34]. Fonctionnement en très basse tension (TBT), gage de sécurité et de facilité de transport. Pour les campeurs, des lampes de poche à LED peuvent être actionnées par une simple dynamo à main (« lampe à manivelle ») de mouvement lent. En matière de sécurité, par rapport aux systèmes lumineux classiques, l'inertie lumineuse est quasiment nulle. Elles s'allument et s'éteignent en un temps très court, ce qui permet l'utilisation en transmission de signaux à courte distance (optocoupleurs) ou longue (fibres optiques). Les LED atteignent immédiatement leur intensité lumineuse nominale. Les LED classiques de 5 mm ne chauffent presque pas. Pour les montages de puissance supérieure à 1 W, il faut prévoir une dissipation de la chaleur, faute de quoi la diode sera fortement endommagée, voire détruite du fait de l'échauffement. En effet, une diode électroluminescente convertit environ 20 % de l'énergie électrique en lumière, le reste étant dégagé sous forme de chaleur. Les LED RVB (rouge-vert-bleu) permettent des mises en valeur colorées avec des possibilités de variations sans limite. Inconvénients[modifier le code] L'indice de rendu de couleur (IRC) s'est amélioré depuis 2010. Les LED dites blanches sont généralement des LED bleues ou émettant dans l'UV, dont une partie de la lumière produite est transformée par fluorescence en lumière jaune au moyen d'un luminophore qui est souvent un grenat d'yttrium et d'aluminium dopé par des ions de terres rares tels que le cérium trivalent Ce3+ (d'autres matériaux luminescents pouvant être utilisés pour produire un blanc plus chaud)[35],[36] : le spectre est moins régulier que celui d'une lampe halogène. Plus rarement, le blanc est obtenu au moyen de trois diodes de couleurs différentes. Les LED, comme tout composant électronique, ont des limites maximales de température de fonctionnement, de même que certains composants passifs constitutifs de leur circuit d'alimentation (comme les condensateurs chimiques qui s'échauffent en fonction du courant efficace), ce qui conditionne en partie la durée de vie des lampes à LED. La dissipation thermique des composants des ampoules à LED est un facteur limitant leur montée en puissance, notamment en assemblages multipuces[37]. Les recherches portent sur des moyens de limiter la température et de mieux dissiper la chaleur des LED de puissance (par exemple pour des lampadaires ou phares automobiles)[37],[38]. Selon le constructeur Philips, l'efficacité lumineuse de certaines LED baisse rapidement (comme pour la plupart des technologies lumineuses) pour ne plus produire en fin de vie que 20 % de la quantité de lumière initiale, mais pour les LED les plus performantes du marché, la quantité de lumière produite en fin de vie serait encore d'au moins 70 %[note 1]. La température accélère la baisse de l'efficacité lumineuse. Philips précise que la couleur peut varier sur certaines LED blanches et tirer sur le vert en vieillissant[39]. Perspectives[modifier le code] En octobre 2016, le Laboratoire d'électronique et de technologie de l'information (LETI) du CEA et son voisin, l'Institut des nanosciences et cryogénie (INAC), mettent au point une diode électroluminescente quatre fois moins chère à produire et produisant trois fois plus de lumière[40],[41],[42]. Utilisations[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Familles[modifier le code] Il existe plusieurs manières de classer les diodes semi-électroluminescentes : Classement selon la puissance[modifier le code] La première est un classement par puissance : les diodes électroluminescentes de faible puissance < 1 W. Ce sont les plus connues du grand public car elles sont présentes dans notre quotidien depuis des années. Ce sont elles qui jouent le rôle de voyant lumineux sur les appareils électroménagers par exemple ; les LED de forte puissance > 2 W. Elles sont en plein essor dans les années 2010 et leurs applications sont de plus en plus connues du grand public : flash de téléphones portables, éclairage domestique, éclairage de spectacle, lampe de poche ou frontales… Le principe de fonctionnement est identique. Certaines différences significatives existent entre les deux familles, consacrées chacune à un champ d'application spécifique. Classement selon le spectre d'émission[modifier le code] Une autre manière de les classer est de considérer la répartition de l'énergie dans la gamme de longueur d'onde couvrant le visible (longueurs d'onde de l'ordre de 380 à 780 nm) ou l'invisible (principalement l'infrarouge). La raison de la distinction réside dans le fait que certaines diodes peuvent servir à éclairer : les chromatiques : l'énergie est concentrée sur une plage étroite de longueur d'onde (20 à 40 nm). Ces sources ont un spectre quasiment monochromatique ; les blanches : l'énergie est répartie dans le visible sur toute la gamme de longueurs d'onde (380 à 780 nm environ) ; les infrarouges : l'énergie est émise hors du spectre de la lumière visible (au-delà de 700 nm de longueur d'onde). Elles sont utilisées pour transmettre des signaux de télécommandes ou pour de la télémesure exploités par exemple dans la détection de position des consoles de jeux telles que la Wii, ou servir d'éclairage pour les caméras infrarouge, etc. Autres classements[modifier le code] D'autres classements sont possibles, par exemple selon le caractère monopuce ou multipuce, la durée de vie, la consommation d'énergie ou encore la robustesse en cas de sollicitations sous contraintes (comme pour certains matériels industriels, militaires, spatiaux…). Diodes électroluminescentes ordinaires[modifier le code] Éclairage[modifier le code] éteintealluméeAmpoule LED Signalisation routière, éclairage de voitures, motos, camions ou de bicyclettes. Signalisation ferroviaire. Éclairage invisible pour caméras de surveillance (dans l'infrarouge). Luminaires et éclairage public (plus récemment), avec par exemple Los Angeles, première métropole qui a remplacé ses 140 000 ampoules d'éclairage urbain par des diodes électroluminescentes de 2009 à 2014, ce qui devrait réduire de l'équivalent de 40 500 tonnes de carbone les émissions annuelles de cette ville (soit l'équivalent des émissions de 6 700 voitures)[43]. Après le remboursement de l'investissement, la ville pense aussi diminuer ses charges d'éclairage en économisant annuellement 10 millions de dollars[43]. Affichage[modifier le code] Signalisation d'état d'appareils divers (lampes témoins en face avant ou sur le circuit, tableaux de bord de voitures, équipements de sécurité). Affichage alphabétique ou numérique d'appareils de mesure, de calculatrices, d'horloges. Affichages de niveaux de mesures (niveaux de cuves, VU-mètres). Affichage statique ou dynamique de messages (journaux lumineux). Source de lumière quasi monochromatique[modifier le code] Photocoupleur. Transmission de signaux par fibre optiques. Télécommandes (LED infrarouges). Cellules photoélectriques (LED infrarouges). Faisceau laser pour les appareils de mesure. Faisceau laser pour la lecture et la gravure des CD et DVD. Luminothérapie contre l'acné. Photobiomodulation par LED Diodes électroluminescentes blanches[modifier le code] L'amélioration du rendement des LED permet de les employer en remplacement de lampes à incandescence ou fluorescence, à condition de les monter en nombre suffisant : LED noyées dans le bitume pour la matérialisation des pistes la nuit ou par temps de brouillard ; signalisation portative individuelle (piéton, cycliste) ; éclairages de sécurité ; éclairage de courte portée portatif ; feux de signalisation automobile ou motocycliste (clignotant, veilleuses, feux de position) ; signalisation ferroviaire (feu blanc, feu blanc clignotant et œilleton notamment, sur le réseau ferré national) ; éclairage stroboscopique ; lampes de poche à piles ou accumulateur à génératrice de recharge incorporé ; lampes de balisage des jardins alimentées par panneaux solaires photovoltaïques. En 2006, le groupe américain Graffiti Research Lab a lancé le mouvement Led throwies (« lancer de LED ») qui consiste à égayer les lieux publics en ajoutant de la couleur sur des surfaces magnétiques. Pour ceci, on combine une LED, une pile au lithium et un aimant, et on lance l'ensemble sur une surface magnétique[44]. Les LED sont utilisées pour réaliser des écrans vidéo de très grande taille (plateaux TV salon dans des grands halls, stade…). Le rétroéclairage de l'écran par des diodes électroluminescentes permet de fabriquer des écrans plus fins, plus lumineux, ayant une étendue colorimétrique plus importante et plus économes que son prédécesseur ACL à rétroéclairage par tube fluorescent (technologie CCFL)[45]. Santé[modifier le code] Article connexe : Inconvénients des lampes électroluminescentes. La méthode la plus rentable économiquement pour fabriquer des LED consiste à combiner une diode émettant une longueur d'onde courte (dans le bleu) avec un luminophore jaune pour produire de la lumière blanche ; la lumière bleue est particulièrement connue pour perturber l'horloge circadienne[47],[48]. Sur cette question, en France, l'Agence nationale de sécurité sanitaire de l'alimentation, de l'environnement et du travail (ANSES) recommande de ne plus commercialiser auprès du grand public que les LED ne présentant pas de risque lié à la lumière bleue, ainsi qu'une mise à jour de la norme franco-européenne NF EN 62 471[49],[50],[51]. Environnement[modifier le code] Le bilan environnemental des diodes électroluminescentes est discuté, car leur développement considérable pourrait augmenter les tensions sur le marché de certaines ressources non renouvelables (terres rares ou métaux précieux) et parce que la conversion des éclairages urbains aux LED semble souvent susciter une augmentation de l'illumination globale du ciel nocturne, et donc de la pollution lumineuse, visible depuis l'espace[52]. En contrepartie, les LED ont un fort potentiel d'économies d'énergie, si leur utilisation est raisonnée pour éviter le risque d'effet rebond[53]. Effets sur la faune[modifier le code] Des préoccupations concernent également l'impact sanitaire de lampes mal utilisées. Ainsi, selon une étude publiée en 2014 dans la revue Ecological Applications, alors que l'éclairage nocturne municipal et industriel a déjà changé la répartition des différentes espèces d'invertébrés autour des sources lumineuses[54] et semble contribuer à la régression ou la disparition de nombreuses espèces de papillons[55], l'éclairage public tend à utiliser à grande échelle les diodes électroluminescentes[46]. La question de l'impact des spectres lumineux des lampes prend donc de l'importance[56]. Ces spectres lumineux ont récemment[C'est-à-dire ?] beaucoup changé, et ils changeront encore avec le développement des LED[57]. Or, il apparaît que le spectre lumineux émis par les LED mises sur le marché dans les années 2000-2014 attire les papillons de nuit et certains autres insectes plus que la lumière jaune des ampoules à vapeur de sodium, en raison d'une sensibilité élevée de ces invertébrés nocturnes aux parts vert-bleue et UV du spectre. Des pièges lumineux à insectes volants équipés de LED capturent 48 % plus d'insectes que les mêmes pièges utilisant des lampes à vapeur de sodium, avec un effet également lié à la température de l'air (les invertébrés sont des animaux à sang froid, naturellement plus actifs quand la température s'élève). Lors de cette étude, plus de 20 000 insectes ont été capturés et identifiés : les espèces les plus fréquemment piégées étaient des papillons et des mouches[46]. Ces lampes sont froides et ne brûlent pas les insectes comme pouvaient le faire des lampes halogènes, mais le caractère très attractif des LED pour de nombreux invertébrés peut leur être fatal ; leur vol est perturbé et, dans la zone d'attraction, ils sont mis en situation de « piège écologique », car largement surexposés à des prédateurs de type araignées et chauve-souris, avec de possibles effets écologiques plus globaux si ces lampes étaient utilisées à grande échelle (perturbation des réseaux trophiques et possible renforcement des infestations de certaines cultures ou sylvicultures par des « ravageurs phytosanitaires » attirés par ces lampes, tels que le Bombyx disparate, qui est source de dégâts importants depuis qu'il a été introduit aux États-Unis et qui se montre très attiré par la lumière[58] (les auteurs pointent les ports où un éclairage LED pourrait directement attirer des ravageurs ou des espèces exotiques envahissantes accidentellement apportées par des bateaux[46]). Ces espèces anormalement favorisées pourraient à leur tour mettre en péril des espèces natives rares ou menacées[59]. L'étude de 2014 n'a pas pu conclure que manipuler la température de la couleur des LED diminuait leur impact, mais les auteurs estiment qu'utiliser des filtres ou une combinaison de LED rouges, vertes, et bleues pourrait peut-être diminuer cette attraction fatale, au prix d'une consommation électrique et d'énergie grise[46] ou de terres rares accrue. Ils concluent qu'il existe un besoin urgent de recherche collaborative entre écologues et ingénieurs de la lumière pour minimiser les conséquences potentiellement négatives des développements futurs de la technologie LED[46]. En amont, l'écoconception des LED pourrait faciliter le recyclage des lampes usagées et, en aval, le ré-usage de LED d'objets désuets ou en fin de vie. De même, des systèmes intelligents d'asservissement de l'éclairage aux besoins réels sont possibles : lampes équipées de filtres limitant les émissions dans le bleu-vert et le proche-UV, mieux bafflées, c'est-à-dire produisant moins de halo et moins éblouissantes, ne s'allumant qu'à l'intensité nécessaire et uniquement quand on en a besoin, via un processus d'éclairage intelligent comportant la détection de présence et de luminosité ambiante, si possible intégré dans un smart grid ou un système écodomotique plus global. En 2014, quatre villes, Bordeaux, Riga en Lettonie, Piaseczno en Pologne et Aveiro au Portugal testent ce type de solution dans le cadre du programme européen « LITES »[60] (à l'installation, ces systèmes sont 60 % plus chers, mais ce surcoût doit être rapidement récupéré par les économies d'électricité et l'amélioration de la qualité de l'environnement nocturne). Article détaillé : Pollution lumineuse. Notes et références[modifier le code] Notes[modifier le code] ↑ La législation[Où ?] impose aux fabricants d'indiquer la puissance lumineuse de leurs ampoules LED au bout de 6 000 heures d'utilisation. Références[modifier le code] ↑ Jonathan Parienté, « La belle histoire des LED », Le Monde, 24 mars 2009 (consulté le 9 octobre 2023). ↑ a et b C. Noé, Photobiomodulation en dermatologie : Comprendre et utiliser les LED, John Libbey Eurotext - Doin, coll. « Lasers et technologies apparentées », 2014, 182 p.. ↑ B. Chambion, Étude de la fiabilité de modules à base de LEDs blanches pour applications automobile (thèse de doctorat), 253 p. (lire en ligne [PDF]), chap. 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Des couleurs comme le marron ne sont en effet pas présentes dans l'arc-en-ciel, et produites par panachages de longueurs d'onde (LED polychromatiques). ↑ tension de bascule entre lampe en émission et éteinte ↑ https://visualled.com/fr/glossaire/led-light-emitting-diode/ ↑ Jean-Jacques ROUSSEAU Professeur de physique à l'UFR Sciences de l'Université du Maine, « Caractéristiques des LED », 2018 (consulté le 11 février 2020) ↑ N. Pousset, B. Rougié, S. Aubert et A. Razet, « LED de puissance blanches : sources de lumière de demain » [PDF], sur nicolas.pousset.pagesperso-orange.fr/, 2009. ↑ F. Bedu et al., Support de formation sur l'éclairage automobile, Renault, 2012. ↑ OSRAM, Reliability of the OSLON Product Family, 2012 [PDF]. ↑ Nicolas Grandjean, « Les LED blanches », Pour la science, no 421,‎ décembre 2002, p. 32-38. ↑ N. 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Articles connexes[modifier le code] Diode électroluminescente organique Lampe électroluminescente Boîte quantique (« quantum dot » ou QD pour les anglophones) État solide (électronique) Plan lumière Charlieplexing Liens externes[modifier le code] Une catégorie est consacrée à ce sujet : Diode électroluminescente. Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Britannica Den Store Danske Encyklopædi Store norske leksikon Notices d'autorité : (en) [vidéo] [vidéo] « Fonctionnement du diode électroluminiscente », sur YouTube Portail d'information sur les LED et l'éclairage fiches techniques de LED (rechercher sous le nom de « solid state lamps ») Fabrication d'une LED Diodes électroluminescentes LED pour l'éclairage - Panorama et tendances technologiques v · mDiodes Tubes Diode à vide Diode à vapeur de mercure Semi-conducteurs Diode à pointe Diode Schottky Diode électroluminescente Diode à avalanche Diode Zener Diode IMPATT (en) Diode Transil Photodiode Photodiode à avalanche (en) Photodiode PIN Diode laser Diode Gunn Diode PIN Diode varicap Diode à effet tunnel Diac v · mÉlectronique Analogique Alimentation électrique Amplificateur Mesure Opérationnel Bobine Capteur Circuit intégré Composants analogiques programmables (FPAA) Commutateur Condensateur Diode Filtre Potentiomètre Radiocommunication Résistance Thyristor Transistor Triac Tube Numérique ASIC Circuit logique programmable (CPLD/EPLD/FPGA/PAL/PLA/PLD) Convertisseur analogique-numérique Convertisseur numérique-analogique DSP µContrôleur µProcesseur Ordinateur Porte logique Opto-électronique Cellule photoélectrique Cellule photovoltaïque LED Diode laser OLED Photocoupleur Photodiode Microélectronique MEMS Automatique Électricité Électrochimie Électromagnétisme Électrotechnique Robotique Traitement du signal v · mTechnologies d'éclairage Chronologie et histoire Chronologie des techniques d'éclairage Éclairage des rues à Paris Incandescence Combustion Acétylène Bougie Chandelle Cierge Essence Gaz Huile Lanterne Pétrole Sécurité Manchon à incandescence Torche Lampes à filament Classique Halogène Nernst Luminescence Décharge basse pression Cathode froide Néon Germicide Lampe de Wood Lumière noire Plasma Vapeur de sodium Décharge haute-pression Halogénures métalliques Vapeur de mercure Vapeur de sodium Lampe à arc au xénon Fluorescence Tube fluorescent Lampe fluorescente Induction Électroluminescence Diode électroluminescente (LED) Lampe LED Diode électroluminescente organique (OLED) Arc électrique Xénon Stroboscope Bougie Jablochkoff Autres Chimiluminescence bâton lumineux Radioluminescence Support des lampes électriques v · mTechnologies des écrans Vidéo Ancienne génération Afficheur fluorescent (VFD) 7 segments 9 segments 14 segments 16 segments 22 segments Tube cathodique (CRT) Surface-conduction Electron-emitter Display (SED) Field Emission Display (FED) Écran à plasma (PDP) Génération actuelle Écran plat écran à cristaux liquides (LCD) diode électroluminescente organique (OLED) matrice active à diodes électroluminescentes organiques (AMOLED) MicroLED Vidéoprojecteur Digital Light Processing (DLP) cristaux liquides sur silicium 3LCD Génération suivante Écran laser Écran à liquide ferroélectrique (FLD) Écran modulateur interférométrique (IMOD) Technologie à couche épaisse à diélectrique électroluminescent (TDEL) Écran à nanocristaux Écran à boîte quantique (QD-LED) Time-multiplexed optical shutter (TMOS) Telescopic pixel display (TPD) Liquid crystal lasers (LCL) Laser Phosphor Display (LPD) Non vidéo Tube Nixie Papier électronique Électromécanique girouette à pastilles afficheur à palettes affichage à sept segments Rollable display Eggcrate Écran en 3D Stéréoscopie Autostéréoscopie Holographie générée par ordinateur Écran volumétrique Écran à éclairage laser Média statique Hologramme Projection cinématographique Enseigne lumineuse Projecteur de diapositives Rétroprojecteur Roll sign Articles liés Technique d'affichage Imagerie à grande gamme dynamique (HDRI) Distance d'observation HDTV optimale Portail de l’électricité et de l’électronique Portail d

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Elle englobe, outre les arts, les lettres et les sciences, les modes de vie, les lois, les systèmes de valeurs, les traditions et les croyances. » Ce « réservoir commun » évolue dans le temps par et dans les formes des échanges. Il se constitue en de multiples manières distinctes d'être, de penser, d'agir et de communiquer en société. En philosophie, le mot « culture » désigne ce qui est différent de la nature. Par abus de langage, le mot « culture » est employé pour désigner presque exclusivement l'offre de pratiques et de services culturels dans les sociétés modernes, et en particulier dans le domaine des arts et des lettres. Définitions[modifier le code] La culture est, selon le sociologue québécois Guy Rocher : « un ensemble lié de manières de penser, de sentir et d'agir plus ou moins formalisées qui, étant apprises et partagées par une pluralité de personnes, servent, d'une manière à la fois objective et symbolique, à constituer ces personnes en une collectivité particulière et distincte. » — Edward B. Taylor, Primitive Culture, 1871 Pluralité de définitions[modifier le code] Différentes définitions du mot « culture » reflètent les théories diverses pour comprendre ou évaluer l’activité humaine[1]. En 1952, les anthropologues Alfred Kroeber et Clyde Kluckhohn ont rédigé une liste de plus de 150 définitions différentes du mot culture dans leur livre Culture: a critical review of concepts and definitions[2]. La définition que peuvent en faire les gouvernements lorsqu’ils fixent sa mission au Ministère de la Culture diffère de celle que l’on en donne dans les sciences humaines ou de celle qui correspond à la « culture générale » de chacun. Il existe de puissants enjeux politiques et économiques pour définir et encadrer la culture. Lorsque les entrepreneurs tentent de faire valider la notion de « culture d'entreprise » ou les ingénieurs celle de « culture technique », ils contribuent à étendre l'amplitude des significations mais au prix d'en diluer certaines caractéristiques spécifiques, comme l'opposition plus traditionnelle entre des styles plus spontanés, artistiques, religieux, fondés, comme le disait Georg Wilhelm Friedrich Hegel, sur le « sentiment » et des types d'actions davantage fondés sur le calcul, la cognition, la règle. Bien que fréquemment les deux mondes s'entrecroisent, devons-nous pour autant les confondre, contribuant alors à privilégier une conception totalisante de la culture ? Le mot « culture » est parfois employé dans un sens restreint pour désigner l'industrie des « biens culturels », c'est-à-dire les entreprises et activités de production, de distribution et de gestion de droits d'exploitation de spectacles et de contenus audio-visuels reproductibles (voir Économie de la culture). Ce secteur, sous l'effet du développement des technologies de l'information et de la communication, est en pleine transformation et son avenir fait l'objet de controverses politiques tendues. Selon Geert Hofstede, la culture est une programmation mentale collective propre à un groupe d’individus. De manière plus générale, en éthologie, la culture animale désigne tout comportement, habitude, savoir, système de sens (en anthropologie) appris par un individu biologique, transmis socialement et non par héritage génétique de l’espèce à laquelle appartient cet individu. La culture se définit en ce sens comme un ensemble de connaissances transmis par des systèmes de croyance, par le raisonnement ou l’expérimentation, qui la développent au sein du comportement humain en relation avec la nature et le monde environnant. Elle comprend ainsi tout ce qui est considéré comme « acquisition de l’espèce », indépendamment de son héritage instinctif, considéré comme naturel et inné. Ce mot reçoit alors des définitions différentes selon le contexte auquel on se réfère. Mais la culture n'est pas réductible à son acception scientifique, car, comme l'indique la définition de l'UNESCO, elle concerne les valeurs à travers lesquelles nous choisissons aussi notre rapport à la science. En ce sens, elle relève davantage de la communauté politique des êtres humains que de l'espèce comme objet de science. Approche critique[modifier le code] Plus récemment, le concept de culture a largement été critiqué, notamment par des chercheurs comme Ingrid Piller (en)[3], Joana Breidenbach (de)[4], Unni Wikan (en)[5] ou Adam Kuper (en)[6]. Pour ces chercheurs non francophones, principalement issus de l'anthropologie ou des sciences politiques, le concept de culture serait avant tout un outil qui aurait remplacé le concept de race, reproduisant un certain nombre de stéréotypes essentialistes. Le haut commissariat des droits de l'homme des Nations-Unies, par la voix de ses rapporteuses spéciales dans le domaine des droits culturels, publie des rapports sur les droits culturels, notamment ceux des femmes[7]. Farida Shaheed (en)[8], en 2012, propose « de passer d’un modèle qui considère la culture comme un obstacle aux droits des femmes à un modèle qui vise à garantir une égalité de jouissance des droits culturels. En outre, une telle approche constitue un outil important pour la réalisation de tous les droits de l’homme. »[9]. Culture individuelle et culture collective[modifier le code] En langue française, le mot « culture » désigne tout d’abord l’ensemble des connaissances générales d’un individu. C’est la seule définition qu’en donne en 1862 le Dictionnaire national de Bescherelle. Les connaissances scientifiques y sont présentées comme élément de premier plan. C’est ce que nous appelons aujourd’hui la « culture générale ». Après le milieu du XXe siècle, le terme prend une seconde signification. Par exemple, le Petit Larousse de 1980 donne, en plus de la conception individuelle, une conception collective : ensemble des structures sociales, religieuses, etc., des manifestations intellectuelles, artistiques, etc., qui caractérisent une société. Le terme peut alors revêtir l’un ou l’autre sens, mais la proximité des domaines d’utilisation de chacun en fait une source d’ambiguïté. En langue allemande, la définition de la culture individuelle ou culture générale correspond au mot Bildung[10]. Il existe un autre mot, Kultur, qui correspond à un patrimoine social, artistique, éthique appartenant à un ensemble d’individus disposant d’une identité. Ainsi, ce terme homophone, qui correspond plutôt en français à l’une des acceptions de civilisation, et par les échanges d’idées entre la France et l’Allemagne, s’est petit à petit amalgamé avec le sens initial du mot culture en français. Cette seconde définition est en train de supplanter l’ancienne, correspondant à la culture individuelle. Néanmoins, les dictionnaires actuels citent les deux définitions, en plaçant le plus souvent la « culture individuelle » en premier. Il y a en français deux acceptions différentes pour le mot culture : la culture individuelle de chacun, construction personnelle de ses connaissances donnant la culture générale ; la culture d'un peuple, l'identité culturelle de ce peuple, la culture collective à laquelle on appartient. Ces deux acceptions diffèrent en premier lieu par leur composante dynamique : la culture individuelle comporte une dimension d’élaboration, de construction (le terme Bildung est généralement traduit en éducation), et donc par définition évolutive et individuelle ; la culture collective correspond à une unité fixatrice d’identités, un repère de valeurs relié à une histoire, un art parfaitement inséré dans la collectivité ; la culture collective n’évolue que très lentement, sa valeur est au contraire la stabilité figée dans le passé, le rappel à l’Histoire. C’est dans cette dichotomie que ces deux significations peuvent s’opposer : La culture collective comporte une composante de rigidité pouvant s’opposer au développement des cultures individuelles, ou pouvant conduire à des contrecultures, concept qui est inimaginable avec le sens individuel, la connaissance ne pouvant être que positive. La science, toujours en évolution, n’est de ce fait pas raccrochée au concept de culture individuelle, dans les acceptions populaires, alors qu’elle en est une des composantes principales dans la teneur initiale du terme. Mais c’est par l’art et l’histoire que les deux concepts se rejoignent. La culture individuelle inclut la connaissance des arts et des cultures, celle des différentes cultures humaines, et celle affiliée à la culture (collective) à laquelle l’individu s'apparente. C’est là le point d’amalgame entre les deux acceptions : la culture (individuelle) est comprise comme connaissance de la culture (collective) dont on dépend. Fusionnant ainsi deux acceptions différentes, le terme « culture » tend actuellement, en France, vers un compromis dans son acception courante, où il désignerait essentiellement des connaissances liées aux arts et à l’Histoire, plus ou moins liées à une identité ethnique. Les deux sens doivent cependant être analysés distinctement : la culture collective et la culture individuelle se recoupent en réalité, non seulement par leur homonymie, mais aussi par la filiation de l'espèce et de l’individu à une entité culturelle. Langage courant[modifier le code] L’utilisation populaire du mot « culture » dans beaucoup de sociétés occidentales, permet de réaliser un classement de son caractère en fonction de croyance, de la consommation de biens ou de l’exercice d’activités considérées comme élitistes : la cuisine, l’art, et la musique par exemple. En ethno-archéologie[modifier le code] Article détaillé : Culture archéologique. En ethno-archéologie et en anthropologie sociale et culturelle, par sa « culture » nous voulons distinguer chaque groupe humain occupant un certain espace géographique pendant une période donnée[11]. Nous nous appuyons pour ce faire sur la répartition homogène dans cet espace géographique d'un certain nombre de types d'objets (formes de poteries, outils de silex, art mobilier, architecture, pratiques funéraires, etc.) et ainsi définir la « culture matérielle » de chaque « culture » entendue de ce point de vue ethno-archéologique. Le Chasséen tire son nom du site de Chassey-le-Camp en Saône-et-Loire, la culture de Yangshao tire le sien d'un site près du village de Yangshao, au Nord du Henan, etc. ce sont autant de « cultures » sur une aire géographique bien plus étendue que ces sites mais en constante redéfinition en fonction de l'état des recherches. Point de vue sociologique[modifier le code] Cette section peut contenir un travail inédit ou des déclarations non vérifiées (juin 2025). Vous pouvez aider en ajoutant des références ou en supprimant le contenu inédit. Si vous ne connaissez pas le sujet, laissez ce bandeau (vous pouvez alors contacter les auteurs). Si vous supprimez le contenu mis en cause (vous pouvez préalablement contacter les auteurs), argumentez précisément cette suppression dans la page de discussion (un manque de référence n'est pas un argument ; une recherche réelle de référence doit avoir été effectuée, être formellement documentée). Outre le fait que nous ayons tendance à ne distinguer qu'une culture unique à l'échelle — la Culture — et qu'il est d'usage de la définir par rapport à la Nature, la sociologie propose d'étudier les phénomènes culturels au pluriel. Lorsque nous nous intéressons à la culture d'un point de vue sociologique, il s'agit de constater dans les faits qu'il existe des pratiques culturelles qui diffèrent selon l'espace et le temps, selon la position sociale occupée par les individus au sein de la société, selon le genre, le travail exercé, etc. De manière plus précise, chaque pratique culturelle est étroitement liée aux représentations ; Pierre Bourdieu appelle ces représentations habitus, un concept qui s'apparente à des « lunettes ». Ainsi, chaque individu, étant donné qu'il est un produit socio-historique, un homme vivant parmi d'autres hommes, éduqué d'une certaine façon et habitué à des pratiques sociales qu'il juge « normales », chaque individu donc, se fait ses propres représentations de ce qui est légitime et non-légitime, beau et laid, bien ou mal. L'individu n'est pas un atome isolé qui ferait ce qu'il fait naturellement, mais répond à des exigences dont il ne se rend pas compte. Quand nous nous interrogeons sur la Culture — qu'est-ce qu'une culture et qu'est-ce qui n'en est pas une ? — il faut dépasser un certain ethnocentrisme, il faut étudier la Culture comme étant un objet scientifique comme un autre, comme le physicien par exemple étudie les astres. Car définir la Culture, doit différer et se débarrasser des jugements de valeurs et des jugements moraux. Nous avons tendance à penser la Culture comme un noyau dur inaltérable qui ne changerait que par « périodes » ou « stades » de l'évolution humaine. La Culture est ce que les hommes en font ; elle n'est pas par ailleurs chose tombée du ciel, par une sorte d'ésotérisme réservée à des génies qui seraient génies innés. Norbert Elias, dans son opus du Processus de civilisation, invite à penser la Culture comme une dynamique de transformations successives dans l'histoire de l'Homme en liaison aux changements sociaux (centralisation de l'État, principe de différenciation et de logique concurrentielle entre les individus, pacification des mœurs) et aux évolutions techniques. Derrière le mot Culture donc, des forces coexistent, se repoussent et fusionnent entre elles. Dans son ouvrage Mozart : sociologie d'un génie, N. Elias montre que le compositeur autrichien est lui-aussi déterminé sociologiquement ; dans une optique de démystification de l'histoire et non de destruction de croyance, Elias explique que bien que Mozart soit un génie célébré, il est situé dans un espace social propice qui lui a permis d'être ce qu'il est devenu (entre autres, père compositeur et violoniste pour la cour d'Autriche de son époque). Pour Pierre Bourdieu, la Culture ne fait référence qu'à l'existence d'une culture dominante et légitimée, antagonique à une culture dominée dont les valeurs ne sont pas reconnues. Chaque individu, doté d'un capital économique, d'un capital social et d'un capital culturel déterminé par son champ social, est forcé d'intérioriser les normes reconnues par le champ dominant pour pouvoir à son tour être reconnu. Par exemple, la musique symphonique/classique est dite légitime, alors que la musique métal ou le rap ne le sont pas. Dans les pratiques culturelles des individus positionnés en haut de l'échelle sociale, aller à l'opéra est plus fréquent que pour un ouvrier ; pour saisir cette domination, il faut non pas simplement s'intéresser aux œuvres-mêmes, mais aux catégories sociales dont les individus sont issus, car selon la position sociale occupée, les représentations changent : il y a l'influence de règles sociales sur les pratiques individuelles. La Culture demeure du sens, des schèmes culturels individualisés, c'est-à-dire façonnés par l'individu en rapport avec son héritage, la manière dont il en hérite, et en rapport aux autres : la Culture n'est viable qu'au pluriel. Types de composants[modifier le code] Une représentation de la culture consiste à la regarder comme formée de quatre éléments qui sont « transmis de génération en génération en apprenant »[12] : les valeurs ; les normes ; les institutions ; les artefacts. Julian Huxley donne une division légèrement différente, en mentifacts, socifacts et artifacts, pour des sous-systèmes idéologiques, sociologiques, et technologiques respectivement. La socialisation, du point de vue de Huxley, dépend du sous-système de croyance. Le sous-système sociologique oriente l’interaction entre les gens. Les objets matériels et leur utilisation forment le sous-système technologique[13]. En général, les archéologues se focalisent sur la culture matérielle, alors que l’anthropologie culturelle se focalise sur la culture symbolique, encore qu'in fine les deux groupes s’intéressent aux relations entre ces deux dimensions. De plus, les anthropologues conçoivent le mot « culture » pour se référer non seulement à la consommation de biens, mais au processus général qui produit de tels biens et leur donne une signification, et aux relations et pratiques sociales dans lesquelles de tels objets et processus sont imbriqués. Valeurs[modifier le code] Les systèmes de valeurs comprennent des idées et des matériaux qui semblent importants dans la vie. Elles guident les croyances qui composent la culture en partie. Il est possible de reconnaître des systèmes de valeur associés de préférence à des civilisations. Ainsi, dans ce que nous appelons encore l'Occident, il semble que la conversation culturelle se préoccupe beaucoup de la question de la règle, de la mesure, de la loi physique ou sociale, alors qu'en Extrême-Orient, l'affaire la plus importante concerne l'identité dans le monde. Les valeurs des sociétés villageoises (comme en Afrique ou en Amérique latine) portent davantage sur l'équilibre entre l'homme et la nature, garanti par l'intercession des hommes-médecine. Les valeurs des sociétés nomades sont plutôt attachées à résoudre les problèmes des antagonismes inévitables entre groupes sur le territoire commun. À l'intérieur de la sphère occidentale, le point de vue anglo-saxon insiste encore davantage sur la loi (culture de la common law, et de la rule of law). Ceci correspond à une religiosité inspirée des protestantismes préoccupés de l'usage rationnel du temps personnel (comme le montrait Max Weber), ce qui permet l'autodiscipline, libère un certain libéralisme et fait l'économie d'un contrôle par l'autorité collective. En France, le plus laïc des pays occidentaux - tradition que l’on pourrait faire remonter au gallicanisme de Philippe le Bel, à la Pragmatique Sanction de Bourges, ou aux positions de Bossuet - nous avons plutôt affaire à une reprise administrative nationale de l'ancienne autorité catholique, où se trouve préservé un principe d'arbitrage divin et royal, désormais déposé dans l'État laïc. La Révolution française introduit un statut civil équivalent pour tous les citoyens, indépendamment des croyances ou appartenances religieuses, mais ne renie pas longtemps - avec Napoléon - le principe du pouvoir transcendant et paternaliste. Celui-ci subsiste aujourd’hui dans la trame culturelle de ce pays qui demeure de ce point de vue de tradition catholique. Néanmoins, comme partout ailleurs en Europe, nous y rencontrons le débat avec les deux religions et cultures du « Livre » (la Bible), qui forment les deux autres variantes de la culture occidentale au sens large : la tradition judaïque, qui insiste sur l'alliance entre Dieu et son peuple, au travers d'une loi interprétable ; et la tradition musulmane, qui veut rétablir le principe de la liberté absolue de Dieu. Nous constatons ici combien le monde des valeurs ne se développe pas au hasard, mais bien comme système logique de différences assumées. Nous pouvons aussi observer que ce caractère de conversation entre les valeurs demeure le plus souvent inconscient, caché par l'intransigeance de leurs partisans respectifs. Normes[modifier le code] Les normes sont constituées par les attentes sur la façon dont les personnes doivent se comporter dans diverses situations. Chaque culture a des méthodes, appelées sanctions, pour imposer ses normes. Les sanctions varient avec l’importance de la norme ; les normes qu’une société impose formellement ont le statut de lois. En France, la langue française a le statut de langue officielle, et qu’à ce titre, elle est la langue de l’administration et du droit civil. Aux États-Unis, il existe une tradition normative très importante en matière industrielle et financière. Les normes comptables en Europe sont actuellement assez largement inspirées des normes américaines. Institutions[modifier le code] Les institutions sont les structures de la société dans et par lesquelles les valeurs et les normes sont transmises. Nous avons vu que, dans le cas de la France, la défense de la langue fut prise très tôt en charge par le souverain, François Ier pour le statut de langue officielle du français par l'Ordonnance de Villers-Cotterêts (1539)[14], Richelieu pour l’Académie française. De là est née, en France et dans la plus grande partie de l’Europe, une tradition qui lie la culture avec les institutions publiques. Aux États-Unis, il n’existe pas une emprise aussi importante de la puissance publique sur la culture proprement dite. Ainsi, de nombreuses grandes entreprises ont des collections d’œuvres d'art telles qu’elles ouvrent des musées privés. Des hommes d'affaires et milliardaires n'hésitent pas à réaliser du mécénat et par leur philanthropie alimentent de grandes fondations (qui portent d'ailleurs souvent leur nom) et qui ont développé des actions dans le secteur de la culture, des arts et de l'enseignement artistique (des grands musées comme le Metropolitan ou Guggenheim à New-York, les Fondations comme Ford, Carnegie, etc.). Les industries culturelles, mettant en œuvre les bases d'un véritable management culturel, se sont dès le départ développées sur un modèle d'entreprises privées avec au fil des décennies un mouvement de forte concentration financière faisant des grands groupes américains du secteur les principaux protagonistes d'un oligopole mondial des industries de l'entertainment et des médias (Time Warner, Disney, Fox, etc.). Ainsi, depuis les années 1950, l’industrie américaine du cinéma, concentrée à Hollywood, domine non seulement économiquement mais aussi symboliquement, la distribution des films à grand succès et la consécration des grandes vedettes. En France, la majorité des institutions culturelles sont des organisations en gestion publique ou des organisations de type associatif mais avec une forte dépendance à des collectivités publiques : académies, musées, bibliothèques, médiathèques, conservatoires, salles de concert et de théâtre, orchestres, opéras, Maisons des jeunes et de la culture. La France a été l'une des premières démocraties modernes à se doter d'un ministère de la Culture en 1959[15]. Elle fut suivie par de nombreux autres pays en Europe mais selon des formules adaptées à leur contextes respectifs. Les « petits pays » (petits par leur taille) comme les Pays-Bas, la Finlande, l'Autriche ou le Portugal, ont dans leurs organisations gouvernementales respectives un ministère plus large (Éducation par exemple) auquel est rattaché un secrétariat d'État chargé de la Culture. Les pays à structure fédérale ont des équivalents dans leurs régions (en réalité des États fédérés) qui exercent la compétence culturelle. Ainsi, en Allemagne, on trouve dans le gouvernement de chaque Land une direction de la Culture et des Arts, le plus souvent rattachée à l´Enseignement, la Recherche et la Formation professionnelle (ce qui s'explique notamment par l'importance des institutions d’enseignement artistique). L’Espagne s'est quant à elle dotée d’un ministère de la Culture en 1978, dès que la page du franquisme fut tournée. Le Royaume-Uni constitue un exemple des plus intéressants dans la prise en compte de l’action étatique en faveur de la culture car il s’agissait d’abord pour le gouvernement d’intervenir et de soutenir les institutions artistiques et en particulier celles du spectacle vivant (théâtre, danse, musique) telles que la Royal Shakespeare Company, le Royal Opera House Covent Garden, les grands orchestres londoniens, etc. Nous considérons donc un schéma assez voisin dans les pays européens. Dans le cas de la musique classique par exemple, nous pouvons observer que toutes les institutions musicales (hormis quelques notables exceptions) bénéficient du soutien de collectivités publiques (État, régions, villes). Le Royaume-Uni toutefois se distingue du reste de l'Europe car les institutions musicales y sont plus autonomes, assez rarement des établissements publics. En revanche dans le domaine des musées, une forte proportion des institutions sont publiques. De ce point de vue, le Royaume-Uni se distingue des États-Unis, les traditions culturelles des deux pays étant assez distinctes. Que ce soit en France ou en Europe, certains lieux privés peuvent être considérées comme des institutions : des châteaux privés comme Chenonceau, des abbayes comme Fontfroide à Narbonne, l'écomusée d'Alsace ou encore de grandes manifestations d'animation existant depuis longtemps comme La Cinéscénie issus d’une initiative locale, même si le rayonnement est national. Depuis une trentaine d’années les collectivités locales (communes, départements et régions) se sont dotées de leur propre politique culturelle et jouent un rôle essentiel dans l’animation et la régulation de la vie culturelle locale. Ces politiques, souvent menées en partenariat avec les services de l’État, participent de plusieurs logiques : faciliter l’accès à la culture du plus grand nombre, soutenir la production artistique et les artistes, contribuer au développement économique et renforcer l’image des collectivités locales. Depuis le Traité de Maastricht, certains aspects de la culture font maintenant partie des responsabilités de l’Union européenne, dans le cadre des principes de subsidiarité. En particulier, l’Union européenne doit veiller à l’application de la politique linguistique européenne, qui pose certaines difficultés de mise en œuvre. Nous distinguons donc deux modèles : le modèle américain, caractérisé par une alliance forte entre public et privé (où le privé joue un rôle prépondérant en matière purement culturelle), et le modèle européen, essentiellement public. Artefacts[modifier le code] Les artefacts — choses ou aspects de la culture matérielle — décrivent des valeurs et des normes d’une culture. Grandes manifestations de la culture collective[modifier le code] Culture et art[modifier le code] La culture est aussi indissociable du patrimoine artistique, au sens où elle est un rattachement à des valeurs traditionnelles. Cet aspect de la culture est beaucoup plus marqué en Europe et en Asie, qu’en Amérique et surtout aux États-Unis, pour des raisons historiques évidentes. Néanmoins, les États-Unis admirent le patrimoine culturel européen {{Interprétation personnelle}}, car il s’agit de leurs racines culturelles : nous le constatons dans les acquisitions des œuvres d'art, dans leur présence dans les lieux artistiques (Paris, Bruges, Venise, etc.), dans les mécénats américains pour la restauration de quelques éléments symboliques du patrimoine européen (château de Versailles, etc.), dans les échanges musicaux (chefs d'orchestre, etc.), etc. Le respect des Américains pour l’histoire monarchique de la France paraît surprenant au premier abord, mais il révèle cet attachement à un patrimoine historique qu’ils n’ont pas, et une reconnaissance au rôle joué par la France dans l’Histoire et dans la défense des libertés aux États-Unis. Lorsque est évoqué le patrimoine, on a tendance à penser au patrimoine bâti et à l’architecture, mais c’est aussi la sculpture, la peinture, le vitrail, la musique, la littérature, le folklore, la langue. Depuis plusieurs années, l'UNESCO a développé un programme en direction du patrimoine immatériel (convention de 2003 pour la sauvegarde du patrimoine culturel immatériel avec 3 actions clés : la liste du patrimoine immatériel nécessitant une sauvegarde urgente ; la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité (géants et dragons processionnels en France, en Belgique et en Italie, le Cantu a tenore en Sardaigne, etc.) ; le registre de bonnes pratiques de sauvegarde. Le patrimoine est par ailleurs très riche aussi en Asie et en Afrique du Nord, comme c'est le cas par exemple pour les civilisations chinoise, indienne, arabe et berbère; et le patrimoine de l’Afrique noire (arts premiers) commence aussi à être redécouvert par la communauté internationale. Culture et langage[modifier le code] Voir aussi : Catégorie langue et culture La langue est probablement, dans les sociétés humaines, ce qui permet le mieux de véhiculer une culture, tant orale qu’écrite. C’est ainsi que la culture française s’est développée dans l’Europe des Lumières, en fait essentiellement parce qu’elle était parlée dans plusieurs cours princières. Cette prééminence du français était due au rayonnement culturel de la France au XVIIIe siècle, et à l’admiration que des souverains étrangers (en Prusse, en Russie, etc.) portaient, à tort ou à raison, aux souverains français. Cette prééminence avait en réalité été préparée par l’édit de Villers-Cotterêts, signé par François Ier en 1539, qui établissait le français comme langue officielle, c’est-à-dire comme langue de l’administration et du droit (écrit). Dans ce sens, Richelieu fonde en 1635 l’Académie française, qui sert dès lors de régulateur et d'académie linguistique officielle. Au XVIIe siècle, de grands écrivains comme Corneille, La Fontaine, Molière, Racine ou encore Madame de Lafayette, donnèrent au français classique ses lettres de noblesse. Aujourd’hui, la langue anglaise est devenue une langue véhiculaire, porteuse d’un grand nombre d’informations dans des domaines comme le militaire, la finance, la science, et aussi et surtout l’informatique, la plupart des langages informatiques étant historiquement formés sur des mots de la langue anglaise. Les normes, en particulier comptables (l’informatique étant issue à l’origine de la comptabilité générale), tendent à imposer un certain modèle culturel. En France, après la Seconde Guerre mondiale, certains choisirent de réagir contre cette forme d’« impérialisme linguistique » en établissant des liens culturels avec les pays de langue française dans le monde : la francophonie. La protection de la langue française est aujourd’hui intégrée dans le droit français : article 2 de la Constitution de 1958, loi Toubon. Également,dans certaines régions francophones, tel que le Québec, des lois ont aussi été mises en place pour contrer la propagation de l'anglais. Nous pouvons également dénoter la présence de liens culturels qui s'établissent autour de l’espagnol (entre l’Espagne et l’Amérique du Sud). L’arabe est également un bon exemple des liens culturels établis autour de cette langue parlée le plus souvent dans le monde musulman, et qui se développa en même temps que la grande civilisation musulmane entre le VIIIe et le XVe siècle. Le multilinguisme est, au moins officiellement, reconnu dans la politique linguistique de l'Union européenne, comme portant une valeur de diversité culturelle[16]. Le langage étant l’un des modes de communication les plus importants (mais pas le seul), nous voyons apparaître des modèles linguistiques de communication fondés sur les fonctions du langage. Dans le schéma de Jakobson, par exemple, nous voyons ces concepts culturels liés au message lui-même, contenus notamment dans le code de communication. Culture et technique[modifier le code] Sciences et techniques sont en interaction permanente, puisque les techniques sont les applications des sciences dans la société. Parler des manifestations techniques de la culture revient donc à aborder ses relations avec les sciences. Nous pouvons constater, depuis plus de trois siècles, une incompréhension entre les sciences (plus précisément les sciences « exactes ») et la culture, voire à des conflits. Jacques Ellul a notamment développé la thèse selon laquelle la technique s'auto-accroît, imposant ses valeurs d'efficacité et de progrès technique, niant l'homme, ses besoins, et notamment sa culture. Claude Allègre note, dans Un peu de science pour tout le monde : « Dans un monde que la rationalité façonne, l’irrationalité tend à prendre le pouvoir, comme le montre l’essor sans précédent des astrologues, cartomanciens, et sectes de tout poil. La raison principale de cette dérive est qu’au nom d’une spécialisation nécessaire et toujours exigeante, les scientifiques se sont isolés et ont laissé la science s’abstraire de la culture générale. Or, il n’y a pas d’avenir pour un savoir humain, quel qu’il soit, en dehors de la culture, et il ne saurait être de culture dans le monde d’aujourd’hui qui tienne la science à distance ». Le philosophe Hans Jonas montre en effet, dans le Principe responsabilité (1979), que l’homme tend à adopter, vis-à-vis de la science et surtout de ses applications technologiques, un comportement prométhéen. Il prône le principe de précaution et se trouve à l’origine des principes philosophiques du développement durable. L’astrophysicien Jean Audouze, ancien directeur de l’Institut d’astrophysique de Paris, dresse le même constat, et appelle de ses vœux une réconciliation entre la science et la culture. Importance et place de la culture collective[modifier le code] La diversité culturelle dans les communautés humaines[modifier le code] Nous pouvons distinguer à travers le monde les cultures écrites et les cultures orales. La langue, écrite ou orale, joue ainsi un rôle essentiel dans l’élaboration d’une forme de connaissance sociale, qui est la pensée du sens commun, socialement élaborée et partagée par les membres d’un même ensemble social ou culturel. Nous appelons quelquefois cette connaissance commune une représentation sociale. Dans le domaine de l’archéologie et de l’anthropologie, la culture se définit comme étant l’ensemble des connaissances et des comportements qui caractérisent une société humaine, ou plus généralement un groupe humain à l’intérieur d’une société. Seulement quelques cultures sont parvenues à l’état de civilisation dans l’Histoire de l’humanité. Même s’il existe une culture dominante dans une société, généralement formée autour de la culture de l’élite, il se forme toujours des groupes sociaux dont les intérêts, les pratiques, sont particuliers par rapport à la culture dominante. Nous trouvons ainsi diverses formes de cultures, comme la culture populaire, la culture de masse, la culture de jeunesse, ou ce que l’on appelle la subculture (ou culture intime). Dans la définition que donne l'UNESCO du patrimoine culturel immatériel, la diversité culturelle apparaît comme un élément déterminant : « Ce patrimoine culturel immatériel, transmis de génération en génération, est recréé en permanence par les communautés et groupes en fonction de leur milieu, de leur interaction avec la nature et de leur histoire, et leur procure un sentiment d'identité et de continuité, contribuant ainsi à promouvoir le respect de la diversité culturelle et la créativité humaine »[17]. La culture enfantine se distingue de celle des adultes, car les systèmes de représentation d’un enfant et d’un adulte sont nécessairement différents. Faire dialoguer des personnes de cultures différentes peut nécessiter une médiation interculturelle. Des personnes se sont spécialisées dans la médiation culturelle. Selon Christian Puren, il existerait plusieurs composantes à la compétence culturelle : transculturelle, métaculturelle, interculturelle, pluriculturelle, co-culturelle. Cette distinction permet d'analyser les situations où elles s'articulent, se combinent ou se superposent[18]. Culture et nature[modifier le code] Article connexe : Coévolution § Coévolution gène-culture. Beaucoup de personnes aujourd’hui identifient souvent la culture ou la « civilisation » à un état évolué de l’humanité, qui s’opposerait, selon eux, à l’état sauvage, la « nature » étant un état sauvage selon eux. Beaucoup de projets réalisés du XVIIIe siècle au début du XXe siècle, qui eurent lieu dans le cadre de la révolution industrielle, s'orientèrent dans le sens précédent. Tel n’était pourtant pas le cas de beaucoup de philosophes des Lumières, comme John Locke qui fonda la philosophie politique sur la loi de la nature (law of nature), Robert Boyle, auteur d’ouvrages sur la méthode expérimentale (voir philosophie de la nature), Jean-Jacques Rousseau (rêveries d’un promeneur solitaire), Samuel von Pufendorf (qui inspira la constitution des États-Unis), ou de nombreux courants de peinture au XIXe siècle (école de Barbizon, impressionnisme, etc.). Dans les dernières décennies, de nombreux philosophes se sont inquiétés des rapports avec la nature (René Dubos, Hans Jonas, etc.). Selon la philosophie moderne, et en particulier dans le sillage de Claude Lévi-Strauss, nous considérons généralement que la culture est naturelle à l'homme, dans le sens où tous les hommes en ont une et qu'un quelconque « état de nature » (état pré-culturel) ne serait qu'une pure fiction. Pour ce thème, voir l'article Jean-Jacques Rousseau. Des découvertes récentes montrent que la nature, le biologique, influence la culture. Par leurs recherches, Robert Stoller et ses collaborateurs ont montré que, dans des cas d'erreur sur la détermination du sexe à la naissance résultant d'une anomalie biologique non apparente, des forces de la nature agissent « sur les attitudes et comportements d'un enfant à travers ses jeux, son habillement, ses choix de partenaires de jeu, etc., autrement dit, que l'inné peut influencer l'acquis »[19]. Voir aussi : état de nature, Philosophie de la nature, développement durable, Droits de la nature. Même si la culture physique était à l’origine cantonnée aux gymnases, le développement des activités sportives modernes tend à se rapprocher de la nature : alpinisme, ski (notamment le ski de fond), cyclisme, kayak, canyoning, etc. Facteur culturel dans la mondialisation[modifier le code] La mondialisation fait sans aucun doute intervenir des enjeux culturels considérables. Ainsi, après la fin de la guerre froide, les différentes sociétés ont parfois vécu ce que nous appelons le choc des civilisations. Depuis la chute du mur de Berlin (1989) apparaît ainsi un modèle prédominant, le modèle anglo-saxon réputé « libéral », mais où, en fait, nous trouvons un engagement très fort de la puissance publique américaine dans l’industrie de l’armement et l’industrie informatique. L’emprise américaine est particulièrement forte sur les aspects culturels, et joue sur les interactions multiples (entreprises, partenariats avec des ONG) à partir des composants fondamentaux de la culture (valeurs, normes, institutions, artefacts). L'influence socioculturelle s'exerce par l'intermédiaire du social learning, et de ses composantes que sont l'enseignement, la langue, et le cinéma[20]. Ce modèle anglo-saxon, appuyé sur l’anglais comme langue véhiculaire, tend à imposer certains modes de fonctionnement dans les institutions mondiales, notamment commerciales, qui, selon certains observateurs, peuvent traduire une forme d’impérialisme culturel et linguistique. Le développement de la culture de masse depuis les années 1930, dans le sillage de l’américanisation, a favorisé des modes de consommation et de production qui ne sont plus forcément aujourd’hui compatibles avec les contraintes sociétales contemporaines. Dans le sixième essaicomposé pour la Crise de la culture, Hannah Arendt analyse la culture de masse, transformation de l'objet culturel en un loisir, pour ensuite proposer l'attitude à adopter vis-à-vis de l'art pour ne pas le soumettre à la logique de la société de consommation[21]. Face à cette forme de domination, certains pays réagissent en prônant la diversité culturelle, et s’organisent en conséquence. En France, l’expression exception culturelle recouvre l'ensemble des solutions adoptées pour défendre la diversité culturelle. Elles passent par des formes d’action concentrées autour de l’État (aides publiques et subventions aux différentes formes de médias, comme les décrets dits Tasca de 1990) mais aussi par la démarche privée grandissante et l'effort de qualité sur le matériel artistique. Culture et patrimoine[modifier le code] Article détaillé : Patrimoine (culture). Spontanément, l'expression patrimoine culturel fait penser à un patrimoine matériel (sites, monuments historiques, œuvres d'art, etc.). L'UNESCO a établi en 1972 une liste du patrimoine mondial, composée de plusieurs centaines de sites dans le monde[22]. Cette conception du patrimoine a évolué depuis une quinzaine d'années. Nous lui avons d'abord adjoint une liste Mémoire du monde (1992), qui recense les collections documentaires d'intérêt universel (déclaration des droits de l'homme et du citoyen, instauration du système métrique, mémoire du canal de Suez, etc.). En 1997, la notion de patrimoine oral et immatériel de l'humanité a été définie par l'UNESCO[23]. Nous nous orientons donc progressivement vers une conception du patrimoine qui inclut à la fois un patrimoine matériel, mais aussi un patrimoine culturel immatériel (PCI). Ce changement de conception du patrimoine n'est pas sans conséquences sur les représentations sociales et la psychologie sociale des communautés, puisque les traditions vivantes (carnaval de Binche par exemple) et documentaires sont reconnues au même titre que les monuments et œuvres d'art du passé. Lorsque des effets similaires se produisent sur un ensemble d’individus appartenant à une même communauté, nous parlons alors de biais culturel. Culture et entreprises privées[modifier le code] Article détaillé : Culture d'entreprise. L’objectif des entreprises n’est pas le plus souvent de produire de la culture. Néanmoins, et même dans les secteurs autres que la culture, d’une part, nous pouvons trouver d'une part que les liens avec les activités culturelles sont accrus, et d’autre part que la notion de culture d'entreprise se développe, notamment avec l’apparition de chartes définissant les valeurs partagées des personnes travaillant dans une même entreprise. Historiquement, ce fut la création des comités d'entreprise qui permit d’abord aux employés de bénéficier d’activités culturelles proches de leur lieu de travail (prêt de livres, de disques, etc.). Plus récemment, les activités de mécénat se sont multipliées, afin de renforcer l’image des entreprises : par exemple le sport (voile, tennis, football, cyclisme, etc.), pour donner une image d’esprit d'équipe. Le mécénat tend à s’ouvrir aujourd’hui à des activités plus artistiques. Nous voyons par exemple des entreprises privées participer à l’organisation d’expositions. Ainsi une entreprise du secteur pétrolier peut trouver des intérêts à participer à des expositions en relation avec la culture arabo-musulmane par exemple. Dans le cadre de stratégies de développement durable et de responsabilité sociétale, nous observons aujourd’hui une multiplication des messages des entreprises autour de chartes d’entreprise, et de mécénats culturels ou sociaux. Ces différents aspects ont pour objectif de renforcer l’image de l’entreprise. Ce type d’activité est très naturel aux États-Unis, où les relations entre entreprises et ONG s’établissent facilement. Ce mode de fonctionnement décentralisé et privé n’est pas encore totalement passé dans les mœurs dans beaucoup de pays européens, particulièrement en France, où la puissance publique joue traditionnellement un rôle important. Les ONG culturelles peuvent pourtant favoriser l’éducation dans les pays en développement (en Afrique par exemple), et renforcer les liens. Néanmoins, si l’entreprise considère le mécénat comme de la communication pure dans ses rapports d’activité annuels (voir responsabilité sociétale), cela peut cacher dans certains cas des insuffisances dans les stratégies. La culture d'entreprise, impulsée par les décideurs, et expliquée aux employés et aux parties prenantes de l’entreprise, devrait ainsi participer d’une manière générale à la construction d’une culture stratégique d’entreprise. Évolution, diffusion et sélection culturelles[modifier le code] Principes généraux de l’évolution culturelle[modifier le code] Les cultures concernant la seule espèce humaine, et que nous pouvons repérer dans le vivant au lien étroit qu'elles entretiennent avec le langage symbolique et avec les formes spécifiques d'organisation, les techniques et technologies qui en découlent, se modifient sans cesse depuis leur émergence, il y a plusieurs centaines de milliers d'années. Elles se situent dans le prolongement des cultures des primates qui furent nos ancêtres, et qui ressemblaient plausiblement en partie à celles qui sont encore celles de « nos cousins » les grands singes. Toutefois, entre l'utilisation de la voix (dans l'aria des gibbons) ou le recours à l'instrumentation simple, voire l'existence de relations sociales très complexes (chez les chimpanzés, comme le démontrent les travaux de Jane Goodall), et le fonctionnement découlant d'une interposition d'une grille de signifiants commune entre les individus d'une même société et le monde, il existe une rupture. Celle-ci est difficilement niable, quels que soient les efforts - méritoires et fort utiles - pour abolir la notion de « propre de l'homme », qui reste à expliquer, notamment pour ce qu'il a entraîné une divergence assez extraordinaire entre le destin de notre espèce et ceux des autres, les plus proches. Il se manifeste deux lignes d'analyse antagoniques sur ce problème : l'une met en avant légitimement l'appartenance de l'humanité à la nature, et se défie des préjugés religieux (préférant situer l'origine de l'homme dans une décision divine), ou de la réticence largement partagée à accepter que nous sommes aussi une espèce animale. La seconde, fondant les sciences humaines et sociales, tente de résister à un « naturalisme » réducteur en défendant leur domaine propre, irréductible à d'autres niveaux de réalité : le domaine d'une anthropologie qui trouve précisément son territoire dans l'étude de ce que l'homme ne partage pas avec les autres animaux. Il faut sans doute dépasser les formes dogmatiques de cet antagonisme inévitable pour définir plus finement le rapport entre « continuité naturelle », entre cultures des primates et cultures humaines, et l'apparition d'une divergence spécifique. Pour ce faire, nous pouvons avoir recours jusqu'à un certain point à l'analogie entre la « longue évolution » (du vivant) et la « très courte » (de la culture humaine) : des biologistes (comme Jean Claude Ameisen) ont étudié l'histoire des bactéries, afin de comprendre l'incroyable complexité des mécanismes assurant vie et mort des cellules dans les organismes multicellulaires. Ils concluent à la nécessité de reconstituer des « époques disparues », pour interpréter la situation présente, et comprendre des phénomènes comme le cancer. D'autres biologistes se sont intéressés davantage à l'histoire des espèces elles-mêmes : dans tous les cas, l'analogie avec les histoires humaines se révèle heuristique, quitte à payer le prix de l'anthropomorphisme en dotant les gènes ou les cellules de traits humains intentionnels comme des « intérêts », ou des « stratégies ». En revanche, les spécialistes des sciences humaines utilisent peu le recours aux savoirs biologiques. Ils ont sans doute tort en partie, mais leurs arguments n'ont rien à voir avec une variante du Créationnisme : ils tentent seulement de mettre au point des outils d'analyse qui ne soient pas d'abord importés d'autres disciplines, alors que dans leur propre domaine (notamment pour la période de moins de 30 000 ans pour laquelle ils disposent de traces incontestables de la culture symbolique : rites funéraires, représentations, systèmes de signes), la diversité et la confluence, bref le mouvement des cultures, semble obéir en priorité à des lois spéciales. Analogies avec l'évolution biologique[modifier le code] Tout comme il y a une évolution biologique, certains éthologues, ainsi que plusieurs généticiens, estiment qu’il y a une évolution culturelle, et que cette évolution se fait par mutation, puis est transmise par des « gènes » de la culture, appelés mèmes, qui subissent une pression sociale et environnementale, aboutissant à leur disparition ou au contraire à leur expansion (propagation). La spécificité durable des cultures humaines est qu’elles fonctionnent comme des « conversations politiques » entre positions différentes, des processus de propositions-objections, réorganisant constamment les collectifs sociaux. La disparition d’une culture n’est donc pas nécessairement la « mort » d’un organisme, mais le passage à une autre configuration conversationnelle ; l’abandon de certaines métaphores collectives pour d’autres. L'analogie avec l'évolution des formes vivantes demeure intéressante et fructueuse car, comme les cultures langagières humaines, les espèces biologiques

L'empathie des personnes autistes est un sujet complexe, étudié dans le cadre des recherches sur les troubles du spectre de l'autisme (TSA). Contrairement à une idée erronée, les personnes autistes accèdent à l'empathie. L’hypothèse de la « mère réfrigérateur », désormais largement discréditée par les neurosciences cognitives, incriminait la mère dépourvue d'empathie pour son enfant comme responsable d'un retrait émotionnel de ce dernier. Les chercheurs britanniques Simon Baron-Cohen et Uta Frith évoquent en 1985 une absence de théorie de l'esprit, l'impossibilité pour les personnes autistes de comprendre les intentions et les émotions des autres. Les recherches ultérieures démontrent que les personnes autistes ne sont pas totalement dépourvues d'empathie, mais cette empathie se base sur un processus cognitif conscient et des associations logiques qui prennent peu en compte l'acceptabilité sociale, plutôt que sur des processus automatiques et sociaux comme chez les personnes non autistes. La présence d'alexithymie, un manque de neurones miroir, un cerveau « hypermasculin », une particularité de l'amygdale, ou encore un déséquilibre entre une empathie affective surefficiente et une cognitive réduite sont explorés comme possible causes. Les personnes autistes montrent également peu de motivation dans les situations sociales, et pourraient présenter une empathie non centrée sur l'être humain, plutôt tournée vers des objets et des animaux. Depuis 2018, il est suggéré que le déficit d'empathie soit décrit comme tel sur la base d'une comparaison négative entre la socialisation des personnes autistes et la socialisation neurotypique. Les personnes autistes à haut niveau de fonctionnement pourraient expérimenter une détresse personnelle supérieure en présence de quelqu'un qui souffre. Les personnes avec TSA ressentent des émotions et disposent d'un accès au sens moral, contrairement aux personnalités dites psychopathes. Leur empathie particulière est cependant à l'origine de nombreux problèmes pour interagir en société. Un entraînement aux habiletés sociales permet aux personnes autistes de compenser ces difficultés, parfois au point de les rendre invisibles pour leur entourage à l'âge adulte, mais au prix d'un effort d'attention qui entraîne une fatigue. Définition et description[modifier le code] Article connexe : Empathie. Dans la définition qu'en fournit le Dr Peter Vermeulen, l'empathie est la « capacité à voir le monde à travers les yeux de quelqu'un d'autre »[1],[Note 1]. Elle comprend des éléments cognitifs et des éléments affectifs. Les éléments cognitifs sont nécessaires à la compréhension à partir de la perspective d'autrui. L'empathie affective est décrite comme l'expérience d'une émotion liée à la perception d'un élément émotionnel. Simultanément, elle entre en résonance avec celui-ci[2]. Trois prérequis sont nécessaires au fonctionnement de l'empathie : reconnaître (visuellement) l'expression des sentiments d'autrui, comprendre la vision ou le point de vue des autres (empathie cognitive ou théorie de l'esprit) et réagir de manière adaptée aux émotions, en éprouvant la même émotion (empathie affective). Ainsi, les chercheurs distinguent plusieurs types d'empathie en fonction des processus engagés : l'empathie cognitive, l'empathie émotionnelle, l'empathie somatique[3]. Les personnes autistes ont de nombreuses particularités émotionnelles qui affectent leurs relations sociales. Or, les altérations qualitatives des relations sociales sont l'un des problèmes centraux de l'autisme[4], comme le souligne le psychopathologue britannique R. Peter Hobson (1993)[5]. Montrer de l'empathie est nécessaire à de bonnes relations sociales. Plusieurs chercheurs ont décrit l'autisme comme étant un « trouble de l'empathie » et de la réciprocité sociale[6], en particulier dans le cas de l'autisme infantile[7], et bien qu'il existe d'autres aspects[2]. De manière générale, les personnes autistes sont décrites comme « difficilement empathiques »[1]. Elles rencontrent des difficultés tant pour reconnaître les émotions d'autrui que pour faire connaître les leurs[8],[9], et ce, qu'elles soient verbales ou non verbales. Il leur est très difficile d'identifier leurs propres émotions (en particulier lorsqu'elles sont complexes, fierté, embarras…) et de reconnaître les émotions des autres en observant leur visage[10],[11],[12]. Les tests de capacité d'empathie de l'ASQ (Autism spectrum questionnaire) font d'ailleurs partie des méthodes d'évaluation permettant de diagnostiquer l'autisme[13],[14]. L'empathie cognitive rejoint la théorie de l'esprit, termes souvent employés de manière interchangeables, mais en raison du manque d'études qui comparent les différents types d'empathie chez les personnes autistes, il est difficile de savoir si ces deux termes sont équivalents[15]. L'idée selon laquelle les personnes autistes n'auraient pas du tout d'empathie reste répandue. Le psychologue britannique Tony Attwood l'a beaucoup nuancée, notamment pour ce qui concerne la forme d'autisme dite syndrome d'Asperger : « Il est important de comprendre que la personne Asperger a des aptitudes ToM et une empathie immatures ou réduites, mais non pas une absence d'empathie. Sous-entendre une absence d'empathie serait une terrible insulte aux personnes Asperger, avec pour corollaire qu'elles ne peuvent connaître ou se soucier des sentiments des autres. Elles ne sont pas capables de reconnaître les signaux subtils des états émotionnels, ou de « lire » des états d'âme complexes. » — Tony Attwood, Le Syndrome d'Asperger, guide complet[16] De même, dans son ouvrage L’Énigme de l'autisme, la psychologue britannique Uta Frith affirme que la plupart des autistes ont des réactions autonomes d'empathie et « savent ne pas se montrer indifférents à la douleur éprouvée par autrui »[17]. Les personnes autistes ne bénéficient pas toujours d'une mesure exacte de leur capacité d'empathie lors de tests en laboratoire : il est fréquent que leurs performances en conditions de laboratoire soient supérieures à leurs performances en conditions réelles[18],[19]. D'après le psychanalyste français Jacques Hochmann, un autre problème réside dans la diversité des personnes décrites comme autistes, les troubles du spectre de l'autisme (TSA) concernant d'après lui des personnes « profondément déficitaires sur le plan des capacités intellectuelles », et d'autres « supérieurement intelligentes » : la plupart des travaux de recherche concernant l'empathie ont été menés avec des personnes « sans déficit intellectuel associé »[7]. Le « manque d'empathie » est décrit chez d'autres personnes que les autistes : c'est le cas également des personnalités dites narcissiques et psychopathes (ou « antisociales »), mais la nature et les raisons de ce manque semblent différents[20]. La psychiatre britannique Lorna Wing estime que les personnes ayant des difficultés d'empathie et de sensibilité sociale forment un groupe qu'il est difficile de séparer, certaines étant considérées comme handicapées, d'autres non[21]. Nature de l'empathie autiste[modifier le code] Plusieurs spécialistes ont cité des exemples de manifestation d'empathie chez des personnes autistes. Peter Vermeulen cite le cas d'une fillette autiste verbale, âgée de 12 ans, qui, voyant l'une de ses camarades pleurer, dit à son éducatrice que celle-ci fait un « drôle de bruit », n'étant visiblement pas en mesure de comprendre la signification des sanglots et des larmes. Il cite également des comportements de compassion manifestés par des personnes autistes, dès lors qu’elles sont en mesure de comprendre ce que ressent l'autre, notamment grâce à leur expérience personnelle[22]. Uta Frith cite une personne autiste apprenant dans la presse qu'une communauté souffre de la faim, et qui éprouve de l'empathie parce qu'elle-même a souffert de la faim par le passé[17]. Cependant, les chercheurs se sont interrogés sur les différences entre l'empathie des personnes autistes et celle des personnes non autistes. L'empathie différente des personnes autistes ne résulte vraisemblablement pas de la volonté consciente d'ignorer les émotions des autres, mais peut être décrite par un ensemble de particularités dans les traitements automatiques de l'information : difficulté pour reconnaître les émotions et les réactions appropriées à chacune d'entre elles ; hiérarchisation différente des informations (les informations sociales n'étant généralement pas perçues, ou perçues comme moins importantes que d'autres)[23] ; traitement plus lent de ces mêmes informations[24]. L'existence de comportements pour consoler ou ennuyer volontairement les autres chez les enfants autistes, parfois dès deux ans, prouve d'après Vermeulen l'existence précoce d'une forme d'empathie[25]. Placée dans une situation qui demande de l'empathie (voir l'exemple sur la bande dessinée ci-dessous), une personne autiste donnera généralement une réponse peu sociale, basée sur la logique et sur le concret[26], sans évaluer la gêne potentielle qu'elle peut causer. Par exemple, elle pourra parler de sujets sensibles (comme la mort) ou se montrer « trop honnête » et manquer aux règles sociales de politesse dans son discours en faisant une remarque sur le physique d'une autre personne[27]. Les difficultés d'empathie des personnes autistes semblent se situer dans la détermination de ce qui est acceptable socialement, avec peu d'attention dirigée vers les sentiments, les réactions et le point de vue d'autrui[28]. Cette particularité affecte l'utilisation du langage[29]. Vermeulen en conclut que la plupart des manifestations visibles d'empathie de la part de personnes autistes reposent sur de l'égocentrisme : il leur faut avoir vécu elles-mêmes la situation émotionnelle de l'autre (ou s'être documentées grâce à des livres ou à la télévision[30]), mais elles ne peuvent manifester d'empathie spontanée pour une personne qui vit une situation émotionnelle qui leur est inconnue[22]. La plupart des comportements de personnes autistes considérés comme non empathiques et socialement inacceptables, même répétés, ne relèvent jamais (ou exceptionnellement) d'une volonté d'ennuyer, faire souffrir ou manipuler l'autre, mais plutôt de l'absence d'anticipation de l'impact de ce comportement sur l'autre[31]. Contribution du sens moral[modifier le code] Article connexe : Psychopathie. Contexte psychiatrique[modifier le code] Le secteur de la psychiatrie légale (qui traite des crimes et délits) s'occupe de l'autisme, ce qui a entraîné une confusion et une assimilation erronée, dans l'opinion publique, entre l'autisme et la psychopathie[26], ou trouble de la personnalité antisociale / sociopathie[32]. Du fait de l'existence supposée de manques d'empathie, les personnes autistes ont rapidement été soupçonnées d'être dépourvues de sens moral, tout comme les personnes psychopathes[33]. Il a depuis été démontré que les personnes autistes accèdent au sens moral et se soucient de la souffrance des autres[34]. L'association entre autisme et psychopathie est réfutée par de nombreux chercheurs et des personnes autistes[35]. Citant plusieurs études, Peter Vermeulen estime que contrairement aux psychopathes, les personnes autistes se soucient des émotions des autres, sont sensibles aux décès et respectent les règles morales. Si les deux semblent manquer d'empathie, les raisons n'en sont pas les mêmes : la personne psychopathe est insensible aux émotions d'autrui, alors que la personne autiste est ignorante des règles sociales, et se montre maladroite[26]. De même, Uta Frith cite les études de James Blair en comparant les réactions des psychopathes à celle des autistes : contrairement aux seconds, les enfants psychopathes sont plus doués que la moyenne de leur classe d'âge pour attribuer des états mentaux aux autres. Elle en conclut que l'autisme et la psychopathie constituent « deux dérèglements différents »[36]. Simon Baron-Cohen tient lui aussi à distinguer les particularités d'empathie propres à l'autisme de celles qui sont propres à la psychopathie. Dans son ouvrage Zero Degrees of Empathy: A new theory of human cruelty (en français : Les degrés zéro de l'empathie : une nouvelle théorie de la cruauté humaine), il distingue le zéro négatif, propre aux personnalités psychopathes dépourvues de sens moral, du zéro positif, propre aux personnes avec TSA. D'après lui, le zéro positif se distingue par une empathie réduite, mais une capacité supérieure à reconnaître des motifs récurrents ou à systémiser, permettant un accès au sens moral[37]. Différences de mobilisation et d'expression[modifier le code] Article connexe : Morale. D'après la philosophe Sarah Arnaud, les personnes autistes sont généralement pourvues de qualités morales : « ces particularités [dans le fonctionnement de l'empathie] ne les empêchent en aucun cas de faire partie de la communauté morale. Les personnes autistes peuvent être de rigoureux agents moraux, c’est-à-dire qu’elles présentent une certaine intransigeance et inflexibilité morale ». Elle ajoute que ces qualités morales reposent sur « une surutilisation de raisonnements cognitifs délibérés et basés sur des règles, plutôt que des processus automatiques »[38]. Elle cite notamment Temple Grandin, qui s'est construite « volontairement et avec intérêt une moralité applicable à la vie en société »[39], grâce à un système d'application de règles de conduite[40]. Plusieurs personnes autistes montrent un profond sens de la justice et de l'équité[41], bien que leur sens moral ne soit pas basé sur les informations émotionnelles[42]. Cela explique les règles sociales souvent inflexibles que suivent de nombreuses personnes autistes[43]. Uta Frith cite l'exemple du philanthrope John Howard, réformateur carcéral rétrospectivement diagnostiqué autiste Asperger, qui en voyant une fille traitée injustement, s'est porté à son secours et en a été durement châtié[17]. D'après le psychiatre et psychothérapeute britannique Digby Tantam, les personnes autistes sont souvent idéalistes et se préoccupent beaucoup des actes de cruauté commis à l'échelle du monde : il n'est pas rare qu'elles se mettent à pleurer lorsqu'elles prennent connaissance d'histoires de personnes ou d’animaux maltraités. Cependant, leur tendance à « suivre les règles » peut les amener à se montrer cruelles pour ne pas avoir à désobéir[44]. La théorie de l'esprit influence directement la conscience de soi. Selon Uta Frith et Francesca Happé, il est possible que les personnes diagnostiquées avec syndrome d'Asperger aient une conscience d'elles-mêmes différente des personnes non autistes, car faisant appel à l'intelligence et à l'expérience plutôt qu'à l'intuition. Elle se révélerait naturellement plus proche de celle d'un philosophe[45]. Tony Attwood adhère à cette vision, et cite en exemple des autobiographies dont les qualités sont d'après lui « quasiment philosophiques »[46]. Une étude menée par Simon Baron-Cohen suggère que les différences d'empathie ont effectivement une influence sur la conscience de soi, les deux domaines étant liés[47]. Problème de la double empathie[modifier le code] Article détaillé : Problème de la double empathie. En 2012, le chercheur Damian Milton propose l'hypothèse que les difficultés sociales et de communication présentes chez les personnes autistes lorsqu'elles socialisent avec des personnes non-autistes soient dues à un manque réciproque de compréhension et à des différences bidirectionnelles dans le style de communication, mais pas nécessairement à une déficience inhérente aux personnes autistes, qui sont capables de socialiser, de communiquer et de bien s'identifier à la plupart de leurs pairs[48],[49]. Une étude japonaise préliminaire sur 15 personnes autistes avec groupe contrôle, publiée en octobre 2014, suggère que l'empathie entre personnes autistes pourrait être plus importante que l'empathie des personnes autistes vers les personnes neurotypiques[50]. En 2018, une première étude de la socialisation de personnes autistes entre elles lors de sessions de jeux vidéo, sur 30 personnes, conclut à l'importance de l'intersubjectivité : entre eux, les autistes ont une manière propre de sociabiliser et d'empathiser, qui n'est pas définie comme pathologique[51]. Cette même année 2018, une autre étude montrait que les personnes autistes sont plus sujettes à la personnification d'objet[52], ce qui suggère l'existence d'une empathie autistique plus globale, et peut-être plus complexe, contrairement à la croyance populaire selon laquelle les personnes autistes manqueraient d'empathie. Pour le psychologue français Jérôme Lichté, l'observation de déficit d'empathie chez les personnes autistes résulterait alors d'un biais méthodologique, partant de l'empathie et de la socialisation neurotypiques comme la norme[53]. Cette hypothèse est renforcée par une nouvelle étude de double empathie publiée en octobre 2020, dont les conclusions soutiennent que les enfants autistes sont capables de distinguer les comportements de gentillesse entre eux, alors que les non-autistes n'ont pas cette capacité à distinguer ces comportements chez les enfants autistes[54]. Histoire[modifier le code] Dans la première description qu'il fait du syndrome d'Asperger en 1943, Hans Asperger note que les enfants qu'il étudie « manquent d'empathie »[55]. Leo Kanner, le découvreur de l'autisme infantile, suppose initialement que les enfants autistes seraient privés d'empathie parce qu'ils n'en ont eux-mêmes pas reçu de leurs parents, et en particulier de leur mère. Cette hypothèse, qu'il a abandonnée à la fin de sa vie[56], a été reprise, enseignée aux psychologues professionnels puis médiatisée sur le plan international par Bruno Bettelheim dans son ouvrage La Forteresse vide (1967)[57] : de nombreux psychanalystes la reprennent, en France notamment, avant de l'abandonner[58]. Il est possible qu'historiquement, des personnes autistes aient fait l'objet d'études sur leur empathie sans bénéficier du bon diagnostic : Eva Ssuchareva (1926) puis Wolff et Chess (1964) étudient des enfants souffrant d'après eux d'un trouble de la personnalité schizoïde, mais la description qu'ils fournissent de leur comportement et de leur empathie se révèle très proche de ce qui sera décrit plus tard comme le syndrome d'Asperger[59]. Dans sa monographie (1993), le psychologue britannique R. Peter Hobson compare l'empathie d'une personne autiste à celle d'un chimpanzé[60]. Un débat scientifique sur l'empathie des personnes autistes est lancé en 1985 par trois chercheurs britanniques, Simon Baron-Cohen, A. M. Leslie et Uta Frith, qui publient l'article Does the autistic child have a “theory of mind”? (Les enfants autistes ont-ils une « théorie de l'esprit » ?)[61],[62]. La conclusion tirée des premières expériences est l'existence d'un déficit spécifique et permanent de l'empathie, indépendant du niveau intellectuel. Les auteurs précisent dans cet article que « [leurs] résultats renforcent fortement l'hypothèse selon laquelle les enfants autistes considérés à l'échelle du groupe échouent à employer la théorie de l'esprit »[Trad 1],[61]. Simon Baron-Cohen emploie le terme de « cécité mentale » (mindblindness)[62],[63]. La publication de cet article entraîne un intérêt pour ce champ de recherche, de nombreuses autres publications suivent[64]. Cette théorie reste l'une des plus connues de nos jours, concernant les particularités de l’empathie dans l’autisme[65]. En 1992, une étude porte sur 18 enfants autistes « sans déficience intellectuelle », comparés à un groupe d'enfants non autistes. Des questions sont posées sur le ressenti des émotions par l'enfant, l'interprétation de l'émotion de l'autre et les raisons du ressenti. Les enfants autistes obtiennent de moins bons résultats aux trois types de questions. De plus, ils présentent une expression de concentration sur le visage, et prennent davantage de temps que les non-autistes pour répondre à ces questions. Ces observations tendent à démontrer que la réponse leur demande un temps d'analyse ou de calcul[66]. Le groupe de chercheurs compare également les performances des enfants autistes à ce test avec leur QI : les enfants de QI plus élevé donnent en moyenne de meilleures réponses que ceux de QI plus bas. Cette différence n'existe pas chez les personnes non autistes, chez lesquelles le degré d'empathie n'est pas en relation avec le QI[30]. La chercheuse britannique Uta Frith révise en 2004 le cas spécifique de la forme d'autisme nommée syndrome d'Asperger : « les données expérimentales suggèrent que les personnes atteintes du syndrome d'Asperger peuvent manquer de théorie intuitive de l'esprit (mentalisation), mais peuvent être en mesure d'acquérir une théorie explicite de l'esprit »[Trad 2],[67]. Le syndrome d'Asperger est alors considéré comme une forme distincte d'autisme. À sa parution en 2013, le DSM-V fusionne l'ancien diagnostic du syndrome d'Asperger aux autres troubles du spectre autistique (TSA), et cite parmi les critères diagnostiques de ces TSA un déficit de « réciprocité socio-émotionnelle »[68]. Ces dernières années, la majorité des études se focalisent sur la théorie de l'esprit / empathie cognitive chez des enfants et adolescents autistes. Il existe peu d'études sur le comportement que manifestent les personnes autistes en réponse aux émotions d'autrui[69], et aucune pour déterminer si les enfants autistes sont sensibles au phénomène de contagion émotionnelle (se mettre à rire si d'autres personnes présentes dans la même pièce rient, par exemple)[17]. Causes et théories[modifier le code] Plusieurs causes neurologiques et psychologiques susceptibles d'expliquer l'empathie autistique ont été explorées, faisant intervenir la théorie de l'esprit, l'alexithymie, les neurones miroirs, l'amygdale, la théorie empathisation-systémisation, la psychanalyse et l'anthropocentrisme. Bien qu'un « déficit » de cognition sociale puisse être à l'origine d'une partie des troubles liés à l'autisme, il ne suffit vraisemblablement pas à expliquer l'ensemble des particularités vécues par les personnes avec troubles du spectre de l'autisme[70]. De plus, les réactions empathiques des personnes autistes dépendent fortement de leur propre tempérament[71]. En raison d'un diagnostic trois à quatre fois plus fréquent chez les garçons que chez les filles, certains chercheurs ont supposé que les garçons seraient plus susceptibles de développer des troubles autistiques que les filles « car leur cerveau serait naturellement dépourvu de certains circuits nécessaires à l'empathie »[72]. Digby Tantam estime que les personnes autistes n'expérimentent pas la contagion émotionnelle, car celle-ci se développe grâce à la capacité d'imitation du langage non verbal, et notamment des expressions faciales. Cela ne signifie pas forcément un manque d'empathie cognitive de leur part. Il pourrait s'agir d'une absence de prise de conscience de la perception de l'émotion à cause de la concentration nécessaire à la compréhension des paroles des autres, et à la formulation d'une réponse[73]. Il ajoute que les personnes autistes pourraient avoir des difficultés d'empathie affective parce qu'elles n'ont pas l'habitude de regarder les yeux et le visage de leurs interlocuteurs[74], une hypothèse également envisagée par la psychiatre Danielle Bons et son équipe[3]. Théorie de l'esprit, empathie cognitive et empathie affective[modifier le code] Article connexe : Théorie de l'esprit. L'hypothèse de la théorie de l'esprit, dite également « hypothèse de la cognition sociale », serait que les troubles du spectre autistique proviennent majoritairement d'une absence ou d'un manque de théorie de l'esprit[64]. Seuls un cinquième des enfants autistes de 4 et 5 ans réussissent le test de Sally et Anne[75]. Une multitude d'études ont suggéré que les personnes autistes auraient une déficience dans cette capacité à comprendre les perspectives des autres, les intentions d'autrui[15],[76],[77]. La théorie de l'esprit repose sur des structures du lobe temporal et du cortex préfrontal. L'empathie, à savoir la possibilité de partager les sentiments des autres, repose sur les sensorialités corticales ainsi que les structures limbiques et para-limbiques[15]. Simon Baron-Cohen suggère que les personnes avec un autisme non-verbal manquent souvent à la fois d'empathie cognitive et affective[37]. Cependant, d'après le psychologue néerlandais Anke M. Scheeren, les résultats de ces tests sont souvent corrélés à la présence ou non du langage. Cela ne permet pas de conclure que les autistes non verbaux soient dépourvus de théorie de l'esprit, mais tendrait à démontrer que l'absence d'accès au langage modifie leur raisonnement mental[78], suggérant une relation entre l'empathie et la maîtrise du langage[10]. Cas de l'autisme sans handicap intellectuel[modifier le code] L'absence de distinctions claires entre théorie de l'esprit et empathie peut avoir entraîné une compréhension incomplète des capacités empathiques des personnes autistes, en particulier celles diagnostiquées avec un syndrome d'Asperger[15]. De nombreux rapports sur les « déficits » empathiques des personnes diagnostiquées avec syndrome d'Asperger sont en fait basés sur la supposition d'une déficience dans la théorie de l'esprit[15],[79],[80]. Vermeulen estime que « les personnes avec autisme, principalement les plus intelligentes, ne souffrent pas tellement d'un déficit en théorie de l'esprit, mais bien d'une « intuition » de l'esprit ». Il ajoute qu'« au contraire, vu les efforts que les personnes avec autisme fournissent pour comprendre le monde intérieur d'autrui, on pourrait même dire qu'elles sont les seules à posséder une théorie de l'esprit »[81],[82]. Anke M. Scheeren s'oppose lui aussi à la théorie d'un déficit permanent en théorie de l'esprit, à partir d'études sur des enfants et adolescents dits « sans déficience intellectuelle »[77]. Les adolescents réalisent des performances supérieures à celles des enfants, probablement grâce à une compensation de leurs difficultés, jusqu'à acquérir « des raisonnements mentaux avancés »[77]. Il postule que l'expérience et l'apprentissage permettent aux personnes autistes d'acquérir la théorie de l'esprit[83] : certaines d'entre elles comprennent des états émotionnels qui font appel à des notions avancées, comme le sarcasme et le double bluff[77]. Les recherches suggèrent également que les personnes diagnostiquées avec syndrome d'Asperger peuvent rencontrer des problèmes pour comprendre les perspectives des autres, mais qu'en moyenne, elles démontrent une empathie et une détresse personnelle supérieures à celle des groupes témoin[15],[84]. Déséquilibre entre empathie cognitive et empathie affective[modifier le code] Le psychologue écossais Adam Smith a posé en 2009[35] l'hypothèse d'un déséquilibre de l'empathie dans l'autisme (« hypothèse du déséquilibre de l'empathie » ou EIH pour « empathy imbalance hypothesis »). Selon cette hypothèse, dans le spectre de l'autisme, les personnes ont un déficit d'« empathie cognitive », mais d'autre part un surplus (surefficience) d'« empathie émotionnelle ». Ce déséquilibre se traduit par une susceptibilité à la surexcitation empathique, qui pourrait entraîner une surcharge émotionnelle, et contribuer aux difficultés de relations avec les autres, qui sont l'une des caractéristiques de l'autisme. L'EIH est compatible avec la théorie de l'esprit. Le surplus d'empathie émotionnelle est un thème qui revient souvent dans les récits autobiographiques de personnes autistes, et pour lequel des preuves empiriques s'accumulent[35]. Cette théorie s'oppose à la croyance en un manque d'empathie associé aux TSA, et à l'hypothèse du « cerveau hypermasculin »[85] à laquelle adhère notamment l'essayiste et militant Ralph James Savarese[86]. À l'appui de cette théorie, des études par auto-évaluation montrent que les individus TSA auraient une empathie globalement inférieure, montrent aucune ou peu de réponse réconfortante à l'égard de quelqu'un qui souffre, mais présentent des niveaux égaux ou supérieurs de détresse personnelle par rapport aux témoins[87]. La combinaison de la réduction de l'empathie et de l'augmentation de la détresse personnelle peut conduire à la réduction globale de l'empathie constatée chez les personnes avec TSA dans le cadre de ces études[87]. De nombreux témoignages de personnes autistes vont dans le sens d'une forte empathie émotionnelle. Par exemple, Jim Sinclair témoigne se sentir impuissant et très embarrassé face à la détresse d'une personne qui souffre[88]. Les personnes autistes avec synesthésie peuvent avoir une perception exacerbée de certaines formes, textures, couleurs, et de certains mots ou chiffres, allant également dans le sens d'une forme d'empathie émotionnelle envers des animaux, des concepts ou des objets[89]. La détresse personnelle, généralement accrue chez les personnes avec des troubles du spectre de l'autisme, a été proposée comme explication à l'affirmation selon laquelle au moins certaines d'entre elles semblent avoir une empathie émotionnelle accrue[87],[90]. Lors d'une étude avec groupe témoin sur 38 personnes diagnostiquées avec syndrome d'Asperger, les individus Asperger ont obtenu de moins bons résultats dans l'empathie cognitive, mais ils se sont montrés dans la moyenne sur l'empathie affective. Le problème d'empathie affecterait plus spécifiquement la reconnaissance des émotions positives[91]. Alexithymie[modifier le code] Article détaillé : Alexithymie. En 2004, une étude sur des personnes autistes « à haut niveau de fonctionnement » a montré une prévalence élevée de l'alexithymie[92], une construction de la personnalité caractérisée par l'inaptitude à reconnaître et à exprimer clairement ses propres émotions et celles d'autrui[92],[93],[94]. D'après deux études d'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle, l'alexithymie est responsable d'un manque d'empathie chez les personnes avec TSA[95],[96]. Le manque d'harmonisation empathique inhérent aux états alexithymiques peut réduire la qualité[97] et la satisfaction[98] dans les relations. Une étude neurologique a suggéré en 2010 que les déficits d'empathie associés au spectre de l'autisme peuvent être dus à une comorbidité (des troubles connexes fréquemment associés à l'autisme) significative entre l'alexithymie et le spectre autistique, plutôt qu'être le résultat d'une déficience sociale permanente[99]. Empathie-systémisation et cerveau hypermasculin[modifier le code] Article détaillé : Théorie empathisation-systémisation. La théorie empathisation-systémisation (E-S) de Simon Baron-Cohen propose de classer les gens sur la base de leurs capacités selon deux dimensions indépendantes, l'empathisation (E) et la systémisation (S). Ces capacités peuvent être déduites par des tests qui mesurent le quotient d'empathisation (QE) et de systématisation (QS). Cinq types de cerveaux différents peuvent être observés parmi la population sur la base de ces scores, ce qui doit être en corrélation avec des différences au niveau neuronal. Dans la théorie E-S, l'autisme est associé à une empathie inférieure à la moyenne et une systémisation moyenne ou supérieure à la moyenne[100]. Les recherches de Simon Baron-Cohen tendent aussi à démontrer que les hommes autistes ont généralement de moins bons scores d'empathie que les femmes autistes[100],[101],[102]. La théorie E-S a donc été étendue dans la « théorie du cerveau hypermasculin », suggérant que les personnes ayant un TSA sont plus susceptibles d'avoir un type de cerveau hypermasculin, correspondant à une systémisation supérieure à la moyenne, mais une empathie réduite[100]. Cette théorie du cerveau hypermasculin suggère que les individus avec TSA sont spécialisés dans la systémique plutôt que dans l'empathie. Les personnes autistes auraient reçu beaucoup de testostérone in utero, ce qui expliquerait aussi la prévalence plus élevée de l'autisme chez les garçons[103],[104],[105]. Certains aspects de neuroanatomie des autistes semblent correspondre à un profil masculin extrême, peut être influencé par des niveaux élevés de testostérone fœtale, plutôt que par le sexe lui-même[100],[106],[107]. Une autre étude portant sur des scanographies du cerveau de 120 hommes et femmes a suggéré que les hommes et les femmes autistes ont des cerveaux différents. Les femmes autistes ont des cerveaux qui semblent être plus proches de ceux des hommes non autistes que des femmes, mais le même genre de différence n'a pas été observé chez les hommes autistes[108],[109]. Cette théorie du « cerveau hypermasculin » ne suffit pas à expliquer l'ensemble des particularités propres à l'autisme[103]. Les résultats des recherches de Simon Baron-Cohen ont fait l'objet de différentes critiques. Les garçons autistes chez lesquels des taux de testostérones intra-utéro plus bas ont été mesurés ne présentent pas moins de traits autistiques que les autres. Quant aux hommes autistes en général, ils ne présentent pas de comportement « hypermasculin »[Note 2] (agressivité, usage de force…)[72]. Peter Vermeulen est en désaccord avec l'opposition entre empathie et systémisation proposée par Simon Baron-Cohen. Il estime que la systémisation fait partie du processus d'empathie, et que de manière générale, le fonctionnement émotionnel et cognitif humain ne peut s'évaluer grâce à des algorithmes[110]. Particularités cérébrales[modifier le code] Les neurosciences cherchent à déterminer si l'empathie autistique pourrait résulter d'une particularité dans la structure du cerveau. En 2010, une étude sur 15 adolescents avait suggéré que l'activation du gyrus fusiforme serait moindre[111]. Neurones miroirs[modifier le code] Le système des neurones miroirs est essentiel à l'empathie émotionnelle[112]. En 2005, une étude a montré que, par rapport au développement général des enfants, les enfants autistes à haut niveau de fonctionnement montrent une réduction de l'activité des neurones miroirs dans le gyrus frontal inférieur du cerveau (pars opercularis) dans des tâches d'imitation et d'observation d'expressions émotionnelles[113]. L'électroencéphalogramme révèle un nombre très réduit de rythme mu dans le cortex sensoriel des personnes autistes. L'activité dans ce domaine est inversement proportionnelle aux symptômes dans le domaine social, ce qui suggère qu'un réseau de neurones miroirs dysfonctionnel peut sous-tendre les problèmes sociaux et de communication observés dans l'autisme, y compris l'altération de la théorie de l'esprit et de l'empathie[114]. Ces résultats sont controversés. Le cogniticien Nicolas Georgieff estime que la plupart des (rares) données expérimentales disponibles ne montrent aucune altération du système des neurones miroir chez les personnes autistes[115]. De plus, d'autres régions cérébrales sont impliquées dans la gestion de l'empathie, une défaillance des neurones miroirs ne suffit pas à expliquer seule l'empathie des personnes autistes[116]. Amygdale[modifier le code] L'amygdale et le cortex cérébral sont impliqués dans la reconnaissance des émotions et le déclenchement des réponses émotionnelles aux stimuli[117]. Plusieurs études ont posé l'hypothèse qu'un dysfonctionnement de l'amygdale puisse être à l'origine de difficultés à reconnaître les émotions d'autrui[118],[119],[120]. Les personnes autistes ne présentent cependant pas de lésions évidentes du système limbique[121]. De plus, l'amygdale n'est vraisemblablement pas hyperactivée dans les situations d'anxiété comme cela était supposé : s'il y a une relation entre la motivation sociale des personnes autistes et l'amygdale, cette particularité ne suffit pas à l'expliquer[122]. Motivation sociale diminuée[modifier le code] La théorie de la motivation sociale diminuée, issue du champ de la psychologie sociale, a récemment (2012) fait l'objet d'un grand intérêt. Elle s'oppose aux études qui voient dans l'empathie des autistes un manque ou une absence de théorie de l'esprit, puisqu'elle ne postule pas une empathie dysfonctionnelle, mais une motivation diminuée des personnes autistes pour les situations d'interactions sociales[123]. Ces interactions ne procurent pas d'émotions signifiantes et agréables aux personnes autistes (notamment en cas d'absence de maîtrise du langage), contrairement aux personnes non autistes[124],[125]. Une étude par questionnaire sur 23 adolescents tend à démontrer que plus la forme d'autisme est jugée « sévère », plus la motivation sociale est diminuée[126]. Ces études montrent aussi que les personnes autistes se soucient généralement peu de ce que les autres pensent d'elles[127]. Cette théorie explique les différences de performances des personnes autistes lors de mesures de l'empathie en conditions de laboratoire, par rapport à ce qui est observé dans leur vie de tous les jours[128]. Théories psychanalytiques[modifier le code] Article connexe : Autisme en psychanalyse. La psychologue-psychanalyste française Graciela C. Crespin estime que le concept d’empathie est central dans les TSA[129]. D'après le pédopsychiatre et psychanalyste Jean-Noël Trouvé, bien que la théorie de la mère réfrigérateur soit totalement discréditée par de nombreux travaux (y compris de psychanalystes), elle continue à faire des « ravages dans quelques « noyaux durs » de la psychopathologie »[56]. D'après la psychanalyste Marie-Christine Laznik, Frances Tustin et Geneviève Haag ont soupçonné que les personnes avec autisme puissent avoir des hypersensibilités affectives. Elle observe que les bébés autistes « peuvent avoir des facteurs d’hypersensibilité qui les mènent à se fermer à la relation avec l’adulte dès que des pensées inquiétantes surgissent dans l’esprit de ce dernier, parfois à son insu », mais aussi que « les enfants autistes se montrent incapables d’empathie avec leurs petits camarades au point de leur rendre la vie sociale bien difficile », un apparent paradoxe qu'elle explique en reprenant la théorie d'Adam Smith, par un excès d'empathie émotionnelle, au point que cette dernière en deviendrait handicapante[130]. L'hypothèse de Jean-Noël Trouvé « est que les personnes qui vont se constituer comme autistes ont des difficultés et même renoncent à construire une conscience de soi basée sur la dialectique de la reconnaissance par l’autre. Dans les replis les plus sévères, cette demande de reconnaissance est pratiquement absente, la personne autiste semblant avant tout préoccupée de maintenir un sentiment de Soi qui demeure pour elle incertain, et même à le défendre contre les tentatives de reconnaissance réciproque proposées par l’environnement ». Il précise que dans des cas de syndrome d'Asperger, « la demande de reconnaissance est bien énoncée, mais présente un caractère conflictuel, désaccordé, surtout par le fait de ne pas pouvoir reconnaître les indices du désir de l’autre ». Il estime que les personnes autistes sont sensibles au ressenti et aux intentions des autres, mais que les « capacités fonctionnelles et structurales nécessaires à leur expression » créent un « terrible décalage », ainsi qu'un malentendu entre eux et les personnes non autistes[56]. Empathie non anthropocentrée[modifier le code] Articles connexes : Anthropocentrisme et L'Interprète des animaux. Une particularité des personnes autistes est leur préférence précoce pour l'observation d'objets, d'animaux (et le contact avec eux) ou d'astres, par rapport aux contacts humains et à l’observation du visage[131]. Une étude comparative entre 87 personnes autistes et 263 non-autistes montre à la fois que la personnification d'objets est commune chez les autistes, et que ces expériences sont vécues comme apaisantes pour eux[132]. Au fil du temps, l'absence de contacts humains pourrait déboucher sur ce qui est communément défini comme des « difficultés d'empathie »[131]. Peter Vermeulen rappelle que les personnes autistes à haut niveau de fonctionnement consacrent généralement beaucoup de temps à leurs centres d'intérêt, et peu à leur famille, leurs partenaires ou leurs amis. Leurs difficultés apparaissent dans les situations où d'autres personnes attendent des manifestations d'empathie, du soutien émotionnel et de la spontanéité[133]. Les preuves de l'intérêt des personnes autistes pour des animaux, des objets et des concepts, envers lesquels ils peuvent manifester de l'empathie, vont dans le sens d’une conservation de la pensée animiste ou « pan-psychique » propre aux très jeunes enfants, c'est-à-dire d'une tendance à considérer que les animaux et les objets ont une « âme » ou un « esprit »[134]. Chez les enfants non autistes, cette pensée animiste disparaît au fil du temps, au profit d'un intérêt centré sur les relations humaines[134]. Ralph James Savarese souligne que l'empathie autistique pourrait ne pas être focalisée sur l'être humain, mais étendue à tout le vivant et à des objets, comme le prouvent, entre autres, les témoignages de Temple Grandin dans son ouvrage L'Interprète des animaux, et la compassion qu'elle éprouve envers les animaux, notamment les bovins[135]. Les publications et les accomplissements de Temple Grandin ont permis de mettre en avant cette empathie que peuvent ressentir certaines personnes autistes envers les animaux, et de renverser la perspective : si les personnes autistes ont des difficultés d'empathie avec les êtres humains, à l'inverse, de nombreuses personnes non autistes semblent rencontrer des difficultés de théorie de l'esprit envers les animaux, que n'ont pas les personnes autistes[135]. Pour Savarese, l'empathie autistique serait « non anthropocentrée »[136]. Témoignages de personnes autistes[modifier le code] Les autobiographies et les témoignages de personnes elles-mêmes autistes rendent compte d'une préoccupation pour la douleur éprouvée par les autres. Elles parlent aussi d'une certaine « surcharge émotionnelle » lorsqu'elles sont confrontées à des personnes en souffrance[35]. Toutefois, il existe aussi des témoignages de personnes autistes disant qu'elles ne ressentent pas d'empathie[137]. Stephen M. Shore, professeur lui-même autiste, cite de nombreux témoignages allant dans le sens de cette surcharge émotionnelle : « Une fausse croyance habituelle est que les gens avec le syndrome d'Asperger ne ressentent pas les émotions ni n'ont d'empathie pour les autres personnes. En fait, beaucoup rapportent qu'ils ressentent trop d'émotions mais qu'ils ont des difficultés à reconnaître la nature de ces émotions et comment les exprimer de telle sorte qu'ils puissent les rendre compréhensibles aux non-autistes. » — Stephen M. Shore (trad. Josef Schovanec et Caroline Glorion), Comprendre l'autisme pour les nuls[138] Comme en témoigne également Temple Grandin, expérimenter « trop » d'empathie affective peut être un handicap pour la personne autiste, qui se sentira submergée par un déluge de sensations, amenant un sentiment de chaos[139]. Simon Baron-Cohen signale la possibilité qu'ont les personnes autistes d'expérimenter un réel et profond sentiment d'amour, citant en exemple l'amour de Daniel Tammet pour le nombre pi[37]. Le philosophe autiste Josef Schovanec a écrit en 2015 De l'Amour en Autistan, un ouvrage inspiré de faits et de biographies réels, qui aborde la vie émotionnelle intérieure des personnes autistes, mettant en avant l'amour physique, mais aussi celui du savoir et des livres[140]. Temple Grandin décrit une empathie réelle envers les bovins, disant qu'elle ressent leur calme et leur peur[73]. Des témoignages d'observation d'enfants autistes rendent compte d'un très fort attachement à des objets, au point qu'ils font preuve d'empathie en imaginant une souffrance de l'objet en question[137]. Une donnée très rarement prise en compte dans les études sur l'empathie autistique, mais fréquemment mentionnée dans les témoignages, est la différence de perception sensorielle des personnes autistes, et notamment leur hypersensibilité à certaines couleurs, formes ou lumières[137]. La synesthésie entraîne une approche radicalement différente des rapports avec les autres, privilégiant l'extra social. En effet, de nombreux éléments (animaux, insectes, objets, astres) sont porteurs d'informations sensorielles puissantes et souvent agréables, alors que les relations humaines entraînent une exposition à des stimuli (bruits, odeurs) désagréables du point de vue de la personne autiste, qui pourra rechercher le silence et l'absence de contacts humains[141]. Le 21 juin 2016, une émission humoristique intitulée « Things Not to Say to an Autistic Person » (en français, « les choses à ne pas dire à une personne autiste »), diffusée sur la BBC, cite parmi ces questions celle de l'empathie. Les intervenants ont tous répondu qu'ils ressentaient de l'empathie et des surcharges émotionnelles[142]. Donna Williams décrit dans son autobiographie une forme d'« empathie sensorielle », en tant que perception très fine par les sens, au point de pouvoir entrer en résonance et se mettre à la place d'une autre personne. Elle estime que cette empathie sensorielle peut être très forte chez les personnes autistes, mais est souvent très faible voire absente chez les non-autistes[143]. Temple Grandin décrit un phénomène similaire : pour « se mettre en empathie », elle se visualise elle-même à la place de l'autre personne, afin de se donner un aperçu de ses perceptions et de ses problèmes. Elle estime elle aussi que les personnes non autistes manquent de cette « empathie visuelle »[144]. Gunilla Gerland témoigne que dès son plus jeune âge, elle pouvait « voir et ressentir la terreur des autres », mais aussi « empathiser avec d'autres personnes qui ont été terrorisées, qui se sentent mal, qui ont été insultées ou harcelées », parce qu'elle a elle-même vécu ces situations[84]. D'autres témoignages vont dans ce sens, plusieurs personnes autistes disant ressentir les émotions des personnes autour d'elles, et être dérangées par l'état émotionnel négatif de leur entourage[143]. Il existe des témoignages de personnes s'occupant d'enfants autistes, qui disent que leur propre état émotionnel semble influencer le comportement de l'enfant, car ce dernier adopterait automatiquement le même état émotionnel que la personne qui s'occupe de lui[143]. D'après Ralph James Savarese, les textes de Tito Mukhopadhyay, écrivain autiste non verbal avec synesthésie, contredisent eux aussi la croyance courante selon laquelle toutes les personnes autistes, et en particulier non verbales, manqueraient d'empathie. Il y décrit les couleurs, les odeurs et les insectes, entre autres, avec beaucoup d'émotions, et une préoccupation pour ce que les êtres vivants (en particulier non humains) peuvent ressentir[145]. Compensation des difficultés et perception sociale de l'empathie autistique[modifier le code] Articles connexes : Autisme et société, Exclusion des personnes autistes, Mouvement pour les droits des personnes autistes et Autisme dans les médias. D'après Peter Vermeulen, les personnes autistes dotées de capacités de concentration peuvent compenser leurs difficultés d'empathie au point de les rendre invisibles aux autres. Cependant, cela demande un apprentissage, du travail, du temps et de bons conseils. Il insiste sur la difficulté que représente la réalisation de cette tâche. Ces personnes fournissent un travail intellectuel permanent en cas de contacts sociaux, là où les personnes non autistes n'ont aucun effort à faire dans la même situation[18]. Il existe des entraînements permettant de développer les habiletés sociales, dont certains, comme le jeu des trois figures[146], conviennent tout spécialement au développement de l'empathie[147],[10]. Il n'existe cependant pas de recherches empiriques consacrées aux progrès pouvant être réalisés en matière d'empathie à la suite de ces entraînements[148], bien que des expériences pratiques tendent à démontrer l'efficacité de l'apprentissage des scénarios sociaux[149]. Un préalable est que la personne autiste soit en contact avec les autres, ce qui lui permettra de travailler sur ses capacités d'empathie : les autistes dits « déficients » dans leurs compétences sociales et émotionnelles sont très généralement ceux qui ont été totalement privés de contacts sociaux[150]. L'absence de stimulation sensorielle précoce est susceptible d'entraîner des difficultés d'empathie plus importantes[151]. Il est possible que les personnes autistes les plus intelligentes développent une « empathie intellectuelle » grâce à l'étude de plusieurs modes d'expression (arts, musique, littérature) qui leur permettent de comprendre les émotions[84], mais le processus sera basé sur la logique et la rationalisation de ces émotions[152]. Les personnes autistes surdouées pourront paraître très empathiques, alors qu'elles « se raccrochent à des scénarios qu'elles ont vécus », parfois en ayant mémorisé des « bibliothèques de situations » leur permettant de déduire l'émotion de l'autre[153]. Le Dr Temple Grandin, femme autiste, dit dans son ouvrage Penser en images qu'elle n'est « pas capable de plus d'empathie qu'un animal ». Elle a cependant accumulé de l'expérience grâce à ses contacts avec les autres, qui lui ont permis de nettement améliorer ses capacités sociales[154]. Elle a mémorisé de véritables vidéothèques de situations sociales émotionnelles, lui permettant de trouver la bonne manière de réagir face aux émotions d'autrui, en faisant appel à des associations de situations et à sa logique[153]. Généralement, ceux qui côtoient des personnes autistes ne sont pas conscients de leurs difficultés à empathiser, et considèrent qu'elles agissent volontairement avec égoïsme, impolitesse ou indifférence[32]. M'Hamm

Cette page recense partiellement les œuvres inspirées par Jeanne d'Arc (1412-1431), figure emblématique de l'histoire de France et sainte de l'Église catholique. Architecture[modifier le code] Édifices civils[modifier le code] Édifices civils liés à la vie de Jeanne d'Arc[modifier le code] La maison natale de Jeanne d'Arc, à Domrémy-la-Pucelle (Vosges) ; le musée johannique de Domrémy-la-Pucelle ; le musée johannique de Vaucouleurs (Meuse) ; le musée Jeanne-d'Arc à Rouen (Seine-Maritime) ; la maison de Jeanne d'Arc à Orléans (Loiret). Édifices civils Maison natale de Jeanne d'Arc à Domrémy-la-Pucelle. Façade du musée à Rouen. La maison de Jeanne d'Arc à Orléans. Édifices civils nommés en mémoire de Jeanne d'Arc[modifier le code] Institut Jeanne d'Arc, Copenhague (Danemark) (1924-1945) Plusieurs lycées Jeanne-d'Arc en France, au Sénégal et en Iran. Édifices religieux[modifier le code] Édifices religieux liés à la vie de sainte Jeanne-d'Arc[modifier le code] La chapelle de Bermont, située à Greux (Vosges), où Jeanne priait ; la basilique de Saint-Nicolas-de-Port (Meurthe-et-Moselle) où elle se rendit avant son départ vers Chinon. Édifices religieux placés sous le patronage de sainte Jeanne-d'Arc[modifier le code] Canada[modifier le code] L'église Sainte-Jeanne-d'Arc du Lac-Saint-Jean (Québec, diocèse de Chicoutimi) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Lefebvre (Québec, diocèse de Nicolet) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Matane (ou de la Mitis) (Québec, diocèse de Rimouski) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Montréal ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc d'Ottawa ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Saint-Faustin-Lac-Carré (Québec, diocèse de Mont-Laurier) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Shawinigan-Sud (Québec) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Sherbrooke (Québec). Côte d'Ivoire[modifier le code] La cathédrale Sainte-Jeanne-d'Arc de Katiola. France[modifier le code] Basiliques[modifier le code] La basilique du Bois-Chenu à Domrémy-la-Pucelle (Vosges) ; la basilique Sainte-Jeanne-d'Arc de Paris. Chapelles[modifier le code] La chapelle Sainte-Jeanne-d'Arc de Paris ; la chapelle Sainte-Jeanne-d'Arc de Saint-André (La Réunion). Églises[modifier le code] L'église Sainte-Jeanne-d'Arc d'Amiens (Somme) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Beaurevoir (Aisne) l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Besançon (Doubs) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Gien (Loiret) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Lunéville (Meurthe-et-Moselle) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Lyon (Rhône) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc du Mans (Sarthe) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Mulhouse (Haut-Rhin) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Nice (Alpes-Maritimes) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Rennes (Ille-et-Vilaine) l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Rouen (Seine-Maritime) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Strasbourg (Bas-Rhin) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc du Touquet-Paris-Plage (Pas-de-Calais) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Vénissieux (Rhône) ; l'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Versailles (Yvelines). Églises Sainte-Jeanne-d'Arc Besançon. Gien. Lunéville. Nice. Tunisie[modifier le code] L'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Tunis. Viêt Nam[modifier le code] L'église Sainte-Jeanne-d'Arc de Saïgon. Littérature[modifier le code] Le personnage, dans son ambivalence et sa grande complexité, a fasciné les écrivains et les dramaturges à travers les époques. Jeanne d'Arc est contemporaine de l'auteure Christine de Pizan. Celle-ci, réfugiée dans un couvent durant la terreur bourguignonne, reprend espoir en entendant l'épopée de la pucelle d'Orléans. Le personnage de Jeanne d'Arc résonne chez l'auteure, dont le thème de prédilection est la défense de la place des femmes dans la société médiévale. Christine de Pizan achève son poème, Le Ditié de Jehanne d'Arc, peu de temps après le sacre de Charles VII à Reims[1]. Charles Péguy en fait la figure centrale de son œuvre écrite, Jeanne d'Arc, bataillant à la réalisation sur terre de la cité harmonieuse, et incarnant en plus du salut, l'âme paysanne et pieuse de la France. Plusieurs volumes sont consacrés à des périodes distinctes de son existence : d'abord un drame, en trois actes, puis une épopée en trois parties distinctes publiée dans les Cahiers de la Quinzaine, enfin, la fresque des trois mystères, qui débute par le Mystère de la Charité de Jeanne d'Arc. Les pièces les plus connues qui offrent une large diversité d'interprétation sur sa vie, ont été écrites par Shakespeare (Henri VI), Voltaire (La Pucelle d'Orléans), Schiller (La Pucelle d'Orléans), George Bernard Shaw (Sainte Jeanne), Jean Anouilh (L'Alouette) et Bertolt Brecht (Sainte Jeanne des abattoirs). En 1894, Thérèse de Lisieux écrit une pièce de théâtre inspirée par la Pucelle d'Orléans, dont elle interprète aussi le rôle. Samuel Clemens a publié une biographie de fiction sous le nom de plume de Sieur Louis de Conte, sans utiliser son pseudonyme de Mark Twain. Thomas de Quincey, qui est l'un des seuls Anglais à prendre la défense de Jeanne d'Arc, a écrit une Jeanne d'Arc[2] en 1847. Louis-Maurice Boutet de Monvel en fait un livre d'illustration pour enfants, en 1896, qui connaît un grand succès. Poésie[modifier le code] 1429 : Le Ditié de Jehanne d'Arc, de Christine de Pizan[3]. 1461 : Ballade des Dames du temps jadis, de François Villon, dans le recueil Le Grand Testament (sur Wikisource). 1516 : De gestis Johannæ virginis Francæ egregiæ bellatricis libri quattuor versu heroico, de Valerand de la Varanne. 1656 : La Pucelle ou la France délivrée, poème épique en 24 chants, de Jean Chapelain (réédition complète en 1882). 1755-1762 : La Pucelle d'Orléans, poème héroï-comique en 21 chants, de Voltaire. 1821 : L'Orléanide, poème national en 28 chants, de Philippe-Alexandre Le Brun de Charmettes. 1900 : Jeanne d'Arc faite prisonnière devant Compiègne – Sa captivité – Son supplice, de Lucien Cacouault. 1912 : La Tapisserie de sainte Geneviève et de Jeanne d'Arc, de Charles Péguy. Théâtre[modifier le code] vers 1590 : Henri VI (première partie), de William Shakespeare. 1801 : La Pucelle d'Orléans (Die Jungfrau von Orleans), drame de Friedrich von Schiller. 1819 : Jeanne d'Arc à Rouen, tragédie en cinq actes de Charles-Joseph Loeillard d'Avrigny, donnée le 4 mai à la Comédie-Française[4]. 1825 : Jeanne d'Arc, tragédie d'Alexandre Soumet, donnée le 14 mars au théâtre de l'Odéon[4]. 1872 : Jeanne d'Arc, drame historique en 5 actes et en vers de Jules Barbier. 1890 : Jeanne d'Arc, drame historique en 5 actes, avec prologue, de Joseph Fabre. Paris : C. Dentu. 1897 : Jeanne d'Arc, drame en trois pièces (Domrémy, les Batailles, Rouen), de Charles Péguy. 1910 : Le Mystère de la charité de Jeanne d'Arc, de Charles Péguy (édition complète publiée en 1956). 1923 : Gilles et Jeanne, de Georg Kaiser. 1923 : Sainte Jeanne, de George Bernard Shaw. 1930 : Sainte Jeanne des Abattoirs, de Bertolt Brecht. 1932 : Le procès de Jeanne d'Arc, de Robert Brasillach. 1939 : Jeanne au bûcher, de Paul Claudel. 1943 : Domrémy, de Robert Brasillach. 1946 : Joan of Lorraine, de Maxwell Anderson. 1948 : Jeanne d'Arc, pièce en douze tableaux de Maurice Maeterlinck. 1950 : Pucelle, de Jacques Audiberti. 1952 : Jeanne et ses juges, de Thierry Maulnier. 1953 : L'Alouette, de Jean Anouilh. 1993 : La Seconde Venue de Jeanne d'Arc, de Carolyn Gage (en), traduite par Céline Pomès. 2001 : Rouen, la Trentième Nuit de Mai '31 de Hélène Cixous. Prose[modifier le code] 1895 : Mémoires de Jeanne d'Arc, de Mark Twain. 1896 : le Roman de Jeanne d'Arc (Personal Recollections of Joan of Arc), de Mark Twain, initialement publié sous le pseudonyme de « Louis De Conte ». 1908 : Andrew Lang, The maid of France, being the story of the life and death of Jeanne d'Arc, Londres et New York : Longmans, Green and Co. XVI + 379 pages. Traduit en français sous le titre La Pucelle de France, histoire de la vie et de la mort de Jeanne d'Arc, traduit de l'anglais par le Dr Louis Boucher et E. E. Clarke. Introduction par Mme Goyaude. Paris : Éditions Nelson, [s. d.]. XVI + 464 pages. Considéré par Marina Tsvetaïeva (1892-1941) comme le meilleur livre sur Jeanne d'Arc. 1908 : La vie de Jeanne d'Arc, d'Anatole France. 1910 : Jeanne d'Arc Médium, de Léon Denis. 1925 : Jeanne d'Arc, de Joseph Delteil. Paris : Bernard Grasset. VIII-[2]-262-[1] pages. A servi de base pour le film de Carl Theodor Dreyer. 1929 : Chère pucelle de France! de Han Ryner. Paris: les éditions verba, 238 pages. 1946 : Jeanne d'Arc de Marcelle Vioux ; illustrations en couleurs de Luc Marie Bayle (les Éditions de la Nouvelle France). 1983 : Gilles et Jeanne, de Michel Tournier. Paris : Éditions Gallimard. 140 pages. (ISBN 2-07-024269-2) 1988 : La Pucelle, de Hubert Monteilhet. Paris : Éditions de Fallois. 749 pages. (ISBN 2-7242-4112-6) 1998 : Jeanne Darc, de Nathalie Quintane. Paris : Editions POL. (ISBN 2-86744-610-4) 1999 : Jeanne d'Arc, tome I : Et Dieu donnera la victoire, de Michel Peyramaure. Paris : Robert Laffont. 350 pages. (ISBN 2-221-08922-7) 1999 : Jeanne d'Arc, tome II : La couronne de feu, de Michel Peyramaure. Paris: Robert Laffont. 380 pages. (ISBN 2-221-08923-5) 2002 : Le Diable et la Pucelle, de Hubert Lampo. Paris : Presses universitaires du Septentrion. 163 pages. (ISBN 2-85939-765-5) 2005 : La Hire, ou la colère de Jehanne, de Régine Deforges. Paris : Fayard. 465 pages. (ISBN 2-213-62497-6) 2011 : Le Lys et les Ombres, de Bernard Simonay. Paris : Calmann-lévy. 623 pages. (ISBN 978-2-7021-4193-9) 2017 : Le Syndrome Jeanne d'Arc. Vérité extraordinaire sur une histoire extraordinaire, de Ludo Noens. Soesterberg: Aspekt Editeur. 165 pages. (ISBN 9-789463-383189) 2018 : Le Bon Cœur, de Michel Bernard. Paris : La Table ronde. 240 pages (ISBN 978-2-7103-8320-8) 2020 : Le Bon sens, de Michel Bernard. Paris : La Table ronde. 208 pages (ISBN 978-2-7103-9050-3) 2022 : Johanne, de Marc Graciano, Paris, Le Tripode, 304 pages (ISBN 978-2-3705-5311-9) 2022 : Fantaisies guérillères, de Guillaume Lebrun, Paris, Christian Bourgois éditeur, 316 pages (ISBN 978-2-2670-4664-9) 2023 : Les Murmures du ciel - Ou quand revient Jeanne, d'Erik L'Homme, éd. Héloïse d'Ormesson, 2023, (ISBN 978-2-35087-812-6) Arts picturaux[modifier le code] Peinture[modifier le code] Orléans, musée historique et archéologique de l'Orléanais : Portrait dit « des échevins », huile sur toile, vers 1580. Paris, musée du Louvre : Jeanne d'Arc au sacre du roi Charles VII, dans la cathédrale de Reims, de Dominique Ingres, 1854. Huile sur toile, 240 × 178 cm[5]. Chinon, musée Jeanne-d'Arc : Jeanne à Vaucouleurs, de C. R. Walter. Mehun-sur-Yèvre, lieu non connu : Jeanne en adoration devant la Vierge (avec le château de Mehun en arrière-plan), 1886, artiste : Grandin, d'après un cartonnage de Momet. New York, Metropolitan Museum of Art : Jeanne d'Arc, huile sur toile 100 × 110 pouces, de Jules Bastien-Lepage (1848–1884). Paris, musée du Louvre : Jeanne d'Arc, en présence de Charles VII, répond aux prélats qui l'interrogent, en annonçant sa mission et les visions qui la lui ont révélée, 170 × 140 cm, 1833, de Gillot Saint-Evre. Paris, musée d'Orsay : Jeanne d'Arc écoutant les voix, 46 × 55 cm, entre 1880 et 1890, d'Eugène Carrière. Paris, Panthéon : Jeanne d'Arc bergère, entre 1886 et 1890, de Jules Eugène Lenepveu. Paris, Panthéon de Paris : Jeanne d'Arc en armure devant Orléans, entre 1886 et 1890, de Jules Eugène Lenepveu. Paris, Panthéon de Paris : Jeanne d'Arc à Reims lors du sacre du roi Charles VII, entre 1886 et 1890, de Jules Eugène Lenepveu. Paris, Panthéon : Jeanne au bûcher, entre 1886 et 1890, de Jules Eugène Lenepveu. Rouen, musée des beaux-arts : Jeanne d'Arc, malade, est interrogée dans sa prison par le cardinal de Winchester, huile sur toile 277 × 217 cm, de Paul Delaroche (1797-1856). Rouen, musée des beaux-arts : Jeanne d'Arc prisonnière à Rouen de Pierre Révoil. Rouen, musée des beaux-arts : Jeanne d’Arc écoutant ses voix de François Léon Benouville (1859). Rouen, musée Jeanne-d'Arc : Entrée de Jeanne d'Arc à Orléans, artiste : Jean-Jacques Scherrer (1885–1916). Rouen, musée des beaux-arts : Le Repos de Jeanne (Jeanne d'Arc sur la route de Reims), George W. Joy, Salon de 1896 (n°1097). Vaucouleurs, musée Jeanne-d'Arc : Le Départ de Jeanne d'Arc, huile sur toile 430 × 320 cm, de Jean-Jacques Scherrer (1885–1916). Le Sacre de Jeanne d'Arc, de Carole Dekeijser, 235 × 135 cm (contemporain). Sainte Jeanne d'Arc, de Paul de la Boulaye (1849–1926). Jeanne d'Arc, de Gustave Doyen (1837–1923). Jeanne d'Arc de Jules Bastien-Lepage. La Pucelle de Frank Craig peint en 1907. Les quatre peintures de E. Lenepveu au Panthéon. Jeanne d'Arc bergère. Jeanne d'Arc en armure devant Orléans. Jeanne d'Arc à Reims lors du sacre du roi Charles VII. Jeanne au bûcher. Reconstitution d'un triptyque du XIXe siècle de la vie de Jeanne d'Arc par l'artiste anglais William Etty, qui mesurait 28 pi (8,5 m) de largeur totale et 9 pi 9 po (3 m) de hauteur. Le premier panneau a été vendu aux enchères en 2021 ; le deuxième panneau fait partie de la collection du musée des Beaux-Arts d'Orléans ; le troisième panneau original a depuis été perdu et survit dans les gravures Jeanne d'Arc trouvant dans l'église Sainte-Catherine de Frébus l'épée dont elle rêvait, se consacre et la consacre au service de Dieu et de son pays. Jeanne d'Arc fait une sortie aux portes d'Orléans et disperse les ennemis de la France. Jeanne d'Arc, après avoir rendu les services les plus remarquables à son prince et à son peuple, meurt en martyr pour leur cause. Gravure de C.W. Wass (une autre version est une gravure de 1849 du troisième panneau de The Penny Illustrated News du 1er décembre 1849. Vol 1, no 6, p. 45[6]). Tapisseries[modifier le code] Vaucouleurs, musée Jeanne-d'Arc : six tapisseries d'Aubusson retraçant la vie de Jeanne d'Arc. Gravure[modifier le code] Raymond Dendeville, La passion de Jeanne d'Arc, vers 1967-1968, gravure sur bois. Vitraux[modifier le code] Auxerre, cathédrale Saint-Étienne, baie de la première chapelle du bas-côté nord : imposante verrière La Pucelle au siège d'Orléans, 1914, de Édouard Soccard, maître-verrier parisien. Beuzeville, église Saint-Hélier, vitrail de la nef, côté sud, représentant Jeanne d'Arc sur le bûcher, réalisé par François Décorchemont. La Frénaye, église Saint-Jacques-le-Majeur, trois vitraux réalisés sur des cartons de Georges Mirianon évoquent la vie de Jeanne d'Arc[7]. Xertigny, église paroisiale Sainte-Walburge, artiste : Gabriel Loire. L'artiste a représenté les flammes du bucher de Jeanne d'Arc se mêlant aux flammes de l'église de Xertigny qui a été incendiée pendant l'offensive allemande en 1940. Musique et chansons[modifier le code] 1692 : La Pucelle, sonate de François Couperin. 1789 : Giovanna d'Arco, opéra d'Antonio Simeone Sografi, musique de Gaetano Andreozzi, donnée le 27 juin au Teatro Nuovo Eretenio à Vicence. 1790 : Jeanne d'Arc à Orléans, opéra-comique de Pierre-Jean-Baptiste Choudard dit Desforges, musique de Rodolphe Kreutzer, donné le 10 mai à la Comédie-Italienne. 1818 : Jeanne d'Arc, cantate d'Aimé Leborne, concours du Grand prix de Rome[4]. 1821 : Jeanne d'Arc, ou la Délivrance d'Orléans, opéra-comique d'Emmanuel Théaulon et Armand d'Artois (d'après Schiller), musique de Michele Carafa, donné le 10 mars au Théâtre Feydeau. 1830 : Giovanna d'Arco, opéra de Giovanni Pacini. 1832 : Giovanna d'Arco, cantata de Gioachino Rossini. 1834 : La Pucelle d'Orléans, op. 91, ouverture d'Ignaz Moscheles. 1845 : Giovanna d'Arco, opéra de Giuseppe Verdi. 1865 : Jeanne d'Arc, opéra en quatre actes de Gilbert Duprez, donné le 12 octobre au Grand théâtre parisien[4]. 1873 : Jeanne d'Arc, opéra en 5 actes de Charles Gounod, sur un livret de Jules Barbier. 1845-1874 : Jeanne d'Arc au bûcher, S 293, Franz Liszt. 1876 : Jeanne d'Arc, opéra en 4 actes d'Auguste Mermet. 1878 : La Pucelle d'Orléans (Орлеанская дева, Orleanskaya deva), opéra de Piotr Ilitch Tchaïkovski. 1886 : Jeanne d'Arc, drame lyrique en trois parties de Charles Lenepveu, livret de Paul Allard. 1899 : À l'étendard, cantique composé par l’abbé Marcel Laurent sur des paroles du chanoine Victor-Augustin Vié. 1894 : Cantique pour obtenir la canonisation de la Vénérable Jeanne d'Arc, Thérèse de Lisieux. 1897 Jeanne la bonne Lorraine d'Ernest Reyer. 1917 : Jeanne d'Arc, chanson d'Henry Burr. 1917 : Joan of Arc, They Are Calling You, chanson de Jack Wells, Al Bryan et Willie Weston. 1918 : Joan of Arc's Answer Song, chanson de J. L. Lavoy. 1939 : Jeanne d'Arc au bûcher, oratorio dramatique d'Arthur Honegger, sur un livret de Paul Claudel. 1956 : Triomphe de Jeanne, oratorio d'Henri Tomasi commandé pour les 500 ans du procès en réhabilitation, sur un livret de Philippe Soupault. 1965 : Ballade des Dames du temps jadis, sur l'album La Mauvaise Réputation, Georges Brassens chante et met en musique le poème de François Villon (poème sur Wikisource). 1971 : Joan of Arc de Léonard Cohen de l'album Songs of Love and Hate. 1972 : Jeanne, sur Long long chemin, l'album blanc de Gérard Manset. 1979 : Vitrail pour Jeanne d'Arc, suite pour orgue du Belge Édouard Senny. 1981 : Joan of Arc et Joan of Arc (Maid of Orleans) d'Orchestral Manoeuvres in the Dark sur l'album Architecture & Morality. 1982 : Sainte Jehanne de Pierre Dudan sur l'album Politique d'abord. 1984 : Eu Não Matei Joana d'Arc de Camisa de Vênus. 1986 : Bigmouth Strikes Again de The Smiths sur l'album The Queen Is Dead. 1992 : Jeanne d'Arc, chanson du groupe allemand Eloy sur l'album Destination. 1994 : Company of Angels, chanson du groupe allemand Eloy sur l'album The Tides Return Forever. 1996–2007 : Janne Da Arc, groupe de rock japonais. 2000 : Johanka z Arku (cs), comédie musicale tchèque. 2005 : Jeanne d'Arc, album du groupe allemand Tangerine Dream. 2005 : Joanni, chanson de Kate Bush dans son album Aerial. 2005 : Jeanne d'Arc, album de power metal italien, de Thy Majestie sur label Scarlet Records. 2009 : Orléans no shoujo (La Pucelle d'Orléans), du groupe japonais exist†trace. 2011 : Jeanne, chanson de Laurent Voulzy dans son album Lys and Love. 2013 : Joan of Arc, chanson du groupe canadien Arcade Fire dans leur album Reflektor. 2015 : Joan of Arc, chanson de Madonna dans son album Rebel Heart. Jeanne und Gilles, opéra de François-Pierre Descamps (2015). 2016 : The Baddest Bitches in Herstory, chanson de Lucian Piane pour l'émission RuPaul's Drag Race. 2017 : The Vision, the Sword and the Pyre (Part I), album du groupe allemand Eloy, première partie d'un diptyque de Rock Opéra dont la seconde partie The Vision, the Sword and the Pyre (Part II) est sortie en 2019. 2018 : Joan of Arc (en), chanson du groupe Little Mix, issue de l'album LM5. 2020 : Joan of Arc on the Dance Floor, chanson du groupe Aly & AJ dans leur album We Don't Stop 2020 : Jehanne, album du groupe de black metal français Abduction. 2022 : Jeanne, album de la chanteuse canadienne Natasha St-Pier. 2025 : Maid Of Steel, chanson du groupe de power metal suédois Sabaton dans leur album Legends. Botanique et astronomie[modifier le code] Il existe une rose Jeanne d'Arc, obtenue par Vibert en 1818[8]. L'astéroïde (127) Johanna a été nommé en son honneur, le 5 novembre 1872. Sculpture[modifier le code] Article détaillé : liste de statues de Jeanne d'Arc. Filmographie[modifier le code] Cinéma[modifier le code] Muet[modifier le code] 1898 : Jeanne d'Arc de Georges Hatot 1899 : Domrémy des Frères Lumière 1900 : Jeanne d'Arc de Georges Méliès, avec Bleuette Bernon 1908 : Jeanne d'Arc de Albert Capellani avec Léontine Massart 1909 : La Vie de Jeanne d'Arc de Mario Caserini 1913 : Giovanna d'Arco d'Ubaldo Maria Del Colle et Nino Oxilia avec Maria Jacobini 1916 : Jeanne d'Arc (Joan the Woman) de Cecil B. De Mille, avec Geraldine Farrar 1921 : Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse de Rex Ingram, l'esprit de France est celle de Jeanne d'Arc à cheval 1927 : Saint Joan, court métrage muet de Widgey R. Newman 1928 : La Passion de Jeanne d'Arc, de Carl Theodor Dreyer, avec Renée Falconetti – inspiré du roman Jeanne d'Arc de Joseph Delteil. Les Hautes-Pyrénées de Henri Vorins, acteur anonyme. 1929 : La Merveilleuse Vie de Jeanne d'Arc, fille de Lorraine, de Marco de Gastyne, avec Simone Genevois. Un des rares films où l'actrice qui tient le rôle a pratiquement l'âge du personnage. Parlant[modifier le code] 1933 : Masques de cire de Michael Curtiz avec Angela Salloker. 1935 : Das Mädchen Johanna, de Gustav Ucicky, avec Angela Salloker. 1944 : De Jeanne d'Arc à Philippe Pétain de Sacha Guitry. 1948 : Jeanne d'Arc de Victor Fleming, avec Ingrid Bergman. 1954 : Destinées de Jean Delannoy, avec Michèle Morgan. Jeanne au bûcher de Roberto Rossellini avec Ingrid Bergman. 1956 : Jeanne la Lorraine de Michael Kehlmann avec Elfriede Kuzmany. 1957 : The Lark de George Schaefer avec Julie Harris. Sainte Jeanne d'Otto Preminger, avec Jean Seberg. L'Histoire de l'humanité de Irwin Allen avec Hedy Lamarr. 1962 : Procès de Jeanne d'Arc de Robert Bresson, avec Florence Delay Les mots de Jeanne sont scrupuleusement tirés des minutes du procès. 1969 : Sainte Jeanne de Claude Loursais avec Dominique Labourier. 1970 : Le Début de Gleb Panfilov avec Inna Tchourikova. Dans ce drame contemporain, Inna Tchourikova incarne une jeune actrice qui se prépare à tenir le rôle de Jeanne d'Arc dans un film. Brille, mon étoile, brille d'Aleksandr Mitta, avec Elena Proklova. 1973 : L’Alouette de Vittorio Cottafavi avec Ileana Ghione. 1974 : La Pucelle d’Orléans de Wilfried Minks et Heribert Wenk avec Eva Mattes. 1979 : Saint Joan de Jane Howell avec Gabrielle Lloyd. 1988 : Jeanne d’Arc, ou plutôt Jeanne Rommée, car dans mon pays les filles prennent le nom de leur mère de Monique Wittig (scénario). 1989 : L'Excellente Aventure de Bill et Ted de Stephen Herek avec Jane Wiedlin. 1994 : Jeanne la Pucelle de Jacques Rivette, avec Sandrine Bonnaire. 1999 : Jeanne d'Arc de Luc Besson, avec Milla Jovovich. 2011 : Jeanne captive de Philippe Ramos avec Clémence Poésy. 2017 : Jeannette, l'enfance de Jeanne d'Arc de Bruno Dumont, avec Lise Leplat Prudhomme (Jeannette) et Jeanne Voisin (Jeanne), d'après Jeanne d'Arc (1897) et Le Mystère de la charité de Jeanne d'Arc de Charles Péguy. 2019 : Jeanne de Bruno Dumont avec Lise Leplat Prudhomme Que Dieu m'y garde, le procès de Jeanne-d'Arc réalisé par Guillaume Laidet, avec Katia Miran 2022 : La Nuit au Musée : Le Retour de Kahmunrah de Matt Danner et Justin Lovell avec Alice Isaaz Laissons les morts engloutir les morts de Paul-Anthony Mille RIPD 2 : Le Réveil des damnés de Paul Leyden avec Penelope Mitchell 2027 : Jehanne d'Arc de Baz Luhrmann avec Isla Johnston Télévision[modifier le code] Série[modifier le code] 2002 : To Bart or not to Bart, épisode 14 de la saison 13 de la série Les Simpsons. 2022 : Anne d'Arc de Léa Jeanne Boehringer, Hugo Gertner et Joris Mono. 2024 : Martin Scorsese Presents: The Saints, jouée par Liah O'Prey. Documentaires[modifier le code] 1976 : Les Grandes Batailles du passé, épisode Orléans 1429 réalisé par Jean Cazenave. 2001 : Quelle aventure ! épisode Au temps des chevaliers, présente l'histoire de Jeanne d'Arc en 1429 à Bourges. 2007 : L'Affaire des reliques de Jeanne d'Arc réalisé par Gilles Cayatte. Jeanne d'Arc a-t-elle été trahie par le roi ?, documentaire qui tente d’éclaircir la posture de Charles VII au moment de son procès, et revient sur l'image que Jeanne d'Arc a véhiculé à travers les siècles[9]. 2010 : Dossier secrets, saison 1 épisode 5 Jeanne d'Arc, réalisé par Kate Haddock. 2011 : L'Ombre d'un doute, Jeanne d'Arc, femme providentielle ?, documentaire réalisé par Jean-Christophe de Revière et Romane Mélis. 2013 : Chasseurs de légendes, épisode Les reliques de Jeanne d'Arc. 2015 : Jeanne d'Arc, au nom de Dieu, documentaire qui retrace son épopée tout en tentant d’analyser les différentes interprétations et mystères qui subsistent sur sa vie[10]. 2017 : Les mystères de l'histoire, saison 1, épisode 2 Jeanne d'Arc. La Guerre des trônes, la véritable histoire de l'Europe, épisode Le roi fou et la Pucelle, 1392-1453. 2022 : Jeanne d'Arc, femme, guerrière, sainte de Nathalie Conscience et Alain Brunard. 2023 : L'Affaire Jeanne d'Arc, docufiction en capture de mouvements de Antoine de Meaux et Sarry Long, produit par Program 33 et France Télévisions Téléfilm[modifier le code] 1989 : Jeanne d'Arc, le pouvoir et l'innocence de Pierre Badel, avec Cécile Magnet 1999 : Jeanne d'Arc de Christian Duguay avec Leelee Sobieski. Iconographie[modifier le code] Affiches[modifier le code] Jeanne d'Arc fut reprise dans des œuvres de propagande, dont des affiches patriotiques aux États-Unis et au Royaume-Uni pendant la Première Guerre mondiale, encourageant la population à acheter des bons d'épargne publics afin de financer l'effort de guerre. Aux États-Unis, une affiche diffusée en 1918 représentait Jeanne d'Arc avec l'inscription « Jeanne d'Arc a sauvé la France. Femmes d'Amérique, sauvez votre pays en achetant des bons de guerre »[11],[12]. Au Royaume-Uni, une affiche identique a été diffusée, destinée aux femmes britanniques[13]. Philatélie[modifier le code] En 1929, un timbre de 50 centimes bleu est émis à l'occasion du 5e centenaire de la délivrance d'Orléans. Jeanne y est représentée à cheval. En 1946, un timbre de 5 f surtaxé 4 f outremer appartient à la série « Célébrités du XVe siècle ». Ce timbre grand format est un portrait. En 1968, sur un timbre de 30 centimes surtaxé 10 centimes, brun et violet, elle est représentée pour illustrer l'œuvre de Paul Claudel Jeanne d'Arc au bûcher, sujet principal dont on célébrait le centenaire de sa naissance. La même année, la poste en fait le sujet principal dans un timbre à 60 centimes, gris-bleu, bleu et brun pour représenter le départ de Vaucouleurs en 1429. Ce timbre fait partie de la série Grands noms de l'Histoire[14]. En 1996, un timbre de 4,50 francs polychrome est émis, représentant la maison natale de Jeanne à Domrémy. Médailles[modifier le code] Œuvre d'art, la médaille conjugue le génie d'un créateur et le talent d'un médailleur. Les médailles de Jeanne d'Arc véhiculent l'iconographie multiple de l'héroïne : de la "Jeanne guerrière", en armure à la " Jeanne romantique", en robe décolletée et à la coiffe à plumes. La plus ancienne médaille commémorative connue fut frappée sous le règne de Charles VII, après l'année 1451, pour célébrer l'expulsion des Anglais hors du royaume. Cette médaille a été émise en 1455. De la guerre de Cent ans, intimement liée à l'épopée de Jeanne d'Arc, est née la première médaille historique française. Plus de six siècles se sont écoulés et les médailles ont traversé le temps en nous rappelant l'immortelle beauté du dur métal. L'histoire explique les médailles et les médailles confirment l'histoire. Littérature[modifier le code] Bandes dessinées[modifier le code] Jehanne d'Arc, série de bande dessinée de F'Murr, publiée de 1976 à 1984. Jehanne, série de deux tomes publiés par L'Écho des savanes, de Paul Gillon (scénario et dessins) : La sève et le sang (1993) et La Pucelle (1997)[15]. Jeanne d'Arc, bande dessinée parue aux éditions Dupuis en 2011, par Valérie Mangin (scénario) et Jeanne Puchol (dessins)[16]. Jeanne la pucelle, série de deux tomes publiés par Soleil Productions, de Fabrice Hadjadj (scénario) et François Cellier (dessins) : Entre les bêtes et les anges (2012) et À la guerre comme à la paix (2014)[17]. Le Trône d'argile, série de six tomes dont les deux derniers sont consacrés à Jeanne d'Arc : La Pucelle (2012) et La Geste d'Orléans (2015), parus aux éditions Delcourt, de France Richemond (scénario) et Theo (dessins). Les Démons d'Armoises, série en trois tomes parus de 2012 à 2016 chez Soleil Productions, de Jean-Charles Gaudin (scénario) et Stéphane Collignon (dessins)[18]. 1431 - L'homme qui trahit Jeanne d'Arc, deuxième album de la série L'Homme de l'année parue en 2013 aux éditions Delcourt, est une uchronie mettant en scène deux enquêteurs chargés par la mère du roi de France de faire la vérité sur la capture de Jeanne d'Arc. Jeanne d'Arc, bande dessinée parue aux éditions Glénat en 2016, par Jérôme Le Gris (scénario) et Ignacio Noé (dessins)[19]. Mangas et animes[modifier le code] Il existe au moins une trentaine de titres de mangas ayant Jeanne d'Arc comme héroïne[20], parmi lesquels : Jeanne, manga en quatre tomes de Yoshikazu Yasuhiko initialement parus en 1995[21], publiés en France en 2002 et 2003[22]. Kamikaze kaitou Jeanne, manga de Arina Tanemura publié à partir de 1998 dans lequel l'héroïne principale est supposée être la réincarnation de Jeanne d'Arc. Chrome Breaker : Jeanne d'Arc est censée être la première « fille de Marie ». Le Requiem du roi des roses, manga de Aya Kanno : Jeanne est décrite comme une sorcière qui a été exécutée sur le bûcher ; par la suite, son fantôme hante l'esprit de Richard d'York, le héros de l'histoire. Afterschool Charisma, manga de Kumiko Suekane, publié de 2008 à 2014, version française de 2011 à 2022. Mahou Shoujo Taruto Magika : the legend of Jeanne d'Arc, de Masugitsune et Kawazuku, publié chez Honbusha à partir de 2013. Rage of Bahamut: Genesis et Rage of Bahamut: Virgins Souls (animes) : Jeanne d'Arc (nommée Sainte Jeanne dans l'œuvre) est un personnage central. Elle y apparaît sous les traits d'une guerrière guidée par les Anges, et guide l'armée royale. Nobunaga The Fool, anime de Shōji Kawamori diffusé en 2014. Ulysse : Jeanne d'Arc et le chevalier alchimiste, manga publié à partir de 2015, écrit par Mikage Kasuga et dessiné par Tomari Meron Inazuma Eleven GO : Chronos Stone, animé de Katsuhito Akiyama diffusé en 2011 Jeux vidéo[modifier le code] 1989 : Jeanne d'Arc : Siege & the Sword, développé par Chip / Brøderbund Software sur PC, Amiga et Atari ST. 1992 : World Heroes, personnage de « Janne »[23] 1999 : Age of Empires II: The Age of Kings[24]. 2002 : La Pucelle : Tactics développé par Nippon Ichi Software, sur PS2 et PSP 2004 : Jeanne d'Arc, développé par Enlight Software sur PC et Xbox. 2006 : Jeanne d'Arc, développé par Level-5 sur PlayStation Portable. 2009 : Jeanne, meilleure amie de Bayonetta dans le jeu éponyme. Une tenue bonus appelée « d’arc » peut lui être offerte. 2015 : Fate/Grand Order personnage central dans la première singularité. Parc d'attraction[modifier le code] Le Puy du fou, Le Secret de la Lance (2010) : spectacle vivant se déroulant au XVe siècle qui raconte l'histoire d'une jeune bergère, Marguerite, utilisant une lance aux pouvoirs surnaturels offerte par Jeanne d'Arc afin de vaincre les Anglais. Références[modifier le code] ↑ « Jeanne la Preuse, Jeanne la Sainte : la « Pucelle » dans le Ditié de Jehanne d’Arc de Christine de Pizan » [livre], sur journals.openedition.org, Presses universitaires de Caen, 2012 (consulté le 22 novembre 2023). ↑ Thomas de Quincey, Jeanne d'Arc, Stalker Éditeur, Paris, 2007 (traduction française). ↑ « Jeanne d'Arc : chronique rimée », sur Gallica, 1865 (consulté le 22 novembre 2023). ↑ a b c et d « Le Journal du Loiret : Jeanne d'Arc au théâtre », 9 juillet 1890 (consulté le 20 septembre 2021), p. 3. ↑ « Jeanne d'Arc au sacre du roi Charles VII, dans la cathédrale de Reims par Dominique Ingres », notice no 000PE001544, sur la plateforme ouverte du patrimoine, base Joconde, ministère français de la Culture ↑ Une autre version d'une gravure de C.W. Wass peut être trouvée sur le site Web de la Bibliothèque du Congrès. ↑ Robert Évreux, Georges Mirianon - L'attrait de la diversité, édition des Amateurs rouennais d'art, 1996. ↑ La rose Jeanne d'Arc. ↑ « Secrets d'Histoire - S01E02 - Jeanne d’Arc a-t-elle été trahie par le Roi ? », sur Télérama Vodkaster (consulté le 21 février 2021) ↑ « "Jeanne d'Arc, au nom de Dieu" dans Secrets d'histoire ce soir sur France 2 », Le Zapping du PAF,‎ 22 septembre 2015 (lire en ligne) ↑ « Exposition temporaire "Affiches américaines" », sur museefrancoamericain.fr ↑ (en) Nicole Powell, « Joan of Arc Saved France », sur Gettysburg College, 8 aout 2017 ↑ (en) « Joan of Arc saved France. Women of Britain save your country, buy war savings certificates. », sur igitalcollections.hoover.org ↑ Catalogues Yvert et Tellier, tome 1. ↑ « Jehanne », sur BD Gest' ↑ « Jeanne d'Arc (Mangin/Puchol) », sur BD Gest' ↑ « Jeanne la pucelle », sur BD Gest' ↑ « Les Démons d'Armoises », sur BD Gest' ↑ « Jeanne d'Arc (Glénat) », sur BD Gest' ↑ Cécile Dunouhaud, « Jeanne d’Arc une héroïne au service des mangas », Clio Geek,‎ 20 juin 2020 (lire en ligne) ↑ (en) « Joan » ↑ « Jeanne (Yasuhiko) », sur Bedetheque ↑ (en) « Games », sur jeanne-darc.info. ↑ « Gamasutra - The Portrayal Of Joan Of Arc In Age Of Empires II », sur www.gamasutra.com (consulté le 11 mars 2018) Voir aussi[modifier le code] Bibliographie[modifier le code] Vincent Amiel, « Les représentations de Jeanne d’Arc au cinéma », dans François Neveux (dir.), De l'hérétique à la sainte. Les procès de Jeanne d'Arc revisités : actes du colloque international de Cerisy, 1er-4 octobre 2009, Caen, Presses universitaires de Caen, coll. « Symposia », 2012, 343 p. (ISBN 978-2-84133-421-6, présentation en ligne, lire en ligne), p. 297-304. Yves Avril (dir.) et Romain Vaissermann (dir.), Jeanne d'Arc : la voix des poètes : de Christine de Pizan à Leonard Cohen : anthologie, Orléans, Paradigme, coll. « Histoire » (no 3), 2008, 315 p. (ISBN 978-2-86878-262-5, présentation en ligne). (en) Robin Blaetz, Visions of the Maid : Joan of Arc in American Film and Culture, Charlottesville, University Press of Virginia, coll. « Cultural Frames, Framing Culture », 2001, 279 p. (ISBN 0-8139-2075-2, présentation en ligne). Nadine-Josette Chaline, « Images de Jeanne d’Arc aux XIXe et XXe siècles », dans François Neveux (dir.), De l'hérétique à la sainte. Les procès de Jeanne d'Arc revisités : actes du colloque international de Cerisy, 1er-4 octobre 2009, Caen, Presses universitaires de Caen, coll. « Symposia », 2012, 343 p. (ISBN 978-2-84133-421-6, présentation en ligne, lire en ligne), p. 273-284. Collectif, Images de Jeanne d'Arc : hommage pour le 550e anniversaire de la libération d'Orléans et du sacre ; catalogue de l'exposition tenue à l'Hôtel de La Monnaie, Paris, juin-septembre 1979, Paris, Musée monétaire, 1979, 294 p. Jeanne d'Arc : les tableaux de l'histoire, 1820-1920, Paris, Réunion des musées nationaux, 2003, 190 p. (ISBN 2-7118-4682-2)(exposition du musée des beaux-arts de Rouen, 30 mai-1er septembre 2003). Venita Datta, « Sur les Boulevards : les représentations de Jeanne d'Arc dans le théâtre populaire », Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, Toulouse, Presses universitaires du Mirail, no 24 « Variations »,‎ 2006, p. 125-147 (ISBN 2-85816-867-9, lire en ligne). Julie Deramond, « Jeanne d'Arc et ses voix, dans deux opéras, Verdi et Honneger », Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, Toulouse, Presses universitaires du Mirail, no 25 « Musiciennes »,‎ 2007 (ISBN 978-2-85816-900-9, lire en ligne). Julie Deramond, Jeanne d'Arc en accords parfaits : musiques johanniques en France entre 1800 et 1939, 3 vol. , 1640 p. , thèse en histoire contemporaine sous la direction de Patrick Cabanel, soutenue en novembre 2009 à l'université de Toulouse II - Le Mirail. Julie Deramond, « Jeanne d’Arc en procès, au théâtre et en musiques », dans François Neveux (dir.), De l'hérétique à la sainte. Les procès de Jeanne d'Arc revisités : actes du colloque international de Cerisy, 1er-4 octobre 2009, Caen, Presses universitaires de Caen, coll. « Symposia », 2012, 343 p. (ISBN 978-2-84133-421-6, présentation en ligne, lire en ligne), p. 285-296. Hervé Dumont, Jeanne d'Arc, de l'histoire à l'écran : cinéma & télévision, Paris / Lausanne, Favre / Cinémathèque suisse, 2012, 173 p. (ISBN 978-2-8289-1270-3, présentation en ligne). (en) Daniel Hobbins, « The Cinematic Maid : Teaching Joan of Arc through Film », Fiction and Film for French Historians : A Cultural Bulletin, vol. 2, no 3,‎ décembre 2011 (lire en ligne). (de) Morten Kansteiner, Die Sagbarkeit der Heldin : Jeanne d'Arc in Quellen des 15. und Filmen des 20. Jahrhunderts, Cologne, Böhlau, coll. « Beiträge zur Geschichtskultur » (no 36), 2011, 406 p. (ISBN 978-3-412-20798-4, présentation en ligne). Gerd Krumeich, « Pour une étude comparée de l'iconographie de Jeanne d'Arc », dans Maurice Agulhon, Annette Becker et Évelyne Cohen (dir.), La République en représentations : autour de l'œuvre de Maurice Agulhon, Paris, Publications de la Sorbonne, coll. « Histoire de la France aux XIXe et XXe siècles » (no 64), 2006, 431 p. (ISBN 2-85944-546-3, présentation en ligne, lire en ligne), p. 255-264. Albert-Léon-Marie Le Nordez (Monseigneur), Jeanne d'Arc racontée par l'image, d'après les sculpteurs, les graveurs et les peintres, Paris, Hachette, 1898, 395 p. (lire en ligne). Philippe Martin (dir.), Jeanne d'Arc : les métamorphoses d'une héroïne, Nancy, Éditions Place Stanislas, 2009, 177 p. (ISBN 978-2-35578-035-6). Jean Maurice (dir.) et Daniel Couty (dir.), Images de Jeanne d'Arc : actes du colloque de Rouen, 25-26-27 mai 1999, Paris, Presses universitaires de France, coll. « Études médiévales » (no 1), 2000, VIII-281 p. (ISBN 2-13-049952-X). Françoise Michaud-Fréjaville, « Images de Jeanne d'Arc : de l'orante à la sainte », Cahiers de recherches médiévales, Orléans / Paris, CEMO / Honoré Champion, no 12 « Une ville, une destinée : Orléans et Jeanne d'Arc. En hommage à Françoise Michaud-Fréjaville »,‎ 2005, p. 249-257 (lire en ligne). Françoise Michaud-Fréjaville, « Cinéma, histoire : autour du thème « johannique » », Cahiers de recherches médiévales, Orléans / Paris, CEMO / Honoré Champion, no 12 « Une ville, une destinée : Orléans et Jeanne d'Arc. En hommage à Françoise Michaud-Fréjaville »,‎ 2005, p. 285-300 (lire en ligne). Bernard Mugnier, La statuaire johannique du XVIe au XXe siècle, t. 1, Vesoul, chez l'auteur, 2008, 500 p. (ISBN 978-2-35722-000-3). Bernard Mugnier, La statuaire johannique du XVIe au XXe siècle, t. 2, Vesoul, chez l'auteur, 2011, 499 p. (ISBN 978-2-35722-006-5). (en) John Pendergast, Joan of Arc on the Stage and Her Sisters in Sublime Sanctity, Palgrave Macmillan, coll. « Bernard Shaw and His Contemporaries », 2019, XVII-281 p. (ISBN 978-3-030-27888-5, DOI ). (en) Carina Yervasi, « The Faces of Joan : Cinematic Representations of Joan of Arc », Film & History : An Interdisciplinary Journal of Film and Television Studies, vol. 29, nos 3-4 « Special Focus : Medieval Period in Film, Part 2 »,‎ 1999, p. 8-19 (ISSN ). Articles connexes[modifier le code] Bibliographie relative à Jeanne d'Arc Guerre de Cent Ans Domrémy-la-Pucelle Liens externes[modifier le code] Jeanne d'Arc à travers les arts. Arts johanniques en France (1803–1920). Jeanne d'Arc la pucelle, site web réunissant documents et reflets artistiques de la vie de Jeanne d'Arc. Jeanne d'Arc Médailles, site web dédié aux Médailles de Jeanne d'Arc. Portail de l’histoire de l’art Portail du Moyen Âge tardif Portail du royaume de France <img src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; alt="" width="1" height="1" style="border: none; position: absolute;"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Œuvres_inspirées_par_Jeanne_d%27Arc&oldid=232713188 ».

Andy Delort (en arabe : آندي دولور), né le 9 octobre 1991 à Sète, est un footballeur international algérien qui évolue au poste d'attaquant à l'AC Ajaccio. Formé à Sète, il se révèle au Tours FC, avec lequel il est nommé meilleur joueur de Ligue 2 en 2013-2014. Il découvre le championnat de France de football avec l’Athletic Club ajaccien, en 2012. Il retrouve la Ligue 1 lors de la saison 2015/2016 avec le Stade Malherbe Caen. Il est passé par plusieurs clubs français ainsi que six mois en Angleterre (D2) et une saison au Mexique. Avec l'équipe d'Algérie, il remporte la Coupe d’Afrique des nations 2019. Biographie[modifier le code] Andy Delort est né le 9 octobre 1991 à Sète, d'un père français d’origine de Sète[1],[2] et d'une mère franco-algérienne née à Sète[3],[4], dont le grand-père paternel était de Oued Rhiou dans la wilaya de Relizane[5]. Il grandit dans sa ville natale où il commence à jouer au football avec le FC Sète[6]. Carrière en club[modifier le code] AC Ajaccio (2008-2009)[modifier le code] Formé au FC Sète (où il joue de 1997 à 2008, à l'exception de deux saisons au Pointe Courte Sète en 1999-2000 et en 2002-2003)[7], il rejoint l'AC Ajaccio en 2008 dont il intègre l'équipe en championnat de France des moins de 18 ans. Meilleur buteur du championnat (avec une trentaine de buts dans la saison), il fait ses débuts en équipe réserve, en CFA 2, mais quitte le club en fin de saison pour des « raisons personnelles »[8]. Nîmes Olympique (2009-2010)[modifier le code] Il fait des essais concluants au Borussia Dortmund puis aux Girondins de Bordeaux, mais il préfère s'engager l'année suivante au Nîmes Olympique de Jean-Michel Cavalli, où il espère pouvoir jouer en équipe première, en Ligue 2[9]. Il joue son premier match professionnel à Nîmes en Coupe de la Ligue contre Troyes dès le 25 août 2009, puis fait ses débuts en Ligue 2 cinq jours plus tard face au FC Metz[10]. Mais il est peu utilisé par la suite, et évolue le plus souvent avec la réserve en CFA 2 où il inscrit douze buts. AC Ajaccio (2010-2012)[modifier le code] Il retourne à Ajaccio en fin de saison où il intègre le groupe professionnel[8]. Il marque ses deux premiers buts chez les professionnels le 15 septembre 2010 contre Le Havre en Coupe de la Ligue[11], ses deux premiers en Coupe de France le 12 novembre, puis son premier en Ligue 2, qui offre la victoire à son équipe contre le SCO Angers le 17 décembre[12]. Après deux nouveaux buts en championnat, il signe son premier contrat professionnel de trois ans et demi le 27 janvier 2011[8]. Le 11 mars, il est impliqué dans une bagarre alors qu'il est remplaçant lors de la rencontre FC Nantes - AC Ajaccio, ce qui lui vaut une suspension de quatre matchs[13]. Son club monte en Ligue 1 en fin de saison, qu'il achève sur un bilan de quatre buts en 24 apparitions. Il fait ses débuts en Ligue 1 dès la première journée, mais joue relativement peu. FC Metz (2012)[modifier le code] Le 31 janvier 2012, il est prêté au FC Metz, en Ligue 2, pour quatre mois[14]. AC Ajaccio (2012-2013)[modifier le code] Il revient à Ajaccio la saison suivante, où il retrouve son rôle de joker en attaque. Il inscrit finalement son premier but en Ligue 1 le 27 avril 2013 face à Montpellier : entré en jeu en deuxième période, il obtient un penalty qu'il transforme et provoque l'expulsion d'un défenseur, avant d'offrir le but de la victoire à Dennis Oliech (2-1)[15]. Tours FC (2013-2014)[modifier le code] Delort quitte Ajaccio à l'été 2013 et rejoint le Tours FC, en Ligue 2, où officie son ancien entraîneur à Ajaccio Olivier Pantaloni[16]. Il signe pour deux ans, plus un en option. C'est la saison de la révélation[17],[18] : il termine co-meilleur buteur de la saison 2013-2014 de Ligue 2 avec 24 buts et huit passes décisives[10]. Il est élu meilleur joueur de Ligue 2 par France Football et fait partie de l'équipe type de Ligue 2 aux trophées UNFP. Le club n'étant pas promu en Ligue 1 et ayant besoin d'argent, le transfert du joueur est inévitable en fin de saison. Wigan Athletic (2014-2015)[modifier le code] Le 31 août 2014 à 23h59, après de nombreuses tractations, Andy Delort s'engage pour trois saisons en faveur de Wigan, club de Championship[19], qui verse 3,8 à 4 millions d'euros au club tourangeau. Après des premiers résultats décevants, l'entraîneur est licencié. Tours FC (2015)[modifier le code] Delort n'entrant pas dans les plans du nouvel entraîneur Malky Mackay, il demande à quitter le club à mi-saison[20]. Convoité par le club américain du Union de Philadelphie, il préfère revenir en prêt au Tours FC pour aider le club à se maintenir en Ligue 2[21]. Il marque dès son premier match en France face à Arles-Avignon, un concurrent direct, le 13 février 2015 (score final 2-2), et contribue au maintien espéré. SM Caen (2015-2016)[modifier le code] Ne voulant plus jouer à Wigan, relégué en 3e division, et privilégiant un retour en France, il est transféré à l'été 2015 au Stade Malherbe de Caen, club de Ligue 1, contre une indemnité estimée à 1,4 million d'euros. Il s'engage pour une durée de quatre saisons[22]. Le 8 août 2015, pour sa première apparition officielle sous les couleurs caennaises, il marque face à l'Olympique de Marseille le seul but du match d'une frappe remarquable. Titulaire à la pointe de l'attaque normande, il fait forte impression lors de ses premiers mois en Normandie[23],[24],[25], alors que l'équipe obtient de très bons résultats. La suite de sa saison est plus quelconque à titre individuel, mais l'équipe parvient à terminer l'exercice à une inattendue 7e place. Tigres UANL (2016-2017)[modifier le code] Andy Delort indique au début de l'été vouloir rester à Caen pour la saison suivante[26]. En juillet, il est contacté par le Tigres UANL, un club mexicain où joue André-Pierre Gignac, qui s'accorde avec le joueur mais pas avec le club normand. Mécontent, Delort dépose le 7 juillet un arrêt de travail d'une durée d'un mois, reconduit une fois, qui lui fait manquer toute la période de préparation et le début de saison[27]. Après de longues négociations, son transfert au Mexique est finalement officialisé le 2 septembre, contre une indemnité estimée entre 7 et 8 millions d'euros[28]. Il marque son premier but avec les Tigres le 22 octobre 2016 face aux Pumas lors d'une victoire 3-1. Son équipe remporte le tournoi d'ouverture du championnat du Mexique deux mois plus tard. Remplaçant, Delort entre en jeu lors de la finale aller face au Club América. Comme son coéquipier André-Pierre Gignac, Andy Delort est marqué par une ferveur incroyable au Mexique, des stades bien remplis, des congratulations dans la rue et sur les réseaux sociaux, quand bien même le championnat est moins relevé que les championnats européens. Toulouse FC (2017-2018)[modifier le code] Il est transféré le 28 janvier 2017 au Toulouse Football Club et signe un contrat de 4 ans et demi le liant au club jusqu'en 2021 contre 6 millions d'euros[29]. Le 5 février 2017, Delort marque pour son premier match sous les couleurs toulousaines contre Angers[30] en ouvrant le score de ce qui sera une large victoire (4-0) lors de la 23e journée de Ligue 1[31]. Il récidive les deux fois suivantes, contre Lorient (1-1) puis d'un magnifique ciseau retourné contre le SC Bastia[32]. À l'aube de la saison 2017-2018, Andy Delort hérite du numéro 10 des Pitchouns, laissé vacant depuis le récent départ d'Óscar Trejo. Montpellier HSC (2018-2021)[modifier le code] Le 24 juillet 2018, il est prêté avec option d'achat obligatoire au Montpellier HSC, club de sa région[33]. Il porte le numéro 11. En août 2018, il est placé en garde à vue après une course-poursuite avec la police entre Agde et Marseillan à bord de son véhicule dont il était passager. Il s'en serait pris aux policiers et a été condamné à deux mois d'emprisonnement avec sursis et 18 000 € d'amende pour outrage et menace envers des policiers[34]. Malgré ses déboires en dehors des terrains, Delort effectue une bonne entame de saison avec sept réalisations à la trêve, soit deux de plus que son total de buts avec le Téfécé la saison précédente. Son association avec Gaëtan Laborde, avec lequel une rapide alchimie se forme, s'avère fructueuse et Delort reçoit la confiance de son entraîneur, Michel Der Zakarian. Le 28 septembre 2018, il ouvre son compteur en championnat contre son ancien club du SM Caen (2-2). En novembre, Delort réalise un doublé contre le Stade rennais mais les bretons parviennent à arracher un nul 2-2. Le mois suivant, l'attaquant effectue un doublé de passes décisives qui offrent une victoire 2-1 contre l'AS Monaco[35]. Il réalise une bonne saison 2018-2019 en terminant meilleur buteur de l'équipe avec 14 réalisations en championnat[36],[37]. OGC Nice (2021-2023)[modifier le code] Le 28 août 2021, l'OGC Nice et le Montpellier HSC trouvent un accord pour le transfert d'Andy Delort[38]. Le départ du joueur ne passe pas auprès des supporters du MHSC, Andy Delort a été pris pour cible dans un tag sur un bâtiment du village[39] de Gigean, lieu de résidence du joueur. Il a été nommé à trois reprises "aiglon du mois" (meilleur joueur de l'OGC Nice du mois) par les supporters de Nice. FC Nantes (2023)[modifier le code] Le 30 janvier 2023, il est prêté au FC Nantes[40]. Une option d'achat obligatoire de 5 millions d'euros en cas de maintien du FC Nantes en Ligue 1 est conditionnée à ce prêt. Le club nantais se maintient à l'issue de la journée, ce qui entraîne le transfert définitif de Delort au club[41]. Umm Salal SC (2023-2024)[modifier le code] Le 7 juillet 2023, il signe pour deux saisons à l'Umm Salal SC au Qatar[42]. Le 12 février 2024, le club qatari annonce le départ du club d’Andy Delort. Des « problèmes personnels » du joueur sont évoqués[43]. MC Alger (2024-2025)[modifier le code] Alors qu’un retour au MHSC a longtemps été évoqué, Andy Delort s’engage au Mouloudia Club d’Alger (Algérie) le 11 septembre 2024[44]. Montpellier HSC (2025)[modifier le code] Le 29 janvier 2025, Andy Delort quitte le Mouloudia Club d’Alger et fait son retour au MHSC, où il est prêté avec option d’achat jusqu’à la fin de la saison[45]. Carrière internationale[modifier le code] Équipe de France jeunes[modifier le code] Andy Delort joue en équipe de France de football de plage à l'été 2009, à 17 ans[46]. Alors sans club d'attache, il est repéré par Laurent Castro lors d'un tournoi amateur à Sète. Ce dernier lui propose de disputer les matchs de qualification pour la Coupe du monde 2009[47]. Lors de son premier match, il entre en jeu alors que la France est menée 2-0 et signe un doublé. Il inscrit cinq buts durant ces éliminatoires[9]. En 2011, il est sélectionné en équipe de France des moins de 20 ans par Francis Smerecki pour jouer contre les États-Unis[48]. Il est ensuite appelé pour participer au tournoi de Toulon 2011 en juin avec l'équipe de France espoirs mais, blessé lors d'un match de championnat, il doit déclarer forfait[49]. Équipe d'Algérie[modifier le code] Après avoir obtenu un passeport algérien en mai 2019[50], il change de nationalité sportive[50] et est appelé pour la première fois le 13 juin en équipe d'Algérie par Djamel Belmadi dans le groupe retenu pour la Coupe d'Afrique des nations en Égypte, remplaçant Haris Belkebla, exclu de la sélection. Le 16 juin, il fait sa première apparition sous le maillot des Fennecs, en match amical face au Mali où il marque un but après être entré en cours de jeu. Il prend ensuite part à cinq matchs lors de la Coupe d'Afrique des nations. Le 19 juillet, il remporte cette compétition, en battant les Sénégalais en finale (1-0). Il doit toutefois se contenter du banc des remplaçants lors de cette finale[51]. Le 16 novembre 2020, il marque son deuxième but avec l'Algérie, contre le Zimbabwe. Ce match nul (2-2) rentre dans le cadre des éliminatoires de la CAN 2021[51]. En octobre 2021, il indique se mettre en retrait de la sélection algérienne pour se consacrer à son nouveau club de Nice[52]. Une décision qui provoque la colère des fans algériens et du sélectionneur, Djamel Belmadi[53]. Lors de l'été 2022, il annonce vouloir se remettre à la disposition de son coach et s'excuse publiquement pour son absence d'un an qu'il attribue à des motifs privés : « J'ai caché des choses au coach sur des problèmes personnels qui m'empêchaient de partir loin de chez moi pendant plusieurs jours. J'aurais dû être plus clair avec lui, plus franc. Je tiens à m'excuser auprès du peuple algérien (...) [54]» En septembre, il est rappelé en sélection nationale[55]. Une décision qui suscite quelques réactions négatives parmi les supporteurs et au sein même du vestiaire de la sélection[56]. Affaires judiciaires[modifier le code] Le 6 juin 2018, Andy Delort est condamné a une amende de 10 000 euros et une annulation de son permis de conduire pour quatre mois, par le tribunal correctionnel de Toulouse pour avoir conduit en état d'ivresse en février 2018[57]. Le 11 février 2019, Andy Delort est condamné à deux mois de prison avec sursis et 18 000 € d'amende à Béziers pour outrages et menaces sur personnes dépositaires de l'autorité publique envers les policiers d'Agde qui l'avaient arrêté fin août 2018[58]. Style de jeu[modifier le code] Andy Delort est un attaquant au style atypique. Il est puissant, doté d'un bon jeu aérien, d'une bonne technique de balle au pied et d'une lourde frappe de balle dont il n'hésite pas à se servir pour prendre sa chance de loin[59]. Il déclare s'inspirer de ses modèles, à savoir André-Pierre Gignac, Jean-Pierre Papin, Éric Cantona ou encore Wayne Rooney[59]. Dans un style apparemment très différent, au Mexique, la plupart de ses 5 buts sont marqués depuis la surface, à la réception de très bons centres. Statistiques[modifier le code] En club[modifier le code] Statistiques de Andy Delort au 25 mars 2026 Saison Club Championnat Coupe nationale Coupe de la Ligue Compétition(s)continentale(s) Total Division M. B. P.d. M. B. P.d. M. B. P.d. Comp. M. B. P.d. M. B. P.d. 2009-2010 Nîmes Olympique Ligue 2 3 0 0 - - - 1 0 0 - - - - 4 0 0 2010-2011 AC Ajaccio Ligue 2 24 4 3 2 2 0 4 2 0 - - - - 30 8 3 2011-2012 Ligue 1 7 0 0 2 0 0 1 0 0 - - - - 10 0 0 2012-2013 Ligue 1 16 1 1 1 0 0 1 0 0 - - - - 18 1 1 Sous-total 47 5 4 5 2 0 6 2 0 - - - - 58 9 4 2011-2012 FC Metz (prêt) Ligue 2 13 1 0 - - - - - - - - - - 13 1 0 2013-2014 Tours FC Ligue 2 36 24 8 1 0 0 3 1 0 - - - - 40 25 8 2014-2015 Wigan Athletic FC Championship 11 0 0 - - - - - - - - - - 11 0 0 2014-2015 Tours FC (prêt) Ligue 2 16 2 5 - - - - - - - - - - 16 2 5 2015-2016 SM Caen Ligue 1 36 12 2 1 0 0 1 1 0 - - - - 38 13 2 2016-2017 Tigres UANL Liga MX+Liga MX 14 4 1 - - - - - - LCC 2 1 0 16 5 1 2016-2017 Toulouse FC Ligue 1 15 5 1 - - - - - - - - - - 15 5 1 2017-2018 Ligue 1 32 5 5 2 0 0 2 0 0 - - - - 36 5 5 Sous-total 47 10 6 2 0 0 2 0 0 - - - - 51 10 6 2018-2019 Montpellier HSC Ligue 1 36 14 7 1 0 0 1 0 0 - - - - 38 14 7 2019-2020 Ligue 1 26 9 3 3 2 0 2 1 0 - - - - 31 12 3 2020-2021 Ligue 1 30 15 9 4 4 0 - - - - - - - 34 19 9 2021-2022 Ligue 1 3 2 1 - - - - - - - - - - 3 2 1 Sous-total 95 40 20 8 6 0 3 1 0 - - - - 106 47 20 2021-2022 OGC Nice Ligue 1 32 16 2 5 2 2 - - - - - - - 37 18 4 2022-2023 Ligue 1 14 6 1 - - - - - - C4 4 1 0 18 7 1 Sous-total 46 22 3 5 2 2 - - - - 4 1 0 55 25 5 2022-2023 FC Nantes (prêt) Ligue 1 12 0 0 4 2 0 - - - C3 1 0 0 17 2 0 2023-2024 Umm Salal SC Qatar Stars League 12 5 4 - - - 8 8 2 - - - - 20 13 6 2024-2025 MC Alger Ligue 1 10 3 0 - - - - - - CAF 5 0 0 15 3 0 2024-2025 Montpellier HSC (prêt) Ligue 1 9 0 0 - - - - - - - - - - 9 0 0 2025-2026 AC Ajaccio Régional 2 9 12 0 - - - - - - - - - - 9 12 0 Total sur la carrière 416 140 55 26 12 2 24 13 2 - 12 2 0 478 167 59 En sélection nationale[modifier le code] Statistiques d'Andy Delort au 27 mars 2023 Saison Sélection Phases finales Éliminatoires CDM Éliminatoires CAN Matchs amicaux Total Compétition M B Pd M B Pd M B Pd M B Pd M B Pd 2018-2019 Algérie CAN 2019 5 0 0 - - - - - - 1 1 0 6 1 0 2019-2020 - - - - - - - 1 0 0 0 0 0 1 0 0 2020-2021 - - - - - - - 1 1 0 2 0 1 3 1 1 2021-2022 - - - - 1 0 0 - - - - - - 1 0 0 2022-2023 - - - - - - - 2 0 0 2 0 0 4 0 0 Total sur la carrière 5 0 0 1 0 0 4 1 0 5 1 1 15 2 1 Matchs internationaux[modifier le code] Le tableau suivant liste les rencontres de l'équipe d'Algérie dans lesquelles Andy Delort a été sélectionné depuis le 16 juin 2019 jusqu'à présent. Matchs internationaux d'Andy Delort # Date Stade Adversaire Résultat Minutes Compétition Buts Passes Capitaine Club 1 16 juin 2019 Stade Jassim-bin-Hamad, Doha Mali 3 - 2 15 Match amical 1 - Non Montpellier HSC 2 23 juin 2019 Stade du 30 Juin, Le Caire Kenya 2 - 0 9 CAN 2019 - - Non 3 27 juin 2019 Stade du 30 juin, Le Caire Sénégal 0 - 1 4 CAN 2019 - - Non 4 1er juillet 2019 Stade Al Salam, Le Caire Tanzanie 0 - 3 90 CAN 2019 - - Non 5 7 juillet 2019 Stade du 30 juin, Le Caire Guinée 3 - 0 7 CAN 2019 - - Non 6 11 juillet 2019 Stade de Suez, Suez Côte d'Ivoire 1 - 1(4-3)tab 1 CAN 2019 - - Non 7 18 novembre 2019 Botswana National Stadium, Gaborone Botswana 0 - 1 80 Qualifs CAN 2021 - - Non 8 9 octobre 2020 Wörthersee Stadion, Klagenfurt Nigeria 0 - 1 90 Match amical - 1 Non 9 13 octobre 2020 Stade Cars Jeans, La Haye Mexique 2 - 2 15 Match amical - - Non 10 16 novembre 2020 National Sports Stadium, Harare Zimbabwe 2 - 2 68 Qualifs CAN 2021 1 - Non 11 2 septembre 2021 Stade Mustapha-Tchaker, Blida Djibouti 8 - 0 30 Qualifs CDM 2022 - - Non OGC Nice 12 23 septembre 2022 Stade Miloud-Hadefi, Oran Guinée 1 - 0 72 Match amical - - Non 13 27 septembre 2022 Stade Miloud-Hadefi, Oran Nigeria 2 - 1 14 Match amical - - Non 14 23 mars 2023 Stade Nelson-Mandela, Alger Niger 2 - 1 46 Qualifs CAN 2023 - - Non FC Nantes 15 27 mars 2023 Stade olympique, Radès Niger 0 - 1 74 Qualifs CAN 2023 - - Non Résultat : G = Match gagné N = Match nul P = Match perdu Buts internationaux[modifier le code] Buts internationaux d'Andy Delort 00 Date Lieu Compétition Résultat Adversaire Détail Gardien Sél. 1er 16 juin 2019 Stade Jassim-bin-Hamad, Doha, Qatar Match amical 3-2 Mali 80e du pied droit 3-2 Ibrahim Mounkoro 1er 2e 16 novembre 2020 National Sports Stadium, Harare, Zimbabwe Qualifs CAN 2022 2-2 Zimbabwe 34e de la tête 0-1 Talbert Shumba 10e Total 2 buts (1 du pied droit et 1 de la tête) en 15 sélections. Palmarès[modifier le code] En club[modifier le code] Tigres UANL Vainqueur du championnat d'ouverture du Mexique 2016 avec les Tigres UANL[60] OGC Nice Finaliste de la Coupe de France en 2022 FC Nantes Finaliste de la Coupe de France en 2023 Umm Salal SC Vainqueur de la Coupe des Étoiles du Qatar en 2024 En sélection[modifier le code] Algérie Vainqueur de la Coupe d'Afrique des nations de football 2019. Distinctions personnelles[modifier le code] Trophée du joueur du mois UNFP de Ligue 2 en mars 2014 avec le Tours FC[61] L'Étoile d'or France Football de Ligue 2 en 2014[62] Trophées UNFP : Membre de l'équipe-type de Ligue 2 en 2014[63] Meilleur buteur de Ligue 2 en 2014 (24 buts)[62] Élu meilleur joueur du mois du Montpellier HSC en octobre 2018[64], en février 2019[65], en avril 2019[66], en novembre 2019[67], en novembre 2020[68], en décembre 2020[69], en avril 2021[70]ذ Élu meilleur joueur de la saison 2018-2019 du Montpellier HSC[71] Trophées des sports Occitanie 2019 : « Trophée coup de cœur »[72],[73] Trophée du joueur du mois UNFP de Ligue 1 en novembre 2020 avec le Montpellier HSC[74] Élu meilleur joueur du mois de l'OGC Nice en septembre 2021[75], en octobre 2021[76], en avril 2022[77] Élu meilleur joueur de la saison 2021-2022 de l'OGC Nice[78] En dehors du football[modifier le code] En août 2023, Andy Delort devient consultant pour l'émission de radio Rothen s'enflamme sur RMC[79]. Décorations[modifier le code] Achir de l'Ordre du Mérite national algérien[80] Médaille de la ville de Montpellier[81] Médaille de la Ville de Sète[82] Notes et références[modifier le code] ↑ « Pourquoi Andy Delort joue avec l’Algérie ? », sur www.rtl.fr, 23 juin 2019. ↑ « Delort et Montpellier, une histoire d'amour », sur eurosport.fr, 9 février 2019 (consulté le 19 juillet 2019). ↑ « Andy Delort explique son choix de jouer pour l'Algérie », sur goal.com (consulté le 28 août 2021). ↑ « Andy Delort : «J’ai envie de jouer pour l’Algérie» », sur lebuteur.com (consulté le 30 avril 2019). ↑ Alexis Billebault, « Andy Delort, le footballeur français qui rêve d’être sélectionné en Algérie », sur lemonde.fr, 30 avril 2019 (consulté le 21 juillet 2019). ↑ « D’ou viennent les orgines d’Andy Delort ? », sur dzballon.com (consulté le 27 avril 2019). ↑ « Fiche d’Andy Delort », sur FFF.fr ↑ a b et c , sur www.corsematin.com (consulté le 28 août 2015). ↑ a et b « Andy Delort : « J’ai refusé un contrat du Borussia Dortmund » », sur sharkfoot.fr, 4 avril 2012 (consulté le 28 avril 2013). ↑ a et b « Fiche d’Andy Delort », sur LFP.fr ↑ « Lorient se rassure », sur lequipe.fr, 21 septembre 2010 (consulté le 28 avril 2013). ↑ « Evian, premier de cordée », sur lequipe.fr, 17 décembre 2010 (consulté le 28 avril 2013). ↑ « Andy Delort, buteur à cœur ardent » (consulté le 28 août 2015). ↑ « Metz s’offre Delort », sur republicain-lorrain.fr, 1er février 2012 (consulté le 28 avril 2013). ↑ « Ajaccio, victoire hallucinante ! », sur football.fr, 27 avril 2013 (consulté le 28 avril 2013). ↑ « La bonne pioche Delort ? », sur La Nouvelle République, 15 juillet 2013. ↑ « Rencontre avec Andy Delort », sur lanouvellerepublique.fr (consulté le 28 août 2015). ↑ « Andy Delort, diamant de 22 ans et 21 carats. 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Diallo 2000 : A. Traoré 2001 : Santos 2002 : H. Diallo 2003 : Fauré 2004 : Suarez 2005 : B. Koné 2006 : Lesage / Savidan 2007 : Lesage / K. Traoré 2008 : Hoarau 2009 : Thil 2010 : Giroud 2011 : Ribas 2012 : Fauré 2013 : M. Yatabaré 2014 : Delort / Duhamel 2015 : Le Bihan 2016 : F. Diédhiou 2017 : Niane 2018 : Bozok 2019 : Charbonnier 2020 : Kadewere 2021 : Bayo 2022 : Healey 2023 : Mikautadze 2024 : A. Mendy 2025 : Kroupi v · m Équipe d'Algérie – Vainqueur de la Coupe d'Afrique des nations 2019 1 Doukha 2 Mandi 3 Tahrat 4 Benlamri 5 Halliche 6 Farès 7 Mahrez 8 Belaïli 9 Bounedjah 10 Feghouli 11 Brahimi 12 Ounas 13 Slimani 14 Boudaoui 15 Delort 16 Oukidja 17 Guedioura 18 Zeffane 19 Abeid 20 Atal 21 Bensebaïni 22 Bennacer 23 M'Bolhi Sélectionneur : Djamel Belmadi Portail du football Portail de l’Algérie Portail de la France <img style="border: none; position: absolute;" width="1" alt="" height="1" src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1">; Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Andy_Delort&oldid=234453332 ».

Béjaïa (en kabyle ⴱⴳⴰⵢⴻⵜ, Bgayet[4] ; en arabe بجاية, Biǧāya, /bid͡ʒaːja/), également appelée anciennement Bougie en français, est une commune algérienne située en bordure de la mer Méditerranée, à 220 km à l'est d'Alger. Elle est le chef-lieu de la wilaya de Béjaïa et de la daïra de Béjaïa, en Kabylie. Le site de la ville est peuplé depuis le paléolithique. Les vestiges néolithiques retrouvés dans la région font partie de la culture ibéromaurusienne. La ville est mentionnée dans les sources historiques à partir du Ve siècle av. J.-C. comme faisant partie du monde libyco-berbère. Ouverte aux échanges maritimes, la ville connaitra l'influence et un comptoir phénicien qui la fera connaitre sous le nom de Salda et, à l'époque romaine, sous le nom de Saldae. Les Vandales s'y établissent avant d'abandonner la ville et de transférer leur capitale à Carthage. La ville est islamisée à partir du VIIIe siècle, en effet elle est prise tardivement par les Arabes en 708, puis mentionnée au Xe siècle par le géographe andalou Abū ʿUbayd al-Bakrī qui parle d'une présence importante d'Andalous. Elle devient une prestigieuse capitale, mais également un foyer religieux, commercial et savant de la Méditerranée sous la dynastie des Berbères hammadides au XIe siècle, qui la prennent pour capitale en lieu et place de la Qala'a des Béni Hammad. Après un intermède almohade, elle redevient la capitale d'une branche des Hafsides puis siège un sultanat indépendant. Réputée en Europe pour la qualité de ses chandelles faites de cire d'abeille — auxquelles elle a donné son nom : les bougies — Béjaïa a également joué un rôle important dans la diffusion en Occident des chiffres arabes et des savoirs mathématiques locaux. Au Moyen Âge, des savants comme Raymond Lulle, Leonardo Fibonacci et Ibn Khaldoun y étudient. Après un déclin progressif et relatif amorcé au XVe siècle (du fait notamment de reconfigurations dans le commerce mondial), Béjaïa conquise par les Espagnols en 1510 subit dès lors un net déclin qui se prolongera avec la reconquête par la régence d'Alger en 1555. Elle perd substantiellement sa culture savante ; ses grands établissements d'enseignement ne sont plus, ses grandes personnalités scientifiques n'y sont plus (partis en d'autres grandes cités du Maghreb et du Proche-Orient) ; seule subsiste l'institution théologique décentralisée des zaouïas. Elle est éclipsée, à l’échelle du Maghreb Central, par Alger siège du pouvoir politique et de la marine. Elle continue de tirer un certain prestige de ses mystiques religieux et de l'exportation du bois issu de l'arrière-pays. Elle est prise par les Français en 1833. Elle continue alors son déclin pour n'être plus qu'une ville portuaire moyenne, exportant des productions agricoles locales, puis renoue avec un certain dynamisme à la fin du XIXe siècle. Lors de l'indépendance du pays, en 1962, elle retrouve un rôle culturel. En effet, grande ville berbérophone, elle devient un des foyers de la revendication identitaire berbère. Elle redevient aussi, progressivement, un port de première importance, talonnant celui d'Alger et devançant Oran. Avec ses 177 988 habitants au dernier recensement de 2008, Béjaïa est la plus grande ville de Kabylie et « capitale » de la petite Kabylie. Elle est aussi, grâce à sa situation géographique, le plus important pôle industriel de la région, notamment par la concentration de nombreuses industries, et la présence d'un des plus grands ports pétroliers et commerciaux de Méditerranée. Elle est également dotée d'un aéroport international. Toponymie[modifier le code] Béjaïa est un toponyme arabe dérivé du toponyme berbère (variante kabyle) Bgayet, notamment par translittération (voir Transcription et translittération) du son g (gua) en dj (dja, ج). Ce nom berbère — qui aurait été à l'origine Tabgayet, mais dont le t initial marquant le genre féminin serait tombé en désuétude — serait issu des mots tabegga, tabeɣayt, signifiant « ronces et mûres sauvages »[5], une plante mellifère[6]. Le nom de Béjaïa aurait ainsi à l'origine la même racine berbère que d'autres noms de villes du Maghreb, tels que Dougga (Thouga) et Béja (Vaga) en Tunisie ou Ksar Baghaï (Bagaï) dans les Aurès[5]. Le nom de Béjaïa est également celui de la tribu berbère qui peuple le site de la ville, comme rapporté par Ibn Khaldoun, ce qui explique que le nom donné par l'émir hammadide En-Naciriya ne se soit pas pérennisé face à un usage bien ancré. La ville est appelée Bekaïa et se prononce Begaïa chez cette tribu[7]. Dans les langues romanes médiévales, Bugaya (de l'arabe Bugāya ; en espagnol Bujía et en italien Bugía)[8] est le nom donné à la ville qui fournissait une grande quantité de cire d'abeille pour la fabrication des chandelles[9]. Bougie sera la forme française de cette transcription du nom arabe. Progressivement il va s'appliquer à la désignation de la cire qui était importée au Moyen Âge pour la fabrication des chandelles en Europe ; elles sont dès lors couramment désignées en français par le mot « bougie »[8]. Géographie[modifier le code] Situation[modifier le code] Béjaïa doit son existence à son port qui fait également sa prospérité. Elle est située dans une baie en faucille protégée de la houle des vents du large (orientés nord-ouest) par l'avancée du cap Carbon (à l'ouest de la ville). La ville est adossée au mont du Gouraya situé dans une position nord-ouest. Ce site portuaire, dans l'une des plus belles baies du littoral maghrebin et méditerranéen, est dominé à l'arrière-plan par la chaîne montagneuse des Babors. Un autre avantage est que la ville est le débouché de la vallée de la Soummam, un couloir géographique orienté sud-ouest. Cependant, depuis l'époque où la ville fut une capitale, il existe un divorce entre la ville et la région (Kabylie) lié à la difficulté de s'assurer un arrière-pays. À une échelle macro-régionale, la ville est dos à la région : sa position à l'extrémité de la Soummam la place à l'interface entre Grande et Petite Kabylie. Mais ces deux ensembles sont renfermés sur eux-mêmes et se cherchent des capitales intérieures (Tizi Ouzou, Akbou, Kherrata...) en se détournant du littoral. La ville possède en quelque sorte un faible enracinement local ; les proximité rurales de la ville se limitent à quatre ou cinq communes[10]. À l'échelle micro-régionale, Béjaïa est le débouché d'une Algérie médiane, allant d'Alger à Skikda, déversoir des Hauts-Plateaux et port d'approvisionnement de deux millions de personnes. Mais la liaison est complexe : au sud-est les échanges avec Sétif ne se font qu'à travers les gorges escarpées de Kherrata ; une autre voie emprunte la Soummam, puis à l'est les Portes de Fer et la remontée vers Bordj Bou Arreridj, c'est ce chemin qui est emprunté par la route nationale et la voie ferrée. Ces contraintes topographiques font que, malgré son fort dynamisme, la ville voit une partie des échanges lui échapper sur ses aires d'influences est et ouest[10]. Limites communales entre Béjaïa et ses communes adjacentes. Communes limitrophes de Béjaïa (* mer Méditerranée) Toudja * * Toudja * Toudja Oued Ghir Oued Ghir Boukhelifa Tala Hamza L'aire urbaine couvre une superficie de 12 022 hectares. Béjaïa est située à 220 km à l'est de la capitale Alger, à 93 km à l'est de Tizi Ouzou, à 81,5 km au nord-est de Bordj Bou Arreridj, à 70 km au nord-ouest de Sétif et à 61 km à l'ouest de Jijel[11],[Note 1]. Les coordonnées géographiques de la commune au point central de son chef-lieu valent respectivement 36° 45′ 00″ Nord et 5° 04′ 00″ Est. Climat et hydrographie[modifier le code] La ville fait partie du bassin versant de la Soummam. Béjaïa et la vallée de la Soummam inférieure bénéficient d'un climat méditerranéen. Il est généralement humide avec un léger changement de température saisonnier[12]. Les températures moyennes sont globalement douces et varient de 11,1 °C en hiver à 24,5 °C en été. Outre le fleuve Soummam qui répond suffisamment aux besoins agricoles dans les environs de la ville, Béjaïa est située dans la Kabylie maritime et bénéficie d'une pluviométrie assez favorable comparée au reste du pays. La pluviométrie de la région peut aller de 800 mm à 1 200 mm, mais certaines sources locales tendent à s'épuiser du fait de l'augmentation de la demande[13]. La ville tire également ses ressources hydrauliques de l'arrière-pays montagneux et de diverses sources, comme celle de Toudja qui fut reliée dans l'Antiquité par un aqueduc à la ville antique (Saldae)[14]. Données climatiques à Béjaïa (1968 - 1990). Mois jan. fév. mars avril mai juin jui. août sep. oct. nov. déc. année Température maximale moyenne (°C) 16,4 16,8 17,7 19,3 22 25,3 28,7 29,3 27,8 24,3 20,3 16,9 22,1 Température moyenne (°C) 12,1 12,3 13,1 14,7 17,6 21 24 24,8 23,2 19,7 15,8 12,7 17,6 Température minimale moyenne (°C) 7,7 7,6 8,5 10,1 13,1 16,6 19,3 20,2 18,5 15 11,2 8,4 12,9 Précipitations (mm) 99,7 85,9 100,4 70,7 41,2 16,2 5,8 13 40,4 89,5 99,7 135 767,5 Source : Hong Kong Observatory[15]. Diagramme climatique 16,47,799,7J16,87,685,9F17,78,5100,4M19,310,170,7A2213,141,2M25,316,616,2J28,719,35,8J29,320,213A27,818,540,4S24,31589,5O20,311,299,7N16,98,4135DMoyennes : ■ max ■ min °C ■ Précipitations mm Réseaux de communication[modifier le code] La ville de Béjaïa est reliée à Alger, Tizi Ouzou, Bouira, Sétif, Jijel et plusieurs localités kabyles par un important réseau routier. Elle possède une gare routière. Des lignes de bus la relient aux villes du grand sud algérien, notamment Hassi Messaoud, Ouargla, Ghardaïa, Laghouat, Djelfa et Bou Saâda. La commune de Béjaïa est desservie par plusieurs routes nationales. Certaines empruntent des vallées et des gorges qui constituent des zones de passage naturelles[Note 2] : la route nationale 9 (route de Sétif), qui passe par le littoral puis les gorges de Kherrata jusqu'à Sétif, et la route nationale 24 (route de Béjaïa), qui traverse la vallée de la Soummam, Bouira, puis Alger à l'ouest, ou Bordj Bou Arreridj à l'est. D'autres empruntent des reliefs plus escarpés : la route nationale 12 (route de Tizi Ouzou), passant par la forêt de Yakouren et ses montagnes puis Azazga, Tizi-Ouzou jusqu'à Boumerdès, et la route nationale 75 (route de Batna), passant par Barbacha et les montagnes de Petite Kabylie pour déboucher à Sétif et rejoindre les Hauts-Plateaux jusqu'à Batna. Un projet d’autoroute est en cours de réalisation pour désengorger la route de Béjaïa, axe principal entre la capitale et l'Est du pays, et permettre de relier la ville et son port, l'un des plus importants d'Algérie, à l’autoroute Est-Ouest algérienne[16]. Béjaïa possède une gare ferroviaire, terminus de la ligne Beni Mansour-Bejaia, créée en 1889 et sur laquelle circule un autorail reliant les gares de la région : Beni Mansour, Tazmalt, Allaghan, Akbou, Lazib Ben cherif, Ighzer Amokrane, Takriets, Sidi Aich, Timezrit et El Kseur[17]. L’interconnexion, à Beni Mansour, avec la ligne Alger-Skikda, permet l’accès à l’ensemble du réseau ferroviaire algérien par des liaisons directes à la capitale algérienne, à l’ouest, et à Sétif, au sud-est. Un train régional reliant spécifiquement Béjaïa à sa périphérie est également en service ; il a été conçu pour désenclaver l'est de la région. La ligne bénéficierait d'une quinzaine d'aller-retours quotidiens et devrait desservir les gares de la ligne Beni Mansour-Bejaia[18]. Béjaïa dispose d'un aéroport international situé à 5 km au sud de la ville. Il a d'abord été dénommé « aéroport de Béjaïa - Soummam » entre 1982 et 1999, du nom de la Soummam qui se jette dans la Méditerranée à proximité de Béjaïa. Il a été inauguré en 1982 pour les vols nationaux et en 1993 pour les vols internationaux. Il a été renommé « aéroport de Béjaïa - Soummam - Abane Ramdane » en 1999, en hommage à l'homme politique algérien qui a joué un rôle essentiel dans l'histoire de la guerre d'indépendance algérienne[19]. Une ville portuaire[modifier le code] Article détaillé : Port de Béjaïa. L'histoire de la ville est liée à son rôle portuaire, connu dès l'Antiquité et notoirement étudié dès la période de la dynastie des Hammadides (berbère médiévale) au XIe siècle. Elle devient un port important munie d'installations, de constructions navales et abrite les escadres des pouvoirs sultaniens successifs qui règnent sur le Maghreb Central (Zirides, Hammadides, Almohades, Hafside). La ville fut dès le XIIe siècle considérée comme l'un des trois emporia principaux du Maghreb, avec Tunis et Ceuta. Elle possède à cette époque des relations avec les marchands latins des trois principales cités de l'Italie médiévale : Pise, Gênes et Venise, les Andalous, puis les Catalans[20]. La bourgeoisie de la ville joue alors le rôle d'intermédiaire entre les populations du Constantinois, elles-mêmes parfois intermédiaires des Sahariens, et la Méditerranée. La crise du commerce au XIVe siècle tourne ensuite le port vers la course en Méditerranée[21],[20]. Entrée sous l'autorité de la régence d'Alger au XVIe siècle, elle est marginalisée au profit de la nouvelle capitale du Maghreb central, Alger, et continue son déclin au point qu'au XIXe siècle, lors de la conquête française, elle n'est plus qu'une petite cité portuaire. Les aménagements coloniaux du port lui permettent de retrouver son rôle naturel de débouché de son arrière-pays, la Kabylie. La décision prise dans les années 1960 de faire parvenir un oléoduc jusque dans la ville va donner un essor définitif à l'activité du port qui devient un port pétrolier de premier plan[22]. Béjaïa dispose d'un port qui occupe le deuxième rang en Algérie par son volume d'activité, derrière celui de la capitale Alger ; débouché important pour une partie de la production régionale (minerais, vins, figues, prunes et liège), il a donné depuis les années 1960 une place grandissante au pétrole et aux produits pétroliers extraits du sous-sol saharien (les hydrocarbures représentent 86 % de ses exportations en 2005). En 2008, il a été intégré au projet européen des « autoroutes de la mer » (ADM), aux côtés de Gabès, Agadir et Haïfa. Le port est destiné à devenir un hub portuaire de niveau mondial grâce au lancement des travaux de réalisation de la plus importante gare maritime d’Algérie conçue aux normes internationales[23],[24]. Le 21 juin 2018, après plus de 5 ans de travaux, la nouvelle gare maritime de Béjaia a été inaugurée avec l'accostage d'un premier car-ferry de la société française «Corsica linéa», transportant à son bord plus d’une centaine de passagers et une soixantaine de véhicules[25]. Construite sur deux sites, l’un à l’intérieur du port et l’autre en zone extra-portuaire, la gare s'étend sur trois niveaux pour une superficie totale de 34 000 m²[26],[27]. Depuis, la gare est au cœur d'une polémique. Elle a été construite sur un terrain traversé par un oléoduc[28]. En 2023, le ministre des transports, Kamel Beldjoud, a évoqué une erreur commise lors de la construction de la gare maritime et a proposé le déplacement de l'oléoduc au ministre de l'Energie[29]. Flore et faune[modifier le code] La ville de Béjaïa fait partie de la Corniche kabyle, qui s'étend jusqu'à Jijel et qui constitue un site écologique remarquable. Dans le Nord de la ville, le parc national de Gouraya constitue une aire littorale protégée[30], qui, avec le parc national de Taza[31], situé 60 km à l’est de Béjaïa, a été classée par l'UNESCO parmi les « réserves de biosphère mondiales », des zones modèles visant à concilier conservation de la biodiversité et développement durable[32]. Le parc de Gouraya se distingue par la présence d'euphorbes, espèces très menacées en Méditerranée, de formations de garrigue où se côtoient le chêne kermès et l'olivier sauvage, de spécimens de pin d'Alep, de genévrier et d'absinthe[33]. Dans le parc de Taza, le chêne zéen et le chêne-liège constituent avec le chêne afarès les principales essences qui s’étendent jusqu'à la wilaya de Jijel[34]. S'agissant du chêne-liège, dans un pays qui représente plus de la moitié de la superficie occupée par cette essence sur la rive sud de la Méditerranée, la Kabylie et l'ensemble du Nord-Est algérien constituent la région des plus grandes subéraies : elles s'y étendent, le long du littoral, depuis Alger jusqu'à la frontière tunisienne et du bord de mer jusqu'à 1 200 m d'altitude[35]. La faune locale abrite des mammifères telles que le chacal doré, la genette, le sanglier, et des espèces menacées comme le chat sauvage, le porc-épic, le lynx caracal et le macaque berbère ou singe magot, une espèce endémique d'Afrique du Nord. La hyène rayée, la belette, le renard roux, le lièvre brun et le hérisson d'Algérie sont signalés dans le parc de Taza ; le lapin de garenne à Taza et Gouraya. Les montagnes alentour forment l’habitat de plusieurs espèces d'oiseaux dont l'aigle de Bonelli, le vautour fauve, la tourterelle, la perdrix gambra, le hibou grand-duc, la buse féroce, l'aigle royal et le faucon crécerelle[36],[37]. Les hauteurs de Petite Kabylie abritent en outre la sittelle kabyle, espèce de passereau endémique qui n'a été découverte qu'en 1975, sur le mont Babor[38],[34]. La faune et la flore marine sont également remarquables. L'aire marine du Gouraya constitue le biotope de quatre espèces protégées de mammifères marins : le marsouin commun, le dauphin commun à bec court , le dauphin souffleur et le grand cachalot[39]. Les fonds marins des parcs recèlent six typologies de paysages d'intérêt écologique international : encorbellements à Lithophyllum lichenoides, trottoirs à vermets, bourrelets à Corallina elongata, forêts à Dictyopteris membranacea, herbiers tigrés à Posidonia oceanica et récifs coralliens à Posidonia oceanica[40]. Les eaux adjacentes au parc de Taza incluent le « banc des Kabyles », classé « aire spécialement protégée d’importance méditerranéenne » (ASPIM) par la convention de Barcelone. Riches d'une communauté de corail en bon état de santé, elles abondent en divers bioindicateurs d’eaux non polluées[41]. Histoire[modifier le code] Article détaillé : Histoire de Béjaïa. Préhistoire[modifier le code] La présence de l'homme est attestée dans divers sites urbains et périrurbains. La station de la grotte d'Ali Bacha représenterait le site le plus ancien de peuplement autour de 40000 à 20000 av. J.-C. Du côté du site des Aiguades, le matériel et le mobilier retrouvé évoquent une période autour de 10000 av. J.-C. et donc néolithique[42]. La région est d'ailleurs riche en gisements archéologique comme les grottes d'Afalou où ont été retrouvé parmi les plus vieilles sépultures d'hommes modernes, dit homme de Mechta-Afalou[43], qui témoigne d'une culture tournée vers la compassion avec l'inhumation des individus dans des grottes-sanctuaires-nécropoles et l'usage de la poterie en argile datées de 18000 à 11000 av. J.-C.[44]. Ces gisements sont typique de la culture archéologique dite ibéromaurusienne[44]. Antiquité : les débuts de la ville[modifier le code] La ville comporte des vestiges de l'âge du bronze[42]. Le plus ancien vestige connu est un « hanout » qui est une forme de tombe lybique. Longtemps attribuée à la culture punique elle est en fait beaucoup plus ancienne, sa datation est interderminée[7]. Le site avantageux, abrité des vents par le cap Carbon, fut sûrement occupé très tôt. La première trace de mention historique apparaît au Ve siècle av. J.-C. dans le Périple du Pseudo-Scylax. La région a fait partie du royaume de Numidie. De plus l'influence punique est présente : les Carthaginois parcourent les côtes nord africaines pour commercer et implanter des comptoirs commerciaux appelés emporioe[45],[46]. La défaite de Jugurtha face aux Romains change l'alliance de ces derniers en une suzeraineté ; Auguste découpe le territoire en provinces constituant la Maurétanie césarienne, et, selon Pline l'Ancien, Saldae (nom antique de la ville) est une colonie romaine fondée avec les premières annexions en 33 av. J.-C. Huit ans plus tard, il rétrocède la province de la ville à Juba II en dédommagement de ses États héréditaires. La ville se dote d'une culture à dominante latine et est christianisée[45]. Les Romains mettent en place divers réseaux hydrauliques qui seront réemployés à l'époque hammadide. L'aqueduc de Toudja date du règne de Antonin le Pieux. Mais la ville ne connaît pas l'importance du développement de Hippone (Annaba) plus florissante sous les Romains[47].Auguste fonde également, à quelques kilomètres sur les rives de la Nasava (Soummam), Tubusuptus, les actuelles ruines de Tiklat. Dès le Ier siècle, la révolte de Tacfarinas entraîne l'ensemble des populations numides de la région ; il investit la vallée de la Soummam, prend Tiklat et arrive jusqu'à Saldae. Il est finalement repoussé par le proconsul Dollabella[48]. Au IVe siècle, dans les montagnes voisines de Saldae, Firmus rassemble les « Quinquegentiens » (actuelles tribus kabyles du Djurdjura) et les mène contre les Romains. Le comte Théodose arrive avec des troupes d'Europe pour mater la révolte ; il vient difficilement à bout des insurgés[48]. Les Vandales font à leur tour leur entrée en Afrique du Nord, depuis l'Espagne, en 429. Conduit par Geneseric, ils portent le fer dans toutes les villes du littoral. Ils font de Saldae la capitale de leurs nouveaux États jusqu'en 439 et la prise de Carthage. Les luttes opposant les partisans de l'arianisme à ceux du catholicisme affaiblissent la région tout entière ; les Byzantins y trouvent alors un prétexte et une occasion d'intervenir. La ville bascule alors sous la domination byzantine, dès les conquêtes de Belisaire en 533. L'oppression byzantine, lourde, ne tarde pas également à susciter des velléités de révoltes des populations jusqu'à la conquête arabe de l'Afrique du Nord[49]. La conquête arabe[modifier le code] Vues par les conquérants arabes omeyyades venus depuis Kairouan, les montagnes autour de Béjaïa sont surnommées el 'adua (« l'ennemie ») pour désigner la résistance opiniâtre dont elles sont le siège[50],[51]. Les informations sur cette époque sont éparses, ou contradictoires ; il semble que la ville ait été conquise relativement tard, vers l'an 708. Une hypothèse peu probable voudrait que le nom Béjaïa viendrait de cette époque du mot arabe بقاية (Baqâyâ : « les restes, les survivants ») car elle aurait servi de repli aux populations chrétiennes et juives de Constantine et Sétif. Selon Ibn Khaldoun, le nom de Béjaïa serait plutôt issu de celui de la tribu qui habitait la ville : les « Bedjaïa »[52],[53]. Les trois siècles qui suivent la conquête sont obscurs faute de récits sur sa situation ; la ville fait partie du territoire aghlabide, puis de celui des Kutama-Fatimide où elle connaît une certaine effervescence. Il semble que lorsque le souverain hammadide An Nasir y fonde sa capitale An Nasirya, en 1067, les monuments de la Saldae antique sont en ruine. Plusieurs hypothèses portées par les traditions locales expliquent cet état : la ville aurait connu 7 tremblements de terre ou encore un nombre similaire d'attaques ennemies[54]. Il semble établi qu'au Xe siècle, la ville est aux mains des berbères sanhadja, dont sont issues les dynasties ziride et hammadides qui régneront sur le Maghreb Central. C'est alors une bourgade essentiellement peuplée d'Andalous, conformément à le description qu'en donne le géographe andalou Al Bakri, avant que la politique des Hammadides donne un essor décisif à la ville[55],[56]. Dynasties berbères : la gloire d'une capitale médiévale[modifier le code] Au Xe siècle, la ville n'est qu'un petit port de pêche. En 1067, le souverain berbère de la dynastie Hammadide, An Nasir (1062 -1088), régnant sur le Maghreb Central, aménage la ville et en fait sa capitale. En effet, sa première capitale, la Qal'a des Beni Hammad, dans les Hauts-Plateaux, est sous la menace des raids des nomades arabes hilaliens qui à partir du Moyen-Orient ont lancé une seconde vague d'invasion arabe sur le Maghreb[57]. Il donne à la ville le nom de An Nasiriya, qu'elle peinera à conserver face à son toponyme Béjaïa déjà bien ancré dans les usages. Comme le rapporte Ibn Khaldoun, cela est dû au fait que le toponyme Bejaïa est lié a nom de la tribu berbère peuplant ce lieu[7]: « en l'an 460 (1067-1068), il [En Nacer] s'empara de la montagne de Bedjaia, localité habitée par une tribu berbère du même nom. Chez eux, Bedjaia s'appelle Bekaïa et se prononce Begaia. En Nacer, ayant conquis cette montagne, y fonda une ville à laquelle il donna le nom d'En-Naciriya; mais tout le monde l'appelle Bejaia, du nom de la tribu. » La ville connait, avant l’acquisition de son statut de capitale, une dynamique remarquable, notamment sur le plan culturel ; elle est en effet le port à la croisée de la Qal'a des Beni Hammad et de l'Al Andalus. Les lettrés et les commerçants y transitent alors et elle est le débouché du triq sultan, la route royale des Hauts Plateaux à la Méditerranée et même un débouché du commerce transsaharien[58]. Les émirs kalbites de Sicile s'inspirent des palais de Béjaïa pour établir ceux de Palerme. La ville plus qu'une place reconnue ou appréciée est un endroit de passage obligé ; elle est un véritable carrefour sur la route de l'Al Andalus à l'Orient (notamment pour les pèlerins allant vers La Mecque) mais aussi de l'Europe vers l'Afrique. C'est un lieu de rencontres et d'échanges des savoirs entre les communautés locales, d'Europe et d'Orient[59]. L'implantation des souverains hammadides va en faire la capitale du Maghreb Central et la madinat at tarikh (la ville d'histoire) algérienne. Fait politique original à l’échelle du Maghreb ancien, elle est une capitale littorale. Elle devient un des principaux centres culturels et scientifiques de la Méditerranée occidentale et une place commerciale importante pour l'Europe. Si l'état précis de la flotte marchande bougiotte est méconnu elle occupe une place non négligeable en Méditerranée sans toutefois être prépondérante face aux flottes de commerces européennes. Elle est fréquentée par des marchands latins, Pisans et Génois, Andalous et plus tard Catalans[20]. Ces commerçants du midi de l'Europe lui donnent divers noms en langues romanes : Bugia, Buzia, Bugea, Buzana. C'est à cette époque que la cire de la ville, exportée vers l'Europe pour la confection de chandelles, donne le mot « bougie » au français et le mot « basane » pour désigner des peaux ; emprunt lexicaux des noms transcrits de la ville (respectivement de Bougie et Buzana)[60],[61]. La ville exporte en effet cire d'abeille et peaux en quantité, des écorces tanniques pour le travail des cuirs (l'iscorzia di Bugiea est célèbre au XIVe siècle), de l'alun, des céréales, des raisins secs, de la laine et du coton de Biskra et M'sila, des métaux et de la poterie[62]. La ville importe également diverses marchandises comme des métaux, du tissu, des teintures et des herbes médicinales. Elle est également une base navale pour les Hammadides, et le point de départ d'expéditions navales pour le « pays de Rum » (dont la Sicile à trois jours de navigation)[63]. La flotte hammadide joue un rôle important en Méditerranée occidentale ; elle freine les avancées européennes, notamment celles des Normands de Sicile au XIIe siècle. Les Hammadides attirent les lettrés de tous horizons et pratiquent une politique ouverte, sur l'Europe notamment. Les Juifs et les Chrétiens bénéficient de conditions favorables ; l'émir An Nasir entretient une correspondance régulière avec le pape Grégoire VII[64] et lui fait la demande de nommer un évêque pour sa ville[65]. L’arrivée de lettrés fait de Béjaïa une ville de premier plan dans le domaine des sciences ; son influence dépasse la Méditerranée et gagne l’Europe. Une culture andalouse se mêle à l'inspiration orientale traditionnelle, les sciences profanes se développent comme les sciences sacrées. Contrairement à la Qal'a dans l'arrière-pays, elle fait figure de ville culturelle et « moderne » pour son époque. Une « cité berbère vivant à l'orientale »[63],beaucoup de savants illustres en sont issus ou s'y établissent tout au long de sa période médiévale : Al Madani (Xe siècle), Ibn Hammad, Yahia Zwawi, Leonardo Fibonacci (XIIe siècle), Raymond Lulle et Ibn Khaldoun (XIIIe siècle). Les érudits viennent compléter leur formation dans la ville comme ils le font au Caire, à Tunis ou à Tlemcen. Des centaines d'étudiants, dont certains d'origine européenne, se pressent dans les écoles, les mosquées où enseignent théologiens, juristes, philosophes et savants. Les principaux lieux de savoirs médiévaux sont la Grande Mosquée, Madinat al-`Ilm (la Cité des Sciences), la Khizana Sultaniya et l’institut Sidi Touati. Le juriste Al Ghobrini (1246-1314), qadi de la ville, décrit les savants de Béjaïa comme « princes de la science », parmi lesquels Sidi Boumedienne, Abd al-Haq al-Isbili, al-Qurashi et Abu Tamim Ben Gebara. Ces savants se réunissent dans des audiences où il se consultent sur divers sujets[66],[67]. Il existe une rivalité et des échanges intellectuels entre Tlemcen, la Zénète et Béjaïa, la Sanhadja[68]. Cette tolérance de la ville est nuancée par une des versions du récit de la mort de Raymond Lulle. En effet selon une version il aurait été lapidé par les Bougiotes qui l'avaient accusé de vouloir les convertir au christianisme[69] quand d'autres versions affirment qu'il a simplement fait naufrage à son retour vers Majorque depuis Tunis[70]. En 1202, Leonardo Fibonacci, mathématicien italien, en rapporta les « chiffres arabes » et la notation algébrique. Selon les versions, l'inspiration de la suite de Fibonnacci serait due à l'observation des apiculteurs et la reproduction des abeilles de la région ou à un problème mathématique local concernant la reproduction des lapins qu'il décrit dans son ouvrage Liber abaci[71],[61]. À cette époque la ville a connu un tel développement que, selon Léon l'Africain, elle est peuplée de plusieurs dizaines de milliers de personnes originaires de tout le Maghreb, du Levant, d'Europe et d'Asie. La population autochtone de la ville est composée essentiellement de Berbères venus de l'arrière-pays kabyle et de la forte communauté de réfugiés andalous. L'estimation de la population à cette époque est estimée à 100 000 habitants par Al Idrissi. Mohammad Ibn Toumert rencontre Abd al-Mumin, celui qui sera le calife de son mouvement et d'un nouvel État (les Almohades), à proximité de Béjaïa vers 1118[72]. Mohammad Ibn Toumert a prêché le retour aux sources de l'Islam à partir de Mellala, localité située à 10 km de Béjaïa. Des années auparavant, le guide des Almohades aurait été chassé par les gens de Béjaïa auxquels il reprochait avec force leurs mœurs[73]. Le mouvement politique qu'il a fondé est la base de l'Empire Almohade qui s'empare de Béjaïa en 1152 et dépose les Hammadides. La ville garde son importance stratégique sous les Almohades ; elle devient une capitale provinciale[74]. Le calife Abd el Mumin nomme un membre de sa propre famille comme gouverneur de la ville[75], preuve de son importance stratégique. Le port de la cité abrite la flotte du calife et celle des Hammadides dont il s’est emparé[76]. En 1183, durant une période brève, les Beni Ghania (des restes de la dynastie Almoravides) s'emparent de Béjaïa avant que les Almohades n'en reprennent le contrôle[75]. Après la dislocation de l'Empire Almohade, Béjaïa rentre dans l'orbite des Berbères hafsides de Tunis qui se rendent indépendants en juin 1228[77]. Mais dans les faits, en raison du morcellement et des querelles de succession, l'émir ou sultan de Béjaïa se rend indépendant de celui de Tunis à la tête d'un véritable royaume dissident sur diverses périodes, dont la dernière avant la conquête espagnole s'étend sur tout le XVe siècle, on parle alors du « royaume de Bougie ». Le commerce reste actif avec les États chrétiens et la ville est un des principaux point d’accueil des réfugiés andalous fuyant la Reconquista[20],[78]. La ville dotée d'une identité politique forte reste une ville importante sur le plan des sciences et du commerce. En effet, sa richesse et son emplacement de port stratégique en font un objet de convoitise pour les Zianides de Tlemcen. Ces derniers effectuent un grand siège de la ville en 1313. La ville est vue comme capitale des régions occidentales du sultanat hafside de Tunis et « place-frontière » du sultanat. Aux XIIIe siècle et XIVe siècle, elle devient à diverses occasions le siège du pouvoir d'émirs-gouverneurs indépendants[Note 3], ou de dissidents de la dynastie hafside. Ces « souverains de Béjaïa »[Note 4] étendent leur autorité — qui va souvent de pair avec une dissidence politique — à l'ensemble du domaine de l'ancien royaume des Hammadides : Alger, Dellys, Miliana, Constantine, Annaba et les oasis du Zab. Ibn Khaldoun les décrit comme gouvernant « Biğāya wa al-ṯagr al-garbī min Ifriqiya » (la ville de Béjaïa et la marche occidentale de l’Ifrīqiya). Ibn Khaldoun sera d'ailleurs le chambellan (équivalent alors de Premier ministre) de l'administration indépendante d'un sultan hafside de Béjaïa, Abou Abdallah, en 1365[79]. Le XVe siècle voit globalement un retour à la centralisation de l’État hafside. Mais à la fin du XVe siècle et au début du XVIe siècle, Léon l'Africain et Al-Marini décrivent un prince de Béjaïa, séparé de celui de Tunis, avec une situation similaire à Constantine et Annaba, ce qui traduit un morcellement du territoire hafside[76]. Durant les dernières années du pouvoir hafside, face au déclin du commerce en Méditerranée, l'activité corsaire se développe, du fait notamment des Andalous qui connaissent les rivages et les flottes d'Espagne[75],[80]. Les siècles de décadence de Béjaïa[modifier le code] A l'instar du sort tragique subi à la charnière du XVe siècle par moult caravansérails et plusieurs cités médiévales du Sahara et du littoral maghrébin, parfois radicalement, celles caractérisées par une économie significativement liée au commerce transsaharien-méditerranéen ainsi que par un manque de substituts de façon inhérente ou de facto (telles Mahdia en Tunisie, Honaïne en Algérie, radicalement Sijilmassa au Maroc, etc), Bejaia amorce ainsi son déclin dans ce cadre de concours de circonstances de reconfiguration du commerce mondial au profit des nouvelles routes maritimes dominées dans un premier temps par les Portugais et les Hollandais au détriment des précédentes routes caravanières et ce qui leur était connexe[81]. Une cité convoitée[modifier le code] Les Espagnols, sur la lancée de la Reconquista, effectuent des raids sur les ports d'Afrique du Nord. La ville est prise par l'Espagnol Pedro Navarro en 1510 au sultan Abdelaziz. Les Espagnols mettent fin au « royaume de Bougie » du Maghreb central. Ils font de la ville un de leurs comptoirs qui se maintient grâce aux relations avec Pise et Gênes. Mais leur rudesse provoque la fuite de la population locale, et des conflits avec les Berbères des alentours. La ville ne peut plus servir de relais d'échange avec l'arrière-pays et Abou Bakr, le frère de Abdelaziz et sultan tente de reprendre la ville en 1512 à partir de sa nouvelle capitale, Constantine (reprenant le dispositif de siège zianide du XIVe siècle)[82]. Les Espagnols se contentent de contrôler un périmètre formant une sorte de triangle compris entre Bordj Abdelkader, la Casbah et le Bordj Moussa. La ville comprise en dehors de ces limites n'est pas défendable par la faible garnison espagnole et est ruinée. L'esprit de l'inquisition influence la politique espagnole locale, les Juifs sont chassés de la ville et les élites citadines, dont les lettrés, fuient. La tradition savante se déplace alors massivement vers les zaouïas de l'arrière-pays kabyle, les manuscrits sont également déplacés et dispersés. La population de la ville est en chute libre, et même la garnison espagnole se réduit de plus en plus ; elle compte 500 hommes en 1555[83]. Les anciennes possessions de Béjaïa sont morcelées, ce qui entrave la reconquête de la ville. En Kabylie, El Abbès le fils du sultan de Béjaïa fonde sa principauté autour de la Kalâa des Béni Abbès emmenant une partie des élites de la ville ; sur la rive ouest de la Soummam il est concurrencé par Belkadi, descendant du juriste bougiote Al Ghobrini qui fonde le sultanat de Koukou. À Constantine c'est Abou Bakr, frère de l'ancien sultan, qui se proclame sultan sur tout l'Est algérien. Ces divers protagonistes, rivaux entre eux, espèrent chacun reconquérir la ville et unifier ses anciennes dépendances[84],[85]. C'est à cette époque que dans un Maghreb où les anciens États sont en déliquescence qu'apparaissent les frères Barberousse, corsaires grecs convertis à l'islam qui s'implantent dans la ville voisine de Jijel. Ils se joignent aux différentes tentatives de reprendre la ville aux Espagnols grâce à leur savoir-faire en matière de navigation. Ils finissent par fonder leur propre État autour d'Alger, basé en partie sur l'activité corsaire, et étendent rapidement leur influence sur l'Algérie septentrionale en rentrant progressivement dans l'orbite ottomane et en se présentant aux yeux de la population comme concurrents directs des Espagnols. Béjaïa devient rapidement un objectif stratégique ; les Barberousse évincent progressivement les Hafsides de Constantine et Annaba. Charles Quint se sert de la ville comme un repli après la désastreuse expédition de 1541 contre Alger[86],[87]. Une cité marginalisée[modifier le code] Les Barberousse n'atteindront jamais leur objectif de reprendre Béjaïa de leur vivant. C'est un de leurs successeurs, le beylerbey Salah Raïs qui finit par entrer dans la ville après la bataille de Béjaïa (1555) avec l'aide des Kabyles de Koukou[88]. La ville est intégrée à l’État de la régence d'Alger et dépend du beylik de Constantine jusqu'en 1830. Le découpage territorial en trois beyliks place la ville dans une position marginale. Le rêve politique des Barberousse d'implanter leur capitale dans Béjaïa est abandonné ; la régence est déjà installée à Alger qui est un port fortifié et dans lequel de nombreux aménagements ont été effectués[89]. La seule institution d'envergure maintenue sur cette période est celle du dar senâa, les chantiers navals ou arsenaux de la ville qui fournissent des navires à la régence[90]. La ville, dotée d'un caïd turc, est vue surtout comme une cité possiblement concurrente d'Alger et encerclée de montagnes hostiles[91]. L'élévation d'une flotte corsaire est surveillée de près de peur de la voir concurrencer celle d'Alger ; la flotte d'Alger vient hiverner dans ses criques où elle est naturellement à l’abri. La ville voit donc son déclin s'accentuer après le départ des Espagnols. Les habitants entretiennent une petite flotte de commerce d'une vingtaine de chebeks ou felouques qui commercent quand la météo est favorable avec Alger, Oran, Bouna et Tunis pour y exporter les productions de la région. L'hiver, cette flotte est stationnée sur la plage de Dar senâa sous la Casbah pour n'être remise à flot qu'au printemps[90]. Les marchandises exportées sont de l'huile, de la cire, des figues sèches, et des cuirs ; des tissus et de céréales sont importés. Ces navires peuvent transporter du bois pour la karasta : l'exploitation du bois pour la construction navale d'Alger[92]. L'activité corsaire se poursuit durant cette période, notamment avec celle de Jijel. En 1671, la ville est visée par les Anglais conduits par Édouard Sprague qui la bombardent pour faire cesser les attaques corsaires contre leurs navires. Durant toute cette période, la ville n'est pas entretenue, et les descriptions de divers voyageurs traduisent la dégradation du bâti et le manque de réparation. Sidi M'hamed Amokrane, un marabout, fils du sultan des Aït Abbas, Sidi Naceur Amokrane (ou Mokrani), s'installe près de Béjaïa vers 1630, avant d'aller vers Jijel. Il déplace sa zaouïa du village d'Ama'dan vers la ville où les Turcs le chargent de diriger la karasta[93]. À l'époque d'Al Warthilani (1713 – 1779), la ville semble être entre les mains de trois personnages importants : le cadi, le caïd et le descendant du marabout Mokrani[94]. Les caïds demandent aux marabouts de passer sous laânaya (protection) des troupes de Béjaïa jusqu'à Alger. En effet, la ville située au cœur de la Kabylie, indépendante du pouvoir exécutif d'Alger, est souvent assiégée lors de conflits insurrectionnels entre les diverses confédérations de la région. Lors de la grande révolte de 1806, menée par le chérif Ben el Harche, la ville est assiégée sans succès[95]. En 1823, les tribus des Bibans et de la Soummam s'emparent du caïd de la ville. En 1825, l'agha Yahia, commandant des troupes venues d'Alger, envahit la ville et lance des opérations de répression sur les tribus de la Soummam[96]. Le chaouch Mohamed Ben Kanoun a joué un rôle clé lors de la révolte des tribus de Bougie en 1823. En tant que représentant de Yahia Agha, il a été chargé de négocier avec les chefs locaux pour faciliter le passage de soldats turcs destinés à Alger, alors sous blocus anglais. Sa mission a impliqué des rencontres avec des figures influentes de la région, notamment El-Hadj el-Mouloud, un marabout respecté des Béni Idjeùr, qui l'a aidé à obtenir le soutien des principales tribus de l'Oued Sahel. Grâce à ses efforts diplomatiques, il a réussi à obtenir des mules pour transporter les troupes, malgré les tensions locales et les défis logistiques. Cette intervention souligne l'importance de Mohamed ben Kanoun en tant qu'intermédiaire efficace entre les autorités ottomanes et les tribus kabyles, contribuant ainsi à maintenir l'ordre et à faciliter les déplacements militaires essentiels pour la défense d'Alger[97]. La chute de la régence et la période coloniale[modifier le code] En 1830, les Français se lancent à la conquête de l'Algérie. Au début, l'expédition est dirigée contre Alger. Mais très tôt, les envahisseurs cherchent à occuper l'ensemble du pays, notamment la Kabylie contre laquelle sont dirigées plusieurs expéditions. Béjaïa, passée sous le contrôle de la tribu des Mezzaïa après la chute du dey d'Alger, subit plusieurs incidents impliquant des navires français et anglais. En 1831, deux expéditions visant à lui imposer comme caïd un dénommé Mourad, puis un certain Bou Setta, sont mises en échec. Une nouvelle expédition aboutit en 1833 à la prise de la ville, après une résistance acharnée de ses habitants. Cependant les Français ne parviennent pas à en conquérir les alentours[98]. La ville et sa région opposent une résistance farouche à la présence coloniale française ; d'ailleurs comme les Espagnols au XVIe siècle, les Français se contentent d'une occupation restreinte jusqu'en 1846. Divers ouvrages défensifs sont aménagés autour de la place, notamment sur les hauteurs[99],[98] La ville prend part à plusieurs soulèvements et insurrections, comme celle du chérif Boubaghla, et surtout la grande révolte du Cheikh El Mokrani et du Cheikh Aheddad en 1871. Lors de la conquête française, la ville n'était plus qu'une très modeste bourgade d'environ 2 000 habitants[98]. La ville est érigée en commune de plein exercice par décret du 17 juin 1854[100]. Les Français comblent partiellement la baie et aménagent le port et l'avant-port de la ville. Les travaux d'urbanisme (aménagement du front de mer et de grands axes) marquent son tissu urbain. Elle retrouve progressivement un rôle de débouché de la Kabylie, et de port d'export de produits agricoles locaux. Les habitants algériens maintiennent toujours leur activité de navigation marchande par cabotage le long des côtes. En 1906, le phare du cap Carbon est construit, c'est le plus haut au monde du fait de son emplacement naturel (altitude 220 mètres) et il a une portée de 33 miles[101]. Le 8 mai 1945, la répression conduite par les forces coloniales françaises à Kherrata, où la marine de guerre est mise à contribution pour un bombardement naval des côtes de la région de Béjaïa, fait des milliers de victimes[102]. Pendant la guerre d'indépendance algérienne, l'organisation du FLN et de l'ALN crée pour la première fois un territoire administratif kabyle, la wilaya III ; Béjaïa fait partie de cet ensemble[51]. Le congrès de la Soummam qui est la réunion politique du FLN qui fixe la ligne politico-militaire du mouvement national algérien dans la guerre a lieu à Ouzellaguen, dans l'arrière-pays bougiote[102]. L'agglomération moderne[modifier le code] À la veille de la guerre d'Algérie en 1954 elle comporte 30 000 habitants dont 6 200 Européens. Une des dernières décisions de l'administration coloniale est de constriure un oléoduc, depuis Hassi Messaoud, avec la ville comme dépôt terminal et port pétrolier. En 1959 Béjaïa est le port pétrolier le plus important de l'Algérie, ce qui est source de revenus[103]. En 1962, elle est intégrée dans la wilaya de Sétif, avant de devenir le siège de sa propre wilaya en 1974. La ville connaît un essor démographique, et une urbanisation de la plaine du Lekhmis, à la suite de l'afflux de ruraux, notamment de Kabylie[104]. Béjaïa, comme d'autres villes de la Soummam, est un des foyers de la revendication identitaire berbère lors du printemps berbère de 1980 ; et en 2001, lors du printemps noir. Si elle peine à s'imposer comme capitale économique de la Petite Kabylie, elle est indéniablement la capitale culturelle de la Kabylie, en concurrence avec Tizi-Ouzou. L'ouverture du champ politique a permis l’émergence de groupements, associations, manifestations artistiques et culturelles de tous types. Le Centre Universitaire, par sa présence, soutient le mouvement et il est programmé d'installer à Béjaïa l'institut de langue tamazight[105]. Cette expansion rapide de la ville est également un défi sur le plan de l'urbanisme ; la ville a en effet du mal à s'assurer un hinterland du fait du relief. D'autre part le patrimoine et la culture sont également un enjeu car menacés à long terme. Le site exceptionnel pose aussi la question environnementale et celle des pollutions liées aux activités domestiques et industrielles. Au début des années 1990, l'augmentation de la population combinée à l'absence de planification et l’insuffisance des politiques publiques dégrade le cadre de vie de la ville, malgré des atouts certains pour son avenir[106],[105]. Architecture et urbanisme[modifier le code] Paysage urbain[modifier le code] Centre-ville[modifier le code] Le centre-ville de Béjaïa est composé du quartier colonial et de la vieille ville, la médina, elle-même largement remaniée par les tracés urbains du temps de l’Empire espagnol, puis de l’Algérie française. La vieille ville est adossée au massif du Gouraya ; elle fut marquée par la présence espagnole durant laquelle elle perdit des nombreux édifices médiévaux (comme le palais de l'Étoile hammadide), puis par les aménagements français. Ce secteur ne manque cependant pas d'édifices ou de vestiges, antiques (notamment sur le plan archéologique) ou médiévaux ; les quartiers d'Acherchour, de Karamane et Bab El Louz possèdent encore des maisons mauresques. Mais faute d'entretien, de prise de conscience publique et de classement, l'introduction de matériaux non authentiques (béton, brique...) menace ce patrimoine[107]. Les structures défensives de la ville sont encore présentes dans le secteur de la vieille ville à divers endroits (Bab el Bounoud, muraille hammadide près du port, Casbah...)[108]. La partie coloniale de la ville s'illustre notamment par le quartier du front de mer, amputant une partie de la vieille ville, et du port. Inspiré de l'architecture haussmannienne, il comporte également la célèbre place du 1er novembre, encore désignée comme place Geydon[109]. Quartiers périphériques[modifier le code] Au lendemain de l'indépendance, les développements se font dans la continuité des plans d'urbanisation coloniale et ils conservent les mêmes axes[110]. L'extension de Béjaïa, à l'ouest et au sud, est marquée par la construction de nouveaux lotissements à Ighil Ouazoug et de cités étatiques à Sidi Ahmed, du quartier de la Plaine, du boulevard Krim Belkacem et du boulevard des Aurès[56]. Parallèlement à la construction de cités étatiques, des constructions privées gagnent, de manière anarchique, du terrain sur la plaine. L'urbanisation de la zone d'Ihadaden est la plus récente[56]. Sur le territoire de la commune, en périphérie de la ville se trouvent des espaces naturels, comme le parc du Gouraya, ou agricoles, telles que la plaine et la vallée de la Soummam, qui participent de l'originalité du cadre de la ville[111]. Outre la ville de Béjaïa, la commune administrative de Béjaïa (dont le cadre est plus large que la ville car il comprend même une bonne partie du parc du Gouraya) est composée des localités suivantes[112] : Dar Naceur, P.K. 17, Boukhiama, Ihaddaden, Targa Ouzemour, Ighil Ouazzoug, Bir Slam, Iriyahen Est, Aérodrome, Boulimat, Oued Saket et Amtik Tafat. Ces localités sont plus ou moins éloignées de la ville. Gestion du patrimoine[modifier le code] En raison de son histoire très ancienne, Béjaïa est une ville qui possède un patrimoine riche. Il s'étend bien au-del&agrav

François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770, est un peintre, dessinateur, graveur et décorateur français, représentatif du style rocaille. Maître particulièrement prolifique[1], Boucher a abordé tous les genres : peinture religieuse, sujets mythologiques, scènes rustiques, paysages, animaux, décorations de monuments et de maisons particulières, modèles de tapisserie. C’est peut-être le plus célèbre peintre et artiste décoratif du XVIIIe siècle, dont on a pu dire qu’il était l’un des génies les plus purs. Il estime lui-même, un an avant sa mort, avoir produit plus de dix mille dessins[n 1]. Il devient peintre de la cour de Louis XV, puis celui de Madame de Pompadour, dont il a peint plusieurs portraits et qui en fait son protégé. Sa carrière atteint son apogée lorsqu'il est nommé Premier peintre du Roi et directeur de l'Académie de peinture en 1765. Boucher a consacré beaucoup de son temps à des tableaux qui relèvent de genres mineurs, comme le paysage ou les pastorales galantes et rustiques, essentiellement destinés à la décoration intérieure[n 2], ce qui explique cette reconnaissance tardive. Biographie[modifier le code] Fils unique d’Élisabeth Lemesle et de Nicolas Boucher, maître peintre et dessinateur de l’Académie de Saint-Luc, il reçoit les premières leçons de son père[2], mais il montrait de telles dispositions que celui-ci décida de le faire travailler sous une direction plus qualifiée que la sienne[1]. Formation[modifier le code] Vers 1720, à l'âge de 17 ans, il entre dans l’atelier de Lemoyne qui l’initie aux secrets de la peinture décorative et des grandes scènes mythologiques, dans lesquelles il est spécialisé[3],[n 3]. Il ne resta que quelques mois dans cet atelier de Lemoyne[4]. Pour se procurer les ressources nécessaires pour vivre, il doit accepter des travaux de dessin du graveur et éditeur Jean-François Cars[3], pour lequel il produit ses premières gravures d’illustration[5], des titres de thèse, des images religieuses et des dessins pour l’illustration de livres de piété[6] pour lesquelles il reçoit 60 livres par mois, non compris le logement et la table[1]. Il se lie avec le fils de son employeur, Laurent Cars, à peu près de son âge[3]. En 1721, il dessine des illustrations de livres pour Cars, et commence à pratiquer l’art de la gravure. Ses premiers essais décident le collectionneur Jean de Jullienne à lui passer commandes de gravures d'après Watteau. Cette période de son apprentissage est des plus profitables à Boucher qui trouve dans les œuvres de Watteau, qui vient de mourir, en 1722, tous les éléments de sa propre inspiration[6],[n 4]. Les 24 livres par jour que lui donne, à cette époque, Jullienne pour prix de son travail lui font la vie assez facile mais, très épris de son art, il veut entrer à I‘Académie et s’efforce de perfectionner sa technique, travaillant à la fois le dessin, la gravure et la peinture[1]. Il se forme également auprès de Sebastiano Ricci et Giovanni Antonio Pellegrini, actifs à Paris dans les années 1720[7]. En 1723, il concourt au prix de l’Académie de peinture, dont le sujet est « Evilmérodach, fils et successeur de Nabuchodonosor, délivré des chaines dans lesquelles son père le retenait depuis longtemps ». Il remporte le premier prix[6],[1]. Âgé d’à peine vingt ans, il ne possède pas encore la faveur dont il jouira plus tard et l’opposition du duc d’Antin, directeur général des bâtiments, l’empêche d’obtenir son envoi à Rome comme pensionnaire du roi[1]. En attendant qu’une pension puisse lui être attribuée pour l’Académie de France à Rome, il continue à graver pour Jullienne[6]. En 1725, il expose pour la première fois, quelques tableaux à l'Exposition de la Jeunesse de la place Dauphine[8]. Séjour à Rome[modifier le code] Deux ans plus tard, en 1727, ayant réuni quelque argent, et grâce à la générosité d’un tiers, il part pour Rome, comme élève libre, en compagnie de Carle Van Loo et de ses neveux François et Louis[8]. Au début de juin 1728, le directeur de l’école de Rome, Nicolas Vleughels, signale leur arrivée à Rome au duc d’Antin, ajoutant : « Il y a encore un nommé Boucher, garçon simple et de beaucoup de mérite ; presque hors de la maison, il y avait encore un petit trou de chambre ; je l’ay fourré là […] Il est vrai que ce n’est qu’un trou, mais il est à couvert[8]. » À peine arrivé, Boucher se met au travail, et, dès le 10 juin, le directeur signale son assiduité[8]. En l’absence de dessins ou de tableaux que l’on puisse sûrement dater, à l’exception de quelques eaux-fortes gravées plus tard d’après ses études faites à Rome, il est impossible de retracer les étapes du séjour de Boucher en Italie, qui lui est néanmoins plus profitable que n’ont bien voulu le dire les détracteurs du rococo et partant, du style de Boucher. Après un séjour de près de quatre années en Italie, il rentre à Paris, à la fin de 1731, ayant beaucoup travaillé et acquis une maîtrise qui frappe Vleughels[8], qui écrit à son sujet, dans une lettre du 5 mars 1732 : « C. Vanloo est un habile homme, et il n’est jamais sorti de l’Académie de meilleur sujet, si ce n’est un pauvre garçon qui, sous votre bon plaisir, resta quelques années à l’Académie, et qui est retourné à Paris très habile[9]. » Et dans une autre lettre, datée du 14 août de cette même année, il le place, avec les Van Loo, Natoire et Bouchardon, au rang des meilleurs élèves de l’Académie[10]. Les honneurs[modifier le code] Article détaillé : Marie-Jeanne Boucher. Agréé dès son retour à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le 24 novembre 1731, il devient immédiatement le peintre mondain, le portraitiste semi-officiel des femmes à la mode, épouses ou maîtresses des financiers, gagnant une fortune rapide et un renom considérable[1]. Les commandes commencent à affluer, et c’est de 1732 que date la réalisation de Renaud et Armide, inspiré de la Jérusalem délivrée du Tasse[10], où le modèle de la blonde Armide est Marie-Jeanne Buseau, la jeune fille de 17 ans qu’il épousera le 21 avril 1733[n 5]. Au dire de ses contemporains, Marie-Jeanne est remarquablement jolie, et Boucher semble s’en être souvent inspiré dans ses créations de jeunes beautés radieuses et triomphantes. Elle pose également pour d'autres peintres de leur entourage, La Tour expose son portrait à son premier Salon en 1737, Lundberg fait d’elle un pastel paru au Salon de 1743, le peintre suédois Roslin expose son portrait au Salon de 1761, et Gabriel de Saint-Aubin en fait un croquis en marge de son exemplaire du Livret. De ce mariage naissent trois enfants[n 6], dont les deux filles épousent, le 7 avril 1758 à Saint-Germain-l'Auxerrois[12], les peintres Baudouin et Deshays[13]. Marie-Jeanne Boucher travaille avec son mari, grave quelques-uns de ses dessins, et reproduit en miniature plusieurs de ses tableaux[14],[n 7]. Le 30 janvier 1734, il est reçu comme peintre d'histoire, à l’Académie royale sur présentation de son tableau de 1732, Renaud et Armide, aujourd’hui conservé au Louvre, et Oudry, à la direction de la Manufacture de Beauvais depuis 1734, l’appelle auprès de lui et lui demande plusieurs modèles au goût du jour[15]. Le 2 juillet 1735, il est nommé, avec Carle Van Loo et Natoire, adjoint à professeur de l'Académie[15]. Même s'il a été marqué par le style du peintre Lemoyne, Boucher trouve vers 1736 son style propre en devenant, en peinture, le maître incontesté du style rocaille[16]. Avec ses toiles principalement destinées à la décoration intérieure des demeure de la haute société parisienne (aristocratie et grande bourgeoisie), constituant des paires ou des séries[17],[18], il devient le peintre à la mode. Il obtient en 1745 la faveur de Madame de Pompadour[n 8] dont il fera à plusieurs reprises, le portrait et composera pour elle ses œuvres les plus raffinées dans les années 1750, ainsi que des décors pour son château de Bellevue et pour son boudoir de Crécy. Il travaille également pour de hauts personnages de la cour, comme le duc de Penthièvre[n 9] ou pour des souverains étrangers (Le Triomphe de Vénus en 1740 pour le roi de Suède ; La Modiste[n 10]). Il est un grand ami du général Montmorency. Membre de la célèbre goguette de la Société du Caveau, il y apporte souvent ses dessins pour les montrer. Ceux-ci, parfois, inspirent aux convives des sujets de chansons. Charles Pinot Duclos fait le pari de s'inspirer, pour écrire, d'estampes réalisées pour illustrer un texte de Tessin : Faunillane ou l’Infante jaune. Il compose alors le conte féerique Acajou et Zirphile[n 11]. Une série de quatre panneaux représentant les éléments, lui est commandée pour les portes du château de La Muette, pavillon de chasse de Louis XV. Il a exécuté seulement l'eau Arion et le dauphin, à l'Université de Princeton, et la terre Vertumne et Pomone, au musée d'art de Columbus. Il n'y a aucune preuve qu'il ait réalisé l'Air et le Feu. À la mort d'Oudry, en 1755, il reprend sa charge d'inspecteur à la Manufacture des Gobelins mais ne travaillera plus pour Beauvais. Il y livre d'importantes séries de cartons, qui connaîtront le même succès. En 1765, il succède à Carle Van Loo comme Premier peintre de Louis XV. Travaillant avec une extrême facilité, il se vante d'avoir gagné jusqu'à 50 000 francs par an. Il participe à la décoration des châteaux de Versailles et de Fontainebleau, à celle du cabinet des Médailles de la Bibliothèque nationale (1741-1746). Il invente des décors pour le théâtre et l'opéra et donne aussi de nombreux modèles à la manufacture de Vincennes de 1750 à 1755 puis à la manufacture royale de Sèvres, essentiellement entre 1757 et 1767. Ses figures d'enfants, dits Enfants Boucher sont traduites sous forme de motifs peints ou de biscuits et également de petites pièces de tapisseries destinées à l'ameublement. Fin de carrière[modifier le code] Son style passe de mode avec l'arrivée du néoclassicisme vers 1760. Jusqu'à sa mort, en 1770, Boucher garde son style et expose ses œuvres au Salon, excepté lors de l'édition 1767. Le jeune Jacques-Louis David est présenté à Boucher, qui est un cousin éloigné de sa mère, pour devenir son élève, mais celui-ci préfère le confier à Joseph-Marie Vien. Son fils Juste-Nathan Boucher est architecte et peintre d'ornement. L'inventeur des Chinoiseries[modifier le code] Associé avec le marchand d'art Edme-François Gersaint, François Boucher est l'introducteur du goût pour les chinoiseries, des objets et des artéfacts venant de Chine, du Japon ou du royaume de Siam. Certains de ses objets apparaissent en second plan dans ses tableaux comme La Toilette, (1742, musée Thyssen-Bornemisza, Madrid) ou Femme allongée au divan (The Frick Collection, New York). Sa collection est cataloguée en 700 lots et dispersée lors de la vente après son décès. Il réalise des dessins sur ces sujets, comme Le Jeu d'échecs chinois et, en 1742, il produit dix tableaux, des huiles sur toile, pour la série dite de la « Tenture chinoise » pour la manufacture nationale de Beauvais. Celle-ci comprend La Chasse chinoise, Le Jardin chinois, ou encore Le Mariage chinois. Six cartons sont choisis par Jean-Baptiste Oudry pour être réalisés, les mises au format sont exécutées par le peintre Jean-Joseph Dumons. Au total 47 tapisseries seront réalisées en haute-lisse entre 1743 et 1776, cinq suites pour Louis XV et, en 1766 une des tentures est envoyée en cadeau à l'empereur de Chine Qianlong. Si François Boucher arrête de peindre des objets chinois dans ses tableaux après 1745, il continue à en acheter[19]. Élèves[modifier le code] Pierre Antoine Baudouin (1723-1769), qui devient son gendre en 1758, époux de Marie-Émilie Juste-Nathan Boucher, son fils Charles-Michel-Ange Challe Dominique Vivant Denon Jean-Baptiste Deshays de Colleville (1729-1765) qui devient son gendre en 1758 Jean-Baptiste Le Prince Jean-Honoré Fragonard Opinions critiques[modifier le code] Diderot[modifier le code] Denis Diderot commente les tableaux de Boucher dans ses Salons publiés à l'époque dans la Correspondance littéraire de Grimm. La conclusion du passage sur la Nativité de Boucher résume l'ambiguïté du jugement de l'auteur « […] faux […] ridicule […] Je ne serais pas fâché d'avoir ce tableau. Toutes les fois que vous viendriez chez moi, vous en diriez du mal, mais vous le regarderiez (p. 44) ». En 1761, même admiration et même réprobation : « Quelles couleurs ! quelle variété ! quelle richesse d'objets et d'idées ! Cet homme a tout, excepté la vérité ». […] Il est fait pour tourner la tête à deux sortes de gens ; son élégance, sa mignardise, sa galanterie romanesque, sa coquetterie, son goût, sa facilité, sa variété, son éclat, ses carnations fardées, sa débauche, doivent captiver les petits-maîtres, les petites femmes, les jeunes gens, les gens du monde, la foule de ceux qui sont étrangers au vrai goût, à la vérité, aux idées justes, à la sévérité de l'art ; comment résisteraient-ils au saillant, au libertinage, à l'éclat, aux pompons, aux tétons, aux fesses, à l'épigramme de Boucher. Les artistes qui voient jusqu'où cet homme a surmonté les difficultés de la peinture et pour qui c'est tout que ce mérite qui n'est guère bien connu que d'eux fléchissent le genou devant lui. C'est leur dieu. Les autres n'en font nul cas[20][source secondaire nécessaire]. L'école de David[modifier le code] Pour Delécluze, élève de David, « Boucher […] était un peintre de talent, dont le goût fut perverti par celui qui régnait de son temps. Jamais les doctrines de l'art n'ont été plus faussées que pendant la vogue dont jouit Boucher pendant sa longue existence[21]. » Cette opinion négative est affichée par toute l'école de David, dont le biographe, Miette de Villars, écrit « Boucher était le créateur d'une école qui a corrompu le goût[22] ». L'opinion du maître lui-même, telle que rapportée par Hivert, était plus nuancée, bien qu'il ait réprouvé tant les sujets que leur traitement : « N'est pas un Boucher qui veut, disait dans ses moments de bonne humeur David[23] ». Millet[modifier le code] Quand, au siècle suivant, le jeune Jean-François Millet découvre ses peintures dans les musées parisiens, il juge sévèrement les nus féminins de Boucher[source secondaire nécessaire] : « J'ai eu même de la répulsion très prononcée pour Boucher. Je voyais bien sa science, son talent, mais je ne pouvais comprendre ses sujets provocants et voir ses tristes femmes, sans songer combien tout cela était d'une pauvre nature. Boucher ne faisait pas des femmes nues, mais de petites créatures déshabillées : ce n'était pas la plantureuse exhibition des femmes de Titien, fières de leur beauté jusqu'à en faire parade, jusqu'à se montrer nues tant elles étaient sûres de leur puissance. À cela il n'y a rien à répondre ; ce n'est pas chaste, mais c'est fort, c'est grand par l'attraction féminine, c'est de l'art, et du bon. Mais les pauvres dames de Boucher, leurs jambes fluettes, leurs pieds meurtris dans le soulier à talons, leur taille amincie sous le corset, leurs mains inutiles, leurs gorges exsangues, tout cela me repoussait. Devant la Diane de Boucher, qu'on copie tant au musée, je me figurais voir des marquises de ce temps qu'il s'était amusé à peindre dans un but peu recommandable et qu'il avait déshabillées et placées lui-même dans son atelier transformé en paysage. Je me reportais à la Diane chasseresse des Antiques, si belle, si noble et de la plus haute distinction de formes. Boucher n'était qu'un entraîneur[24]. » Les Goncourt[modifier le code] Les frères Goncourt tentent d'arriver à un jugement équilibré, considérant le succès extraordinaire de Boucher et les objections de ses critiques. « Boucher est un de ces hommes qui signifient le goût d'un siècle, qui l'expriment, le personnifient et l'incarnent [p. 177] ». Malgré leur admiration, ils concluent[source secondaire nécessaire] : « Il est simplement un peintre original et grandement doué, à qui il a manqué une qualité supérieure, le signe de race des grands peintres : la distinction. Il a une manière et n'a pas de style. […] La vulgarité élégante, voilà la signature de Boucher. […] Pour tout dire et oser un terme de l'argot des ateliers qui peint un peu durement son talent : il est « canaille »[25] ». Œuvre[modifier le code] Article détaillé : Liste de peintures de François Boucher. Boucher ne cherche pas à reproduire la réalité. C'est un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillants, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Sa prédilection pour les nus féminins lui vaut, de son vivant, le surnom de « peintre des Grâces ». Il puise son inspiration dans l'univers poétique de la mythologie d'Ovide (L'Enlèvement d'Europe[n 12]) et des scènes pastorales. Il peint aussi des scènes de la vie familiale (Le Déjeuner[n 13], des paysages (Paysage près de Beauvais[n 14] ; Le Moulin[n 15]), des portraits et des tableaux religieux. Peinture[modifier le code] Le Jugement de Suzanne, 1720-1721, Ottawa, musée des beaux-arts du Canada. Rébecca recevant les présents d'Abraham, 1725, musée des beaux-arts de Strasbourg. Voyage à Rome en 1727 Les Lavandières, vers 1730, huile sur toile, musée d'Art Roger-Quilliot, Clermont-Ferrand. La Naissance d'Adonis et La Mort d'Adonis, vers 1730 (deux toiles acquises par le musée du Prado en 2024). Retour d'Italie fin 1731 Vénus demande à Vulcain des armes pour Énée, 1732, 252 × 175 cm, Paris, musée du Louvre[26]. Aurore et Céphale, 1733, huile sur toile, 250 × 175 cm, musée des beaux-arts de Nancy. L'année de son entrée à l'Académie, en 1734, il reçoit commande de quatre grisailles : La Charité, L’Abondance, La Fidélité, La Prudence, en place dans la chambre de la reine, au château de Versailles[13]. À la même époque, il peint plusieurs tableaux d’intérieurs du genre de ceux mis à la mode par Chardin, La Belle Cuisinière, gravé par Aveline, un Autoportrait dans son intérieur, sujet repris dans un autre tableau plus considérable, mais moins intime. Hercule et Omphale, 1735, huile sur toile, 90 × 74 cm, musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou. Maître du style rocaille La Chasse au léopard, 1736, huile sur toile, 183 × 128,5 cm, musée de Picardie, Amiens. Le Galant Colporteur, 1738 ?, huile sur toile, 161 × 161 cm, Gray, musée Baron-Martin. Pastorale ou Berger gardant ses moutons,1739 ?, huile sur toile, 89 x 121,5 cm, musée des Beaux-Arts de Caen[27]. La Chasse au crocodile, 1739, huile sur toile, 183 × 128,5 cm, musée de Picardie, Amiens. Le Déjeuner, 1739, musée du Louvre, Paris. La Forêt, 1740, musée du Louvre, Paris. La Toilette intime, 1741, 52,5 × 66,5 cm, musée Thyssen-Bornemisza, Madrid. Paysage près de Beauvais (1740-1742) 49 × 58 cm, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Diane sortant du bain, 1742, musée du Louvre, Paris. Le Repos des nymphes au retour de la chasse, dit aussi Le Retour de Diane chasseresse, 1745, huile sur toile, musée Cognacq-Jay, Paris. L'Odalisque, 1746, musée du Louvre, Paris. La Marchande de mode, 1746, huile sur toile, 64 × 34 cm, Nationalmuseum, Stockholm. Le Triomphe de Vénus, Nationalmuseum, Stockholm. Un été pastoral, 1749, Wallace Collection, Londres. Un automne pastoral, 1749, Wallace Collection, Londres. L'Assomption, v. 1750, huile sur toile, 112 x 61 cm, Dijon, musée des beaux-arts de Dijon[28]. La Nativité (1750 pour la Marquise de Pompadour), musée des beaux-arts de Lyon. La Lumière du monde, 1750, huile sur toile, 175 × 130 cm, provient de la chapelle privée de Madame de Pompadour au château de Bellevue, musée des beaux-arts de Lyon. Le Sommeil interrompu, 1750, huile sur toile, New York, Metropolitan museum of art. La Toilette de Vénus, 1751, pour la marquise de Pompadour, New York, Metropolitan Museum of Art. Vénus consolée par l'Amour, (1751 pour la marquise de Pompadour, New York, Metropolitan Museum of Art. Le Petit joueur de cornemuse et La Petite beurrière, 1751, pour la marquise de Pompadour, domaine du parc de Sceaux. Jeune garçon abreuvant son chien et La Petite bouvière, 1751, pour la marquise de Pompadour, domaine du parc de Sceaux. Garçon à la marionnette et La Fileuse, 1751, pour la marquise de Pompadour, domaine du parc de Sceaux L'Amusement de la Bergère et La Jardinière, 1751, pour la marquise de Pompadour, domaine du parc de Sceaux[29]. Le Moulin, 1751, musée du Louvre, Paris. L'Odalisque blonde, ou Mademoiselle O'Murphy (en référence à son modèle), ou Jeune Fille couchée, 1751, huile sur toile, 59 × 73 cm, Alte Pinakothek, Munich. L'Odalisque blonde ou Jeune fille couchée, 1752, huile sur toile, 59,5 × 73,5 cm, Wallraf-Richartz Museum, Cologne. L'Odalisque brune, années 1740, huile sur toile, 53,5 × 64,5 cm, musée du Louvre, Paris[30]. Le Lever du soleil et Le Coucher du soleil, 1753, pour la marquise de Pompadour, Londres, Wallace Collection. La Naissance de Vénus ou Vénus, 1754, Londres, Wallace Collection. Les Quatre Saisons, 1755, pour la marquise de Pompadour, New York, Frick Collection. Saint Jean-Baptiste au désert, Dijon, musée Magnin. Madame de Pompadour, 1756, Édimbourg, National Gallery of Scotland. La Pêche à la ligne, 1767, Grand Trianon, Versailles. Les Forges de Vulcain, 1757, musée du Louvre, Paris ; La Nymphe Callisto, séduite par Jupiter sous les traits de Diane, 1759, musée d'art Nelson-Atkins, Kansas City. L'Assomption de la Vierge, vers 1758-1760, musée des beaux-arts de Montréal. Rodogune, 1761, collection particulière[31]. Les Génies des arts, 1761, musée des beaux-arts d'Angers. L'Offrande à la villageoise, 1761, Grande-Bretagne, collection particulière[réf. nécessaire]. L'Aimable pastorale, 1761, Grande-Bretagne, collection particulière[réf. nécessaire]. La Jardinière endormie, 1762, 229 × 89 cm, Grande-Bretagne, particulière[réf. nécessaire]. La Mort de Socrate, 1762, Musée de Tessé, Le Mans. La Cage, 1763, Musée d'Art et d'Histoire Baron-Gérard, Bayeux[32]. Marie-Josèphe de Saxe, Dauphine (non datée), huile sur toile marouflée sur bois, 66,4 x 53,3 cm, Musée de la civilisation, collection du Séminaire de Québec, Québec Premier peintre du roi Louis XV en 1765 Le Départ du courrier, 1765, huile sur toile, 32,2 × 26,5 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Charmes de la vie champêtre, musée du Louvre, Paris. Annette et Lubin, Galerie nationale d'art ancien, Rome. Le Repas de chasse, esquisse, huile sur toile, 61 × 40 cm, musée du Louvre, Paris. L'Enlèvement d'Europe, 1747, musée du Louvre, Paris. Madame Adélaïde (non datée), huile sur toile marouflée sur bois, 66,4 x 53,5 cm, Musée de la civilisation, collection du Séminaire de Québec, Québec. C'est un portrait de Marie Adélaïde de France, fille de Louis XV. Madame Louise, fille de Louis XV (non datée), huile sur toile marouflée sur bois, 66,5 x 53,6 cm, Musée de la civilisation, collection du Séminaire de Québec, Québec Madame Victoire, fille de Louis XV (non datée), huile sur toile marouflée sur bois, 66,5 x 53,5 cm, Musée de la civilisation, collection du Séminaire de Québec, Québec Il a donné de nombreux cartons et modèles pour les manufactures royales de tapisserie et de porcelaine. Œuvres de François Boucher Le Peintre dans son atelier (1720), Paris, musée du Louvre. L'Amour désarmé (1730-1733), Honolulu Museum of Art. Diane sortant du bain (1742), Paris, musée du Louvre. Vénus et Amour (1742), Berlin, Gemäldegalerie. Le Retour de Diane chasseresse (1745), Paris, musée Cognacq-Jay. Un automne pastoral (1749), Londres, Wallace Collection. L'Odalisque brune (vers 1745), Paris, musée du Louvre. Madame de Pompadour (1750-1758), Édimbourg, Galerie nationale d'Écosse. L'Odalisque blonde (1751), Cologne, musée Wallraf Richartz. Le Bain de Vénus (1751), Washington, National Gallery of Art. La Toilette de Vénus (1751), New York, Metropolitan Museum of Art. Le Pont (1751), Paris, musée du Louvre. Les Forges de Vulcain (1757), Paris, musée du Louvre. Pan et Syrinx (1759), Londres, National Gallery. La Jardinière endormie (1762), collection particulière. Saint Pierre tentant de marcher sur les eaux (1766), cathédrale Saint-Louis de Versailles. Madame Bergeret (1766 ?), Washington, National Gallery of Art. Dessins, gravures et cartons de tapisserie[modifier le code] 1721 : Vignettes de l’Histoire de France depuis l’établissement de la monarchie française dans les Gaules de Gabriel Daniel[6], gravées par Baquoy[1]. 1722 : 119 des 351 planches des Figures des différents caractères de paysages et d’études dessinées d’après nature par Antoine Watteau, tirés des plus beaux cabinets de Paris (1726-1728) 1723-1727 : gravures des 130 pièces des Figures de différents caractères et les grandes planches de Watteau, pour Jullienne[6]. Juillet et novembre 1731, livraison à Jullienne des gravures des Figures chinoises de Watteau[10]. 1735 : vingt-et-un des 271 pièces de l’« œuvre gravé » d'Antoine Watteau Trente-trois de ses dessins, gravés par son ami Laurent Cars paraissent dans une édition de Molière. Avril : Gravure par Michel Aubert, de la Vénus endormie, qu’il a peinte pour le chevalier de Laroque et Natoire signalée par le Mercure de France et quatre petits morceaux représentant des jeux de femmes et d’enfants intitulés les Quatre Saisons et représentant des jeux de femmes et d’enfants. Juin gravures du recueil des Principes et études de dessin de Bloemaert[n 16]. 1736 : cartons de tapisserie pour la Manufacture de Beauvais, dont la grande pièce gravée sous le titre de la Foire de village et désignée à Beauvais sous le titre de l’Opérateur ou de la Curiosité, puis la Diseuse de Bonne Aventure, la Halte de chasse et la Pêcheuse[15]. Tête de Jeune femme en coiffe de dentelle, 1737, pierre noire et pastel. Tête d'oriental, dessin préparatoire, musée Magnin, Dijon. Musée des Beaux-Arts d'Orléans: Deux bergers assis, une vieille femme, une tête de femme ; doublé ; au verso du montage, remploi d’un décor architectural, vers 1735, pierre noire et sanguine sur papier vergé, 28,7 x 17,8 cm[33]. Groupe de cinq gentilshommes, vers 1734-1735, sanguine sur papier vergé crème, filet d’encre noire rapporté, 23,3 x 16,2 cm[34]. Étude de tête de femme tournée vers la droite, vers 1760-1770, pierre noire et estompe, rehauts de craie blanche et de pastel noir sur papier autrefois bleu ; filet d’encre noire rapporté, 25,5 x 20,5 cm[35]. Un génie ailé prie l’Abondance de verser ses trésors sur la France, vers 1748-1750, pierre noire, estompe, plume et encre brune sur papier vergé crème, filet d’encre noire rapporté, signé b.g. à la plume et encre brune : Boucher., 22,5 x 27,2 cm[36]. Beaux-Arts de Paris[37] : Deux Amours pêchant, pierre noire, rehauts de blanc sur papier bleu, H. 0,162 ; L. 0,214 m[38]. Ce dessin témoigne de la sensibilité de Boucher à l'œuvre de son maître François Lemoyne, notamment à la série des Amours jouant avec les attributs de Diane, de Mars et d'Hercule (collections particulières et Fogg Art Museum à Cambridge). Cependant, Boucher se distingue de sa facture par la représentation de ses figures aux visages pointus, où seuls les nez et les yeux sont représentés, ce type de recherche s'observe dans la Décollation de saint Jean-Baptiste du Département des Arts graphiques du musée du Louvre. Femme allongée vue de dos, dit Le Sommeil, pierre noire, sanguine et craie sur papier brun, H. 0,249 ; L. 0,425 m[39]. Ce dessin abîmé et fortement repris par la suite fut exécuté par le jeune Boucher dans les années décisives de 1720-1725. Sa familiarité avec l'œuvre de Watteau se ressent encore, Boucher avait gravé certains de ses dessins issus du premier tome des Figures de différents caractères. L'Assaut des Grecs contre Troie, pierre noire, plume et encre brune, lavis brun, quelques traces de gouache blanche, H. 0,288 ; L. 0,404 m[40]. Ce dessin porte une ancienne attribution à Sebastiano Ricci, ce qui s'explique par l'étude que Boucher fit des peintres vénitiens dans l'atelier de Lemoyne. Dans sa jeunesse il étudie également la peinture d'histoire de Charles Le Brun. Le dessin des Beaux-Arts est un témoignage des recherches de Boucher en tant qu'illustrateur de scènes historiques destinées à la publication. Il fait peut-être partie d'une série inachevée, destinée à illustrer des épisodes de la Guerre de Troie, tirés d'une version latine du récit d'Homère. Le Miracle de l'aveugle-né, plume et encre brune, lavis brun, lavis gris, lavis de sanguine et de vert sur esquisse à la sanguine, H. 0,232 ; L. 0,324 m[41]. De par sa technique, ce dessin peut être daté des années 1725-1727. Il illustre un passage de l'Évangile selon saint Jean, où Jésus dépose sur les yeux de l'aveugle son onguent. On connaît aujourd'hui huit compositions du même type que le dessin des Beaux-Arts, réparties dans différents musées et collections particulières. Parmi cette série, plusieurs feuilles traitent des épisodes de la vie du Christ, ce qui laisse supposer un projet commun destiné à des peintures ou à des estampes. La Nativité (sanguine, musée des Beaux-Arts de Budapest) en constituerait la première scène. La Naissance de Cyrus, dit aussi La Petite Chariclée confiée à un serviteur, sanguine, H. 0,238 ; L. 0,384 m[42]. Ce dessin correspond à une peinture connue en deux exemplaires, La Naissance de Méléagre (attribué à Michel-François Dandré-Bardon, musée des Beaux-Arts de Clermont-Ferrand) et Le jeune Pyrrhus (attribué à François Boucher, musée des Beaux-Arts de Rennes). L'identification de son iconographie et de son auteur pose donc problème. Cependant, l'attribution de ce dessin à Boucher est conservée, car plusieurs éléments font partie de son vocabulaire artistique dans les années précédant son départ pour Rome : silhouettes ondulantes, gestes un peu outrés et une certaine approximation de facture. Paysage avec quelques maisons, pierre noire, H. 0,222 ; L. 0,360 m[43]. On connaît peu de dessins de paysage des débuts de la carrière de Boucher. Il s'est familiarisé avec ce genre en copiant les maîtres et non en regardant la nature. Il réalisa des reproductions des paysages de Watteau dans les planches qu'il a gravées pour les Figures de différents caractères de Paysages et d'Etudes, recueil publié entre 1726 et 1728 par Jean de Jullienne. Mathias Polakovits considère le dessin des Beaux-Arts comme une étude exécutée d'après Abraham Bloemaert. Etude d'arbre, pierre noire, H. 0,399 ; L. 0,293 m[44]. Ce dessin représente un motif exécuté, soit d'après nature, soit plus vraisemblablement en atelier. Il ne semble pas préparatoire à un tableau précis, même si ce type d'arbre aux branches tordues apparaît fréquemment dans ses toiles exécutées entre 1730 et 1740. La Chute des anges rebelles, d'après Giuseppe Chiari, sanguine, H. 0,333 ; L. 0,274 m[45]. Ce dessin représente un fragment de la coupole exécutée en mosaïque par Conti d'après Giuseppe Chiari au plafond de la chapelle de la Présentation de la basilique Saint-Pierre à Rome. Il a été réalisé pendant le séjour romain de Boucher de 1728 à 1731. Un contre-épreuve à la sanguine (musée du Louvre), conservée parmi les dessins anonymes français du XVIIIe siècle, reproduit le dessin des Beaux-Arts dans le même sens et non inversé, ce qui laisse supposer une étape intermédiaire aujourd'hui perdue. Homme assis, les bras croisés, pierre noire, lavis d'encre de Chine, rehauts de craie blanche sur papier préparé beige rosé, H. 0,550 ; L. 0,378 m[46]. Ce dessin se situe dans la deuxième partie du séjour de François Boucher à Rome, dans le courant des années 1730 ou les premiers mois de 1731. La technique utilisée, rare dans son œuvre, illustre les recherches menées à Rome. Pendant son séjour Boucher réalisa plusieurs académies comme celle-ci. Hercule sur le bûcher, sanguine, H. 0,273 ; L. 0,178 m[47]. La facture de ce dessin invite à lui assigner une date antérieure à l'entrée de Boucher à l'Académie, vers 1730-1735. La manière allusive dont les doigts de la main droite et le pied gauche sont représentés est proche des dessins de jeunesse de l'artiste. Il ne correspond à aucune gravure aujourd'hui connue. Etude d'homme assis de face, sanguine, rehauts de craie blanche sur papier beige, H. 0,533 ; L. 0,383 m[48]. Ce dessin peut être daté d'environ 1735 par les arêtes saillantes des rochers sur lesquels l'homme est assis mais aussi par la technique utilisée par l'artiste. L'artiste a sans doute appliqué les principes énoncés par Charles Le Brun pour exprimer les passions, quelque cinquante ans plus tôt. L'étroite parenté entre le dessin des Beaux-Arts et la Femme portant un enfant de Charles Le Brun (Département des Arts graphiques du musée du Louvre), préparatoire au Martyre de saint Etienne, ne peut être due au hasard. Femme nue assise vue de dos et études de tête et de bras, attribué à François Boucher, sanguine avec rehauts de blanc, H. 0,263 ; L. 0,373 m[49]. L'étude de la tête de femme est à mettre en rapport avec un tableau perdu dont on connaît une estampe : Cérès endormie (E. Fessard d'après Boucher, musée du Louvre). Mais la femme assise vue de dos n'a à ce jour[Quand ?] pas été mise en relation avec une composition de Boucher. Son exécution s'accorde mal avec celle des feuilles sûres que l'on connaît pour cette période, les années 1730-1735. Projet de frontispice, pierre noire, lavis gris, repassé au stylet, H. 0,226 ; L. 0,186 m[50]. Il s'agit du projet pour un ouvrage à la gloire du prince Eugène. Une estampe reproduisant le dessin a été publiée en frontispice d'un livre paru à Londres vers 1736-1737 : The Military History of the Late Prince Eugene of Savoy. On connaît une seconde utilisation du dessin de Boucher pour la gravure de L. Lempereur Monarque des français tes vertus et ta gloire brilleront pour jamais au temple des mémoires (Bibliothèque nationale de France, Paris). L'un des médaillons présente le portrait de Louis XV et l'autre les armes de France. Projet d'un frontispice : groupe d'enfants autour d'une draperie, pierre noire, plume, encre brune et lavis brun, H. 0,278 ; L. 0,193 m[51]. Ce dessin correspond à une estampe de Pierre Aveline, reproduite dans le catalogue de P. Jean-Richard. Il s'agit du frontispice du Premier Livre de Groupes d'Enfans par F. Boucher, Peintre du Roi. Ce dessin est daté entre 1735 et 1740. Rocaille, pierre noire sur papier brun, H. 0,491 ; L. 0,248 m[52]. Ce dessin est préparatoire à l'eau-forte exécutée par Claude Duflos le jeune et porte le titre emblématique pour le Rococo de Rocaille. Cette gravure fait partie d'une série de six planches proposant de Nouveaux Morceaux pour des paravants [sic], et exécutées pour l'une d'entre elles par Cochin fils et cinq autres par Claude Duflos. Le titre de la suite fut terminé au mois de février 1737. Le dessin des Beaux-Arts présente une collection de coquilles, de branches de corail posées sur un piédestal, une fontaine et une pyramide, entourées d'un palmier et d'un pin parasol qui donnent à la composition une autre dimension. Ces éléments associent le monde du collectionneur à un univers imaginaire constitué de la Rome antique et baroque. Etude d'homme allongé, un coude appuyé sur le sol, pierre noire et estompe, lavis d'encre de Chine, rehauts de blanc, quelques traces de sanguine, sur papier beige, H. 0,405 ; L. 0,528 m[53]. Cette académie fait partie de celles fournies par Boucher à ses élèves quand il occupait le poste de professeur à l'Académie royale de peinture et de sculpture. Elle date de 1739 et présente quelques similitudes avec des figures peintes dans des tableaux mythologiques contemporains, notamment la figure de Mercure dans l'Education de l'Amour (County Museum of Art à Los Angeles). Nessus agonisant donnant sa tunique empoisonnée à Déjanire, pierre noire avec rehauts de blanc, H. 0,297 ; L. 0,363 m[54]. Cette feuille est à rapprocher d'un groupe de dessins relatifs à des dessus-de-porte de l'hôtel Mazarin et acquis ultérieurement par le compte de Tessin, grand admirateur de Boucher. La duchesse de Mazarin a habité cet hôtel entre 1736 et 1742, la date des travaux est donc certaine. Paysage avec pigeonnier, pierre noire, H. 0,166 ; L. 0,223 m[55]. Ce paysage a été reproduit par Pierre-François Basan dans une estampe sans titre, dont on ne connaît pas la date de publication. L'estampe se présente dans le sens inverse du dessin, ce qui suggère que le dessin soit une étude préparatoire. Il est sans doute daté autour de 1740, courte période où Boucher réalise des paysages basés sur l'exactitude de son observation en s'abstenant de volubilité décorative. Diane endormie, sanguine et rehauts de craie sur papier brunâtre, H. 0,232 ; L. 0,378 m[56]. Ce dessin ne semble pas avoir servi de préparation à un tableau, ni de modèle à une gravure. Malgré tout, on peut le dater autour de 1740. C'est durant cette période que Boucher a le plus fréquemment choisi des sujets en rapport avec l'histoire de Diane tel que Diane sortant du bain (musée du Louvre). Décor de théâtre pour une salle du trône, attribué à François Boucher, sanguine brûlée, H. 0,207 ; L. 0,240 m[57]. Au verso : variante du même motif à la sanguine brûlée. Ce dessin représente la partie centrale d'une salle de trône conçue pour un décor de théâtre. L'attribution de sa conception à Boucher se trouve confirmée dans l'activité du Premier peintre du roi comme décorateur de représentations d'opéras entre 1737 et 1766. Homme endormi, tête appuyée sur les mains, pierre noire, craie sur papier brun clair, H. 0,167 ; L. 0,245 m[58]. On peut mettre ce dessin en rapport avec Un triton (dessin, The Art Institute of Chicago) et le tableau Le Lever du soleil (Wallace Collection, Londres). Mais il est difficile de savoir à quel objet répond l'œuvre des Beaux-Arts. Il s'agit sans doute d'une étude non aboutie, que Boucher décida de ne pas réutiliser dans une peinture. Tête d'homme de profil, sanguine et quelques traits de craie sur papier brun clair, H. 0,194 ; L. 0,194 m[59]. Ce dessin ressemble, mais inversé, à un autre dessin de Boucher, Triton (collection particulière, New York). Ce Triton est une étude pour la figure faisant office de palefrenier dans Le Coucher du Soleil de 1753 (Wallace Collection, Londres). Il est possible que le dessin des Beaux-Arts soit un objet destiné à la vente, pour répondre à la demande pressante des collectionneurs de dessins au XVIIIe siècle. L'usage de la sanguine et de la craie produit un résultat d'une séduction plus immédiate qu'une étude à la pierre noire, ce qui renforce cette présomption. Projet pour un frontispice : allégorie de l'amitié, sanguine et lavis brun, H. 0,260 ; L. 0,151 m[60]. Ce dessin est à rapprocher d'autres études où l'artiste n'a recours qu'au lavis brun sur une légère esquisse à la pierre noire ou à la sanguine. Elles sont le plus souvent à mettre en relation avec des frontispices gravés, comme c'est le cas de l'Esquisse d'un tombeau conservée à l'Albertina à Vienne, préparatoire pour la version gravée par François-Philippe Charpentier. Le dessin des Beaux-Arts est vraisemblablement préparatoire pour une estampe inconnue à ce jour[Quand ?]. On peut le rapprocher par le thème et certaines similitudes stylistiques de la gravure de Gilles Demarteau Autel de l'Amitié (musée du Louvre). Tête de vieillard, le profil à droite, sanguine, H. 0,440 ; L. 0,306 m[61]. Ce dessin est à mettre en rapport avec un tableau signé et daté de 1765, La Halte ou Le Départ pour le marché (Museum of Fine Arts, Boston). Il correspond à la tête du vieux paysan qui sert les paniers contre son corps à gauche de la composition. Il pourrait s'agir ici d'une œuvre exécutée d'après le tableau et destinée à la vente, plutôt qu'une étude préparatoire. Gilles Demarteau a tiré de cette tête d'homme âgé une estampe en manière de sanguine (Bibliothèque nationale de France, Paris). Homme drapé, pieds nus, devant un groupe de personnages d'après Diogène et son écuelle par Salvator Rosa, sanguine brûlée, H. 0,279 ; L. 0,198 m[62]. L'artiste s'inspire de la célèbre composition de Salvator Rosa, Diogène et son écuelle (Statens Museum for Kunst, Copenhague) qu'il a peut-être observée lors de son séjour en Italie. Mais il est plus vraisemblable que l'estampe gravée à l'eau-forte entre 1661 et 1662 lui ait servi de modèle (Victoria and Albert Museum, Londres). Deux têtes d'hommes, pierre noire et craie sur papier autrefois bleu, H. 0,225 ; L. 0,263 m[63]. Cette étude de deux têtes d'hommes doit être mise en relation avec l'un des rares tableaux d'église peints par Boucher, le Saint Pierre tentant de marcher sur les eaux (1766, cathédrale de Versailles). Projet de candélabre, pierre noire, lavis d'encre de Chine et rehauts de craie blanche sur papier préparé bleu. H. 0,314 ; L. 0,196 m[64]. Beaux-Arts de Paris. Ce groupe de statues féminines soutenant des brûle-parfums reflète bien l'art dansant de Boucher. Le canon élancé des figures, les visages à peine esquissés et les drapés saisis dans le mouvement sont caractéristiques de l'artiste[65]. Notes et références[modifier le code] Notes[modifier le code] ↑ Mais trouvait encore le temps de travailler dix heures par jour à des représentations idylliques et voluptueuses de thèmes classiques, mythologiques et érotiques, d’allégories décoratives et de scènes pastorales. ↑ Contrairement à ses autres œuvres plus abordables, ses toiles s'adressent à la clientèle de la haute société : elles décorent des propriétés royales (Versailles, Fontainebleau, Meudon, Choisy), des résidences de Madame de Pompadour (châteaux de Bellevue et de Crécy), des hôtels particuliers de Paris et dans ses environs, commandés par l'aristocratie et la grande bourgeoisie. Il réduit ses pastorales et ses peintures d'histoire à sujet galant au format de la peinture décorative adaptée à ces demeures dans lesquelles « les boudoirs et petits appartements de dimensions modestes ont remplacé les grands salons baroques du siècle de Louis XIV. La peinture de grand format et les immenses tapisseries n'ont plus leur place dans ce décor de lambris, de glaces et de rocaille. La décoration peinte, reléguée dans les trumeaux et les dessus-de-porte, s'accommode fort bien des sujets légers tirés d'une mythologie polissonne ». Cf Claudette Hould, « Le siècle de Boucher », Vie des arts, vol. 30, no 122,‎ mars–printemps 1986, p. 41. ↑ Deux de ses premiers tableaux, la Naissance et la Mort d’Adonis, gravés par Aubert et Scotin, se ressentent directement de l’influence de son premier maître. ↑ Un dessin de Boucher, conservé au musée de Francfort et représentant le jeune violoniste de la tapisserie de Beauvais, la Musique, et de l’écran du Louvre, se rapproche tellement de la manière de Watteau qu’il avait été catalogué au nom de ce maître. ↑ Marie-Jeanne Buseau, 17 ans, fille de Jean-Baptiste Buseau, bourgeois de Paris, et de Marie-Anne de Sédeville, demeurant rue l’Évêque, paroisse Saint-Roch. Boucher habitait alors rue Saint-Thomas-du-Louvre, sur la paroisse de Saint-Germain-l’Auxerrois, et ses parents rue des Foureurs, paroisse Sainte-Opportune. ↑ Une fille, Jeanne-Élisabeth Victoire, baptisée le 24 mars 1735 ; un fils, Juste-Nathan, baptisé le 4 mai 1736 et une seconde fille, Marie-Émilie, née le 27 avril 1740. ↑ Dont une grande miniature sur parchemin de l’Entrée de Psyché dans son palais, d’après le tableau de Boucher exposé au Salon de 1739 et exécuté en tapisserie à Beauvais. ↑ Aimant les arts, elle occupe le premier rang des graveurs-amateurs du XVIIIe siècle grâce à ses deux professeurs Boucher et Cochin dont on décèle souvent la main dans les 52 œuvres gravées de la marquise qui n'aurait fait que mettre son nom sur elles. Selon le biographe du peintre Georges Brunel, « il est certain que Boucher se prêtait à d'innocentes supercheries capables d'augmenter la réputation de la marquise comme graveur ; le cas est flagrant avec l'estampe représentant une scène de Rodogune. D'après la lettre de cette gravure, le dessin serait de Boucher ; il aurait été gravé à l'eau-forte par Mme de Pompadour et retouché par Cochin ». Cf Georges Brunel, Boucher, Flammarion, 1986, p. 248 ↑ Histoire de Sylvie, 1755-1758, Banque de France et musée des beaux-arts de Tours. ↑ Stockholm, National Museum. ↑ Acajou et Zirphile est édité en 1744. On peut lire sur Internet une analyse d’Acajou et Zirphile par Pierre Berthiaume : « Les malheurs de Zirphile ou les prospérités de la vertu ». ↑ 1747, Louvre. ↑ 1739, Louvre. ↑ vers 1740, musée de l'Ermitage. ↑ 1751, Louvre. ↑ . Deux eaux-fortes du recueil sont de la main de la Marie-Jeanne Boucher et signées par elle. Références[modifier le code] ↑ a b c d e f g et h Emmanuel Bénézit, Dictionnaire critique et documentaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs de tous les temps et de tous les pays, Paris, Roger et Chernoviz, 1911, 1056 p., p. 698-9. ↑ Françoise Joulie ; Jean-François Méjanès, François Boucher : hier et aujourd’hui : musée du Louvre, 17 octobre 2003-19 janvier 2004, Paris, Réunion des musées nationaux, 2003, 159 p. (ISBN 978-2-71184-587-3), p. 11. ↑ a b et c Fenaille 1925, p. 27. ↑ Claudette Hould, « Le siècle de Boucher », Vie des arts, vol. 30, no 122,‎ mars–printemps 1986, p. 41 ↑ Pierrette Jean-Richard, L’Œuvre gravé de François Boucher dans la Collection Edmond de Rothschild, Paris, Éditions des musées nationaux, 1978, 435 p. (ISBN 978-2-71180-079-7), p. 15. ↑ a b c d e et f Fenaille 1925, p. 28. ↑ Vincent Pomarède, 1001 peintures au Louvre : De l’Antiquité au XIXe siècle, Paris/Milan, Musée du Louvre Editions, 2005, 356 p. (ISBN 2-35031-032-9), p. 156. ↑ a b c d et e Fenaille 1925, p. 31. ↑ Correspondance des directeurs de l’Académie de France à Rome. ↑ a b et c Fenaille 1925, p. 35. ↑ Exposé au Salon de 1761. ↑ Augustin Jal, Dictionnaire critique de biographie et d’histoire : errata et supplément pour tous les dictionnaires historiques, Paris, Henri Plon, 1872, 1357 p., p. 256. ↑ a et b Fenaille 1925, p. 40. ↑ Fenaille 1925, p. 39. ↑ a b et c Fenaille 1925, p. 41. ↑ Sarah Maza, Vies privées, affaires publiques : les causes célèbres de la France prérévolutionnaire, Paris, Arthème Fayard, 1997, 384 p. (ISBN 978-2-213-65237-5) lire en ligne. ↑ Philippe Bousquet, « Les pendants de Boucher : mythologie et allégorie », sur artifexinopere.com, 15 octobre 2019 (consulté le 6 mars 2020). ↑ Philippe Bousquet, « Les pendants de Boucher : pastorales », sur artifexinopere.com, 26 février 2020 (consulté le 6 mars 2020). ↑ Cat, Une des provinces du rococo, la Chine rêvée de François Boucher, Musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon,du 8 novembre 2019 au 2 mars 2020, 288 pages, Paris, In Fine éditions d'art, 2020. ↑ Denis Diderot, Essai sur la peinture, Salons de 1759, 1761, 1763, Paris, Hermann, 1984, p. 119-120. ↑ Étienne-Jean Delécluze, Louis David, son école et son temps, Paris, Didier, 1855, p. 103. ↑ Étienne Jean Miette de Villars, Mémoires de David, peintre et député à la Convention, Paris, 1850, p. 52. ↑ Hivert et Réveil, Galerie des Arts et de l'Histoire, Paris, 1836, p. 109. ↑ Alfred Sensier, La Vie et l'œuvre de J.-F. Millet, A. 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Le Trait et l’Ombre, Orléans, musée des Beaux-Arts, 2022 (ISBN 9 788836 651320), n°47 ↑ Sous la direction d'Emmanuelle Brugerolles, François Boucher et l'art rocaille dans les collections de l'école des beaux-arts, Ecole nationale supérieure des beaux-arts, 2003-2006. ↑ « Deux amours pêchant, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « Le Sommeil, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « L'Assaut des Grecs contre Troie, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « Le Miracle de l'aveugle-né, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « La Naissance de Cyrus, dit aussi La Petite Chariclée confiée à un serviteur, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « Paysage avec quelques maisons, François Boucher », sur Cat'zArts. ↑ « Etude d'arbre, François Bouc

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Le mouvement national tunisien désigne, dans sa globalité, le mouvement sociopolitique né au début du XXe siècle, qui mène la lutte contre le protectorat français de Tunisie pour obtenir finalement l'indépendance du pays le 20 mars 1956. Inspiré de l'idéologie des Jeunes-Turcs et par des expériences réformistes menées en Tunisie dans la deuxième moitié du XIXe siècle, le rassemblement de notables traditionalistes — avocats, médecins ou journalistes — cède peu à peu sa place à une organisation politique de mieux en mieux structurée par les nouvelles élites formées en France et capable de mobiliser ses partisans pour affronter, si le besoin s'en fait sentir, les autorités du protectorat, afin de faire avancer ses revendications auprès du gouvernement français. La stratégie adoptée par le mouvement alternera entre négociations et affrontements armés, au gré des événements touchant le bassin méditerranéen dans la première moitié du XXe siècle. L'appui fourni au mouvement politique par les puissants syndicats ouvriers ou les mouvements féministes, dans le contexte d'un renouveau de la culture tunisienne, sur le plan intellectuel ou musical, contribue à l'affirmation de l'identité nationale qui sera renforcée par les systèmes politiques et éducatifs après l'indépendance. Ainsi le mouvement national fut-il un ensemble composé de groupes très divers mais unis car il était le fait de forces sociales montantes à partir des années 1930 : petite bourgeoisie engagée dans l'économie capitaliste, nouvelles élites « occidentalisées » et classe ouvrière organisée et donc sensible aux revendications sociales[1]. Contexte[modifier le code] Article détaillé : Protectorat français de Tunisie. Difficultés économiques[modifier le code] Les difficultés économiques et financières du royaume beylical de Tunis, initiées par la baisse du produit de la course en Méditerranée, s'accroissent avec les dépenses que le gouvernement engage dans la modernisation d'une armée forte d'à peine 5 000 hommes[2]. De plus, une volonté de prestige lance une série de travaux somptuaires, notamment avec un palais de style versaillais, le palais de la Mohamedia, qui doivent toutefois être interrompus faute de moyens suffisants[2]. Face à l'accumulation de dépenses et à un système de prélèvement inefficace, le gouvernement a recours à de nouvelles charges fiscales et à l'emprunt auprès de banques étrangères, ce qui conduit à une insurrection finalement matée en 1864[3]. Par ailleurs, des détournements de fonds sont opérés par les ministres beylicaux, dont Mustapha Khaznadar, et les sécheresses de 1866 à 1868 provoquent disettes et épidémies de choléra[4]. Malgré la hausse des impôts[5], la situation économique est aggravée par des interférences étrangères[6], ce qui conduit le gouvernement à déclarer la banqueroute en 1869. Après la conclusion d'un nouvel emprunt de 30 millions de francs-or, une commission financière internationale est mise en place par les Français avec des Britanniques et des Italiens[7]. C'est l'occasion pour les trois grandes puissances européennes de s'immiscer dans le pays[8], car la régence apparaît vite comme un enjeu stratégique de première importance, de par la situation géographique, à la charnière des bassins occidental et oriental de la Méditerranée. La Tunisie fait l'objet de convoitises rivales de la France et de l'Italie. La première souhaite sécuriser les frontières de l'Algérie française et éviter que la seconde ne contrarie ses ambitions en Égypte et au Levant, en contrôlant l'accès à la Méditerranée orientale. La seconde, confrontée à la surpopulation, rêve d'une politique d'expansion coloniale et le territoire tunisien, où la minorité européenne est alors constituée essentiellement d'Italiens, est un objectif prioritaire. Les consuls français Théodore Roustan et italien Licurgo Maccio tentent donc de profiter des difficultés financières du bey, la France comptant sur la neutralité de l'Angleterre — peu désireuse de voir l'Italie prendre le contrôle de la route du canal de Suez — et bénéficiant des calculs de Bismarck qui souhaite la détourner de la question de l'Alsace-Lorraine. Après le congrès de Berlin, tenu du 13 juin au 13 juillet 1878, l'Allemagne et l'Angleterre permettent l'annexion de la Tunisie par la France[6],[9] au détriment de l'Italie qui voyait ce pays comme son domaine réservé[10]. Instauration du protectorat[modifier le code] Article détaillé : Conquête de la Tunisie par la France. Les 30 et 31 mars 1881, 400 à 500 membres de la tribu nomade des Kroumirs attaquent à deux reprises la tribu des Ouled Nahed en territoire algérien[11] mais se voient repoussés par les troupes françaises ; les combats font quatre morts parmi les soldats[12]. Bien que deux mois auparavant, il refusait encore toute intervention en Tunisie[13], le président du Conseil Jules Ferry décide d'intervenir et obtient le 7 avril du Parlement un crédit de 5,7 millions de francs pour réprimer les Kroumirs[14]. Le 24 avril, le ministre de la Guerre donne l'ordre au général Forgemol de Bostquénard d'envahir la Kroumirie et d'occuper la région du Kef[15]. Les troupes françaises débarquent le 1er mai à Bizerte sans résistance majeure et parviennent à atteindre Tunis[6] en trois semaines sans combattre[16]. Le protectorat est finalement officialisé le 12 mai 1881 lorsque Sadok Bey, menacé d'être destitué et remplacé par son frère Taïeb Bey[17],[18], et le général Jules Aimé Bréart signent le traité du Bardo au palais de Ksar Saïd[19]. La France est appelée à contrôler la sécurité et la politique étrangère du pays « jusqu'à ce que les autorités militaires française et tunisienne auront reconnu, d'un commun accord, que l'administration locale est en état de garantir le maintien de l'ordre » selon les termes de l'article 2 du traité. Ce qui n'empêche pas, quelques mois plus tard, les troupes françaises de faire face à des révoltes. Le 27 juin, la ville de Sfax se soulève et chasse les autorités beylicales et les Européens. Les insurgés sont bientôt rejoints par Ali Ben Khlifa qui prend la tête de l'insurrection[20]. Tout le pays se soulève. Dans le Nord, Ali Ben Ammar, chef des Ouled Ayar, réunit les combattants pour harceler les positions françaises[21]. Les 22 000 soldats français encore en Tunisie sont impuissants à mater la rébellion. Seule la marine dispose encore d'une force de frappe suffisante[22]. Sfax est bombardée et prise le 16 juillet[23] alors que des villes comme Gabès[24] et Kairouan sont prises dans les mois qui suivent[25]. Il faudra toutefois une dizaine d'années d'efforts pour occuper et pacifier complètement le pays[26]. Les conventions de La Marsa signées le 8 juin 1883 par Ali III Bey et Paul Cambon officialisent et renforcent le régime du protectorat en accordant à la France le droit d'intervenir dans la politique étrangère et de défense ainsi que dans les affaires internes de la Tunisie[27],[28] : le pays conserve son gouvernement et son administration, désormais placée sous le contrôle d'un secrétaire général[29], les différents services administratifs étant dirigés par de hauts fonctionnaires français et un résident général gardant la haute main sur le gouvernement. La France représente dès lors la Tunisie sur la scène internationale et ne tarde pas à abuser de ses droits et prérogatives de protecteur pour administrer directement et exploiter le pays comme une colonie, en contraignant le bey à abandonner la quasi-totalité de ses pouvoirs au profit du résident général[30]. Mouvement politique en transformation[modifier le code] Jeunes Tunisiens[modifier le code] Article détaillé : Jeunes Tunisiens. Premiers rassemblements[modifier le code] Article détaillé : Manifestation de 1885 (Tunisie). Le développement économique du protectorat entraîne la formation d'une bourgeoisie qui se sent écartée de la vie politique et publique tunisienne[31]. Dans ce contexte, la Tunisie est, en raison de son positionnement géographique, plus exposée que les autres régions du Maghreb aux influences orientales et donc au réformisme musulman[31] : la Tunisie est ainsi le premier État du monde arabe influencé par le nationalisme moderne[32] et la lutte contre l'occupation française y commence dès le début du XXe siècle. Une active propagande anti-colonialiste est menée depuis Constantinople par plusieurs Tunisiens en exil dont les oulémas zitouniens Ismaïl Sfayhi et Salah Chérif[33]. De plus, cette occupation, ayant davantage rapproché l'élite tunisienne de l'Europe, encourage les volontés de concilier la religion musulmane avec les idées modernes[34]. Des premières associations des années 1890 nées dans les cercles culturels[34] découlent le mouvement réformiste et intellectuel des Jeunes Tunisiens, lancé en 1907[35] par Béchir Sfar, l'avocat Ali Bach Hamba et Abdeljelil Zaouche, et dont le slogan est « progrès, développement de l'existence, droit politique »[31]. Il puise ses principes dans l'action réformatrice apparue en Tunisie durant la seconde moitié du XIXe siècle, notamment au travers des initiatives entreprises par le général Kheireddine Pacha, et s'inspire directement du mouvement des Jeunes-Turcs né durant la même période, dont il tient certaines idées panislamiste et panarabe[31],[36]. Les Jeunes Tunisiens militent pour la réhabilitation de l'identité tunisienne[26], par la sauvegarde de son héritage culturel arabo-musulman, et la préservation de la personnalité de l'État tunisien, sans toutefois remettre en cause le protectorat[37]. Le mouvement regroupe essentiellement les membres de la classe moyenne de Tunis[32] formés en France. Pour cette petite bourgeoisie moderne, semblant s'intéresser aux événements des mouvements nationaux dans le monde musulman[31], la culture tunisienne est le premier argument pour mettre en exergue l'originalité du pays et son rattachement aux valeurs musulmanes qui sont progressivement retranscrites dans les journaux et revues[31] : meilleure éducation, mixité des cultures arabe et française et possibilité pour les Tunisiens d'exercer des responsabilités gouvernementales[32]. Zaouche et Bach Hamba fondent en 1907 l'hebdomadaire Le Tunisien[31] — d'abord en français puis dans une version arabe deux ans plus tard — qui revendique l'égalité en matière d'instruction, de salaires, d'accession à l'enseignement supérieur mais aussi des mesures susceptibles d'assurer la protection des fellahs et des artisans[37]. Dans le même temps, Zaouche établit un programme portant sur trois secteurs vitaux, l'enseignement, la justice et la fiscalité, qu'il défend âprement au sein de la Conférence consultative tunisienne à partir de février 1907. Confrontations en chaîne[modifier le code] Cependant les relations entre les nationalistes tunisiens et la résidence générale se détériorent rapidement[38]. Malgré la censure, l'opinion publique reste sensible à la cause musulmane, grâce aux médersas privées qui se développent sous l'impulsion d'Abdelaziz Thâalbi, tout en restant attentive aux idées nationalistes[38]. En outre, à la veille de la Première Guerre mondiale, la conquête par l'Italie des territoires de la Tripolitaine et de la Cyrénaïque voisines suscite quelques troubles[38]. Ainsi, la première confrontation avec les autorités du protectorat survient lors de l'affaire du Djellaz[29] : la municipalité de Tunis décide en septembre 1911 d'immatriculer le cimetière du Djellaz, ce qui provoque l'hostilité de la population locale. À la suite d'une rumeur de profanation du cimetière, une émeute éclate le 7 novembre[38]. Le bilan de la répression après deux jours de manifestations est de onze morts dont sept policiers et l'assassinat de plusieurs Européens dans le quartier italien[39]. En juin 1912, le tribunal criminel de Tunis juge 71 émeutiers et en condamne 35 dont sept à la peine de mort[38]. Mais la situation ne se calme pas pour autant : la mort accidentelle d'un enfant tunisien, tué par un tramway conduit par un wattman italien de la Compagnie des tramways de Tunis, le 9 février 1912, avait fait monter les tensions autour de la position jugée privilégiée des chauffeurs italiens au sein de la société[38],[40]. Cela entraîne un boycott[30] non-violent du réseau jusqu'en mars de la même année[38], action d'une ampleur exceptionnelle plusieurs années avant que le mahatma Gandhi n'utilise cette forme de résistance. Victor de Carnières, le propriétaire du journal Le Colon français et figure majeure des Français de Tunisie, accuse Zaouche, alors conseiller municipal de Tunis, d'être le principal instigateur de ces événements. Ce dernier porte donc plainte contre De Carnières pour diffamation et fait appel à Me Vincent de Moro-Giafferri ; il est débouté à l'issue du procès tenu à Tunis en octobre 1912 mais remporte l'appel tenu à Alger le 26 juin 1913. C'est tout le mouvement qui est en fait remis en cause et ces procès marquent la transformation progressive des intellectuels en militants agissant au travers de mouvements de rue[41]. Première Guerre mondiale[modifier le code] Article détaillé : Histoire de la Tunisie pendant la Première Guerre mondiale. Le résident général Gabriel Alapetite fait exiler en France et en Algérie, le 13 mars 1912, quatre dirigeants du mouvement des Jeunes Tunisiens (Ali Bach Hamba, Abdelaziz Thâalbi, Mohamed Noomane et Hassen Guellaty) alors que trois autres sont internés dans le Sud (Chedly Dargouth et Sadok Zmerli) et dans la prison du palais du Bardo (Mokhtar Kahia)[42]. En effet, Bach Hamba est tenu pour responsable des rixes entre Italiens et musulmans, ce qui fait dire à Jean Gout, qui donne son analyse de ces troubles, que « l'opinion française [ne doit pas] s'endormir sur l'idée trop répandue que l'influence française en Tunisie n'a plus aucun risque à courir »[43]. L'état de siège, proclamé en 1911 et étendu en 1914 ne sera levé qu'en 1921[43]. Durant cette période, la presse anticolonialiste est interdite[44] et une longue répression marque la vie politique[7] : l'activité des Jeunes Tunisiens est donc mise en sommeil[43]. Michel Camau et Vincent Geisser estiment que l'impact des Jeunes Tunisiens est resté relatif : « Ils ont cherché non pas à renverser le pouvoir colonial mais plutôt à le réformer. Certains se considéraient même solidaires des Français dans leur lutte pour moderniser les pratiques et les institutions traditionnelles. Avant tout d'ordre intellectuel, ce mouvement ne fut jamais un porte-parole des masses[32]. » Durant la Première Guerre mondiale, le Sud tunisien, pourtant pacifié en 1895, devient une zone de combats en raison des difficultés auxquels font face les Italiens pour apaiser les révoltes en Tripolitaine et en Cyrénaïque[43]. Les populations insurgées vont même jusqu'à déclarer la guerre à la France, entraînant avec eux une partie des nomades du Sud tunisien, ce qui pousse les autorités françaises à envoyer des troupes dans la région pour tenir les frontières[43]. Après une courte trêve, des incursions sans conséquence reprennent en 1916 alors qu'en 1917-1918, l'action militaire se porte sur quelques attaques de postes et de convois[43]. Le bilan des pertes des forces françaises et tunisiennes durant ces événements a été de 784 hommes[45]. En dehors de ces troubles, la Tunisie reste comme le Maroc assez calme dans ce conflit[43]. C'est alors que le programme en quatorze points de Wilson redonne un souffle au mouvement nationaliste[46], notamment au travers du droit des peuples à disposer d'eux-mêmes[43]. Fondation d'un parti : le Destour[modifier le code] Article détaillé : Destour. Liste de revendications[modifier le code] Dès la fin de la Première Guerre mondiale, le résident général Étienne Flandin prépare un projet pour relancer la colonisation des terres considérées comme improductives, habous compris, allant à l'encontre des revendications des notables et des chefs des confréries religieuses[46]. Cette affaire rapproche les Jeunes Tunisiens des Vieux Turbans[47], la catégorie des plus de quarante ans de la bourgeoisie musulmane fortement attachés à l'islam[48]. En fait, la direction de l'agriculture travaillait sur un décret, destiné à se donner le droit d'aménager les terres, tant des Européens que des Tunisiens, négligées par leurs propriétaires[47]. De plus, l'instauration du « tiers-colonial » — majoration d'un tiers des salaires des seuls fonctionnaires français accroissant les inégalités — conduit une nouvelle génération organisée autour d'Abdelaziz Thâalbi à passer du réformisme culturel au réformisme politique[46] et à préparer la naissance d'un véritable parti politique[30]. Analysant la situation, Jean Gout y voit un « développement inéluctable et constant des tendances nationalistes dans les colonies anglaises et françaises. La principale raison réside dans la formation d'une élite ayant reçu les rudiments de la culture européenne et avide de jouer un rôle. Comment jouerait-elle ce rôle, sinon en se servant du nationalisme ? »[43]. En avril 1919, les Jeunes Tunisiens envoient un rapport adressé au président des États-Unis Woodrow Wilson pour dénoncer la situation du pays et les abus du colonisateur français[49] mais aussi lister les mesures qu'impliquerait l'application de ses quatorze points[50]. Sous l'influence des principes énoncés dans ces quatorze points, Thâalbi réclame la restauration d'un État indépendant et doté de structures modernes par une constitution[46] créant notamment un conseil législatif, devant lequel le bey serait responsable, et des assemblées locales[36]. En juillet 1919, il participe à une délégation envoyée à Paris dans le but de défendre ce point de vue, établir des contacts avec des nationalistes arabes exilés et faire connaître ces revendications aux milieux gouvernementaux et parlementaires français[49]. Il édite dans le même temps un pamphlet[34], La Tunisie martyre, véritable réquisitoire où il expose sa doctrine[36], accusant le pouvoir colonial de violer ses propres déclarations et principes de gouvernement[51]. Celui-ci connaît un accueil enthousiaste dans le pays[46] et se voit saisi puis interdit, quelques jours seulement après sa parution, par les services du gouvernement français. En 1919, les Jeunes Tunisiens prennent le nom de Parti tunisien et, le 6 juin 1920[52], celui de Parti libéral constitutionnel, plus connu sous le nom de Destour[47]. Au travers de ses membres, essentiellement issus de la bourgeoisie citadine urbaine[32], il contribue largement à la relance du mouvement nationaliste[29] et à l'éveil de la conscience nationale même s'il ne conteste pas encore le protectorat. Toutefois, contrairement à la plate-forme biculturelle des Jeunes Tunisiens, le parti insiste davantage sur l'importance de l'islam et de la culture arabe[32]. Le 15 juin 1920, le parti du Destour expose un programme en neuf points qui demande la création d'une assemblée composée de Tunisiens et de Français élus au suffrage universel, un gouvernement responsable devant l'assemblée, la séparation absolue des pouvoirs législatif, exécutif et judiciaire, l'organisation de municipalités élues, l'instruction publique obligatoire, la participation des Tunisiens à l'achat des lots agricoles et l'accès des Tunisiens aux postes administratifs avec l'égalité salariale des fonctionnaires. Les libertés de la presse, de réunion et d'association sont également réclamées[53]. Le 18 juin, une délégation de trente nationalistes se présente au palais beylical de La Marsa et, avec l'appui du prince Moncef Bey, parvient à rencontrer Naceur Bey[54] qui leur déclare « qu'il souscrivait à leur engagement patriotique et qu'ils pouvaient le considérer comme un des leurs ». Dans le même temps, une délégation de nationalistes se rend à Paris pour défendre sans succès leurs revendications auprès des instances gouvernementales — dont le président du Sénat et celui de la Chambre des députés[47] — et de la presse françaises. Par cet acte, le jeune parti entre en conflit avec le régime du protectorat[41] bien que l'un des buts recherchés soit la rédaction d'une constitution qui resterait dans le cadre du protectorat[47] dont il « demandait une saine application ». Le 28 juillet, Thâalbi est arrêté à Paris, accusé de complot contre la sûreté de l'État et incarcéré à Tunis. Le 22 décembre, une deuxième délégation présidée par Tahar Ben Ammar est reçue par le président du Conseil Georges Leygues et le principe d'une constitution retenue d'un commun accord. En 1921, la situation tend à s'améliorer : la résidence générale désormais dirigée par Lucien Saint s'engage à apporter des solutions à des problèmes comme la séparation des pouvoirs administratifs et judiciaires, la répartition équitable des lotissements de l'État et le principe de l'élection comme l'entendent les nationalistes[47] mais relativise les promesses de Leygues. Le 10 mai, Abdelaziz Thâalbi est libéré et participe, le 29 mai, à la première assemblée du Destour. Dès l'automne, le parti cherche à créer des cellules à travers le pays pendant que la presse arabophone — destourienne et communiste — se diffuse en province[55]. Cependant, en avril 1921, le Destour est déchiré par une crise politique interne. Hassen Guellaty et Sadok Zmerli reprochent aux autres dirigeants de s'accrocher à des demandes irréalisables ; ils s'en vont pour créer le Parti réformiste destourien[56]. Pour faire avancer la cause, Naceur Bey annonce, le 3 avril 1922, sa volonté d'abdiquer si le programme nationaliste n'est pas adopté sous 48 heures. Les autorités du protectorat s'arrangent pour le faire renoncer à ce projet[57]. Le 5 avril, le résident général Lucien Saint convainc le bey de ne pas abdiquer[58], de désavouer le Destour et d'affirmer que son intention d'abdiquer n'était pas sincère[58]. Le 11 juillet, trois jours après la mort de Naceur Bey, les réformes élaborées sous sa régence sont signées : elles mettent en place des assemblées dans lesquelles les Tunisiens sont représentés mais en moins grand nombre que les Français et avec plus de délégués désignés par l'administration que d'élus[58]. Les premières grèves ont lieu durant l'hiver 1924 à l'instigation d'ouvriers d'une cimenterie, de journaliers agricoles et de dockers[59]. Cette même année, les nationalistes tentent de faire échec à une nouvelle loi qui veut faciliter la naturalisation des Tunisiens mais leur campagne de télégrammes et de pétitions échoue et le texte est ratifié par le bey[60]. Les destouriens comptent alors 45 000 adhérents[59] et sont majoritairement recrutés parmi les notables pour les dirigeants et les artisans, les commerçants, les agriculteurs et les petits propriétaires[59]. Le mouvement est dominé par les figures d'Ahmed Essafi et Salah Farhat[61] après l'exil de Thâalbi en 1923[62]. Nouvelle impulsion[modifier le code] À la suite des grèves de l'hiver 1924-1925, Mohamed Ali El Hammi fonde en janvier 1925 la Confédération générale des travailleurs tunisiens (CGTT)[63], premier syndicat autonome de l'empire colonial français[64] qui appuie le Destour[65]. Plus tard dans l'année, le syndicat rompt ses relations avec le Parti communiste tunisien (PCT)[58] fondé le 18 décembre 1921 au congrès de La Goulette[66]. Les autorités coloniales réagissent aux mouvements de grève en arrêtant les dirigeants communistes et CGTT dans ce qui devient le « complot destouro-communiste ». Les avocats du Destour (Ahmed Essafi, Salah Farhat et Taïeb Jemaïl) défendent les dirigeants du syndicat tunisien lors du procès qui s'ouvre le 12 novembre 1925. Le verdict est sévère : tous les accusés (Jean-Paul Finidori pour les communistes, Mohamed Ali El Hammi, Mokhtar Ayari, Mohamed Ghannouchi et Mahmoud Kabadi pour la CGTT) sont expulsés de Tunisie. Le calme revient chez les ouvriers[67]. Le 29 janvier 1926 sont promulgués les décrets dits « scélérats ». La presse est maintenant strictement règlementée, la répression des crimes et délits politiques est accrue. Malgré la campagne de presse des journaux destouriens, l'entrée en vigueur de ces lois répressives incite les nationalistes à la prudence, par peur de l'interdiction de leurs publications. Cela n'empêche pas l'accroissement du nombre de cellules dans l'arrière-pays, la création de nombreux syndicats dans toutes les corporations et la multiplication de société culturelles qui, sous couvert de littérature, d'art ou de philanthropie, permettent de conserver l'union entre les Tunisiens[68]. D'importantes grèves secouent à nouveau le pays en 1928 : celles des dockers, des étudiants de la Zitouna et des traminots[69]. Dans un contexte de difficultés économiques et sociales engendrées par le krach de 1929, le mouvement nationaliste gagne en vigueur et en audience auprès d'une population confrontée à une forte croissance démographique, surtout au sein de la population musulmane, et à une hausse du chômage découlant du manque de débouchés[61]. Par ailleurs, la scolarisation a progressé, notamment au sein de la petite bourgeoisie qui articule désormais des idées différentes de celles des notables plus conciliants avec le régime du protectorat[61]. C'est ainsi qu'une nouvelle génération de lettrés provinciaux, ayant suivi des études supérieures en France, rentre au pays et se lance dans le journalisme militant en se tournant directement vers les masses populaires[70]. Au niveau régional, on assiste alors à un renouveau nationaliste du fait que certains pays arabes, comme l'Égypte en 1922 et l'Irak en 1930, voient leur indépendance accordée par le Royaume-Uni[58]. Figure de la génération montante, l'avocat sahélien Habib Bourguiba fustige dès 1930 le régime du protectorat dans des journaux comme le quotidien francophone La Voix du Tunisien, journal du Destour fondé par Chedly Khairallah[61], et L'Étendard tunisien[58],[71]. Il y dénonce la tenue du 7 au 11 mai 1930 du trentième congrès eucharistique à Carthage mais aussi le système des décrets beylicaux, les avantages des Européens et réclame l'accès des Tunisiens à tous les postes administratifs[58]. En 1932, il fonde avec Tahar Sfar, Mahmoud El Materi et Bahri Guiga le journal L'Action tunisienne[72]. Il déclare rechercher « avec prudence et sincérité un remède à la crise économique, morale et politique de la Tunisie, défendre en dehors de tout esprit de caste et de démagogique stérilité, les intérêts de tous les Tunisiens, sans distinction de religion. La Tunisie que nous entendons libérer ne sera pas une Tunisie pour musulmans, pour Juifs ou pour chrétiens. Elle sera la Tunisie de tous ceux qui, sans distinction de religion ou de race, voudront l'agréer pour leur patrie et l'habiter sous la protection de lois égalitaires »[73]. Outre l'émancipation du peuple tunisien[74], Bourguiba prône aussi une forme de laïcité[75], ce qui marque une rupture avec les positions traditionnelles du mouvement destourien. Le 31 décembre 1932, le problème des Tunisiens naturalisés ressurgit. L'annonce de la mort à Bizerte d'un musulman naturalisé français et la fatwa du mufti de la ville, le cheikh Idriss Cherif, interdisant son inhumation dans un cimetière musulman mettent le feu aux poudres[76]. L'Action tunisienne lance alors une campagne de presse qui provoque de violentes manifestations à Hammam Lif, Ferryville et Kairouan[77]. La moindre rumeur de mort d'un naturalisé tunisien déclenche des émeutes. La résidence générale cède : un décret daté du 6 mai 1933 préconise la création de cimetières spéciaux pour les naturalisés[78]. Cette victoire galvanise les militants qui réclament la convocation d'un congrès extraordinaire du Destour. Celui-ci se tient les 12 et 13 mai à Tunis, à la rue de la Montagne. Auréolés de la victoire de leur campagne de presse, tout le groupe de L'Action tunisienne est élu à l'unanimité à la commission exécutive du Destour[79]. Le résident général, François Manceron, inquiet de cette subite renaissance, agit aussitôt. Le 31 mai 1933, un décret suspend les journaux L'Action tunisienne (Habib Bourguiba), La Voix du Tunisien (Chedly Khairallah) et La Voix du peuple (Ahmed Essafi). Le même jour, le Destour est dissous[80]. Avènement de la rupture : le Néo-Destour[modifier le code] Article détaillé : Congrès de Ksar Hellal. Bourguiba ne reste pas longtemps à la commission exécutive du Destour. Ulcéré qu'on lui ait reproché d'avoir mené une délégation auprès du bey sans avoir l'autorisation du parti, il démissionne le 9 septembre[79]. Il est rejoint par les autres membres de L'Action tunisienne le 7 décembre lorsque ceux-ci démissionnent par solidarité avec Bahri Guiga, exclu pour avoir trop parlé à la presse[81]. Le 2 mars 1934, bien qu'exclus de la direction, les démissionnaires convoquent à Ksar Hellal un congrès du Destour qui réunit les délégués des cellules des différentes régions de la régence. Présidant les débats, les dirigeants de L'Action tunisienne font aux congressistes l'historique de la crise, dénoncent la politique de collaboration des membres de la commission exécutive et préconisent l'intensification de la lutte jusqu'à la victoire finale. Le congrès proclame la dissolution de la commission exécutive et approuve les statuts du Néo-Destour[82] conduisant à la scission du parti en deux branches. La première, islamisante, panislamiste et traditionaliste, conserve le nom de Destour ou Vieux-Destour[58]. La seconde, moderniste et laïque, le Néo-Destour[7], prend la forme d'une formation politique moderne, structurée sur les modèles des partis socialistes et communistes européens, et déterminée à conquérir le pouvoir pour transformer la société[72]. Elle critiquait en effet la branche du Destour qui luttait contre le régime du protectorat « entre deux parties d'échecs »[73]. Un universitaire tunisien décrit ainsi la rivalité entre les deux mouvements : « Le Vieux Destour était un parti de notables, de gens biens élevés, distingués, d'arabisants formés en majorité à l'université religieuse de la Zitouna. Bourguiba et ses compagnons avaient, dans l'ensemble, un profil et des visées très différents. Issus de la petite bourgeoisie du littoral, ils étaient considérés, avec dédain, comme des Afaqiyin, « ceux qui viennent de derrière l'horizon », un euphémisme servant à désigner les provinciaux. Ils avaient suivi un cursus moderne, bilingue, étaient aussi à l'aise en français qu'en arabe, cultivaient une proximité avec le peuple, lui parlaient dans sa langue, en dialectal, et avaient l'ambition de créer un grand parti de masse »[83]. Le nouveau parti privilégie l'action politique, la mobilisation de ses adhérents et leur prise de conscience et estime qu'il doit convaincre l'opinion française tout en adaptant sa stratégie aux nécessités de l'action[84]. Intellectuellement jeunes, socialement modestes[85], ayant fait leurs études en France, les néo-destouriens se réclament des principes de la vie occidentale[58]. Le bureau politique du parti est composé d'un médecin et de quatre avocats : Bourguiba et El Materi le dirigent, Tahar Sfar en est le secrétaire général alors que Bahri Guiga et M'hamed Bourguiba en sont les trésoriers[86]. Ayant fondamentalement le même programme que le Destour, le Néo-Destour diffère sur les moyens à mettre en œuvre pour parvenir à ses fins[58] car il a souvent recours à la violence[85]. Il revendique clairement l'indépendance tout en dénonçant l'impérialisme français[64]. Les agitateurs tunisiens sont aidés par les indigènes algériens qui sont sous la menace d'une expulsion par le résident général aux termes d'un édit de 1778 car ils sont originaires d'un département français[87]. Cependant, le résident général reçoit instruction de la direction des Affaires étrangères lui signifiant de ne pas le faire, étant donné que l'édit n'est valable que pour les citoyens français[87]. Répression de septembre 1934[modifier le code] Dans le journal L'Action tunisienne, Bourguiba et le Néo-Destour demandent la souveraineté nationale et l'avènement d'une Tunisie indépendante « accompagné d'un traité garantissant à la France une prépondérance aussi bien dans le domaine politique que dans le domaine économique par rapport aux puissances étrangères »[88]. Pour atteindre ce but, ils exigent le transfert des responsabilités gouvernementales, législatives et administratives même si cela permettrait la préservation des intérêts français dans les domaines culturels et économiques[89]. Ces exigences provoquent un conflit entre le gouvernement français et le mouvement nationaliste[90], ce d'autant que les responsables du parti engagent une action d'envergure à travers le pays pour sensibiliser les populations à leur message[91] : le résident général Marcel Peyrouton, voulant briser le nationalisme, censure la presse[73] et envoie, le 3 septembre 1934, Habib Bourguiba, Mahmoud El Materi et M'hamed Bourguiba en résidence surveillée à Kébili, Ben Gardane et Tataouine[92]. Des émeutes éclatent aussitôt partout dans le pays. Elles sont particulièrement violentes à Moknine où trois émeutiers[93] et un gendarme indigène[94] sont tués. Le 1er janvier 1935, Ahmed II Bey est violemment interpellé par des manifestants qui lui réclament d'intervenir en faveur des déportés. En réaction, dès le lendemain, Tahar Sfar et Bahri Guiga sont eux aussi arrêtés et exilés dans le Sud[95]. Le 3 avril 1935, tous les déportés sont regroupés à Bordj le Bœuf[96] où sont internés 46 néo-destouriens, douze communistes[97] (Hassen Saadaoui, Taieb Dabbab, Léon Zana[98], Lucien Valensi[99], Ali Jrad[100], etc.) et trois membres du Destour (Mohieddine Klibi, Cheikh Karkar et Ali Boukordagha)[101]. Peyrouton propose dans le même temps d'interdire aux Tunisiens de suivre leurs études en France et de fixer un numerus clausus pour limiter le nombre de bacheliers[73]. Lors d'un discours aux membres français du Grand Conseil, il se justifie par ces mots : « Si j'ai pris des mesures qui me valent les reproches de certains milieux, où l'on tend à me représenter comme un « fasciste déchaîné », c'est pour vous, Messieurs ; c'est pour vous tous, que j'ai attiré sur ma tête ces violentes condamnations[73]. » Négociations avec le Front populaire[modifier le code] Article détaillé : Négociations entre le Front populaire et le Néo-Destour. Arrivée d'Armand Guillon et expansion du Néo-Destour[modifier le code] L'impasse politique en Tunisie incite le gouvernement français à changer le résident général. Armand Guillon débarque à Tunis le 16 avril 1936 avec la ferme intention de tout faire pour que le calme revienne en Tunisie. Dès le 22 avril, tous les déportés sont libérés à l'exception des huit dirigeants du Destour et du Néo-Destour qui sont assignés à résidence à Gabès et Djerba. Après les avoir rencontrés le 19 mai, le résident général les autorise à rentrer à Tunis où ils reçoivent un accueil enthousiaste[102]. L'arrivée au pouvoir en France du Front populaire en juin 1936, soulève un espoir en Tunisie. Le 29 juin, le bureau politique du Néo-Destour (Mahmoud El Materi, Bahri Guiga et Salah Ben Youssef) présente à Armand Guillon un cahier de revendications touchant à la vie politique, administrative et sociale du pays[103]. Dans le même temps, Habib Bourguiba se rend à Paris accompagné de Slimane Ben Slimane. Le 11 juillet, il y rencontre Pierre Viénot, sous-secrétaire d'État chargé des protectorats du Maghreb, pour lui présenter les réformes demandées par le Néo-Destour. Les deux hommes se retrouvent le 28 août[104]. Bourguiba lui réaffirme sa volonté de « substituer au régime despotique actuel basé sur le bon plaisir, un régime constitutionnel et démocratique qui permette au peuple de participer au pouvoir et de prendre une part active dans la confection des lois et le vote du budget »[105]. À son retour, Bourguiba réunit 10 000 militants enthousiastes au parc Gambetta le 11 septembre. Après leur avoir rendu compte de son action, il leur fait part de sa confiance apportée au nouveau résident général qui doit leur permettre de faire évoluer le protectorat vers l'indépendance du pays dans l'orbite de la France. Parmi l'assistance, nul ne doute que les premières mesures libérales prises par Armand Guillon (assouplissement de la législation sur la presse, sur les réunions et sur les manifestations sur la voie publique) l'ont été sous l'influence de Bourguiba[106]. Le Néo-Destour est alors en pleine expansion : les adhérents affluent et on ouvre des cellules partout dans le pays. On en compte 400 en 1937 qui regroupent 400 000 militants. On crée même des fédérations qui regroupent plusieurs cellules. C'est toute une organisation qui se met en place en s'appuyant sur des mouvements de jeunes : scouts, jeunesses destouriennes, Association des anciens élèves du collège Sadiki, etc[107]. Oppositions de la colonie française[modifier le code] Mais le mécontentement grandit dans le pays en raison de la crise économique et de la sécheresse persistante. Dans le Centre et le Sud du pays, des populations entières sont touchées par la famine et regroupées dans des camps d'hébergement, les tekias, où des distributions de nourriture ont lieu. Le Néo-Destour y voit la preuve de l'échec du protectorat. Devant ces attaques répétées, la prolifération de journaux nationalistes et la multiplication des meetings, les représentants de la population française prennent peur. Le 23 janvier 1937, leur président, M. Vénèque, écrit au résident général une lettre se terminant par : « Si des mesures énergiques et immédiates ne sont pas prises, le sang coulera, je vous en tiendrai pour responsable »[108]. Pour tenter de calmer les esprits et rassurer les Français, Pierre Viénot se déplace à Tunis en février 1937. Face aux attentes des deux communautés, il rassure ses compatriotes en déclarant que « l'installation de la France en pays de protectorat a un caractère définitif et aucun Français ne peut envisager la fin d'une participation directe de la France au gouvernement de ce pays »[109], ce qui ne l'empêche pas de leur lancer que « certains intérêts privés des Français de Tunisie ne se confondent pas nécessairement avec l'intérêt de la France. Celle-ci n'a charge de leur défense que dans la mesure où ils ne sont pas en opposition avec les intérêts généraux de la Tunisie »[110]. Les Tunisiens retiennent surtout de son discours sa volonté de les associer à la gestion du pays et à la vie publique tout en encourageant leur embauche dans l'administration et en développant l'instruction[111]. Le discours est bien accueilli par le Néo-Destour. Bourguiba va même jusqu'à proclamer que « l'union indissoluble entre la France et la Tunisie constitue la base de toutes les revendications du Néo-Destour » pendant qu'El Materi écrit que « la population tunisienne dans sa totalité est prête à apporter sa collaboration à la mise en pratique de la politique nouvelle »[112]. Tensions sociales[modifier le code] Mais le pays n'a pas la patience d'attendre ces réformes qui ne viennent toujours pas. Peu avant la visite de Viénot, une émeute éclate à Mellassine, dans la banlieue de Tunis, à l'occasion d'une distribution de pain pour les indigents. Il faut l'intervention d'El Materi et de Ben Ammar pour ramener le calme mais on déplore une centaine de blessés[113]. En mars, c'est à Métlaoui que le sang coule : un mouvement de grève parmi les mineurs vire au drame quand les forces de l'ordre réalisent que le gardien du dépôt d'armes de guerre fait partie des grévistes. L'assaut est donné lorsque les négociateurs sont pris à partie. Le bilan est très lourd avec seize morts et 32 blessés[114]. D'autres mouvements de grèves sont réprimés dans le sang comme à Jérissa le 17 juillet (deux morts et quatre blessés) ou à Metline près de Bizerte le 31 juillet (un mort et cinq blessés)[115]. Confrontations entre Destour et Néo-Destour[modifier le code] C'est dans ce contexte de tensions sociales et politiques qu'on apprend le retour du cheikh Abdelaziz Thâalbi. Le 5 juillet 1937, le vieux dirigeant arrive au port de Tunis où l'attend une foule innombrable rassemblée par le Néo-Destour qui espère bien le rallier en lui montrant la puissance de son organisation. Mais celui-ci a surtout pour volonté de réunifier les deux partis rivaux. Il pense toucher au but le 3 août 1937 quand les dirigeants du Destour et du Néo-Destour créent un comité ayant pour tâche de réaliser l'unité d'action[116]. Mais Bourguiba n'entend pas se faire dépouiller de ses attributions. Après avoir dénoncé l'accord, il envoie ses militants saboter les meetings de Thâalbi. Militants du Destour et du Néo-Destour s'affrontent le 25 septembre à Mateur où on relève un mort et quatorze blessés graves[117]. Le 2 octobre, à Béja, un militant néo-destourien est tué et quatre blessés lorsque les forces de police tentent de maîtriser les miliciens qui ont pris la ville pour empêcher tout meeting du parti rival[118]. Face à ce déchaînement de violence, le Destour renonce aux réunions publiques et ne compte plus que sur son journal Al Irada pour faire connaître ses opinions[119]. Durcissement du Néo-Destour[modifier le code] Article détaillé : Congrès de la rue du Tribunal. Ces affrontements inquiètent le gouvernement français : les sentiments vis-à-vis du nationalisme tunisien sont beaucoup moins bienveillants depuis la chute du gouvernement Blum en juin 1937 et les néo-destouriens perdent un interlocuteur très compréhensif quand Pierre Viénot doit quitter son poste. Bourguiba tente de renouer des liens avec le nouveau gouvernement en se rendant à Paris en octobre. Il y rencontre Albert Sarraut, ministre d'État chargé de la coordination pour les affaires nord-africaines, qui lui fait comprendre que la dégradation de la situation internationale fait passer en second plan les aspirations du peuple tunisien et que l'heure est à la reprise en main de l'Afrique du Nord en prévision du conflit qui s'annonce[120]. Le dirigeant nationaliste comprend alors que le temps des négociations pacifiques est passé. Le congrès du Néo-Destour, qui se tient du 30 octobre au 2 novembre 1937, entérine les deux tendances apparues dans le parti au cours des derniers mois. La première, modérée, conduite par Mahmoud El Materi, Tahar Sfar et Bahri Guiga, souhaite continuer la collaboration avec la résidence générale. La deuxième, animée par Slimane Ben Slimane, Hédi Nouira, Habib Ben Guefta et Habib Bourguiba, prône une ligne intransigeante ; c'est cette dernière qui finit par l'emporter[114]. Pour marquer son désaccord avec l'orientation autoritaire que Bourguiba impose au parti, El Materi présente sa démission de la présidence dès la fin du congrès[121]. Elle est rendue officielle le 3 janvier suivant[122]. La ligne radicale adoptée par le parti a pour conséquence un durcissement des manifestations. Un mot d'ordre de grève générale est lancé pour le 20 novembre par solidarité avec les mouvements nationalistes algériens et marocains mais, face à l'hostilité de la plupart des organisations syndicales et de la section modérée du Néo-Destour, le mouvement est un échec[123]. Pour répondre aux réticences de beaucoup de Tunisiens face à cette surenchère, Bourguiba utilise le talent de sa plume pour mobiliser les énergies hésitantes. Le 25 décembre, dans un article de L'Action tunisienne, il s'en prend pour la première fois à Armand Guillon qui avait été épargné jusque-là et ajoute : « Tout se passe comme si le gouvernement cherche maintenant la bagarre ; il la trouvera. Et il n'est pas dit que la prépondérance en sortira victorieuse… Le pays est donc décidé à la lutte. Il est prêt aussi à tous les sacrifices que cette lutte comporte[124]. » De la tension à la confrontation du 9 avril[modifier le code] Les premiers affrontements ont lieu à Bizerte le 8 janvier 1938. Ce jour-là, une manifestation néo-destourienne veut se rendre au contrôle civil de la ville pour protester contre l'expulsion vers l'Algérie du secrétaire de la cellule, Hassan Nouri. Débordés, les policiers tirent, tuant sept militants et en blessant une dizaine[125]. Habib Bourguiba entame alors dès la fin du mois de janvier et jusqu'en mars, une tournée des cellules en Tunisie afin de mobiliser ses troupes en perspective d'une répression annoncée comme imminente. Il lance même des appels au refus de l'impôt et de la conscription et exhorte ses partisans à répondre à la répression par la résistance et l'agitation[126]. Mais si les militants le suivent aveuglément, il n'en est pas de même des dirigeants du parti qui veulent éviter l'épreuve de force. Le conseil national réuni le 15 mars adopte une motion modérée malgré les manœuvres de Bourguiba pour imposer sa ligne radicale[127]. Face à ces discours enflammés, les forces de police réagissent en multipliant les arrestations : Slimane Ben Slimane et Youssef Rouissi le 4 avril, Salah Ben Youssef, Hédi Nouira et Mahmoud Bourguiba le 6 avril. Pour dénoncer ces arrestations, un appel à la grève générale est lancé pour le 8 avril[128]. Malgré la tension, les manifestations se déroulent dans le calme à Tunis, à la grande fureur de Bourguiba qui souhaite « que le sang coule »[129]. Une autre manifestation est alors annoncée pour le 10 avril. Mais c'est la veille que le bain de sang a lieu lors des événements du 9 avril 1938. Au terme d'une journée de guérilla urbaine, on relève un mort parmi les policiers[130], 22 morts chez les manifestants, et plus de 150 blessés[131]. L'état de siège est proclamé le jour même à Tunis, Sousse et au cap Bon, Habib Bourguiba est arrêté ainsi que Slimane Ben Slimane, Salah Ben Youssef et 3 000 autres membres du Néo-Destour[64]. Le parti est dissous, ses documents saisis, les réunions publiques interdites et la censure appliquée[132]. Le Destour, qui n'est pas réprimé lors de ces événements, reste rassemblé autour d'Abdelaziz Thâalbi, et poursuit une activité plus discrète[132]. Pendant ce temps, le 10 juin 1939, Habib Bourguiba et 18 autres prévenus sont inculpés pour incitation à la guerre civile et conspiration contre la sûreté de l'État. Le déclenchement de la guerre empêche toutefois leur procès[133]. Cette répression pousse à la clandestinité le Néo-Destour qui incite ses nouveaux dirigeants à ne pas exclure l'éventualité d'une lutte plus active et provoque la radicalisation du mouvement[84],[64]. De la répression aux négociations pour l'autonomie[modifier le code] Règne de Moncef Bey[modifier le code] Jusqu'à la déclaration de guerre de la France en septembre 1939, le calme est de mise[132]. En novembre 1938, Eirik Labonne remplace Armand Guillon en tant que résident général et prend des mesures d'apaisement[132]. Face à l'aggravation des menaces internationales, la résidence décide de donner à la Tunisie une certaine autonomie économique[132]. L'assouplissement du régime de rigueur empêche ainsi la reprise de l'agitation et les syndicats se distancient des partis nationalistes[132]. Néanmoins, la vie politique et sociale est rapidement conditionnée par l'état de guerre[132]. Le 1er septembre 1939, Labonne fait interdire par décret « toute propagation d'informations susceptibles d'avoir une influence néfaste sur l'armée et les populations »[134]. Le sixième bureau politique du Néo-Destour, formé à la fin 1939 et animé par Habib Thameur, enjoint aux cellules d'entretenir l'agitation. Mais ce bureau est démantelé le 13 janvier 1941 et ses principaux membres arrêtés. Quant aux membres du Destour, ils sont partagés entre les francophiles (Salah Farhat et Abdelaziz Thâalbi) et ceux qui ne restent pas indifférents aux prêches germanophiles du grand mufti de Jérusalem, Mohammed Amin al-Husseini (Moncef Mestiri et Mohieddine Klibi). Ces désaccords amènent l'interruption de la parution du journal du parti Al Irada le 22 mai 1940[135]. Toujours est-il que Jean-François Martin relève que « la masse des Tunisiens accueillit avec satisfaction la défaite française de juin 1940 comme l'humiliation du conquérant qui se croyait invincible »[136]. Le 19 juin 1942, Moncef Bey monte sur le trône. Très populaire depuis qu'il avait poussé son père, Naceur Bey, à défier le résident général en 1922 pour faire progresser la cause nationaliste, il prend le relais des militants destouriens emprisonnés. Le 2 août 1942, il présente au résident général Jean-Pierre Esteva un mémorandum de revendications largement inspirées des programmes des nationalistes[137]. Le 15 septembre 1942, c'est une fin de non-recevoir que le gouvernement de Vichy envoie en réponse au monarque[138]. Le 9 novembre 1942, l'occupation de la Tunisie par les armées germano-italiennes à la suite du débarquement des troupes alliées en Algérie et au Maroc va changer la donne. Le 1er janvier 1943, profitant de l'affaiblissement des autorités françaises, Moncef Bey nomme un nouveau gouvernement sans en demander l'autorisation. Les nationalistes accèdent au pouvoir en la personne de Mahmoud El Materi (Néo-Destour) et Salah Farhat (Destour). Jusqu'à la déposition de Moncef Bey le 15 mai 1943, ils mettent tout en œuvre pour rétablir l'autorité tunisienne sur les administrations du pays. Les Allemands tentent également d'utiliser cette situation pour faire basculer le camp nationaliste de leur côté. Ils font libérer les militants emprisonnés en France. Le 26 février 1943, six d'entre eux (Mahmoud Bourguiba, Salah Ben Youssef, Allala Belhouane, Mongi Slim, Slimane Ben Slimane et Hédi Nouira) arrivent en France[139]. Habib Bourguiba est toujours retenu à Rome où on tente de lui arracher une déclaration de soutien à l'Italie fasciste. Mais il a déjà choisi son camp : le 8 août 1942, alors qu'il est encore détenu en Fra

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Le suicide de Vatel en 1671, un fait divers au siècle de Louis XIV à l’origine de la légende du premier « grand cuisinier » de l’Histoire !« Vatel, le grand Vatel, maître d’hôtel de M. Fouquet, qui l’était présentement de M. le Prince [Condé], cet homme d’une capacité distinguée de toutes les autres, dont la bonne tête était capable de contenir tout le soin d’un État… » 1Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 26e avril 1671. Lettres (1696)Quelque 1 500 lettres nous restent de la talentueuse commère, d’où une savoureuse chronique du temps : la guerre y figure au même titre que le procès de son ami Fouquet, les potins de la cour ou les grandes créations théâtrales. Son humour fait toujours sourire.Dans le cas de Vatel, il s’agit pourtant d’un drame, rapporté les vendredi 24 et dimanche 26 avril 1671. Ses deux lettres vont assurer la célébrité posthume d’un personnage très représentatif du siècle de Louis XIV, associé aux deux grands noms qu’il a servis, Fouquet et Condé, tombés en disgrâce et déshonorés en des circonstances historiques bien différentes.François Vatel (1631-1671) est fils de laboureur, né à Tournai (Belgique) ou selon d’autres sources dans la Somme, près de Péronne… À 15 ans, on le retrouve apprenti chez un pâtissier-traiteur. À 22 ans, il est engagé par le maître d’hôtel de Fouquet comme « écuyer de cuisine » , au château de Vaux-le-Vicomte en cours de construction. Doué pour l’organisation comme le précise Mme de Sévigné, Vatel devient très jeune maître d’hôtel et ami du maître des lieux. Belle promotion sociale !Mais quelques années plus tard, il va vivre avec Fouquet un premier drame réellement historique. Il en sera marqué toute sa vie.« Quo non ascendet ? » « Jusqu’où ne montera-t-il pas ? » 858Nicolas FOUQUET (1615-1680), devise figurant dans ses armes, sous un écureuilFils d’un conseiller au Parlement, vicomte de Vaux, enrichi par le commerce avec le Canada, Fouquet achète la charge de procureur général au Parlement de Paris, devient ami de Mazarin le Premier ministre, surintendant des Finances, s’enrichit encore, se paie le marquisat de Belle-Isle, y établit une force militaire personnelle et même des fortifications ! Au château de Vaux-le-Vicomte, il mécène les plus prestigieux artistes du temps : La Fontaine, Molière, Lully, Poussin, Le Vau, Le Brun.17 août 1661, Fouquet invite le nouveau roi alors âgé de 23 ans, la reine mère Anne d’Autriche et toute la cour – quelque 600 courtisans. « C’est un événement très joyeux, c’est la fête où il faut être, à laquelle il faut être invité, et d’ailleurs, vous savez que vous êtes en disgrâce si vous n’avez pas reçu de carton d’invitation » explique l’historien Maxime Patte, enseignant et chroniqueur audiovisuel.Chef du protocole à 20 ans, encore timide, mais déjà doué, chargé d’organiser des agapes « éblouissantes » , Vatel met en scène une fête grandiose avec un dîner de 80 tables, 30 buffets et cinq services de faisans, cailles, ortolans, perdrix… Vaisselle en or massif pour les hôtes d’honneur et en argent pour le reste de la cour. Vingt-quatre violons jouent Lully, surintendant de la Musique du Roi. Molière et Lully donnent Les Fâcheux, comédie-ballet composée pour la circonstance. Mais trop, c’est trop…« Ah ! Madame, est-ce que nous ne ferons pas rendre gorge à tous ces gens-là ? » 2LOUIS XIV ( 1638-1715) à sa mère, cité par l’abbé de Choisy, témoin. Mémoires pour servir à l’Histoire de Louis XIV (posthume, 1727)Au moment où un feu d’artifice illumine le ciel au-dessus du château, ivre de rage, il aura ces mots. Il veut faire arrêter sur-le-champ le surintendant et les responsables de cette débauche financière qui fait de l’ombre au Roi Soleil. Sa mère réussit à l’en dissuader.Financièrement exsangue, le roi a dû faire fondre sa vaisselle d’or pour renflouer les caisses du Royaume englué dans la guerre de Trente Ans. Il est blessé dans son orgueil de jeune souverain : ce faste dépasse celui de sa cour à Fontainebleau (pendant les travaux d’extension de Versailles). Après le feu d’artifice tiré au-dessus du château, le roi refuse la chambre préparée par son hôte et retourne chez lui.Il charge Colbert, principal ministre d’État, financier expert et jaloux du surintendant, de prouver la malversation de Fouquet. Après trois semaines d’enquête, de perquisitions, et une campagne de dénigrement, le roi fait arrêter son surintendant par un certain D’Artagnan à Nantes, le 5 septembre 1661. Premier coup de théâtre du règne. Après trois ans de procédure, Fouquet finira ses jours dans la forteresse de Pignerol – éventuel « masque de fer » .Vatel, ignorant l’intention royale de reprendre le personnel du château de Vaux-le-Vicomte pour Versailles, s’est enfui en Angleterre de peur d’être emprisonné à son tour. Deux ans d’exil… Il rencontre Jean Hérault de Gourville, gestionnaire, financier, ex-ami de Fouquet qui convainc « le Grand Condé » d’engager Vatel pour son château de Chantilly. Mais le Prince revient de loin… Son destin a basculé lors de la Fronde.« J’ai assez de la guerre des pots de chambre. » 791Louis II de Bourbon-Condé, dit le Grand CONDÉ (1621-1686), été 1651. Histoire de France au dix-septième siècle, Richelieu et la Fronde (1858), Jules MicheletChargé à 21 ans du commandement des armées du Nord, le quatrième prince de Condé remporta l’éclatante victoire de Rocroi (1643) qui anéantit l’armée espagnole des Pays-Bas, empêchant l’invasion menaçante par les Ardennes. Le voilà célèbre dans toute l’Europe ! Il s’est battu ensuite pour la régente Anne d’Autriche et le petit roi, mais il changea de camp par haine de Mazarin, ce qui lui valut un an de prison. Libéré, il prit la tête de la Fronde des princes au printemps 1651, mais il est bientôt las des manières courtisanes – il faut « tenir le pot de chambre » aux gens influents.Impopulaire auprès du peuple, se montrant toujours très au-dessus des autres hommes, fâché avec tout le monde, il va mener sa propre Fronde. L’anarchie dépasse l’imaginable ! Le bouillant vainqueur de Rocroi, entre autres titres gouverneur de Guyenne, prend les armes en septembre 1651, s’agite comme un furieux pour soulever sa province, lève des troupes dans le Midi… et conclut une alliance avec le roi Philippe IV d’Espagne, combattant alors contre l’armée française ! Le voilà traître à la patrie.Prince du sang français, cousin de Louis XIV, il est finalement autorisé par le roi à rentrer en France et à récupérer ses biens en 1660. Mais il reste en semi-disgrâce : aucun emploi public ne lui est proposé. D’où sa retraite (dorée) dans son château de Chantilly, à 40 km au nord de Paris (aujourd’hui Hauts de France).Vatel, lui aussi malmené par l’Histoire et recommandé par leur ami commun, le baron de Gourville, se retrouve au service du Grand Condé après avoir fait ses preuves chez Fouquet et loué entre-temps ses services dans diverses maisons pour des évènements exceptionnels. Cette seconde promotion finira par un drame personnel.« Vatel sait y faire : suivre la répétition d’un opéra, agencer un festin de vingt-cinq tables, orner un salon de jonquilles en plein hiver, créer fontaines et jeux d’eau à en éblouir le roi, concevoir des feux d’artifice sont de ses talents. Derrière l’homme des fêtes, il y a aussi l’administrateur qui gère bâtiments, personnel, équipement, haras… » 111Dominique MICHEL (née en 1932), Vatel et la naissance de la gastronomie (1999)Notons au passage que contrairement à l’opinion courante et à de nombreux sites numériques, Vatel ne doit pas figurer en tête des grands chefs cuisiniers de l’histoire, à l’origine de la fameuse gastronomie française ! Ce « cuisinier de génie » n’a jamais été aux fourneaux. Moins connu, Antonin Carême (son vrai nom) méritera ce titre sous la Restauration, associé à son maître et ami, Talleyrand.Vatel lui-même ne s’attribue qu’une seule invention, la crème Chantilly… Et c’est faux ! Vraisemblablement d’origine italienne, elle existait déjà sous Catherine de Médicis, la reine ayant apporté à la cour de France son raffinement et sa douceur de vivre florentine. Notre pseudo-cuisinier s’est contenté de ressusciter cette crème et de la sublimer : battue avec des branchettes de buis ou d’osier, baptisée au nom du prestigieux château de Chantilly où il se retrouve, au service du Prince de Condé.Cuisine mise à part, le « grand Vatel » cher à la marquise de Sévigné avait tous les autres talents de metteur en scène et d’organisateur, en ce siècle où tout est spectacle, à la cour du roi mais aussi dans l’aristocratie qui prend exemple sur lui… au risque parfois de le surpasser – Fouquet étant l’exemple le plus célèbre.En 1663, François Vatel est promu « contrôleur général de la Bouche » du prince de Condé, autrement dit chargé de l’organisation, des achats, du ravitaillement et de tout ce qui concernait « la bouche » au château. Ce n’était pas une mince affaire et cela inspirera un petit bijou théâtral au XIXe siècle où la gourmandise prévaut sur toutes les (bonnes) tables bourgeoises.« Messieurs, chef, sous-chef, aides, marmitons, tourne-broches, gâte-sauces, vous avez travaillé hier toute la journée, vous avez passé la nuit sur vos fourneaux… » Eugène SCRIBE (1791-1861) et Édouard-Joseph-Ennemond MAZÈRES (1796-1866), Vatel ou Le Petit-fils d’un grand homme (1825). Comédie-vaudeville en un acteCette comédie (co)signée du maître du genre met en scène le fils (supposé) de Vatel, maître d’hôtel comme son père, pareillement imbu de son métier, conscient de sa valeur et de ses responsabilités face à tous ses collaborateurs au travail, et César Vatel, petit-fils de l’illustre aïeul. Elle insiste avec humour sur le côté théâtral de cet acteur principal dans la gastronomie française toujours spectaculaire, vivant à plein temps son métier, théoriquement incompatible avec une vie privée en général et l’amour en particulier. Dans la réalité, c’est un fait : on ne connaît pas de vie privée à Vatel ! Ni femme, ni enfant, pas même un petit bâtard ou une maîtresse cachée.Le Grand Vatel va réellement entrer dans l’Histoire à 40 ans, lors des fêtes de Chantilly, 23 au 25 avril 1671. Et permettre à Condé de rentrer définitivement en grâce.Après des années de patience, le Grand Condé, le héros de Rocroi a enfin la satisfaction de recevoir son cousin le roi et toute la cour dans son superbe château de Chantilly, au nord de Paris. Le prince de Condé avait été pardonné officiellement en 1659, mais son entente avec le roi restait fragile : « Louis XIV a l’orgueil farouche et il ne pardonne pas si facilement. Avec cette réception, le Grand Condé veut revenir dans la famille, aller plus loin dans la réconciliation » précise l’historien Maxime Patte.Coût de la fête : 50 000 écus d’or. Somme considérable, qu’on peut estimer aujourd’hui à 50 000 €. Condé se serait endetté à l’occasion, mais c’est une forme d’investissement : il pourrait ensuite « louer » son armée au roi dans la guerre qu’il prépare contre la Hollande. Les enjeux politiques de cette réception sont évidents – comme jadis dans le cas de Fouquet. On n’a pas le droit à l’erreur… C’est dire la responsabilité de Vatel ! Et cela explique la suite de l’histoire qui se joue en deux jours et deux nuits d’avril 1671, contés par la marquise de Sévigné toujours bien informée dans ce genre de faits divers.« Monsieur, je ne survivrai pas à cet affront-ci, j’ai de l’honneur et de la réputation à perdre. » 3François VATEL (1631-1671) à Jean Hérault de Gourville, avril 1671. Cité par Mme de Sévigné, Lettres (1696)Tout avait bien commencé comme prévu, quoique… « Le Roi arriva le jeudi au soir ; la promenade, la collation dans un lieu tapissé de jonquilles, tout cela fut à souhait. On soupa ; il y eut quelques tables où le rôti manqua, à cause de plusieurs dîners où l’on ne s’était point attendu ; cela saisit Vatel… » Vatel qui veille à tout se sent responsable – mais pour l’heure pas coupable. Quelque 75 invités de la dernière heure se sont présentés, exigeant une table de plus… Il s’en ouvre au baron de Gourville, vieil ami du maître de maison et devenu son intendant deux ans plus tôt. C’est un homme très considéré, presque sur un pied d’égalité avec Condé, Boileau, la marquise de Sévigné et le duc de La Rochefoucauld – marié secrètement à l’une de ses trois filles. Cas alors assez rare d’une ascension sociale à partir d’une origine très modeste.En tant qu’intendant, Gourville s’occupe des finances de la maison de Condé, de la gestion et de l’embellissement des jardins du château… et du budget considérable alloué à cette réception royale – 50 000 écus d’or.Vatel se sent d’autant plus responsable de son bon déroulement, d’où ces mots à Gourville qui se moque gentiment de lui, inconscient de la gravité de la situation, vue par Vatel. Qui répéta : « Je suis perdu d’honneur ; voici un affront que je ne supporterai pas. » C’était déjà annoncer le drame possible… Il en donna la raison toute simple, il n’avait eu que deux semaines pour tout organiser, il se retrouvait alors contraint d’avouer et de déléguer…« La tête me tourne ; il y a douze nuits que je n’ai dormi ; aidez-moi à donner des ordres. » 112François VATEL (1631-1671) à Jean Hérault de Gourville, avril 1671. Cité par Mme de Sévigné, Lettres (1696)« Gourville le soulagea en ce qu’il put. Ce rôti qui avait manqué, non pas à la table du roi, mais aux vingt-cinquièmes [invités de la dernière table], lui revenait toujours à l’esprit. Gourville le dit à M. le Prince. » Entre amis, cela se fait aisément.Le Grand Condé avait lui-même traversé des évènements autrement plus tragiques et s’était perdu auprès du roi, avant de retrouver sa confiance, d’où ces trois jours et trois nuits de fête et de réconciliation.Malgré son caractère réputé peu amène, le Prince réagit en toute humanité vis-à-vis du maître d’hôtel devenu lui aussi un ami proche, depuis l’exil partagé. D’après Nicole Garnier (chargée du Musée Condé au château de Chantilly), « c’est vraiment l’homme de confiance, il lui confie des missions presque d’espionnage. Vatel, c’est celui à qui on peut tout dire. » « — Vatel, tout va bien, rien n’était si beau que le souper du roi. — Monseigneur, votre bonté m’achève ; je sais que le rôti a manqué à deux tables. — Point du tout, ne vous fâchez point, tout va bien. » Louis II de Bourbon-Condé, dit le Grand CONDÉ (1621-1686), Cité par Mme de Sévigné, Lettres (1696)Selon d’autres témoignages, le ton serait monté entre les deux hommes.Quoiqu’il en soit, Vatel est au comble de l’angoisse, il se sent responsable de tout dans cette histoire et doit tenir encore deux jours !!On parlerait aujourd’hui d’un burn-out : syndrome d’épuisement professionnel, correspondant à un « épuisement physique, émotionnel et mental qui résulte d’un investissement prolongé dans des situations de travail exigeantes sur le plan émotionnel » . Haute Autorité de Santé (HAS). C’est exactement le cas pathologique de Vatel. Dans cette situation, le moindre incident devient un drame. Relaté par la marquise, toujours informée des moindres détails, pris sur le vif qu’elle aime à rapporter.« La nuit vient ; le feu d’artifice ne réussit pas, il fut couvert d’un nuage ; il coûtait seize mille francs. À quatre heures du matin, Vatel s’en va partout, il trouve tout endormi ; il rencontre un petit pourvoyeur qui lui apportait seulement deux charges de marée ; il lui demanda : ‘Est-ce là tout ? — Oui, monsieur.’ » Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 26e avril 1671. Lettres (1696)Vendredi 24 avril, jour maigre et qui plus est de carême : Vatel a passé commande de poissons frais dans divers ports de Haute-Normandie pour le dîner – on parlerait aujourd’hui de déjeuner, le repas du soir étant alors le souper.Il avait décidé de ne pas proposer aux invités des poissons de rivière : trop communs à l’époque (saumons, truites) et la pêche au mois d’avril est trop aléatoire pour assurer le ravitaillement complet. Des commentateurs critiques et parfois professionnels ont noté qu’il aurait pu conserver les poissons choisis dans un vivier comme cela se pratiquait déjà, mais ça ne faisait pas partie de son plan.Il avait un acheteur habituel à Dieppe, le plus grand port de pêche sur la Manche. Il disposait d’autres acheteurs dans les ports de la baie de Somme, il avait envoyé des émissaires pour y acheter de la sole, du turbot et de la barbue, peut-être de la raie, du carrelet ou de la limande, espèces sédentaires et abondantes en cette saison. Des coquillages sont également cités par certaines sources. Tout est parfaitement documenté, dans cette histoire… Et la marquise de Sévigné poursuit : « Il attend quelque temps ; les autres pourvoyeurs ne viennent point ; sa tête s’échauffait, il croit qu’il n’aura point d’autre marée… » « Vatel monte à sa chambre, met son épée contre la porte, et se la passe au travers du cœur ; mais ce ne fut qu’au troisième coup, car il s’en donna deux qui n’étaient point mortels. Il tombe mort. » 11Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 26e avril 1671. Lettres (1696)La commère du siècle, toujours bien informée par les amis proches présents à cette gigantesque fête, relate dans les moindres détails ce suicide qui va devenir célèbre, mis en situation avec les acteurs principaux du drame. On le retrouvera plus tard en gravure, à la une de La Cuisine des familles – recueil hebdomadaire de recettes d’actualité très clairement expliquées, en vogue au début du XXe siècle.Ironie du sort, Vatel est mort pour rien, ce matin du Vendredi saint, à 8 heures sonnantes ! Au moment précis où le troisième coup d’épée le tue, un bruit sourd et rythmé de roues résonne sur les pavés de la majestueuse entrée du domaine de Chantilly. C’est le convoi des charrettes arrivées de Boulogne, gorgées de poisson frais et ruisselants.Mme de Sévigné reprend la parole, toute à cette affaire qui fait déjà grand bruit.« La marée cependant arrive de tous côtés ; on cherche Vatel pour la distribuer ; on va à sa chambre ; on heurte, on enfonce la porte ; on le trouve noyé dans son sang ; on court à M. le Prince, qui fut au désespoir. » Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 26e avril 1671. Lettres (1696)« … M. le Duc pleura… M. le Prince le dit au Roi fort tristement. On dit que c’était à force d’avoir de l’honneur à sa manière ; on le loua fort, on loua et blâma son courage. Le roi dit qu’il y avait cinq ans qu’il retardait de venir à Chantilly, parce qu’il comprenait l’excès de cet embarras. Il dit à M. le Prince qu’il ne devait avoir que deux tables, et ne point se charger de tout le reste ; il jura qu’il ne souffrirait plus que M. le Prince en usât ainsi ; mais c’était trop tard pour le pauvre Vatel. Cependant Gourville tâche de réparer la perte de Vatel ; elle le fut… » Autrement dit, la vie continue et le spectacle aussi. La majorité des invités ignoraient sans doute le nom de Vatel.« On dîna très bien, on fit collation, on soupa, on se promena, on joua ; on fut à la chasse ; tout était parfumé de jonquilles, tout était enchanté. Hier, qui était samedi, on fit encore de même ; et le soir, le Roi alla à Liancourt, où il avait commandé un médianoche… » Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 26e avril 1671. Lettres (1696)« Médianoche » , repas pris au milieu de la nuit. On connaît l’appétit royal pour toutes les (bonnes) choses de la vie.« Voilà ce que m’a dit Moreuil pour vous mander. Je jette mon bonnet par-dessus le moulin, et je ne sais rien du reste. M. d’Hacqueville, qui était à tout cela, vous fera des relations sans doute ; mais comme son écriture n’est pas si lisible que la mienne, j’écris toujours et voilà bien des détails… » Pour résumer le propos et donner la moralité de cette triste histoire en forme de fait divers, résumée par la Commère du Siècle dans sa première lettre…« [Vatel] n’a pu soutenir l’affront dont il a cru qu’il allait être accablé, et, en un mot, il s’est poignardé. Vous pouvez penser l’horrible désordre qu’un si terrible accident a causé dans cette fête… Je ne doute pas que la confusion n’ait été grande ; c’est une chose fâcheuse à une fête de cinquante mille écus. » Marquise de SÉVIGNÉ (1626-1696), A Paris, ce dimanche 24e avril 1671. Lettres (1696)Le poisson ne fut même pas mangé ce jour-là, par respect pour le défunt. Les avis sont d’ailleurs partagés : « On le loua fort, on loua et blâma son courage. » Et dans les récits du temps, l’événement sera relaté comme un succès et la mort de Vatel ne sera même pas évoquée, selon la conservatrice du musée de Chantilly, Nicole Garnier-Pelle.Il y a quand même un problème, évoqué dans sa récente monographie. Le roi de France ne pouvant rester dans un château où se trouve un cadavre, il faut au plus vite sortir ce corps embarrassant.« On va très vite se débarrasser du corps pour l’enterrer à la sauvette, et d’ailleurs, le prêtre de la paroisse s’y oppose car il s’agit d’un suicide, il l’enterre un peu contraint et forcé. » 113Nicole GARNIER–PELLE (née en 1955), Vatel, les fastes de la table sous Louis XIV (2021)Nul ne sait exactement où François Vatel a été inhumé, les suicidés n’ayant pas droit à une sépulture au XVIIe siècle. Selon certaines sources, il reposerait de façon anonyme dans le petit cimetière de Vineuil-Saint-Firmin, juste en face du domaine de Chantilly.Rappelons qu’une dérogation comparable permit l’enterrement du grand Molière, le 21 février 1673 – qui ne sera pas mis dans la fosse commune, contrairement à la légende. Les comédiens étaient excommuniés d’office, leur métier étant assimilé à la prostitution. Mais sa femme était intervenue, le Roi ne pouvait être insensible à ce cas… Pour Vatel, Monsieur l’Archevêque ordonna qu’il fût enterré sans aucune pompe, ayant défendu aux curés et religieux de son diocèse de faire aucun service pour lui.Ce rapprochement entre les deux hommes est tout à l’honneur de Vatel. Il continuera à faire parler de lui – pour ses qualités professionnelles, mais plus encore pour ce suicide à 40 ans. Diversement commenté.« Un maître d’hôtel, qui avait paru et qui était en réputation d’être un homme très sage, se tua parce que M. le Prince s’était fâché d’un service qui n’était pas arrivé à temps pour le souper du roi. » Mlle de Montpensier, dite la GRANDE MADEMOISELLE (1627-1693), citée par Dominique Michel, Vatel et la naissance de la gastronomie (1999)Cousine germaine de Louis XIV, femme fort peu sage, frondeuse sous la Fronde, qui fit tirer le canon de la Bastille sur Turenne pour sauver son amant M. le Prince (le Grand Condé), par ailleurs plus grande fortune de France et fort tempérament, le Grande Mademoiselle défrayait la chronique et ne cessait d’irriter son royal cousin.Mme de Sévigné en fera le sujet d’une de ses lettres les plus divertissantes : « Je m’en vais vous mander la chose la plus étonnante, la plus surprenante, la plus merveilleuse, la plus miraculeuse, la plus triomphante, la plus étourdissante, la plus inouïe, la plus singulière, la plus extraordinaire, la plus incroyable, la plus imprévue, la plus grande, la plus petite, la plus rare, la plus commune, la plus éclatante, la plus secrète jusqu’aujourd’hui, la plus brillante, la plus digne d’envie… » C’est tout simplement le mariage annoncé pour dimanche prochain de M. de Lauzun avec… « Devinez qui ? […] Mademoiselle, la Grande Mademoiselle ; Mademoiselle fille de feu Monsieur ; Mademoiselle, petite-fille de Henri IV ; Mlle d’Eu, Mlle de Dombes, Mlle de Montpensier, Mlle d’Orléans, Mademoiselle, cousine germaine du Roi ; Mademoiselle, destinée au trône ; Mademoiselle, le seul parti de France qui fût digne de Monsieur. » En fait, Mademoiselle n’épousera pas Lauzun, ou du moins pas « dimanche prochain » comme annoncé. Le roi s’y oppose.« Le suicide de Vatel indique plutôt l’homme de l’étiquette que l’homme du dévouement. » DUMAS père (1802-1870),Grand Dictionnaire de cuisine (posthume, 1873)Cet ouvrage mythique, véritable « cathédrale gastronomique » – sans doute le plus grand livre jamais consacré aux plaisirs de la table avec la Physiologie du goût de Brillat-Savarin – évoque naturellement le cas Vatel, mais de manière critique, très professionnelle et surtout pratique : « Laisser manquer le poisson dans une saison où, grâce à la fraîcheur de l’atmosphère et à la glace sur laquelle on l’étend, on peut conserver le poisson trois ou quatre jours, c’est d’un homme imprévoyant qui ne va pas au-devant, par l’imagination, des accidents dont peut l’écraser la mauvaise fortune. » D’autres suicides ont défrayé la chronique gastronomique – perte d’une étoile dans un guide, défaut de clientèle, passage d’une mode à l’autre, stress permanent et responsabilité écrasante… tout peut être prétexte ou raison à ce genre de drame, dans le métier.Reste la victoire posthume de Vatel : outre son entrée dans la légende, ce pour quoi d’autres noms se sont damnés, il a fait de la cuisine une arme politique à part entière – bien avant Antonin Carême au service du grand diplomate Talleyrand. Seul le temps lui a manqué – et aussi le sang-froid – pour faire véritablement partie de l’Histoire à ce titre. Cet édito lui rend justice, fin d’année 2024.« Inventeur de l’idée de dîner politique, et par extension du repas d’affaires, Vatel aura finalement réussi à mener à bien sa dernière mission. » « Histoire : François Vatel, cuisinier politique » , article publié le 05/02/2021, hautsdefrance.fr« Organisateur de génie des festins royaux de Chantilly, en Hauts-de-France, il a consacré sa vie à porter au plus haut le rayonnement de la gastronomie française. Au prix exorbitant de sa vie, il est entré dans la légende, faisant de son nom le symbole de la gastronomie française dans le monde entier. Le poisson ne fût jamais mangé, mais le Grand Condé se réconcilia avec le roi Soleil. » Cette fête admirée par la cour et par le roi marque le retour en grâce du Grand Condé auprès de Louis XIV qui va user de ses services pour les guerres à venir. Et François Vatel, à 40 ans, entre dans la légende des grands organisateurs de festins d’exception associés à l’histoire de France.Autrement dit, après l’échec avec Fouquet, mission accomplie dix ans après avec Condé. Vous avez aimé ces citations commentées ? Vous allez adorer notre Histoire en citations, de la Gaule à nos jours, en numérique ou en papier : Feuilletez-les gratuitement

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Apparus aux États-Unis en 2004 et utilisés depuis de façon équivalente, ces néologismes désignent plus particulièrement une culture politique dans laquelle les leaders politiques orientent les débats vers l'émotion en usant abondamment d'éléments de langage et en ignorant, consciemment ou non, les faits ainsi que la nécessité d'y soumettre leur argumentation, ceci à des fins électorales[6]. Contexte historique[modifier le code] Article détaillé : Vérité. Dans le judaïsme et le christianisme, se développe une conception dualiste de l'existence, où l'on oppose frontalement « la réalité » à « la vérité ». La première fait référence à l'existence (le monde dans lequel, concrètement, évoluent les êtres et qui est identifié par la Bible à celui de la Chute). La seconde relève exclusivement de Dieu : seul le Christ, par le mystère de l'incarnation et celui de la résurrection, est à même d'opérer la jonction entre les deux[7].[source insuffisante] Au fil de l'évolution du christianisme, notamment sous l'influence du thomisme et du franciscanisme, cette différenciation va s'expliciter en termes philosophiques : la réalité est alors considérée comme d'ordre ontologique (que l'on peut approcher par la raison) tandis que la vérité est une catégorie gnoséologique. Cette dernière concerne la volonté de Dieu et n'est abordable que par l'expérience de la foi. En résumé : les choses sont réelles ou non tandis que ce que l'on en dit est vrai ou faux, (plus précisément : conforme ou non à la volonté de Dieu). Au XIIIe siècle, Thomas d'Aquin est connu pour avoir formulé l'idée qu'il est possible de concilier la foi et la raison à la condition de ne pas les mettre sur le même plan mais de les faire « cohabiter » de façon dialectique. Mais ce rapport dialectique est ébranlé à la fin du Moyen Âge du fait de la sécularisation qui gagne l'ensemble de l'Occident, marqué par l'éclosion des philosophies humanistes. À travers l'idéologie du progrès, les humains s'approprient progressivement des capacités que, jusqu'alors, ils attribuaient à Dieu, en premier lieu la connaissance de l'Univers. On peut alors résumer ainsi cette mutation : la raison s'oppose à la foi puis, dans les mentalités, la science se substitue à la religion en tant qu'instance d'autorité ; ce qui concernait la foi relève désormais de la logique, du langage et de la connaissance. Ce que l'on considère comme « vrai » ou « faux » ne relève plus de la volonté de Dieu mais de ce qui, dans l'intellect, est « conforme à la réalité ». Le rapport des humains à la réalité (la nature, les faits…) se retrouve alors sensiblement modifié. C'est ainsi qu'au XVIIe siècle, sous l'influence du progrès scientifique, plusieurs intellectuels, notamment Descartes, estiment qu'il est légitime que les humains s'éprouvent « comme maîtres et possesseurs de la nature ». Et au XVIIIe siècle, portés par la philosophie des Lumières et par le biais cette fois du progrès technique et de la révolution industrielle, les humains façonnent effectivement la nature, se posant en démiurges et banalisant l'athéisme : « Dieu est mort », proclame Nietzsche à la fin du XIXe siècle. À nouveau un siècle plus tard, les philosophes post-modernes et post-structuralistes se montrent plus radicaux encore, ils affirment qu'il est illusoire de croire en une vérité, notamment en une explication englobante et surplombante de l'histoire. À la même époque, et de façon analogue, la montée en puissance de l'individualisme est telle que s'impose dans l'opinion l'idée selon laquelle « chacun détient sa vérité ». Au XXe siècle, l'idéologie capitaliste gagne toute la planète. Et, bien avant la dislocation de l'URSS, le philosophe Guy Debord avance qu'en avalisant le capitalisme, les humains en viennent à « fétichiser les marchandises », si bien que la société n'est plus alors qu'une fiction, le « spectacle » d'un fantasme collectif. Dès les premières pages de son livre, La Société du Spectacle, il cite ces mots du philosophe allemand Ludwig Feuerbach : « Et sans doute notre temps préfère l’image à la chose, la copie à l’original, la représentation à la réalité, l’apparence à l’être. Ce qui est sacré pour lui, ce n’est que l’illusion, mais ce qui est profane, c’est la vérité. Mieux, le sacré grandit à ses yeux à mesure que décroît la vérité et que l’illusion croît, si bien que le comble de l’illusion est aussi pour lui le comble du sacré[8]. » Le progrès technique poursuit sa lancée : la démocratisation de l'électricité et de l'automobile, la généralisation du confort ménager, puis de la télévision, des médias et enfin d'internet (pour ne citer que ces exemples) bénéficient d'un accueil enthousiaste. Certes, durant les années 1960, la société de consommation est l'objet d'étude de différents sociologues[9] mais seuls de rares intellectuels critiquent en profondeur l'idée qu'« on n'arrête pas le progrès ». L'essor des nouvelles technologies brouille davantage les limites entre « réalité » et « vérité ». À partir des années 1980, la dématérialisation de l'argent et la prolifération des transactions financières par voie électronique promeuvent la nouvelle économie au détriment de la précédente, rabaissée au rang d'« économie… réelle ». De même, les appareillages de réalité virtuelle rendent toujours plus insignifiante (non pertinente d'un point de vue intellectuel) l'idée même de vérité[réf. nécessaire]. Selon Jacques Ellul, auteur de nombreux ouvrages sur la question du progrès, la prolifération des images (notamment par le biais des écrans) et plus généralement le recours à toutes sortes de techniques sont tels que les humains sont de moins en moins ouverts à la parole contradictoire, ce qui a pour conséquences de désamorcer l'esprit critique et de discréditer la notion même de vérité : « La parole nous introduit dans le temps. […] Elle ne se réfère pas au réel mais au vrai. Bien entendu, je ne présume rien au sujet de la vérité, je ne prétends pas la définir, je veux dire seulement qu'il y a deux ordres de connaissance pour l'homme : celles qui se rapportent à cette réalité concrète, expérimentale, qui l'entoure, et celles qui proviennent de cet univers parlé, qu'il invente, qu'il institue, qu'il « origine » par la parole, et où il puise sens et compréhension […] Or lorsqu'il utilise le haut-parleur, lorsqu'il écrase les autres par la puissance des appareils, lorsque la télé parle, il n'y a plus de parole, parce qu'il n'y a aucun dialogue possible[10]. » Ce qui conduit Ellul à conclure que « nous vivons une ère sans précédent ». Alors qu'au fil du siècle l'évolution de l'humanité avait été marquée par l'importance croissante accordée à la politique en regard de la religion[11] et la croyance en une relative objectivité des médias, un renversement radical de tendance s'opère durant la dernière décennie. Ainsi, l'émergence du concept post-vérité, au tout début du XXIe siècle, correspond à l'apparition de deux facteurs : le moment où les humains, de plus en plus nombreux à utiliser internet, ne sont plus seulement des consommateurs de médias mais aussi des producteurs (blogs, partages sur les réseaux sociaux, émissions de messages divers et nombreux depuis les smartphones…) ; ceci sans devoir être nécessairement soumis à des règles déontologiques, comme le sont les journalistes ; la perte de crédibilité du personnel politique, qui est de plus en plus brocardé, voire dénigré (concept de politique spectacle). Ces deux facteurs sont liés car c'est à partir du moment où les technologies confèrent aux humains des capacités nouvelles et accrues qu'ils accordent de moins en moins de pouvoir à leurs dirigeants ainsi qu'aux médias traditionnels[réf. nécessaire]. Les conditions sont alors réunies pour que la théorie du complot se développe sans véritable contre-pouvoir, caractéristique première de l'ère post-vérité. Fin du XXe siècle[modifier le code] L'expression « post-vérité » est récente et d'origine américaine. Dans son livre Au pays des merveilles. Comment l'Amérique s'est détraquée : 500 ans d'histoire, publié en 2017[12], le romancier américain Kurt Andersen (en) affirme que, dès la naissance de leur pays, les Américains ont fait de celui-ci un mythe et que, depuis, leur rapport à la politique est pour une bonne partie irrationnel car teinté de religiosité : « ce pays s’est toujours construit sur des fantasmes, des constructions imaginaires, l’Américain moyen est (donc) bien plus vulnérable à des théories irrationnelles que ses voisins européens. (…) l’Amérique s’est peu à peu transformée sous l’influence de ses fantasmes, au point de devenir parfois un "parc à thème" dont Disneyland est l’archétype »[13]. Le concept post-Truth fait son apparition à la fin du XXe siècle, mais pas encore l'expression. En 1986, le philosophe américain Harry Frankfurt publie un article intitulé « De l'art de dire des conneries », dans lequel il établit un degré de parenté entre le mensonge (lie) et la connerie ou le baratin (bullshit), mais aussi une distinction entre les deux termes : alors qu'un menteur fait délibérément des déclarations fausses, le second ne se réfère même pas à la vérité, n'en tient aucun compte. Et alors que le premier a besoin de connaître la vérité pour mieux la cacher à l'interlocuteur, le second, n'étant intéressé que par ses propres objectifs, ne s'y intéresse absolument pas. Frankfurt conclut : « Les conneries sont un ennemi plus grand de la vérité que les mensonges »[14]. 2001-2003[modifier le code] Au tout début du XXIe siècle, toujours aux États-Unis, deux événements vont marquer l'opinion, alimentant considérablement la théorie du complot et contribuant à faire émerger l'expression « post-vérité ». En 2002, soit quelques mois après les attentats du 11 septembre 2001, se constitue le 9/11 Truth Movement (Mouvement pour la Vérité du 11 septembre) réunissant des milliers de personnes qui, après avoir échangé un très grand nombre de messages sur internet, doutent des versions qu'en donnent le président G.W. Bush et les médias. Plus la presse qualifie ces positions d'incohérentes[15],[16], plus ce mouvement se développe par effet de réactance. Le 5 février 2003, dans l'hémicycle de l'ONU, le Secrétaire d'État Colin Powell brandit un flacon censé être « la preuve » que les Irakiens fabriquent des armes de destruction massive. Ainsi, alors que l'administration Bush n'a pas encore identifié les commanditaires des attentats, elle désigne l'Irak comme principal responsable et, sur la base d'arguments qui se révéleront par la suite infondés, elle engage la communauté internationale à rejoindre les États-Unis dans la guerre. Le premier événement révèle un mouvement massif de suspicion à l'encontre d'un Président des États-Unis, censé mentir à son peuple, et des médias censés le soutenir dans son mensonge. Le second est un authentique mensonge, cette fois émanant de son Secrétaire d'État ; mensonge qui sera par la suite reconnu mais jamais sanctionné : ni aux États-Unis, ni par la communauté internationale (en 2005, Colin Powell exprimera simplement son « amertume » à propos de sa présentation du dossier irakien devant l’ONU : interrogé sur ABC, il affirmera avoir été abusé par ses services et conviendra alors que cela a ruiné sa carrière politique[17]). Dès 2003, ces deux événements provoquent aux États-Unis un mouvement de perplexité quant à la capacité des médias à analyser l'authenticité des propos livrés par le personnel politique : cette année-là est créé Factcheck, site internet d'information américain spécialisé dans la vérification des faits, prélude des arguments qui seront soulevés dès l'année suivante à travers le concept de « post-vérité »[18],[19]. 2004-2015[modifier le code] L'expression « post-vérité » (post-truth) apparaît en 2004, quand l'écrivain américain Ralph Keyes (en) l'utilise dans son livre The Post-Truth Era: Dishonesty and Deception in Contemporary life[20]. La même année, le journaliste Eric Alterman (en) parle d'un « environnement politique post-vérité[trad 1] » et de « la présidence post-vérité[trad 2] » en analysant les fausses assertions de l'administration Bush après les attentats du 11 septembre 2001[21]. La question du rapport vrai/faux dans l'univers politico-médiatique est alors fréquemment débattue aux États-Unis, et de multiples façons. Ainsi, en 2005, l'humoriste Stephen Colbert, dans une émission à succès sur la chaîne Comedy Central, introduit le mot-valise « truthiness » pour illustrer le fait que l'on peut tenir une chose pour vraie sur la base de simples présupposés affectifs, sans jamais tenir compte de faits qui pourraient les infirmer. La même année, Harry Frankfurt développe ses idées dans un livre qui connaît un immense succès et qui est traduit l'année suivante sous le titre De l'art de dire des conneries. En 2006, il publie un ouvrage complémentaire, On Truth. L'année suivante, le Truth-O-Meter du site Politifact attribue une note aux politiciens qui candidatent à la présidence des États-Unis et, en 2009, le site est récompensé par le Prix Pulitzer, la plus haute récompense journalistique du pays[22]. L'expression post truth politics est popularisée en avril 2010 par le blogueur David Roberts[23],[24]. Ce dernier définit la post-truth politics comme « une culture politique dans laquelle l'opinion publique et les médias sont presque entièrement déconnectés des politiques (la substance de la législation)[trad 3]. » Par ailleurs, en France le sentiment que les politiciens traditionnels sont en décalage s'exprime : en 2012, le politologue Roland Cayrol affirme qu'ils sont à la fois craintifs du peuple et vivant à l’écart de ses préoccupations, suscitant de la sorte son exaspération et ses humeurs[25]. 2016-2021[modifier le code] Article connexe : trumpisme. En 2016, deux événements contribuent à faire entrer les expressions ère post factuelle et ère post vérité dans le vocabulaire usuel des commentateurs politiques. Le 23 juin, les Britanniques votent majoritairement pour une politique de sortie de l'Union européenne et le 8 novembre, le milliardaire et ancien animateur d'émission de téléréalité Donald Trump est élu Président des États-Unis. Une majorité d'analystes établissent alors de nombreux parallèles entre les campagnes ayant précédé ces deux scrutins[26], notamment — fait nouveau — une propension des deux leaders (Boris Johnson, ancien maire de Londres, mais surtout Donald Trump) à recourir à un vocabulaire outrancier et machiste[27], afficher des coiffures excentriques[28] et des expressions grimaçantes[29], énoncer quantités de contre-vérités[30] ou recourir à une rhétorique basée sur la violence[31]. De part et d'autre de l'Atlantique, les militants opposés à ces deux leaders ne manquent pas de les comparer[32]. Le mandat de Donald Trump (janvier 2017 - janvier 2021) marque une étape à part entière du phénomène des fake news. Selon le Washington Post, en effet, le président en a émis plus de 20 000 jusqu'en juillet 2020[33] et plus de 30 000 à son départ de la Maison-Blanche[34]. Le phénomène prend une tournure particulière le 22 janvier 2017, soit deux jours à peine après l'investiture de Donald Trump, quand Kellyanne Conway, sa conseillère, lors d’un échange sur la chaîne NBC, critique la façon dont la presse a rendu compte de la cérémonie d'investiture du président, estimant que les médias ont annoncé à tort que la foule présente était moins nombreuse que lors des cérémonies précédentes. Elle invite le journaliste Chuck Todd à se référer au communiqué de Sean Spicer, porte-parole de la Maison blanche, concluant son propos par ces mots : « il a donné des « faits alternatifs » »[35]. Une nouvelle étape est franchie en mai 2018 quand le gouvernement ukrainien annonce que le journaliste russe Arkadi Babtchenko, connu pour ses positions critiques envers la politique de Vladimir Poutine, a été assassiné. La nouvelle est aussitôt relayée par la presse[36]. Mais dès le lendemain, les autorités ukrainiennes font savoir que cette annonce était en réalité une fausse information, le journaliste expliquant lui-même que cette opération de communication était destinée à déjouer les véritables plans d'un assassinat commandité par la Russie et mettre la main sur les tueurs à gage recrutés pour ce crime[37]. Après cette révélation, un grand nombre de médias critiquent sévèrement cette mise en scène, "s’interrogeant sur l’utilisation d’une « fake news » pour faire la lumière sur la vérité"[38]. Le quotidien The Guardian regrette que cette vraie-fausse mort puisse “donner du grain à moudre à la machine de propagande du Kremlin”. Et le site Foreign Policy souhaite avec ironie “la bienvenue dans un monde de géopolitique post-vérité”[39]. Une nouvelle ère politique s'ouvre[40], où s'exprimerait, « en creux, l’idée d’une société dont il faudrait sans cesse décoder les messages cachés et où la forme a(urait) définitivement pris le pas sur le fond »[41]. En 2019, le journaliste Amaury de Rochegonde estime que « les contenus haineux et les « fake news » sont de plus en plus présents sur internet, les réseaux sociaux et parfois même les chaînes d’information »[42]. Cet avis est partagé par le philosophe Bertrand Vergely, selon qui « les « fakes » sont (non seulement) de plus en plus nombreux (mais) de moins en moins détectables[43] ». Plus radicale encore, sa collègue Myriam Revault d'Allonnes, auteure de La faiblesse du vrai, pense que « les gens en arrivent à croire des choses dont ils savent qu’elles sont fausses » et que « cela ne porte pas seulement atteinte à la question de la vérité en tant que telle mais aussi à la capacité même de se forger un jugement »[44]. Le terme « deepfake » (hypertrucage) fait son apparition en 2017 aux États-Unis pour désigner l'idée qu'à l'avenir, avec le développement exponentiel de l'informatique (notamment le deep learning), les actes catégorisés « post-vérité » ne se limiteront plus à de fausses informations écrites et à des photographies trafiquées : de plus en plus, des vidéos seront entièrement (image et son) détournées, le niveau technique des manipulations étant si perfectionné que tout effet de trucage deviendra imperceptible[45],[46],[47],[48]. Ewa Kijak, experte en imagerie numérique à l’École supérieure d'ingénieurs de Rennes, affirme : « jusqu'à présent, la vidéo était peut-être encore quelque chose qu'on pouvait croire. On se disait que c'était compliqué à modifier. Maintenant, ce sera encore un média auquel on ne pourra plus faire confiance[49]. » À partir de 2018, différents médias s'interrogent : les deepfakes peuvent-elles menacer la démocratie[50] ? Et en juin 2019, le House Intelligence Committee, commission permanente du Congrès chargée de surveiller les activités des agences de renseignement américaines, tient sa toute première audience dédiée aux menaces liées aux deepfakes[réf. souhaitée]. Mais, c'est essentiellement autour des propos tenus par Donald Trump tout au long de son mandat que s'élabore le débat sur les fake news et la post-vérité. Durant ces quatre années, en effet, Trump suit un plan de communication (en) où les fake news, y compris les plus insensées, occupent une place centrale ; ceci sans que l'exercice de son mandat ne s'en trouve fondamentalement troublé, les cadres de son parti, le Parti Républicain, s'abstenant majoritairement de le critiquer[51]. Ainsi le 23 avril 2020, en pleine pandémie de Covid, devant plusieurs personnes de son administration, le président des États-Unis prétend que l'injection d'eau de Javel et l'exposition aux rayons ultraviolets peuvent servir de remèdes[52]. L'émission de fake news par Donald Trump atteint son niveau le plus élevé le 7 novembre 2020, quand sont annoncés les résultats de l'élection à la présidentielle qui le donnent largement perdant : « j'ai gagné cette élection et de beaucoup ! » proclame t-il à l'occasion d'un nouveau tweet[53]. À partir de 2021[modifier le code] Le 6 janvier 2021, refusant toujours d'admettre sa défaite électorale malgré l'échec de ses différents recours en justice, le président Trump encourage les citoyens à se rendre en masse au Capitole afin d'empêcher les parlementaires de valider la victoire de son adversaire, Joseph Biden. Ce mouvement de masse se transformant rapidement et pendant plusieurs heures en émeute, une majorité de commentateurs soulignent l'extrême dangerosité de la prolifération des fake news sur la démocratie : « La post-vérité, c’est le pré-fascisme, et Trump a été notre président post-vérité » affirme notamment l'historien Timothy Snyder[54]. Plus largement, les analyses de la montée en puissance des fake news, à travers le phénomène du complotisme, pointent une dégradation générale des mentalités, toutes sensibilités politiques confondues[55]. L'accession de Joseph Biden à la Maison Blanche marque un certain retour à la décence dans le paysage politique américain mais, avant même que ne soient survenus les événements, un grand nombre de journalistes et d'essayistes se demandent s'il est « encore possible de sortir de la post-vérité »[56]. Une impossible définition[modifier le code] Articles détaillés : vérité, fait social, objectivité, subjectivité, Interprétation (psychanalyse) et distanciation (médiation). L'expression « post-vérité » est « largement illusoire », estime Sylvain Parasie, sociologue des médias à l’Université Paris-Est-Marne-la-Vallée. « Elle suppose que les faits vrais auraient jadis exclusivement compté dans le débat politique et que nous aurions basculé dans une nouvelle ère. Or, le débat politique s’organise autour de faits, mais toujours également autour de valeurs et d’émotions »[57]. Le sociologue Gérald Bronner juge le terme « mal choisi » car il laisse penser « que les gens sont devenus indifférents à la vérité », thèse à laquelle il ne souscrit pas : il « préfère parler […] de « démocratie des crédules », car cette expression permet de souligner le rapport étroit et paradoxal entre le développement de la crédulité et celui de la liberté d’expression »[58]. Plus tranchée, Ingrid Riocreux, universitaire spécialiste de rhétorique et stylistique, avance que le terme n'est souvent qu'une nouvelle manière de dire « mensonge » tout en paraissant ne pas porter de jugement moral. Elle ajoute que si les médias veulent désigner par là des procédés visant à « tordre le réel » pour le mettre au service d'une thèse ou d'une cause, « alors ils devraient se reconnaître comme des maîtres de post-vérité »[59]. Il est d'autant moins aisé d'apporter une définition des expressions « post-vérité » et « post-factuel » qu'il est difficile de définir les mots « vérité » et « fait ». Régulièrement soulevées par la religion[60] et ayant également ponctué toute l'histoire de la philosophie, les questions « qu'est ce qu'un fait ? » et « qu'est ce que la vérité ? » sont en effet de celles qui attisent les polémiques mais restent sans réponses en raison de l'intrication sujet-objet, ainsi que le démontre la pensée herméneutique[61],[62]. De surcroît, avant même que ne soient utilisées les expressions « post-vérité » et « post-factuel », la notion de vérité était loin de s'accorder avec l'idée générale que l'on avait de la politique et de la presse. Vérité et politique[modifier le code] L'idée que la politique n'entretient aucun rapport avec la morale ou l'éthique est ancienne. Le nom du premier grand théoricien moderne de la politique, Nicolas Machiavel (début du XVIe siècle) est à l'origine de l'adjectif « machiavélique » et de l'idée selon laquelle il peut être nécessaire au prince d'user du mensonge et de la dissimulation s'il veut conserver le pouvoir et qu'il lui faut donc savoir simuler les vertus[63]. En 1733, l'Écossais John Arbuthnot écrivait un pamphlet intitulé L'Art du mensonge politique dans lequel il apparentait le mensonge en politique à la démagogie et le définissait comme « l'art de convaincre le peuple » et « l'art de lui faire croire des faussetés salutaires et cela pour quelque bonne fin ». En 1797, une controverse a opposé le député français Benjamin Constant et le philosophe allemand Emmanuel Kant, le premier alléguant un « droit au mensonge » en matière de politique, le second s'en offusquant et jugeant ce « prétendu droit » contraire à toute morale élémentaire[64],[65]. Au début du XXe siècle, Henri Queuille, ministre de la Troisième République donnait du crédit à ce droit au mensonge en politique par la formule « les promesses n’engagent que ceux qui les écoutent »[66]. Autre apophtegme du même, qui situe bien le positionnement du politique : « La politique n'est pas l'art de résoudre les problèmes, mais de faire taire ceux qui les posent. »[66].[source insuffisante] Depuis, les individus ont progressivement intégré l'idée que le mensonge n'est pas un vice en politique tout en admettant qu'il peut l'être dans la sphère privée. Il est toutefois fondamental de ne pas confondre ici le mensonge et les promesses, auquel la plupart des individus sont désormais accoutumés, et le mensonge sur les faits (cf infra : la distinction opérée par Hannah Arendt entre vérité de raison et vérité de fait). La notion de post-vérité ne joue en effet que sur la seconde acception. Il est significatif que le concept de post-Truth politics soit apparu aux États-Unis car, depuis 1788, le président de ce pays peut être destitué s'il apparaît qu'il a menti sur un fait, même apparemment mineur (procédure d'impeachment)[67]. La plupart des commentateurs (notamment le documentariste Michael Moore et l'historien Allan Lichtman) se demandent par conséquent comment les mensonges sur les faits de Donald Trump, durant sa campagne électorale, ne l'ont pas empêché d'accéder à la magistrature suprême et s'ils se poursuivront passé le 20 janvier 2017, date de son investiture, quand, sur la Bible, il a prêté serment de loyauté au peuple américain[68]. À l'inverse, Marie Petitcuénot, membre d'un cabinet de conseil d'influence intervenant auprès de chefs d'entreprise et de personnalités politiques, estime que " vérité et transparence sont les premiers arguments marketing des partis politiques : elles n’ont plus rien à voir avec les faits (…), plus de rapport avec la réalité ; elles sont devenues des tics de langage. (…) Quand un homme politique déclare : " je vais vous dire la vérité ", il met en œuvre une stratégie, manipule son auditoire. Brandir la vérité est (…) une manière de prendre le pouvoir. La vérité en politique est une tyrannie "[69]. Vérité et journalisme[modifier le code] Articles détaillés : vérité, fait social, objectivité, subjectivité, Interprétation (psychanalyse) et distanciation (médiation). Au XIXe siècle, la plupart des historiens tels que Leopold von Ranke, estimaient que l'histoire vise à raconter « comment les "faits" se sont "vraiment" passés ». En 1919, le sociologue allemand Max Weber a invité les intellectuels à s'extraire de cette conception scientiste et a énoncé l'un des principes fondateurs des sciences sociales, le principe de neutralité axiologique, selon lequel tout intellectuel, savant ou journaliste, doit non pas s'interdire d'émettre des jugements de valeur lorsqu'il étudie un fait social mais en prendre conscience et le spécifier : préciser sous quel angle il oriente son analyse et quels sont ses critères. Weber a en particulier souligné la difficulté du journaliste à satisfaire cette exigence, en raison de la réactivité aux événements à laquelle son métier le contraint : « Peu de gens ont conscience qu'une production journalistique réellement bonne exige au moins autant d'esprit que n'importe quelle production savante, surtout du fait de la nécessité d'être produite sans délai, à la demande, et de devoir avoir une efficacité immédiate. » — Max Weber, « La profession et la vocation de politique », in Le savant et le politique, La Découverte/Poche, 2003, réimpression 2014, p. 152. Ce que Katharine Viner indique à travers l'expression « post-vérité », c'est que cette difficulté de concilier vérité et réactivité s'accentue sans cesse avec les multiples applications du numérique[70]. Plus la masse d'informations est abondante, contraignant elle-même toujours plus le journaliste à s'y montrer réactif, plus la tâche d'analyser les événements politiques avec discernement devient problématique. D'après le journaliste Daniel Cornu, se référant aux travaux de Max Weber, cette tâche est de plus en plus ardue du fait que, « par sa mission publique, le journaliste se meut dans le politique, il revêt lui-même un statut politique »[71]. Plusieurs associations (notamment Acrimed, en France) et blogs, de même que certains journalistes, reprochent régulièrement à la presse grand public non seulement de manquer d'indépendance (notamment en raison de la dépendance des recettes publicitaires) mais d'entretenir de véritables liens de connivence avec le milieu politique[72]. « À Sciences-Po, rappelle l'historien du journalisme Alexis Lévrier, se côtoient nos futures élites politiques et médiatiques. Journalistes et personnalités politiques appartiennent souvent au même milieu sociologique ». À tel point, précise-t-il, que « la connivence est irréversible »[73] et que Cédric Mathiot, animateur de la rubrique « Désintox » à Libération, estime qu'il devient nécessaire de « fact-checker les journalistes » eux-mêmes[74]. Qui plus est, la vérification par les faits ne résulte pas autant qu'il paraît de la déontologie du journaliste (il en a toujours fait partie[75]) que du fait qu'il est imposé par le progrès technique : « Les raisons (de son développement) sont diverses, explique Thomas Legrand, mais n'ont rien à voir avec une supposée plus ou moins grande audace des journalistes ou plus ou moins grande liberté de la presse. C'est une question d'abord bêtement technique : nous sommes passés de la bande magnétique et vidéo au numérique et nous pouvons garder, chacun d'entre nous, journaliste ou non, et classer tout ce qui se dit. Internet fait le reste : tout est à la disposition de tout le monde en un clic »[76]. Selon le sociologue Dominique Cardon, le concept « post-vérité » présente un caractère paradoxal : « on s’inquiète de la post-vérité à un moment où les informations n’ont jamais été autant vérifiées »[57]. Mais selon l'association Technologos, cette situation cesse d'apparaître paradoxale si l'on prend en compte le fait que le numérique est à la fois à l'origine de la prolifération de bullshit sur les réseaux sociaux et des techniques de fact-checking visant à contrecarrer celui-ci[77]. Si bien que, dans cette combinaison de désinformation et de réfutation, le sens même de la vérité s'émousse : ce n'est plus tant un manque de vérité qui fait aujourd'hui défaut qu'un manque de vraisemblance et ce manque de vraisemblance lui-même ne constitue plus un obstacle : les mensonges sont énormes, on peut les identifier sans mal et pourtant, « ils passent », ils sont banalisés[78]. Patrick Michel, de l'association Acrimed, constate que les grands médias sont aujourd'hui dans une position de plus en plus défensive face aux fake news», multipliant les rubriques de vérification par les faits, créant des outils sophistiqués tels que le décodex (dont l'efficacité et la légitimité sont critiqués). Selon lui, ils peinent ainsi à percevoir que la diminution de leur audience et leur perte de crédibilité (lire infra) relèvent de leur intrication avec une « oligarchie économique et politique décrédibilisée »[79]. Ses analyses rejoignent celles de Noam Chomsky (voir infra) et de Frédéric Lordon (voir infra), selon qui ces médias font preuve d'allégeance, voire de complaisance, avec l'idéologie libérale, laquelle - en proie à une multitude de crises depuis des décennies - est elle-même en perte de crédibilité. Vérité et fait[modifier le code] Articles détaillés : vérité historique et méthodologie historique. L'équivalence accordée aux expressions « ère post-vérité » et « ère post-factuelle » pose une série de questions philosophiques, relatives à l'articulation même des faits et de la vérité. Dans la mesure où il est impossible de percevoir un fait de façon totalement objective, quelle est la valeur de l'interprétation ? En quoi cette interprétation n'est-elle pas une instrumentalisation des faits, donc une manipulation des esprits ? Traitant ces questions en 1964 dans un essai intitulé « Vérité et politique »[80], Hannah Arendt a considéré que l'historien ne tord pas les faits dès lors qu'il précise comment il les construit mais également comment il ne les noie pas non plus sous un discours axé sur leur interprétation. Faisant référence à ce texte, le philosophe Alain Cambier estime que la post-vérité révèle la vulnérabilité des vérités de fait, qu'Arendt distingue des vérités de raison : si l'on considère que si tous les faits sont construits, alors la notion de vérité perd toute espèce de valeur : « Les vérités de raison possèdent en elles un élément de coercition qui leur fait résister à toute tentative de remise en question arbitraire. En revanche, l’autre type de vérité y semble plus exposé. Les activistes de la post-vérité ne peuvent être considérés comme de simples menteurs. En politique, le mensonge n’est pas nécessairement une faute : après tout, toute vérité n’est pas nécessairement bonne à dire et son établissement relève plus d’un critère de pertinence que de véracité inconditionnelle. À l’inverse, l’apologie de la vertu et la confusion entre morale et politique peuvent conduire à la Terreur. S’il trompe son interlocuteur, le menteur le fait d’autant plus qu’il connaît exactement la réalité et ne se fait pas d’illusion sur elle. En revanche, l’obsession du négationniste est de ne surtout pas connaître la réalité telle qu’elle est. C’est pourquoi ce dernier s’emploie à ruiner systématiquement la vérité des faits : il construit laborieusement un millefeuille argumentatif, en choisissant quelques éléments qu’il manipule et sort de leur contexte, voire en en inventant de toutes pièces, pour rendre crédibles ses projections imaginaires. » — Alain Cambier, Post-vérité : la raison du plus fou, Le Monde, 19 janvier 2017 Mazarine Pingeot souligne elle aussi la nécessité de " relire Hannah Arendt pour mieux saisir la post-vérité " en commentant un autre passage de « Vérité et politique »[81] : « Le résultat d’une substitution cohérente et totale de mensonges à la vérité de fait n’est pas que les mensonges seront maintenant acceptés comme vérité, ni que la vérité sera diffamée comme mensonge, mais que le sens par lequel nous nous orientons dans le monde réel – et la catégorie de la vérité relativement à la fausseté compte parmi les moyens mentaux de cette fin – se trouve détruit. » — Hannah Arendt, "Vérité et politique", in La Crise de la culture, Folio poche p. 327-328. Selon elle, " le danger de la post-vérité n’est pas le mensonge, qui en soi peut même constituer une forme de liberté par rapport au factuel, mais bien l’indifférence à la distinction entre mensonge et vérité. (…) On peut admettre soit que (Hannah Arendt) était visionnaire, soit que le concept de post-vérité remonte malheureusement bien plus loin que les lubies d’un Donald Trump adossées à l’exponentielle prolifération de la rumeur et de l’opinion indépendamment de tout fact checking que représente la Toile ; la post-vérité est la vérité de tout totalitarisme, autrement dit de toute politique où l’idéologie tend à se substituer intégralement au réel ". Au-delà de l’analyse de la post-vérité comme affaiblissement du rôle des faits vérifiables dans le débat public, certains auteurs proposent d’examiner la dimension normative de cette évolution. La Théorie de l’Inversion Morale d’État analyse ainsi des situations où la post-vérité ne se limite pas à un désordre informationnel, mais s’institutionnalise sous la forme d’une morale politique, rendant la loyauté au récit officiel socialement et civiquement valorisée[82]. Description[modifier le code] Les notions de fait et de vérité étant indéfinissables, les concepts de post-vérité et de post-factuel le sont a fortiori, au point que certains sociologues avancent qu'ils n'aident en rien à comprendre la situation qu'ils décrivent[83]. On ne peut donc donner de sens à ces expressions qu'en puisant dans les différents commentaires qui en sont faits. La banalisation du mensonge[modifier le code] Alors qu'il est généralement admis que l'usage du mensonge en politique est coutumier, ce qui est à présent nouveau et significatif, c'est d'une part que les mensonges apparaissent de plus en plus invraisemblables, d'autre part qu'à défaut d'y croire, une majorité d'individus croient en ceux qui les prononcent tout en pouvant admettre qu'ils mentent. Ceci conduit le sociologue Gérald Bronner à considérer notre temps comme celui de la crédulité[84]. Ainsi, selon André Comte-Sponville, « ce n'est pas la possibilité du mensonge, mais l'impossibilité de le dénoncer » qui caractérise la post-vérité[85]. L'exemple qui a donné lieu au succès de l'expression « post-vérité » est celui de la campagne référendaire du Brexit, qui s'est déroulée au printemps 2016. L'organisation Vote Leave, qui regroupait les partisans de la sortie de l'Union européenne, a affirmé à maintes reprises qu'il en coûtait 350 millions de livres par semaine au Royaume-Uni pour en être membre. Cette assertion, qui occultait délibérément divers facteurs notamment les financements dont bénéficient le Royaume-Uni comme les financements européens aux agriculteurs, a été décrite comme « potentiellement trompeuse[trad 4] » par la UK Statistics Authority (en), « non raisonnable[trad 5] » par l'Institute for Fiscal Studies et a été invalidée par BBC News, Channel 4 News et Full Fact (en)[87],[88],[89]. Malgré tout, Vote Leave a continué à véhiculer l'affirmation, ce qui a mené la partisane Sarah Wollaston à quitter le groupe et à critiquer sa « politique post-vérité[trad 6],[86] ». Élément significatif : une fois qu'ils ont obtenu gain de cause, plusieurs des leaders de Vote Leave ont reconnu avoir menti[90] et adopté une posture pragmatique en renonçant notamment à assumer toute responsabilité politique. Le cas de Donald Trump fournit un autre exemple : une semaine après son élection à la présidence des États-Unis, il a déclaré qu'il renonçait à la plupart de ses engagements ou qu'il les reverrait à la baisse, notamment ceux relatifs à l'abrogation de l'Obamacare, la construction du mur entre les États-Unis et le Mexique, l'expulsion des migrants illégaux et le dossier sur le nucléaire iranien[91],[92]. De l'avis de plusieurs analystes, le mensonge ne semble opérer que dans les effets d'annonce tandis que la prise en considération des faits est rétablie une fois remportée la victoire électorale[93],[94]. C'est également ce qu'a déclaré penser le président Obama peu après l'élection de son successeur[95]. Les expressions « ère post-vérité » et « ère post-factuelle » se distinguent en tout état de cause de la contestation ou de la falsification des faits car elles ne sont pas centrées sur ces derniers, ceux-ci étant considérés comme secondaires, voire négligeables, par ceux qui n'entendent pas se soumettre à la vérification par les faits[96]. Le primat de l'émotion sur la raison[modifier le code] Le mysticisme et les croyances ont dominé l'histoire de l'humanité jusqu'à ce que, au XVIIe siècle, le rationalisme et le scepticisme ne viennent prendre une place croissante dans les mentalités, au point d'être quasi unanimement considérés comme les fondements de la modernité et du désenchantement du monde. Lorsque, par conséquent, le dictionnaire d'Oxford définit l'expression « post-vérité » comme « ce qui fait référence à des circonstances dans lesquelles les faits objectifs ont moins d’influence pour modeler l’opinion publique que les appels à l’émotion », le préfixe « post- » indique que ces fondements sont mis à mal, ceci alors que l'idée que la révolution numérique constitue un facteur d'émancipation fait consensus. Quelques sociologues vont jusqu'à considérer que les échanges sur internet non seulement ne diminuent pas le poids des préjugés, la crédulité et les dérives sectaires mais qu'ils les attisent[84]. Du moins de nombreux intellectuels estiment-ils que le cyberespace, tout en symbolisant l'idéal de progrès technique, n'abolit pas la prégnance des émotions sur la raison : « Polémiques, faits divers, images-choc, voyeurisme, micro-trottoir, téléréalité… À l’ère du multimédia, nous assistons au triomphe de l’émotion. Le pouvoir médiatique s’impose en faisant vibrer la sensibilité au rythme haletant de stimulations sonores et visuelles qui produisent une véritable addiction collective aux émotions. Le pouvoir politique joue sur les mêmes ressorts. S’il est vrai que l’émotion est le cheval de Troie de la manipulation, cette débauche d’excitations sensorielles soulève des enjeux éthiques majeurs. Quand nos émotions sont dévoyées, ce sont nos jugements de valeur qui se trouvent pervertis. » — Pierre Le Coz, Le gouvernement des émotions et l’art de déjouer les manipulations, Albin Michel, 2014 L'appel aux émotions de la part du personnel politique est souligné par certains, même s'il ne s'apparente pas au populisme et à la démagogie, a fortiori si tel est le cas. Ainsi en 2004, le constitutionnaliste Guy Carcassonne écrit : « à tort ou à raison, les hommes politiques ont l'impression que l'appréciation que les Français vont porter sur eux ne sera pas liée à la qualité de ce qu'ils disent, mais à la rapidité et à l'intensité de leur émotion »[98]. L'universitaire Claude Poissenot y voit une cause à l'émergence de la notion de post-vérité : « les individus sont désormais définis par un « moi émotionnel ». Devenir soi-même est devenu une norme. (…) Le populisme de « l’après-vérité » (est) un effet pervers de la modernité qui invite les individus à se construire eux-mêmes »[99]. Selon Antoine Nouis, du journal Réforme, l'idée que l'on entrerait dans l'ère post-vérité est liée à la montée en puissance du narcissisme, du fait que les médias s'invitent désormais dans les milieux jusqu'alors réservés à la vie privée et à l'intimité, notamment avec les émissions de téléréalité, univers dont est issu le nouveau président des États-Unis, et de la tendance sociétale à exhiber les signes de richesses, dont il est également coutumier : « C'est la première fois qu'un président est élu qui s'inscrit davantage dans une logique de téléréalité que dans une analyse politique, jouant donc davantage sur l'émotion que sur la raison. Donald Trump est quelqu'un de totalement impulsif, donc imprévisible, la téléréalité est sa marque de fabrique »[100]. La théorie du complot[modifier le code] Article détaillé : Théorie du complot. Dans ses formes les plus extrêmes, comme le 9/11 Truth Movement, le concept « post-factuel » s'apparente à la théorie du complot[101],[102] : les critiques basées sur les faits sont attribuées à un présumé ennemi (l'establishment, les sionistes, les médias…). Ces pratiques visent donc à jeter le discrédit sur les sources et ceux qui s'y réfèrent[103] au point que les rumeurs sont de plus en plus colportées[104] dans les médias (par exemple, les théories sur la citoyenneté ou sur la religion de Barack Obama[105] ou encore le Pizzagate) et les accusations de mensonges sont omniprésentes[106]. Pierre-André Taguieff estime que le raisonnement à l'œuvre dans la théorie du complot donne lieu à un débat stérile dans la mesure où celle-ci ne se prête pas à la réfutation : « l'imaginaire du complot est insatiable, et la thèse du complot, irréfutable. (Pire), les preuves avancées qu'un complot n'existe pas se transforment en autant de "preuves" qu'il existe[107] ». Gérald Bronner estime que les conspirationnistes parviennent d'autant plus à convaincre leurs auditoires qu'ils « singent la pensée méthodique » tout en étant « imperméables à la contradiction »[108]. Selon ces deux penseurs, dès lors que les réseaux sociaux se dérobent à la règle de la vérification des faits et - plus généralement - aux principes de la contradiction et de la réfutabilité, ils ouvrent grand la porte non seulement aux mensonges de toutes sortes mais à leur banalisation dans le paysage audiovisuel. De même, William Davies, professeur en économie politique à l'université Goldsmiths à Londres, estime que le concept d'ère post-vérité est indissociable du succès des théories du complot sur les réseaux sociaux[109]. « Je ne dis pas que c’est la fin de la vérité, affirme-t-il, mais les gens vont devoir commencer à traiter les contenus numériques avec plus de scepticisme. Internet est un outil plus efficace pour les batailles politiques que pour déterminer la vérité »[110]. L'influence des réseaux sociaux[modifier le code] Durant l'été 2016, l'idée de la responsabilité du numérique et d'internet émerge. Cette idée part du constat que les hommes et femmes politiques prennent plus de distance des médias classiques (qu'ils étaient pourtant réputés courtiser jusqu'alors), avec la place croissante prise par les médias numériques et internet comme la blogosphère ou les réseaux sociaux. Non seulement ces nouveaux relais d'opinion ne sont pas tenus par des professionnels censés appliquer une déontologie, telle que celle du journalisme, mais ils sont de plus en plus consultés, au détriment des médias institutionnels, qu'ils qualifient de manipulateurs. Le 12 juillet 2016, Katharine Viner, rédactrice en chef du Guardian, énonce une théorie qui sera longuement commentée dans les semaines et les mois suivants. Elle affirme que si l'on est entré dans l'ère post-factuelle, c'est en premier lieu parce que le numérique a ébranlé notre rapport aux faits : « À l’heure du numérique, il n’a jamais été aussi facile de publier des informations mensongères qui sont immédiatement reprises et passent pour des vérités. (…) Au lieu de renforcer les liens sociaux, d’informer ou de cultiver l’idée q