Villelongue-de-la-Salanque Écouterⓘ est une commune française située dans le nord-est du département des Pyrénées-Orientales, en région Occitanie. Ses habitants sont appelés les Villelonguets. La graphie Villelongais est incorrecte et se rapporte aux habitants d'une autre commune (Villelongue-dels-Monts). Sur le plan historique et culturel, la commune est dans le Roussillon, une ancienne province du royaume de France, qui a existé de 1659 jusqu'en 1790 et qui recouvrait les trois vigueries du Roussillon, du Conflent et de Cerdagne. Exposée à un climat méditerranéen, elle est drainée par la Têt et par deux autres cours d'eau. Villelongue-de-la-Salanque est une commune rurale qui compte 3 335 habitants en 2023, après avoir connu une forte hausse de la population depuis 1962. Elle est dans l'agglomération de Villelongue-de-la-Salanque et fait partie de l'aire d'attraction de Perpignan. Ses habitants sont appelés les Villelonguets ou Villelonguettes. Ce village est situé dans le « pays » (comarca) du Roussillon. Son nom catalan est Vilallonga de la Salanca et ses habitants sont appelés en catalan des Vilallonguets. La commune est devenue au cours des dernières années la banlieue de la deuxième couronne de Perpignan et s'est urbanisée. Géographie[modifier le code] Localisation[modifier le code] Carte de la commune avec localisation de la mairie. La commune de Villelongue-de-la-Salanque se trouve dans le département des Pyrénées-Orientales, en région Occitanie[I 1]. Elle se situe à 8 km à vol d'oiseau de Perpignan[1], préfecture du département La commune fait en outre partie du bassin de vie de Canet-en-Roussillon[I 1]. Les communes les plus proches[Note 1] sont[2] : Sainte-Marie-la-Mer (2,7 km), Canet-en-Roussillon (3,1 km), Torreilles (3,1 km), Bompas (4,2 km), Claira (4,3 km), Saint-Laurent-de-la-Salanque (5,1 km), Pia (5,5 km), Cabestany (6,3 km). Sur le plan historique et culturel, Villelongue-de-la-Salanque fait partie de l'ancienne province du royaume de France, le Roussillon, qui a existé de 1659 jusqu'à la création du département des Pyrénées-Orientales en 1790[3] et qui recouvrait les trois vigueries du Roussillon, du Conflent et de Cerdagne[4]. Communes limitrophes de Villelongue-de-la-Salanque[5] Claira Torreilles Bompas Sainte-Marie-la-Mer Perpignan Canet-en-Roussillon La ville la plus proche est Perpignan, à 9 km de distance. Géologie et relief[modifier le code] Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Votre aide est la bienvenue ! Comment faire ? L'altitude du village est de 8 mètres[6]. La commune est classée en zone de sismicité 3, correspondant à une sismicité modérée[7]. Hydrographie[modifier le code] Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Votre aide est la bienvenue ! Comment faire ? Climat[modifier le code] Plusieurs études ont été menées afin de caractériser les types climatiques auxquels est exposé le territoire national. Les zonages obtenus diffèrent selon les méthodes utilisées, la nature et le nombre des paramètres pris en compte, le maillage territorial des données et la période de référence. En 2010, le climat de la commune était ainsi de type climat méditerranéen franc, selon une étude du Centre national de la recherche scientifique (CNRS) s'appuyant sur une méthode combinant données climatiques et facteurs de milieu (topographie, occupation des sols, etc.) et des données couvrant la période 1971-2000[8]. En 2020, le climat prédominant est classé Csa, selon la classification de Köppen-Geiger, pour la période 1988-2017, à savoir un climat tempéré à été chaud et sec[9]. Par ailleurs Météo-France publie en 2020 une nouvelle typologie des climats de la France métropolitaine dans laquelle la commune est exposée à un climat méditerranéen[10] et est dans la région climatique Provence, Languedoc-Roussillon, caractérisée par une pluviométrie faible en été, un très bon ensoleillement (2 600 h/an), un été chaud (21,5 °C), un air très sec en été, sec en toutes saisons, des vents forts (fréquence de 40 à 50 % de vents > 5 m/s) et peu de brouillards[11]. Elle est en outre dans la zone H3 au titre de la réglementation environnementale 2020 des constructions neuves[12],[13]. Pour la période 1971-2000, la température annuelle moyenne est de 15,1 °C, avec une amplitude thermique annuelle de 15,3 °C. Le cumul annuel moyen de précipitations est de 603 mm, avec 5,3 jours de précipitations en janvier et 2,4 jours en juillet[8]. Pour la période 1991-2020, la température moyenne annuelle observée sur la station météorologique de Météo-France la plus proche, sur la commune de Canet-en-Roussillon à 3 km à vol d'oiseau[14], est de 15,9 °C et le cumul annuel moyen de précipitations est de 658,3 mm[15],[16]. La température maximale relevée sur cette station est de 40,6 °C, atteinte le 17 août 2025 ; la température minimale est de −8 °C, atteinte le 15 janvier 1985[Note 2]. Statistiques 1991-2020 et records station CANET-EN-ROUSSILLON (66) - alt : 16 m, lat : 42°41'12"N, lon : 2°59'01"ERecords établis sur la période du 1er décembre 1961 au 2 octobre 2025 Mois jan. fév. mars avril mai juin jui. août sep. oct. nov. déc. année Température minimale moyenne (°C) 6 6,3 9 10,7 14,7 17,5 19,8 19,9 15,9 12,8 8,7 6,5 12,3 Température moyenne (°C) 9,2 9,7 12,7 14,1 18 21 23,7 23,9 20,1 16,3 12,3 9,8 15,9 Température maximale moyenne (°C) 12,4 13,2 16,4 17,5 21,4 24,5 27,6 27,9 24,4 19,7 15,8 13,1 19,5 Record de froid (°C)date du record −815.01.1985 −804.02.1963 −507.03.1971 0,509.04.1970 204.05.1967 601.06.1962 911.07.1969 718.08.1963 529.09.1993 131.10.1974 −630.11.1969 −525.12.1970 −81985 Record de chaleur (°C)date du record 24,626.01.24 24,604.02.24 28,517.03.1997 27,327.04.1984 34,129.05.25 38,628.06.25 37,123.07.24 40,617.08.25 3805.09.1962 3203.10.1997 2507.11.1995 26,111.12.1961 40,62025 Précipitations (mm) 69,6 47,9 51,3 66,5 49,2 24,1 15,3 29,7 53,5 106,9 83,9 60,4 658,3 Record de pluie en 24 h (mm)date du record 168,527.01.17 15216.02.1982 10404.03.1969 10721.04.20 16818.05.1977 54,527.06.1981 4217.07.1981 111,624.08.02 20002.09.1959 385,513.10.1986 28012.11.1999 140,403.12.03 385,51986 Source : « Fiche 66037001 » [PDF], sur object.files.data.gouv.fr/meteofrance/data, édité le : 06/10/2025 dans l'état de la base (consulté le 1er novembre 2025) Diagramme climatique JFMAMJJASOND 12,4669,6 13,26,347,9 16,4951,3 17,510,766,5 21,414,749,2 24,517,524,1 27,619,815,3 27,919,929,7 24,415,953,5 19,712,8106,9 15,88,783,9 13,16,560,4 Moyennes : • Temp. maxi et mini °C • Précipitation mm Milieux naturels et biodiversité[modifier le code] Aucun espace naturel présentant un intérêt patrimonial n'est recensé sur la commune dans l'inventaire national du patrimoine naturel[17],[18],[19]. Jardins des découvertes, plus de 200 arbres fruitiers, plus 50 variétés différentes, l'association Bio-Diversité en Salanque impulse une dynamique de préservation de ce patrimoine arboricole, un projet de forêt nourricière est en réflexion. Urbanisme[modifier le code] Typologie[modifier le code] Au 1er janvier 2024, Villelongue-de-la-Salanque est catégorisée bourg rural, selon la nouvelle grille communale de densité à sept niveaux définie par l'Insee en 2022[I 2]. Elle appartient à l'unité urbaine de Villelongue-de-la-Salanque[Note 3], une unité urbaine monocommunale constituant une ville isolée[I 3],[I 1]. Par ailleurs la commune fait partie de l'aire d'attraction de Perpignan, dont elle est une commune de la couronne[Note 4],[I 1]. Cette aire, qui regroupe 118 communes, est catégorisée dans les aires de 200 000 à moins de 700 000 habitants[I 4],[I 5]. Occupation des sols[modifier le code] L'occupation des sols de la commune, telle qu'elle ressort de la base de données européenne d’occupation biophysique des sols Corine Land Cover (CLC), est marquée par l'importance des territoires agricoles (85,7 % en 2018), en diminution par rapport à 1990 (89,8 %). La répartition détaillée en 2018 est la suivante : zones agricoles hétérogènes (85,7 %), zones urbanisées (14,3 %)[20]. L'évolution de l’occupation des sols de la commune et de ses infrastructures peut être observée sur les différentes représentations cartographiques du territoire : la carte de Cassini (XVIIIe siècle), la carte d'état-major (1820-1866) et les cartes ou photos aériennes de l'IGN pour la période actuelle (1950 à aujourd'hui)[Carte 1]. Voies de communication et transports[modifier le code] Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Votre aide est la bienvenue ! Comment faire ? La ligne 5 du réseau urbain Sankéo relie la commune à la gare de Perpignan depuis Sainte-Marie-la-Mer. Risques majeurs[modifier le code] Le territoire de la commune de Villelongue-de-la-Salanque est vulnérable à différents aléas naturels : inondations, climatiques (grand froid ou canicule), mouvements de terrains et séisme (sismicité modérée). Il est également exposé à un risque technologique, la rupture d'un barrage[21],[22]. Risques naturels[modifier le code] Certaines parties du territoire communal sont susceptibles d’être affectées par le risque d’inondation par crue torrentielle de cours d'eau du bassin de la Têt. La commune fait partie du territoire à risques importants d'inondation (TRI) de Perpignan-Saint-Cyprien, regroupant 43 communes du bassin de vie de l'agglomération perpignanaise, un des 31 TRI qui ont été arrêtés le 12 décembre 2012 sur le bassin Rhône-Méditerranée. Des cartes des surfaces inondables ont été établies pour trois scénarios : fréquent (crue de temps de retour de 10 ans à 30 ans), moyen (temps de retour de 100 ans à 300 ans) et extrême (temps de retour de l'ordre de 1 000 ans, qui met en défaut tout système de protection)[23],[24]. Les mouvements de terrains susceptibles de se produire sur la commune sont liés au retrait-gonflement des argiles[25]. Une cartographie nationale de l'aléa retrait-gonflement des argiles permet de connaître les sols argileux ou marneux susceptibles vis-à-vis de ce phénomène[26]. Ces risques naturels sont pris en compte dans l'aménagement du territoire de la commune par le biais d'un plan de prévention des risques inondations[27]. Carte des zones inondables. Carte des zones d'aléa retrait-gonflement des argiles. Risques technologiques[modifier le code] Dans le département des Pyrénées-Orientales, on dénombre sept grands barrages susceptibles d’occasionner des dégâts en cas de rupture. La commune fait partie des 66 communes susceptibles d’être touchées par l’onde de submersion consécutive à la rupture d’un de ces barrages, le barrage de Caramany sur l'Agly ou les barrages des Bouillouses et de Vinça sur la Têt[28]. Toponymie[modifier le code] En catalan, le nom de la commune est Vilallonga de la Salanca[29]. Histoire[modifier le code] Villelongue-de-la-Salanque est une ancienne commune médiévale puisqu'on retrouve la trace du nom de « Villa longa » en 934. Le nom Salanque a été joint au nom de la commune au XIVe siècle et surtout dès le XVIIe siècle. Le lieu est mentionné en 981 dans un précepte du roi Lothaire en faveur de l'abbaye de Saint-Génis-des-Fontaines, qui y possédait un alleu « à Villelongue sur le fleuve Têt ». Par la suite, une famille de Vilallonga semble avoir détenu la seigneurie dès le XIe siècle et sans doute jusque dans le courant du XIIe siècle[6]. La commune est construite en colimaçon autour de son église et des fortifications sont apparues au XIVe siècle. Un seigneur de Villelongue est présent en 1319. Le majordome du roi de Majorque Pierre de Bellcastell reçoit des droits de justice sur Villelongue de la Salanque et son fils François est le premier seigneur dont on a une preuve formelle. Au cours du temps, le village a appartenu à l'Espagne comme en 1375 où il s'était rallié au royaume d’Aragon. Au XVe siècle, la Famille Oms remplace la seigneurie de Villelongue. Villelongue-de-la-Salanque est occupée par Louis XI en 1477 et par les troupes françaises en 1564. En août 1653, le roi de France Louis XIV confisque les terres du seigneur et les donna au comte de Noailles en mars 1656 pour servir à l'entretien de la garnison de Perpignan[30]. En 1906, la querelle des inventaires provoque à Villelongue-de-la-Salanque d'importantes émeutes nécessitant l'intervention en ville des gendarmes, de deux compagnies du 100e de ligne et d'une compagnie du 24e régiment d'infanterie coloniale. Il est nécessaire de détruire la porte de l'église à la hache et de venir à bout d'un incendie de soufre allumé à l'intérieur par les fidèles ayant eu pour effet d'intoxiquer à la fois les forces de l'ordre et les manifestants. L'inventaire ne peut ensuite pas avoir lieu, le mobilier de l'église ayant été dissimulé au préalable dans les environs[31]. Politique et administration[modifier le code] Administration municipale[modifier le code] Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Votre aide est la bienvenue ! Comment faire ? Tendances politiques et résultats[modifier le code] Article connexe : Élections municipales de 2014 dans les Pyrénées-Orientales. Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Votre aide est la bienvenue ! Comment faire ? Liste des maires[modifier le code] Liste des maires successifs Période Identité Étiquette Qualité 1944 1955 Aristide Martre 1955 mars 1959 Justin Riu mars 1959 mars 1983 Émile Cortale dit « Milou » mars 1983 mars 1989 René Macabies mars 1989 mars 2008 Germain Vignau DVD mars 2008 4 juillet 2020 José Lloret DVD Cadre supérieur 4 juillet 2020 en cours Whueymar Deffradas[32] SE Population et société[modifier le code] Démographie ancienne[modifier le code] La population est exprimée en nombre de feux (f) ou d'habitants (H). Évolution de la population 1378 1515 1553 1643 1709 1720 1730 1755 1767 31 f59 f17 f22 f70 f81 f73 f118 f327 H Évolution de la population, suite (1) 1774 1789 1790 - - - - - - 73 f102 f342 H------ (Sources : Jean-Pierre Pélissier, Paroisses et communes de France : dictionnaire d'histoire administrative et démographique, vol. 66 : Pyrénées-Orientales, Paris, CNRS, 1986, 378 p. (ISBN 2-222-03821-9)) Note : 1553 : un autre relevé donne 36 f. Démographie contemporaine[modifier le code] L'évolution du nombre d'habitants est connue à travers les recensements de la population effectués dans la commune depuis 1793. Pour les communes de moins de 10 000 habitants, une enquête de recensement portant sur toute la population est réalisée tous les cinq ans, les populations de référence des années intermédiaires étant quant à elles estimées par interpolation ou extrapolation[33]. Pour la commune, le premier recensement exhaustif entrant dans le cadre du nouveau dispositif a été réalisé en 2007[34]. En 2023, la commune comptait 3 335 habitants[Note 5], en évolution de +2,49 % par rapport à 2017 (Pyrénées-Orientales : +4,72 %, France hors Mayotte : +2,36 %). Évolution de la population [ modifier ] 1793 1800 1806 1821 1831 1836 1841 1846 1851 446456514605571581627780889 Évolution de la population [ modifier ], suite (1) 1856 1861 1866 1872 1876 1881 1886 1891 1896 8598169039721 0051 0411 0931 1451 194 Évolution de la population [ modifier ], suite (2) 1901 1906 1911 1921 1926 1931 1936 1946 1954 1 2441 3041 2841 2981 2791 3901 3751 2821 406 Évolution de la population [ modifier ], suite (3) 1962 1968 1975 1982 1990 1999 2006 2007 2012 1 5401 6421 5482 0272 1392 4612 8562 9123 229 Évolution de la population [ modifier ], suite (4) 2017 2022 2023 - - - - - - 3 2543 3183 335------ De 1962 à 1999 : population sans doubles comptes ; pour les dates suivantes : population municipale.(Sources : Ldh/EHESS/Cassini jusqu'en 1999[35] puis Insee à partir de 2006[36].) Histogramme de l'évolution démographique Évolution du rang de la commune selon la population municipale des années : 1968[37] 1975[37] 1982[37] 1990[37] 1999[37] 2006[38] 2009[39] 2013[40] Rang de la commune dans le département 32 39 34 37 39 37 37 36 Nombre de communes du département 232 217 220 225 226 226 226 226 Enseignement[modifier le code] Il y a sur la commune 2 établissements scolaires: l'école maternelle Jean de La Fontaine l'école primaire Jules Ferry Manifestations culturelles et festivités[modifier le code] Fête patronale : 16 janvier[41]. Santé[modifier le code] Il y a à Villelongue-de-la-Salanque un médecin généraliste, un chirurgien-dentiste et une pharmacie[42]. Sports[modifier le code] Équipements La commune dispose des équipements sportifs suivants : un court de tennis ; un parcours sportif/santé ; une salle polyvalente ; un terrain de rugby ; un terrain de football. Événements Au mois d'avril a lieu une course pédestre hors stade de 10 km, nommée la course de l'artichaut ou "Carxofa". Cette course fait partie du calendrier des courses hors stade du département des Pyrénées-Orientales. Elle a lieu au mois d'avril. La particularité de cette course, qui existe depuis 1996, est que chaque coureur inscrit à la compétition, repart avec des artichauts et des légumes du village[43]. Économie[modifier le code] Revenus[modifier le code] En 2018, la commune compte 1 341 ménages fiscaux[Note 6], regroupant 3 268 personnes. La médiane du revenu disponible par unité de consommation est de 19 930 €[I 6] (19 350 € dans le département[I 7]). 45 % des ménages fiscaux sont imposés[Note 7] (42,1 % dans le département). Emploi[modifier le code] Taux de chômage 2008 2013 2018 Commune[I 8] 8,9 % 10,5 % 12 % Département[I 9] 10,3 % 12,9 % 13,3 % France entière[I 10] 8,3 % 10 % 10 % En 2018, la population âgée de 15 à 64 ans s'élève à 1 965 personnes, parmi lesquelles on compte 74,6 % d'actifs (62,6 % ayant un emploi et 12 % de chômeurs) et 25,4 % d'inactifs[Note 8],[I 8]. Depuis 2008, le taux de chômage communal (au sens du recensement) des 15-64 ans est inférieur à celui du département, mais supérieur à celui de la France. La commune fait partie de la couronne de l'aire d'attraction de Perpignan, du fait qu'au moins 15 % des actifs travaillent dans le pôle[Carte 2],[I 11]. Elle compte 428 emplois en 2018, contre 381 en 2013 et 379 en 2008. Le nombre d'actifs ayant un emploi résidant dans la commune est de 1 240, soit un indicateur de concentration d'emploi de 34,5 % et un taux d'activité parmi les 15 ans ou plus de 55,9 %[I 12]. Sur ces 1 240 actifs de 15 ans ou plus ayant un emploi, 304 travaillent dans la commune, soit 25 % des habitants[I 13]. Pour se rendre au travail, 87,7 % des habitants utilisent un véhicule personnel ou de fonction à quatre roues, 2,4 % les transports en commun, 6,9 % s'y rendent en deux-roues, à vélo ou à pied et 2,9 % n'ont pas besoin de transport (travail au domicile)[I 14]. Activités hors agriculture[modifier le code] Secteurs d'activités[modifier le code] 209 établissements[Note 9] sont implantés à Villelongue-de-la-Salanque au 31 décembre 2019. Le tableau ci-dessous en détaille le nombre par secteur d'activité et compare les ratios avec ceux du département[Note 10],[I 15]. Secteur d'activité Commune Département Nombre % % Ensemble 209 100 % (100 %) Industrie manufacturière, industries extractives et autres 16 7,7 % (8,7 %) Construction 46 22 % (14,3 %) Commerce de gros et de détail, transports, hébergement et restauration 42 20,1 % (30,5 %) Information et communication 3 1,4 % (1,9 %) Activités financières et d'assurance 3 1,4 % (3 %) Activités immobilières 14 6,7 % (6,2 %) Activités spécialisées, scientifiques et techniques et activités de services administratifs et de soutien 34 16,3 % (13 %) Administration publique, enseignement, santé humaine et action sociale 29 13,9 % (13,9 %) Autres activités de services 22 10,5 % (8,5 %) Le secteur de la construction est prépondérant sur la commune puisqu'il représente 22 % du nombre total d'établissements de la commune (46 sur les 209 entreprises implantées à Villelongue-de-la-Salanque), contre 14,3 % au niveau départemental[I 16]. Entreprises et commerces[modifier le code] Les cinq entreprises ayant leur siège social sur le territoire communal qui génèrent le plus de chiffre d'affaires en 2020 sont[44] : Soc Gestion Ctre Interpretation - Sogecie, gestion des sites et monuments historiques et des attractions touristiques similaires (1 429 k€) NF Renov 66, travaux de maçonnerie générale et gros œuvre de bâtiment (254 k€) Hestia, aide à domicile (168 k€) Vaquette, boulangerie et boulangerie-pâtisserie (144 k€) SAS Laura Tarbouriech, location de terrains et d'autres biens immobiliers (95 k€) Agriculture[modifier le code] La commune est dans la « plaine du Roussillon », une petite région agricole occupant la bande côtière et une grande partie centrale du département des Pyrénées-Orientales[45]. En 2020, l'orientation technico-économique de l'agriculture[Note 11] sur la commune est la culture de fleurs et/ou horticulture diverse[Carte 3]. 1988 2000 2010 2020 Exploitations 170 112 53 34 SAU[Note 12] (ha) 755 556 257 163 Le nombre d'exploitations agricoles en activité et ayant leur siège dans la commune est passé de 170 lors du recensement agricole de 1988[Note 13] à 112 en 2000 puis à 53 en 2010[47] et enfin à 34 en 2020[Carte 4], soit une baisse de 80 % en 32 ans. Le même mouvement est observé à l'échelle du département qui a perdu pendant cette période 73 % de ses exploitations[48],[Carte 5]. La surface agricole utilisée sur la commune a également diminué, passant de 755 ha en 1988 à 163 ha en 2020[Carte 6]. Parallèlement la surface agricole utilisée moyenne par exploitation a augmenté, passant de 4 à 5 ha[47]. L'activité de la commune est orientée sur la culture des fruits (abricotiers notamment) et légumes dont plus spécialement l’artichaut. À l'origine, la terre était davantage utilisée pour la vigne qui a peu à peu a été en partie remplacée par les cultures maraîchères. Culture locale et patrimoine[modifier le code] Monuments et lieux touristiques[modifier le code] El Portalet (en cours de rénovation)[Quand ?]. L'église Saint-Marcel de Villelongue-de-la-Salanque, en partie romane et à tour carrée. Elle a été construite au XIIe siècle sous la forme d’une forteresse avec l'autorisation du roi d'Aragon Pierre Ier. Son clocher date de 1508. Elle contient deux monuments funéraires de 1324 et de 1449 inscrits aux monuments historiques. Reconstruite au XIXe siècle dans un style du XVe siècle, elle est consacrée le 1er juin 1878 par Mgr Caraguel, évêque de Perpignan[6]. La chapelle Saint-Sébastien de Villelongue-de-la-Salanque. Église Saint-Marcel de Villelongue-de-la-Salanque Chapelle Saint-Sébastien de Villelongue-de-la-Salanque Personnalités liées à la commune[modifier le code] Miquel Aymar (?-1894) : religieux et écrivain mort à Villelongue, traducteur officiel en catalan de la bulle Ineffabilis de 1854, publiée à Perpignan en 1889 et auteur de la Novena de Sant Josep Patró de la Bona mort ; Sasha Stone (1895-1940) : photographe allemand ayant vécu à Villelongue en 1940[49] ; André Tourné (1915-2001) : homme politique né à Villelongue ; Jean Serre (1936-1989) : joueur de rugby à XV, né à Villelongue, champion de France en 1955 avec l'USAP ; Joan-Pere Pujol (1946-) : écrivain, auteur de plusieurs livres concernant l'occultisme et le catalanisme, a été secrétaire de mairie à Villelongue[50] ; Michel Azama (1947-) : écrivain et dramaturge français, né à Villelongue ; David Marty (1982-) : rugbyman international, a débuté au club de Villelongue ; Joueur du Grenier (1982-) : Youtuber français[pourquoi ?]. Héraldique[modifier le code] Article connexe : Armorial des communes des Pyrénées-Orientales. Blason Fascé vivré d'azur et d'or de huit pièces. Détails Le statut officiel du blason reste à déterminer. Voir aussi[modifier le code] Articles connexes[modifier le code] Liste des communes des Pyrénées-Orientales Liste des anciennes communes des Pyrénées-Orientales Liens externes[modifier le code] Notices d'autorité : () Sur les autres projets Wikimedia : Villelongue-de-la-Salanque sur le site de l'Insee Site officiel de la ville « Climadiag Commune : diagnostiquez les enjeux climatiques de votre collectivité. », sur Météo-France, novembre 2022 (consulté le 1er novembre 2025). Site élaboré à partir des données de projections climatiques de référence DRIAS-2020. Entrer le nom de la commune pour afficher une liste d’indicateurs climatiques caractérisant la commune aux horizons 2030, 2050 et 2100 et pouvoir ainsi s'adapter aux changements climatiques. Notes et références[modifier le code] Notes et cartes[modifier le code] Notes ↑ Les distances sont mesurées entre chefs-lieux de communes à vol d'oiseau. ↑ Les records sont établis sur la période du 1er décembre 1961 au 2 octobre 2025. ↑ Une unité urbaine est, en France, une commune ou un ensemble de communes présentant une zone de bâti continu (pas de coupure de plus de 200 mètres entre deux constructions) et comptant au moins 2 000 habitants. Une commune doit avoir plus de la moitié de sa population dans cette zone bâtie. ↑ La notion d'aire d'attraction des villes a remplacé en octobre 2020 l'ancienne notion d'aire urbaine, pour permettre des comparaisons cohérentes avec les autres pays de l'Union européenne. ↑ Population municipale de référence en vigueur au 1er janvier 2026, millésimée 2023, définie dans les limites territoriales en vigueur au 1er janvier 2025, date de référence statistique : 1er janvier 2023. ↑ Un ménage fiscal est constitué par le regroupement des foyers fiscaux répertoriés dans un même logement. Son existence, une année donnée, tient au fait que coïncident au moins une déclaration indépendante de revenus et l’occupation d’un logement connu à la taxe d’habitation. ↑ La part des ménages fiscaux imposés est le pourcentage des ménages fiscaux qui ont un impôt à acquitter au titre de l'impôt sur le revenu des personnes physiques. L'impôt à acquitter pour un ménage fiscal correspond à la somme des impôts à acquitter par les foyers fiscaux qui le composent. ↑ Les inactifs regroupent, au sens de l'Insee, les élèves, les étudiants, les stagiaires non rémunérés, les pré-retraités, les retraités et les autres inactifs. ↑ L'établissement, au sens de l’Insee, est une unité de production géographiquement individualisée, mais juridiquement dépendante de l'unité légale. Il produit des biens ou des services. ↑ Le champ de ce tableau couvre les activités marchandes hors agriculture. ↑ L'orientation technico-économique est la production dominante de l'exploitation, déterminée selon la contribution de chaque surface ou cheptel à la production brute standard. ↑ Les données relatives à la surface agricole utilisée (SAU) sont localisées à la commune où se situe le lieu principal de production de chaque exploitation. Les chiffres d'une commune doivent donc être interprétés avec prudence, une exploitation pouvant exercer son activité sur plusieurs communes, ou plusieurs départements voire plusieurs régions. ↑ Le recensement agricole est une opération décennale européenne et obligatoire qui a pour objectif d'actualiser les données sur l'agriculture française et de mesurer son poids dans l'agriculture européenne[46]. Cartes ↑ IGN, « Évolution comparée de l'occupation des sols de la commune sur cartes anciennes », sur remonterletemps.ign.fr (consulté le 17 juillet 2023). ↑ Agence nationale de la cohésion des territoires, « Carte de la commune dans le zonage des aires d'attraction de villes. », sur l'observatoire des territoires (consulté le 10 avril 2021). ↑ « Recensement agricole 2020 - Carte de la spécialisation de la production agricole par commune », sur stats.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ « Recensement agricole 2020 - Carte du nombre d'exploitations et de la surface agricole utilisée (SAU) moyenne par commune », sur stats.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ « Recensement agricole 2020 - Carte du nombre d'exploitations et de la surface agricole utilisée par département », sur stats.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ « Recensement agricole 2020 - Carte de la surface agricole utilisée (SAU) par commune et de la SAU moyenne », sur stats.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). Références[modifier le code] Site de l'Insee[modifier le code] ↑ a b c et d Insee, « Métadonnées de la commune de Villelongue-de-la-Salanque ». ↑ « La grille communale de densité », sur le site de l'Insee, 28 mai 2024 (consulté le 29 juin 2024). ↑ « Unité urbaine 2020 de Villelongue-de-la-Salanque », sur le site de l'Insee (consulté le 29 juin 2024). ↑ « Liste des communes composant l'aire d'attraction de Perpignan », sur le site de l'Insee (consulté le 29 juin 2024). ↑ Marie-Pierre de Bellefon, Pascal Eusebio, Jocelyn Forest, Olivier Pégaz-Blanc et Raymond Warnod (Insee), « En France, neuf personnes sur dix vivent dans l’aire d’attraction d’une ville », sur le site de l'Insee, 21 octobre 2020 (consulté le 29 juin 2024). ↑ « REV T1 - Ménages fiscaux de l'année 2018 à Villelongue-de-la-Salanque » (consulté le 18 février 2022). ↑ « REV T1 - Ménages fiscaux de l'année 2018 dans les Pyrénées-Orientales » (consulté le 18 février 2022). ↑ a et b « Emp T1 - Population de 15 à 64 ans par type d'activité en 2018 à Villelongue-de-la-Salanque » (consulté le 18 février 2022). ↑ « Emp T1 - Population de 15 à 64 ans par type d'activité en 2018 dans les Pyrénées-Orientales » (consulté le 18 février 2022). ↑ « Emp T1 - Population de 15 à 64 ans par type d'activité en 2018 dans la France entière » (consulté le 18 février 2022). ↑ « Base des aires d'attraction des villes 2020 », sur site de l'Insee (consulté le 10 avril 2021). ↑ « Emp T5 - Emploi et activité en 2018 à Villelongue-de-la-Salanque » (consulté le 18 février 2022). ↑ « ACT T4 - Lieu de travail des actifs de 15 ans ou plus ayant un emploi qui résident dans la commune en 2018 » (consulté le 18 février 2022). ↑ « ACT G2 - Part des moyens de transport utilisés pour se rendre au travail en 2018 » (consulté le 18 février 2022). ↑ « DEN T5 - Nombre d'établissements par secteur d'activité au 31 décembre 2019 à Villelongue-de-la-Salanque » (consulté le 16 mars 2022). ↑ « DEN T5 - Nombre d'établissements par secteur d'activité au 31 décembre 2019 dans les Pyrénées-Orientales » (consulté le 16 mars 2022). Autres sources[modifier le code] ↑ Stephan Georg, « Distance entre Villelongue-de-la-Salanque et Perpignan », sur fr.distance.to (consulté le 23 août 2021). ↑ « Communes les plus proches de Villelongue-de-la-Salanque », sur villorama.com (consulté le 23 août 2021). ↑ Carrere, J.B., Description de la Province de Roussillon, Paris, chez Lamy, 1788, 438 p. (lire en ligne). ↑ Frédéric Zégierman, Le guide des pays de France - Sud, Paris, Fayard, avril 1999 (ISBN 2-213-59961-0), p. 222-225. ↑ Carte IGN sous Géoportail ↑ a b et c Jean Sagnes (dir.), Le pays catalan, t. 2, Pau, Société nouvelle d'éditions régionales, 1985, 579-1133 p. (ISBN 2904610014). ↑ « Plan séisme » (consulté le 11 juin 2017). ↑ a et b Daniel Joly, Thierry Brossard, Hervé Cardot, Jean Cavailhes, Mohamed Hilal et Pierre Wavresky, « Les types de climats en France, une construction spatiale », Cybergéo, revue européenne de géographie - European Journal of Geography, no 501,‎ 18 juin 2010 (DOI ). ↑ Vincent Dubreuil, « Le changement climatique en France illustré par la classification de Köppen », La Météorologie, no 116,‎ février 2022 (DOI ). ↑ « Le climat en France hexagonale et Corse. », sur meteofrance.com (consulté le 1er novembre 2025). ↑ « Zonages climatiques en France métropolitaine. », sur pluiesextremes.meteo.fr (consulté le 1er novembre 2025). ↑ « Réglementation environnementale RE2020 », sur ecologie.gouv.fr, 18 novembre 2020 (consulté le 5 octobre 2025). ↑ « Répartition des départements par zone climatique » [PDF], sur ecologie.gouv.fr (consulté le 1er novembre 2025) ↑ « Orthodromie entre Villelongue-de-la-Salanque et Canet-en-Roussillon », sur fr.distance.to (consulté le 1er novembre 2025). ↑ « Station Météo-France « Canet-en-Roussillon », sur la commune de Canet-en-Roussillon - fiche climatologique - période 1991-2020. », sur object.files.data.gouv.fr/meteofrance/ (consulté le 1er novembre 2025). ↑ « Station Météo-France « Canet-en-Roussillon », sur la commune de Canet-en-Roussillon - fiche de métadonnées. », sur donneespubliques.meteofrance.fr (consulté le 1er novembre 2025). ↑ « Liste des zones Natura 2000 de la commune de Villelongue-de-la-Salanque », sur le site de l'Inventaire national du patrimoine naturel (consulté le 27 août 2021). ↑ « Liste des ZNIEFF de la commune de Villelongue-de-la-Salanque », sur le site de l'Inventaire national du patrimoine naturel (consulté le 27 août 2021). ↑ « Liste des espaces protégés sur la commune de Villelongue-de-la-Salanque », sur le site de l'Inventaire national du patrimoine naturel (consulté le 27 août 2021). ↑ « CORINE Land Cover (CLC) - Répartition des superficies en 15 postes d'occupation des sols (métropole). », sur le site des données et études statistiques du ministère de la Transition écologique. (consulté le 15 avril 2021). ↑ « Dossier départemental des risques majeurs (DDRM) des Pyrénées-Orientales », sur le site de la préfecture, édition 2017 (consulté le 5 mai 2022), chapitre 1 - Liste des risques par commune. ↑ « Les risques près de chez moi - commune de Villelongue-de-la-Salanque », sur Géorisques (consulté le 17 octobre 2022). ↑ « cartographie des risques d'inondations du tri de perpignan/saint-cyprien », sur le site du service public d’information sur l’eau et les milieux aquatiques dans le bassin Rhône-Méditerranée, 20 novembre 2020 (consulté le 5 mai 2022). ↑ « Dossier départemental des risques majeurs (DDRM) des Pyrénées-Orientales », sur le site de la préfecture, édition 2017 (consulté le 5 mai 2022), partie 1 - chapitre Risque inondation. ↑ « Dossier départemental des risques majeurs (DDRM) des Pyrénées-Orientales », sur le site de la préfecture, édition 2017 (consulté le 5 mai 2022), partie 1 - chapitre Mouvements de terrain. ↑ « Retrait-gonflement des argiles », sur le site de l'observatoire national des risques naturels (consulté le 5 mai 2022). ↑ « Plans de Préventions des Risques naturels - Base de données actualisée à septembre 2020 », sur georisques.gouv.fr/ (consulté le 5 mai 2022). ↑ « Dossier départemental des risques majeurs (DDRM) des Pyrénées-Orientales », sur le site de la préfecture, édition 2017 (consulté le 5 mai 2022), partie 3 - chapitre Risque rupture de barrage. ↑ (ca + fr) Institut d’Estudis Catalans, Université de Perpignan, Nomenclàtor toponímic de la Catalunya del Nord, Barcelone, 2007 (lire en ligne). ↑ http://pyreneescatalanes.free.fr/Villages/Histoire/VillelongueDeLaSalanque.php ↑ Fabricio Cárdenas, 66 petites histoires du Pays Catalan, Perpignan, Ultima Necat, coll. « Les vieux papiers », 2014, 141 p. (ISBN 978-2-36771-006-8, BNF ). ↑ « Villelongue-de-la-Salanque : Whueymar Deffradas élu avec quelques tensions », L'Indépendant,‎ 4 juillet 2020 (lire en ligne, consulté le 5 juillet 2020). ↑ L'organisation du recensement, sur insee.fr. ↑ Calendrier départemental des recensements, sur insee.fr. ↑ Des villages de Cassini aux communes d'aujourd'hui sur le site de l'École des hautes études en sciences sociales. ↑ Fiches Insee - Populations de référence de la commune pour les années 2006, 2007, 2008, 2009, 2010, 2011, 2012, 2013, 2014, 2015, 2016, 2017, 2018, 2019, 2020, 2021, 2022 et 2023. ↑ a b c d et e INSEE, « Population selon le sexe et l'âge quinquennal de 1968 à 2012 (1990 à 2012 pour les DOM) », sur insee.fr, 15 octobre 2015 (consulté le 10 janvier 2016). ↑ INSEE, « Populations légales 2006 des départements et des collectivités d'outre-mer », sur insee.fr, 1er janvier 2009 (consulté le 8 janvier 2016). ↑ INSEE, « Populations légales 2009 des départements et des collectivités d'outre-mer », sur insee.fr, 1er janvier 2012 (consulté le 8 janvier 2016). ↑ INSEE, « Populations légales 2013 des départements et des collectivités d'outre-mer », sur insee.fr, 1er janvier 2016 (consulté le 8 janvier 2016). ↑ Michel de La Torre, Pyrénées-Orientales : Le guide complet de ses 224 communes, Paris, Deslogis-Lacoste, coll. « Villes et villages de France », 1990 (ISBN 2-7399-5066-7). ↑ Site de la mairie, section Professions libérales ↑ Site de la course de l'artichaut ↑ « Entreprises à Villelongue-de-la-Salanque », sur entreprises.lefigaro.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ « Les régions agricoles (RA), petites régions agricoles(PRA) - Année de référence : 2017 », sur agreste.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ Présentation des premiers résultats du recensement agricole 2020, Ministère de l’agriculture et de l’alimentation, 10 décembre 2021 ↑ a et b « Fiche de recensement agricole - Exploitations ayant leur siège dans la commune de Villelongue-de-la-Salanque - Données générales », sur recensement-agricole.agriculture.gouv.fr (consulté le 16 mars 2022). ↑ « Fiche de recensement agricole - Exploitations ayant leur siège dans le département des Pyrénées-Orientales » (consulté le 16 mars 2022). ↑ art75, section Sasha Stone ↑ Site de Joan-Pere Pujol v · mCommunes de la Salanque Baixas (Baixàs) Le Barcarès (El Barcarès) Bompas (Bompàs) Claira (Clairà) Espira-de-l'Agly (Espirà de l'Aglí) Peyrestortes (Paretstortes) Pia (Pià) Rivesaltes (Ribesaltes) Saint-Hippolyte (Sant Hipòlit de la Salanca) Saint-Laurent-de-la-Salanque (Sant Llorenç de la Salanca) Sainte-Marie-la-Mer (Santa Maria la Mar) Salses-le-Château (Salses) Torreilles (Torrelles de la Salanca) Villelongue-de-la-Salanque (Vilallonga de la Salanca) Portail des communes de France Portail des Pays catalans Portail des Pyrénées Portail des Pyrénées-Orientales <img alt="" width="1" height="1" style="border: none; position: absolute;" src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1">; Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Villelongue-de-la-Salanque&oldid=232728058 ».

La Première Guerre mondiale[a], aussi appelée la « Grande Guerre », est un conflit militaire impliquant dans un premier temps les puissances européennes et s'étendant ensuite à plusieurs continents. Cette guerre s'est déroulée de 1914 à 1918[1],[b]. Par conséquent, elle est parfois désignée par le chrononyme « guerre de 14-18 ». Le 28 juin 1914, à Sarajevo, un jeune nationaliste serbe de Bosnie, Gavrilo Princip, assassine le couple héritier du trône austro-hongrois, l'archiduc François-Ferdinand d'Autriche et son épouse, la duchesse de Hohenberg. L'Autriche-Hongrie, en accord avec son allié allemand, réagit à l'attentat en formulant un ultimatum à l'encontre du royaume de Serbie. L'une des exigences austro-hongroises étant jugée inacceptable par les Serbes, l'Autriche-Hongrie déclare la guerre à la Serbie. Ce qui aurait pu n'être qu'une guerre balkanique de plus dégénère en guerre mondiale par le jeu des alliances entre les grandes puissances européennes qui sont à la tête d'empires s'étendant sur plusieurs continents. Considérée comme un des événements marquants du XXe siècle, cette guerre met essentiellement aux prises deux grandes alliances : la Triple-Entente (ou Alliés de la Première Guerre mondiale) et la Triplice puis la Quadruplice des empires centraux. La « Triple-Entente » est composée initialement de la France, du Royaume-Uni, de la Russie et de leurs colonies et empires respectifs. Plusieurs autres États se joignent à cette coalition, dont la Belgique, envahie par l'Allemagne, qui fait appel à la France et au Royaume-Uni, garantes de son indépendance. Le Japon rejoint la coalition en août 1914, l'Italie en mai 1915, la Roumanie en août 1916 et les États-Unis en avril 1917, ainsi que de nombreux autres pays moins puissants. En revanche, la Russie sort du conflit en décembre 1917 lorsque la République russe devient un état bolchevik et signe un cessez-le-feu. Les empires centraux sont l'Empire allemand, l'Autriche-Hongrie et les colonies qu'ils contrôlent. L'Empire ottoman les rejoint en octobre 1914, suivi un an plus tard du royaume de Bulgarie. Parmi les nations européennes, seuls les Pays-Bas, la Suisse, l'Espagne, le Danemark, la Norvège, la Suède, le Liechtenstein et Monaco demeurent officiellement neutres, bien que certains d'entre eux participent financièrement ou matériellement aux efforts de guerre des protagonistes. Les combats se déroulent sur différents fronts situés principalement en Europe mais une petite partie de l'Asie, de l'Océanie et de l'Afrique, ainsi que l'Atlantique Nord connaissent également des actions militaires. Le front de l'Ouest est caractérisé par un ensemble de tranchées et de fortifications séparées par une aire surnommée le no man's land[2]. Ces fortifications s'étendent sur plus de 600 kilomètres[2], et donnent lieu à la « guerre de tranchées ». Sur le front de l'Est, l'étendue des plaines et la faible densité ferroviaire empêchent la stabilisation des champs de bataille. D’importants combats ont lieu dans les Balkans, au Moyen-Orient et en Italie. Cette guerre est la première où les aéronefs (ballons fixes ou dirigeables puis, de plus en plus, les avions) jouent un rôle tactique important, d'abord pour l'observation et la reconnaissance, puis pour la chasse et le bombardement. Les premiers véhicules blindés motorisés apparaissent alors, essentiellement au sein de la Triple-Entente à la supériorité de laquelle ils contribuent. Elle donne également lieu au premier engagement massif de sous-marins de combat, et à une guerre de course menée contre des flottes commerciales, qui atteint son paroxysme lors de la première bataille de l'Atlantique. Parfois qualifiée de guerre totale, elle atteint une échelle et une intensité inconnues jusqu'alors. Elle implique plus de soldats, provoque plus de morts et cause plus de destructions que toute autre guerre antérieure. Plus de soixante millions de soldats y prennent part[3],[4]. Pendant cette guerre, environ neuf millions de civils et dix millions de militaires sont morts, vingt-et-un millions de soldats sont blessés[5]. D'autres événements historiques majeurs surviennent pendant ce conflit, comme le génocide arménien (1915-1916), la révolution russe (1917) ou la grippe de 1918, qui augmentent la mortalité et la détresse des populations. Pour toutes ces raisons, cette époque marque profondément ceux qui la vivent. Cette guerre entraîne de nombreux changements géopolitiques et infléchit fortement le cours du XXe siècle. La guerre cause l'effondrement ou la fragmentation des empires allemand, austro-hongrois, russe et ottoman. L'Allemagne voit son territoire réduit ainsi que sa puissance économique et militaire amputée lors du traité de Versailles. En conséquence, les frontières européennes et du Proche-Orient sont redessinées. Des monarchies sont remplacées par des États communistes ou par des républiques démocratiques. Pour la première fois, une institution internationale est créée dans le but de régler les différends internationaux : la Société des Nations (SDN). Déclenchement Articles détaillés : Causes de la Première Guerre mondiale et ultimatum du 23 juillet 1914. Si la cause immédiate de la Première Guerre mondiale est l'assassinat, à Sarajevo, de l'archiduc François-Ferdinand, héritier du trône d’Autriche-Hongrie, et de son épouse, cet événement ne fait que pousser au paroxysme des tensions issues de contentieux antérieurs (rivalités stratégiques, politiques, économiques et coloniales). Cette guerre a des origines profondes qui doivent s'analyser sur la longue durée. L'historien André Loez évoque ainsi le rôle des « rivalités économiques et coloniales »[6]. En 1928, la commission chargée par le gouvernement français de publier les documents diplomatiques relatifs aux origines de la Première Guerre mondiale établit le traité préliminaire de paix du 26 février 1871 et le traité de Francfort comme point de départ[7]. On compte parmi les raisons structurelles un nationalisme fort, la montée des impérialismes, et les volontés expansionnistes qui y sont associées, comme l'irrédentisme italien, des conflits précédents non résolus (guerres balkaniques), auxquels s'ajoutent des rivalités économiques, un système d'alliances militaires complexe développé entre les différents pays européens au cours du XIXe siècle après la défaite napoléonienne de 1815, le congrès de Vienne qui s'est ensuivi et l'indépendance belge de 1830, entraînant la France et le Royaume-Uni à se porter garantes de celle-ci. Toutefois, le mythe d'un revanchisme français après la perte de l'Alsace-Moselle a été clairement démonté par la recherche historique[8]. Des malentendus diplomatiques s'ensuivirent, l'Allemagne pensant notamment que le Royaume-Uni resterait neutre devant l'invasion de la Belgique[9],[10]. Le climat de tension régnant avait poussé les grandes puissances européennes à une course aux armements, et chaque état-major s'était activement préparé au conflit. L'attentat de Sarajevo déclenche ce que l’historien Jean-Baptiste Duroselle appelle un « mécanisme »[11], qui entraîne presque malgré eux les protagonistes vers une guerre totale. L'historien Christopher Clark la décrit essentiellement comme une perte de contrôle de la tension internationale par les hommes d'État : il rejoint Duroselle sur le concept de « mécanisme » échappant au contrôle politique, mais souligne l'effervescence belliqueuse de la Serbie, la partialité de la Russie en faveur de cette dernière, et le désir de l'état-major allemand de déclencher rapidement une guerre avant d'être dépassé par la Russie[réf. souhaitée]. Des historiens comme Fritz Fischer ou John Röhl mettent en évidence le fait que la guerre avait été souhaitée par les dirigeants allemands, qui étaient persuadés qu'elle était préférable à un statu quo jugé humiliant et dangereux à moyen terme pour l'Allemagne[12],[13]. En tout cas, à l'été 1914, l'Allemagne était le seul pays qui fût prêt à mener une guerre moderne de grande ampleur. Tous les autres pays ont été pris au dépourvu, ce qui réduit à néant les théories cherchant dans un complot la cause de la guerre[réf. souhaitée]. Antagonismes entre puissances européennes Questions coloniales et économiques Articles détaillés : Colonialisme, Politique étrangère de l'Allemagne et Weltpolitik. L'impérialisme des nations européennes est matérialisé par le traitement de la question coloniale. La conférence de Berlin de 1885 avait permis le partage de l'Afrique entre les puissances européennes. Une notable partie de l'Afrique centrale, le Congo, était octroyée au roi des Belges Léopold II qui avait habilement utilisé les rivalités entre la France, la Grande-Bretagne et l'Allemagne pour neutraliser ainsi le centre de l'Afrique. Cependant, les différends coloniaux ne vont cesser de s'accroître, entretenant par la même occasion les tensions entre les métropoles. Ces tensions d'abord entre Français et Britanniques en Égypte et surtout au Soudan avec la crise de Fachoda en 1898, ainsi que des tensions entre la France et l'Italie en Tunisie en 1881, vont entraîner l'adhésion de l'Italie à la Triplice. Les tensions entre la France et l'Allemagne apparaissent dès 1905 au Maroc. Depuis 1871, l'Allemagne unifiée a rattrapé, en quelques décennies, son retard économique sur le reste de l'Europe occidentale en se dotant par exemple d'une industrie très concentrée[14]. L'Allemagne regarde donc outre-mer et vers l'Afrique où elle espère trouver des matières premières à bon marché ou même fonder des comptoirs pour écouler ses produits manufacturés[15]. Cependant, la France, la Grande-Bretagne et la Belgique se partagent l'Afrique. L'Asie aussi est sous la coupe européenne. L'Allemagne, sauf en de rares endroits comme au Cameroun, en Namibie, au Tanganyika et au Togo ne peut obtenir de zones d’influence dans les colonies. Aussi ressent-elle comme une injustice que son industrie de plus en plus compétitive se heurte à la crainte ou à l'égoïsme des autres puissances européennes[16]. Ne disposant pas de colonies de peuplement, Guillaume II souhaite prendre pied au Maroc au nom de la Weltpolitik. Les deux crises qui l'opposent à la France, en 1905 avec la conférence d'Algésiras et en 1911 avec le coup d'Agadir, conduisent à une multiplication des incidents diplomatiques. Pour l'historien allemand Fritz Fischer, cette situation est l’une des principales causes du déclenchement du conflit. Dès 1905, le conflit semble inévitable entre la France et l'Allemagne. Toutefois, les rivalités coloniales entre Français et Britanniques en Afrique n'ont entraîné aucune guerre entre ces deux pays à l'époque contemporaine : ce fait montre les limites d'une explication de la Grande Guerre par l'impérialisme. En général les rivalités coloniales se réglaient par des transactions[réf. souhaitée]. Les inquiétudes sont aussi d'ordre économique. Même si chaque pays développe son économie, la rivalité économique entre l'Allemagne et la France s'accroît à partir de 1912[17]. La grande puissance industrielle allemande inquiète les États européens, car les produits allemands inondent les marchés français et britanniques[18]. Cette rivalité économique a « contribué à alourdir le climat général entre les deux États et, par là même, à faciliter la rupture »[19]. Quant aux Allemands, ils s'inquiètent de la croissance économique et démographique de la puissance russe qui les amène à penser qu'ils seraient incapables de lui résister dans quelques années ; de telle sorte que des voix se font entendre au sein des autorités et des élites allemandes pour entamer une guerre préventive avant qu'il ne soit trop tard[20]. Dès 1887, le futur Guillaume II est influencé par les partisans d'une guerre avec la Russie, qu'Alfred von Waldersee promeut activement auprès de lui[20]. Cependant, l'interpénétration des économies européennes était déjà si forte que la plupart des milieux industriels et financiers avaient tout intérêt au maintien de la paix. Le principal débouché des industries métallurgiques, par exemple, n'était pas l'armement mais les chemins de fer, comme l'a montré François Crouzet. Une explication fréquemment avancée à l'antagonisme franco-allemand est que celui-ci puiserait sa force dans l'idée de revanche et le retour à la mère patrie des provinces perdues d'Alsace-Lorraine[21]. Néanmoins, si la résistance à l'Allemagne reste forte en Alsace-Lorraine[22], cette sensibilité a beaucoup évolué dans le temps : l'idée de revanche, obsessionnelle en France après la défaite de 1870, s'est estompée dès les années 1880 ; aucun parti politique, après la crise boulangiste, ne revendique ostensiblement le retour à la mère patrie des provinces perdues ; pour la plupart des Français de 1914, bien que le souvenir reste présent, ce n'est plus qu'une vieille histoire.[Information douteuse] Les Français demeurent par ailleurs inquiets devant la poussée démographique de l'Allemagne, alors que la France connaît une stagnation démographique, ce qui donnerait un avantage certain aux Allemands dans le cas d'un conflit[23]. Enfin, l'empereur Guillaume II est très influencé par le milieu des officiers prussiens[24], garant de la solidité de l'empire, tout auréolé de ses succès du milieu du XIXe siècle et qui a forgé l'unité allemande face à l'Autriche et à la France. Pour l'empereur, une guerre ou un conflit localisé dans les Balkans peut se révéler être une solution pour résoudre les problèmes territoriaux de son allié autrichien. Pour l'historien allemand Fritz Fischer, un conflit dans les Balkans a l'intérêt de justifier une attaque contre la France ; l'armée allemande, la plus puissante du monde, semble être un instrument si parfait qu'il est tentant de s'en servir. Ambitions territoriales en Europe Articles détaillés : Guerres des Balkans et Crise bosniaque. Dans l'Empire austro-hongrois, où pas moins de quarante[réf. nécessaire] peuples cohabitent, les velléités séparatistes sont nombreuses, liées à l'éveil des minorités nationales (Bohême, Croatie, Slavonie, Galicie, etc.) qui se manifestent depuis 1848. L'Empire ottoman, déjà très affaibli, est ébranlé par la révolution des Jeunes-Turcs en 1908. L'Autriche-Hongrie en profite pour mettre la main sur la Bosnie-Herzégovine voisine et désire continuer son expansion dans la vallée du Danube, jusqu'à la mer Noire, ou du moins, maintenir le statu quo hérité du traité de San Stefano et du traité de Berlin mais pour cela, les responsables politiques et militaires austro-hongrois considèrent qu'il faut neutraliser leur pays voisin qu'est la Serbie[13]. En Serbie, le nouveau roi, Pierre Ier envisage la formation d'une grande Yougoslavie, regroupant les nations qui appartiennent à l'Empire austro-hongrois. Dans les Balkans, la Russie trouve un allié de poids en la Serbie, qui a l'ambition d'unifier les Slaves du Sud. Le nationalisme serbe se teinte donc d'une volonté impérialiste, le panserbisme et rejoint le panslavisme russe, récoltant l'appui du tsar à ces mêmes Slaves du Sud. Les Balkans, soustraits de l'Empire ottoman, sont en effet l'objet de rivalités entre les grandes puissances européennes[25]. En 1878, à la suite d'une révolte des Bulgares et à une intervention des Russes puis des Autrichiens, la partie nord des Balkans est détachée de l'Empire ottoman. La rivalité entre Russes et Autrichiens dans les Balkans s'accentue[26]. En 1912 et 1913, deux guerres affectent la région : la première est tournée contre l'Empire ottoman qui perd tous ses territoires en Europe à l'exception de la Thrace orientale ; la seconde est un conflit entre la Bulgarie et les autres pays balkaniques. Elle se traduit par une importante extension du territoire et du nationalisme de la Serbie, un mécontentement de la Bulgarie, dépossédée d'une partie de son territoire et par la création, sous la pression autrichienne, d'une Albanie indépendante qui empêche la Serbie d'avoir une façade maritime. Depuis longtemps, la Russie nourrit des appétits face à l'Empire ottoman : détenir un accès à une mer chaude (mer Méditerranée). Cette politique passe par le contrôle des détroits. Dans cet Empire russe, les Polonais sont privés d'État souverain et se trouvent partagés entre les empires russe, allemand et austro-hongrois. En Allemagne et au Royaume-Uni, dès le début du XXe siècle, l'essor industriel et la remilitarisation se sont accentués et l'Allemagne a des intérêts dans l'Empire ottoman[27]. L'Italie, unifiée depuis 1860, a donné à la France, à la suite de la victoire de la France sur l'Autriche, la Savoie et le comté de Nice. Malgré un fort courant pacifiste, l'Italie veut prendre au voisin autrichien, avec lequel elle a un vieux contentieux, des territoires qu'elle considère comme italiens, les Terres irrédentes, car majoritairement italophones[28]. Elle désire s'étendre en Dalmatie, liée historiquement à l'Italie et où l'on parle aussi italien, et contrôler la mer Adriatique, à l'instar de ce qu'a fait la république de Venise et ce d'autant plus que ses tentatives de conquête d'un empire colonial africain ont échoué après la débâcle d'Adoua en Abyssinie en 1896. Seule une partie du Tigré a été rattachée à l'Érythrée déjà italienne, ainsi que la Somalie. La Libye est devenue colonie italienne en 1911 à la suite de la guerre italo-turque. Systèmes d'alliances Articles détaillés : Triple-Entente, Alliés de la Première Guerre mondiale et Triplice. De vastes systèmes d’alliances se sont créés à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Deux grands systèmes d'alliances se dessinent. La Triplice, plus ancienne, est l’œuvre du chancelier prussien Otto von Bismarck[29]. Conscient de l’hostilité française depuis l’annexion de l’Alsace-Lorraine, Bismarck cherche, sur le plan diplomatique, à isoler la France de la IIIe République pour l’empêcher de nouer une alliance contre le Reich. En 1879, sous son impulsion, un premier rapprochement a lieu entre l’Allemagne et l’Autriche-Hongrie. En 1881, l’Italie demande son intégration dans l’association germano-autrichienne par opposition à la France qui a pris pied en Tunisie, territoire que l’Italie revendiquait. Le 20 mai, un accord tripartite voit donc le jour : la Triplice ou Triple-Alliance. Toutefois, l’Italie revendique également le Trentin et l’Istrie, les « terres irrédentes » sous domination autrichienne. Le traité est renouvelé à plusieurs reprises, même si l’attitude de l’Italie devient de plus en plus froide, en particulier avec la signature d’un accord secret de neutralité avec la France en 1902[29]. La démarche diplomatique française vis-à-vis du royaume italien a l’avantage d’éviter à la France de devoir combattre sur deux fronts, mais inquiète l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie. Or, en 1908, il y eut un tremblement de terre à Messine : l'état-major de l'Autriche-Hongrie voulut profiter de la désorganisation qui s'ensuivit en Italie et proposa à l'Allemagne une guerre contre l'Italie. Mais l'empereur Guillaume II refusa, ce qui révèle la fragilité de la triplice. En 1914, l’Allemagne peut aussi compter sur la sympathie de l'Empire ottoman[29], qui n'a pas apprécié d'avoir été privé par Winston Churchill de deux cuirassés construits par le Royaume-Uni. La menace russe pour prendre le contrôle des détroits se précise. En effet, le Royaume-Uni qui, jadis, protégeait l’Empire ottoman, est maintenant allié à la Russie. Pour la Turquie, seul un rapprochement avec l’Allemagne de Guillaume II peut la sortir de son isolement. Elle a ainsi pu trouver des sympathies auprès des peuples colonisés dans tout le bassin de la Méditerranée, du Caucase à Marrakech. La France finit cependant par sortir de son isolement. Le 27 août 1891, une convention militaire secrète est signée entre la France et la Russie après le lancement du premier emprunt russe sur la place de Paris[30]. Ce choix diplomatique est dicté par les impératifs de la politique internationale. Cet accord est officialisé le 27 décembre 1893. L’alliance franco-russe est renforcée en 1912 et prévoit une alliance défensive entre les deux pays. La France bénéficie ainsi d’un allié de poids, notamment sur le plan démographique et stratégique, avec la possibilité d’un deuxième front à l’est de l’Allemagne, ou d’un front en Inde en cas de guerre avec le Royaume-Uni, tandis que l’empire tsariste peut moderniser l’économie et l’armée du pays grâce aux capitaux français[31]. Après la crise de Fachoda en 1898 entre Français et Anglais, les deux États ont réglé leurs différends coloniaux. En 1904, inquiet des progrès économiques et commerciaux de l’Empire allemand et de la puissance acquise sur mer par la flotte allemande, le Royaume-Uni accepte enfin de sortir de son isolement. Théophile Delcassé, alors ministre français des Affaires étrangères, réussit le rapprochement franco-anglais avec la signature de l’Entente cordiale en 1904[32]. Celle-ci n’est pas un traité d’alliance liant les deux pays, mais leur destin est de plus en plus imbriqué. Enfin, en 1907, à l’instigation de la France, le Royaume-Uni et la Russie règlent leurs contentieux en Asie en délimitant leurs zones d’influences respectives en Perse, en Afghanistan et en Chine. Ainsi naît la Triple-Entente. Ces alliances « accroissent en fait le risque structurel de conflit »[6]. Stratégies et course aux armements Articles détaillés : Culte de l'offensive, Course aux armements, Course germano-britannique aux armements navals et Plan Schlieffen. Sur le plan stratégique, le Grand État-Major général allemand élabore chaque année un nouveau plan de mobilisation. À partir de 1905, les plans prévoient de déployer la quasi-totalité des forces armées allemandes face à l'armée française[33], dans l'espoir d'être rapidement victorieux contre elle : étant donné les fortifications françaises le long de la frontière commune, la victoire décisive doit être obtenue par une vaste manœuvre d'enveloppement par le nord, en passant par le territoire du Luxembourg et de la Belgique, malgré la neutralité de ces deux États (garantie par des traités internationaux). En 1914, le plan à appliquer prévoit de laisser face à la Russie une faible partie des forces allemandes[c], en pariant sur la lenteur de la mobilisation russe ; ce plan oblige cependant l’Allemagne à prendre l’initiative des opérations militaires, dans le cas où la France entrerait en guerre immédiatement après la Russie. De son côté, la France met sur pied à partir de 1913 le plan XVII[35] qui, respectant la neutralité belge, prévoit de répondre à une attaque allemande en prenant l'offensive en Lorraine sur un terrain moins favorable que les plaines de Flandre. Enfin les Britanniques, sous l'impulsion de Henry Hughes Wilson, directeur des opérations militaires au ministère de la Guerre, adoptent un plan de débarquement du Corps expéditionnaire britannique en France en cas d'attaque allemande. L'état-major de la Royal Navy s'oppose à ce projet qui serait trop long à mettre en œuvre ; les Allemands seraient à mi-chemin de Paris avant que l'armée britannique puisse agir. En plus, les quatre à six divisions que les Britanniques seraient susceptibles de mettre sur pied auraient peu de poids dans une guerre où chaque camp alignait entre 70 et 80 divisions. Une autre option envisagée par l’état-major britannique est de débarquer à Anvers en cas d'une menace de l'Armée allemande sur ce port bien abrité dans l'estuaire de l'Escaut, à partir duquel la puissante marine de guerre bâtie par l'empereur Guillaume II pourrait menacer les communications du Royaume-Uni dans la Manche. Dans les deux camps, la course aux armements s’accélère et il y a surenchère dans la préparation de la guerre. Les dépenses consacrées aux armées s’envolent. Les fortifications frontalières (du moins à la fin du XIXe siècle), l’artillerie (le fameux canon de 75 de l’armée française), les canons lourds allemands et les flottes de guerre (le Dreadnought britannique et les cuirassés allemands) absorbent une bonne partie des budgets des États. Le matériel est modernisé et la durée du service militaire allongée dans plusieurs pays : en France, la durée du service militaire passe à trois ans en août 1913[36] pour pallier (dans une certaine mesure) l’infériorité numérique de la France face à l’Allemagne. En effet, si, en 1870, les deux pays avaient une population quasi identique, en 1914 l’Allemagne comprenait une population de 67 millions[37], tandis que la France, ayant à peine comblé la perte de l’Alsace-Lorraine, était peuplée d'environ 40 millions d’habitants[38]. En Belgique, une loi instaure le service militaire obligatoire et l'armement des forts de l'Est est accéléré, mesures destinées à rendre crédible la volonté belge de défendre la neutralité du pays contre toute attaque, comme le traité de 1831 garantissant l'indépendance, en fait obligation au royaume. C'est la seule façon d'espérer que la France et le Royaume-Uni rempliront leur devoir de garants en venant au secours de la Belgique si celle-ci est envahie par l'Allemagne, ce qui paraît la perspective la plus probable. Attentat de Sarajevo Article détaillé : Attentat de Sarajevo. Le détonateur du processus diplomatique aboutissant à la guerre est le double assassinat de l’archiduc François-Ferdinand, héritier du trône d’Autriche-Hongrie, et de son épouse morganatique Sophie Chotek, duchesse de Hohenberg, à Sarajevo le 28 juin 1914 par un étudiant nationaliste serbe de Bosnie, Gavrilo Princip[39]. Les autorités autrichiennes accusent immédiatement la Serbie voisine d’être à l’origine du crime. Les Autrichiens voient dans l'attentat de Sarajevo un prétexte idéal, souhaité de longue date, pour éliminer la Serbie dans les Balkans[40],[13]. L'Autriche-Hongrie interpelle l'Allemagne sur le sujet, mais pas l'Italie. Le 5 juillet, l’Allemagne assure l’Autriche-Hongrie de son soutien inconditionnel dans tout ce que l'Autriche-Hongrie jugera utile de faire contre la Serbie, peu importe les conséquences possibles. Selon les historiens, le fait que l'Allemagne ait donné cette assurance à son allié a grandement contribué à l'émergence de la Première Guerre mondiale[41]. En effet, un refus allemand aurait pu dissuader les Austro-Hongrois d'engager un conflit armé[13]. Il semble au haut commandement allemand que jamais les chances d’un succès contre la Serbie, la Russie et la France ne seraient aussi favorables. C’est la politique dite « du risque calculé » définie par le chancelier Bethmann-Hollweg. Entrée en guerre Déclarations de guerre en 1914 Date Belligérants 28 juillet Autriche-Hongrie à la Serbie 1er août Allemagne à la Russie 3 août Allemagne à la France 4 août Royaume-Uni à l'Allemagne 6 août[42] Autriche-Hongrie à la Russie 11 août France à l’Autriche-Hongrie 13 août Royaume-Uni à l'Autriche-Hongrie 23 août Japon à l'Allemagne 3 novembre France et Royaume-Uni à l'Empire ottoman Crise de juillet Articles détaillés : Crise de juillet et Tentatives de paix pendant la Première Guerre mondiale. Après concertation avec l'Allemagne, le 23 juillet, l’Autriche-Hongrie lance un ultimatum en dix points à la Serbie dans lequel elle exige que les autorités autrichiennes puissent enquêter en Serbie[43]. Le lendemain, à l’issue du Conseil des ministres tenu sous la présidence du tsar Nicolas II à Krasnoïe Selo, la Russie ordonne la mobilisation partielle pour les régions militaires d’Odessa, Kiev, Kazan et Moscou, ainsi que pour les flottes de la Baltique et de la mer Noire. Elle demande en outre aux autres régions de hâter les préparatifs de mobilisation générale[d]. Les Serbes décrètent la mobilisation générale le 25 et, au soir, déclarent accepter tous les termes de l’ultimatum, hormis celui réclamant que des enquêteurs autrichiens se rendent dans le pays[43]. À la suite de cela, l’Autriche rompt ses relations diplomatiques avec la Serbie, et ordonne, le lendemain, une mobilisation partielle contre ce pays pour le 28, jour où, sur le refus d'approuver son ultimatum lancé cinq jours plus tôt, elle lui déclare la guerre. L'Italie, qui n'avait pas été interpellée par l'Autriche, déclare sa neutralité. Le gouvernement français enjoint à son armée de retirer toutes ses troupes à dix kilomètres en deçà de la frontière allemande, pour faire baisser la tension et éviter tout incident de frontière qui pourrait dégénérer[31]. Le 29 juillet, la Russie déclare unilatéralement – en dehors de la concertation prévue par les accords militaires franco-russes – la mobilisation partielle contre l’Autriche-Hongrie[44]. Le chancelier allemand Bethmann-Hollweg se laisse alors jusqu’au 31 pour une réponse appropriée. Le 30, la Russie ordonne la mobilisation générale contre l’Allemagne. En réponse, le lendemain, l’Allemagne proclame « l’état de danger de guerre ». C’est aussi la mobilisation générale en Autriche pour le 4 août. En effet, le Kaiser Guillaume II demande à son cousin le tsar Nicolas II de suspendre la mobilisation générale russe. Devant son refus, l’Allemagne adresse un ultimatum exigeant l’arrêt de sa mobilisation et l’engagement de ne pas soutenir la Serbie. Un autre est adressé à la France, lui demandant de ne pas soutenir la Russie si cette dernière venait à prendre la défense de la Serbie. En France, le pacifiste Jean Jaurès est assassiné à Paris par le nationaliste Raoul Villain le 31 juillet. Le 1er août, à la suite de la réponse russe, l’Allemagne mobilise et déclare la guerre à la Russie. En France, le gouvernement décrète la mobilisation générale le même jour, à 16 heures[45]. Le lendemain, l’Allemagne envahit le Luxembourg, un pays neutre, et adresse un ultimatum à la Belgique, elle aussi neutre, pour réclamer le libre passage de ses troupes[46]. Au même moment, l’Allemagne et l’Empire ottoman signent une alliance contre la Russie. Le 3 août, la Belgique rejette l’ultimatum allemand. L’Allemagne entend prendre l’initiative militaire selon le plan Schlieffen. Elle adresse un ultimatum au gouvernement français, exigeant la neutralité de la France qui en outre devrait abandonner trois places fortes dont Verdun. Le gouvernement français répond que « la France agira conformément à ses intérêts »[47]. L'Allemagne déclare alors la guerre à la France. Le Royaume-Uni, qui souhaitait éviter la guerre[48], déclare qu’il garantit la neutralité belge, et réclame le lendemain que les armées allemandes, qui viennent de pénétrer en Belgique, soient immédiatement retirées. Le gouvernement de Londres ne reçoit aucune réponse, et déclare donc la guerre à l’Allemagne le 4 août. Seule l’Italie, membre de la Triplice qui la lie à l'Allemagne et à l'Autriche, se réserve la possibilité d'intervenir plus tard suivant les circonstances. Le 6 août, l’Autriche-Hongrie déclare la guerre à la Russie aux côtés de l’Allemagne. Le 11, la France déclare la guerre à l’Autriche-Hongrie, suivie par le Royaume-Uni le 13. Comme la plupart des pays engagés possèdent des colonies, l'affrontement prend rapidement un caractère mondial : faisant partie du Commonwealth, le Canada, l’Australie, l’Inde, la Nouvelle-Zélande et l’Afrique du Sud entrent automatiquement en guerre contre l’Allemagne, de même que les colonies françaises et belges. Le 23 août, le Japon offre son appui aux Alliés et déclare la guerre à l’Allemagne. Le 1er novembre, l'Empire ottoman se joint aux puissances centrales. Le sort de la guerre cependant se joue en Europe, surtout en France, qui en supporte la charge la plus lourde[réf. nécessaire]. Forces en présence Articles connexes : Mobilisation allemande, Mobilisation française et Mobilisation russe. Les deux camps sont équilibrés. L'Alliance et l'Entente possèdent des effectifs pratiquement identiques. En 1918, la guerre concerne la plupart des pays du monde. La France, malgré une population d’environ 39 millions d’habitants, peut disposer immédiatement de près de 800 000 soldats d’active depuis l’adoption de la Loi des Trois ans (août 1913) qui augmente la durée du service militaire[49]. La mobilisation, terminée vers le 15 août, complète les effectifs. Les uniformes portés par les soldats français ressemblent singulièrement à ceux portés lors de la guerre de 1870 avec le fameux pantalon garance. Il est porté non seulement par tradition, mais aussi pour être vu de loin par l’artillerie, et donc pour éviter les pertes par tirs amis et ce à une époque où la poudre sans fumée (inventée en 1884 par le professeur Vieille) n'existe pas encore[50]. En effet, la doctrine française de l’offensive s’appuyait sur le canon à tir rapide de 75, devant accompagner l’infanterie pour réduire les troupes adverses avant l’assaut. Il faut attendre 1915 pour que soit distribué l'uniforme bleu horizon[51] afin de réduire la visibilité des soldats face au feu des armes ennemies[50]. L'armée française rejoignait ainsi l'usage adopté par les autres armées européennes (britanniques, allemandes, russes et italiennes) de couleurs discrètes pour leur tenue de campagne[50]. Entre 1914 et 1918, l'élément tactique de base est la Division d'infanterie. Le 2 août 1914, la France mobilise 93 divisions, dont 45 actives, 25 de réserve, 11 territoriales, 2 coloniales, 10 divisions de cavalerie. Le 11 novembre 1918, elle dispose de 119 divisions d'infanterie. En 1914 la division d'infanterie française comprend[52] : 4 régiments d'infanterie à 3 bataillons 1 régiment d'artillerie de campagne à 3 groupes 1 escadron de cavalerie 1 compagnie de génie En 1918 la division d'infanterie française comprend : 3 régiments d'infanterie à 3 bataillons 1 régiment d'artillerie de campagne à 3 groupes 1 groupe d'artillerie lourde 1 escadron de cavalerie 1 compagnie de génie 1 escadrille [réf. nécessaire] Le premier mort militaire français est le caporal Jules-André Peugeot tué le 2 août 1914 à Joncherey[53]. La Belgique présente une force théorique de 350 000 hommes grâce au service militaire obligatoire instauré depuis peu, mais ne peut opposer à l'armée allemande, dans l'immédiat, qu'une armée de campagne de 140 000 hommes appuyée sur des lignes de fortifications autour des places de Liège, Namur et, surtout, d'Anvers, énorme place forte constituée de trois lignes de forteresses autour du port. C'est le réduit national considéré comme la plus importante place forte du monde, mais qui n'est pas encore achevé. Au début des hostilités, le Corps expéditionnaire britannique n’est encore qu’en petit nombre, environ 70 000 hommes[54], et ne joue qu’un rôle mineur dans le déroulement des opérations. Il est essentiellement composé de soldats professionnels bien entraînés, bien équipés et expérimentés. Le Royaume-Uni est donc, apparemment, le plus faible des états en cause dans la guerre qui commence. Mais ses dirigeants disposent d'une réserve de millions de soldats venus de ses colonies (Indes, Kenya, Nigeria, etc.), et surtout des dominions : Canada, Australie, Nouvelle-Zélande, Afrique du Sud et Terre-Neuve. Toutefois, ces forces ne seront disponibles que dans un délai tel que les dirigeants anglais comptent, d'abord, sur la France et la Belgique pour ralentir l'attaque allemande, craignant que l'agresseur puisse s'installer sur les côtes de la mer du Nord et à Anvers (dont William Pitt avait dit que ce port retranché dans l'estuaire de l'Escaut était « un pistolet braqué sur le cœur de l'Angleterre »[55],[56]). Aussi, la Royal Navy est-elle mise en alerte ; avec celle-ci le Royaume-Uni est le plus fort sur les mers. Elle peut donc protéger les îles britanniques contre toute attaque maritime de la flotte de guerre allemande devenue la deuxième au monde sous l'impulsion de l'empereur Guillaume II. Les armées russes sont immenses, et la France compte beaucoup sur elles pour diviser l’armée allemande ; mais ce nombre impressionnant de soldats (1 300 000 soldats d'active et 4 000 000 de réservistes[57]) masque le fait qu’il ne s’agit le plus souvent que de paysans sans aucune formation militaire, mal armés et mal équipés. Et, de plus, le commandement russe se révèle lui-même médiocre. L’Allemagne est bien plus peuplée que la France, 67 millions d’habitants contre 39 millions, mais elle doit réserver une partie de ses forces au front de l’Est. La moyenne d’âge des soldats allemands est également inférieure à celle des Français. Au début de la guerre, l’Allemagne, contrairement à la France, n’a pas rappelé les classes d’âge élevé et dispose encore d’importantes réserves humaines : 870 000 hommes[58]. L’équipement du soldat allemand est généralement meilleur que celui du soldat français, il est soutenu par de nombreuses mitrailleuses (tout comme le soldat français mais selon une doctrine plus favorable à la concentration de leur feu), et par la meilleure artillerie lourde du monde. En dehors de certains anachronismes, comme le casque à pointe, il tient généralement compte de l’expérience acquise dans les conflits de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Les forces en présence sont telles que toute une génération de jeunes Européens est mobilisée, faisant de ce conflit la première guerre de masse pour certains historiens[59],[e]. Guerre du droit, guerre de propagande Articles détaillés : Union sacrée (mouvement) et Burgfrieden. Lorsque la mobilisation est décrétée en France le 1er août 1914, la France est en pleine moisson et ne pense pas à la guerre[61]. Jean-Baptiste Duroselle qualifie l'hypothèse d'une guerre de revanche comme absurde[62]. Les mobilisés ne songent guère à reprendre l'Alsace-Lorraine, mais ils sont résolus à défendre le pays contre l'envahisseur qui a déclenché la guerre. Le patriotisme des combattants est un patriotisme défensif[63]. En témoigne le faible nombre de déserteurs, 1,5 % des mobilisés[64]. De plus, beaucoup pensent que la guerre sera courte. Les moments d’enthousiasme existent, notamment à l’occasion du rassemblement des mobilisés dans les gares, mais demeurent une exception. Le sentiment qui domine est la détermination à défendre la patrie et la République, contre un ennemi perçu comme redoutable. En Allemagne et au Royaume-Uni se manifeste aussi un patriotisme sans faille[65], exprimé en Allemagne par la certitude de vaincre et la conviction d'une supériorité non seulement militaire, mais aussi industrielle, culturelle, voire raciale. Par contre, en Russie, une opposition à la guerre se développe dans les milieux libéraux et révolutionnaires. Les socialistes russes sont divisés entre le ralliement et le défaitisme. Le président français Raymond Poincaré appelle à l’Union Sacrée[66]. La Chambre et le Sénat français votent les crédits de guerre à l’unanimité, tandis que l'état de siège, déclaré par Poincaré deux jours avant réception de la déclaration de guerre allemande, soit le 2 août 1914, est entériné dans des conditions contraires aux lois prévoyant celui-ci[67],[68]. Il en va de même au Reichstag où les députés sociaux-démocrates votent aussi par 78 contre 14 les crédits de guerre[69] malgré leurs engagements contre la course aux armements. Au même moment, l’Union Sacrée se forme en Russie : la Douma[Laquelle ?][pas clair] vote des crédits de guerre. Comme les armées commencent à s’affronter, les gouvernements belligérants se lancent dans une lutte médiatique à coups de publications de documents soigneusement sélectionnés, exhibant essentiellement des échanges diplomatiques. Le Livre blanc de l'Allemagne en contient ainsi 36. Le Livre jaune français, achevé après trois mois de travail, en regroupe 164. Ces ouvrages de propagande visent à convaincre les opinions publiques du bien-fondé de leurs droits. Dans le Livre Blanc, des coupures éliminent ainsi tout ce qui pourrait profiter à la position russe[70]. Le Livre jaune est qualifié par les propagandistes allemands de vaste « collection de falsifications »[71] : la France est accusée d'avoir donné son appui inconditionnel à la Russie. L'Allemagne tente de montrer qu'elle a été contrainte à la mobilisation générale par celle de la Russie, qui elle-même rejette la responsabilité sur l’Autriche-Hongrie. Les documents alliés sur les circonstances de la déclaration de guerre, ainsi que les crimes de guerre commis par l'armée allemande, constitueront la base sur laquelle les Alliés s’appuieront en 1919 pour formuler l’article 231 du traité de Versailles affirmant l’exclusive responsabilité de l’Allemagne et de ses alliés. La lutte médiatique se poursuit dans les tranchées où les poilus s'informent grâce notamment aux nombreux journaux censurés ou contrôlés par la propagande de guerre[f] qui rappellent cette guerre du droit. La France et l’Allemagne vont jusqu’à utiliser la neutralité de la langue internationale espéranto pour publier des textes de propagande dans les revues respectives Pour la France par l’espéranto (France) et Internacia Bulteno et La Vero pri la milito (« bulletin international », « la vérité sur la guerre », Allemagne)[74]. Les poilus parviennent cependant à éviter le bourrage de crâne, d'abord en étant au plus près des réalités de la guerre – ce qui les rend très sceptiques face aux mensonges de la propagande – parfois en se faisant envoyer, le plus souvent par l'intermédiaire de leur famille, des livres très divers : de la littérature de l'arrière comme Gaspard de René Benjamin ; de la littérature de tranchée comme Le Feu d'Henri Barbusse ou les récits de guerre de Maurice Genevoix ; des romans antimilitaristes comme Les Sous-offs de Lucien Descaves ; des livres qui permettent de comprendre ce qui se déroulait sur le front, tels Guerre et Paix de Tolstoï ou les Pensées de Pascal. La littérature patriotique reste prédominante chez les soldats allemands, avec Les Souffrances du jeune Werther de Goethe ou Considérations d'un apolitique de Thomas Mann[75]. La littérature de guerre est suffisamment importante pour que naisse en 1919 une Association des écrivains combattants visant à défendre les intérêts des écrivains survivants et la mémoire de ceux tombés au champ d'honneur. La propagande s'exerce aussi sur les enfants à travers l'école qui dispense un code moral d'embrigadement (jeux de guerre pour les garçons à travers la figure littéraire du jeune au fusil de bois, cours d'histoire orientés, leçons de morale et de patriotisme, travaux de couture des filles pour les prisonniers) tandis que l'Église exalte la nécessité de l'engagement (les prêtres comme les instituteurs diffusent une « culture de guerre ») et prêche une théologie de la guerre (discours sur l'expiation des péchés et le retour à l'obéissance religieuse). Les « loisirs, les jeux, les jouets gomment peu à peu l'espace du rêve inhérent à l'enfance pour éduquer et convaincre ; les lectures mêmes - des Livres roses pour la jeunesse aux périodiques illustrés - exhortent le petit enfant au sens du devoir et du sacrifice : l'enfant-héros est né »[76],[77]. En Autriche-Hongrie, la Serbie est présentée comme responsable de l'attentat de Sarajevo et une forte propagande est menée contre elle, la présentant comme un pays de « complots criminels » et de « sauvages ». Le général austro-hongrois Horstein autorisera ses troupes à se comporter avec cruauté lors de l'invasion de la Serbie, au vu du fait qu'il s'agit là d'un « pays ennemi »[source insuffisante][78]. Buts de guerre Articles détaillés : Buts de guerre de la Première Guerre mondiale et Conférences de Spa (Première Guerre mondiale). La formulation des buts de guerre est délicate pour la plupart des États belligérants. Beaucoup de chefs d'État considèrent cela comme dangereux et inutile, car la proclamation de buts de guerre concrets pourrait entraîner des obligations qu'ils préféreraient éviter. Ne pas atteindre les buts de guerre annoncés publiquement pourrait en effet être perçu par la suite comme une défaite. Les chefs d'État parlent, dans la première phase des combats, de buts de guerre généraux, et cela jusqu'en 1917, sauf, pour ce qui est du Royaume-Uni qui a affirmé vouloir restaurer l'indépendance belge. Il s'agit d'empêcher l'Allemagne d'installer à Anvers et sur la côte belge des bases militaires qui deviendraient une menace permanente proche des côtes de la Grande-Bretagne. Pour la France et la Belgique, les buts de guerre sont d'abord, simplement, chasser l'envahisseur et libérer le territoire national. Le gouvernement français préfère donc exalter l'idée générale de victoire[79]. Mais, dans l'immédiat, ce qui compte est le caractère héroïque de la guerre, mis en avant par des médias, mis sous contrôle par les États à des fins de propagande, comme au Royaume-Uni, où Reuters doit publier le 16 avril 1917 une histoire inventée par un journal belge sur une usine allemande accusée de transformer des corps humains en matériaux de guerre[80]. Exagération rendue crédible par les atrocités véritables que civils et militaires alliés ou neutres ont pu constater en Belgique et en France occupée – incendies systématiques, capture et exécutions d'otages, déportations plus tard. D'un autre côté, les aspirations d'expansion à peine dissimulées ont une influence négative sur la position des États neutres. Par la suite, la formulation publique des buts de guerre se révélera souvent nécessaire pour justifier la volonté de combattre pour telle ou telle ambition[81]. Par contre, les Empires centraux utilisent les buts de guerre pour encourager leur population, leurs alliés ou les pays neutres, ou bien les brandissent pour menacer et ainsi décourager leurs ennemis[82]. La politique de guerre de chaque camp comporte également un aspect économique : occuper ou exercer une influence dans les secteurs commerciaux, pour ses propres exportations d'une part, et pour obtenir de nouvelles sources de matières premières d'autre part. C'est l'Afrique qui est visée. Mais, dans cette partie du monde, l'Allemagne n'a pas les moyens militaires de soutenir les ambitions qu'elle nourrit depuis le traité de Berlin de 1885, qui ne lui a laissé que ce qu'elle considère comme les moins bons morceaux de la colonisation. Opérations militaires Article détaillé : Chronologie de la Première Guerre mondiale. Guerre de mouvement (1914) La guerre de mouvement de 1914 a été une phase importante de la Première Guerre mondiale qui a débuté peu de temps après la déclaration de guerre en août de cette année-là. Elle a été caractérisée par des mouvements rapides et des changements fréquents de position sur le champ de bataille. Les deux camps, l'Entente et les Empires centraux, ont cherché à atteindre un avantage stratégique en déplaçant rapidement leurs troupes pour tenter de prendre le contrôle de territoires clés. La bataille des frontières a été le début de la guerre de mouvement en août 1914. Les forces allemandes ont envahi la Belgique et le nord de la France, tandis que les forces françaises ont riposté avec une série de batailles et de contre-attaques. Cette période a vu des pertes massives de part et d'autre, avec des centaines de milliers de soldats tués ou blessés. La bataille de la Marne a été un tournant majeur de la guerre de mouvement. Les forces alliées ont lancé une contre-attaque majeure qui a repoussé l'armée allemande et stabilisé le front occidental. Cette bataille a mis fin à la guerre de mouvement et a commencé la période de la guerre de tranchées, qui allait durer plusieurs années. La course à la mer, qui a suivi la bataille de la Marne, a été une tentative des deux camps de prendre le dessus en déplaçant rapidement leurs troupes vers le nord de la France. Cette course a finalement conduit à la formation de la ligne de front qui allait caractériser la guerre de tranchées. La guerre de mouvement a été une période difficile pour les deux camps, avec des pertes énormes de part et d'autre. Elle a également montré que la guerre moderne était très différente des guerres antérieures, avec des armes plus sophistiquées et une stratégie de guerre plus complexe. En fin de compte, la guerre de mouvement de 1914 a été un tournant important dans l'histoire de la Première Guerre mondiale. Elle a montré que la guerre moderne exigeait des tactiques et des stratégies différentes de celles des guerres antérieures, et elle a conduit à l'émergence de la guerre de tranchées qui allait caractériser la guerre sur le front occidental pour les années à venir. La guerre de mouvement a également montré l'horreur et la brutalité de la guerre moderne, avec des pertes massives de vies humaines et des destructions importantes. Événements de la guerre de mouvement Articles détaillés : Bataille des Frontières, Grande Retraite et Bataille de la Marne (1914). Le chef d’état-major allemand Helmut von Moltke applique le plan Schlieffen. Le 4 août, l’Allemagne envahit la Belgique et le Luxembourg. L'armée allemande lance un coup de main sur la position fortifiée de Liège, mais rencontre une résistance inattendue. Le roi Albert Ier lance un appel à la France et au Royaume-Uni en vertu du traité par lequel les garants de l'indépendance de la Belgique sont tenus de défendre celle-ci. La France répond immédiatement à cet appel par un vote du parlement décidé à respecter le traité de 1831, d'autant plus que l'entrée de l'armée française en Belgique pourrait éloigner du territoire français les ravages de la guerre. Les autorités de Londres aussi décident de

Maurice d'Agaune, ou saint Maurice, et ses compagnons coptes venus de Thèbes (soldats thébains) en Égypte, membres de la Legio I Maximiana, martyrs du Valais, sont des chrétiens morts pour leur foi sous l'empereur Dioclétien, à la fin du IIIe siècle apr. J.-C., probablement le 22 septembre 284. Le récit de leur martyre est, en partie seulement, altéré de légende. Celle-ci est née de l'invention de corps de martyrs, de la tradition de saint Maurice d'Apamée importée peut-être par le moine Jean Cassien, mais aussi du souvenir encore vivant de la legio Felix[1]. Cependant la thèse de l’École des chartes de Jean-Marie Theurillat a précisé les évènements historiques en les dégageant du merveilleux dont la piété les avait enjolivés ; une meilleure connaissance du remaniement des structures de l’armée romaine à la fin du IIIe siècle a fait tomber les objections historiques et techniques, et surtout les fouilles archéologiques entreprises au pied du rocher d’Agaune « ont pleinement confirmé l’existence et le rôle de l’ensemble funéraire édifié par saint Théodore pour recueillir les restes des martyrs entre 370 et 380[2]. » Saint Maurice est fêté le 22 septembre[3] ou parfois le 27 décembre par confusion avec Maurice d'Apamée. Évènements historiques et diffusion du culte[modifier le code] Pendant la persécution de Dioclétien, les soldats de la légion thébaine, venus d’Égypte, auraient reçu l’ordre de tuer[4] tous les habitants près d'Octodure (Martigny) au nord des Alpes, qui avaient été convertis au christianisme par saint Materne. Maurice et les soldats de sa légion refusèrent d'obéir à cet ordre et furent condamnés à mort. Cette légende est peu probable du fait que les persécutions officielles contre les chrétiens débutèrent en 303. Selon une autre version, peut-être mieux attestée, les troupes romaines étaient envoyées par Dioclétien pour réprimer en Gaule une révolte de bagaudes (entre 286 et 304). Cette révolte ayant été matée à la fin de l'été 285, la passage de la légion en Valais pour se rendre en Gaule a dû avoir lieu en septembre 284. Faisant étape à Agaune[5], leur commandant, Maximien Hercule, césar de Dioclétien, décida d'organiser à Octodure, la ville proche, un sacrifice à Jupiter. Maurice et ses compagnons refusèrent d'y participer. Furieux, Maximien fit décimer la Légion thébaine sans entamer sa résolution. Une nouvelle décimation n'ayant pas eu davantage de résultat, il fit exécuter la totalité de cette troupe. Le massacre de la légion thébaine prend place parmi les récits hagiographiques de martyre chrétien. Selon une tradition légendaire, après la mort de Longin, la Sainte Lance aurait été transférée en Égypte, atteignant Thèbes[6], où saint Maurice l'aurait redécouverte. À la disparition de Maurice, la relique serait tombée dans les mains des empereurs romains païens qui ne lui accordent aucune attention jusqu'à ce que l'empereur Constantin, converti au christianisme, marque l'étendue de sa nouvelle Rome, Constantinople, en traçant ses limites avec la pointe de la lance. La lance devient ainsi un symbole de pouvoir dans le Saint Empire[7]. Saint Sigismond, souverain du royaume des Burgondes et plus tard le premier roi chrétien canonisé au nord des Alpes, fonde le monastère de Saint-Maurice d'Agaune qu'il dote puis, le 22 septembre 515, y inaugure la louange perpétuelle du martyr. Dans les siècles qui suivent, la noblesse du royaume de Bourgogne (actuellement : Suisse Romande, Franche-Comté, Lyonnais, Savoie, Dauphiné, Provence) mais aussi du Saint Empire (depuis Henri IV) adoptent le culte de saint Maurice[4]. Le culte de saint Maurice en Occident s’est répandu dans un grand nombre de paroisses rurales de Savoie, du Piémont et de Suisse où une cinquantaine de paroisses lui sont dédiées, particulièrement dans le canton de Fribourg. En France, 70 communes portent son nom et plus de 500 paroisses sont placées sous sa protection. On le vénère à Cologne, Halle et Magdebourg, mais aussi à Cracovie en Pologne et à Riga en Lettonie[8]. Le récit d'Eucher de Lyon[modifier le code] « Il y avait à cette époque une légion de soldats, de 6 500 hommes, qu'on appelait les Thébains. Ces guerriers, valeureux au combat, mais plus valeureux encore dans leur foi, étaient arrivés des provinces orientales pour venir en aide à Maximien. Comme bien d'autres soldats, ils reçurent l'ordre d'arrêter des chrétiens. Ils furent toutefois les seuls qui osèrent refuser d'obéir. Lorsque cela fut rapporté à Maximien, qui se trouvait alors dans la région d'Octodurum (Martigny aujourd'hui), il entra dans une terrible colère. Il donna l'ordre de passer au fil de l'épée un homme sur dix de la légion, afin d'inculquer aux autres le respect de ses ordres. Les survivants, contraints de poursuivre la persécution des chrétiens, persistèrent dans leur refus. Maximien entra dans une colère plus grande encore et fit à nouveau exécuter un homme sur dix. Ceux qui restaient devaient encore accomplir l'odieux travail de persécution. Mais les soldats s'encouragèrent mutuellement à demeurer inflexibles. Celui qui incitait le plus à rester fidèle à sa foi, c'était le futur saint Maurice qui, d'après la tradition, commandait la légion. Secondé par deux officiers, Exupère et Candide, il encourageait chacun de ses exhortations. Maximien comprit que leur cœur resterait fermement attaché à la foi du Christ, il abandonna tout espoir de les faire changer d'avis. Il donna alors l'ordre de les exécuter tous. Ainsi furent-ils tous ensemble passés au fil de l'épée. Ils déposèrent les armes sans discussion ni résistance, se livrèrent aux persécuteurs et tendirent le cou aux bourreaux. » — Eucher de Lyon. Iconographie[modifier le code] Bien que d'origine égyptienne (origine indiquée sur un parchemin, une bannière ou un cartouche en tant que Thebae legio, « légion de Thèbes »), on le représente habillé en soldat, portant des armes (épée, lance, bouclier), la palme du martyre et le vexillum romain, avec une physionomie occidentale[10]. Son bouclier et sa cuirasse sont toujours ornés d’une croix tréflée blanche sur fond rouge[8]. Mais à partir du XIe siècle, il est fréquemment figuré, « surtout dans l'art allemand, sous les traits d'un Noir à la chevelure laineuse, camard et lippu », cette référence à la peau noire étant probablement issue de l'étymologie populaire de son nom latin, maurus, « d'origine maure »[11]. Il figure sur une huile sur bois de Matthias Grünewald (1520-1524) en compagnie de saint Érasme, exposée à la Alte Pinakothek de Munich. Il est présent sur les armoiries de Cobourg (Bavière) et de Saint-Vincent (Val d'Aoste). Il est représenté en cavalier sur l'un des rampants du fronton de la cathédrale Saint-Maurice de Vienne (Isère). Un manuscrit enluminé vénitien est entièrement consacré à sa légende : Passion de saint Maurice et de ses compagnons. Certaines des miniatures sont attribuées à Giovanni Bellini (Bibliothèque de l'Arsenal, Ms.940). Sa statue est présente sur le maître-autel de l'église Saint-Maurice d'Orelle, en Savoie. Un grand tableau de ce saint à cheval le surplombe. Un grand écusson semblable est à l'entrée de l'édifice ainsi qu'un vitrail[12]. Il est représenté dans l'un des vitraux créés par Jacques Le Chevallier en 1950 dans l'église Saint-Pierre de Bourg-Saint-Pierre[13]. Saint Maurice représenté en soldat romain (casque, cotte de mailles, écu crucifère), décor en argent naturel et dorure sur un côté de la châsse des enfants de saint Sigismond, trésor de l'abbaye d'Agaune[14]. Saint Maurice, miniature extraite de la Passion de saint Maurice et de ses compagnons, collection de Jacopo Antonio Marcello. Saint Maurisse et ces conpaignons, page 158 de l’Horae ad usum romanum (éditée entre 1475 et 1600). Saint Maurice à Orelle. Patronage[modifier le code] Saint Maurice est le saint patron de la Savoie[15],[16], du Saint-Empire romain germanique[4], des chasseurs alpins, des gardes suisses, des teinturiers et des malades de la goutte[17], ainsi que de nombreuses unités de l’armée française : il est ainsi le saint patron de l'infanterie et de la guilde des Têtes noires. Devenu depuis le XIe siècle un saint pas seulement militaire mais essentiellement impérial et germanique, pas moins de 700 églises lui sont dédiées[18], telles à Angers, la cathédrale du diocèse où ses compagnons et lui sont représentés sur la façade, bon nombre d'églises en Pays de Savoie, ou encore la basilique Saint-Maurice d'Épinal[8]. Il est par ailleurs le saint patron de cette ville et de son hôpital entre 1693 et 1968[19]. Héraldique[modifier le code] Ainsi, sa tête tranchée par les Romains à la suite d'une désobéissance fut dès le Haut Moyen Âge un symbole héraldique, d’abord dans les Alpes et puis repris bien au-delà. La tête de Maure se serait ainsi imposée comme emblème en Sardaigne (4 têtes) et en Corse à la suite de la domination du roi d’Aragon[20],[21]. Il y a un débat historiographique sur cette mise en perspective d'un lien entre saint Maurice et ces drapeaux. La domination ayant été de courte durée, il est possible que l’ajout soit postérieur[22], d'autant plus qu'il n'y a pas de rapport entre saint Maurice en Valais et le royaume d'Aragon, alors que ce dernier était un acteur de la Reconquista. Il n'y aurait donc probablement pas de rapport héraldique entre la Corse et la Sardaigne, et les Alpes[23],[24]. Il faut toutefois remarquer qu'en héraldique, les saints et leurs têtes sont représentés de face, hiératiquement suivant la tradition des icônes et tableaux religieux avant la Renaissance. L'héraldique étant un art médiéval conservateur, il est peu probable que les têtes tranchées de profil représentées sans auréoles puissent être celle d'un quelconque saint, à la différence des blasons de la ville de Büderich, de Bad Sulza et celle de Sandau (représentés ci-dessous). Notamment pour les îles méditerranéennes, les têtes de Maures semblent venir des captures des pirates mauresques (Maghrébins) musulmans qui rançonnaient et esclavageaient les voyageurs européens jusqu'à la destruction de leur base d'Alger en 1830. Une autre tradition du drapeau de la Corse fait remonter cette tête au roi Maure décapité en 816 par Colonna. En plaçant une telle tête dans son blason, la Corse indiquait ainsi sa victoire et donc son indépendance de l’assujettissement des Maures. À l'origine, ces têtes de maures étaient représentées avec le bandeau sur les yeux, et c'est au XVIIIe siècle qu'il fut relevé. Par ailleurs, la graphie héraldique n'étant pas fixe (seule sa description est fixe, son expression visuelle est laissée libre à l'artiste), il faudrait vérifier si les têtes de Noirs représentées dans certains blasons tels que ceux de Coburg, Mandach et Krauthem, sont bien des têtes de Noirs qui se désignaient sous le nom latin nègre, ou des têtes d'Africains du Nord qui se désignaient sous le nom de Maure. Il y aurait donc deux meubles héraldiques différents avec probable glissement de l'un vers l'autre. Quant à saint Maurice, il s'agirait encore d'un troisième élément héraldique qui est somme toute traditionnellement représenté dans tout son corps, car rien dans son hagiographie n'indique qu'il fut décapité, et dont la tête est toujours auréolée, car c'est un saint martyr. [25] Armoiries de Zwickau. Armoiries de la Guilde des Têtes noires représentant saint Maurice, saint patron de la guilde. Armoirie de la Corse. Armoirie de la Sardaigne. Armoirie de Coburg. Armoirie de Büderich. Faure des Chaberts. Armoirie de Bad Sulza. Armoirie de Mandach. Armoirie de Morancé. Armoirie de Krautheim (Thüringen). Armoirie de Sandau (1979). Voir aussi[modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia : Bibliographie[modifier le code] Denis Van Berchem, Le martyre de la légion thébaine : Essai sur la formation d’une légende, Bâle, Reinhardt, 1956, 64 p. (présentation en ligne) Esther Dehoux, aints guerriers : Georges, Guillaume, Maurice et Michel dans la France médiévale (XIe – XIIIe siècles), Rennes, PUR, 2014. Louis Dupraz, Les Passions de S. Maurice d'Agaune : essai sur l'historicité de la tradition et contribution à l'étude de l'armée pré-dioclétienne (260-286) et des canonisations tardives de la fin du IVe siècle, Fribourg, Éditions universitaires, coll. « Studia Friburgensia », 1961, 679 p. (présentation en ligne) Jean Prieur et Hyacinthe Vulliez, Saints et saintes de Savoie, La Fontaine de Siloé, 1999, 191 p. (ISBN 978-2-84206-465-5, lire en ligne). Eva Kovács, « Le chef de saint Maurice à la cathédrale de Vienne (France) », Cahiers de civilisation médiévale, vol. 7e année, no 25,‎ janvier-mars 1964, p. 19-26 (DOI ) Christian Regat, « Un Égyptien et un Irakien à l'origine de la foi des Savoyards », Hommes et Migrations « Émigrés savoyards, immigrés en Savoie », no 1166,‎ juin 1993, p. 6-9 (DOI ) Postérité[modifier le code] Richard Dubugnon, Le Mystère d'Agaune, oratorio[26], op. 80, 2018, création mondiale le 28 octobre 2018[27] à Ollon Articles connexes[modifier le code] Massacre de la légion thébaine Octave de Turin Abbaye territoriale de Saint-Maurice d'Agaune Église Saint-Maurice Liens externes[modifier le code] Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : BlackPast Britannica Deutsche Biographie Dictionnaire historique de la Suisse Enciclopedia De Agostini Internetowa encyklopedia PWN Notices d'autorité : Notes et références[modifier le code] ↑ Albert Dufourcq et Françoise Monfrin, Étude sur les Gesta martyrum romains, De Boccard, 1988, p. 26. ↑ Regat 1993, p. 8-9. ↑ Date de l'inauguration, le 22 septembre 1515, de l'abbaye territoriale de Saint-Maurice d'Agaune. ↑ a b et c « Autour de saint Maurice : Politique, société et construction identitaire », sur digi-archives.org (Fondation des Archives historiques de l'Abbaye de Saint-Maurice) (consulté le 5 avril 2023). ↑ Le mot latin Acaunum est devenu Agaune en français. Il est issu d'un vocable gaulois signifiant « rocher pointu ». Le site abritait un poste de douane romain, où l'on prélevait une taxe sur toutes les marchandises qui franchissaient cette cluse à l'entrée de la vallée du Rhône. ↑ Avant l'an 286. ↑ (en) Jerry E. Smith et George Piccard, Secrets of the Holy Lance, Adventures Unlimited Press, 2005, p. 105. ↑ a b et c Regat 1993, p. 8. ↑ Au premier plan, un tronc d'arbre coupé symbolise leur future mort. À côté rampe un serpent près d'une roche grise sur laquelle se détache un papier blanc portant le nom de l'artiste inscrit en grec. Maurice vêtu de bleu et de pourpre, entouré de ses compagnons et de son page tenant son casque, attend le martyre avec résignation. En arrière-plan, les soldats de la légion thébaine serpentent en procession. El Greco ne peint pas la scène en Suisse, mais dans la province de Tolède avec ses « cigarrales », ces grandes maisons de campagne sur les collines, entourées d'arbres fruitiers. ↑ Regat 1993, p. 7. ↑ Louis Réau, Iconographie de l'art chrétien, Presses universitaires de France, 1958, p. 937 ↑ « Orelle. Découverte de l’histoire de l’église Saint-Maurice en musique », sur www.ledauphine.com (consulté le 28 août 2023) ↑ Chanoine Maurice Ribordy, « La paroisse de Bourg-Saint-Pierre et ses prieurs », Annales Valoisiennes, 1953, p. 318. ↑ Édouard Aubert, Trésor de l'abbaye de Saint-Maurice d'Agaune décrit et dessiné, A. Morel, 1872, p. 161. ↑ Prieur et Vulliez 1999, p. 181-182. ↑ Conférence de Christian Regat aux Amis du Val de Thônes, le 2 décembre 2011, « Saint Maurice et les foires de la Saint-Maurice » (lire en ligne). ↑ Rosa Giorgi, Le Petit livre des saints, Larousse, 2006 (ISBN 2-03-582665-9). ↑ (de) G. Suckale Redlefsen, Mauritius : der heilige mohr, Menil Foundation, 1987, p. 35. ↑ Sébastien Kuhn, « Savez-vous qu’Épinal avait déjà accueilli un nouvel hôpital en 1629 ? », sur Vosges Matin, 4 avril 2022 (consulté le 25 décembre 2023). ↑ Thierry OTTAVIANI, La Corse pour les Nuls poche, EDI8, 2016, 396 pages, « Les symboles de l’île » ↑ Patrice de La Condamine, Histoire en drapeaux et blasons - Cinq Pays Pyrénéens, éditions Les Enclaves Libres. ↑ Pierre Antonetti, Le drapeau à tête de Maure : études d'histoire corse, La Marge, 1980, p. 12. ↑ Michel Collectivité de Corse et Marie-Eugénie Poli-Mordiconi, E figure di a Corsica: symboles, emblèmes et allégories [exposition, Corte, Musée de la Corse, 1er août 2018-30 mars 2019], Albiana Museu di a Corsica Jean-Charles Colonna, 2018 (ISBN 978-2-8241-0914-5 et 978-2-909703-61-9) ↑ Michel Vergé-Franceschi, Aux origines de la tête de Maure: un roi, un esclave, un corsaire ou un saint ?, Albiana, 2024 (ISBN 978-2-8241-1304-3) ↑ Michel Pastoureau, Traité d'héraldique, Paris, Grands manuels Picard, 1979, 366 p. ↑ « Un Mystère lancinant », sur 24heures.ch via Wikiwix (consulté le 16 octobre 2023). ↑ « Création - Le mystère d'Agaune », sur Ensemble Vocal de Saint-Maurice, 22 avril 2018 (consulté le 16 octobre 2023). v · mFemmes et hommes noirs déclarés saints, bienheureux, vénérables ou serviteurs de Dieu par l'Église Joséphine Bakhita Benoît le Maure Martin de Porrès Benedict Daswa Victoire Rasoamanarivo Cyprien Tansi Lucien Botovasoa Marie-Clémentine Anuarite Nengapeta Raphaël Louis Rafiringa Antoine de Barqa Teresa Chikaba Augustus Tolton Émile Biayenda Cyprien Rugamba Daphrose Rugamba Diban Ki-Zerbo Jean Thierry Ebogo Baba Simon Christophe Munzihirwa Julius Nyerere Peter Poreku Dery Maurice Michael Otunga Félix Marie Ghebre Amlak Isidore Bakanja Ghébrē Michele Achilleus Kewanuka Mugagga Lubowa Anatole Kiriggwajjo Matiya Mulumba Bruno Sserunkuma Jacques Buuzabalyawo André Kaggwa Ambroise Kibuka Athanase Bazzekuketta Noe Mawaggali Gyaviira Mayanja Musoke Saint Kizito Denis Sebuggwao Mukasa Kiriwawanvu Charles Lwanga Gonzague Gonza Adolphe Ludigo Mkasa Pontien Ndongwe Jean-Marie Muzei Mbaaga Tuzinde Luc Banabakintu Joseph Mukasa Balukudembe Eulalie Marie Gabrielle Mokhosi Iphigénie Maurice d'Agaune Daudi Okelo Jildo Irwa Ella Asbeha Aïzan Moïse l'Éthiopien Abreha and Atsbeha Portail de l’Égypte antique Portail de la Rome antique • section Empire romain Portail du christianisme Portail de l'histoire de la Savoie Portail du canton du Valais <img src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; alt="" width="1" style="border: none; position: absolute;" height="1"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Maurice_d%27Agaune&oldid=233156854 ».

La Société du spectacle est un essai du théoricien conseilliste Guy Debord publié initialement le 14 novembre 1967 chez Buchet-Chastel. Le livre est principalement une critique se voulant être totale vis-à-vis de l'idéologie dominante bourgeoise, de l'aliénation marchande, du mode de production capitaliste, de la société de classes et de consommation et également de l'aménagement du territoire sous le capitalisme. Il a connut un fort retentissement après les événements de Mai 68. Cet ouvrage propose également comme solution pour mettre fin au capitalisme (et à cette « société spectaculaire »), d'effectuer une révolution basée sur le communisme de conseils. La forme du livre et son propos[modifier le code] L'ouvrage est composé de 221 « thèses » et subdivisé en neuf chapitres comme suit : « la séparation achevée » « la marchandise comme spectacle » « unité et division dans l'apparence » « le prolétariat comme sujet et comme représentation » « temps et histoire » « le temps spectaculaire » « L'aménagement du territoire » « la négation et la consommation dans la culture » « l'idéologie matérialisée » Le livre, agencé comme un essai politique, vise à exposer son sujet de manière assertive : Debord ne cherche pas à convaincre ni même à démontrer, mais à montrer. Il rejoint ainsi la conception de Marx disant que la philosophie doit trouver sa réalisation et non plus sa discussion[1]. Dans cet essai, l'auteur poursuit la critique du fétichisme de la marchandise que Marx développe en 1867 dans Le Capital, elle-même un prolongement de la théorie de l'aliénation que Marx avait déjà exposée dans ses Manuscrits de 1844. L'originalité de la réflexion de Debord consiste alors à décrire l'avance contemporaine du capitalisme sur la vie de tous les jours, c'est-à-dire le resserrement de son emprise sur le monde « à travers » la marchandise. Cette filiation, revendiquée dès la première phrase du livre, s'exprime par un certain nombre de « clins d'œil » et de reprises dont la phrase d'ouverture du livre n'est que l'annonce. En effet, l'ouverture de la Société du Spectacle est un détournement[2] de la phrase d'ouverture du Capital de Karl Marx : « La richesse des sociétés dans lesquelles règne le mode de production capitaliste s'annonce comme une immense accumulation de marchandises. » — première phrase du Capital « Toute la vie des sociétés dans lesquelles règnent les conditions modernes de production s'annonce comme une immense accumulation de spectacles. » — première phrase de La Société du Spectacle Thèses de l'auteur[modifier le code] La Société du spectacle est essentiellement une critique radicale de la marchandise et de sa domination sur la vie, que Guy Debord voit dans la forme particulière de l'« aliénation » de la société de consommation. Le concept de spectacle se réfère à un mode de reproduction de la société fondé sur la reproduction des marchandises, toujours plus nombreuses et en réalité toujours plus semblables dans leur variété. Debord prône alors la mise en acte de la conscience que l'on a de sa propre vie, envers une illusoire pseudo-vie qu'impose la société capitaliste, particulièrement depuis l'après-guerre. La Société du spectacle décortique les processus d'individuation dans la société post-industrielle alors naissante, puis décrit l'évolution de la pratique de « séparation » comme dispositif économique capitaliste et comment, depuis l'introduction des chaînes de montage où le travailleur est séparé de ce qu'il produit, la société libérale-marchande, dans les années 1950, produit le sujet/consommateur en tant qu'être séparé de ses véritables désirs par diverses industries socio-culturelles (cinéma, télévision etc.). Par exemple, comment les stéréotypes du jeune « branché » ou du rebelle deviennent des modèles de comportements à suivre, faisant désormais partie de notre volonté de se montrer à l'autre, le pastiche d'une reproduction consommable et interchangeable (« Le spectacle n'est pas un ensemble d'images, mais un rapport social entre des personnes, médiatisé par des images ». Thèse 4 du chapitre premier, « Le vrai est un moment du faux » ; thèse 9 du chapitre premier). Debord soutient, dans le premier chapitre essentiellement, que la direction immanente du spectacle en est aussi le but et qu'ainsi, au fur et à mesure de son application, elle se justifie elle-même de façon exponentielle. Selon lui, le spectacle est le stade achevé du capitalisme, il est un pendant concret de l'organisation de la marchandise. Le spectacle est une idéologie économique, en ce sens que la société contemporaine légitime l’universalité d’une vision unique de la vie, en l’imposant aux sens et à la conscience de tous, via une sphère de manifestations audio-visuelles, bureaucratiques, politiques et économiques, toutes solidaires les unes des autres. Ceci, afin de maintenir la reproduction du pouvoir et de l’aliénation : la perte du vivant de la vie. Aussi, le concept prend-il plusieurs significations. Le « spectacle » est à la fois l'appareil de propagande de l'emprise du capital sur les vies, aussi bien qu'un « rapport social entre des personnes médiatisé par des images »[3]. Dans les sociétés spectaculaires, la marchandise devient le vecteur, le dispositif des conditions économiques et sociales les produisant (« Sous toutes ses formes particulières, information ou propagande, publicité ou consommation directe de divertissements, le spectacle constitue le modèle présent de la vie socialement dominante. Il est l'affirmation omniprésente du choix déjà fait dans la production, et sa consommation corollaire. Forme et contenu du spectacle sont identiquement la justification totale des conditions et des fins du système existant ») – thèse 6. Dans les sociétés dites libérales, l'abondance et l'hétérogénéité des entreprises productrices et de leurs produits est décrite par Debord selon le terme « spectaculaire diffus » (thèse 65) tandis que dans les sociétés dites « socialistes », la gestion des marchandises et de leur production sont centralisées par les structures bureaucratiques gérant la totalité de ces États. Debord la décrit selon le terme « spectaculaire concentré » (thèse 64). Selon Guy Debord, et la pensée conseilliste en générale, des régimes politiques comme l'URSS ne sont pas véritablement des régimes "socialistes", mais plutôt des régimes basés sur une forme de "capitalisme d'Etat" (thèse 104). En 1988, dans Commentaires sur la société du spectacle, Debord décrit l'évolution de la société spectaculaire en ceci que ces rapports marchands se sont totalement fondus dans la société, à tel point qu'ils sont devenus systémiques. Il la décrit en tant que combinaison des deux formes précédentes selon le terme « spectaculaire intégré » (commentaire IV). Debord y résume la thèse de son livre en une phrase, pour lui le « spectacle moderne » est « le règne autocratique de l’économie marchande ayant accédé à un statut de souveraineté irresponsable, et l’ensemble des nouvelles techniques de gouvernement qui accompagnent ce règne ». I - La sépartation achevée (§ 1-34)[modifier le code] §1: Une paraphrase détournant la première phrase du Capital: « Toute la vie des sociétés dans lesquelles règnent les conditions modernes de production s'annonce comme une immense accumulation de spectacles. Tout ce qui était directement vécu s'est éloigné dans la représentation. » Debord relève lui-même le détournement[4] et propose sa propre traduction de Marx: « Toute la vie des sociétés modernes dans lesquelles règnent les conditions modernes de production s'annonce comme immense accumulation de marchandises. » Emmanuel Roux rappelle que Marx comme Debord parlent de la vie sociale aliénée: le premier par la marchandise, le second par le spectacle[5]. Il est remarquable que la traduction française du Capital s'ouvre en réalité par « La richesse des sociétés dans lesquelles règne le mode de production capitaliste s'annonce comme une "immense accumulation de marchandise". L'analyse de la marchandise, forme élémentaire de cette richesse, sera par conséquent le point de départ de nos recherches. »[6] §2: Le spectacle est l'inversion de la vie, le non-vivant autonome, où les points de vues partiels s'accumulent et s'articulent en un pseudo-monde détaché de la vie concrète. §3: Le spectacle concentre les regards et consciences sur lui-même; de fait, il prétend à unifier la totalité sociale alors qu'il n'en est qu'une partie; donc, il produit une société unie dans la fausse conscience. §4: Le spectacle est un rapport social médié par des images. §5: Le spectacle est « une vision du monde qui s'est objectivée » §6: Le spectacle est le « résultat et le projet » de l'économie contemporaine, le coeur de son irréalisme, cet irréalisme étant la justification se manifestant en permanence à la conscience des membres de la société moderne. §7: Le spectacle n'a pas d'autre but que de se reproduire, étant la scission de la conscience sociale qui, paradoxalement, en unifie la pratique, la vie, l'économie. §8: La réalité sociale surgit dans le spectacle, comme le spectacle fait partie de cette réalité. Spectacle et société co-existents l'un pour l'autre: cette relation fonde la société contemporaine. §9: « Dans le monde réellement inversé, le vrai est un moment du faux » §10: Le spectacle réduit toute vie humaine à la simple apparence; la critique du spectacle le révèle comme apparition de la négation de la vie. §11: Le spectacle est le sens, la finalité de la formation économique-sociale qui est la nôtre. L'analyser, le réduire à des éléments abstraits les uns par rapport aux autres, c'est déjà tomber dans le langage spectaculaire. §12: Le spectacle, par son monopole de l'apparence, identifie l'apparent et le Bien; il exige par cette identification la passivité qu'il a déjà obtenu par son monopole même. §13: Le spectacle est tautologique, ses moyens étant son but. « Il est le soleil qui ne se couche jamais sur l'empire de la passivité moderne. Il recouvre toute la surface du monde et baigne indéfiniment dans sa propre gloire. » §14: L'économie moderne est fondamentalement spectacliste. Le développement du spectacle même, son auto-affirmation, est son seul but - ergo, le but de l'économie moderne. §15: Le spectacle est la principale production de l'économie moderne, car: Il est la parure des objets produits aujourd'hui. Il est la rationnalité organisatrice du système économique. Il est le secteur de l'économie qui produit de plus en plus d'images. §16: Le spectacle se soumet les individus vivants que l'économie a déjà totalement soumis. Il reflète fidèlement la production des choses, et objectifie infidèlement leurs producteurs. §17: L'économie a d'abord dégradé l'être humain en avoir. Le spectacle dégrade cet avoir en paraître. La réalité individuelle, désormais totalement façonnée socialement, ne peut exister que dans ce paraître - en niant donc son être profond. §18: Le monde devenant paraître, les images deviennent réelles, et hypnotiques. Le spectacle fait voir, contre le dialogue, la reconsidération et la correction de l'activité humaine. La représentation indépendante de l'agir humain reconstruit le spectacle. §19: Le spectacle hérite de la faiblesse philosophique réduisant la compréhension du faire au voir, et il déploie la technique héritière de cette réduction spéculative de l'agir humain. La vie concrète de tous s'est réduite au pur spéculatif, et la réalité a été philosophée, plutôt que la philosophie réalisée, concrétisée dans la vie courante. §20: La philosophie, parce qu'elle est pensée du pouvoir séparé de l'agir concret, n'a jamais dépassé la théologie. Le spectacle replace l'aliénation religieuse, la conjuration des pouvoirs dans un au-delà, au coeur d'un être humain devenu scindé au-dedans de lui-même. §21: « A mesure que la nécéssité se trouve socialement rêvée, le rêve devient nécessaire. Le spectacle est le mauvais rêve de la société moderne enchaînée, qui n'exprime finalement que son désir de dormir. Le spectacle est le gardien de ce sommeil. » §22: L'aliénation de la puissance pratique de la société moderne dans l'illusion religieuse renouvelée qu'est le spectacle s'explique par l'auto-contradiction aux prises de laquelle cette puissance s'est retrouvée. §23: La spécialisation du pouvoir est le fondement de la spécialisation spectaculaire du travail social. Le spectacle, comme le pouvoir, prétendent parler pour tous les autres secteurs de la vie sociale, et ne souffrent aucune contradiction. §24: Le spectacle est le monologue élogieux et ininterrompu que s'adresse l'ordre établi. Son caractère unilatéral, plutôt que son expression superficielle quoiqu'impressionnante dans les mass-media, explique son emprise. C'est parce que l'Etat moderne, produit de la division du travail social et organe de la domination de classe, centralise les moyens d'agir, les leviers de pouvoir, que le spectacle, lui-même d'une puissance écrasante, apparaît comme un développement naturel de l'évolution technique. Ce n'est pas l'évolution technique elle-même qui a causé le spectacle, mais l'utilisation sociale de cette évolution dans le cadre d'une société de classes et d'un état centralisateur du pouvoir. §25: La séparation est le principe et le but du spectacle. Toute société dotée d'un pouvoir séparé de la société civile a été, à divers degrés, spectacliste. Mais le spectacle moderne se singularise montre ce que le pouvoir permet, par opposition à ce que le travail social rend possible. C'est un pseudo-sacré, montrant ce qu'il est: l'accroissement pour lui-même du pouvoir séparé de la société civile, elle-même morcelée sans cesse par la spécialisation du travail social. La communauté et le sens critique de cette société se dissout dans le mouvement d'auto-acroissement du pouvoir séparé, lui-même séparant les forces sociales devant encore se retrouver. §26: Parce que le travailleur est de plus en plus séparé de son produit dans une économie où s'accumule sans cesse les produtis séparés et où le processus productif se concentre en divers pôles, la communication dans et l'unité de l'activité humaine n'a lieu que dans les sphères de la direction. La prolétarisation du monde social est le succès de l'économie de la séparation. §27: Parce que le travail n'est plus source d'une expérience riche pour le producteur, la liberté est recherchée du côté de l'inactivité. L'augmentation et la diversification des loisirs n'est pas une libération de l'économie de la séparation, mais la soumission à son résultat, à la rationnalité propre au spectacle. Il n'y a pas d'activité autonome de l'individu, pas de liberté, dans cette économie de la séparation, car toute activité réelle y est captée pour maintenir son hégémonie. §28: Le spectacle se fonde sur l'isolement même qu'il produit - voiture, télévision, etc. produisent des masses solitaires, sans communauté réelle. §29: Le spectacle tire son origine de la perte d'unité du monde, et s'étend d'autant plus que cette perte est complète. Le spectacle réunit la vie sans unité, séparée de ses produits, mais en tant que cette vie est sujette à cette séparation. §30: Le spectacle imprime aux spectateur (qui en est le producteur ignorant) des gestes qui ne lui appartiennent pas. Le spectateur se comprend d'autant moins, est d'autant moins lui-même ou chez lui, qu'il contemple le spectacle, s'imprègne des formes de vie qu'il produit et que ce spectacle est partout. §31: Le travailleur produit une puissance qui lui est indépendante, et cette puissance indépendante se montre à lui comme dépossession des produits de son travail, dépossession de son monde, de son temps. Les forces qui échappent à l'humanité se révèlent à elles dans toutes leur puissance. §32: Le spectacle fabrique concrètement l'aliénation sociale; l'économie s'étend dans la mesure où elle étend cette production d'aliénation; l'économie autonome ne peut que faire croire son principe, qui est l'aliénation du producteur vis-à-vis de son produit. §33: Le travailleur est d'autant plus séparé de sa vie qu'il produit lui-même, de façon aliénée, le monde dans lequel il vit. §34: « Le spectacle est le capital à un tel degré d'accumulation qu'il devient image » II - La marchandise comme spectacle (§ 35-53)[modifier le code] §35: Le mouvement essentiel est la coagulation en choses l'activité humaine et sa valeur vécue à l'état fluide. En ce sens, il dérive de la marchandise. §36: Le spectacle est l'expression la plus intense du fétichisme de la marchandise, remplaçant le monde vécu, concret, par des images abstraites passant pour sensibles. §37: Le monde rendu manifeste par le spectacle est celui de la marchandise, dont le mouvement est l'éloignement interhumain comme celui entre producteurs et produit du travail global. §38: La marchandise est le règne du quantitatif, de l'égalité à soi-même; cela explique la perte de la qualité des produits et des modes de vie spectaclistes. §39: Cela étant, ce règne du quantitatif inclut lui-même un seuil qualitatif: son mouvement pratique fait de la Terre un marché mondial. §40: Le développement des forces productives a constitué « l'histoire réelle inconsciente » ayant structuré les changements de la base économique de la survie et des entreprises humaines. Le secteur marchand a pu rester artisanal tant qu'il était marginal. Dans les sociétés où il a trouvé de grands marchés et une forte accumulation de capitaux, cependant, ce secteur est devenu dominant. Dans sa domination, il a fait de tout travail production de marchandise, a fait du travail lui-même une marchandise par le salariat. Le sociétés modernes sont libres de la pression naturelle s'opposant à leur survie, mais le rapport marchand a créé une nouvelle dépendance, la dépendance face à la marchandise, qui créé une survie augmentée, ayant une base sociale plutôt que naturelle. §41: L'économie politique se constitue comme science dominante et critique de la domination lorsque, dans le monde manufacturier, la marchandise, jusqu'alors masquée par l'argent, se révèle principe de la production et occupante de la vie sociale. Emmanuel Roux souligne ici la connexion entre cette thèse et les § 6, 14, 16 et 17. La qualité d'occupant de la vie sociale qu'est le spectacle vient de sa capacité à saturer totalement, par la forme marchandise, du monde social. Il est image et résultat de l'économie marchande, car il rend manifeste la logique de la commodification totale de l'existence par l'économie de la séparation du vivant d'avec son produit. La division du travail économique se retrouve dans le monde politique par la division entre gouvernants et gouvernés, représentée par l'Etat. L'Etat manifeste le spectacle car il veut unir la société comme société de la division et péréniser la séparation dont il dépend. En ce sens, il faut lire les thèses 3, 23 et 24[7]. §42: Le spectacle apparaît lorsque la marchandise passe le seuil de « l'occupation totale de la vie sociale », la totalité du travail vendu, aliéné, devient la marchandise totale de la société, que les masses se doivent de consommer, comme elles se doivent d'aliéner leur travail. De fait, l'individu fragmenté consomme une marchandise elle-même fragmentée. §43: Avant le seuil spectacliste, l'économie politique ne se souçiait que de la seule force de travail du prolétaire. Passé le cap du spectacle, le prolétaire, hors de la chaîne productrice, devient le consommateur respecté, dont le monde marchand se soucie du bien-être et des loisirs. L'aliénation prend désormais en charge toute l'existence humaine. §44: La survie augmentée du règne marchand n'est que la privation infligée à l'individu par l'ordre social, augmentée des richesses de la société des loisirs. C'est une guerre de l'opium renouvelée. §45: L'automation a ceci de contradictoire qu'elle réduit à la fois le temps de travail nécessaire, et qu'elle doit être le lieu privilégié de l'aliénation de l'agir humain comme travail-marchandise. Le secteur tertiaire permet à la fois de bénéficier de cette augmentation de productivité et de garder l'aliénation qui est à la base de l'économie marchande par un accroissement immense les structures de distribution et d'échange de la marchandise. §46: La valeur d'échange, au départ une aide à la valeur d'usage, a fini par prendre la position dominante vis-à-vis de cette dernière. « La valeur d'échange est le condottiere de la valeur d'usage, qui finit par mener la guerre pour son propre compte. » Emmanuel Roux fait le lien entre cette thèse et les § 2 et 10. Il propose de lire ici Debord à travers les travaux de Michel Henry sur Marx, et, derrière ses travaux, l'analyse que fait Aristote de l'art d'acquérir - analyse qui fonde la division entre valeur d'usage et valeur d'échange. Aristote, reprenant en retour Héraclite, voyait dans l'art d'acquérir une hybris, une illimitation de l'échange qui devient recherche de l'argent et soumet la vie et l'usage des choses à cette recherche. Là où le cordonnier non-chrématistique vend ses chaussures pour chausser son semblable et se permettre de manger à sa faim, le cordonnier chrématistique produit des chaussures pour se faire de l'argent, et cherche à chausser son semblable de manière lucrative, et non plus par souci de se montrer utile. De même, pour Marx, le salariat dégrade le travailleur au rang de marchandise, de façon à ce que son existence n'est considérée que dans la mesure où elle peut produire de l'abstraction monétaire. La marchandise est un fétiche, une abstraction métaphysique, dans la mesure où, alors qu'elle passe pour une chose ordinaire, elle enveloppe en réalité l'inversion de la téléologie vivante, de la recherche de l'utile, en recherche de la valeur, désir d'accumulation de l'argent sans limite. La qualification de la valeur d'échange en condottierre de la valeur d'usage est une allusion stylistique à la Renaissance, notamment florentine: le condottiere est le chef d'une armée de mercenaires italienne, qui peut continuer la guerre contre les ordres de son client s'il en voit le profit. De même, la valeur d'usage, autrefois dominante sur la valeur d'échange, en est devenue la victime[8]. §47: L'économie capitaliste enveloppe comme constante « la baisse tendancielle de la valeur d'usage », qui produit une nouvelle privation au sein de la survie augmentée, exigeant de tous la participation à l'effort continu d'auto-affirmation de l'économie pour pouvoir vivre. C'est ce chantage fondamental de la survie augmentée qui mène à l'acceptation de l'illusion marchande. Le spectacle n'est autre que la manifestation générale de l'illusion marchande que le consommateur, résigné à la survie augmentée, accepte et vit. §48: La réalité inversée du spectacle doit maintenant explicitement exprimer la valeur d'usage, autrefois simplement impliquée par la valeur d'échange. La pseudo-justification de l'utilité de la marchandise devient nécessaire à la fausse vie du consommateur. §49: Le spectacle, pseudo-usage de la vie, est la face visible de l'argent, l'équivalent général de toutes les marchandises, indépendamment de leur usage. Le spectacle est le résultat de l'échange entre l'entièreté de l'usage de la vie et la représentation abstraite de cette vie. §50: Le capital, come résultat concentré du travail social, ne domine plus secrètement la société, mais en fait sa manifestation, son portrait, en même temps qu'il se l'asservit. §51: Le triomphe de l'économie autonome signe aussi sa perte. Le déchaînement des forces productives qu'elle entraîne supprime la nécessité économique, la pression naturelle exercée sur la survie de la société. Sortie de l'inconscient social, l'économie perd de sa force hypnotique - suivant les remarques de Freud sur la friabilité de tout ce qui devient conscient. §52: La prise de conscience de la dépendance de la société envers l'économie se renverse en dépendance de l'économie envers la société. Le sujet conquiert son autonomie dans la lutte des classes, à la fois produite par et productrice de la base économique de l'histoire. §53: La société du spectacle, autocontemplation de la marchandise dans le monde qu'elle a créé, s'oppose la « conscience du désir et le désir de la conscience », réclamant l'abolition des classes, donc la possession, par les producteurs, sur « tous les moments de leur activité ». III - Unité et division dans l'apparence (§ 54-72)[modifier le code] §54: Dans le spectacle édifie, comme la société moderne, son unité dans la séparation. La division sociale fait l'unité du spectacle, et la réalité unie qu'il prétend révéler est en réalité divisée. §55: L'unité réelle du système spectaculaire se présent comme lutte de pouvoirs prétendant à la domination de la même économie marchande. On retrouve cette unité internationalement comme au sein des nations. §56: Le capitalisme est le mouvement unique qui rassemble en un principe commun tous les blocs rivaux de la planète, qu'ils soient ouvertement marchands, prétendent régler l'économie par une bureaucratie étatique, ou qu'ils se constituent de sociétés semi-colonisées. §57: Les économies avancées dominent les économies plus faibles aussi bien en tant qu'économies qu'en tant que spectacle. Les sociétés avancées donnent leur modèles aux sociétés sous-développées, à leurs classes dirigeants, ainsi que des pseudo-modèles révolutionnaires. Il y a une « division mondiale des tâches spectaculaires ». §58: L'autarcie protectionniste ne protège pas du développement planétaire du spectacle. §59: La banalisation du spectacle va jusqu'à atteindre la famille et la religion. La répression qu'elles peuvent infliger aux individu se combine sans problème avec la pseudo-jouissance du monde marchand, lui-même fondé sur la privation. L'insatisfaction peut elle-même devenir marchandise, et la révolte illusoire, si l'économie est suffisament développée pour la commodifier. §60: La vedette, comme spécialisation du vécu apparent s'appropriant décision et consommation, est la représentation spectacliste de l'homme vivant. Mais les activités choisies et consommées ne sont pas réellement variées, pas plus que la vedette n'a réellement d'emprise globale sur sa vie. §61: La vedette est l'antithèse de l'individu vivant. La vedette est d'autant plus admirable qu'elle s'identifie aux valeurs de l'ordre spectaculaire et s'aliène son être profond. §62: Le faux choix que propose la société spectaculaire se manifeste en opposition fantomatiques: entre régions, races, équipes sportives en compétition, listes électorales. En particulier, l'opposition entre jeunesse et monde adulte est vide: l'autonomie de l'âge adulte est socialement introuvable, et la force de changement de la jeunesse est accaparée par le capitalisme. Seules les choses peuvent être dites jeunes. §63: Derrière les oppositons fantasmatiques du spectacle se cache « l'unité de la misère ». Le spectacle ne fait qu'offrir une fausse image heureuse masquant la misère réelle de la séparation de l'individu avec lui-même. §64: Le capitalisme bureaucratique se manifeste par du spectaculaire concentré. Le spectaculaire concentré impose un choix total à la population; tout pseudo-choix risquerait de le démanteler. Le spectaculaire concentré se focalise sur une vedette absolue, à laquelle chaque individu doit s'identifier, ou disparaître. « Si chaque chinois doit apprendre à être Mao, c'est qu'il n'a rien d'autre à être. Là où domine le spectaculaire concentré domine aussi la police. » §65: Le capitalisme d'abondance se manifeste par le spectaculaire diffus. La satisfaction fausse des marchandises-vedettes diverses s'obtient par la consommation de marchandises fragmentaires, sans cohérence d'ensemble et parfois directement antithétiques. Ainsi, la marchandise automobile détruit la marchandise touristique des quartiers historiques, puisqu'elle nécessite un réaménagement du territoire détruisant l'urbanisme ancien. §66: Chaque marchandise lutte pour réaliser pour elle seule le devenir-monde de l'économie marchande, corélat du devenir-marchandise du monde humain. Chaque marchandise nie la légitmité de toute autre à un tel devenir-monde, et le spectacle est « le chant épique de cet affrontement, que la chute d'aucune Ilion ne pourrait conclure. » Il y a une « ruse de la raison marchande », faisant que, par l'épuisement de chaque marchandise particulière s'épuisant dans la lutte spectacliste, la forme-marchandise se réalise absolument. §67: Le gadget et l'enthousiasme qu'il peut susicter à remplacé les vieux transports mystiques de la religion. Le gadget offert à l'achat d'une marchandise prestigieuse montre en réalité que l'aberration même de la surproduction marchande est devenue marchandise. Le seul usage exprimé par le gadget offert, « [induglence] de la marchandise » et « signe glorieux de sa présence réelle parmi ses fidèles », est la soumission à l'ordre spectaculaire-marchand. §68: Là où tout désir ou besoin fondamental était retravaillé, informé par les puissances sociales et l'histoire collective, la marchandise libère l'artificialisation des besoins de toute limite organique. La libération d'un tel artifice indépendant d'une base dans l'usage social falsifie toute la vie sociale. §69: Le prestige de l'objet vedette du moment vient de son rôle de pseudo-justification de l'ordre économique marchand. Il demeure prestigieux tant qu'il est inaccessible, mais dès qu'il est accessible à la consommation de masse, il redevient vulgaire, sans intérêt, et un autre objet le remplace. Ainsi, la division fondamentale à l'élaboration de la société spectaculaire prétend à la réunification par un produit vedette, qui donnerait accès à la « terre promise de la consommation totale », mais cette réunification est à chaque fois postposée par la destitution du dernier produit vedette par le produit suivant. §70: Aussi bien dans la publicité marchande et ces produits vedettes que dans la propagande totalitaire et ses vedettes absolues, chaque nouveau mensonge, chaque nouvelle vedette illusoire, admet tacitement la fausseté de la prétention unificatrice de la vedette précédente, et révèle la fausseté de la communauté spectaculaire s'étend rassemblée autour de cette vedette. §71: Le spectacle, de par sa nature, prétend établir un dogme fixe, mais sa base est changeante. Sa transformation permanente est à la fois son état naturel et en totale contradiction avec son but. §72: Le spectacle masque la division de classe, principe de l'unité réelle de la société capitaliste, par l'image d'unité irréelle qu'il construit. Le pouvoir abstrait, spectaculaire de la société fait aussi sa non-liberté réelle. IV - Le prolétariat comme sujet et comme représentation (§ 73-124)[modifier le code] §73: La victoire de l'ordre bourgeois-marchand a rendu historique tout ordre prétendant autrefois à l'absolu. §74: La projection dans l'histoire et l'expérience de la lutte demande de considérer le rapport à autrui de façon désillusionnée. « Le sujet de l'histoire ne peut être que le vivant se produisant lui-même, devenant maître et possesseur de son monde qui est l'histoire, et existant comme conscience de son jeu. » §75: L'époque révolutionnaire et la pensée de l'histoire se développent ensemble; la pensée se fait pensée de la « dissolution de tout ce qui est », et dissout toute séparation. §76: Hegel, penseur de la révolution bourgeoise, a pensé non pas le mouvement révolutionnaire même de transformation du monde, mais le fait accompli de cette transformation. Sa philosophie reste une glorification du monde tel qu'il est devenu, réconciliation de la pensée avec l'ordre tout juste institué du monde. Sa pensée vient encore trop tard, quand tout s'est joué et que la sentence de l'histoire est rendue. §77: La confirmation de la méthode de la pensée de l'histoire passe par la manifestation du prolétariat dans l'histoire, récusant la conclusion de la pensée du fait accompli historique. §78: Marx, Stirner et Bakounine s'affirment comme théoriciens de la révolution ouvrière dans leur confrontation avec la pensée hégélienne. La pensée de l'histoire se sauve en devenant pensée pratique, et la pratique révolutionnaire ouvrière est la conscience historique en acte. §79: Marx se connecte à Hegel dans la mesure où la pensée marxienne est vraie, c'est-à-dire révolutionnaire, comme l'a souligné Bernstein, pour déplorer l'enthousiasme de visionnaire du Manifeste du parti communiste. §80: La rupture de Marx envers Hegel se fait par le refus de la position contemplative externe du monde se faisant. La théorie, avec Marx, devient connaissance de ce que fait le sujet qui la pense. L'histoire doit devenir histoire consciente et sans finalité extrinsèque. La part non dialectique de la pensée marxienne est la contemplation de l'ordre économique se développement mécaniquement, sans conscience. §81: La pensée de Marx est scientifique dans la mesure où elle s'intéresse aux forces en présence dans la société, mais dépasse la légalité scientifique parce ce qu'elle s'intéresse à la lutte entre ces pouvoirs, et non à leurs lois propres. §82: La prétention à fonder l'histoire comme science se fonde sur la prétention à la scientificité de l'étude économique, elle-même faussée par l'intervention de la force étatique pour rééquilibrer la balance économique, qui n'est donc pas laissée à ses propres moyens. La science de la société doit se mettre certes au service de la réappropriation par la société de son histoire et de son économie, mais une telle réappropriation dépasse la scientificité. §83: L'utopisme du socialisme utopique vient de son refus de penser la lutte actuelle et l'histoire postérieure à l'établissement de sa société idéale, mais non d'un refus de la scientificité. Ne prenant pas en compte les intérêts pratiques de la société actuelle, les utopistes sont en-deçà de l'histoire, et pensent en astronomes, comme le soulignait Georges Sorel. Ils postulent le bonheur prédestiné de l'humanité comme Newton postule l'inertie des corps. §84: L'unité de la pensée marxienne s'est vue mutilée par son exposé scientiste, qui a laissé la porte ouverte à l'idéologisation de la pensée de Marx. L'advenue du sujet historique est toujours post-posée, l'économie étant contemplée et étudiée dans son mouvement, sensé porter son auto-négation. Engels lui-même pensait que le développement économique devait encore suivre son cours pour que la conscience historique puisse être mature, effective. §85: Le défaut de la pensée marxienne est le défaut de la pratique révolutionnaire qui lui était contemporaine. Il n'y a pas eu de déclaration de la révolution permanente et planétaire par les communards. L'attentisme scientifique attendant le développement futur de la classe ouvrière deviendront les principaux obstacles à la conscience prolétarienne. §86: L'identification du prolétariat à la bourgeoisie par la saisie du pouvoir via la révolution constitue l'insuffisance principale de l'apologie scientifique de la révolution. §87: Marx a contredit sa propre pensée historique en postulant, dès le Manifeste, une succession linéaire des ordres économiques. Cela obscurcit le fait que la bourgeoisie a été la seule classe révolutionnaire victorieuse, du fait qu'elle soit née dans l'affaiblissement médiéval de l'état et du gain de puissance de l'économie marchande. Marx a raison, cependant, lorsqu'il voit dans le bonapartisme un accord entre l'état et le capital, où la bourgeoisie renonce à la vie historique, établissant ainsi le fondement du spectacle qui est la domination des choses et de l'économie sur la vie. En négatif, le prolétariat devient « seul prétendant à la vie historique ». Roux souligne ici que c'est bel et bien l'exemple bureaucratique bonapartiste qui figure, chez Debord, la naissance du spectacle contemporain, comme unité du règne économique et de la spécialisation du pouvoir séparé des gouvernants par rapport aux gouvernés[7]. Roux cite ici les Commentaires de Debord. Le spectacle y demeure « le règne autocratique de l'économie marchande ayant accédé à un statut de souveraineté irresponsable, et l'ensemble des nouvelles techniques de gouvernement qui accompagnent ce règne. »[9] §88: La bourgeoisie et le prolétariat, les deux seules classes révolutionnaires de l'histoire, mais à des conditions différentes: la bourgeoisie a fait sa révolution, en se basant sur l'économie en développement dont elle est la classe, sur le mûrissement des forces productives. Le prolétariat est la « classe de la conscience », contre toute réalité partielle proposée par l'idéologie, contre le projet de saisie de l'état. Le prolétariat a pour lui la conscience de sa tâche immense. §89: La base de l'économisme politique, fondée par Marx, ne l'a pas lui-même dupé. Il a reconnu lui-même que ses propres tendances subjectives, dans le Capital, ont orienté et biaisé ses conclusions, que son analyse propre ne nécessitait nullement. §90: L'impensé principal de la première génération des théories révolutionnaires est le problème de l'organisation dans le moment révolutionnaire de la société et de la vie, qui permet l'institution de la conscience historique, et le renversement de théorie de la praxis en théorie pratique. Cela a mené à la cooptation des structures issues de la révolution bourgeoise, et donc à la fragmentation de l'unité première de la théorie en savoirs parcellaires, divisés. Cette théorie aliénée par l'idéologie voit dans les mouvements révolutionnaires réels des débordements à réprimer et oublier. Cependant, ces pratiques, exprimant la vérité de la lutte révolutionnaire, exigent une théorisation à leur hauteur. « Le soviet n'était pas une découverte de la théorie. Et déjà, la plus haute vérité théorique de l'Association Internationale des Travailleurs était sa propre existence en pratique. » §91: La querelle entre Bakounine et Marx a été symptomatique de la scission de l'unité première de la pensée révolutionnaire, et chaque camp a été le reflet des travers de l'autre, comme la critique vraie de ses travers. Bakounine reprochait à Marx la confiance en une direction de la révolution par un haut commandement qui ne manquerait pas de refaire une séparation du pouvoir d'avec le corps social, tout en se vantant de constituer une dictature secrète de pilotes de la révolution. Marx reprochait à Bakounine son élitisme conspiratif des révolutionnaires s'auto-proclamant les plus zêlés, tout en promouvant l'éducation progressive des masses ouvrières par un état démocratique et législateur, en attendant le paroxysme opportun des contradictions économiques. Ainsi, il y a eu un schisme réel au sein de l'idée unitaire révolutionnaire, donnant lieu à deux idéologies partiellement vraies, mais prétendant également à l'autorité sur l'entièreté de la Révolution. La FAI et la sociale-démocratie allemande sont des exemples d'organisations vouées à l'échec, basées sur l'une ou l'autre de ces idéologies. §92: L'idéologie de la pure liberté qu'est l'anarchisme collectiviste enveloppe ceci de vrai qu'elle refuse toute partialité au but révolutionnaire, et toute réforme partielle des conditions sociales de la séparation et de la domination, et que la théorie doit trouver son sens dans la pratique social. Mais il est faux et idéologique dans le sens où il se représente les solutions à la misère économique et politique comme immuables, et où il refuse ce qu'il peut y avoir de changeant dans les maux du siècle. De fait, l'anarchisme refuse toute pensée stratégique, méthodique de la pratique. §93: L'anarchisme se démarquant par la pureté de son zèle idéologique, les organisations anarchistes tendent à reproduire en elles la séparation organisationnelle, où mèneront les apologues de la liberté les plus ardents, d'ailleurs tendant à répéter sans cesse les mêmes vérités éculées. De même, refusant de reconnaître qu'une société d'indivdus libres diffère de beaucoup d'un groupuscule de partisans en résistance contre la domination, les anarchistes tendent à s'isoler du reste du mouvement révolutionnaire - pour Debord, les multiples insurrections dans l'espagne franquiste en sont le témoin. §94: Le mérite de l'anarchisme espagnol a été de fonder, en 1936, une société au plus près de son idéal. Mais cette révolution, qu'un anarchisme sincère considère toujours comme imminente, a en réalité été causée par l'insurrection franquiste, qui a par ailleurs écrasé l'opposition, anarchiste comme républicaine, avec l'appui de l'étranger, pendant que le mouvement anarchiste a été détruit par les partis ouvriers étatistes et les forces bourgeoises opposées à Franco, qui ont donc à la fois tué la révolution et perdu la guerre d'Espagne. §95: La seconde internationale incarne le versant scientifique de l'idéologie socialiste. Elle fonde son savoir et la confiance envers celui-ci dans la connaissance des lois de développement de l'économie, mais le fait sous un mode contemplatif, passif. A la limite, elle dissocie l'unité de la pensée marxienne originale en ne voyant pas de connexion entre reconnaissance de la nécessité du développement économique et attitude pratique à adopter à l'égard de celle-ci. §96: Le pouvoir social-démocrate est aux mains des éducateurs de la classe ouvrière, élèves passifs de la doctrine socialiste. Une telle séparation entre intellectuels au pouvoir et masses ouvrières mènent à l'embourgeoisement plus avancé d'intellectuels déjà bourgeois. La bureaucratie syndicale sociale-démocrate traite toujours le travail comme marchandise, mais cherche à la vendre à son juste prix, en extrayant ces éléments du mouvement ouvrier effectif. Cette approche pensait que le capitalisme ne pouvait pas supporter une telle bureaucratisation de la masse ouvrière - ce qui s'est avéré l'inverse de la réalité. §97: Bernstein est le social-démocrate le plus lucide en tant qu'il récuse l'idée d'une crise nécessaire à venir du capital qui donnerait le signal du début de la révolution ouvrière, ainsi que sa légimité. Une telle idée d'une crise génératrice de révolution a été démentie par les faits, avec le ralliement de la sociale-démocratie allemande à la guerre impériale de 14-18, ensuite par l'écrasement social-démocrate de la ligue spartakiste. Ebert, haïsssant la révolution, se montre ennemi du prolétariat car pour lui « Le socialisme veut dire travailler beaucoup ». §98: Lénine se révèle être un disciple droit de Kautsky, appliquant la méthode sociale-démocrate à la Russie tsariste, fermée même au réformisme allemand. Dans le parti des révolutionnaires professionnels, des intellecutels dirigeant du dehors la révolution, c'est la « profession de la direction absolue de la société » qui se développe et s'affirme. §99: Le bolchévisme autoritaire, après la défaite de la sociale-démocratie allemande, s'est révélée l'idéologie révolutionnaire adéquate au scientisme de la 2ème Internationale. §100: Dans le même mouvement, où la sociale démocratie a défendu le vieux monde, et le bolchévisme s'est imposé en Russie, la représentation ouvrière, antagoniste à la classe, s'est imposée comme coeur de la domination spectaculaire. §101: Rosa Luxemburg, peu avant l'écrasement de la Ligue Spartakiste, a découvert la fonction réelle de la sociale démocratie allemande: la protection de l'ordre ancien sous les couleurs de la représentation révolutionnaire. Cette représentation est à la fois le résultat central et le principe de la falsification des luttes sociales, rendant impossible de formuler clairement et honnêtement les intérêts en lutte et les questions sociales. §102: La démission des partis ouvriers européens donna l'ascendant à la formation autoritaire bolchevik, qui servit de modèle pour les révolutions ultérieures. Cette démission fut aggravée par la destruction, du fait du monde ouvrier, de sa propre frange radicale. Ainsi, le parti bolchevik s'est affirmé dans la prise de possession de l'état, monopolisant les deux « propriétaires du prolétariat » que sont la répresentation et la défense du pouvoir ouvrier. La démission des partis européens renforça la prétention mensongère des bolcheviks à être l'unique issue de secours du prolétariat. §103: La dictature de la bureaucratie étatique, permettant la mainmise d'une minorité sur l'ensemble du mouvement révolutionnaire, donna à Lénine raison contre ses opposants. En défendant le monopole du pouvoir détenu par la tête du parti lui-même à la tête de la Révolution, Lénine ne pouvait que donner raison plus tard à Staline, en refusant l'existence à la moindre opposition vis-à-vis de l'autorité suprême au sein du parti. §104: La logique stalienne d'industrialisation forcée et de terreur contre la paysannerie montre la réalité profonde du capitalisme bureaucratique d'Etat. Ce capitalisme bureaucratique instaure une accumulation primitive à marche forcée, brutale, sauvant l'essentiel de la forme-marchandise et de sa domination sur le monde social. La bureaucratie est une bourgeoisie de substitution dans l'économie de la séparation d'inspiration stalinienne. Cette classe possède collectivement une économie concentrée, quoique sous-développée; et elle n'aspire qu'à rattrapper son retard sur le développement. Le parti ouvrier organisé selon la logique bourgeoise de la séparation entre gouvernants et gouvernés a fourni le cadre de cette séparation économique de substitution. §105: Le stalinisme est le moment où l'idéologie léniniste de la volonté révolutionnaire se renverse d'outil stratégique en fin en soi. Elle devient un immense mensonge sans contradiction qui, contrairement au capitalisme d'abondance, n'a pas réellement changé le monde, mais changé autoritairement la perception de celui-ci, suivant sa logique policière totalitaire. §106: La contradiction entre la mainmise bureaucratique sur la société toute entière et la proclamation officielle de l'inexistence de la classe bureaucratique fonde « l'organisation sociale du mensonge absolu », et rend démente l'entièreté de la vie sociale sous le joug de la classe idéologique-totalitaire. §107: Au sein de la classe bureaucratique bolchévique, c'est la personne de Staline qui fait office de garant de la survie des membres de cette classe. En effet, la classe bureaucratique, propriétaire effective du prolétariat, n'a, dans le discours totalitaire, aucune existence légitime. Le bureaucrate réel doit se présenter effectivement comme le révolutionnaire socialiste qu'il ne peut pas être. Le pouvoir terroriste qu'exerce la bureaucratie stalinienne sur la population, elle le subit elle-même de la part de Staline, souverain réel du monde stalinien, fixant sans cesse et sans appel la frontière entre prolétaire fidèle à la cause et au pouvoir et traître à la solde du Japon ou des Etats-Unis. Staline est le Souverain absolu du monde soviétique. §108: Parce que l'idéologie absolue détentrice du pouvoir absolu et promulgant le mensonge absolu annihilie la pensée historique, le monde totalitaire vis dans un présent perpétuel. Non seulement la signification des faits historiques, mais aussi les faits eux-mêmes, sont justiciables de la police totalitaire. Lyssenko est l'expression paradigmatique de ce déni de la rationnalité élémentaire au sein d'une économie qui, parce que calquée sur le modèle capitaliste, a besoin de la science pour progresser. La contradiction entre besoin objectif de la rationnalité et refus idéologique du rationnel fait la faiblesse de l'économie bureaucratique sur le développement capitaliste normal. §109: L'autre pourfendeur du mouvement ouvrier de l'entre-deux-guerres fut le fascisme, dont la structure totalitaire fut dérivée (selon Debord) du modèle bolchevik. La rationnalisation de l'intervention massive de l'Etat dans l'économie pour le sauver de la subversion prolétaire que propose le fascisme est endiguée par son irrationnalisme fondamental. « Le fascisme est l'archaïsme techniquement équipé ». Le fascisme est un des éléments fondateurs de l'ordre mondial contemporain, à la fois parce qu'il a participé à l'écrasement des mouvements révolutionnaires, et par son rôle comme initiateur du spectaculaire contemporain. Cependant, son pouvoir est faible et son irrationnalisme mythique coûteux - il tend à être remp

L'histoire des Juifs en Algérie remonte à l’Antiquité, sans qu’il soit possible de retracer avec certitude l'époque et les circonstances de l’arrivée des premiers Juifs[N 1] sur le territoire de l’actuelle Algérie. Plusieurs vagues d'immigration ont en tout cas contribué à accroître sa population. Il est possible qu'il y ait eu des Juifs à Carthage et dans le territoire actuel de l'Algérie avant la conquête romaine mais le développement des communautés juives est lié à la présence romaine. Les révoltes juives des Ier et IIe siècles en terre d'Israël et en Cyrénaïque ont certainement causé l'arrivée d'immigrants juifs en provenance de ces contrées. Le prosélytisme juif envers les Berbères est un fait historique établi, mais son importance reste débattue. La conquête musulmane de l'Afrique du Nord achevée en Algérie au VIIIe siècle fait entrer l'Afrique du Nord dans l'aire de civilisation islamique et marque durablement l'identité des communautés juives locales, dont le statut est désormais régi par la dhimma. De nouveaux immigrants renforcent ultérieurement la communauté juive d'Algérie : des Juifs fuient l'Espagne lors des persécutions wisigothes des VIe et VIIe siècles, puis encore lors des persécutions liées à la Reconquista espagnole du XIVe au XVIe siècle. Beaucoup de Juifs de la péninsule Ibérique s’installent alors en Algérie et se mêlent à la population juive locale, influençant ses traditions. Au XVIIIe siècle, d'autres Juifs d'Italie, les Granas de Livourne, peu nombreux, mais jouent un rôle d'intermédiaires commerciaux entre l'Europe et l'Empire ottoman. Plus tard au XIXe siècle l'Algérie voit l'arrivée de nombreux Juifs tétouanais, renforçant les rangs de la communauté[2]. Durant la colonisation française de l'Algérie dès 1830, la France ne veut pas ajouter à une guerre de conquête, une guerre de conversion catholique. La liberté religieuse est garantie aux autochtones musulmans et juifs pourvu que la tutelle militaire et administrative soit respectée[3]. La communauté juive va progressivement se « franciser » par le biais de l'école et de l'influence des Juifs de la métropole. À la suite du décret Crémieux de 1870, les Juifs algériens des départements d'Alger, Oran et Constantine déjà fortement francisés, choisissent massivement de sortir du statut personnel de dhimmi, perçu comme archaïque, pour devenir des citoyens français. Ils assimilent de plus en plus aux colons et se distinguent du reste de la population indigène musulmane. Ce changement de condition est unique au Maghreb, les Juifs tunisiens et les Juifs marocains gardant à tout moment du protectorat de ces pays, la condition d'indigène. Ce rattachement à la France explique pourquoi, malgré un retour temporaire à la condition d'indigène durant le régime de Vichy[4], ils choisissent massivement l'émigration en France à la veille de l'indépendance de l'Algérie. Cet exil met quasiment fin à plus de 2 000 ans de présence en terre algérienne. Quelques dizaines de Juifs très discrets vivent encore en Algérie[5],[6]. Les relations entre Juifs, Algériens musulmans et colonisateurs français étaient très diverses et marquées à la fois par le statut de dhimmi des Juifs dans les pays arabes, leur statut de citoyen français depuis le décret Crémieux et par l'antisémitisme français durant les années 1940. Des premières communautés à la conquête musulmane[modifier le code] Article détaillé : Origines des Juifs d'Afrique du Nord. L'origine des Juifs d'Algérie est très peu connue. Elle se confond avec celle de tous les Juifs d'Afrique du Nord. Selon l'historien Richard Ayoun, la présence juive est « incontestable » dès avant la conquête romaine du IIe siècle, sur le littoral nord-africain à Hippo Regius (Annaba), Igilgili (Jijel), Iol (Cherchell), Icosium (Alger) et Gunugu (Gouraya)[7] ainsi qu'à l'intérieur des terres à Constantine, Médéa mais il n'y a pas de preuve archéologique pour appuyer ces affirmations. La présence juive est réellement confirmée dans la région de Constantine dès les premiers siècles de l'ère commune, comme le montrent des épitaphes (en latin)[8] qu'on y a découvertes[9]. Cette population se serait vue augmentée à la suite de la prise de Jérusalem par Titus en 70[10],[7], qui mène de nombreux Juifs sur les côtes de Carthage et de Maurétanie. Augustin d'Hippone et Jérôme de Stridon attestent tous deux de l'importance de la communauté juive aux IVe et Ve siècles : le premier, qui traite les Juifs de « paresseux » car ils observent le Shabbat[11], est l'auteur de Contre les Juifs et le second affirme dans une de ses lettres que les colonies israélites forment une chaîne ininterrompue « depuis la Maurétanie, à travers l'Afrique et l'Égypte jusqu'à l'Inde »[12]. Comme les autres Juifs de l’Empire, ceux d’Afrique romaine sont romanisés de plus ou moins longue date, portent des noms latins ou latinisés, arborent la toge et parlent latin, même s’ils conservent la connaissance du grec, langue de la diaspora juive de l’époque[13]. La synagogue de Sétif date du IIIe siècle[14] et il en existait une autre à Auzia (Aumale)[15]. La synagogue de Tipaza est construite au IVe siècle[11]. Dès le Ve siècle[16], les historiens arabes signalent la présence de Juifs dans la région saharienne du Touat, dans le sud-ouest algérien. Au Ve siècle, le pouvoir vandale offre une courte période de liberté religieuse aux Juifs[11]. Mais lorsque les Byzantins arrivent en Algérie, les édits de Justinien excluent les Juifs de toutes les fonctions publiques et plusieurs synagogues sont transformées en églises comme à Tipaza[17]. Au VIIe siècle, l'Algérie accueille une première immigration de Juifs d'Espagne fuyant les persécutions du roi wisigoth Sisebut[18]. Les Judéo-Berbères[modifier le code] Berbères et Juifs pourraient donc avoir une origine géographique proche, que Richard Ayoun n'hésite pas à qualifier de « proximité familiale »[19] et ceci pourrait expliquer les affinités qui ont existé entre ces deux populations, dont un exemple est peut-être donné par le roi Juba II qui se marie avec Glaphyra, veuve du fils du roi de Judée Hérode le Grand[20], même si celle-ci ne semble pas juive[21]. Il existe aussi une hypothèse d'une origine cananéenne des Berbères, soutenue par certains auteurs anciens chrétiens ou juifs, et plus récemment par Nahum Slouschz[22]. Ainsi, quand Augustin d'Hippone demande leur origine aux habitants d'Hippone, l'actuelle Annaba, ceux-ci lui répondent en punique qu'ils sont des « Canani ». Il rappelle aussi aux paysans l'histoire du fils maudit de Cham, Canaan et des fils d'Israël[23]. Quant à l'historien Procope de Césarée, il mentionne une inscription trouvée à Tigisi (actuelle Aïn el Bordj, à 50 kilomètres de Constantine) en Numidie qui pourrait faire référence aux Cananéens de la Bible : « Nous sommes ceux qui ont fui devant Josué, fils de Nun »[24],[25]. Et, selon le Sefer Yosippon, des descendants d'Ésaü se seraient établis dans le nord de l'Afrique[12]. Juifs et Berbères cohabitent pendant longtemps à travers l'Afrique du Nord, favorisant les échanges culturels et humains. Les Juifs du Touat[modifier le code] Le Touat est une région du sud-ouest de l'Algérie actuelle, dans le Sahara, où les Juifs semblent avoir été présents depuis le IIe siècle, particulièrement dans la ville de Tamentit[26]. Selon l'historien Jacob Oliel[27], les Juifs se sont établis au Touat dans les années 132 – 135 après la répression par les Romains de la révolte de Cyrénaïque de 115 – 117. Au VIe siècle, leur capitale est Tamentit[26] où ils ont une synagogue[27]. Cette communauté prospère tout au long du Moyen Âge, quand ils contribuent au développement des foggaras et du commerce transsaharien avant de disparaître à la fin du XVe siècle sous les coups d'un cheikh fanatique[27],[28]. Il en reste des descendants qu'on reconnaît parfois à leur patronyme comme les Touati ou Touitou[29]. De la conquête arabe à l'expulsion des Juifs d'Espagne[modifier le code] L'islamisation de l'Algérie débute au milieu du VIIe siècle et sa conquête par les Omeyyades est achevée avant la fin du même siècle. Article détaillé : Histoire des Aurès.La résistance berbère est tenace. Une des figures les plus marquantes en est Dihya, dite la Kahina, dont beaucoup avec Ibn Khaldoun disent qu'elle était judaïsante. Pendant cinq ans environ, elle dirige les tribus berbères opposées aux Arabes avant d'être défaite. L'immigration juive qui avait suivi la conquête arabe semble se poursuivre, ainsi qu'une certaine fusion avec des Judéo-Berbères. On trouve des communautés juives dans de nombreuses villes dont principalement Béjaïa, Alger, Oran, Constantine, Mostaganem mais aussi au sud ; Biskra, dans le M'zab et jusque dans les oasis sahariennes[30]. Les communautés juives sont soumises au statut de dhimmis[31], comme sur toutes les terres musulmanes depuis le pacte du calife Omar ibn al-Khattab, au VIIIe siècle, qui tout en leur laissant la liberté du culte leur attribue un statut juridique et social très inférieur à celui des musulmans[31]. Après la défaite de la Kahina et la conquête de l'Andalousie, plusieurs révoltes des Berbères sufrites (kharidjisme berbère) ou rostémides déstabilisent le pouvoir abbasside au Maghreb. Les Kharidjites comme les Rostémides de Tiaret ou les dynasties berbères kharidjites de Tlemcen se montrent tolérants vis-à-vis des Juifs. Au Xe siècle, résident en Algérie plusieurs savants juifs[32] : Rabbi Juda ibn Quraysh, linguiste de Tiaret, qui produit une étude comparative de l’hébreu et de l’arabe à l’araméen. Rabbi Isaac ben Jacob Alfassi, décisionnaire halakhique, originaire de Fès, au Maroc, dont le grand-œuvre est le Sefer HaHalakhot (ספר ההלכות). Vers la fin du Xe siècle, les Rostémides kharidjites s'installent au Mzab, lors des attaques almoravides. Plusieurs oasis où vivent les Kharidjites et les communautés juives se développent rapidement. Après plusieurs siècles relativement paisibles, les Juifs d’Afrique du Nord sont au XIIe siècle soumis à une persécution terrible de la part des Almohades[33]. Les communautés du Sud disparaissent en 1142, celle d'Oran, en 1145, celle de Tlemcen, en 1146 et celle de Bougie en 1147[11]. En 1165, le pouvoir almohade instaure une politique de conversion forcée à l'islam pour les Juifs, avec interdiction de se marier avec des musulmans et de pratiquer le commerce à grande échelle[34]. En 1198, Le souverain almohade Al Monsur impose aux Juifs de porter un vêtement particulier, de couleur jaune[35]. Les Juifs doivent alors (au Maghreb comme en Espagne musulmane) choisir entre pratiquer clandestinement leur religion ou s’exiler vers les quelques pays accueillants, l’Égypte, la terre d'Israël ou l’Italie[36]. Les Almohades finissent par adoucir leur politique et autoriser les Juifs à vivre dans les villes maghrébines[33]. Entre le XIe et le XVe siècle, une importante population juive s'installe à Ghardaïa, capitale du Mzab[37],[38],[39]. Article détaillé : Histoire des Juifs du Mzab. Après le déclin de l'Andalousie[modifier le code] À partir du XIVe siècle et jusqu’au XVIIe siècle, l’émigration s’inverse. Les communautés nord-africaines voient arriver des Juifs d’Espagne notamment après les émeutes et persécutions anti-juives de 1391 en Catalogne, Aragon, Majorque ou Valence[40]. Cette vague concerne plus particulièrement l'Algérie, et nombre de réfugiés s'établissent à Alger qui devient au XVe siècle un grand centre rabbinique. La plus grande vague pour l'Afrique du Nord est celle qui suit l’ordre d’expulsion prononcé en mars 1492 après la prise de Grenade, lors de la Reconquista, par les Rois catholiques d'Espagne. À leur arrivée en Algérie, les Juifs d’Espagne s’installent dans les villes du littoral et de l’intérieur du pays où ils fusionnent progressivement avec les Juifs autochtones. Ils s'installent principalement le long de la côte de Honaïne à l'ouest en passant par Oran, Mostaganem, Ténès, Alger, Bougie et jusqu'à Tunis en Tunisie. Nombreux sont ceux qui s'établirent à Tlemcen et dans d'autres cités de la plaine comme Constantine, Miliana et Médéa[41],[42]. Les communautés juives d'Algérie connaissent alors une véritable mutation[43]. S'ensuit dès le XVIe siècle un courant régulier de marranes portugais et de Juifs originaires de France, d'Italie (de Livourne plus particulièrement) et de Constantinople ottomane[44]. Ce sont les Juifs d'Espagne qui, sous la désignation de Séfarades (qui signifiait originellement « Juifs d’Espagne »), introduisent la liturgie du même nom. Finalement, ce sont toutes les communautés juives nord-africaines, et au-delà balkaniques et orientales qui adopteront la liturgie sépharade. Parmi les familles juives chassées d’Espagne et ayant trouvé refuge à Alger, on peut citer généralement parmi tant d'autres les Stora, les Duran[45], les Seror, les Benhaïm, les Oualid et les Ayache[46],[47]. Ces familles revendiquent leurs ascendances purement espagnoles[46]. Dès le début du XVe siècle, des rabbins d'origine espagnole prennent la tête des communautés algériennes[48] : à Alger : Isaac ben Chechet dit le Rivach et Shimon ben Tsemah Duran dit le Rachbatz[46], tous deux nés en Espagne et qui prennent successivement la direction de la communauté juive d'Alger ; à Constantine : Maimun ben Saadia Najar[49] et Joseph ben Menir[46] ; à Tlemcen : Abraham ben Hakin et Ephraim Encaoua[46], rabbin né à Tolède, dont la tombe est devenue lieu de pèlerinage jusqu'au départ des Juifs d'Algérie ; à Oran : Amram Merovass Ephrati, rabbin et docteur ; à Béjaïa : Rabbi Benjamin et Amram Amar de Valence ; à Nedroma[réf. nécessaire]. La crainte des persécutions de la part des Espagnols reste si grande dans la communauté juive que les échecs de ceux-ci dans leurs tentatives de prendre Alger en 1541 puis en 1775 sont commémorés par les Juifs lors des Pourims d'Alger[50]. L'Algérie ottomane[modifier le code] Article détaillé : Régence d'Alger. Au début du XVIIe siècle les Juifs du territoire algérien actuel se répartissent entre plusieurs communautés urbaines dont les plus importantes sont Alger, Mostaganem, Constantine et Tlemcen. On retrouve aussi des communautés rurales dans les oasis du Sud algérien : Mzab, Biskra, Touggourt. Ils sont en revanche absents de la plupart des montagnes algériennes et de la région des hautes plaines[51]. Pendant la période ottomane, les Juifs d’Algérie sont comme auparavant soumis au statut de « dhimmi » En cas de litige avec un musulman, ils sont jugés par un tribunal musulman où leur témoignage vaut moins que celui d'un musulman. Certains Juifs condamnés sont brûlés vifs à la porte de Bab El Oued[52]. Les XVIIe et XVIIIe siècles voient un renouveau des études talmudiques avec les rabbins Saadia Chouraqui qui est aussi mathématicien et Juda Ayache (1690 – 1760), dayan (c'est-à-dire juge du tribunal rabbinique) à Alger, auteur du traité Bet Yehuda (La maison de Juda) où il décrit les coutumes judéo-algéroises[11].Au XVIIe siècle, arrivent les « Juifs francs », Granas de Livourne (Italie), très engagés dans le commerce maritime en Méditerranée. Ils sont aussi, en partie, d’origine ibérique. Les Livournais exportent d'Algérie des denrées agricoles comme le blé ou les agrumes, et artisanales comme la soie ou le cuir. Ils y importent d'autres produits agricoles, comme le sucre ou le café, et industriels comme la quincaillerie ou du fer et de l'acier, mais la masse des Juifs continuent de vivre dans la misère[11]. Les Juifs vivent en permanence sous la menace d'oppressions diverses, comme le massacre de 1805, dont témoigne le consul de France Dubois-Thainville[53]. Celui-ci sauve alors la vie de 200 Juifs en les abritant dans son consulat[54]. Cette même année, le chef de la Nation juive d'Alger, Naphtali Busnach, est tué alors que des émeutes ravagent les quartiers Juifs[55],[56]. En 1815, c'est le grand-rabbin d'Alger, Isaac Aboulker, qui est décapité lors d'une émeute[57]. Il faut toutefois noter une grande diversité de situations dans l’espace et dans le temps. Des relations de bon voisinage, voire d’amitié, peuvent se nouer, notamment à l’occasion de la célébration des fêtes juives. La pratique des « protections », — tel ou tel individu se mettant sous la protection d’un notable musulman, d’un haut fonctionnaire ou du Dey, ou bien des consuls européens —, ne concerne pas que quelques riches marchands, mais s’étend parfois à des gens très modestes. Dans les campagnes, de nombreuses tribus juives vivent en complémentarité avec leurs voisines musulmanes[58].Durant la Révolution française, deux négociants Juifs originaires de Livourne, Bacri et Busnach[59], arrivent à nouer une relation privilégiée avec le dey d’Alger, devenant son conseil financier et bénéficient de privilèges et monopoles commerciaux qui font leur fortune. Ils fournissent en blé les armées du Directoire vers 1795 – 1796, sans parvenir à s’en faire régler le prix, sauf de façon partielle sous la Restauration. Ce conflit commercial connaît de multiples rebondissements plus ou moins dramatiques et empoisonne les relations entre la France et la Régence pendant une trentaine d’années. David Bacri nommé par Napoléon consul général à Alger est décapité en 1811 par ordre du dey d’Alger[60],[61]. Cet évènement est une première étape du conflit entre les Ottomans et les Français. Finalement, le dey Hussein, ne pouvant prélever sa part majoritaire sur le produit de la transaction non réglée, convoque le consul français Pierre Deval pour régler les dettes de la France. C’est donc à la suite de ce conflit commercial que surviennent l’affaire du « coup d'éventail », la prise d'Alger et la conquête de l’Algérie[62],[63]. Quelques traits du judaïsme dans l'Algérie ottomane[modifier le code] Les communautés juives développent chacune leurs propres coutumes et leurs propres rites (algérois, constantinois, oranais…), qu'on retrouve aujourd'hui encore, puisque certaines synagogues sont, par exemple, de rite algérois ou d'autres de rite constantinois[64]. Ce judaïsme accorde une grande importance à la Kabbale et à la vénération des « saints », c'est-à-dire des rabbins fondateurs comme le Ribach et Rachbatz ou encore Ephraim Encaoua à Tlemcen dont la tombe est fréquentée par les Juifs comme par les musulmans. Certaines synagogues deviennent des lieux de pèlerinage, telles Ghriba à Djerba (Tunisie), mais aussi celles d'Annaba (Bône) et de Biskra[64].Dans chaque ville, on trouve à la tête de la communauté le « chef de la nation juive » (mokdem), nommé par le pouvoir et chargé de la collecte des impôts. Malgré les risques que comporte cette fonction, elle est très recherchée pour son influence auprès du Dey. Les procès entre Juifs sont jugés par les juges des tribunaux rabbiniques, mais ceux impliquant aussi des musulmans sont jugés par des musulmans. Autres notables importants, les Guizbarim sont chargés des œuvres de bienfaisance[65]. Les Juifs, qui, comme dhimmis, n'ont pas le droit d'être propriétaires fonciers, sont le plus souvent artisans ou commerçants : tailleurs, brodeurs, cordonniers, mais aussi orfèvres, bijoutiers ou joaillers. Ils peuvent même battre la monnaie du Dey. Comme commerçants, ils assurent les liaisons avec les provinces sahariennes. Grâce à leurs liens professionnels et familiaux avec les Juifs de Livourne, ils sont en relations d'affaires avec les ports européens de la Méditerranée comme Marseille[66]. Cette puissance commerciale et financière leur donne accès au Dey. Dans son ouvrage, L'État d'Alger, William Shaler, consul des États-Unis à Alger de 1815 à 1828 dénonce l'« oppression et les outrages » dont souffrent les Juifs à Alger qui y sont frappés de corvées arbitraires et y sont dépourvus de statut légal au point de n'avoir pas le droit de se défendre s'ils sont molestés par un musulman. Ils sont aussi pillés lors des janissaires[67]. Le cas particulier d'Oran[modifier le code] Article détaillé : Histoire des Juifs à Oran. Oran est occupé par les Espagnols de 1509 à 1708. Malgré l'expulsion des Juifs d'Espagne, plusieurs dizaines de familles sont autorisées à rester dans Oran à cause des services rendus lors de la prise d'Oran par les Espagnols. Mais, en 1669, les Juifs sont finalement expulsés d'Oran. En 1708, les Ottomans reprennent Oran et les Juifs reviennent pour repartir lors de la reprise de la ville par les Espagnols en 1732 et ne revenir qu'à la fin du XVIIIe quand les Espagnols sont définitivement chassés. De manière similaire en 1520, la communauté juive de Bougie est expulsée par l'occupation espagnole mais se reforme dans l'arrière-pays[69]. La période de la colonisation française 1830 – 1962[modifier le code] De la prise d'Alger au sénatus-consulte de 1865[modifier le code] Article connexe : Conquête de l'Algérie par la France. La conquête de l'Algérie est marquée en 1835 par le massacre des Juifs de Mascara par les Arabes fuyant la ville sur le point d'être prise par les Français et par le dramatique exode des survivants[70]. Article détaillé : Mascara. Évolution du statut des Juifs[modifier le code] En 1830, à la suite de la colonisation française de l’Algérie, les Israélites sont libérés du statut de dhimmis : ils reçoivent dans un premier temps l’égalité des droits avec les « indigènes » musulmans, en application de l’acte de capitulation passé entre le général de Bourmont et le Dey d’Alger, qui garantit le respect de toutes les religions. Aussi, dès que les premières écoles françaises sont ouvertes, en 1831, les Juifs y envoient leurs enfants. Ils renoncent rapidement ensuite à leurs tribunaux religieux, à la différence des musulmans, pour se soumettre aux tribunaux français de droit commun, appliquant le droit mosaïque (avec l’expertise d’un rabbin). Le pouvoir, sous les règnes de Louis-Philippe Ier et Napoléon III, constatant cette volonté des indigènes juifs de se rapprocher de la France, dont les élites adoptent rapidement la langue, préparent alors l’accession des Juifs à la citoyenneté française, c’est-à-dire à l’égalité complète. L’Empereur Napoléon III accorde en 1865, par senatus-consulte du 14 juillet, la citoyenneté aux indigènes juifs et musulmans qui la désirent et en acceptent les obligations (abandon du statut personnel et service militaire comme les autres citoyens). Mais deux Juifs seulement effectuèrent les démarches. L'unique décret impérial pris le 5 décembre 1866 à Compiègne à la suite du sénatus-consulte du 14 juillet 1865 mentionne leurs noms : Salomon Fraïm-Chouraqui de Médéa et Mardochée Darmon de Tlemcen[71]. Ni les Juifs ni les musulmans ne voulant renoncer à leur statut religieux, l'État consulte alors les autorités religieuses juives pour connaître leur réaction en cas de naturalisation collective. Après réflexion, ces autorités acceptent la naturalisation collective qui intervient le 24 octobre 1870 et qui est connue sous le nom de décret Crémieux[72]. Démographie[modifier le code] Lorsque les Français débarquent en Algérie, de 15 000 à 17 000 Juifs y vivent[11] sur une population totale de 3 000 000 de personnes. Ils sont pour 80 % d’entre eux citadins alors que la population musulmane ne l’est qu’à 5 %[75]. 6 500 Juifs vivent à Alger où ils représentent 20 % de la population. Ils sont 3 000 à Constantine, 2 000 à Oran[76], et 1 508 à Tlemcen[77],[75]. On retrouve aussi de petites communautés vivant dans les oasis du Sud, Juifs du Mzab et de Laghouat ainsi que quelques groupes de Juifs vivant sous tente et nomadisant comme les musulmans dans la région de Souk Ahras[75]. À partir des années 1840, un phénomène de migration des Juifs de Tunisie et du Maroc, dont des Tétouanais[78] apparaît, alimenté par des changements politiques en Algérie. Témoignage de l'impact démographique de ces migrations, on compte en 1902, sur 1 176 décès de Juifs en Algérie, 153 ressortissants étrangers, principalement marocains et tunisiens[79]. Sur le plan économique, la plupart des Juifs continuent d'exercer leur artisanat traditionnel. Ils sont tailleurs, brodeurs, horlogers, chaudronniers, tisserands ou orfèvres[11]. Mais une petite minorité réussit dans le commerce de gros et assimile rapidement la culture française[11]. Du décret Crémieux aux années 1930[modifier le code] Lors de la guerre franco-allemande de 1870, le Gouvernement de la Défense nationale attribue d’office la citoyenneté française aux Juifs d’Algérie par le décret Crémieux du 24 octobre 1870, mettant fin au statut civil mosaïque, et soumettant d’emblée tous les nouveaux citoyens au service militaire. Ainsi, à une époque où la position de la France est menacée dans cette colonie, y sont créés quelque 34 574 citoyens[80] français de plus. Le fait qu’un tel décret ne soit pas pris en faveur des musulmans, malgré le souhait d'Adolphe Crémieux, s'explique par l'hostilité des militaires et des colons qui refusent la moindre concession aux musulmans[81]. Pour autant, le décret Crémieux ne s'applique pas aux Juifs du Mzab, car cette région n'est pas alors sous le même statut administratif. La nationalité française ne leur sera attribuée qu'à la veille de l'indépendance de l'Algérie[82]. Le décret du 7 octobre 1871 réduit quelque peu la portée du décret Crémieux en retirant du champ d'application les Juifs vivant en Algérie nés en Tunisie ou au Maroc[83]. Francisation[modifier le code] En 1830, les Juifs ont un mode de vie très comparable à celui des Arabes. En 1962, à l'indépendance de l'Algérie, ils quittent presque tous l'Algérie pour la France. En un peu plus d'un siècle, la communauté juive d'Algérie s'est transformée sous l'influence de l'école, de l'Armée[84] mais aussi du judaïsme français. Dès 1832, des écoles juives dispensant un enseignement en français sont ouvertes dans les principales communautés juives d'Algérie. En 1845, des écoles juives sont financées par l'État sur le modèle des écoles catholiques. Le décret Crémieux suivi des lois de Jules Ferry rend l'instruction obligatoire et gratuite. Cet enseignement laïc est la première cause de la francisation des Juifs d'Algérie[85]. Dès les années 1865, des Juifs s'engagent dans l'armée française et le décret Crémieux faisant d'eux des citoyens français assujettit tous les jeunes hommes au service militaire à partir de 1875. Certes, seules quelques classes font leur service (d'une durée d'un an jusqu'en 1914) en France et la plupart le font en Algérie, mais ils côtoient sous les drapeaux d'autres pieds-noirs de toutes origines, ce qui accélère, comme pour les Espagnols, Italiens et autres nationalités, l'intégration à la communauté française[86]. Influence des Juifs et du judaïsme de la métropole[modifier le code] La colonisation française en Algérie se double pour les Israélites de ce que Simon Schwarzfuchs appelle un « colonialisme juif » venu de métropole[87]. À partir de la conquête de l’Algérie par la France, les Juifs de France s’intéressent au sort de leurs coreligionnaires, et envoient sur place des émissaires qui rendent des rapports bienveillants mais souvent condescendants envers les Juifs d’Algérie[88], les montrant désireux de se rapprocher de la civilisation française. En 1842, deux notables Juifs marseillais Jacques Isaac Altaras et Joseph Cohen sont envoyés en mission sur recommandation du ministère de la Guerre pour préparer la « réforme » des communautés juives d'Algérie. Leur rapport fait des propositions radicales : suppression des tribunaux rabbiniques, établissement d'écoles sous contrôle de l'État français, établissement du consistoire comme en métropole, interdiction du costume traditionnel[89],[N 2]. Ce sont eux qui demandent au gouvernement que les instances consistoriales soient étendues à l’Algérie. Cette requête sera plusieurs fois refusée par le gouvernement qui ne veut pas organiser le culte israélite puis finalement acceptée en tant qu’« œuvre philanthropique digne de la France »[90]. Ainsi, par l’ordonnance royale de Saint-Cloud du 9 novembre 1845[91], un Consistoire central est créé à Alger ainsi que deux autres à Oran et Constantine, chapeautés par des grands-rabbins originaires de France, de culture ashkénaze qui imposent en partie, au fil du temps, mais non sans heurts, le point de vue consistorial sécularisé aux Israélites algériens et les éloignent des traditions juives nord-africaines[92]. Cette influence des Juifs de la métropole est encore accrue sous le Second Empire et en 1867 le consistoire d'Algérie est supprimé. Le grand-rabbin de France devient grand-rabbin de France et d'Algérie. Seuls subsistent des consistoires locaux, rapportant directement au Consistoire central de France[93]. Quant à l'Alliance israélite universelle (AIU) dont le réseau scolaire se développe au Maroc et en Tunisie, elle préfère, en Algérie, la scolarisation des enfants juifs par l'école publique plutôt que par des écoles de l'Alliance[94] puis, à partir de 1900, participe à la réforme de l'enseignement religieux aux dépens des rabbins traditionnels[94]. Cette francisation du judaïsme se retrouve dans le vocabulaire utilisé pour évoquer les étapes de la vie juive : les Juifs d'Algérie parlent souvent de « baptême » pour la brith milah et de « communion » pour la bar mitsvah[95]. Assimilation ou acculturation ?[modifier le code] Les Juifs semblent plus disposés à « s'assimiler », à se montrer « perméables » aux influences françaises que les musulmans. La communauté juive va rapidement se franciser, et principalement grâce à l'école où chrétiens, Juifs et musulmans apprennent à se connaître[11]. À partir de 1860 – 1870, la jeunesse s’habille majoritairement à l’européenne[72],[N 2] ; les prénoms aussi évoluent : les prénoms français remplacent les prénoms hébraïques ou arabes qui sont désormais portés en deuxième position dans l'ordre de l'état civil. L’usage du français remplace celui de l’arabe et du berbère comme langue courante chez les Juifs comme en témoignent deux personnalités juives algériennes venues d’horizons très différents, le journaliste Jean Daniel et le rabbin Léon Ashkenazi : « Je ne porte pas les stigmates d’une arabité particulière. Mes amis arabes parlaient français. Je n’ai pas appris l’arabe et je le regrette. Et il était déconseillé de le faire. Au temps de mon enfance, la présence française est très forte et de nombreux musulmans en sont imprégnés[96]. » « Je me souviens que quand j’étais tout enfant, j’assistais aux études de mon père et de mon grand-père. Ils étudiaient en judéo-arabe, parce que la langue de mon grand-père était le judéo-arabe […] Le grand mystère c’est que mon père m’a enseigné en français. Comment a-t-il traduit ? Je ne sais pas parce qu’il était d’une génération qui n’a pas du tout reçu de la métropole les moyens d’une formulation. Ce travail c’est notre génération qui a été obligé de le faire. […] Le grand-père avait appris en arabe et le père avait enseigné au fils en français. Comment cela s’est-il fait ? Je crois que c’est mystérieux mais cela s’est fait[97]. »Cette assimilation au modèle français, bien que plus marquée qu’en Tunisie ou au Maroc, n’est cependant pas aussi poussée que celle s’opérant chez les Juifs de métropole. Ainsi, très peu de mariages mixtes sont contractés, et les Juifs restent un groupe distinct au sein de la population bénéficiant de la citoyenneté française en Algérie. De même, la pratique religieuse des Juifs algériens reste globalement plus importante que celle des Juifs de l’Hexagone de la même époque. Joëlle Allouche-Benayoun défend la thèse selon laquelle les femmes ont joué un rôle central, bien que largement méconnu, dans l’intégration de leurs familles à la culture française. Sionisme[modifier le code] Le judaïsme algérien est « presque totalement hermétique à l’activité sioniste », ce qui s’explique par l'attachement tout particulier des Juifs à la France, dont ils sont les citoyens et pour laquelle ils ont combattu durant la Première Guerre mondiale[98], alors que les communautés voisines de Tunisie et du Maroc y sont beaucoup plus réceptives[99]. Cette spécificité algérienne a pour conséquence pratique que leur émigration (aliyah) vers Israël se soit toujours maintenue à des niveaux très faibles. De fait, l’Algérie est le seul pays musulman dont les habitants juifs n’émigrent pas majoritairement vers ce pays. Antisémitisme européen[modifier le code] Les représentants des colons soutiennent initialement les démarches visant à attribuer la citoyenneté française aux Juifs d’Algérie : des vœux en ce sens sont votés à plusieurs reprises, entre 1858 et 1870, par chacun des 3 conseils généraux, sans opposition ni des conseillers européens, ni des conseillers musulmans, dont le bachaga Mokrani au conseil de Constantine. Mais il en est autrement après l’entrée en vigueur du décret Crémieux. Les Européens se rendent soudain compte que cette entrée des indigènes juifs en citoyenneté constitue une première mesure de décolonisation partielle, risquant de constituer un précédent opposable par les musulmans. Dès lors, l’hostilité à ce décret devient un leitmotiv du camp colonialiste, qui suscite des émeutes antijuives sanglantes (à Alger en 1896 et 1898 et à Oran en 1897)[100],[101] et qui parvient à faire élire plusieurs antisémites notoires, à Constantine en 1896, l’avocat Morinaud, à Oran en 1897, le pharmacien Gobert[11], à Alger en 1898, Max Régis à la mairie et Édouard Drumont au Parlement[102]. Certains colons s’opposent à la mesure en la prétextant injuste par rapport aux musulmans, mais aucun d’eux ne pousse cette sollicitude envers les musulmans jusqu’à en demander l’attribution pour ces derniers. Quant à leurs groupes de pression, ils vont jusqu’à appeler au soulèvement contre la métropole et vont demander en permanence la suppression du décret Crémieux et ce, jusqu’à l’instauration du régime de Vichy. Seule, la Première Guerre mondiale apporte un apaisement temporaire à cet antijudaïsme des « pieds-noirs » avec la mobilisation de tous les Français y compris ceux d'Algérie et les lourdes pertes qui s'ensuivent : 2 850 Juifs d'Algérie tombent au champ d'honneur[100]. À l’approche de la Seconde guerre, un fort courant antisémite reprend parmi les pieds-noirs européens comme en témoigne la manchette permanente en gros caractères du Petit Oranais, reprenant la sentence de Luther[103] :« Il faut mettre le soufre, la poix, et s’il se peut le feu de l’enfer aux synagogues et aux écoles juives, s’emparer de leurs capitaux et les chasser en pleine campagne comme des chiens enragés[104] » Ces signes antisémites se multiplient ; le docteur Jules Molle (1868-1931), député-maire d’Oran et directeur du Petit Oranais, arbore déjà la croix gammée et obtient le boycott des commerçants juifs[103]. Cimetières Pèlerinage sur la tombe d'Isaac bar Shechet à Alger. Cérémonie au cimetière de Tlemcen organisée par la société Evrat Guemelout après l'enfouissement des livres sacrés hors d'usage, avec repas offert aux pauvres (début XXe). Monument aux morts du cimetière israélite de Saint-Eugène (1927). Sur la tombe de Rabbi Ephraim Ankaouah, Tlemcen. Opposition avec les Arabes[modifier le code] Lors de l'arrivée des Français en Algérie, certains Juifs, principalement les négociants, profitent de leur présence et de l'essor du commerce alors que d'autres sont fidèles à la résistance arabe menée par Abd el-Kader[105]. Mais rapidement, la situation des musulmans se dégrade, notamment dans l'agriculture, dont les difficultés ne touchent pas les Juifs, qui sont parfois accusés, de par leur rôle financier ou pour quelques rachats de terre, de contribuer à la décadence de l'agriculture arabe[106]. Selon Richard Ayoun et Bernard Cohen[107], « dès 1871, l'un des maîtres-mots de la politique coloniale est d'opposer Juifs et Arabes ». S'ensuivent des émeutes antijuives à Oran en 1897, où des Arabes sont payés pour piller les maisons juives[108], puis sur les émeutes dramatiques de Constantine en août 1934 qui font 25 morts parmi les Juifs et 3 Arabes tués par la police et qui révèlent l'impuissance « suspecte » des autorités (voir Pogrom)[107]. Toutefois, les Arabes algériens ne semblent pas avoir attendu l'arrivée des Français pour pratiquer une ségrégation motivée par l'ancestral antijudaïsme, comme le montreraient les horaires séparés, autrefois, à l'entrée du hammam Degoudj (près du quartier juif Charaa) à Constantine « pour les Arabes et pour les Juifs… à cause de l’odeur » de ces derniers[109],[110]. Les Juifs d'Algérie vus par les historiens français de l'époque de la colonisation[modifier le code] Les premières histoires françaises des Juifs d’Algérie, écrites entre le milieu du XIXe siècle et les années 1930 par des Juifs de France, sont apparues dans un contexte colonial et, selon P.-J. Le Foll-Luciani, elles « contribuent à légitimer la colonisation en général et certaines politiques coloniales en particulier. Malgré des nuances importantes d’un auteur à l’autre, les premiers historiens des Juifs d'Algérie, sans toujours insister sur le statut juridique de dhimmi, présentent une vision sombre de la condition juive en terre d’islam, et particulièrement des temps précédant immédiatement la conquête française de l'Algérie[111] ». Ainsi, pour ces historiens, il va de soi que la « francisation » des Juifs est un fait positif et nécessaire. « Le point le plus aveugle dans l’historiographie concerne les attitudes des Juifs d’Algérie face à ces divers processus coloniaux, comme face à la conquête française elle-même[112]. » Si les Juifs du littoral, bien placés dans les circuits commerciaux, bénéficient économiquement de la conquête et se réjouissent de l'arrivée des Français, la « masse de petites gens — au même titre que l’écrasante majorité de la population musulmane — souffre des effets dévastateurs de la pénétration européenne[113] », notamment du fait de la concurrence des produits importés d'Europe. Joshua Shreier « insiste sur la diversité des réactions face aux velléités des Juifs de France et de leurs auxiliaires d’Algérie de les « civiliser » — depuis la synagogue jusqu’à l’intimité des foyers —, et met en avant tant ceux qui ont résisté à ces processus « civilisationnels » qu’ils percevaient comme des volontés de contrôle, de surveillance, ou de dépersonnalisation culturelle, que ceux qui, parmi les élites locales, percevant bien les nouvelles sources de pouvoir et de privilège qui les accompagnaient, s’y sont investis et les ont remodelés en fonction de leurs propres intérêts[114] » Juives et Juif d'Alger (1833). Femme juive d'Alger, E. Delacroix (1833). Juives d'Algérie portant la sarma (coiffe) (1837). Synagogue Sanya, Alger (1840). Scène au quartier juif de Constantine, Th. Chassériau (1851). Juif de Tlemcen (v. 1890) Intérieur d'une synagogue à Alger (1901). Mariage de Maklouf Benhamou et de Nouna (dite Hané) Chekroun, Tlemcen (1902) Seconde Guerre mondiale[modifier le code] La défaite française de 1940 et l’instauration du régime de Vichy qui s’ensuit sont restées comme une période très douloureuse pour les Juifs d’Algérie. Soixante-dix ans après leur accession à la citoyenneté française, ils sont déchus collectivement de leur nationalité. Abrogation du décret Crémieux[modifier le code] La décision d’abroger le décret Crémieux est prise le 7 octobre 1940 par Vichy. Les Juifs perdent donc la citoyenneté française. Le 30 du même mois, les lois sur le statut des Juifs d’essence antisémite s’appliquent en métropole comme en Algérie. La loi du 2 juin 1941 Second statut des Juifs interdit aux Juifs un grand nombre de professions. Près des ¾ des avocats juifs sont radiés du barreau et 2/3 des médecins algérois sont exclus et les 3 000 fonctionnaires juifs sont radiés. Un numerus clausus pour l’enseignement, concernant élèves et professeurs juifs est appliqué sévèrement : dans l’enseignement primaire et secondaire, un quota est d’abord fixé à 14 % pour l’année 1941 / 1942 puis passe à 7 % et interdiction leur est faite de se présenter aux examens du second degré. Dans le supérieur, leur nombre est limité à 3 % des étudiants non juifs inscrits[4]. Les relations entre les Juifs et les autres habitants d'Algérie étaient disparates, entre leur dhimminitude et l'antisémitisme français latent durant ces années. Cette dualité a été mise à l'écrit par le philosophe français Jacques Derrida, issu des communautés juives algériennes : " Quand j'avais 10 ans, j'ai perdu la citoyenneté française au moment du régime de Vichy et pendant quelques années, exclu de l'école française, j'ai fait partie de ce qu'on appelle à ce moment-là, les Juifs indigènes, qui ont rencontré parmi les Algériens de l'époque, plus de solidarité que de la part de ce qu'on appelait les Français d'Algérie. C'est l'un des tremblement de terre de mon existence."[115],[116]. Quatorze à quinze mille Juifs d'Afrique du Nord sont internés en 1941 dans différents camps dont ceux de Bedeau, Boghari, Colomb-Béchar et Djelfa en Algérie[117]. Toutefois, les Juifs d’Afrique du Nord ne subissent pas l’action génocidaire des nazis, la Shoah, qui dévaste les communautés juives d’Europe. Ils sont cependant mis au ban de la société française d’Algérie pendant la durée des hostilités et certains d’entre eux sont internés dans des camps de travail dans le sud algérien[118]. Article détaillé : Abrogation du décret Crémieux. Maintien de la législation antijuive après le débarquement allié[modifier le code] Article détaillé : Situation politique en Afrique française libérée. Le 8 novembre 1942, lors de l’opération Torch, 400 résistants français mal armés, dont quelque 70 % sont Juifs, sous la conduite de José Aboulker[119] (qui sera fait Compagnon de la Libération[120]), arrêtent les généraux de Vichy et neutralisent pendant 15 heures le XIXe corps d’armée vichyste d’Alger. Alors que les forces vichystes concentrent leur répression contre les points tenus par la résistance, ils permettent aux Alliés de débarquer et d’encercler Alger sans opposition, puis de s’en emparer le jour même. Grâce à leur action, la part de la résistance française est prépondérante dans le succès de l’opération Torch[4]. Dans les mois qui suivent, la venue des Alliés ne se traduit pas pour autant par la fin de la législation antisémite. Sous l’amiral collaborationniste Darlan, elle est maintenue. Parmi les dirigeants de l’insurrection d’Alger, 9 Juifs sont arrêtés et déportés, menottes aux mains, dans des camps de travail forcé[121]. Après l’assassinat de Darlan par Fernand Bonnier de La Chapelle, c’est sous la direction du général Giraud que les mesures discriminatoires du régime vichyste envers les Juifs sont maintenues, notamment par le fait qu’ils sont tenus à l’écart des unités combattantes. Giraud nomme Marcel Peyrouton gouverneur de l’Algérie. Ancien ministre de Vichy, c’est l’homme qui a proposé à Pétain, en 1940, le statut des Juifs et l’abrogation du décret Crémieux. Toutefois grâce aux correspondants de guerre alliés qui révèlent aux grands journaux américains et anglais ce qui se passe, dès décembre 1942, les presses libres de ces deux pays interpellent leurs gouvernants et attaquent la politique de Franklin Delano Roosevelt en Afrique du Nord « libérée ». Roosevelt, désinformé par son représentant sur place Robert Murphy, soutient à cette époque le régime vichyste en Algérie, d’une part pour obtenir l’entrée en guerre de l’armée d’Afrique dans le camp allié et surtout pour en écarter de Gaulle. Il réussit à maintenir plusieurs mois ce soutien à Giraud, de plus en plus impopulaire aux États-Unis, mais est finalement contraint par son opinion publique à faire pression sur celui-ci pour qu’il rétablisse enfin des institutions libres. Aussi envoie-t-il l’économiste Jean Monnet auprès de Giraud afin de le convaincre que, s’il veut conserver le soutien américain, il faut qu’il abolisse en Algérie les lois d’inspiration hitlérienne. C’est ainsi que Giraud se voit obligé le 14 mars 1943 d’annoncer l’abrogation de toute la législation discriminatoire de Vichy. Mais il réabroge par ailleurs immédiatement, par une ordonnance du 18 mars, le décret Crémieux « pour rétablir l’égalité entre les Juifs et les Arabes », considérant que les Juifs sont, en Afrique du Nord, « des indigènes pratiquant une religion différente de celle de leurs voisins, pas autre chose »[122]. La question du refus de rétablir le décret Crémieux a été largement discutée par les historiens. André Kaspi a pu expliquer que ces autorités avaient habilement lié la situation des Juifs à la question musulmane. Ainsi, si les Américains souhaitaient sécuriser leur armée en campagne, il pouvait sembler contre-indiqué d’accorder des avantages aux Juifs sous peine de fâcher les musulmans[123]. Michel Abitbol a également souligné le poids de l'« épouvantail musulman », à savoir la crainte de la réaction des populations musulmanes pour expliquer l'attentisme des autorités françaises après le débarquement[124]. Or, les principaux chefs musulmans ont déjà récusé cet argument avant le débarquement car ils ne souhaitent pas une égalité avec les Juifs par le bas mais plutôt par le haut. Ainsi Ferhat Abbas, confronté à cette nouvelle abrogation, prend acte de la fragilité de cette citoyenneté française, qu’il a auparavant revendiquée, mais qui peut ainsi être retirée ou accordée au gré des gouvernants de la France. Il renonce alors avec éclat à l'assimilationnisme, et publie le Manifeste du Peuple algérien[125]. Emmanuel Debono[126] estime toutefois que la thèse de l'« épouvantail musulman » n'est pas qu'un prétexte et que la crainte que suscite le nationalisme algérien participe aux hésitations des autorités françaises. Rétablissement du décret Crémieux[modifier le code] Leur citoyenneté française est officiellement rendue aux Juifs d’Algérie, le 20 octobre 1943, presque un an après le débarquement allié, en grande partie sous l’influence du commissaire à l’Intérieur, André Philip. C'est que de Gaulle a obtenu la présidence exclusive du Comité français de libération nationale d’Alger et affirmé son autorité sur tout l’empire en guerre. Le rétablissement du décret Crémieux est justifié par un argument technique, un communiqué du CFLN arguant que le décret du 18 mars, n'ayant pas été suivi de textes d'application en temps voulu, devient caduc[127]. Par la suite, on voit des figures juives comme le professeur Aboulker, grand mutilé de la Première Guerre mondiale, exiger que les Juifs figurent dans les unités combattantes comme les autres citoyens français, ce que le général Giraud avait exclu. Quant aux jeunes Juifs, ils s’engagent massivement dans les unités de choc, comme les Corps francs d’Afrique. Ainsi, le rabbin Léon Ashkenazi devient aumônier au sein de la Légion étrangère. En 1947 est fondée la Fédération des communautés israélites d’Algérie et créée une école rabbinique à Alger[128]. Nouvelle émigrante d'Algérie et son enfant au camp d'accueil des immigrants près de Haïfa, 1944. Congrès juif mondial sur la situation des Juifs en Afrique du Nord, Alger, 8 juin 1952. Guerre d'Algérie[modifier le code] Article détaillé : Guerre d'Algérie. La population juive est à la veille de la guerre d'Algérie surtout présente dans les grandes villes, en particulier Alger et Oran[129]. En 1953, 21 % des médecins, 18 % des dentistes, 16 % des avocats et 18 % des fonctionnaires sont Juifs[129]. Il y a aussi 472 colons sur des terres agricoles. Plus de 30 % des femmes juives travaillent à cette époque[130]. Bien que constituant un groupe distinct de la majorité pied-noir du point de vue culturel, religieux et ethnique, elle en partage certaines aspirations, notamment l’attachement à la souveraineté française. Lorsqu’éclate la guerre, la communauté s’oriente d’une manière générale vers une attitude attentiste. Les organisations communautaires font preuve d’une extrême modération, refusant de prendre politiquement parti, attachées aussi bien à la nationalité française qu'au principe d'égalité des droits pour tous[131]. La déclaration du premier novembre 1954 du FLN invite toutes les populations de n’importe quelle confession à lutter contre l’armée fran&c

Les Enquêtes de Chlorophylle est une série télévisée franco-canadienne en 52 épisodes de 13 minutes créée par Michel Marin et son associé Bruno Lamaury d'après la bande dessinée de Raymond Macherot, diffusée à partir du 13 septembre 1992 sur France 3, et à partir du 6 septembre 1993 sur Canal Famille[1]. Synopsis[modifier le code] Dans la vallée, rien ne va plus depuis que le rat Anthracite et sa bande de pollueurs se sont installés. Mais ils ne sont pas les seuls individus louches. Le lérot Chlorophylle, reporter à l'Echo des Fourrés, enquête sur tout ce qui se passe de suspect. Le soutien le plus précieux de Chloro, sans qu'Anthracite ne s'en doute, n'est autre que sa sœur Maeva, qui est secrètement amoureuse de Chlorophylle (et sera démasquée à l'ultime épisode, Rongeurs sans retour). Personnages[modifier le code] Chlorophylle : un lérot ; ses phrases fétiches sont « Figues et mûres ! » et « Bon sang ! Mais… c'est bien mûr ! » Maeva : une rate blanche, sœur d'Anthracite ; elle et Chlorophylle sont secrètement amoureux. Elle ne parle qu'en alexandrins. Anthracite : un rat noir ; il est chef du syndicat du crime nommé « la Rafia ». Sa phrase fétiche est : « Miasmes et furoncles ! » Pustule : un crapaud, spécialiste scientifique. l'Élégant : un vison tueur à gages, adjoint d'Anthracite Punky : un hérisson Malaria : une vieille rate, mère de Maeva et Anthracite. KGB : une taupe, indicateur Radar : une chauve-souris, photographe le Rouquin : un renard le Teigneux : un vautour, compagnon de Malaria. les Grands-ducs : un groupe de hiboux grands-ducs, gouvernement de la vallée. Ce sont eux qui chargent Chlorophylle d'éclaircir les mystères de la vallée. Voix[modifier le code] Alain Zouvi : Chlorophylle Valérie Gagné : Maeva Sébastien Dhavernas : Anthracite Yves Massicotte : Pustule Jean Fontaine : l'Élégant Jean-Marie Moncelet : Punky Élizabeth Chouvalidzé : Malaria Septimiu Sever : Kagébé Johanne Garneau : Narrateur Daniel Lesourd : le Rouquin Léo Ilial : un rat musqué Benoit Rousseau : un rat musqué Arthur Holden : un rat musqué Source et légende : version québécoise (VQ) sur Doublage.qc.ca[2] Fiche technique[modifier le code] Nom original : Les Enquêtes de Chlorophylle Réalisation : Michel Marin (créateur et réalisateur des douze premiers épisodes), Frédéric Goupil (épisodes 13 à 24), Bruno Carrière (25 à 38), Claude Grégoire (39 à 52). Auteur BD : Raymond Macherot conception : Michel Marin Scénaristes : Frédéric Krivine (auteur principal), Patrick Bancarel, Diane Cailhier, Laurence Condroyer, William Lambert, Louise Leblanc Musiques : Martin Fournier, Normand Corbeil Interprétation du générique : Sara Lazarus Origine : France, Canada Maisons de production : SFP, Damned Productions, France 3, Les Productions Espace Vert Épisodes[modifier le code] Il était une fois la pollution Cris et caquètements Cris et craquètements : le retour La patte au collet L'arme secrète L'aiglon Le faux coupable Main basse sur la rive Témoin à décharge Ne pas dépasser la dose prescrite Partie de chasse Le retour des Ralton La nuit de la chasse au phare Le plan secret La machine à remonter l'étang Votez Chloro! Le secret du ragondin Les visiteurs du loir Cris et caquètements : la dernière plume Hypnose La chute de la maison Anthrax Le silence de la mare Un condamné à mare s'est échappé La rate sur un toit brûlant Règlements de compte à O.K. Canard Le salaire du rongeur Nous avons dégluti ce soir Les lérots sont fatigués Rien ne va plus Soupçons Nous sommes tous des nuisibles L'arbre aux serpents Qu'elle est inerte ma vallée Tous les lapins du monde Sous le plus petit chapiteau du monde Pour une poignée de carottes Docteur Chloro contre Mister Phylle Seul contre la Rafia Le samourat La faute de l'inspecteur Museau Le seigneur des appeaux Un hérisson a disparu La cloche sonnera trois fois La règle du geai Pas de printemps pour la pie L’épouvantail Vol de nuit La serre brisée Au bout du tunnel La pluie acide La nuit du renard Rongeurs sans retour Autour de la série[modifier le code] Cette série est une adaptation très librement inspirée de la bande dessinée Chlorophylle créée par Raymond Macherot en 1954. Le personnage de Minimum, alter ego de Chlorophylle dans la BD, a disparu, et celui de Maeva, sœur d'Anthracite, a été créé pour la série, ainsi que l'Elégant, KGB la taupe, Punky le hérisson, Pustule le crapaud, et presque tous les autres personnages. En dehors de Chlorophylle, seul Anthracite a été conservé. Les nouveaux personnages ont tous été créés par Frédéric Krivine au cours de discussions avec Michel Marin. Chaque épisode se termine par « Figues et mûres! Une fois de plus, la lutte contre le crime et la pollution continue ! » La réalisation combine des marionnettes animées par des manipulateurs (dont plusieurs membres de l'équipe des Guignols de l'Info) et des animaux vivants (plus d'une quarantaine, dirigés par le dresseur animalier Pierre Cadéac), et baigne dans une ambiance de polar qui fut très appréciée à l'époque. Le tournage se déroula aux studios Duran/Duboi à Saint-Ouen. Produits dérivés[modifier le code] 1993 : édition VHS par Citel Vidéo Références[modifier le code] ↑ « Canal Famille : Cinq ans sans violence ni publicité », La Presse, vol. 109, no 266,‎ 21 juillet 1993, B4 (ISSN , lire en ligne) ↑ « Fiche de doublage québécois », sur Doublage Québec (consulté le 28 janvier 2020) Liens externes[modifier le code] Ressource relative à l'audiovisuel : IMDb Fiche sur Planète Jeunesse Bruno Carrière, réalisateur, site web http://www3.sympatico.ca/b.carriere/ Bande annonce de la série, Bruno Carrière, https://www.youtube.com/watch?v=zRaZUzLrlrE Portail de l’animation Portail de la bande dessinée Portail des marionnettes Portail des séries télévisées Portail de la télévision française Portail du Canada <img src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; alt="" style="border: none; position: absolute;" height="1" width="1"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Les_Enquêtes_de_Chlorophylle&oldid=234539631 ».

Le couple de randonneurs originaires de Liège, Sofie et Biagio, du blog So and Bia nous ont partagé leurs 5 randonnées préférées.

Michel Legrand, né le 24 février 1932 à Paris 20e[1] et mort le 26 janvier 2019 à Neuilly-sur-Seine, est un musicien, compositeur, pianiste de jazz, chanteur et arrangeur français. Il est notamment célèbre pour ses compositions de musique de film, mais aussi pour ses collaborations en jazz et ses chansons populaires. Sa carrière lui a valu de nombreuses distinctions, dont trois Oscars pour la musique de cinéma sur onze nominations, ce qui fait de lui l'artiste français le plus récompensé dans cette catégorie. Biographie[modifier le code] Jeunesse et formation[modifier le code] Michel-Jean Legrand naît à Paris dans le quartier de Ménilmontant[1],[2]. Ses parents, le compositeur Raymond Legrand (1908-1974) et Marcelle Der Mikaëlian (1909-1978) (sœur du chef d'orchestre Jacques Hélian, en partie d’ascendance arménienne) divorcent quand il a trois ans. Il a une sœur aînée, Christiane Legrand. Michel Legrand étudie le piano et l'écriture au Conservatoire national de musique à Paris de 1942 à 1949, dans les classes de Lucette Descaves, Henri Challan[3] et Nadia Boulanger notamment, et où il remporte plusieurs premiers prix[4]. Il se prend de passion pour le jazz après avoir assisté en 1947 à un concert de Dizzy Gillespie[4] avec lequel il collaborera quelques années plus tard, écrivant en 1952 les arrangements pour l'orchestre à cordes qui accompagne le trompettiste dans ses concerts européens. Sans être crédité aux génériques, il fait ses premiers pas pour des musiques de films auprès de son père, pour lequel il écrit des orchestrations et arrangements, quand ce ne sont pas des chansons complètes[5]. Arrangeur et jazzman[modifier le code] Praticien d'une douzaine d'instruments[4], il écrit en 1951 des arrangements pour l'orchestre de son père qui l'introduit dans l’univers de la chanson de variété. Il commence ainsi une carrière d’accompagnateur et d'arrangeur avec Jacques Canetti au théâtre des Trois Baudets, dans les tournées et pour la maison de disques Philips. Il met son talent d'arrangeur au service de Jacqueline François, Henri Salvador, Catherine Sauvage (pour l'album Léo Ferré), Jacques Brel. Le piano de ses débuts est actuellement chez Françoise, la fille de Jacques Canetti.[réf. nécessaire] En 1954, à la demande de la firme américaine Columbia et grâce à Jacques Canetti producteur musical chez Philips qui a passé un accord avec cette firme, il offre des relectures jazzy de rengaines françaises[6]. L'album I Love Paris est un énorme succès (8 millions d'exemplaires écoulés)[4] ; la reconnaissance de Legrand se fait internationale[4]. En 1956, Jacques Canetti le présente à Maurice Chevalier qui l'engage comme directeur musical de son spectacle à l'Alhambra. En 1957, il est invité au Festival mondial de la jeunesse de Moscou[7] et Zizi Jeanmaire lui confie la direction musicale de son spectacle. En 1958, pour Legrand Jazz, il enregistre à New York avec Miles Davis, John Coltrane et Bill Evans, devenant l'un des premiers Européens à travailler avec les maîtres du jazz moderne. En 1966, il a fait les arrangements de la chanson internationale C'est si bon d'Henri Betti et André Hornez pour l’album de Barbra Streisand Color Me Barbra. À noter qu'en 1948, son père Raymond Legrand a dirigé l’orchestre pour l’enregistrement de cette chanson par les sœurs Étienne. Influencé par Stan Kenton, il mène une brève carrière de jazzman comme leader : Holiday in Rome en 1955[4], Michel Legrand Plays Cole Porter[8] en 1957, Legrand in Rio en 1958. Certaines compositions de Michel Legrand, telles La Valse des Lilas (en anglais : Once upon a summer time, Chet Baker, Bill Evans), la Chanson de Maxence (You must believe in spring), What are you doing the rest of your life le thème principal du film The Happy Ending[9] ou encore le thème principal de la bande originale du film Un été 42 (The summer knows), sont devenues des standards de jazz. Compositeur pour le cinéma[modifier le code] L'émergence de la Nouvelle Vague au tournant des années 1960 va ancrer définitivement Michel Legrand dans le monde de la musique de film. Il travaille pour Agnès Varda (Cléo de 5 à 7 en 1962), Jean-Luc Godard (Une femme est une femme en 1961, Vivre sa vie en 1962 et Bande à part en 1964) et surtout Jacques Demy (Lola en 1961, Les Parapluies de Cherbourg en 1964, Les Demoiselles de Rochefort en 1967 et Peau d'Âne en 1970) avec qui il invente la comédie musicale à la française. Les Parapluies de Cherbourg est ainsi un film chanté en continu où tous les dialogues sont inspirés par la musique, ce qui était novateur à l'époque. En 1966, après avoir été nommé aux Oscars pour son travail sur Les Parapluies de Cherbourg, il décide d'aller tenter sa chance à Hollywood et s'installe à Los Angeles. Ses amitiés avec Quincy Jones et Henry Mancini l'aident grandement à se faire une place dans ce milieu hautement concurrentiel et lui permettent de rencontrer les paroliers Alan et Marilyn Bergman. En 1968, le réalisateur Norman Jewison l'appelle à la rescousse : il n'arrive pas à monter son dernier film tout en ayant déjà 5 heures d'images tournées. Michel Legrand propose alors de composer seul, sans contrainte et en n'ayant vu le film qu'une seule fois, une heure et demie de musique originale, pour que le réalisateur puisse ensuite monter son film en se calant sur cette musique. Le procédé est inédit, car d'habitude à Hollywood la musique de film est créée et ajoutée le tournage et le montage du film[10]. Le résultat est novateur pour l'époque : le film L'Affaire Thomas Crown dans lequel les plans suivent le rythme de la bande originale. Le film et sa musique sont un succès, et la chanson phare de la bande originale, The Windmills of Your Mind (Les Moulins de mon cœur) vaut à Michel Legrand de recevoir l'Oscar de la meilleure chanson originale l'année suivante. Les Moulins de mon cœur est repris ensuite par des chanteurs de variétés comme Marcel Amont[11] et Claude François[12]. Deux ans plus tard, il reçoit l'Oscar de la meilleure musique de film pour Un été 42 de Robert Mulligan (1971) dont la chanson-thème The Summer Knows par Barbra Streisand rencontre le succès. Entre 1971 et 1975, nommé vingt-sept fois aux Grammy Awards, il en remporte cinq. Il décroche un troisième Oscar pour Yentl de Barbra Streisand en 1983. La même année, il compose la bande sonore de Jamais plus jamais d'Irvin Kershner, ultime James Bond avec Sean Connery dont la chanson-titre est écrite par Alan et Marilyn Bergman. Ses deux dernières compositions pour le cinéma ont été pour des films de Xavier Beauvois : La Rançon de la gloire avec Benoît Poelvoorde et Roschdy Zem (2015) puis Les Gardiennes avec Nathalie Baye et Laura Smet (2017). Il a composé en tout plus de deux cents musiques pour le cinéma et la télévision. Compositeur, arrangeur, et interprète pour la chanson[modifier le code] Michel Legrand a enregistré avec différentes vedettes de la chanson dans des genres variés : Aretha Franklin, Céline Dion, Michael Jackson, Miles Davis, Louis Armstrong, Catherine Sauvage, Henri Salvador, Charles Aznavour, Zizi Jeanmaire, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Jack Jones, Tereza Kesovija, Ella Fitzgerald, Jessye Norman, Perry Como, Lena Horne, Kiri Te Kanawa, James Ingram, Johnny Mathis, Barbra Streisand, Caterina Valente, Frankie Laine, Nana Mouskouri, Frida Boccara, Danielle Licari, Raymond Devos, Stéphane Grappelli, Mireille Mathieu, Claude Nougaro, Mario Pelchat, Nicolas Folmer et plus récemment avec Natalie Dessay et Vincent Niclo. En 1962, il convainc Jacques Canetti de signer, chez Philips, avec Claude Nougaro, alors quasi inconnu, dont il réalise et compose la musique du second album, Le Cinéma, celui de la reconnaissance[13] (Le Cinéma, Les Don Juan, Le Rouge et le noir, Tout feu tout femme…), et dont il assure les orchestrations (également sur Le Jazz et la Java et Une petite fille)[14]. Musique classique[modifier le code] Michel Legrand est également auteur de deux opéras et ballets ainsi que de deux concertos. En tant que pianiste soliste, il s'est produit avec de nombreux orchestres à travers le monde, notamment ceux de Saint-Pétersbourg, Vancouver, Montréal, Atlanta et Denver. En 1994, il sortit son enregistrement du Requiem de Gabriel Fauré et de celui de Maurice Duruflé, auprès du label Teldec Classics[15]. Chanteur[modifier le code] À partir de 1964, Michel Legrand prend la décision d'interpréter lui-même les chansons qu'il compose. Il travaille et se construit un répertoire avec deux auteurs Eddy Marnay et Jean Dréjac. Pour son album Attendre… sorti en 1980, il est interprète, auteur et compositeur[16]. En 1978, en pleine vague disco, Michel Legrand publie le morceau Disco Magic Concorde sorte de medley de certaines de ses compositions, on y retrouve par exemple The Windmills of Your Mind ou encore la musique du film Un été 42. Longtemps oubliée, l'œuvre fut reprise par L'Impératrice en 2017 dans une version instrumentale remixée[17]. En 2009, Michel Legrand enregistre un album de ses grandes chansons avec le chanteur canadien Mario Pelchat, l’album comprend notamment un duo de Michel Legrand et Mario Pelchat (Elle a elle a pas) ainsi qu’un autre duo (How do You Keep the Music Playing) avec Mario Pelchat et Dionne Warwick ; l’album reçoit en 2010 le Félix de l’album jazz de l’année au gala de l’ADISQ au Québec. Ils partent ensuite en tournée qui les mènera dans les grandes villes du Québec ainsi qu’à Toronto mais également à Boston, New York, Washington et Las Vegas puis en France (Paris) et en Russie (Moscou et Saint-Petersbourg). Cette collaboration marque les cinquante ans de carrière de Michel Legrand[18]. Vie privée[modifier le code] Michel Legrand a été marié à Christine Bouchard, mannequin, puis à Isabelle Rondon[19] (de 1994 à 2007). En 2013, il se sépare de la harpiste Catherine Michel. Le 16 septembre 2014, il épouse à la mairie de Monaco la comédienne Macha Méril, avec laquelle il avait déjà eu une liaison quarante ans auparavant[20], liaison que Macha Méril qualifie de purement platonique[21],[22]. La cérémonie religieuse a lieu le lendemain à Monaco, lors d'une cérémonie orthodoxe[23]. Il est le père de Dominique Rageys (née en 1952), fondatrice avec son mari Jean-François du rallye « Maroc Classic », d'Hervé Legrand (né en 1959), pianiste et compositeur, de Benjamin Legrand (né en 1962), chanteur, et d'Eugénie Angot (née en 1970), cavalière de niveau international. Sa sœur aînée, la chanteuse Christiane Legrand (1930-2011), a été successivement membre de groupes de jazz vocal tels que les Blue Stars, Les Double Six et les Swingle Singers. Il est le demi-frère de l'écrivain Benjamin Legrand et du peintre Olivier Legrand. Il est l'oncle de Victoria Legrand, chanteuse du groupe Beach House et du vidéaste Alistair Legrand (enfants d'Olivier Legrand). Naturalisé américain vers la fin de sa vie, il renonce volontairement en 2011 à la nationalité française en demandant sa libération des liens d’allégeance à l'égard de la France[24],[25]. Mort[modifier le code] Michel Legrand meurt de septicémie[26],[27] dans la nuit du 25 au 26 janvier 2019, à l'hôpital américain de Neuilly-sur-Seine[26],[27] où il était hospitalisé depuis deux semaines pour une infection pulmonaire. Ses funérailles sont célébrées à Paris en la cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky le 1er février[28]. Il est inhumé au cimetière du Père-Lachaise (division 44, avenue transversale no 2), près de Francis Lemarque, Yves Montand, Simone Signoret, Jacques Perrin et Gaspard Ulliel, et non loin de Jacques Canetti, qu'il a bien connus. Sa tombe est ornée d'une croix orthodoxe, et le nom de sa dernière épouse est déjà inscrit sur la pierre tombale. Filmographie[modifier le code] Voir la catégorie : Film avec une musique composée par Michel Legrand. Cinéma[modifier le code] Années 1950[modifier le code] 1953 : Beau fixe (court-métrage) 1955 : Visages de Paris, court métrage de François Reichenbach 1955 : Les Amants du Tage d'Henri Verneuil 1957 : Charmants Garçons d'Henri Decoin 1957 : Le Triporteur de Jacques Pinoteau 1958 : Rafles sur la ville de Pierre Chenal 1959 : L'Amérique insolite de François Reichenbach (documentaire) Années 1960[modifier le code] 1960 : Me faire ça à moi de Pierre Grimblat 1960 : Lola de Jacques Demy 1960 : Chien de pique d'Yves Allégret 1960 : Terrain vague de Marcel Carné (cocompositeur avec Francis Lemarque) 1960 : Le Cœur battant de Jacques Doniol-Valcroze 1960 : Les portes claquent de Jacques Poitrenaud 1961 : Les Sept Péchés capitaux (cocompositeur avec Sacha Distel et Pierre Jansen) 1961 : Le cave se rebiffe de Gilles Grangier 1961 : Une femme est une femme de Jean-Luc Godard 1962 : Cléo de 5 à 7 d'Agnès Varda - également en tant qu'acteur 1962 : L'Empire de la nuit de Pierre Grimblat 1962 : Eva de Joseph Losey 1962 : Les Sept Péchés capitaux de Claude Chabrol et Édouard Molinaro 1962 : Un cœur gros comme ça de François Reichenbach 1962 : Retour a New York (documentaire) 1962 : Comme un poisson dans l'eau d'André Michel 1962 : Une grosse tête de Claude de Givray 1962 : Vivre sa vie de Jean-Luc Godard 1962 : L'Amérique lunaire (documentaire) 1962 : Histoire d'un petit garçon devenu grand 1962 : Le Joli Mai de Chris Marker 1963 : Illuminations (documentaire) 1963 : Le Grand Duc et l'Héritière (Love Is a Ball) de David Swift 1963 : La Baie des Anges de Jacques Demy 1964 : Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy 1964 : Les Plus Belles Escroqueries du monde de Claude Chabrol et Jean-Luc Godard 1964 : Une ravissante idiote d'Édouard Molinaro 1964 : Bande à part de Jean-Luc Godard 1964 : Fascinante Amazonie 1964 : Les Amoureux du France (documentaire) 1964 : La Douceur du village (documentaire) de François Reichenbach 1965 : Quand passent les faisans d'Édouard Molinaro 1966 : Monnaie de singe d'Yves Robert 1966 : Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? de William Klein 1966 : Tendre Voyou de Jean Becker 1966 : La Vie de château de Jean-Paul Rappeneau 1966 : The Plastic Dome of Norma Jean (en) de Juleen Compton (en) 1966 : Et la femme créa l'amour de Fabien Collin 1966 : L'An 2000 1966 : L'Or et le Plomb d'Alain Cuniot 1967 : L'Héritière de Singapour (Pretty Polly) de Guy Green 1967 : Bague au doigt, corde au cou (How to Save a Marriage and Ruin Your Life) de Fielder Cook 1967 : Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demy 1967 : Le Plus Vieux Métier du monde de Claude Autant-Lara et Mauro Bolognini 1968 : L'Affaire Thomas Crown (The Thomas Crown Affair) de Norman Jewison 1968 : Enfants de salauds (Play Dirty) d'André de Toth 1968 : L'Homme à la Buick de Gilles Grangier 1968 : Sweet November de Robert Ellis Miller 1968 : Destination Zebra, station polaire (Ice Station Zebra) de John Sturges 1969 : The Happy Ending de Richard Brooks 1969 : La Pince à ongles de Jean-Claude Carrière (court métrage) 1969 : The Picasso Summer de Robert Sallin 1969 : Appelez-moi Mathilde de Pierre Mondy 1969 : La Piscine de Jacques Deray 1969 : Un château en enfer (Castle Keep) de Sydney Pollack Années 1970[modifier le code] 1970 : Le Messager (The Go-Between) de Joseph Losey 1970 : Entre Dieu et la femme (Pieces of Dreams) de Daniel Haller 1970 : Peau d'âne de Jacques Demy 1970 : The Magic Garden of Stanley Sweetheart (en) de Leonard Horn (en) 1970 : Les Hauts de Hurlevent (Wuthering Heights) de Robert Fuest 1970 : La Dame dans l'auto avec des lunettes et un fusil d'Anatole Litvak 1971 : Le Mans de Lee H. Katzin 1971 : Les Mariés de l'an II de Jean-Paul Rappeneau 1971 : La Poudre d'escampette de Philippe de Broca 1971 : Un été 42 (Summer of '42) de Robert Mulligan 1971 : Un peu de soleil dans l'eau froide de Jacques Deray 1971 : La Ville bidon de Jacques Baratier 1972 : Le Temps d'aimer (A Time for Loving) de Christopher Miles 1972 : Les Feux de la Chandeleur de Serge Korber 1972 : Un homme est mort de Jacques Deray 1972 : La Vieille Fille de Jean-Pierre Blanc 1972 : Lady Sings the Blues de Sidney J. Furie 1972 : Portnoy et son complexe (en) (Portnoy's Complaint) d'Ernest Lehman : 1972 : La Femme sans mari (One Is a Lonely Number), de Mel Stuart 1973 : Maison de poupée (A Doll's House) de Joseph Losey 1973 : Bequest to the Nation de James Cellan Jones 1973 : Quarante carats (Forty Carats) de Milton Katselas 1973 : Flics et Voyous d'Aram Avakian 1973 : Breezy de Clint Eastwood 1973 : L'Événement le plus important depuis que l'homme a marché sur la Lune de Jacques Demy 1973 : Le Gang des otages d'Édouard Molinaro 1973 : L'Impossible Objet (Impossible Object) de John Frankenheimer 1973 : Les Trois Mousquetaires (The Three Musketeers) de Richard Lester 1974 : Our Time (en) de Peter Hyams 1975 : Le Merveilleux Voyage de Gulliver (en) (Gulliver's Travels) de Peter Hunt 1975 : Vérités et Mensonges (F for Fake) d'Orson Welles 1975 : Sheila Levine Is Dead and Living in New York (en) de Sidney J. Furie 1975 : Le Sauvage de Jean-Paul Rappeneau 1976 : Le Voyage de noces de Nadine Trintignant 1976 : Gable et Lombard (Gable and Lombard) de Sidney J. Furie 1976 : Ode to Billy Joe (en) de Max Baer Jr. 1976 : La Flûte à six schtroumpfs des Studios Belvision (film d'animation) 1977 : De l'autre côté de minuit (The Other Side of Midnight) de Charles Jarrott 1978 : Les Routes du sud de Joseph Losey 1978 : Lady Oscar de Jacques Demy 1978 : Mon premier amour d'Élie Chouraqui 1979 : Les Fabuleuses Aventures du légendaire baron de Münchhausen de Jean Image (film d'animation) Années 1980[modifier le code] 1980 : The Mountain Men 1980 : Hinotori (co-compositeur) 1980 : Atlantic City de Louis Malle 1980 : Le Chasseur (The Hunter) de Buzz Kulik 1981 : Au-delà de cette limite votre ticket n'est plus valable de George Kaczender 1981 : Les Uns et les Autres de Claude Lelouch 1981 : Falling in Love Again de Steven Paul (en) 1982 : Le Cadeau de Michel Lang 1982 : Qu'est-ce qui fait courir David ? d'Élie Chouraqui 1982 : Le Fou de l'espace (Slapstick of Another Kind) de Steven Paul (en) 1982 : Best Friends, de Norman Jewison 1983 : Il était une fois… l'Espace : la Revanche des Humanoïdes d'Albert Barillé 1983 : Jamais plus jamais (Never Say Never Again) d'Irvin Kershner 1983 : Un amour en Allemagne d'Andrzej Wajda 1983 : Yentl de Barbra Streisand 1984 : Paroles et Musique d'Élie Chouraqui 1984 : Train d'enfer de Roger Hanin 1984 : L'Étrangère (en) (Secret Places) de Zelda Barron (en) 1984 : Micki et Maude de Blake Edwards 1985 : Partir, revenir de Claude Lelouch 1985 : Palace d'Édouard Molinaro 1985 : Parking de Jacques Demy 1987 : Club de rencontres de Michel Lang 1987 : Spirale de Christopher Frank 1988 : La Boutique de l'orfèvre (en) (The Jeweler's Shop) de Michael Anderson 1988 : Scoop de Ted Kotcheff 1988 : Trois Places pour le 26 de Jacques Demy 1989 : Cinq Jours en juin de Michel Legrand - également scénariste et réalisateur Années 1990[modifier le code] 1990 : La Fuite au paradis (Fuga dal paradiso) d'Ettore Pasculli (it) 1990 : Gaspard et Robinson de Tony Gatlif 1991 : The Burning Shore 1991 : Dingo de Rolf de Heer 1993 : The Pickle de Paul Mazursky 1994 : Prêt-à-porter de Robert Altman 1995 : Aaron et le Livre des merveilles de Jaqueline Galia Benousilio et Albert Hanan Kaminski 1995 : Torin's Passage de Sierra On-Line 1995 : Les Misérables de Claude Lelouch 1995 : Les Enfants de Lumière de Jacques Perrin 1998 : Madeline de Daisy von Scherler Mayer 1999 : La Bûche de Danièle Thompson 1999 : Doggy Bag de Frédéric Comtet Années 2000[modifier le code] 2000 : La Bicyclette bleue de Thierry Binisti 2002 : And Now... Ladies and Gentlemen de Claude Lelouch 2005 : Cavalcade de Steve Suissa 2006 : Paris, je t'aime de Bernardo Bertolucci et Seijun Suzuki 2008 : Disco de Fabien Onteniente 2009 : Oscar et la Dame rose de Éric-Emmanuel Schmitt Années 2010[modifier le code] 2013 : Max Rose de Daniel Noah 2015 : La Rançon de la gloire de Xavier Beauvois 2017 : Les Gardiennes de Xavier Beauvois 2018 : De l'autre côté du vent (The Other Side of the Wind) d'Orson Welles Télévision[modifier le code] 1958 : L'Américain se détend 1970 : Oum le dauphin blanc de René Borg (série d'animation) 1970 : Brian's Song de Buzz Kulik (téléfilm) 1973 : The Adventures of Don Quixote (téléfilm) 1974 : It's Good To Be Alive (téléfilm) 1975 : Cage Without a Key (téléfilm) 1978 : Michel's Mixed Up Musical Bird (téléfilm) 1982 : Une femme nommée Golda (téléfilm) d'Alan Gibson 1982 : Le Rêve d'Icare de Jean Kerchbron 1982 : Il était une fois… l'Espace d'Albert Barillé (série d'animation) 1984 : The Jesse Owens Story (téléfilm) 1985 : Promises to Keep (téléfilm) 1986 : Il était une fois… la Vie d'Albert Barillé (série d'animation) 1986 : Crossings (mini-série) 1986 : As Summers Die (téléfilm) 1986 : Sins (mini-série) 1987 : Casanova de Simon Langton (téléfilm) 1990 : Not a Penny More, Not a Penny Less (mini-série) 1991 : La Montagna dei Diamanti (mini-série) 1992 : Il était une fois… les Amériques d'Albert Barillé (série d'animation) 1994 : Il était une fois… les Découvreurs d'Albert Barillé (série d'animation) 1995 : The Ring (mini-série) 1996 : Il était une fois… les Explorateurs d'Albert Barillé (série d'animation) 1996 : L'Anneau de Cassandra 2008 : Il était une fois… notre Terre d'Albert Barillé 2011 : L'amour dure 3 ans (téléfilm) Théâtre/Scène[modifier le code] 1997 : Le Passe-muraille, opéra-bouffe en collaboration avec Didier van Cauwelaert[29],[30]. 2011 : Liliom, ballet de John Neumeier[31],[32]. 2014 : Dreyfus, opéra, livret de Didier van Cauwelaert d'après l'Affaire Dreyfus[33],[34]. 2017 : Concerto pour piano[35] et Concerto pour violoncelle[36]. Discographie[modifier le code] En tant que musicien[modifier le code] 1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 1)(EP 45 médium) 1954 : Michel Legrand et son orchestre de danse - Danse (Volume 2)(EP 45 médium) 1954 : I Love Paris 1955 : Michel Legrand and his Orchestra - Holiday In Rome 1956 : Michel Legrand et sa grande formation - Musiques de films 1956 : Michel Legrand and his Orchestra - Castles In Spain 1957 : Bonjour Paris (sous le pseudo Big Mike) 1958 : Legrand in Rio 1958 : Legrand Jazz, avec Miles Davis, Bill Evans, Paul Chambers, John Coltrane 1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 1) 1958 : The Columbia Album of Cole Porter (Volume 2) 1958 : De Marlène à Marilyn 1959 : Michel Legrand et son trio - Paris Jazz Piano, avec Guy Pedersen et Gus Wallez 1961 : Bravissimo 1962 : Broadway in my Beat 1963 : Rendez-vous à Paris 1964 : Archi-Cordes 1965 : Michel Legrand plays for Dancers 1968 : At Shelly's Manne-Hole, avec Shelly Manne et Ray Brown 1969 : Bud Shank plays Michel Legrand 1971 : Communications '72, avec Stan Getz 1975 : Images, avec Phil Woods 1979 : Les Parapluies de Cherbourg Suite Symphonique/Thèmes & Variations for two pianos & Orchestra[37] 1979 : Le Jazz Grand, avec Gerry Mulligan 1983 : After the Rain, avec Phil Woods 1992 : Magic, avec Kiri Te Kanawa (chant), Michel Legrand (piano, arrangements et direction d'orchestre) 1993 : Erik Satie By Michel Legrand 1995 : Harpe et orchestre (Les Parapluies de Cherbourg, Un été 42, Le Messager, Yentl), avec Catherine Michel (harpe), Michel Legrand (clavecin, arrangements et direction d'orchestre) 1999 : Legrand Big Band 2008 : Nicolas Folmer plays Michel Legrand, avec Nicolas Folmer 2017 : Between Yesterday and Tomorrow, avec Natalie Dessay En tant qu'arrangeur[modifier le code] 1998 : Les Moulins de mon cœur avec Maurice André à la trompette, CD EMI Classics 2011 : Noël ! Noël !! Noël !!! En tant que chanteur[modifier le code] Les Moulins de mon cœur Avant le Jazz La Valse des Lilas Brûl' pas tes doigts Quand ça balance Paris Violon Elle a… Elle a pas… Les Enfants qui pleurent Soleil à vendre Comme elle est longue à mourir ma jeunesse Pourquoi ? Où vont les ballons ? Les Grands Musiciens Celui-là[38] Sérénade du XXe siècle 1789 Besoin de rien Les Grands Musiciens Qui es-tu? Trombones, Guitares et Cie Et si demain (avec Nana Mouskouri) Quand on s'aime (avec Nana Mouskouri) La Partie de tennis 1964 Oum le dauphin Autres travaux[modifier le code] 1964 : indicatif de RTL[39],[40] 1970 : musique de scène de Jarry sur la butte d'après les œuvres complètes d'Alfred Jarry, mise en scène Jean-Louis Barrault, Élysée-Montmartre 1985 : album Je suis heureux dans lequel il enregistre pour Jacques Canetti la chanson L'amour me protège. Cet album est dédié à Lucienne Canetti, sa femme, disparue quatre ans auparavant, les profits sont versés à l'institut Gustave-Roussy de Villejuif. 1994 : Michel Legrand apparaît dans la série télévisée d'animation Il était une fois… les Découvreurs (épisode 19 : intitulé Marconi et les ondes), dont il a composé la bande son (accompagnement musical et chanson du générique). Publication[modifier le code] En 2013, Michel Legrand écrit avec Stéphane Lerouge, spécialiste de la musique au cinéma, sa première autobiographie, Rien n'est grave dans les aigus, où il évoque de manière libre et non chronologique sa formation, ses rencontres, ses choix de parcours, son goût pour la musique au pluriel[5]. En 2018, ce livre est réédité et complété sous le titre J'ai le regret de vous dire oui[41]. Distinctions[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (janvier 2025). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Décorations[modifier le code] Officier de l'ordre des Arts et des Lettres Officier de l'ordre national du Mérite Commandeur de la Légion d'honneur (2015). Il fut officier en 2005[42]. Récompenses[modifier le code] Golden Globes 1969 : Meilleure chanson originale pour The Windmills of Your Mind dans L'Affaire Thomas Crown Oscars 1969 : Meilleure chanson originale pour The Windmills of Your Mind dans L'Affaire Thomas Crown BAFA 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 Oscars 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 Grammy Award de la meilleure composition instrumentale 1972 : pour le thème de Un été 42 Grammy Award de la meilleure composition instrumentale 1973 : pour le thème de Brian's Song Apex[Quoi ?] 1982 : Musique originale (comédie) pour Best Friends Apex[Quoi ?] 1983 : Chanson originale (drame) pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl Chanson originale de trame/adaptation/compilation (drame) pour Yentl Fennecus[Quoi ?] 1983 : Meilleure partition de chansons originale ou adaptée pour Yentl Chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl Oscars 1984 : Meilleure adaptation musicale pour Yentl Molières 1997 : Molière du spectacle musical pour Le Passe-muraille Henry Mancini Awards 1998 (ASCAP) pour Le Passe-muraille Aigle d'or 2002 : Contribution exceptionnelle au cinéma mondial Félix 2009 : Album de l'année - jazz interprétation Prix littéraire du syndicat français de la critique de cinéma 2013 : Rien n'est grave dans les aigus Trophée d'honneur de la comédie musicale en 2018 pour l'ensemble de sa carrière Nominations[modifier le code] Grammy Awards 1966 : Meilleure partition originale écrite pour un film ou une émission télé pour Les Parapluies de Cherbourg Golden Globes 1969 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Oscars 1969 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Meilleure adaptation musicale pour Les Demoiselles de Rochefort BAFA 1970 : Meilleure musique de film pour L'Affaire Thomas Crown Golden Globes 1970 : Meilleure musique de film pour The Happy Ending Meilleure chanson pour What Are You Doing for the Rest of Your Life? dans The Happy Ending Oscars 1970 : Meilleure chanson originale pour What Are You Doing for the Rest of Your Life? dans The Happy Ending Golden Globes 1971 : Meilleure musique de film pour Les Hauts de Hurlevent Meilleure chanson originale pour Pieces of Dreams dans Pieces of Dreams Oscars 1971 : Meilleure chanson originale pour Pieces of Dreams dans Pieces of Dreams Golden Globes 1972 : Meilleure musique de film pour Un été 42 et Le Mans Primetime Emmy Awards 1972 : Meilleure musique pour une mini-série ou épisode spécial pour Brian's Song Golden Globes 1973 : Meilleure musique de film pour Lady Sings the Blues Golden Globes 1974 : Meilleure musique de film pour Breezy Meilleure chanson originale pour Breezy's Song dans Breezy BAFA 1975 : Meilleure musique de film pour Les Trois Mousquetaires Grammy Awards 1975 : Meilleur album d'une partition originale écrite pour un film pour Les Trois Mousquetaires César 1981 : Meilleure musique de film pour Atlantic City Golden Globes 1981 : Meilleure chanson originale pour Yesterday's Dreams dans Falling in Love Again César 1982 : Meilleure musique de film pour Les Uns et les Autres avec Francis Lai Primetime Emmy Awards 1982 : Meilleure musique pour une mini-série ou épisode spécial : Une femme nommée Golda Oscars 1983 : Meilleure chanson originale pour How Do You Keep the Music Playing? dans Best Friends Golden Globes 1984 : Meilleure musique de film pour Yentl Meilleure chanson originale pour The Way He Makes Me Feel dans Yentl 1984 : Meilleure chanson originale pour Papa, Can You Hear Me? et The Way He Makes Me Feel dans Yentl César 1985 : Meilleure musique de film pour Paroles et Musique Grammy Awards 1985 : Meilleur album d'une partition instrumentale écrite pour un film ou une émission télé pour Yentl Australian Film Institute Awards 1991 : Meilleure trame originale de film pour Dingo Tony Awards 2003 : Meilleure partition originale pour Amour (Le Passe-muraille) Drama Desk Awards 2003 : Partition originale exceptionnelle (Outstanding Original Score) pour Amour Hommages et reconnaissances diverses[modifier le code] Jacques Demy, obtenant la Palme d'or au Festival de Cannes 1964 pour Les Parapluies de Cherbourg, tient à la recevoir avec Michel Legrand, indissociable du projet avec sa musique et ses dialogues intégralement chantés[43],[44]. L'astéroïde (31201) Michellegrand, découvert en 1998, est nommé en son honneur[45]. Le 5 décembre 2007, la faculté de musique de l'université de Montréal, au Québec, lui décerne un doctorat honorifique visant à souligner le caractère exceptionnel de sa carrière[46]. À l'occasion de ses cinquante ans de carrière, début 2009, un hommage lui est rendu à la Cinémathèque française à Paris, avec la projection de la plupart des films dont il a écrit la partition. Il donne également pour l'occasion trois concerts salle Pleyel et accorde de multiples interviews à la radio et la télévision. À la suite de sa mort, de nombreux artistes ont repris un de ses plus grands succès, Les Moulins de mon cœur. Le 21 septembre 2019, la passerelle Michel-Legrand est inaugurée à Cherbourg-en-Cotentin en présence de Macha Méril. Elle traverse le bassin du Commerce et est située non loin de la place Jacques-Demy. Le 26 février 2024, La Poste française émet un timbre-poste pour le cinquième anniversaire de sa mort, avec présentation en avant-première le 12 décembre 2023 à Paris en présence d'un de ses deux fils, le chanteur Benjamin Legrand, et de sa seconde épouse Macha Méril[47]. À partir d'une photographie de Jean-Pierre Leloir, l'illustrateur Mathieu Persan a représenté le chef d'orchestre jeune, regardant la partition tout en tenant haut sa baguette ; de la partition jaillissent de la lumière et des notes de musique l'illuminant. La vente premier jour de ce timbre a lieu les 23 et 24 février dans deux villes rappelant des films mis en musique par Legrand : Cherbourg pour Les Parapluies de Cherbourg et Rochefort pour Les Demoiselles de Rochefort[48]. Annexes[modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia : Documentaires[modifier le code] 2018 : Michel Legrand, sans demi-mesure, réalisé par Grégory Monro. 2024 : Il était une fois Michel Legrand, réalisé par David Hertzog Dessites[49]. Liens externes[modifier le code] (en) Site officiel Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Britannica Den Store Danske Encyklopædi Deutsche Biographie Gran Enciclopèdia Catalana Hrvatska Enciklopedija Internetowa encyklopedia PWN Nationalencyklopedin Store norske leksikon Treccani Universalis Notices d'autorité : () Notes et références[modifier le code] ↑ a et b Et non à Bécon-les-Bruyères comme l'affirment certaines sources. Cf. Vue 5/21, tables décennales des naissances pour le 20e arrondissement de Paris (1922-1932) sur le site des archives de la ville de Paris. ↑ « Fiche de Michel Legrand », sur lesgensdicinema.com, 3 juin 2013 (consulté le 4 juillet 2016). ↑ « Jazz au Trésor : Michel Legrand - Hier & demain », sur Radio France, 18 avril 2022 (consulté le 30 avril 2023). ↑ a b c d e et f « Michel Legrand : Biographie », sur universalmusic.fr (consulté le 28 janvier 2019). ↑ a et b Michel Legrand, Rien n'est grave dans les aigus, Le Cherche Midi, 320 pages, 2013. (ISBN 978-2749127163) ↑ Michel Legrand, Rien n'est grave dans les aigus, Le Cherche Midi, 2013, p. 67. ↑ Charlotte Roux et Anne Kropotkine, « Jours de fête à Moscou : Le voyage des Français au festival mondial de la jeunesse en 1957 », France Culture, 19 avril 2011 (documentaire de 54 minutes). ↑ Son premier disque de jazz en grand orchestre. ↑ Olivia Cohen, « Michel Legrand en 10 chansons méconnues ou potentiellement gênante », France Inter,‎ 1er février 2019 (lire en ligne) ↑ Eric Bureau, « Michel Legrand, l’enchanteur du cinéma », Le Parisien, no 23141,‎ 27 janvier 2019, p. 18 (lire en ligne) ↑ (en) Marcel Amont - Les Moulins De Mon Coeur (lire en ligne) ↑ « les moulins de mon coeur - claude françois » (consulté le 5 novembre 2022). ↑ Livret du coffret Claude Nougaro l'essentiel des albums studio 1962-1985, 2011, Mercury Universal, auteur Laurent Balandras, page 3, citation : « Michel Legrand parvient à rendre percutive l'écriture de Nougaro. Nous sommes juste avant la consécration de Legrand avec Les parapluies de Cherbourg. L'album qui pointe le bout de son swing en cette année 1962, à contre-courant de la vague yé-yé, va imposer, un auteur, un compositeur et un interprète. » ↑ « Michel Legrand : « J'ai commencé à vivre le jour où je suis entré au Conservatoire » (1/5) », sur France Musique (consulté le 6 février 2019). ↑ Notice de la bibliothèque nationale de France [1] ↑ [PDF] « Michel Legrand, la musique au pluriel » sur le site de la Philharmonie de Paris ↑ [vidéo] « Michel Legrand - Disco Magic Concorde », a8detective, 17 novembre 2016, 9:43 min (consulté le 11 octobre 2024) ↑ « Mario Pelchat chante Michel Legrand », sur larevue.qc.ca (consulté le 24 février 2023). ↑ « fiche informative » ↑ Frédéric Dugit et Éric Bureau, « Macha Méril annonce son mariage avec Michel Legrand ! », sur leparisien.fr, 5 mars 2014. ↑ Michel et moi, Albin Michel, 30 août 2017 (ISBN 978-2226398000). ↑ « Macha Méril, le sexe avec Michel Legrand : « Mon appréhension a vite été dissipée » », sur purepeople.com, 19 août 2015 (consulté le 26 janvier 2019). ↑ « Macha Méril et Michel Legrand : leur mariage religieux à Monaco », sur lefigaro.fr, 18 septembre 2014. ↑ Décret du 28 juin 2011 portant libération de l'allégeance française, article 2, inscrit en page 11233 du journal officiel de la République française en date du 30 juin 2011, texte 111 (version papier seulement). ↑ , sur cinememorial.com (consulté le 1er février 2019). ↑ a et b « Mort de Michel Legrand : Le compositeur était hospitalisé, son état s’est « subitement dégradé » », sur La Voix du Nord, 28 janvier 2019 (consulté le 28 janvier 2019). ↑ a et b « Michel Legrand : Macha Méril raconte en larmes les derniers instants de son mari », sur programme-tv.net, 30 janvier 2019 (consulté le 31 janvier 2019). ↑ « Les funérailles de Michel Legrand seront célébrées vendredi à Paris », Ici Radio Canada, 28 janvier 2019. ↑ « Théâtre : Le Passe-muraille », sur lexpress.fr, lexpress, 13 février 1997 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Trois récompenses pour Le Passe-muraille », sur lesechos.fr, 14 mai 1997 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Liliom de John Neumeier par le Ballet de Hambourg : La mort au carrousel », sur concertclassic.com (consulté le 6 février 2019). ↑ (fi) « Hamburg Ballett John Neumeier - Play », sur hamburgballett.de (consulté le 6 février 2019). ↑ « Dreyfus de Michel Legrand, en création mondiale à l'opéra de Nice », sur musicologie.org (consulté le 6 février 2019). ↑ Le Point, magazine, « Dreyfus, opéra populaire signé Michel Legrand, en création mondiale à Nice », sur Le Point, 28 mai 2014 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Michel Legrand : Concerto pour piano, Concerto pour violoncelle », sur France Musique (consulté le 6 février 2019). ↑ « Henri Demarquette crée le Concerto pour violoncelle de Michel Legrand : Enthousiasmes unis », sur concertclassic.com (consulté le 6 février 2019). ↑ https://www.discogs.com/release/2486032-Michel-Legrand-London-Symphony-Orchestra-The-Umbrellas-Of-Cherbourg-Theme-Variations-For-Two-Pianos- ↑ Chanson hommage au président Kennedy, écrite peu de temps après son assassinat ((en) « Melissa Errico's Epic Collaboration With Michel Legrand & Phil Ramone Gets 10/18 Release On Ghostlight Records, 'Legrand Affair' », sur Top 40 Charts, 13 août 2011) ↑ « Comment Michel Legrand a composé le jingle de RTL », sur RTL.fr, 26 janvier 2019 (consulté le 3 février 2019). ↑ Romain Iriarte, « RTL fête les 50 ans de son top horaire », sur tvmag.lefigaro.fr, 1er octobre 2014. ↑ Michel Legrand et Stéphane Lerouge, J'ai le regret de vous dire oui, Liana Levi, coll. « Piccolo », 2020 (ISBN 979-10-349-0329-0) ↑ Ministère de la culture et de la communication, « Décret du 31 décembre 2015 portant promotion », jorf no 0001 du 1er janvier 2016 (consulté le 1er février 2019). ↑ Anne Audigier, « 1964 : un petit coin de parapluie », sur France Inter, 18 mai 2015 (consulté le 6 février 2019). ↑ « Il faut sauver Les Parapluies de Cherbourg », sur KissKissBankBank (consulté le 6 février 2019). ↑ (en) « (31201) Michellegrand = 1998 AT5 », sur le site du Centre des planètes mineures (consulté le 14 mai 2022). ↑ « Hommage à deux figures marquantes du monde musical », sur musique.umontreal.ca, 27 septembre 2007 (consulté le 22 septembre 2018). ↑ Sophie Bastide-Bernardin, « Macha Méril a dévoilé le timbre Michel Legrand, un allié de taille pour clamer son amour éternel », Atout timbres no 300, 15 janvier 2024, pages 12-13. ↑ « Le plus beau point d'orgue pour le génial compositeur Michel Legrand : un timbre à son effigie », Atout timbres no 301, 15 février 2024, page 4. ↑ Jacques Denis, « «Il était une fois...», Michel Legrand large » , sur Libération (consulté le 4 décembre 2024). v · mOscar de la meilleure musique de film Oscars du cinéma Les Oscars du cinéma par année Oscar de la meilleure chanson originale 1935-1938Meilleure musique de film Columbia Pictures - Une nuit d'amour (1935) RKO Pictures - Le Mouchard (1936) Warner Bros. - Anthony Adverse (1937) Universal Studio - Deanna et ses boys (1938) 1939-1941 Meilleure partition originale Erich Wolfgang Korngold - Les Aventures de Robin des Bois (1939) Herbert Stothart et Harold Arlen - Le Magicien d'Oz (1940) Harline, Smith et Washington - Pinocchio (1941) Meilleure adaptation musicale Alfred Newman - La Folle Parade (1939) Hageman, Harling, Leipold et Shuken - La Chevauchée fantastique (1940) Alfred Newman - Adieu Broadway (1941) 1942-1962 Meilleure partition film dramatique/comédie Bernard Herrmann - Tous les biens de la terre (1942) Max Steiner - Une femme cherche son destin (1943) Alfred Newman - Le Chant de Bernadette (1944) Max Steiner - Depuis ton départ (1945) Miklós Rózsa - La Maison du docteur Edwardes (1946) Hugo Friedhofer - Les Plus Belles Années de notre vie (1947) Miklós Rózsa - A Double Life (1948) Brian Easdale - Les Chaussons rouges (1949) Aaron Copland - L'Héritière (1950) Franz Waxman - Boulevard du crépuscule (1951) Franz Waxman - Une place au soleil (1952) Dimitri Tiomkin - Le train sifflera trois fois (1953) Bronisław Kaper - Lili (1954) Dimitri Tiomkin - Écrit dans le ciel (1955) Alfred Newman et Sammy Fain - La Colline de l'adieu (1956) Victor Young - Le Tour du monde en quatre-vingts jours (1957) Malcolm Arnold - Le Pont de la rivière Kwaï (1958 A) Dimitri Tiomkin - Le Vieil Homme et la Mer (1959) Miklós Rózsa - Ben-Hur (1960) Ernest Gold - Exodus (1961) Henry Mancini - Diamants sur canapé (1962) Meilleure adaptation d'un film musical Frank Churchill et Oliver Wallace - Dumbo (1942) Ray Heindorf et Heinz Roemheld - La Glorieuse Parade (1943) Ray Heindorf - This Is the Army (1944) Morris Stoloff et Carmen Dragon - La Reine de Broadway (1945) Georgie Stoll - Escale à Hollywood (1946) Morris Stoloff - Le Roman d'Al Jolson (1947) Alfred Newman - Maman était new-look (1948) Johnny Green et Roger Edens - Parade de printemps (1949) Roger Edens et Lennie Hayton - Un jour à New York (1950) Adolph Deutsch et Roger Edens - Annie, la reine du cirque (1951) Johnny Green et Saul Chaplin - Un Américain à Paris (1952) Alfred Newman - Un refrain dans mon cœur (1953) Alfred Newman - Appelez-moi Madame (1954) Adolph Deutsch et Saul Chaplin - Les Sept Femmes de Barbe-Rousse (1955) Robert Russell Bennett, Jay Blackton et Adolph Deutsch - Oklahoma ! (1956) Alfred Newman et Ken Darby - Le Roi et moi (1957) Malcolm Arnold - Le Pont de la rivière Kwaï (1958 A) Andre Previn - Gigi (1959) Andre Previn et Ken Darby - Porgy and Bess (1960) Morris Stoloff et Harry Sukman - Le Bal des adieux (1961) Chaplin, Green, Ramin et Kostal - West Side Story (1962) 1963-1968 Meilleure partition originale Maurice Jarre - Lawrence d'Arabie (1963) John Addison - Tom Jones (1964) Richard M. Sherman et Robert B. Sherman - Mary Poppins (1965) Maurice Jarre - Docteur Jivago (1966) John Barry - Vivre libre (1967) Elmer Bernstein - Millie (1968) Meilleure adaptation musicale Ray Heindorf - The Music Man (1963) André Previn - Irma la Douce (1964) André Previn - My Fair Lady (1968) Irwin Kostal - La Mélodie du bonheur (1966) Ken Thorne - Le Forum en folie (1967) Alfred Newman et Ken Darby - Camelot (1968) 1969 - 1970 Meilleure partition pour un film dramatique ou une comédie John Barry - Le Lion en hiver (1969) Burt Bacharach - Butch Cassidy et le Kid (1970) Meilleure adaptation pour un film musical Johnny Green - Oliver ! (1969) Lennie Hayton et Lionel Newman - Hello Dolly ! (1970) 1971 - 1985 Meilleure partition originale Francis Lai - Love Story (1971) Michel Legrand - Un été 42 (1972) Chaplin, Rasch (en) et Russell - Les Feux de la rampe(1973) Marvin Hamlisch - Nos plus belles années (1974) Nino Rota et Carmine Coppola - Le Parrain, 2e partie (1975) John Williams - Les Dents de la mer (1976) Jerry Goldsmith - La Malédiction (1977) John Williams - Star Wars, épisode IV : Un nouvel espoir (1978) Giorgio Moroder - Midnight Express (1979) Georges Delerue - I love you, je t'aime (1980) Michael Gore - Fame (1981) Vangelis - Les Chariots de feu (1982) John Williams - E.T., l'extra-terrestre (1983) Bill Conti - L'Étoffe des héros (1984) Maurice Jarre - La Route des Indes (1985) Meilleure partition de chansons et adaptation musicale Les Beatles - Let It Be (1971) John Williams - Un violon sur le toit (1972) Ralph Burns - Cabaret (1973) Marvin Hamlisch - L'Arnaque (1974) Nelson Riddle - Gatsby le magnifique (1975) Leonard Rosenman - Barry Lyndon (1976) Leonard Rosenman - En route pour la gloire (1977) Jonathan Tunick - A Little Night Music (1978) Joe Renzetti - The Buddy Holly Story (1979) Ralph Burns - Que le spectacle commence (1980) Henry Mancini et Leslie Bricusse - Victor Victoria (1983) Michel Legrand, Alan Bergman et Marilyn Bergman - Yentl (1984) Prince - Purple Rain (1985) 1986-1995Meilleure musique de film John Barry - Out of Africa (1986) Herbie Hancock - Autour de minuit (1987) David Byrne, Ryūichi Sakamoto et Cong Su - Le Dernier Empereur (1988) Dave Grusin - Milagro (1989) Alan Menken - La Petite Sirène (1990) John Barry - Danse avec les loups (1991) Alan Menken - La Belle et la Bête (1992) Alan Menken - Aladdin (1993) John Williams - La Liste de Schindler (1994) Hans Zimmer - Le Roi lion (1995) 1996-1999 Meilleure partition originale Pour un film dramatique Luis Bacalov - Le Facteur (1996) Gabriel Yared - Le Patient anglais (1997) James Horner - Titanic (1998) Nicola Piovani - La vie est belle (1999) Pour un film musical ou une comédie Alan Menken et Stephen Schwartz - Pocahontas : Une légende indienne (1996) Rachel Portman - Emma, l'entremetteuse (1997) Anne Dudley - The Full Monty (1998) Stephen Warbeck - Shakespeare in Love (1999) Depuis 2000Meilleure musique de film John Corigliano - Le Violon rouge (2000) Tan Dun - Tigre et Dragon (2001) Howard Shore - Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau (2002) Elliot Goldenthal - Frida (2003) Annie Lennox et Howard Shore - Le Seigneur des anneaux : Le Retour du roi (2004) Jan A. P. Kaczmarek - Neverland (2005) Gustavo Santaolalla - Le Secret de Brokeback Mountain (2006) Gustavo Santaolalla - Babel (2007) Dario Marianelli - Reviens-moi (2008) A.R. Rahman - Slumdog Millionaire (2009) Michael Giacchino - Là-haut (2010) Trent Reznor et Atticus Ross - The Social Network (2011) Ludovic Bource - The Artist (2012) Mychael Danna - L'Odyssée de Pi (2013) Steven Price - Gravity (2014) Alexandre Desplat - The Grand Budapest Hotel (2015) Ennio Morricone - Les Huit Salopards (2016) Justin Hurwitz - La La Land (2017) Alexandre Desplat - La Forme de l'eau (2018) Ludwig Göransson - Black Panther (2019) Hildur Guðnadóttir - Joker (2020) Trent Reznor, Atticus Ross et Jon Batiste - Soul (2021) Hans Zimmer - Dune (2022) Volker Bertelmann - À l'ouest, rien de nouveau (2023) Ludwig Göransson - Oppenheimer (2024) Daniel Blumberg - The Brutalist (2025) Portail de la musique Portail du cinéma français Portail de Paris <img src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; alt="" width="1" height="1" style="border: none; position: absolute;"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Michel_Legrand&oldid=233760169 ».

L'hypothèse Gaïa, appelée également hypothèse biogéochimique[note 1], est une hypothèse controversée, initialement avancée en 1970 par le climatologue britannique James Lovelock en lien avec la microbiologiste américaine Lynn Margulis, mais également évoquée par d'autres scientifiques avant eux, selon laquelle la Terre serait « un système physiologique dynamique qui inclut la biosphère et maintient notre planète depuis plus de trois milliards d'années en harmonie avec la vie[2]. » L'ensemble des êtres vivants sur Terre formerait ainsi un vaste superorganisme — appelé « Gaïa », d'après le nom de la déesse de la mythologie grecque personnifiant la Terre — réalisant l'autorégulation de ses composants pour favoriser la vie. Un exemple cité par Lovelock à l'appui de son hypothèse est la composition de l'atmosphère terrestre, qui aurait été autorégulée au cours du temps de manière à permettre le développement et le maintien de la vie. L'hypothèse Gaïa, qui a été déclinée en plusieurs théories, repose sur un modèle scientifique qui se fonde sur plusieurs constatations écologiques, climatologiques, géologiques ou encore biologiques — à travers la notion d'écoévolution notamment —, appelé science du système Terre[note 2]. Il en résulte un pronostic alarmiste quant à l'avenir de la biosphère, face au défi du changement climatique notamment[note 3]. L'hypothèse Gaïa est développée par James Lovelock dans plusieurs ouvrages : La Terre est un être vivant, l'hypothèse Gaïa (1979) ; Les Âges de Gaïa (1990) ; Gaïa. Une médecine pour la planète (2001) et La Revanche de Gaïa (2006), ce dernier ouvrage brosse le tableau d'une planète devenue inhabitable pour l'homme. D'autres scientifiques, comme Lynn Margulis, reprennent l'hypothèse Gaïa, qui, depuis les travaux de Lovelock, a fait l'objet d'une abondante littérature scientifique et philosophique[note 4]. Du modèle géobiochimique est née la géophysiologie qui, dans la continuité de l'hypothèse Gaïa, propose d'étudier toutes les interactions existantes au sein du système-Terre. Définition et champ épistémologique[modifier le code] Expériences et constats ayant conduit à Gaïa[modifier le code] Articles détaillés : Écologie globale et Hypothèse CLAW. Le modèle de Lovelock est né d'une multitude de constatations scientifiques de toutes disciplines, s'échelonnant principalement de 1965 à 2000[3] et dont l'ensemble constitue ce que Mitchell Rambler, René Fester et Lynn Margulis ont nommé l'« écologie planétaire » (Global Ecology[4]). Des recherches sont encore menées au sein de divers centres d'étude comme le Centre for Ecology and Hydrology, le Hadley Centre for Climate Prediction and Research et l'Edinburgh Research Station. Dans ses divers ouvrages James Lovelock cite un corpus d'expériences appuyant son modèle gaïen. Dès 1968, Lynn Margulis écrit un article intitulé The Origin of Mitosing Eukaryotic Cells[5], qui fondera plus tard la théorie endosymbiotique. Elle fait alors dans cet article, et plus tard dans son ouvrage, le lien entre la physiologie et les régulations à l'échelle terrestre ; en 1971, elle s'associe à Lovelock[6] et, en 1976, les deux scientifiques écrivent « Is Mars a Spaceship, Too? » qui propose une lecture gaïenne de l'atmosphère martienne[7]. En 1972, James Lovelock entreprend un voyage scientifique sur le navire le Shackleton ; son but est de mesurer la teneur atmosphérique en sulfure de diméthyle (DMS)[8],[9] en des points différents du globe. Il conclut que les organismes marins ont un rôle de régulation dans la diffusion du DMS et publie la même année le premier article évoquant le mécanisme gaïen : Gaia as seen through the atmosphere[10]. Avec d'autres scientifiques — Robert Charlson, Meinrat Andrea et Stephen Warren[11] —, Lovelock émet l'hypothèse « CLAW » (acronyme des noms des auteurs) qui postule que les émissions de DMS produites par le plancton marin sont impliqués dans la régulation climatique, via la formation de nuages et donc le changement de l'albédo[8],[12]. Richard Betts du Hadley Centre for Climate Prediction and Research a montré dans quelle mesure les forêts tropicales ont surmonté la limitation en eau en s'adaptant à un milieu chaud, par un recyclage de celle-ci. Betts et son collègue, Peter Cox, postulent qu'une élévation de 4 °C de la température suffirait à mettre la forêt amazonienne hors d'état d'assurer ce mécanisme de refroidissement[13]. Andrew Watson et Tim Lenton ont montré le maintien d'une composition chimique stable dans le mélange atmosphérique, et notamment le rôle joué par le phosphore[14]. Enfin, Peter Liss a expliqué en quoi les océans sont les sources biologiques des éléments essentiels à la chimie de la biosphère (soufre, sélénium et iode principalement)[15]. Un nouveau point de vue sur la vie[modifier le code] Plus qu'une explication géologique, l'hypothèse Gaïa est, selon ses partisans, une vision particulière de la vie, une réponse scientifique à la question du vivant, concept protéiforme selon la discipline concernée, voire ignorée par les communautés scientifiques. James Lovelock déclara : « Je lus beaucoup, espérant découvrir dans la littérature scientifique une définition complète de la vie considérée comme un processus physique, sur laquelle il serait possible de fonder le principe des expériences visant à la détecter. (…) On avait accumulé des tonnes de données sur tous les aspects imaginables des espèces vivantes, des parties les plus extérieures aux plus intérieures. Mais dans la vaste encyclopédie de faits qui se trouvait à notre disposition, le cœur du sujet (la vie elle-même) avait été quasiment ignoré[16]. » En ce sens la conception gaïenne tient de celles d'Alfred James Lotka et d'Erwin Schrödinger (dans What is Life?, 1944)[17]. L'hypothèse permet de dépasser le cadre dichotomique habituel du biotique-abiotique[note 5] en montrant que les espèces participent à l'histoire du milieu qui, en retour, a pour finalité le développement de la biosphère : « La vie ne s'est pas adaptée à un monde inerte déterminé par la main morte de la chimie et de la physique. Nous vivons dans un monde qui a été construit par nos ancêtres, anciens et modernes, entretenu en permanence par le biote actuel dans sa totalité. » D'un point de vue philosophique, le modèle gaïen — que Jacques Grinevald nomme la Biosphère-Gaïa — s'apparente à une nouvelle philosophie des Lumières[17]. Il ajoute que les espèces obéissent également à une autorégulation vers plus de stabilité : « Si, dans le monde réel, l'activité d'un organisme modifie son environnement matériel dans un sens qui le favorise, et que par conséquent, il a une descendance plus abondante, alors l'espèce et la modification vont croître l'une et l'autre jusqu'à ce qu'un nouvel état stable soit atteint. » Enfin, finalement, « à une échelle locale, l'adaptation est le moyen par lequel les organismes peuvent survivre dans des environnements défavorables, mais à l'échelle planétaire, l'association entre la vie et son environnement est tellement étroite que la notion tautologique d'« adaptation » est proprement évacuée[18]. » En ce sens, le modèle gaïen est une réponse au darwinisme strict, qui voit dans la vie un accident n'ayant aucune espèce de relation à l'environnement, selon Lynn Margulis[19]. Philippe Bertrand, dans Les Attracteurs de Gaïa (2008), décrit l'évolution du système-Terre comme la mise en place d'une complexité croissante, créant et faisant interagir différents niveaux de régulation (les « attracteurs »), biologiques et non biologiques, depuis les cellules jusqu'au cadre global, chimique, biogéochimique, climatique et gravitationnel, et où l'évolution par sélection naturelle joue toutefois pleinement son rôle. Origines du nom « Gaïa »[modifier le code] Article détaillé : Gaïa. L'hypothèse d'une Terre animée (bien que Lovelock ne lui attribue jamais d'intelligence ou d'émotions) est un thème récurrent dans l'imaginaire humain, dans la littérature et dans les théories scientifiques. Si aucun modèle n'a été aussi précis et argumenté que celui de Lovelock, qui est un « scientifique sans affiliation »[20], d'autres auteurs ont proposé une vision assez proche de la sienne. La personnification du concept n'est donc finalement qu'une métaphore heuristique qui remplit un but avant tout didactique : « Dans cet ouvrage, je parle souvent de l'écosystème planétaire, Gaïa, comme vivant […] Lorsque je fais cela, je ne me cache pas que le terme « vivant » relève de la métaphore et que la Terre n'est pas vivante comme vous et moi ou même une bactérie. Dans le même temps, j'insiste sur le fait que la théorie Gaïa elle-même est véritablement de la science et non une simple métaphore. J'utilise le terme « vivant » comme un ingénieur disant qu'un système mécanique est vivant, pour distinguer son comportement lorsqu'il est mis en marche ou arrêté, ou au point mort » explique son créateur[21]. Ce point de vue est celui de Lovelock au début de son hypothèse, au moment où il doit ménager son image au sein de la communauté scientifique. Depuis, il l'a largement personnifiée, jusqu'à élargir le modèle à une dimension mystique voire religieuse, mais sans jamais en faire une entité consciente ou une sorte de dieu vivant. Les théories Gaïa par contre, se réclamant de ses assertions, ont développé à sa suite l'idée que la Terre aurait une « conscience »[22], voire qu'elle serait une sorte de divinité, dans la tradition du mouvement New Age[23]. Gaïa — Gaya, Gaiya, Gæa ou Gè — est, dans la mythologie grecque, la déesse de la Terre, mère des dieux et des titans, liée au culte de la fécondité, et aussi l'une des plus anciennes représentations théistes de l'histoire humaine puisqu'on retrouve des statues de la terre-mère (Déesse mère) à l'époque préhistorique (Mohenjo-daro et Harappa). Le nom de l'hypothèse a été choisi par Lovelock sur l'avis de l'écrivain et ami William Golding[24] ; l'universalité du nom, permis par la diffusion de la mythologie grecque d'une part, le fait que le nom véhicule par ailleurs une idée de protection et de maternalisme, procure à l'hypothèse une métaphore adéquate[25]. Lovelock fut, dès le début, conscient de l'importance de fournir une métaphore universelle et immédiate afin d'en rendre le contenu vulgarisable et de rivaliser avec les autres modèles reconnus. Par opposition à cet aspect positif, Lovelock parle aussi de Kâlî, déesse qui représente l'aspect destructeur divin dans l'hindouisme, aspect négatif de la Terre si elle venait à expulser l'homme[26]. Gaïa et le darwinisme[modifier le code] Article connexe : Darwinisme. Lovelock conserve la théorie de Darwin sur l'évolution des espèces au sein de leur milieu[27]. L'hypothèse Gaïa intègre donc les conclusions de la sélection naturelle, en dépit d'une critique du généticien anglais Richard Dawkins au début des exposés de Lovelock. Dawkins considère qu'on ne peut pas attribuer un rôle à la Terre dans l'évolution[28]. Lovelock réfute cet argument et intègre même la « théorie du gène égoïste » de Dawkins[note 6] à son modèle. L'hypothèse Gaïa n'est, selon lui, aucunement en contradiction avec les conclusions du darwinisme, qui a pour objet épistémologique le vivant[29]. En réalité, Lovelock retient du néodarwinisme l'idée que la génétique a pour rôle d'adapter au mieux les espèces à leur milieu. Il développe ainsi un concept mixte, celui d'écoévolution, qui définit le vivant comme une propriété émergente de l'écosystème ; alors que chaque espèce poursuit son intérêt propre, la combinaison de leurs actions tend à contrebalancer les effets du changement environnemental[30]. Or Darwin stipule que le milieu modifie les espèces, non l'inverse, et c'est la raison pour laquelle Richard Dawkins s'oppose à Lovelock. Tout en reconnaissant le côté autorégulateur de la planète, il met l'accent sur le fait que Lovelock a oublié la condition essentielle nécessaire à définir un être vivant et son évolution, qui est « l'opposition permanente à un milieu extérieur (proies et prédateurs), seule susceptible de le faire évoluer au fil du temps par le mécanisme bien connu de l'évolution naturelle ». Or la Terre ne possède pas de prédateur et n'évolue dans aucun milieu permettant la compétition ; il s'ensuit que l'hypothèse Gaïa est un abus du modèle de la sélection naturelle, ce que Lovelock reconnaît pourtant. Néanmoins, avec son modèle de simulation informatique Daisyworld, Lovelock intègre à sa théorie la vision de Darwin, qui n'est plus incompatible avec ses postulats : « Daisyworld a été imaginé pour montrer que la théorie darwinienne de l'évolution par la sélection naturelle n'est pas en contradiction avec la théorie Gaïa, mais en fait partie intégrante »[31]. Le débat s'est poursuivi avec le soutien apporté à Lovelock par l'entomologiste Edward Osborne Wilson, qui le rejoint dès 2002 avec son ouvrage The Future of Life. Wilson est également un proche de Dawkins. Fondateur de la sociobiologie, Wilson permet d'adapter le modèle écologiste de Lovelock avec celui, phylogénétique, de Darwin[note 7]. Si Wilson dit partir des espèces pour deviner un écosystème intelligent, Lovelock part, lui, de l'écosystème pour aboutir à définir les espèces y contribuant, mais, selon Wilson, tous deux se rejoignent[32]. Néanmoins, des zones de conflits existent toujours entre le modèle gaïen et la théorie de la sélection naturelle. La principale concerne l'absence de capacité de reproduction, capacité qui est le propre des espèces, et que Gaïa ne possède pas[33]. Gaïa et la systémique[modifier le code] Articles connexes : Cybernétique et Systémique. Le modèle de Lovelock s'enracine précisément dans la systémique, théorie elle-même née de la cybernétique de Norbert Wiener et exposée notamment par Joël de Rosnay dans Le Macroscope[note 8]. Gaïa répond ainsi à toutes les propriétés inhérentes à la définition d'un système. Lovelock et ses partisans n'ont en effet de cesse dans leurs ouvrages de faire de la Terre, de son climat et de ses processus des systèmes ouverts suivant les conclusions de la cybernétique[34], même si certains processus ne sont pas reconnus comme systémiques par des détracteurs tels que Richard Dawkins. Le système-Terre possède en effet trois caractéristiques cybernétiques : l'« interaction », qui renvoie à l'idée d'une causalité non linéaire et qui entre dans les phénomènes d'écoévolution et de symbiose en biologie. L'interaction (qui se confond avec le concept de « finalité ») se manifeste dans la recherche constante d'états stables, en interaction avec la biosphère ; la « totalité », qui postule que si un système est d'abord un ensemble d'éléments, il ne s'y réduit pas, idée reprise dans la formule consacrée : « le tout est plus que la somme de ses parties ». La Terre se comporte ainsi comme un tout cohérent en boucle fermée : « Par la théorie Gaïa, je vois la Terre et la vie qu'elle porte comme un système, système qui a la faculté de réguler la température et la composition de la surface de la Terre et de la maintenir propice à l'existence des organismes vivants. L'autorégulation de ce système est un processus actif fonctionnant grâce à l'énergie fournie sans contrepartie par le rayonnement solaire[35]. » ; l'« organisation » est le concept central pour comprendre ce qu'est un système. L'organisation est l'agencement d'une totalité en fonction de la répartition de ses éléments en niveaux hiérarchiques. Une interaction avec des systèmes dynamiques subordonnés est partie intégrante de Gaïa : « La majorité des géochimistes considéraient l'atmosphère comme un produit final de l'émission de gaz planétaire et étaient convaincus que les réactions subséquentes par processus abiologiques avaient déterminé son état actuel (…) La vie empruntait simplement les gaz à l'atmosphère et les lui renvoyait non modifiés[36]. » Cette propriété est démontrée par le modèle de simulation Daisyworld[37] ; L'hypothèse Gaïa devient ainsi, après sa reconnaissance en 2001 lors du Congrès d'Amsterdam, un pilier fondateur du modèle interdisciplinaire écologique nommé Earth system science[38], qui réunit de nombreuses disciplines scientifiques autour d'une volonté commune : comprendre, modéliser et prévoir les soubresauts de la Terre, dans une approche systémique[39]. Précédents théoriques[modifier le code] Précédents philosophiques[modifier le code] Dès l'Antiquité, les stoïciens conçoivent l'Univers comme un tout ordonné (le cosmos) dans lequel tout a une cause, de sorte qu'un événement, quel qu'il soit, entraîne nécessairement un événement futur déterminé. Pour les Grecs, la raison est la faculté qui nous permet de saisir ces relations de cause à effet. Parallèlement, les stoïciens appellent « Raison » (le logos) cet ordonnancement universel de la Nature qui forme un tout qualifié de « divin »[40],[41]. Johannes Kepler, dès le XVIIe siècle, est le premier scientifique à émettre l'idée que la Terre serait assimilable à un organisme rond et unique[42]. Léonard de Vinci, avant lui, avait fait une comparaison entre le fonctionnement interne du corps humain et le mécanisme de la Terre. Par ailleurs, la pensée de Lovelock se rapproche de celle de Ralph Waldo Emerson, philosophe américain, qui a voulu replacer la Nature dans le débat métaphysique. Pour Emerson, dans son ouvrage Nature (1836), l'homme est devenu un demi-homme, qui utilise la nature par son entendement seul, par le travail pénible des forces matérielles, parce qu'il a perdu ses forces spirituelles. Enfin, l'écologie littéraire d'Henry David Thoreau, pionnier de la conscience environnementale selon Donald Worster, propose une vision spirituelle de la Terre proche de celle de Gaïa. Thoreau dit ainsi en 1851 que « la terre que je foule aux pieds n'est pas une masse inerte et morte, elle est un corps, elle possède un esprit, elle est organisée et perméable à l'influence de son esprit ainsi qu'à la parcelle de cet esprit qui est en moi » ; il parle par ailleurs de « terre vivante » et de « grande créature »[43]. Précédents scientifiques[modifier le code] Des métaphores scientifiques assimilant la Terre à un organisme vivant ont émergé avant Lovelock[44]. Jean-Baptiste Lamarck, partisan d'une théorie parallèle à celle de Charles Darwin, développe l'idée que la Terre serait un tout organisé et interdépendant. En 1785, le géologue James Hutton, dans son ouvrage fondateur pour cette discipline, The Theory of the Earth, explique : « I consider the Earth to be a super organism and that its proper study should by physiology » (« Je considère la Terre comme un super organisme et sa physiologie devrait être étudiée »)[45]. En 1801, le savant naturaliste allemand Alexander von Humboldt s'inquiète déjà des ravages que l'Homme pourrait faire sur les équilibres en jeu sur la Terre : « L’équilibre général qui règne au milieu des perturbations est le résultat d’une infinité de forces mécaniques et d’attractions chimiques qui se balancent les unes par les autres ». Selon lui La Terre, poursuivait-il, est « une entité naturelle mue et animée par une même impulsion »[46]. En 1875, le géologue Eduard Suess introduit le concept de « biosphère ». Dès 1877, Thomas Henry Huxley, partisan de Darwin, pense que la Terre s'autorégule. Dans les années 1880, Friedrich Ratzel parle d'« organisme terrestre », concept central de ce qu'il nomme la biogéographie[47]. Dans les années 1920-1930, deux mathématiciens étudient la mathématique des équilibres et relations prédateurs-proies et de la dynamique des populations biologiques qui luttent ou coopèrent pour la maîtrise des ressources énergétiques, jusqu'à modeler et influencer leur milieu. Ce sont Alfred Lotka[48] et Vito Volterra (1926)[49] — dont les principes et formules seront repris par James Lovelock dans ses modélisation (modèle Floréal) et concept d'écoévolution. En 1924, le paléontologue et géologue Teilhard de Chardin forge, en lien avec Vernadsky et le philosophe Édouard Le Roy, le concept de « noosphère »[50], que reprend Vernadsky : il s'agit de l'ensemble formé par les interactions de consciences à la surface de la planète, jusqu'à ne former plus qu'une seule entité. Lewis Thomas, quant à lui, envisage la Terre comme une cellule unique[51],[52]. En 1960, le biologiste Eugène Odum voit dans les écosystèmes des entités autorégulées[53]. Ce sont surtout les théories de Vladimir Vernadsky et de Walter Cannon qui semblent avoir influencé l'hypothèse Gaïa. Vladimir Vernadski et les couches écologiques[modifier le code] La notion de « biosphère » énoncée par Vladimir Vernadski (1863-1945) en 1924 est le précédent conceptuel fondamental[note 9],[54] de l'image d'un système clos sur lui-même et tendant à l'autorégulation optimale. Fondateur de la géochimie moderne, Vernadsky postule que la vie s'exprime comme une force géologique et constitue un phénomène cosmique. C'est en effet le concept de biosphère qui a, selon Eileen Crist et H. Bruce Rinker, préfiguré le modèle biogéochimique[55]. Le modèle gaïen qu'il propose pour la planète se compose de différentes couches en interaction : la lithosphère, noyau de roche et d'eau ; l'atmosphère, enveloppe gazeuse constituant l'air ; la biosphère constituée par la vie ; la technosphère résultant de l'activité humaine et enfin la noosphère ou sphère de la pensée. L'ambition de l'Earth system science est de comprendre en quoi la Terre est un système dans lequel chacune de ces couches participe à la mécanique générale. Vernadsky considère que la compréhension de ce phénomène global ne peut se faire sans prendre en compte l'action du Vivant — idée que Lovelock reprend à travers l'écoévolution[17]. Walter Cannon et le concept d'homéostasie[modifier le code] Évoqué par le médecin français Claude Bernard[56], le concept biologique d'« homéostasie », forgé par Walter Cannon (1871-1945), puis précisé par W. Ross Ashby, à partir de deux mots grecs : stasis (« état », « position ») et homoios (« égal », « semblable à »), définit la stabilisation des états qui permettent les processus biologiques de la vie. Dans son ouvrage fondateur, The Wisdom of the Body, Cannon définit ainsi l'homéostasie : « Les êtres vivants supérieurs constituent un système ouvert présentant de nombreuses relations avec l'environnement. Les modifications de l'environnement déclenchent des réactions dans le système ou l'affectent directement, aboutissant à des perturbations internes du système. De telles perturbations sont normalement maintenues dans des limites étroites parce que des ajustements automatiques, à l'intérieur du système, entrent en action et que de cette façon sont évitées des oscillations amples, les conditions internes étant maintenues à peu près constantes[57]. » De biologique, le concept en est venu à désigner toute recherche d'un état d'équilibre, au sein d'un système cybernétique. Cette autorégulation peut être appliquée à l'écologie, au climat et même aux cycles géochimiques, et naît des multiples interactions des différents constituants du système concerné. La « propriété émergente » traduit le concept d'homéostasie dans le domaine cybernétique[58] et est reprise par le modèle biogéochimique comme étant la capacité, pour le système-Terre, à maintenir une température stable et favorable à la vie. Genèse et actualité de l'hypothèse Gaïa[modifier le code] L'article « James Lovelock » est un complément à cette section. De Mars à la Terre[modifier le code] En 1970, Lovelock fonde sa théorie Gaïa, faisant partie du modèle plus vaste de l'« Earth system science », issu des recherches de la NASA dans les années 1980, et développé par David Wilkinson, biologiste au département Biological and Earth Sciences[59]. Cette hypothèse — que l'écologue affine peu à peu, d'abord seul puis à travers un collectif de scientifique de tous horizons — relève d'une démarche géonomique (même si ses auteurs n'ont pas utilisé ce terme, encore peu connu en 1969). Le cœur de l'hypothèse de Lovelock est que la biomasse modifie les conditions de vie de la planète dans un sens qui les rapproche de ses propres besoins, rendant ainsi la planète plus « hospitalière ». L'hypothèse Gaïa relie cette notion d'« hospitalité » à l'homéostasie. Cette approche lui est venue dans les années 1960, alors qu'il est sous contrat avec la NASA[60], pour mettre au point des instruments chargés de recueillir des traces de vie, lors des missions d'exploration des planètes du système solaire par des sondes[61]. Lovelock se demande comment un extraterrestre saurait qu'il y a de la vie sur terre et il conclut que l'atmosphère est ce qui peut le mieux renseigner sur la présence d'une biosphère. Il propose alors l'analyse de l'atmosphère de Mars comme moyen de repérer la vie, soutenant s'il y en avait une, qu'« il lui faudrait utiliser l'atmosphère pour y puiser des matières premières et évacuer ses déchets ; cela aboutirait à en modifier la composition »[62]. Son premier article Life Detection by Atmospheric Analysis, avec D. R. Hitchcock, paraît en 1967 dans la revue de Carl Sagan, Icarus[63]. Ses conclusions sont sans appel : Mars n'a pu abriter la vie puisque son atmosphère ne montre aucune trace de régulation provenant d'organismes. Cette conception lui valut un certain ostracisme dans le milieu scientifique de la NASA. La conception de Lovelock influence les protocoles suivis dans le domaine de l'exobiologie. Plusieurs prédictions de la théorie Gaïa ont en effet conduit à des « découvertes planétaires significatives »[64]. Lovelock s'intéresse ensuite, personnellement, à la question de la continuité de la vie. En effet, celle-ci s'est maintenue en dépit d'une augmentation de 30 % de la luminosité solaire depuis la formation de la Terre. La température globale n'a donc pas beaucoup varié et ce en raison d'une régulation qui reste à expliquer : « ces réflexions m'ont conduit à conjecturer que les êtres vivants régulent dans leur intérêt le climat et la chimie de l'atmosphère »[65]. Lovelock travaille par la suite avec l'éminente biologiste américaine Lynn Margulis ; tous deux écrivent ensemble un premier article scientifique, en 1974, fondateur du modèle géobiochimique intitulé « Biological modulation of the Earth's atmosphere »[66]. Dans cet article, ils étudient l'idée selon laquelle la composition de l'atmosphère terrestre, sa température et son pH sont régulés par les organismes vivants dans le but d'optimiser leurs reproductions. Ils y montrent que la Terre est un système de contrôle actif capable de maintenir la planète en homéostasie[67]. James Lovelock porte ensuite ses recherches sur la géobiochimie ; dans le cadre d'un programme d'étude océanologique, duquel émerge l'hypothèse CLAW, il découvre les porteurs moléculaires naturels des éléments soufre et iode : le sulfure de diméthyle (DMS) et l'iodure de méthyle, qui deviennent une brique fondamentale de sa théorie[68]. Enfin, dans une série d'articles, il examine en quoi l'hypothèse Gaïa est compatible avec les conclusions de la sélection naturelle. Seuls quelques spécialistes lui font alors bon accueil et Lovelock affronte Richard Dawkins, défenseur international de la théorie de l'évolution darwinienne. Il finit néanmoins par s'accorder avec le biologiste de la sélection naturelle quant à l'incompatibilité de son modèle avec les canons darwiniens. « Comme je ne doutais pas de Darwin, quelque chose devait clocher dans l'hypothèse Gaïa »[69] dit-il, revenant du même coup sur son hypothèse de travail. En 1981, Lovelock rompt avec les modèles antérieurs (excepté celui de Vernadsky) qui considèrent que la biosphère seule s'autorégule et met en conformité son hypothèse avec les postulats darwiniens, en recourant à la simulation informatique de Daisyworld. Du sulfure de diméthyle au modèle informatique Daisyworld[modifier le code] Les articles « Daisyworld » et « Diméthylsulfure » sont des compléments à cette section qui ne peut aborder l'ensemble du sujet. L'hypothèse de travail de Lovelock peut se résumer de la façon suivante : l'ensemble du système (géologique et biologique) se régule, et ce via un complexe réseau d'interactions et de rétroactions. La subtilité d'un tel réseau laisse entendre une multitude de paramètres chimiques. En 1986, à Seattle, Lovelock, Robert Charlson, M. O. Andreae et Steven Warren découvrent que la formation des nuages et, par voie de conséquence, le climat, dépendent du diméthylsulfure — DMS en anglais — engendré par les algues Coccolithophores du phytoplancton des océans. Ces algues participent elles-mêmes au cycle du carbone. Le sulfure de diméthyle produit par ces algues s'oxyde dans l'atmosphère et constitue les noyaux de condensation des nuages. Le sulfure de diméthyle a donc un rôle fondamental dans la formation de la couverture nuageuse des régions situées au-dessus des océans et, au-delà, dans l'équilibrage thermique. Il en va de même pour l'Iodométhane[70]. Lovelock y voit alors l'un des mécanismes de régulation de Gaïa, la rétroaction par laquelle les algues et les nuages sont liés ; pour cette découverte, il reçoit en 1988 le prix Norbert Gerbier de la communauté des climatologues[71]. C'est ce mécanisme qui va lui donner l'idée de reproduire un modèle élémentaire de Gaïa, au moyen d'une simulation informatique tenant en quelques paramètres rudimentaires. Lovelock écrit un premier article à dimension épistémologique concernant l'hypothèse Gaïa en 1989 sous le titre Geophysiology, the science of Gaia[72] mais a besoin de prouver expérimentalement son modèle. Il réalise donc, en 1983, avec le géochimiste américain Andrew Watson, un modèle informatisé destiné à prouver un mécanisme autorégulateur simple : celui de la température terrestre, faisant intervenir les végétaux. Ses conclusions sont publiées ensuite la même année dans la revue Telus[73]. Ce modèle numérique, baptisé Daisyworld (« monde de pâquerettes » en anglais), utilise un système simple faisant intervenir trois variables : la luminosité solaire et les superficies recouvertes par deux populations de pâquerettes, l'une noire et l'autre blanche, et qui prospèrent au-dessus d'une température de 5 °C et ne peuvent plus croître au-delà de 40 °C. Il montre que l'équilibre entre populations de pâquerettes, qui détermine l'albédo, tend à maintenir la température constante lorsque la luminosité solaire varie : la biosphère y sert d'agent homéostatique[74]. Dans une seconde version du modèle, Lovelock et Lee Kump[75], en 1993 puis en 1994, prouvent que le darwinisme est compatible avec leur modèle numérique[75] puisque la population des pâquerettes est régie par les lois de la sélection naturelle. Une autre simulation, baptisée Damworld (« le monde du barrage »), permet ainsi à W. D Hamilton et à Peter Henderson, en 1999, de mettre en jeu trois espèces animales[76]. Grâce à Daisyworld, les recherches progressent et de nombreuses versions logicielles ont vu le jour[note 11]. Deux biologistes : John Maynard Smith et William Hamilton confirment en effet par la suite les conclusions de Tim Lenton[77] lorsque celui-ci publie dans la revue Nature en 1998 un article intitulé « Gaïa and natural selection »[78] dans lequel il ajoute, avec succès, des facteurs chimiques (oxygène et phosphate) et des variables d'adaptation selon la sélection naturelle[79]. William Hamilton coécrit ensuite avec Tim Lenton un article : « Spores and Gaïa » qui fait un lien entre l'océan, les algues et le climat. Selon les auteurs, le modèle de simulation de Lovelock est une véritable révolution et Hamilton pose à ce moment le débat dans lequel l'hypothèse Gaïa s'inscrit : lors d'une émission télévisée, en 1999, il explique en effet : « De même que les observations de Copernic avaient besoin d'un Newton pour les expliquer, nous avons besoin d'un autre Newton pour expliquer comment l'évolution darwinienne aboutit à une planète habitable »[80]. L'écologue Stephan Harding[81] vient renforcer la simulation de Lovelock et Watson en modélisant des écosystèmes entiers, plus complexes, et en tenant compte entre autres des chaînes alimentaires. Ses conclusions sont publiées dans son article « Food web complexity enhances community stability and climate regulation in a geophysiological model »[82]. Harding considère que la biosphère tente par tous les moyens de s'autoréguler[83], en usant de la sélection naturelle, thèse qui forme le centre de son argumentation dans Animate earth: science, intuition and Gaia (2006). La consécration internationale : les conférences[modifier le code] C'est lors des deux conférences Chapman, sous l'égide de l'American Geophysical Union (AGU), que Lovelock expose publiquement, auprès de la communauté scientifique concernée, son hypothèse[84]. Dans la conférence de 1988, à San Diego, une définition de l'hypothèse est proposée[85] ; par ailleurs James Kirchner propose sa division épistémologique. Selon lui, on peut distinguer cinq « sous-théories » : Gaïa influente, coévolutionnaire, homéostatique, téléologique, optimisante, qu'il réunit en deux Gaïa : weak Gaïa et strong Gaïa[86]. Beaucoup de conférenciers, et même des critiques ont alors reconnu « l'ingéniosité du nouveau regard sur la planète que constitue le modèle de Gaïa »[87] et la dénomination de « théorie Gaïa » remplace celle d'« hypothèse Gaïa ». Une seconde conférence Chapman est organisée les 19 et 23 juin 2000 à Valence en Espagne. Les trois thématiques abordées sont destinées à consolider l'hypothèse. Il est examiné : « Gaia dans le temps », « Le rôle du vivant dans la régulation des cycles biogéochimiques et du climat » et « Comment gérer la complexité et les mécanismes de rétroaction du système terre ». L'ouvrage Scientists debate Gaia (2004), sous la direction de Stephen Schneider, réunit toutes les interventions. C'est en juillet 2001, lors de la conférence d'Amsterdam, intitulée « Challenges of a Changing Earth: Global Change Open Science Conference », à laquelle participent les quatre principales organisations de recherche sur le Changement Global, que la théorie de Lovelock se voit consacrée dans le milieu scientifique[88]. En effet plus d'un millier de délégués signent alors une déclaration commune dont l'article principal énonce : « le système Terre se comporte comme un système unique autorégulé, composé d'éléments physiques, chimiques, biologiques et humains »[89]. L'hypothèse Gaïa « s'émancipe » ainsi, explique Lovelock dans La Revanche de Gaïa. Biologistes et géologues s'accordent sur l'essentiel et les délégués concluent sur la nécessité de fusionner les disciplines en une approche unique et cohérente, un nouveau système pour une science globale de l'environnement[89] : l'« Earth system science » que Lovelock appelait de ses vœux dès le début de ses travaux. Une quatrième conférence, qui s'est tenue en octobre 2006 à Arlington, présidée par Lynn Margulis, intitulée : Gaia Theory : Model and Metaphor for the 21st Century, sur le campus de l'université George Mason, a réuni nombre de spécialistes : Tyler Volk, Dr Donald Aitken, Dr Thomas Lovejoy, Robert Correll, J. Baird Callicott. L'axe de réflexion principal est surtout l'apport de l'hypothèse Gaïa à la compréhension du phénomène de réchauffement climatique[90],[91]. La géophysiologie[modifier le code] Fondée en 1996 à Oxford par Peter Westbroek, la Société de géophysiologie prolonge le modèle biogéochimique, sous un autre nom que celui de « Gaïa » et constitue « le champ d'études des interactions entre la vie et le reste de la Terre »[92]. Selon Westbroek la « géophysiologie » « est un autre mot pour l'idée de Gaia lancée par James Lovelock, mais on a éliminé le mot Gaia, parce qu'il a été accaparé par le new age, et qu'il est contaminé pour la science »[93]. Inventée par James Hutton au XIXe siècle, cette discipline combine diverses approches : la génétique, la biologie, la systémique, la climatologie, la géologie, la biogéochimie également et a pour but, entre autres, de lutter contre le cloisonnement scientifique, mais aussi contre le dogmatisme et l'obscurantisme[94]. Le rôle d'agent géophysiologique de l'algue Emiliania huxleyi, par exemple, est révélateur d'un système complexe, du « plus grand organisme vivant existant »[95]. Les recherches en géophysiologie sont nombreuses et regroupent des spécialistes ayant déjà travaillé avec Lovelock ou de nouveaux experts[96] : Tyler Volk et D. Schwartzman pour l'approche bioastronomique (à travers la notion d'habitabilité), A.S. McMenamin Mark et L.S Diane McMenamin pour l'étude de la vie marine, Michael Woodley pour le lien sélection naturelle-écosystème, Axel Kleidon pour la relation homéostase-entropie au sein du couple biote-climat, ou encore G. Evelyn Hutchison pour les processus de régulation du biota. Le modèle de Lovelock[modifier le code] Une métaphore heuristique[modifier le code] Lovelock est, dès le début, conscient de la dimension non scientifique du nom donné à l'hypothèse d'une autorégulation au niveau global. Néanmoins son but est avant tout pédagogique, grâce à une métaphore heuristique[97],[98] : « C'est seulement en considérant notre planète comme une entité vivante que nous pouvons comprendre (peut-être pour la première fois) pourquoi l'agriculture a un effet abrasif sur le tissu vivant de son épiderme et pourquoi la pollution l'empoisonne tout autant que nous. »[99] Le modèle de Lovelock est heuristique car il appelle à une fusion des disciplines, jusqu'alors cloisonnées (la biologie d'un côté, la géologie de l'autre) et à l'annexion également d'autres sciences plus nouvelles comme la génétique ou l'écologie, et même la politique[100]. Lovelock voit ainsi dans la conférence d'Amsterdam de 2001 un premier pas positif vers une synthèse des sciences de la Terre et de la vie, centré sur la planète comme système autorégulé. Une analogie spiritualiste[modifier le code] La métaphore d'une Terre autorégulée peut conduire à des dérives religieuses, voire à la naïveté scientifique, notamment à propos de la question du nucléaire civil duquel Lovelock est partisan[101]. En effet l'analogie utilisée par Lovelock ancre sa conception dans un paradigme spiritualiste et la simplicité de l'image a souvent donné lieu à une critique de méthode[102]. Mais c'est surtout Anne Primavesi qui a, dans Gaia's Gift[note 12], montré le lien qui existe entre foi et écologie gaïenne, lien que Lovelock appelle de ses vœux et qu'il applique lui-même, dans sa façon de vivre, chez lui en Angleterre. Ce qu'il cherche, c'est un renouveau du sentiment mystique de la Terre-Mère, par opposition aux croyances actuelles matérialistes, reposant selon lui sur « un même socle de croyances religieuses et humanistes : la Terre est destinée à être exploitée pour le bien de l'humanité »[103], et que la culture judéo-chrétienne[note 13] a encouragé. Un constat de société[modifier le code] Un renouveau philosophique[modifier le code] Article détaillé : Écologie profonde. Le modèle biogéochimique est une volonté scientifique de fusionner les disciplines en vue de cerner le système-Terre, mais c'est aussi un constat et un pronostic pour la civilisation mondiale : « Notre civilisation se trouve dans la situation de celui que la drogue tuera, qu'il continue ou cesse brusquement d'en consommer »[104] explique Lovelock. Il considère en effet la nature humaine comme étant « schizoïde », à l'instar du duo Dr Jekyll et M. Hyde de Stevenson. Le modèle de Lovelock, de scientifique, devient militant puisqu'il donne une nouvelle impulsion au mouvement de l'écologie profonde, qui appelle à un renouveau spirituel, mais aussi rationnel, vis-à-vis de l'environnement[105]. Les références philosophiques sont nombreuses dans les travaux de Lovelock. Ce dernier cite John Gray qui, dans Straw Dogs : Thoughts on Humans and Other Animals (2003), analyse les conséquences de la démographie comme étant le facteur premier de la tendance autodestructive de l'humanité. Lovelock cite également la philosophe Mary Midgley, qui, dans Science and Poetry (2001)[note 14], met en garde contre le réductionnisme de la pensée scientifique, modèle opposé à l'hypothèse Gaïa. La séparation de l'esprit et du corps, amorcée dès René Descartes, a conduit selon lui à une vision réductionniste du monde et, de là, à son exploitation. Or, pour Lovelock, il est urgent de repenser le sens de l'homme dans la Nature, sans quoi celle-ci pourrait nous détruire, en réaction à notre activité destructrice. La « passion de la ville » est ainsi une absurdité ayant conduit l'homme à oublier son milieu. Les réformes et plans écologiques mondiaux sont également des pis-aller : le mythe du développement durable et les énergies alternatives sont des idéologies qui permettent de repousser le problème selon Lovelock et Margulis, problème qui demeure notre capacité d'adaptation de nos besoins à notre milieu, et non d'assujettissement du milieu à nos besoins. Reconnaître cette menace est la seule chose qui puisse mobiliser l'homme : « Tant qu'un danger réel et immédiat n'est pas perçu, la tribu n'agit pas à l'unisson »[16] explique-t-il. Une critique de la croissance démographique[modifier le code] Le principal problème est, pour Lovelock — et a contrario de la pensée commune — la démographie, cause de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles[106] : « Les choses que nous faisons à la planète ne sont pas agressives et ne représentent pas non plus une menace géophysiologique, tant que nous ne les faisons pas à grande échelle. S'il n'y avait sur Terre que 500 millions d'humains, pratiquement rien de ce que nous faisons actuellement à l'environnement ne perturberait Gaïa. […] Ce n'est pas une simple question de surpopulation ; une forte densité de population causerait moins de perturbations dans les régions tempérées de l'hémisphère Nord que dans les tropiques humides[107]. » L'anthropisation peut, finalement, se résumer à la surpopulation qui détruit les mécanismes naturels de rétroaction négative, conduisant au dérèglement de la Terre : « Un slogan comme “la seule pollution, c'est la population” désigne une implacable réalité. La pollution est toujours affaire de quantité. Dans l'état naturel, il n'y a pas de pollution. […] Aucune des atteintes écologiques auxquelles nous sommes actuellement confrontés — la destruction des forêts tropicales, la dégradation des terres et des océans, la menace imminente d'un réchauffement de la planète, la diminution de la couche d'ozone et les pluies acides — ne constituerait un problème perceptible si la population humaine du globe était de 500 millions[108]. » Ses détracteurs ont ainsi taxé Lovelock de néomalthusianisme car il propose de revenir à des moyens de lutte démographique ou de régulation des naissances[109], sans toutefois ne jamais cautionner l'eugénisme[110]. Une critique de l'écologie politique[modifier le code] Le modèle Gaïa s'oppose radicalement aux courants écologistes politiques actuels : « Les militants écologistes, les Églises, les politiciens et les scientifiques s'inquiètent tous des dégâts causés à l'environnement. Mais s'ils sont inquiets, c'est pour le bien de l'humanité » explique Lovelock qui vilipende souvent dans ses écrits les mouvements écologistes, accusés de perpétuer un anthropocentrisme naïf[111],[112]. Lovelock les accuse de ne pas prendre le problème dans sa juste dimension scientifique, et de soutenir des points de vue sans fondements rationnels selon lui, tels la pollution par la radioactivité, l'efficacité des énergies renouvelables, la place du nucléaire civil enfin. « L'idéologie des écologistes nuit à la santé de la Terre » dit-il[106]. Plus que tout, Lovelock taxe l'écologie politique de continuer à placer l'homme au centre des préoccupations liées au problème du réchauffement climatique. La position de Lovelock et de ses partisans a permis à des mouvements écologistes pronucléaires, comme le collectif Environmentalists For Nuclear Energy, d'asseoir leurs actions sur une base scientifique[113]. Le fonctionnement de Gaïa[modifier le code] Existence de contraintes physiques[modifier le code] Lovelock précise qu'avant même de comprendre le « fonctionnement » du système-gaïen, il est impératif de saisir le fait que la Terre est soumise à un ensemble de contraintes ou de limitations purement physiques. Par exemple, les populations biologiques obéissent à des règles limitatives sans lesquelles la vie aurait eu une croissance exponentielle empêchant toute régulation homéostatique. Il en est de même au niveau des cycles géochimiques et des autres « agents gaïens ». Lovelock parle de « paramètres globaux », et cite : le climat, la composition de l'atmosphère et celle des océans, la luminosité solaire, les propriétés de l'eau, la force géothermique, etc. Néanmoins, ces contraintes environnementales dépendent de la tolérance des organismes eux-mêmes ; il existe par exemple une température minimale, maximale, et optimale pour la multiplication de tous les êtres vivants (hors quelques espèces extrêmophiles). Ce constat vaut également pour l'acidité, la salinité et la concentration de l'oxygène dans l'air et dans l'eau. « En conséquence, les organismes doivent vivre à l'intérieur des limites fixées par les propriétés de leur milieu »[115]. En réalité, Lovelock démontre que pour l'essentiel la vie prospère entre 25 et 35 °C. La formation de la couche de surface est également une forte contrainte sur la vie océanique ; les propriétés de l'eau limitent la multiplication des espèces au-delà d'une certaine densité. La salinité de l'eau est aussi un paramètre contraignant[116] : un taux supérieur en sel de 8 % entraîne la mort de l'organisme. En somme, ces contraintes physiques imposées par les propriétés de l'eau ont un effet sur la croissance du vivant et déterminent le rapport entre cette croissance, la température, et la répartition de la vie sur Terre[117]. Le contrôle par le système de la température, au moyen de quatre processus identifiés, est pour lui la preuve première d'une recherche d'un équilibre favorable à la vie[118]. Mais le maintien d'une composition chimique stable est aussi important. Les conclusions d'Andrew Watson et de Tim Lenton ont montré les mécanismes régulant l'oxygène atmosphérique, permis par le rôle du phosphore[119]. Les rôles du sélénium, du soufre et de l'iode sont également fondamentaux pour cerner la question. L'ouvrage de Lee Kump, James Kasting et Robert Crane, The Earth System, fournit l'état des connaissances actuelles sur les liens complexes qui unissent les algues, la production de soufre gazeux, la chimie atmosphérique, la physique des nuages et le climat[note 15]. Les rétroactions positives[modifier le code] Le modèle informatique Daisyworld permet à Lovelock et Lee Kump de mettre en avant un phénomène de régulation automatique, et délicat à cerner : les rétroactions positives (positive feedback loop en anglais). Le modèle montre en effet que dans un scénario où l'écosystème propre aux algues subit une agression, les fluctuations s'amplifient sous l'effet d'une rétroaction positive — une augmentation soudaine, de la température moyenne le cas échéant. Lovelock pense alors que tout apport de chaleur, quelle qu'en soit la source, sera amplifié, sans qu'aucune résistance ne s'y oppose ; la température joue donc un rôle dynamique fondamental, en plus de permettre un diagnostic de l'état du système global. Les rétroactions positives empirent un système, en empêchant une stabilisation en retour, au contraire des rétroactions négatives, qui conduisent à contrebalancer les premières. Lovelock énumère six rétroactions positives, ou rétroactions anti-gaïennes selon la terminologie de James Kirchner[120] à l'œuvre sur le globe[121] : l'albédo de la glace : la fonte de la couverture neigeuse entraîne à son tour un réchauffement qui accélère le processus. Lovelock cite ainsi l'effet Budyko, du nom du géophysicien russe Mikhail Budyko[note 16] qui en découvrit la propriété. Tyler Volk a étudié le rôle des couches de glace dans le processus de refroidissement planétaire ; la vitesse d'absorpt

Pourquoi publier des articles longs sur LinkedIn ? Améliorez votre visibilité SEO et IA et captez une audience B2B qualifiée.

Troie (en grec ancien Τροία / Troía et en turc Truva), Ilios (en grec ancien Ἴλιος, Ílios) ou Ilion (en grec ancien Ἴλιον, Ílion), ou encore Ilium en latin, est une cité antique d'Asie Mineure. Elle est au centre des récits et légendes notamment de la guerre de Troie, le lieu principal des événements du cycle troyen rapportés dans les poèmes épiques homériques l'Iliade et l'Odyssée. Refondée par les Éoliens quelques siècles après son abandon, sur l'emplacement de la cité-palais de l'âge du bronze, Ilion poursuit sa vie de cité grecque au cours de l'Antiquité. Elle devient un lieu de passage prestigieux où l'on honore Athéna Ilias et les héros de la guerre de Troie, tombés au combat et réputés être enterrés dans les environs de la ville. La cité est choyée et courtisée par de nombreux souverains hellénistiques, ainsi que par Rome qui y situait les origines de son peuple, issu du prince troyen légendaire Énée. La plupart des spécialistes du monde hittite et anatolien de l'âge du bronze assimilent Troie à la cité de Wilusa mentionnée dans les tablettes hittites et dont le roi contrôlait un territoire situé à l'ouest desdits hittites, près de l'île de Lesbos et du fleuve Caïque : la Troade. La région est aussi mentionnée dans ces documents diplomatiques sous le nom de Truwisa. Son emplacement a été recherché depuis le XIXe siècle. Située à l'entrée de l'Hellespont, non loin de la mer Égée, au nord-ouest de la péninsule anatolienne dans la région appelée Troade, la ville de Troie est aujourd'hui localisée sur la colline d'Hisarlik, le site archéologique de Troie (en turc Hisarlık). Le lieu, occupé depuis le IVe millénaire av. J.-C., partiellement abandonné à la fin de l'âge du bronze, fut par la suite l'emplacement d'une cité grecque de l'époque classique, puis hellénistique et romaine. Le site de Troie est classé au patrimoine mondial de l'UNESCO dans la région Europe et Amérique du Nord, comme l'ensemble de la Turquie[1]. Localisation[modifier le code] Article détaillé : Site archéologique de Troie. Le site de Troie — Ilion — est resté fréquenté et identifié comme tel durant toute l'Antiquité et la Troade est une région bien identifiée par les voyageurs de l'époque moderne. Mais sa localisation exacte s'est perdue à la fin de l'Antiquité et au début du Moyen Âge : la communauté grecque puis romaine abandonne le site au VIe siècle. Un évêché y subsiste néanmoins jusqu'au IXe siècle, mais l'appellation d'Ilion se perd progressivement. L'identification du site devient l'objet d'une enquête historique et archéologique au cours du XVIIIe siècle[2]. À l'ère des antiquaires et du « Grand Tour »[modifier le code] Les premiers siècles de l'époque moderne apportent leur lot de voyageurs à la recherche de l'antique cité de Troie. Aux XVIe et XVIIe siècles, Pierre Belon et Pietro Della Valle situent Troie à l'emplacement d'Alexandrie de Troade, qui se situe à 20 km au sud d'Hissarlik[3]. Au milieu du XVIIIe siècle, un regain d'intérêt pour la culture classique se manifeste. L'exploration archéologique fait ses premiers pas, avec la redécouverte de grandes villes de l'Antiquité comme Pompéi et Herculanum, respectivement découvertes en 1748 et 1738. Les récits d'Homère et de Virgile incitent quelques voyageurs à chercher les ruines de Troie. En 1776, l'aristocrate français Choiseul-Gouffier, analysant l'Iliade, suggère que les ruines de Troie pourraient être enterrées sous un monticule proche d'un petit hameau turc, Bunarbashi, situé à cinq kilomètres d'Hissarlik, à dix kilomètres de la mer Égée et à treize kilomètres du détroit des Dardanelles. Plus tard, cette théorie sera popularisée par son collaborateur Jean-Baptiste Le Chevalier et trouvera crédit chez les hellénistes du XIXe siècle. Il publie son hypothèse dans Voyage de la Troade et la localisation qu'il propose reste majoritairement admise pendant près d'un siècle[3]. Romantisme et premières fouilles[modifier le code] En 1801, les savants britanniques Edward Daniel Clarke et John Martin Cripps avancent l'hypothèse que la cité doit se trouver sous une autre colline, plus proche de la côte, que les Turcs appellent Hissarlik. D'autres travaux, notamment ceux du journaliste écossais Charles Maclaren (1822)[4],[3] et de Gustav von Eckenbrecher (1842), vont dans le même sens[5]. Au fil des ans, plusieurs explorateurs se rendent sur place pour rechercher des traces de la guerre de Troie. En 1810, Lord Byron fait une lecture publique de l'Iliade sur les lieux supposés des événements. En 1847, Thomas Burgon publie un rapport sur des fragments de céramiques trouvés dans la zone d'Hissarlik. Grâce à ses recherches, des universitaires se montrent moins sceptiques, et c'est ainsi que Charles Thomas Newton, qui sera par la suite conservateur des antiquités grecques et romaines du British Museum, compare les découvertes de Burgon avec les céramiques trouvées en Égypte. Il conclut qu'elles datent du XIVe siècle av. J.-C. Les fouilles de Calvert[modifier le code] En 1863-1865, le Britannique Frank Calvert, dont la famille est propriétaire de la moitié de la colline d'Hissarlik, confirme que celle-ci est une élévation artificielle formée des ruines enterrées, qu'il localise au cours de quatre fouilles sommaires. Le rôle de Calvert dans la redécouverte archéologique de Troie a été longtemps éclipsé par le succès médiatique de Heinrich Schliemann[7]. Son apport décisif sera cependant réévalué à la fin du XXe siècle[8]. Autodidacte, Calvert mène de nombreuses fouilles en Troade[9], notamment à Hissarlik où il organise des prospections avec son frère, agent consulaire pour les États-Unis dans la région[10]. Son travail et ses explorations de Hissarlik[11] achèvent de convaincre Schliemann qu'il s'agit bien de Troie[12]. Les fouilles de Schliemann : les neuf cités[modifier le code] En 1868, Heinrich Schliemann, armateur, marchand et archéologue amateur, rend visite à Calvert. Il lui demande l'autorisation de fouiller à Hissarlik, étant convaincu que les événements décrits dans l'Iliade et l'Odyssée peuvent être vérifiés par l'archéologie. Il finance les fouilles avec sa propre fortune. Il divorce et se remarie avec la jeune Sophia[13], qui l'accompagne dans les nombreuses campagnes de fouilles[14]. De 1871 à 1873 et de 1878 à 1879, Schliemann fait creuser de grandes tranchées. Il met au jour une série de villes empilées et enchevêtrées les unes dans les autres, sur une colline artificielle de vestiges accumulés au cours des millénaires. Il exhume de nombreux édifices qui remontent à l'âge du bronze et jusqu'à l'époque romaine tardive. De nombreuses inscriptions en grec et en latin sont exhumées. Schliemann est le premier à séquencer le site en neuf phases, de Troie I à Troie IX. Cette stratigraphie est toujours utilisée, bien que révisée et ayant fait l'objet de subdivisions plus précises[2]. Dans les ruines de Troie II, il découvre de nombreux objets précieux en or, en argent et en bronze. Cet ensemble considérable de pièces d'orfèvrerie et de bijouterie, qu'il baptise « trésor de Priam », lui fait penser que le niveau de Troie II est celui de la Troie homérique. Cependant, les niveaux de Troie II sont bien plus anciens que les datations généralement retenues pour les événements décrits par Homère, qui correspondent en réalité à la période d'occupation de Troie VII[2],[15]. L'identification du site d'Hissarlik à la cité légendaire de Troie est alors largement diffusée. Elle reçoit l'approbation d'une grande partie de la communauté scientifique, notamment du fait des inscriptions en grec et en latin qui mentionnent toutes le nom de la cité à l'époque classique, hellénistique et romaine : Ilion / Ilium, le nom antique le plus répandu de Troie[2]. Carte de 1890 situant Troie à l'emplacement du site archéologique d'Hissarlik. Reste des remparts de Troie VII (à gauche), identifiée comme la Troie homérique, vers 1200 av. J.-C. Après Schliemann[modifier le code] À l'invitation de Schliemann, Wilhelm Dörpfeld rejoint les fouilles en 1893. Il hérite de la direction de celles-ci et mène des fouilles pendant plusieurs décennies, concentrant ses travaux sur Troie VI[16]. Dans les années 1930, les fouilles sont encadrées par l'Université de Cincinnati, sous la direction de Carl Blegen. Ils appliquent aux fouilles de Troie un cadre méthodologique moderne, scientifiquement plus poussé que la méthode Schliemann. Blegen publie un phasage étendu de l'acropole d'Hissarlik : il divise les 9 villes de Troie de Schliemann en 46 subdivisions plus fines des vestiges[17],[18]. Les fouilles de Troie sont dirigées ensuite, de 1988 au début des années 2000, par Manfred Korfmann, à la tête d'une équipe binationale mêlant des membres de l'Université de Cincinnati et de l'Université de Tübingen. Korfmann confie à Charles Brian Rose les fouilles des niveaux postérieurs à l'âge du bronze. Les travaux de Korfmann et de Rose permettent progressivement d'affiner le faciès archéologique et la datation des vestiges de chaque phase, et permettent de mettre au jour de nouveaux édifices. Le site est classé au patrimoine mondial de l'Unesco en 1988. Il constitue une trace historique majeure des contacts entre Anatolie et monde méditerranéen antiques, de par ses échos dans la littérature au cours des millénaires, et de par la formidable architecture qui s'y trouve toujours, accessible au public[19]. Toponymie[modifier le code] Si le nom actuel de Troie est unanimement utilisé, comme tel et dans ses variantes, dans la plupart des langues modernes, le nom antique de Troie est multiple, selon la langue, le type de document historique (tablette, poésie, inscription, monnaies, etc.) dans lequel la cité est nommée, ou l'époque de l'Antiquité (âge du bronze, époque archaïque, époque romaine). Dans la documentation cunéiforme et hiéroglyphique[modifier le code] Dans les années 1920, le Suisse Emil Forrer propose d'identifier les toponymes hittites Wilusa et Taruisa, deux noms attestés dans la documentation en langue hittite sur tablette d'argile, avec les noms de Ilion et de Troia respectivement[20]. Il est le premier à proposer la transcription du nom de souverain anatolien Alaksandu en Alexandros (par ailleurs autre nom de Pâris dans l'Iliade). Ce nom est en effet mentionné dans un traité en langue hittite. En 1999, après plusieurs décennies de débats sur ces identifications, Trevor Bryce, un hittitologue australien, propose, dans son ouvrage The Kingdom of The Hittites, de localiser le royaume de Wilusa dans la région désignée dans la lettre écrite par un roi client des Hittites, un certain Manapa-Tarhunda[21],[22], au souverain hittite, vers 1295 av. J.-C., et faisant allusion à « une terre au-delà de la rivière Caïque et près de l'île de Lesbos »[23]. La lettre mentionne par ailleurs un autre souverain de Wilusa, Piyama-Radu, selon une autre lettre écrite par un certain Tawagalawa. Le nom Piyama pourrait avoir donné le nom de Priam dans les épopées homériques[24],[25],[26]. La « lettre de Tawagalawa » (CTH 181) contient la correspondance entre un roi hittite, Hattusili III (règne : 1265-1240 av. J.-C.) ou Muwatalli (règne : vers 1296-1272), et un « roi des Ahhiyawa » au sujet d'un épisode militaire conflictuel avec Wilusa. L'identification des Ahhiyawa avec les Achéens d'Homère demeure controversée[27],[28],[29],[30]. Le roi de Milet, autrement appelée Milawata dans la correspondance diplomatique hittite, est, selon cette lettre, l'auteur d'une campagne militaire contre Wilusa, alliée historique du royaume des Hittites. Tawagalawa est par ailleurs la transcription, en hittite, du nom grec Étéocles, Etewoklewes dans les sources grecques mycéniennes[21],[31]. Si cette identification Ilios - Wilusa / Troia - Taruisa est toujours pour l'heure source de débats historiographiques et linguistiques dans la communauté des linguistes et des historiens, elle demeure très majoritairement admise, et fournit ainsi un arrière-plan géopolitique et diplomatique de premier intérêt pour la compréhension des relations entre états vassaux anatoliens, grands royaumes orientaux et monde mycénien au cours du IIe millénaire, censément l'époque à laquelle se serait déroulée la légendaire guerre de Troie[32],[33]. Les inscriptions égyptiennes du Nouvel Empire évoquent quant à elles un peuple appelé les Tursha / Teresh (T-R-S), issu des peuples de la mer et qui ont attaqué l'Égypte pendant les XIXe et XXe dynasties. La proximité phonétique entre la région de la Taruisa hittite et les Tursha / Teresh en égyptien a incité les historiens à penser qu'il s'agit peut-être du même peuple, venu de l'Anatolie occidentale et ayant mené des expéditions maritimes. Une inscription de Deir el-Medina évoque ainsi la victoire de Ramsès III sur les peuples de la mer, dont ces Tursha ([twrš3] en égyptien). Une stèle de Mérenptah commémore, elle, une victoire sur les Teresh ([trš.w] en égyptien) vers 1220 av. J.-C.[34]. Dans la littérature homérique[modifier le code] Dans les poèmes homériques l'Iliade et l'Odyssée, la métrique rigoureusement suivie par le genre poétique suggère que le nom de Troie, Ilion, Ἴλιον, était à l'origine marqué par un digamma initial, transcrit Ϝίλιον (Wilion)[35] ; le nom hittite de Troie, Wilusa, indique une prononciation similaire[35],[36]. La cité mentionnée pour la première fois par Homère dans la littérature grecque est nommée de différentes manières, selon les auteurs et selon les filiations mythologiques auxquelles ces derniers se raccrochent pour identifier les origines de Troie : Teucrie par les poètes, du nom de son premier roi mythique, Teucros de Phrygie, chez Apollodore, Diodore de Sicile, et Virgile ; Ilios (en grec ancien Ἴλιος, Ílios) ou Ilion (en grec ancien Ἴλιον, Ílion) qui, selon les linguistes, pourrait dériver du hittite Wilusa ou, selon la mythologie, du nom de son fondateur : Ilos, héros éponyme de la cité ; Ilium, du nom de la cité romaine refondée à l'emplacement de Troie à l'époque impériale, ayant notamment produit un monnayage. Étymologie[modifier le code] L'étymologie du nom de Τροία / Troía / Troie pourrait avoir deux origines : le toponyme dériverait du hittite Taruiša (« rivières ») selon les linguistes[37] ; il dériverait de l'anthroponyme Tros, l'un des héros mythologiques de Troie, toujours selon Apollodore, Diodore de Sicile, Virgile, et d'autres auteurs comme Plutarque. La Troie légendaire[modifier le code] L'histoire de Troie est l'objet de plusieurs traditions. La cité, au centre du cycle troyen, est très largement mentionnée dans le cadre de légendes, mythes et guerres dont l'historicité est discutable, mais dont le contenu raccroche la ville à la très grande majorité des héros grecs et à de nombreux dieux. Sur la fondation, l'histoire et la destruction de la Troie légendaire, les auteurs antiques ont abondamment écrit, non seulement Homère, mais aussi de nombreux auteurs de la tradition post-homérique, jusqu'à la fin de l'époque romaine et même au cours de l'époque byzantine. Commentaires sur les personnages, interprétations concurrentes, généalogies modifiées, ordre chronologique des événements sont autant de points sur lesquels les auteurs se livrent à de nombreux commentaires érudits. Ces légendes font l'objet de nombreuses études d'analyse du mythe, selon un angle comparatiste, structuraliste, fonctionnel, politique, faisant de l'histoire de Troie un réceptacle fécond pour l'étude des catégories mentales grecques antiques. Le vase de Mykonos, musée archéologique de Mykonos (Inv. 2240), portant sur sa panse une des représentations les plus anciennes du cheval de Troie, vers 670 av. J.-C. Le sac de Troie, par le peintre de Brygos, face A d'un kylix attique à figures rouges, vers 490 av. J.-C. Provenance : Vulci. Table iliaque : bas-relief illustrant des scènes des poèmes homériques et du cycle troyen – ici, de l'Ilioupersis, de l'Iliade, de la Petite Iliade et de l'Éthiopide. Calcaire, œuvre romaine, Ier siècle av. J.-C. Fondation[modifier le code] Origines de la dynastie[modifier le code] Article connexe : Arbre généalogique des rois de Troie. Dans la mythologie grecque, Ilos (en grec ancien Ἶλος / Îlos), parfois nommé Ilion, fils de Tros et de Callirrhoé, est le fondateur mythique de Troie (ou Ilion). Il est marié à Eurydice, fille d'Adraste, de qui il a un fils, Laomédon, et une fille, Thémisté. Son père, Tros (en grec ancien Τρώς / Trốs), est le héros éponyme de la Troade et de Troie. Tros était le fils d'Érichthonios et d'Astyoché, et donc le petit-fils de Dardanos, héros éponyme de la Dardanie, fils de Zeus et de la pléiade Électre[38]. Dardanos avait fui le déluge et trouvé asile auprès du roi Teucros de Phrygie. Après la mort de Teucros, il devint le seul héritier, en se mariant avec Batia, la fille du roi Teucros. La fondation de la ville[modifier le code] Selon le pseudo-Apollodore, Ilos prit part à des jeux organisés par le roi de Phrygie où il remporta le concours de lutte. Il reçut en récompense cinquante jeunes hommes et cinquante jeunes filles. Le roi, faisant suite à un oracle, lui donna également une vache en lui disant de fonder une ville là où l'animal se coucherait ; cela se produisit finalement sur une colline nommée Até (« Folie », d'après la déesse éponyme). Se conformant à l'oracle, Ilos entreprit de dessiner les fondations d'une ville, et pria Zeus de lui envoyer un signe afin de témoigner de sa faveur. Tombant du ciel, la statue du Palladium (représentant Pallas Athéné en armes) apparut devant sa tente. Il décida de consacrer un temple à la déesse afin de l'honorer (la statue conférait l'inexpugnabilité à Troie). Selon une autre légende, rapportée par Plutarque, il devint aveugle en sauvant le Palladium d'un incendie (il était interdit aux hommes de le regarder). Il retrouva par la suite la vue par l'entremise de sacrifices expiatoires. Dans l'Iliade, il est fait référence, à de nombreuses reprises, au tombeau d'Ilos situé dans la plaine de Troie à proximité d'un gué pour traverser le Scamandre. Au IVe siècle av. J.-C., le philosophe Théophraste mentionne des arbres vieux et vénérables existant sur la tombe d'Ilos à Ilion. La cité est parfois nommée Pergame, du nom de sa citadelle (Πέργαμος / Pérgamos[Pi 1],[Ap 1],[39]). Pergame est le surnom de Troie et il ne faut pas le confondre avec le nom d'une autre forteresse, Pergame, plus au sud. Le règne de Laomédon[modifier le code] Laomédon, le fils d'Ilos, lui succède sur le trône comme second roi mythique de Troie (daté par certains des XIVe et XIIIe siècles). Il est le père de Priam, roi de Troie au cours de la guerre contre les Grecs, et d'Hésione, qu'il fait enchaîner à un rocher, la sacrifiant au monstre marin Céto envoyé par Poséidon en colère. Elle est sauvée grâce à l'intervention d'Héraclès. Cependant, l'attitude de Laomédon est à l'origine de bien des troubles pour Troie : son histoire met souvent en avant sa mauvaise foi et ses parjures à l'encontre des dieux et d'Héraclès, du fait des promesses non tenues par le roi envers les dieux[AA 1],[VG 1],[VÉ 1],[VÉ 2],[AA 2]. La construction des remparts[modifier le code] Laomédon fait rapidement construire le mur de Troie qui encercle sa ville et doit la rendre inviolable. Ces remparts suscitent l'admiration par leur hauteur et leur réputation d'inviolabilité. On attribue alors leur construction aux dieux Apollon[AA 3] — le dieu tutélaire de la région — et Poséidon — le dieu de la mer[40],[AA 4]. Selon Homère, ils sont, l'un et l'autre, exilés par Zeus de l'Olympe pour une année entière. Ils sont contraints par Zeus de se faire serviteurs chez les hommes et de travailler contre un salaire. Ils arrivent chez Laomédon et doivent alors obéir à ses ordres[HI 1],[Ap 1],[AA 1],[AA 5],[DS 1],[Ly 1],[Mü 1],[AA 6],[AA 7],[AA 8],[AA 9],[AA 10]. Refusant cependant de les rétribuer, Laomédon attire leur courroux sur lui et ses sujets[41]. Toujours selon Homère, c'est seulement Poséidon qui érige les murailles troyennes alors qu'Apollon fait plutôt paître ses troupeaux près du mont Ida de Troade[HI 1],[Pa 1],[VÉ 3],[AA 10]. Ainsi Troie est-elle parfois surnommée la Citadelle de Poséidon[AA 11],[VÉ 4],[Se 1]. La tradition fait tantôt des deux dieux les constructeurs du mur, tantôt d'Apollon un simple berger et Poséidon le bâtisseur, comme si le premier était honoré et soustrait du servage, l'autre devant travailler à la construction du mur[Mü 2],[42]. Laomédon fait appel à un troisième constructeur selon le poète Pindare[Pi 2] : alors que les dieux s'apprêtent à achever la ceinture murée de la ville telle une couronne[PS 1], le roi d'Égine, Éaque, dont le royaume insulaire se trouve au sud d'Athènes en Grèce, se voit appelé — voire sommé — et associé au travail divin. L'épisode de la construction des murailles de Troie a fait l'objet de nombreux commentaires : Pierre Commelin suggère que c'est Apollon qui érige les murailles tandis que les grandes digues que Laomédon fait aussi bâtir contre les vagues passent pour l'ouvrage de Poséidon[HI 2],[43]. Selon Eustathe de Thessalonique, érudit et ecclésiastique byzantin qui commente les récits d'Homère au XIIe siècle, deux ouvriers auraient œuvré à construire le mur sans en attendre de salaire et auraient voué leur travail aux deux dieux Poséidon et Apollon, c'est à partir de cela que le mythe se serait développé[AA 10]. Cette lecture s'inscrit dans une perspective évhémériste. Eustathe de Thessalonique démythifie plus avant l'épisode de la construction des murailles en suggérant que Laomédon aurait pris les richesses des temples d'Apollon et de Poséidon pour financer son mur et le développement de sa ville, d'où la colère des dieux dans les légendes[AA 10] ; une scholie commente le mythe en affirmant que les poètes antiques ont simplement personnifié les dieux alors que Laomédon aurait simplement vendu sur la place publique les richesses des fêtes sacrificielles dédiées et amassées dans les temples consacrés à ces dieux dans la ville haute (l'acropole)[Mü 1],[AA 12],[FGrH 1] ; Laomédon se serait ainsi rendu coupable de prédation sur les biens des temples et aurait détourné leurs richesses : il aurait promis de grandes constructions aux dieux et en aurait utilisé le bénéfice pour le dépenser afin de terminer son mur[Se 2]. Paléphatos, cité par Eustathe de Thessalonique, partisan d'une lecture evhémériste du mythe de la construction des remparts de Troie, ne croit pas non plus à la participation des dieux à la construction de l'édifice. Il considère, lui, que c'est parce que Laomédon a fait usage de la richesse du temple de ces divinités, afin de construire les fondations de ses murs, que ces ouvrages auraient donné une apparence concrète et matérielle aux dieux. Selon lui, si Poséidon est associé à la construction du rempart, c'est en raison de l'eau utilisée pour faire de l'argile ou du gypse, un liant pour les pierres (par le biais d'un enduit argileux ou d'un mortier de chaux). De cette même façon, selon lui, la chaleur ambiante dispensée par le Soleil fait consolider l'ensemble en le desséchant donc et ainsi Apollon devient acteur de la construction du mur par son pouvoir solaire[AA 13]. L'introduction du personnage d'Éaque participant aux côtés des dieux Apollon et Poséidon à la construction des murs est, pour certains (peut-être le grammairien Didymus Chalcenterus), un ajout de Pindare pour justifier un point faible dans la muraille — et par la même occasion magnifier les portions divines — et par lequel cette partie du mur, et seulement elle, permettra de justifier l'entrée des Grecs dans la cité plus tard. Le poète thébain a voulu éviter ce qui lui semblait un manque de respect ou un affaiblissement de l'image grandiose des dieux. On retrouve plus tard également l'évocation du personnage d'Éaque chez Euphorion de Chalcis[PS 2],[PS 3],[AA 14],[42]. La vengeance des dieux[modifier le code] Les châtiments divins contre Laomédon sont nombreux et impitoyables : Apollon décoche sur la région entière une épidémie[Ap 1],[AA 5], qui touche tout un chacun sans distinction de rang, de justice ou de clémence envers les plus faibles ou les plus jeunes. Pour certains auteurs, notamment Valérius Flaccus[AA 5], viennent aussi des incendies dans les campagnes, dont on ne sait s'il s'agit là de l'acte des hommes qui brûlent les corps de parents qui ont expiré de la maladie ou s'il s'agit de l'action du dieu solaire Apollon. Poséidon, quant à lui, envoie le monstre marin Céto / Kétos pour attaquer Troie. L'attaque de Céto contre Troie, après la construction des remparts de la cité, est l'objet de plusieurs versions contradictoires dans les différents corpus mythologiques antiques. Mentionnant la vengeance des dieux contre Laomédon, Ovide identifie Céto à une inondation[AA 1]. D'autres auteurs, comme Valerius Flaccus, y joignent un bruit de tremblement de terre[AA 5], ces deux éléments suggérant un tsunami. Héraclès contre Troie : la « première guerre de Troie »[modifier le code] Selon Apollodore, le monstre Céto, un géant marin au corps de serpent et de cheval, fut tué par Héraclès[Ap 2]. Selon les Histoires incroyables de Palaiphatos de Samos, Céto, qu'il dit s'appeler aussi Céton, était non pas un monstre mais un roi puissant qui, grâce à ses navires, soumettait toutes les côtes de l'Asie mineure, dont notamment la ville de Troie, qui lui devait un tribut appelé dasmos. À cette époque l'argent n'existait pas — aussi payait-on le tribut en nature, avec des chevaux, des bœufs, ou des jeunes filles. Si le tribut n'était pas payé, il dévastait la région. La victoire de Troie contre Céto / Céton est toujours du fait de l'intervention d'Héraclès dans ces récits mythiques. Selon Palaiphatos, Héraclès et ses hommes armés passaient à ce moment-là dans la région alors que le roi Céton débarquait et marchait contre Troie ; Laomédon engagea les soldats grecs, qui aux côtés des siens luttèrent et tuèrent Céton et ses hommes[AA 15]. Pour d'autres auteurs, Héraclès, suivant Jason à la recherche de la toison d'or en Colchide, trouve Hésione enchaînée à un rocher sur le rivage de Troie, entièrement nue et parée de ses seuls bijoux. Il brise ses chaînes et propose au roi Laomédon de tuer le monstre marin Céto en échange de deux chevaux blancs immortels que Zeus avait offerts à Tros, le grand-père de Laomédon, pour le prix de l'enlèvement de Ganymède[44]. Les Troyens construisent alors un haut mur à quelque distance du rivage. Lorsque le monstre atteint le mur, il ouvre ses énormes mâchoires, et Héraclès s'engage tout entier, armé, dans la gorge du monstre. Après trois jours, il sort victorieux du ventre du monstre. Laomédon aurait alors trompé Héraclès (c'est ainsi son deuxième parjure) en substituant deux chevaux ordinaires aux chevaux immortels promis. Héraclès s'embarque très en colère après avoir menacé de mener la guerre contre Troie. La tromperie de Laomédon met en colère Héraclès[Da 1] qui prépare sa vengeance[Di 1]. Le géographe Strabon soutient que ce n'est pas pour les juments qu'Héraclès est en colère, mais en raison du refus de le récompenser[AA 16]. Après ses douze travaux et les trois années passées en esclavage auprès d'Omphale, Héraclès revigoré s'en va solder le différend avec Laomédon que les années n'ont pas permis d'apaiser[Ap 3],[Di 2], incapable de se languir dans le repos[AA 17]. Héraclès s'en retourne en Grèce, dans le Péloponnèse, pour préparer la guerre contre Laomédon[Di 3]. Il se rend sur l'île de Paros dans les Cyclades où il dresse un autel à Zeus et Apollon. Puis sur l'isthme de Corinthe, rempli de colère, il prédit le châtiment futur de Laomédon[PF 1]). Dans sa propre ville de Tirynthe, il cherche des soldats et érige un autel au dieu de la guerre Arès[Pi 3],[AA 18]. Héraclès réunit alors une armée[Mü 2],[Mü 3] et s'entoure des meilleurs et des plus braves et plus nobles compagnons[Di 3], la fleur des guerriers de Grèce[AA 3], tous volontaires[Ap 3]. Il compte parmi ses alliés de puissants héros et guerriers : Télamon, de Salamine[Ap 4], fils du roi Éaque qui, par le passé, avait participé à la construction des remparts de Troie[Pi 2]. Télamon est sans doute le compagnon d'Héraclès le plus cité[Di 3],[Ap 3],[AA 1],[Pi 3],[Pi 4],[Pi 5],[Da 1],[AA 19],[So 1],[AA 18],[Mü 4],[FGrH 2]. Télamon avait été chassé d'Égine par son père Éaque après le meurtre de son frère Phocos[Ap 4] ; Pélée, roi de la ville de Phthie en Thessalie[Ap 5]. Il est le frère de Télamon et fils d'Éaque[Ap 4]. Zeus lui a donné l'immortelle Thétis comme épouse[Ap 6] dont le mariage conduira à la guerre de Troie homérique[Hy 1] ; si Pélée se joint donc à Héraclès[Da 1],[PF 2],[AA 18], c'est son fils Achille qui s'illustrera par la suite durant la seconde guerre de Troie, celle de l'Iliade[Ap 6] ; Oïclès d'Argos ou d'Arcadie[Ap 7],[Pa 2] est considéré habituellement comme le père d'Amphiaraos[HO 1],[Di 4],[Pa 3],[Ap 8], dont le descendant de ce dernier, Amphiloque, combat à la guerre de Troie d'Homère[AA 20]. Oïclès est un parent du devin Mélampous[Pa 3],[Di 4]. Oïclès se trouve aux côtés d'Héraclès lors de sa guerre contre Troie[Ap 3],[Di 3],[AA 18] ; Iolaos ou Iolas, fils d'Iphiclès et neveu d'Héraclès[Ap 9]. C'est un proche d'Héraclès et l'un de ses principaux compagnons, notamment durant les « Travaux ». Il conduit fréquemment le char de son oncle[Ap 10],[Pa 4]. Héraclès finit par lui confier sa femme Mégara[Di 5],[Ap 11]. Iolaos sera célébré dans la ville de Thèbes[Pi 6],[Pa 5] ; Déimaque fils d'Éléon, originaire de Béotie, est un jeune homme plein de vertu selon Plutarque[AA 21] ; Castor et Pollux de Sparte, les fameux Dioscures. Pollux est le fils de Zeus et donc le demi-frère d'Héraclès. Une version tardive les fait tous deux fils de Zeus[Hy 2] ; Nestor, roi de Pylos, seul fils de Nélée à avoir accepté de purifier Héraclès du meurtre d'Iphitos[Di 5]. Réputé pour sa longévité exceptionnelle, il participe aux deux guerres de Troie[HI 3]. L'armée d'Héraclès s'embarque à bord de plusieurs navires à Tirynthe[Ly 2],[Pi 3]. Selon certains auteurs, Héraclès équipe dix-huit vaisseaux longs[Di 3] d'environ cinquante rameurs chacun[Ap 3]. Il débarque près de Troie par surprise et confie la garde des navires à Oïclès. Laomédon envoie ses hommes pour brûler les navires d'Héraclès. Oïclès résiste jusqu'à la mort, laissant aux soldats le temps de s'enfuir vers les vaisseaux et de reprendre le large[45],[Ap 3],[Di 3]. Pendant ce temps, Héraclès ordonne l'assaut de la ville. Télamon réussit à faire une brèche dans la muraille et à pénétrer dans la ville. Laomédon revient alors sur ses pas afin de prendre à revers Héraclès et aux soldats amassés près de la ville[Di 3]. Deux versions du mythe sont proposées par les Anciens : dans la première, Laomédon tombe dans la mêlée avec un grand nombre des siens[Di 3] ou bien il meurt de la main même d'Héraclès[Da 1] ; dans la seconde, les Troyens[46] et Laomédon sont repoussés et ils réussissent à s'échapper et à se réfugier dans la cité[Ap 3]. Héraclès établit le siège de la cité et cherche à percer les murailles[Ap 3],[Di 3],[Da 1]. Héraclès réussit à prendre la cité. Il détruit le palais et Laomédon et ses fils meurent à l'exception du jeune Podarcès. Hésione est alors attribuée à Télamon en guise de récompense pour sa bravoure au combat ; elle a la permission de racheter le prisonnier de son choix et achète son frère Podarcès pour le prix du voile d'or qu'elle porte au front. Ceci vaut à Podarcès le nouveau nom de Priam qui signifie « racheté ». Après avoir brûlé la ville et dévasté les environs, Héraclès s'éloigne de la Troade avec Glaucia, fille du fleuve Scamandre, en laissant Priam sur le trône. Héraclès fait par la suite périr tous les souverains des côtes asiatiques (Asie mineure) selon l'orateur athénien Isocrate[AA 17]. Le règne de Priam[modifier le code] Remise en état de la ville[modifier le code] Après la terrible guerre déclenchée par la légèreté de Laomédon et la colère d'Héraclès, Priam, désormais au pouvoir, fait face à une ville et un territoire ruinés. Les poètes — comme Virgile — apprécient de rappeler combien la ville ou la patrie des Troyens sont sous les cendres et que le célèbre mur est détruit[VÉ 5],[Ly 3]. Priam implore les dieux et, chargé d'or[DS 2], sollicite l'oracle de Delphes. Il envoie un fils de son beau-frère Anténor pour connaître les desseins d'Apollon ; il ramène de son expédition un prêtre qu'il rencontre, Panthoos, père de Polydamas, jusqu'à Troie[Se 3] pour expliquer l'oracle aux Troyens[Se 3],[DS 2],[PF 3] ; Priam nomme Panthoos prêtre d'Apollon à Troie afin de calmer la colère du dieu déclenchée par Laomédon. La cité est alors réconciliée et met un terme à la vengeance du dieu archer. Pour garantir la survie de sa dynastie, Priam fonde une famille très nombreuse : il épouse Hécube, fille du roi de Phrygie Dymas[47] ou de Cissée, roi de Thrace, elle est la sœur de Théano. Elle eut avec Priam, selon Homère, dix-neuf enfants. Au cours d'une de ses grossesses, Cassandre prédit à sa mère que le futur prince qu'elle porte causera la perte de Troie. Effrayé, Priam ordonne que l'enfant soit assassiné : Pâris est ainsi abandonné sur le mont Ida, où toutefois il se trouve recueilli par un berger du nom d'Agélaos. Devenu adulte, il se fait reconnaître comme prince troyen, fils de Priam. Au cours de sa jeunesse, alors qu'il garde ses troupeaux de moutons, il voit apparaître devant lui Aphrodite, Athéna et Héra, qui lui demandent de choisir à qui doit être remise la « pomme de discorde », destinée « à la plus belle des déesses de l'Olympe » : c'est le jugement de Pâris. Pâris opte pour Aphrodite, qui lui promet l'amour de la plus belle femme du monde. Priam élève un nouveau palais sous l'égide de Zeus. Il entreprend la réfection des remparts et des portes afin de rendre la ville encore plus imprenable. Priam rebâtit donc les murs, plus vastes et plus hauts encore, et dispose un grand nombre de soldats pour veiller et garder les remparts, qui se voient aussi dotés de six portes que certains auteurs tardifs nomment d'Anténor (Antenoria), de Dardanus (Dardania), d'Ilion (Ilia), de Scée (Scaea), de Thymbrée (Thymbraea) et de Troie (Trojana) ; Homère ne semble en compter qu'une, les Portes Scées[HI 4]. Ambassades et signes de paix[modifier le code] Priam multiplie les signes d'amitié vis-à-vis des Grecs, par ses envoyés à Delphes, mais aussi par ses voyages personnels : cherchant à récupérer sa sœur Hésione, Priam conduit une ambassade envers les chefs grecs[Se 4],[AA 22]. Il est accompagné d'Anténor[Da 2] ; ou un fils de celui-ci[Se 3], parfois d'Anchise[Se 5] voire d'Énée, d'Alexandre-Pâris ou Polydamas notamment dans la version de Dracontius[AA 23]. Mais le résultat se solde par la négative : soit Hésione elle-même fait comprendre que revenir à Troie est irréalisable[AA 23], soit les Troyens font face au rejet des Grecs eux-mêmes qui prétextent que cela raviverait la guerre entre leurs deux peuples[Se 4]. Selon Darès de Phrygie, seul le sage Anténor est envoyé par Priam afin de visiter les chefs grecs qui ont soutenu la guerre d'Héraclès contre son père Laomédon. Anténor va en Magnésie obtenir le soutien de Pélée, qui, après lui avoir tenu les égards de l'hospitalité, lui demande enfin la raison de sa venue et le rejette de son pays. Il se dirige par la suite vers l'île de Salamine, chez Télamon, qui détient Hésione, et qui refuse de la céder à Priam. Anténor doit quitter à nouveau la région et continue pour l'Achaïe, afin de rencontrer Castor et Pollux à Sparte, où là aussi il se voit répondre que les Dioscures n'ont fait aucune injure et que Laomédon les avaient eux-mêmes insultés en premier. Auprès de Nestor, roi de Pylos, Anténor reçoit l'accueil le plus froid : le roi reproche à Anténor même d'avoir osé mettre le pied en Grèce alors que les Troyens avaient les premiers outragé les Grecs. L'ambassadeur Anténor rembarque et rapporte alors à Priam ces refus faits à sa personne et les mauvais traitements qu'il avait éprouvés de la part des Grecs, et l'envoyé exhorte Priam à leur déclarer la guerre[Da 3]. Réarmement troyen et casus belli de la guerre de Troie[modifier le code] Priam, entouré de ses conseillers et de ses fils, aurait alors formulé un plan pour se venger des Grecs. Hector tempère son père à venger la mort de Laomédon en insistant sur les faiblesses de l'armée troyenne et notamment son absence de flotte[Da 4], son autre fils, Alexandre-Pâris organise alors la construction de nombreux navires avec l'architecte naval Phéréclos et l'aval de Priam et ce en allant à l'encontre de la volonté des dieux qui avaient interdit à Troie de se doter d'une flotte par le biais d'un oracle[HI 5],[Da 5]. Selon la légende, le bois nécessaire déboise tant les forêts qu'il rend « chauve » les sommets du Mont Ida[Mü 5],[Mü 6],[Ly 4],[DS 3],[AA 24]. Après une ultime sollicitation diplomatique auprès de Castor et Pollux à Sparte, Priam déclare la guerre aux Grecs et la flotte navigue vers la Grèce sous le commandement de Pâris, accompagné d'Énée, Polydamas et Déïphobe[Da 6]. Le prince Pâris part donc avec sa flotte, à la tête d'une ambassade en Grèce, malgré les avertissements de Cassandre qui lui prédit la fin de Troie. Le prétexte est initialement de prendre des nouvelles d'Hésione, sœur de Priam donnée en mariage à Télamon, roi de Salamine, mais en réalité, Pâris vient chercher son dû, promis par Aphrodite. Arrivé à Sparte, il est reçu par Ménélas. Profitant d'un bref voyage du roi spartiate en Crète, il séduit et enlève Hélène, sa femme. Le Troyen n'oublie pas de faire main basse également sur une partie des richesses de son hôte, le tout étant emporté à Troie. Pour venger cet affront, Ménélas demande l'appui de tous les Grecs au nom du Serment de Tyndare, ce qui provoque la guerre de Troie. Le serment stipulait en effet que tous les anciens prétendants à la main d'Hélène - rois, dynastes et princes grecs en grand nombre - se devaient de lui porter secours tous ensemble si jamais quiconque tentait de l'enlever à son époux. Listes comparées des prétendants d'Hélène Apollodore (Bibliothèque, III, 10, 8) Catalogue des femmes(fr. 68) Hygin (Fables, LXXXI, XCVII) Agapénor Agapénor Ajax fils d'Oïlée Ajax fils d'Oïlée Ajax fils de Télamon Ajax fils de Télamon Ajax fils de Télamon Alcméon Amphiloque Amphiloque Amphimaque (es) Amphimaque Ancée Antiloque Antiloque Ascalaphe Ascalaphe Blaniros Clytios Diomède Diomède Éléphénor Éléphénor Éléphénor Épistrophe Eumélos Eumélos Eurypyle Eurypyle Ialmène Idoménée Idoménée Léitos Léontée Léontée Lycomède Machaon Machaon Mégès Mégès Ménélas Ménélas Ménélas Ménesthée Ménesthée Ménesthée Mérion Nirée Patrocle Patrocle Pénélée Pénélée Phémios Phidippos Philoctète Philoctète Philoctète Podalire Podalire Schédios Ulysse Ulysse Ulysse La guerre de Troie[modifier le code] Article détaillé : Guerre de Troie. La guerre de Troie est l'épisode le plus célèbre de la mythologie antique. Elle fait l'objet de représentations constantes dans les arts, de références systématiques dans la poésie, l'épopée, la littérature, l'écriture historique et la géographie. Tous les personnages ayant participé à cet épisode sont reliés par un dense réseau de relations familiales, divines et politiques, à l'ensemble du monde Méditerranéen. De nombreuses cités grecques s'enorgueillissent d'avoir eu des combattants sur les plages de Troie. Il s'agit d'un mythe structurant et fondateur pour les identités politiques et pour l'identité culturelle grecque. Avant l'Iliade[modifier le code] Rassemblement de l'armée et de la flotte[modifier le code] Le règne de Priam est marqué par l'épisode légendaire le plus fameux de la mythologie grecque : la guerre de Troie. Elle fait suite à l'enlèvement d'Hélène par Alexandre-Pâris, fils de Priam. Le conflit commence par le voyage de Ménélas et de Nestor, qui parcourent la Grèce pour rappeler les anciens prétendants à leur promesse[AA 25],[AA 26]. Accompagné d'Agamemnon et de Palamède, Ménélas va trouver à Ithaque Ulysse, qui tente de se défiler avant de se rallier à l'expédition. Selon les auteurs tardifs, le devin Calchas avait prédit que Troie ne pourrait être prise sans Achille, fils de Thétis. Sa mère, pour le protéger de la guerre, le cacha, déguisé en fille, chez Lycomède, roi de Skyros. Il est reconnu grâce à une ruse d'Ulysse, qui excita son instinct de guerrier et le poussa à se révéler en faisant sonner la trompette aux portes de la cité[Ap 12]. Homère raconte simplement que Nestor et Ulysse, étant venus à Phthie pour recruter des troupes, se virent confier Achille par son père Pélée[HI 6]. D'autres rois et héros, tels que les deux Ajax, Diomède et Tlépolémos les rejoignirent encore[48]. Idoménée, roi de Crète, lui aussi ancien prétendant d'Hélène[Hy 3], qui avait amené un nombre considérable de navires[49],[Hy 4],[Da 7], obtint le commandement des gardes[HI 7]. Toutes les troupes se rassemblèrent à Aulis avant de partir pour l'Asie. Débarquement en Mysie[modifier le code] La flotte achéenne accoste en Mysie, non loin d'Élée. Ils affrontent d'abord Télèphe, roi de Mysie et fils d'Héraclès. Après des combats acharnés, Télèphe apprend qui sont les chefs de l'armée ennemie et le combat cesse alors. La flotte grecque repart chez elle après cette première expédition, et se repose pendant huit ans. Cette première expédition était relatée dans les Chants cypriens, première épopée du Cycle troyen, attribués à Stasinos et composés au VIe siècle av. J.-C. ; cette épopée est presque entièrement perdue, mais on en connaît un résumé transmis beaucoup plus tard dans la Chrestomathie de Proclos au Ve siècle[AA 27]. Le débarquement sur les plages de Troie[modifier le code] Alors que l'armée grecque s'apprête, la colère d'Artémis contre Agamemnon bloque la flotte à Aulis[Hy 5]. Selon Eschyle (Agamemnon) et Euripide (Iphigénie à Aulis), c'est là qu'Agamemnon, à l'initiative de Calchas, le meilleur des devins, sacrifie sa fille Iphigénie pour obtenir des vents favorables. La fille d'Agamemnon est attirée par un piège à Aulis : on lui promet alors un mariage avec Achille[Eu 1],[Eu 2]. En souvenir de cette légende, le roi de Sparte Agésilas II sacrifia une biche à Aulis avant d'entreprendre son expédition d'Ionie en 397 av. J.-C.[Hy 6]. La flotte grecque s'embarque après la mort d'Iphigénie et arrive devant Troie. Les combats débutent immédiatement, Protésilas meurt d'ailleurs le premier parmi les grecs sous les coups d'Hector[HI 8]. Les achéens organisent alors la cérémonie funèbre en l'honneur de celui-ci. Ils sont attaqués par surprise par Cycnos, fils de Poséidon[AA 28],[AA 29],[Pi 7] ; il est tué par Achille, qui l'étrangle avec la jugulaire de son casque[AA 30]. Les Grecs installent leur camp sur la plage qui s'étend devant Troie ; une ambassade achéenne pour réclamer Hélène échoue[Ap 13]. Soumission de la Troade[modifier le code] Une fois les Troyens retranchés derrière leurs murailles, Achille s'emploie à leur couper les vivres et à rompre le lien de ravitaillement entre Troie et les communautés sujettes des environs. Il attaque et réduit ainsi onze cités d'Anatolie, tributaires de Troie. C'est dans Lyrnessos[50], l'une de ces villes, lors de la dixième année de siège, qu'il reçoit pour part d'honneur Briséis[HI 9], tandis qu'Agamemnon reçoit Chryséis lors du sac de Thèbe sous le Placos[HI 10]. La colère d'Achille, l'Iliade[modifier le code] L'affront[modifier le code] C'est à ce moment que commence le récit de l'Iliade. Au chant I, la peste envoyée par Apollon frappe le camp grec[HI 11] et le devin Calchas, encouragé par Achille, révèle qu'Apollon a puni Agamemnon car celui-ci avait refusé de rendre la captive Chryséis à son père Chrysès, prêtre d'Apollon dans une ville de Troade[HI 12]. Contraint de céder, Agamemnon furieux réclame pour son compte une autre récompense. Agamemnon décide de prendre Briséis, le butin d'Achille[HI 13]. En colère, Achille se retire et jure sur le sceptre d'Agamemnon de ne pas retourner au combat[HI 14]. Zeus, sur sa demande, donne l'avantage aux Troyens tant qu'il sera absent du champ de bataille[HI 15]. La mort de Patrocle[modifier le code] Privés de son appui, les Grecs essuient défaites sur défaites. Nestor, Phénix et Ulysse viennent implorer Achille qui reste ferme. Patrocle, ému par les malheurs de ses compatriotes, obtient l'autorisation d'Achille de sauver les Grecs en portant ses armes[HI 16]. La manœuvre réussit mais Patrocle, malgré sa promesse à Achille, se livre à une poursuite et est tué par Hector, frère de Pâris, qui prend les armes d'Achille comme butin[HI 17]. Furieux contre lui-même et humilié, Achille décide de se venger. Héphaïstos lui forge de nouvelles armes, avec lesquelles il sort à la recherche d'Hector[HI 18]. Aristie d'Achille et mort d'Hector[modifier le code] Revêtu de son armure divine, Achille reprend le combat et tue un grand nombre de Troyens sur son passage[HI 19], à tel point que les eaux du fleuve voisin, le Scamandre, sont souillées de cadavres[HI 20]. Achille rencontre enfin Hector, le défie et le tue avec l'aide d'Athéna[HI 21]. Il traîne sa dépouille autour de la ville avec son char[HI 22] avant de la ramener dans le camp achéen. Achille fait preuve d'humanité et laisse alors le roi Priam emporter le corps de son fils afin qu'il lui accorde des funérailles honorables[HI 23]. Il obéit ainsi à sa mère[HI 24], envoyée par les dieux qui étaient mécontents du traitement infligé à la dépouille du prince troyen[HI 25]. Selon Virgile, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon[VÉ 6], qui est selon certains roi d'Éthiopie, font ensuite leur arrivée sur le champ de bataille[AA 31],[Ap 14]. Penthésilée est tuée par Achille[Hy 7], mais il tombe instantanément amoureux du cadavre, ce qui lui vaut la moquerie de Thersite qu'il tue sur le champ, s'attirant la vengeance d'Antiloque[Ap 15],[AA 32],[Pi 8]. Antiloque affronte Memnon et se fait tuer par lui. Achille le venge en tuant Memnon[Hy 7],[AA 32]. Le cheval de Troie[modifier le code] Article détaillé : Cheval de Troie. Sur une idée d'Épéios[VÉ 7] ou d'Ulysse[Ap 16], les Grecs construisent un énorme[VÉ 8] cheval en bois, dans lequel ils cachent des guerriers, au nombre desquels se trouvent notamment Ulysse, Ménélas et Néoptolème[VÉ 9],[AA 33]. Les Grecs brûlent ensuite leur camp[AA 33] et feignent de s'embarquer sur leurs navires pour la Grèce, mais se dissimulent en réalité à quelques encablures, derrière l'île de Ténédos[VÉ 10]. Les Troyens se disputent sur le sort à faire du cheval de bois : vrai cadeau ou piège, les uns veulent le faire entrer, d'autres s'en débarrasser et le brûler, notamment Laocoon. Celui-ci est tué avec ses fils par deux serpents, qui se réfugient ensuite dans le temple d'Athéna. L'incident est perçu comme un présage de la colère de la déesse, qui doit être apaisée. Ils décident alors d'ouvrir les murs de la cité et de faire entrer l'offrande[VÉ 11]. Malgré les prédictions de Cassandre, les bruits d'armes à l'intérieur du cheval, et les avertissements de Laocoon, l'objet est introduit dans la ville. Le piège est alors prêt à se refermer sur les Troyens. Une fois la nuit venue, les guerriers sortent et les portes sont ouvertes. L'attaque commence, Troie est ravagée et incendiée. La famille royale massacrée. La tradition historiographique grecque antique, qui considère que la guerre de Troie est un événement historique indiscutable, propose les dates suivantes pour les événements. L'intervalle qui fait le plus consensus se place entre 1194 et 1184 av. J.-C. D'après les calculs d'Ératosthène, la prise de Troie par les Achéens a lieu dans la nuit du 11 au 12 juin 1184 av. J.-C. lors d'une éclipse solaire[20]. Période Œuvre 1344 Douris de Samos[FGrH 3] Timée de Tauroménion[FGrH 4] 1300–1290 Érétès[FGrH 5] 1280–1270 Vie d'Homère[AA 34] Hérodote[AA 35] 1222–1212 Dicéarque[FGrH 6] 1218–1208 Hellanicos[FGrH 7] Éphore de Cumes[FGrH 8] Chronique de Paros[AA 36] 1210–1200 Hécatée de Milet et Thucydide 1208–1198 Manéton, Julien l'Africain 1202–1192 Timée de Tauroménion[FGrH 9] 1200–1190 Velleius Paterculus[AA 37] 1194–1184 Ératosthène[FGrH 10] Apollodore d'Athènes[FGrH 11] Diodore de Sicile[Di 6] Castor de Rhodes[FGrH 12] Denys d'Halicarnasse[AA 38] Eusèbe de Césarée[AA 39] Orose[AA 40] 1192–1182 Girolamos[AA 41] 1182–1172 Sosibios de Laconie[FGrH 13] 1160–1150 Artémon de Clazom

Une diode électroluminescente (abrégé en DEL en français, ou LED, de l'anglais : light-emitting diode) est un dispositif opto-électronique fait de matériau semi-conducteur, capable d'émettre de la lumière lorsqu'il est parcouru par un courant électrique. Une diode électroluminescente ne laisse passer le courant électrique que dans un seul sens et produit un rayonnement monochromatique ou polychromatique non cohérent par conversion d'énergie électrique lorsqu'un courant la traverse. Les premières LED commercialisées dès les années 1960 ont produit de la lumière infrarouge, rouge, puis verte et jaune[1],[2]. Leur usage commercial restait limité à des applications de télécommande et d'indications lumineuses. L'arrivée de la LED bleue puis blanche, associée aux progrès techniques et d'assemblage, a permis aux lampes d'émettre dans une bande de longueurs d'onde plus large, correspondant au spectre visible, et même au-delà[3]. De nombreux appareils sont aujourd'hui munis de LED composites (trois LED réunies en un composant : rouge, vert et bleu) permettant d'afficher de très nombreuses couleurs. En raison de nombreux avantages, les lampes LED remplacent d'autres types de lampes[4]. Elles sont aussi utilisées dans la construction des écrans : pour le rétroéclairage des écrans à cristaux liquides ou comme source d'illumination principale dans les écrans à OLED, ces dernières étant des LED où le semi-conducteur est un composé organique. Histoire[modifier le code] La première émission de lumière par un semi-conducteur date de 1907 et est découverte par Henry Round, ingénieur chez Marconi. En 1927, le russe Oleg Lossev dépose le premier brevet de ce qui sera appelé plus tard une diode électroluminescente, mais les applications peinent à émerger, le carbure de silicium alors utilisé comme semi-conducteur ayant de piètres propriétés électroluminescentes. La découverte de l'émission infrarouge à basse température de l'arséniure de gallium et d'autres semi-conducteurs III-V par Rubin Braunstein en 1955 à la RCA à Princeton permet d'envisager de prometteurs développements[5]. Nick Holonyak Jr. et S. Bevacqua créent la première LED rouge en 1962. Durant quelques années, les chercheurs se limitent à quelques couleurs telles que le rouge (1962), le jaune, le vert et plus tard le bleu (1972)[2],[6]. Dans les années 1990, les recherches, entre autres, de Shuji Nakamura et Takashi Mukai de Nichia, dans la technologie des semi-conducteurs InGaN permettent la création de LED bleues de forte luminosité, ensuite adaptées en LED blanches, par adjonction d'un luminophore jaune[7]. Cette avancée permet de nouvelles applications majeures telles que l'éclairage et le rétroéclairage des écrans de téléviseurs et des écrans à cristaux liquides. Le 7 octobre 2014, Shuji Nakamura, Isamu Akasaki et Hiroshi Amano reçoivent le prix Nobel de physique pour leurs travaux sur les LED bleues[8]. Essor des LED[modifier le code] En 2007, Audi et Lexus bénéficient de dérogations de la Commission européenne pour commercialiser des modèles munis de feux avant à LED. En 2009, la Ferrari 458 Italia innove elle aussi avec des phares à LED. En 2020, la majorité des automobiles avec un niveau d'équipement élevé bénéficient de feux de route à LED désormais bien plus performants que les éclairages à lampe à incandescence halogène. Plusieurs villes remplacent leur éclairage public par des LED dans le but de diminuer leur facture d'électricité et la pollution lumineuse du ciel (éclairage dirigé vers le bas). Le recours aux LED est aussi courant dans les feux tricolores. L'exemple de Grenoble est le plus souvent cité : la ville a réalisé son retour sur investissement en trois ans seulement. En effet, les LED permettent des économies d'énergie, mais ce sont surtout les coûts de maintenance qui baissent, du fait de leur robustesse. En 2010, la Régie autonome des transports parisiens (RATP) expérimente l'éclairage des espaces du métro parisien, notamment à la station Censier-Daubenton première station de métro entièrement éclairée par cette technologie. En 2012 estimant le produit mature la RATP décide de modifier la totalité de son éclairage vers la technologie LED. ce sont plus de 250 000 luminaires qui seront modifiés, faisant ainsi du métro parisien le premier réseau de transport en commun d'envergure à adopter le « tout LED »[9]. Le remplacement des éclairages est finalisé en 2016[10]. Économie[modifier le code] Le développement de la technologie des LED suit une loi analogue à la loi de Moore, appelée loi de Haitz (en), du nom de Roland Haitz d'Agilent Technologies, et qui prévoit que les performances des LED doublent tous les trois ans, pour des prix divisés par dix tous les dix ans[11]. L'intérêt des lampes à LED en matière de consommation électrique, de durée de vie et de sécurité électrique s'est rapidement confirmé pour l'automobile (dans l'habitacle et pour les phares et clignotants, où les LED se montrent plus performantes que les sources xénon ou halogène), l'éclairage urbain, l'éclairage d'infrastructures, les usages dans la marine et l'aéronautique. Cet intérêt a, au début des années 2000, dopé le marché, qui a dépassé en 2010 le seuil des dix milliards de dollars américains (USD), soutenu par une croissance annuelle globale de 13,6 % de 2001 à 2012, et devrait atteindre 14,8 milliards USD avant la fin 2015[12]. Dans ce marché, la part de l'éclairage augmente régulièrement de 2008 à 2014 et devrait se stabiliser en 2018, alors que la part du rétro-éclairage devrait décroître dès 2014 en raison d'évolutions techniques[12]. La part destinée à l'automobile semble dans les années 2010-2015 stable (environ 10 % du marché global) et pourrait le rester jusqu'à 2020[12]. Les LED ont d'abord équipé des véhicules de luxe (Audi, Mercedes) puis de moyenne gamme (Seat Léon, Volkswagen Polo en 2014). En 2016, les principaux fabricants sur ce marché sont Nichia et Toyoda Gosei au Japon, notamment pour les LED GaN de « forte » puissance (plus de 1 watt), Philips Lumileds Lighting Company et OSRAM Opto Semiconductors GmbH en Europe, Cree et General Electric aux États-Unis. Samsung Electronics et Seoul Semiconductor (en) produisent des LED pour l'automobile. Mécanisme d'émission[modifier le code] La recombinaison d'un électron et d'un trou d'électron dans un semi-conducteur conduit à l'émission d'un photon. En effet, la transition d'un électron entre la bande de conduction et la bande de valence peut se faire avec la conservation du vecteur d'onde . Elle est alors radiative (émissive) c'est-à-dire accompagnée de l'émission d'un photon. Dans une transition émissive, l'énergie du photon créé est donnée par la différence des niveaux d'énergie avant (Ei) et après (Ef) la transition : (eV) Une diode électroluminescente est une jonction P-N qui doit être polarisée en sens direct lorsqu'on veut émettre de la lumière. Le potentiel imposé aux bornes doit être supérieur à celui imposé par la jonction P-N. La plupart des recombinaisons sont radiatives. La face émettrice de la LED est la zone P car c'est la plus radiative[13]. Gros-plan d'une diode électroluminescente rouge-vert-bleu à 4 pôles. Fonctionnement d'une LED. Techniques de fabrication[modifier le code] La longueur d'onde du rayonnement émis dépend de la largeur de la « bande interdite » et donc du matériau utilisé. Toutes les valeurs du spectre lumineux peuvent être atteintes avec les matériaux actuels. L'infrarouge est obtenu grâce à l'arséniure de gallium (GaAs) dopé au silicium (Si) ou au zinc (Zn). Les fabricants proposent de nombreux types de diodes aux propriétés différentes. Les diodes à l'arséniure de gallium sont les plus économiques et les plus utilisées. Les diodes à l'arséniure de gallium-aluminium (AlGaAs) offrent une plus grande puissance de sortie mais nécessitent une tension directe plus élevée et ont une longueur d'onde plus courte (< 950 nm, ce qui correspond au maximum de sensibilité des détecteurs au silicium) ; elles présentent une bonne linéarité jusqu'à 1,5 A. Enfin, les diodes à double hétérojonction (DH) AlGaAs offrent les avantages des deux techniques précédentes (faible tension directe) avec des temps de commutation très courts (durée nécessaire pour qu'un courant croisse de 10 % à 90 % de sa valeur finale ou pour décroître de 90 % à 10 %), permettant des débits de données très élevés dans les transmissions de données numériques par fibres optiques. Les temps de commutation dépendent de la capacité de la jonction dans la diode. Efficacité lumineuse[modifier le code] L'efficacité lumineuse varie selon le type de diodes, de 20 à 100 lm/W, et atteint en laboratoire 200 lm/W[14]. Une grande disparité de performances existe selon la couleur (température de couleur pour le blanc), la puissance ou encore la marque. Les diodes bleues n'excèdent pas 30 lm/W alors que les vertes ont une efficacité lumineuse atteignant 100 lm/W[15]. La limite théorique d'une source qui transformerait intégralement toute l'énergie électrique en lumière visible est de 683 lm/W[16], mais il faudrait qu'elle possède un spectre monochromatique de longueur d'onde 555 nm. L'efficacité lumineuse théorique d'une LED blanche est de l'ordre de 250 lm/W[17]. Ce chiffre est inférieur à 683 lm/W du fait que le maximum de sensibilité de l'œil se situe vers 555 nm. L'efficacité lumineuse des LED blanches de dernière génération est supérieure à celle des lampes à incandescence mais aussi à celle des lampes fluocompactes ou encore de certains modèles de lampes à décharge. Le spectre de la lumière émise est presque intégralement contenu dans le domaine du visible (les longueurs d'onde sont comprises entre 400 nm et 700 nm). Contrairement aux lampes à incandescence et aux lampes à décharge, les diodes électroluminescentes n'émettent quasiment pas d'infrarouge, sauf celles fabriquées spécifiquement dans ce but. L'efficacité lumineuse dépend de la conception de la LED. Pour sortir du dispositif (semi-conducteur puis enveloppe externe en époxy), les photons doivent traverser (sans être absorbés) le semi-conducteur, de la jonction jusqu'à la surface, puis traverser la surface du semi-conducteur sans subir de réflexion et, notamment, ne pas subir la réflexion totale interne qui représente la grosse majorité des cas. Une fois arrivé dans l'enveloppe externe en résine époxy (quelquefois teintée pour des raisons pratiques et non pour des raisons optiques), la lumière traverse les interfaces vers l'air à incidence proche de la normale ainsi que le permet la forme de dôme avec un diamètre bien plus grand que la puce (3 à 5 mm au lieu de 300 µm). Dans les diodes électroluminescentes de dernière génération, notamment pour l'éclairage, ce dôme plastique fait l'objet d'une attention particulière car les puces sont plutôt millimétriques dans ce cas et le diagramme d'émission doit être de bonne qualité. À l'inverse, pour des gadgets, on trouve des LED quasiment sans dômes. Effet Auger[modifier le code] Aux fortes intensités, l'efficacité lumineuse des LED chute au cours de leur vie. Il a été suspecté en 2007-2008[18],[19], mieux compris en 2010-2011[20],[21] puis confirmé début 2013 que cette diminution est attribuable à un « effet Auger » qui dissipe une partie de l'énergie sous forme de chaleur[22],[23]. Des projets de recherche visent à limiter ou contrôler cet effet[24]. Caractéristiques techniques[modifier le code] Forme[modifier le code] Ce composant peut être encapsulé dans divers boîtiers destinés à canaliser le flux de lumière émis de façon précise : cylindrique à bout arrondi en 3, 5, 8 et 10 mm de diamètre, cylindrique à bout plat, ou de forme plate (LED SMD[25]), rectangulaire, sur support coudé, en technologie traversante ou à monter en surface (composant monté en surface, CMS). Les LED de puissance ont des formes plus homogènes : la Luxeon 1 W ci-contre est assez représentative. Ces types de LED sont également disponibles en version « multicœur », « multipuces », ou « multichips » en anglais, dont la partie émissive est composée de plusieurs puces semi-conductrices. L'enveloppe transparente, ou « capot », est généralement en résine époxy, parfois colorée ou recouverte de colorant. Luminosité[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. L'intensité lumineuse des diodes électroluminescentes basse puissance est assez faible, mais suffisante pour la signalisation sur tableau ou appareils, voire en montage de multiples unités dans les feux de circulation (feux tricolores, passages piétons). Les bleues sont également suffisamment puissantes pour signaliser les bords de route, la nuit, aux abords des villes. Les LED de puissance sont aussi utilisées dans la signalisation maritime comme sur les bouées permanentes. Deux de ces diodes sont situées l'une par-dessus l’autre et suffisent à un éclairement important et visible par les bateaux de nuit. Des LED de forte puissance ont vu le jour au début des années 2000. Dans la première décennie du XXIe siècle, des rendements lumineux d'environ 130 lumens/watt sont ainsi atteints. Par comparaison, les ampoules à filament de tungstène de 60 W atteignent un rendement lumineux d'environ 15 lumens/watt et le rendement lumineux maximum théorique étant de 683 lumen par watt (découlant de la définition de la candela et du lumen). Les LED sont, dès 2014, suffisamment puissantes pour servir d'éclairage principal dans le secteur de l'automobile. Employées d'abord pour les feux de position, stop, clignotants ou de recul, celles-ci remplaceront certainement, à terme, toutes les lampes à incandescence. Couleurs[modifier le code] La couleur de la lumière d'une diode électroluminescente peut être produite de différentes manières[26],[27] : couleur due à la nature du semi-conducteur (capot transparent) : la longueur d'onde émise correspond directement au gap du matériau utilisé ; coloration modifiée par le capot de la diode (émission bleue ou UV + revêtement à base de luminophores) ; coloration par plusieurs émissions de longueur d'onde différentes (diodes électroluminescentes polychromatiques). Elles permettent notamment de proposer une vaste gamme de couleurs[28]. Voici quelques colorations en fonction du semi-conducteur utilisé : Couleur Longueur d'onde (nm) Tension de seuil (V)[29] Semi-conducteur utilisé Infrarouge λ > 760 ΔV < 1,63 arséniure d'aluminium-gallium (AlGaAs) Phosphure d'indium (InP) Rouge 610 < λ < 760 1,63 < ΔV < 2,03 arséniure d'aluminium-gallium (AlGaAs)phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Orange 590 < λ < 610 2,03 < ΔV < 2,10 phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Jaune 570 < λ < 590 2,10 < ΔV < 2,18 phospho-arséniure de gallium (GaAsP) Vert 500 < λ < 570 2,18 < ΔV < 2,48 nitrure de gallium (GaN)phosphure de gallium (GaP) Bleu 450 < λ < 500 2,48 < ΔV < 2,76 séléniure de zinc (ZnSe)nitrure de gallium-indium (InGaN)carbure de silicium (SiC) Violet 400 < λ < 450 2,76 < ΔV < 3,1 nitrure de gallium-indium (InGaN)[30] Ultraviolet λ < 400 ΔV > 3,1 diamant (C)nitrure d'aluminium (AlN)nitrure d'aluminium-gallium (AlGaN)Arséniure d'indium (InAs) Blanc Chaude à froide, spectre large ΔV = 3,5 séléniure de zinc (ZnSe)nitrure d'aluminium-gallium (AlGaN) On peut remarquer dans le tableau ci-dessus qu'en multipliant la longueur d'onde λ par la tension de seuil de la diode, on obtient chaque fois une valeur proche de 1240. Cette valeur est à rapprocher de l'énergie d'un photon exprimée en électronvolt. En exprimant la longueur d'onde en nanomètre (nm) et la tension de seuil en volt, on a : proche de Pour le blanc, on ne parle pas de longueur d'onde mais de température de couleur proximale. Celle des diodes électroluminescentes est assez variable en fonction du modèle. Modules communs[modifier le code] Module Dimensions (mm x mm) Puissance (watt) Flux lumineux (lumen) Index couleur (Ra) Intensité (candela) Angle (degrés) radiateur (oui / non) Efficience (minimum) (lm/W) Efficience (maximum) (lm/W) Couleurs 8520 8,5 x 2,0 0,5 & 1 55-60 80 110 120 Monochrome 7020 7,0 x 2,0 0,5 & 1 40-55 75-85 80 110 Monochrome 7014 7,0 x 1,4 0,5 & 1 35-50 70-80 70 100 Monochrome 5736 5,7 x 3,6 0,5 40-55 80 15-18 120 non 80 110 5733 5,7 x 3,3 0,5 35-50 80 15-18 120 non 70 100 5730 5,7 x 3,0 0,5 30-45 75 15-18 120 non 60 90 5630 5,6 x 3,0 0,5 30-45 70 18.4 120 non 60 90 5060 5,0 x 6,0 0,2 26 non 130 Monochrome 5050 5,0 x 5,0 0,2 24 non 120 Monochrome ou RGB 4014 4,0 x 1,4 0,2 22-32 75-85 110 160 3535 3,5 x 3,5 0,5 35-42 75-80 70 84 3528 3,5 x 2,8 0,06-0,08 4-8 60-70 3 120 non 70 100 3258 3,2 x 5,8 3030 3,0 x 3,0 0,9 110-120 120 130 3020 3,0 x 2,0 0,06 5,4 2,5 120 non 80 90 3014 3,0 x 1,4 0,1 9-12 75-85 2,1-3,5 120 oui 90 120 2835 2,8 x 3,5 0,2 14-25 75-85 8,4-9,1 120 oui 70 125 1206 1,2 x 0,6 3-6 55-60 1104 1,1 x 0,4 Câblage et alimentation électrique[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Comme toutes les diodes, les diodes électroluminescentes sont polarisées, elles présentent un « sens passant » et un « sens bloquant ». Dans le sens bloquant, la tension d'avalanche est plus faible que sur une diode dite de redressement. Dans le sens passant, on trouve un effet de seuil et un courant nominal à ne pas dépasser : on raccorde le pôle « - » à la cathode « - » et donc le pôle « + » à l'anode « + »[31]. Les diodes à dôme basse puissance ont généralement trois détrompeurs : la cathode est plus courte, l'électrode à l'intérieur du dôme est plus grosse et le bord extérieur du dôme est plat. Inversement, l'anode est plus longue, l'électrode à l'intérieur du dôme est plus petite et le bord extérieur du dôme est arrondi (cf. illustration). Gros-plan d'une diode électroluminescente. L'anode et la cathode d'une LED. Les signes indiquent la polarisation (courant conventionnel) lorsque la diode est utilisée en sens direct. Sur tous les modèles et pour toutes les puissances, il est indispensable de ne pas dépasser l'intensité admissible (typiquement : 10 à 30 mA pour une LED de faible puissance et de l'ordre de 350 à 1 000 mA pour une LED de forte puissance). On intercale pour cette raison un circuit limiteur de courant, souvent une résistance en série pour les faibles puissances. Les données du fabricant permettent de calculer la résistance en fonction de cette intensité désirée I, de Valim la tension d'alimentation, de VLED la tension directe de la LED et du nombre n de LED en série (loi d'Ohm : R = (Valim - n × VLED) / I). On peut regrouper plusieurs diodes dans un schéma série ou série-parallèle : les tensions directes s'additionnant en mode série ; ce qui permet de diminuer la résistance en série et donc d'augmenter le rendement du dispositif. Le courant maximal admissible est multiplié par le nombre de diodes en parallèle. Une méthode peu dispendieuse en énergie et adaptée aux plus forte puissances consiste à utiliser un circuit de régulation du courant construit sur des principes analogues à ceux mis en œuvre dans les alimentations électriques à découpage. Cette méthode est employée pour les lampes LED d'éclairage, le circuit est intégré dans les culots des lampes. Pour conserver leurs caractéristiques colorimétriques (température de couleur proximale, IRC…), il est primordial d'apporter un soin particulier à l'alimentation électrique des LED[32]. Points forts et faiblesses[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Article connexe : Points forts et faiblesses des lampes électroluminescentes. Avantages[modifier le code] Petite taille : on peut par exemple construire des LED de la taille d'un pixel (ce qui ouvre la possibilité d'utiliser des diodes pour construire des écrans de haute résolution). Facilité de montage sur un circuit imprimé, traditionnel ou composant monté en surface (CMS). Consommation inférieure aux lampes à incandescence et du même ordre de grandeur que les tubes fluorescents. Excellente résistance mécanique (chocs, écrasement, vibrations). Taille beaucoup plus réduite que les lampes classiques, ce qui offre la possibilité de réaliser des sources de lumière très ponctuelles, de faible à très faible consommation électrique (quelques dizaines de milliwatts) et avec un bon rendement. En assemblant plusieurs LED, on peut réaliser des éclairages avec des formes novatrices. Durée de vie (20 000 à 50 000 heures environ) beaucoup plus longue qu'une lampe à incandescence (1 000 heures) ou qu'une lampe halogène (2 000 heures), mais du même ordre de grandeur que les lampes fluorescentes (5 000 à 70 000 heures). Les lampes puissantes voient leur durée de vie limitée, mais pouvant néanmoins atteindre 10 000, voire 15 000 heures selon le type d'utilisation qui en est fait[33][source insuffisante],[34]. Fonctionnement en très basse tension (TBT), gage de sécurité et de facilité de transport. Pour les campeurs, des lampes de poche à LED peuvent être actionnées par une simple dynamo à main (« lampe à manivelle ») de mouvement lent. En matière de sécurité, par rapport aux systèmes lumineux classiques, l'inertie lumineuse est quasiment nulle. Elles s'allument et s'éteignent en un temps très court, ce qui permet l'utilisation en transmission de signaux à courte distance (optocoupleurs) ou longue (fibres optiques). Les LED atteignent immédiatement leur intensité lumineuse nominale. Les LED classiques de 5 mm ne chauffent presque pas. Pour les montages de puissance supérieure à 1 W, il faut prévoir une dissipation de la chaleur, faute de quoi la diode sera fortement endommagée, voire détruite du fait de l'échauffement. En effet, une diode électroluminescente convertit environ 20 % de l'énergie électrique en lumière, le reste étant dégagé sous forme de chaleur. Les LED RVB (rouge-vert-bleu) permettent des mises en valeur colorées avec des possibilités de variations sans limite. Inconvénients[modifier le code] L'indice de rendu de couleur (IRC) s'est amélioré depuis 2010. Les LED dites blanches sont généralement des LED bleues ou émettant dans l'UV, dont une partie de la lumière produite est transformée par fluorescence en lumière jaune au moyen d'un luminophore qui est souvent un grenat d'yttrium et d'aluminium dopé par des ions de terres rares tels que le cérium trivalent Ce3+ (d'autres matériaux luminescents pouvant être utilisés pour produire un blanc plus chaud)[35],[36] : le spectre est moins régulier que celui d'une lampe halogène. Plus rarement, le blanc est obtenu au moyen de trois diodes de couleurs différentes. Les LED, comme tout composant électronique, ont des limites maximales de température de fonctionnement, de même que certains composants passifs constitutifs de leur circuit d'alimentation (comme les condensateurs chimiques qui s'échauffent en fonction du courant efficace), ce qui conditionne en partie la durée de vie des lampes à LED. La dissipation thermique des composants des ampoules à LED est un facteur limitant leur montée en puissance, notamment en assemblages multipuces[37]. Les recherches portent sur des moyens de limiter la température et de mieux dissiper la chaleur des LED de puissance (par exemple pour des lampadaires ou phares automobiles)[37],[38]. Selon le constructeur Philips, l'efficacité lumineuse de certaines LED baisse rapidement (comme pour la plupart des technologies lumineuses) pour ne plus produire en fin de vie que 20 % de la quantité de lumière initiale, mais pour les LED les plus performantes du marché, la quantité de lumière produite en fin de vie serait encore d'au moins 70 %[note 1]. La température accélère la baisse de l'efficacité lumineuse. Philips précise que la couleur peut varier sur certaines LED blanches et tirer sur le vert en vieillissant[39]. Perspectives[modifier le code] En octobre 2016, le Laboratoire d'électronique et de technologie de l'information (LETI) du CEA et son voisin, l'Institut des nanosciences et cryogénie (INAC), mettent au point une diode électroluminescente quatre fois moins chère à produire et produisant trois fois plus de lumière[40],[41],[42]. Utilisations[modifier le code] Cette section ne cite pas suffisamment ses sources (novembre 2019). Pour l'améliorer, ajoutez des références de qualité et vérifiables (comment faire ?) ou le modèle {{Référence nécessaire}} sur les passages nécessitant une source. Familles[modifier le code] Il existe plusieurs manières de classer les diodes semi-électroluminescentes : Classement selon la puissance[modifier le code] La première est un classement par puissance : les diodes électroluminescentes de faible puissance < 1 W. Ce sont les plus connues du grand public car elles sont présentes dans notre quotidien depuis des années. Ce sont elles qui jouent le rôle de voyant lumineux sur les appareils électroménagers par exemple ; les LED de forte puissance > 2 W. Elles sont en plein essor dans les années 2010 et leurs applications sont de plus en plus connues du grand public : flash de téléphones portables, éclairage domestique, éclairage de spectacle, lampe de poche ou frontales… Le principe de fonctionnement est identique. Certaines différences significatives existent entre les deux familles, consacrées chacune à un champ d'application spécifique. Classement selon le spectre d'émission[modifier le code] Une autre manière de les classer est de considérer la répartition de l'énergie dans la gamme de longueur d'onde couvrant le visible (longueurs d'onde de l'ordre de 380 à 780 nm) ou l'invisible (principalement l'infrarouge). La raison de la distinction réside dans le fait que certaines diodes peuvent servir à éclairer : les chromatiques : l'énergie est concentrée sur une plage étroite de longueur d'onde (20 à 40 nm). Ces sources ont un spectre quasiment monochromatique ; les blanches : l'énergie est répartie dans le visible sur toute la gamme de longueurs d'onde (380 à 780 nm environ) ; les infrarouges : l'énergie est émise hors du spectre de la lumière visible (au-delà de 700 nm de longueur d'onde). Elles sont utilisées pour transmettre des signaux de télécommandes ou pour de la télémesure exploités par exemple dans la détection de position des consoles de jeux telles que la Wii, ou servir d'éclairage pour les caméras infrarouge, etc. Autres classements[modifier le code] D'autres classements sont possibles, par exemple selon le caractère monopuce ou multipuce, la durée de vie, la consommation d'énergie ou encore la robustesse en cas de sollicitations sous contraintes (comme pour certains matériels industriels, militaires, spatiaux…). Diodes électroluminescentes ordinaires[modifier le code] Éclairage[modifier le code] éteintealluméeAmpoule LED Signalisation routière, éclairage de voitures, motos, camions ou de bicyclettes. Signalisation ferroviaire. Éclairage invisible pour caméras de surveillance (dans l'infrarouge). Luminaires et éclairage public (plus récemment), avec par exemple Los Angeles, première métropole qui a remplacé ses 140 000 ampoules d'éclairage urbain par des diodes électroluminescentes de 2009 à 2014, ce qui devrait réduire de l'équivalent de 40 500 tonnes de carbone les émissions annuelles de cette ville (soit l'équivalent des émissions de 6 700 voitures)[43]. Après le remboursement de l'investissement, la ville pense aussi diminuer ses charges d'éclairage en économisant annuellement 10 millions de dollars[43]. Affichage[modifier le code] Signalisation d'état d'appareils divers (lampes témoins en face avant ou sur le circuit, tableaux de bord de voitures, équipements de sécurité). Affichage alphabétique ou numérique d'appareils de mesure, de calculatrices, d'horloges. Affichages de niveaux de mesures (niveaux de cuves, VU-mètres). Affichage statique ou dynamique de messages (journaux lumineux). Source de lumière quasi monochromatique[modifier le code] Photocoupleur. Transmission de signaux par fibre optiques. Télécommandes (LED infrarouges). Cellules photoélectriques (LED infrarouges). Faisceau laser pour les appareils de mesure. Faisceau laser pour la lecture et la gravure des CD et DVD. Luminothérapie contre l'acné. Photobiomodulation par LED Diodes électroluminescentes blanches[modifier le code] L'amélioration du rendement des LED permet de les employer en remplacement de lampes à incandescence ou fluorescence, à condition de les monter en nombre suffisant : LED noyées dans le bitume pour la matérialisation des pistes la nuit ou par temps de brouillard ; signalisation portative individuelle (piéton, cycliste) ; éclairages de sécurité ; éclairage de courte portée portatif ; feux de signalisation automobile ou motocycliste (clignotant, veilleuses, feux de position) ; signalisation ferroviaire (feu blanc, feu blanc clignotant et œilleton notamment, sur le réseau ferré national) ; éclairage stroboscopique ; lampes de poche à piles ou accumulateur à génératrice de recharge incorporé ; lampes de balisage des jardins alimentées par panneaux solaires photovoltaïques. En 2006, le groupe américain Graffiti Research Lab a lancé le mouvement Led throwies (« lancer de LED ») qui consiste à égayer les lieux publics en ajoutant de la couleur sur des surfaces magnétiques. Pour ceci, on combine une LED, une pile au lithium et un aimant, et on lance l'ensemble sur une surface magnétique[44]. Les LED sont utilisées pour réaliser des écrans vidéo de très grande taille (plateaux TV salon dans des grands halls, stade…). Le rétroéclairage de l'écran par des diodes électroluminescentes permet de fabriquer des écrans plus fins, plus lumineux, ayant une étendue colorimétrique plus importante et plus économes que son prédécesseur ACL à rétroéclairage par tube fluorescent (technologie CCFL)[45]. Santé[modifier le code] Article connexe : Inconvénients des lampes électroluminescentes. La méthode la plus rentable économiquement pour fabriquer des LED consiste à combiner une diode émettant une longueur d'onde courte (dans le bleu) avec un luminophore jaune pour produire de la lumière blanche ; la lumière bleue est particulièrement connue pour perturber l'horloge circadienne[47],[48]. Sur cette question, en France, l'Agence nationale de sécurité sanitaire de l'alimentation, de l'environnement et du travail (ANSES) recommande de ne plus commercialiser auprès du grand public que les LED ne présentant pas de risque lié à la lumière bleue, ainsi qu'une mise à jour de la norme franco-européenne NF EN 62 471[49],[50],[51]. Environnement[modifier le code] Le bilan environnemental des diodes électroluminescentes est discuté, car leur développement considérable pourrait augmenter les tensions sur le marché de certaines ressources non renouvelables (terres rares ou métaux précieux) et parce que la conversion des éclairages urbains aux LED semble souvent susciter une augmentation de l'illumination globale du ciel nocturne, et donc de la pollution lumineuse, visible depuis l'espace[52]. En contrepartie, les LED ont un fort potentiel d'économies d'énergie, si leur utilisation est raisonnée pour éviter le risque d'effet rebond[53]. Effets sur la faune[modifier le code] Des préoccupations concernent également l'impact sanitaire de lampes mal utilisées. Ainsi, selon une étude publiée en 2014 dans la revue Ecological Applications, alors que l'éclairage nocturne municipal et industriel a déjà changé la répartition des différentes espèces d'invertébrés autour des sources lumineuses[54] et semble contribuer à la régression ou la disparition de nombreuses espèces de papillons[55], l'éclairage public tend à utiliser à grande échelle les diodes électroluminescentes[46]. La question de l'impact des spectres lumineux des lampes prend donc de l'importance[56]. Ces spectres lumineux ont récemment[C'est-à-dire ?] beaucoup changé, et ils changeront encore avec le développement des LED[57]. Or, il apparaît que le spectre lumineux émis par les LED mises sur le marché dans les années 2000-2014 attire les papillons de nuit et certains autres insectes plus que la lumière jaune des ampoules à vapeur de sodium, en raison d'une sensibilité élevée de ces invertébrés nocturnes aux parts vert-bleue et UV du spectre. Des pièges lumineux à insectes volants équipés de LED capturent 48 % plus d'insectes que les mêmes pièges utilisant des lampes à vapeur de sodium, avec un effet également lié à la température de l'air (les invertébrés sont des animaux à sang froid, naturellement plus actifs quand la température s'élève). Lors de cette étude, plus de 20 000 insectes ont été capturés et identifiés : les espèces les plus fréquemment piégées étaient des papillons et des mouches[46]. Ces lampes sont froides et ne brûlent pas les insectes comme pouvaient le faire des lampes halogènes, mais le caractère très attractif des LED pour de nombreux invertébrés peut leur être fatal ; leur vol est perturbé et, dans la zone d'attraction, ils sont mis en situation de « piège écologique », car largement surexposés à des prédateurs de type araignées et chauve-souris, avec de possibles effets écologiques plus globaux si ces lampes étaient utilisées à grande échelle (perturbation des réseaux trophiques et possible renforcement des infestations de certaines cultures ou sylvicultures par des « ravageurs phytosanitaires » attirés par ces lampes, tels que le Bombyx disparate, qui est source de dégâts importants depuis qu'il a été introduit aux États-Unis et qui se montre très attiré par la lumière[58] (les auteurs pointent les ports où un éclairage LED pourrait directement attirer des ravageurs ou des espèces exotiques envahissantes accidentellement apportées par des bateaux[46]). Ces espèces anormalement favorisées pourraient à leur tour mettre en péril des espèces natives rares ou menacées[59]. L'étude de 2014 n'a pas pu conclure que manipuler la température de la couleur des LED diminuait leur impact, mais les auteurs estiment qu'utiliser des filtres ou une combinaison de LED rouges, vertes, et bleues pourrait peut-être diminuer cette attraction fatale, au prix d'une consommation électrique et d'énergie grise[46] ou de terres rares accrue. Ils concluent qu'il existe un besoin urgent de recherche collaborative entre écologues et ingénieurs de la lumière pour minimiser les conséquences potentiellement négatives des développements futurs de la technologie LED[46]. En amont, l'écoconception des LED pourrait faciliter le recyclage des lampes usagées et, en aval, le ré-usage de LED d'objets désuets ou en fin de vie. De même, des systèmes intelligents d'asservissement de l'éclairage aux besoins réels sont possibles : lampes équipées de filtres limitant les émissions dans le bleu-vert et le proche-UV, mieux bafflées, c'est-à-dire produisant moins de halo et moins éblouissantes, ne s'allumant qu'à l'intensité nécessaire et uniquement quand on en a besoin, via un processus d'éclairage intelligent comportant la détection de présence et de luminosité ambiante, si possible intégré dans un smart grid ou un système écodomotique plus global. En 2014, quatre villes, Bordeaux, Riga en Lettonie, Piaseczno en Pologne et Aveiro au Portugal testent ce type de solution dans le cadre du programme européen « LITES »[60] (à l'installation, ces systèmes sont 60 % plus chers, mais ce surcoût doit être rapidement récupéré par les économies d'électricité et l'amélioration de la qualité de l'environnement nocturne). Article détaillé : Pollution lumineuse. Notes et références[modifier le code] Notes[modifier le code] ↑ La législation[Où ?] impose aux fabricants d'indiquer la puissance lumineuse de leurs ampoules LED au bout de 6 000 heures d'utilisation. Références[modifier le code] ↑ Jonathan Parienté, « La belle histoire des LED », Le Monde, 24 mars 2009 (consulté le 9 octobre 2023). ↑ a et b C. Noé, Photobiomodulation en dermatologie : Comprendre et utiliser les LED, John Libbey Eurotext - Doin, coll. « Lasers et technologies apparentées », 2014, 182 p.. ↑ B. Chambion, Étude de la fiabilité de modules à base de LEDs blanches pour applications automobile (thèse de doctorat), 253 p. (lire en ligne [PDF]), chap. I (« État de l'art des LED blanches de puissance pour l'éclairage automobile »), p. 16. ↑ « Éclairage led : 5 points-clés et 4 nouveautés », Le moniteur,‎ 5 mars 2020 (lire en ligne, consulté le 26 juin 2020) ↑ Benjamin Monteil, « Historique des LEDs », sur LED-fr.net, 30 septembre 2003 (consulté le 19 novembre 2017). ↑ (en) « Nobel Shocker: RCA Had the First Blue LED in 1972 », IEEE Spectrum (consulté le 21 octobre 2015). ↑ Nicolas Pousset, « Caractérisation du rendu des couleurs des LED » [PDF] (thèse de doctorat), sur tel.archives-ouvertes.fr, 2009 (consulté le 10 septembre 2021), p. 44-45. ↑ (en) « The Nobel Prize in Physics 2014 », sur Site officiel du prix Nobel, 7 octobre 2014 (consulté le 10 septembre 2021). ↑ « La RATP lance un appel d’offres pour remplacer l’ensemble des points lumineux par un éclairage à LED » [PDF] ↑ Aurélie Barbaux, « La RATP fait école avec son éclairage 100 % LED », L'Usine Nouvelle,‎ 11 janvier 2018 (lire en ligne). ↑ (en) « Haitz's law », Nature Photonics, vol. 1, no 1,‎ 2007, p. 23 (ISSN , DOI , Bibcode ). ↑ a b et c B. Chambion, op. cit., chapitre I (« État de l’art des LED blanches de puissance pour l’éclairage automobile »), p. 19/253. ↑ Nicolas Pousset, Caractérisation du rendu des couleurs des LED (thèse de doctorat), 2009 (lire en ligne), p. 48-49, 52. ↑ (en) « Delivering up to 200 lumens per watt », Cree (consulté le 28 janvier 2013). ↑ (en) « LUXEON Rebel direct color specification » [PDF], sur philipslumileds.com. ↑ Cette valeur dérive directement de la définition de la candela[Comment ?] et, par extension, du lumen. ↑ Le fabricant Cree a annoncé réaliser 254 lm/W en laboratoire : (en) « Cree sets new R&D performance record with 254 lumen per watt power LED », sur Cree. ↑ (en) Bulashevich, K. A., & Karpov, S. Y. (2008). Is Auger recombination responsible for the efficiency rollover in III‐nitride light‐emitting diodes?. physica status solidi (c), 5(6), 2066-2069. ↑ Gardner, N. F., Müller, G. O., Shen, Y. C., Chen, G., Watanabe, S., Götz, W., & Krames, M. R. (2007). Blue-emitting InGaN–GaN double-heterostructure light-emitting diodes reaching maximum quantum efficiency above 200A∕ cm2. Applied physics letters, 91(24), 243506 (résumé). ↑ Li, X., Liu, H., Ni, X., Özgür, Ü., & Morkoç, H. (2010). Effect of carrier spillover and Auger recombination on the efficiency droop in InGaN-based blue LED. Superlattices and Microstructures, 47(1), 118-122 (résumé). ↑ (en) Kioupakis, E., Rinke, P., Delaney, K. T., & Van de Walle, C. G., Indirect Auger recombination as a cause of efficiency droop in nitride light-emitting diodes. Applied Physics Letters, 98(16), 2011, 161107. ↑ « On sait enfin pourquoi les LED sont peu efficaces », Le Monde, 6 mai 2013. ↑ (en) « Direct measurement of Auger electrons emitted from a semiconductor light-emitting diode under electrical injection », Physical Review Letters, 25 avril 2013 (consulté le 8 novembre 2019) et (en) « 1304.5469v1 » [PDF], sur arXiv. ↑ Bae, W. K., Park, Y. S., Lim, J., Lee, D., Padilha, L. A., McDaniel, H.,... & Klimov, V. I. (2013). Controlling the influence of Auger recombination on the performance of quantum-dot light-emitting diodes. Nature communications, 4. ↑ « LED SMD », sur espaceampouleled.fr (consulté en avril 2014). ↑ Laurent Massol, « LED blanches : les différentes technologies », Led Engineering Development [PDF] (consulté le 14 novembre 2015). ↑ Nicolas Pousset, Caractérisation du rendu des couleurs des LED (thèse de doctorat), 2009 (), p. 50-52. ↑ « Nous savons aujourd’hui produire des LED de toutes les couleurs de l’arc-en-ciel et même d’un très grand nombre de couleurs qui ne sont « pas » présentes dans l’arc-en-ciel ». Des couleurs comme le marron ne sont en effet pas présentes dans l'arc-en-ciel, et produites par panachages de longueurs d'onde (LED polychromatiques). ↑ tension de bascule entre lampe en émission et éteinte ↑ https://visualled.com/fr/glossaire/led-light-emitting-diode/ ↑ Jean-Jacques ROUSSEAU Professeur de physique à l'UFR Sciences de l'Université du Maine, « Caractéristiques des LED », 2018 (consulté le 11 février 2020) ↑ N. Pousset, B. Rougié, S. Aubert et A. Razet, « LED de puissance blanches : sources de lumière de demain » [PDF], sur nicolas.pousset.pagesperso-orange.fr/, 2009. ↑ F. Bedu et al., Support de formation sur l'éclairage automobile, Renault, 2012. ↑ OSRAM, Reliability of the OSLON Product Family, 2012 [PDF]. ↑ Nicolas Grandjean, « Les LED blanches », Pour la science, no 421,‎ décembre 2002, p. 32-38. ↑ N. Pradal, Synthèses, mise en forme et caractérisations de luminophores nanostructurés pour une nouvelle génération de dispositifs d'éclairage sans mercure (thèse de doctorat), université Blaise Pascal-Clermont-Ferrand II, 2012. ↑ a et b R. Ait Lhadj, A. Khamlichi et F. Mata Cabrera, Optimisation de la conception d'un dissipateur thermique pour luminaire à diode électroluminescente, Besançon, 20e Congrès français de mécanique, 28 août-2 septembre 2011. ↑ (en) P. Panaccione, T. Wang, X. Chen, L. SUSAN et G. Q. Lu, « Improved heat dissipation and optical performance of high-power LED packaging with sintered nanosilver die-attach material », Journal of Microelectronics and Electronic packaging, no 7(3), 2010, p. 164-168. ↑ (consulté le 30 septembre 2009). ↑ « Le prix EARTO Innovation Awards 2016 remis au Leti et à l’Inac », sur inac.cea.fr, 2 décembre 2016. ↑ « EARTO Innovation Awards 2016 », sur earto.eu, 12 octobre 2016. ↑ « Le CEA récompensé par le prix EARTO Innovation Awards 2016 pour une LED 3D révolutionnaire », CEA, 28 octobre 2016. ↑ a et b « L’éclairage public de Los Angeles se met aux LED », Enerzine.com, 23 février 2009. ↑ (en) LED-Throwies. ↑ (en) « Greener LCD-TVs, more contrast with smarter LED backlights », sur EETimes, 14 novembre 2008 (consulté le 29 décembre 2019). ↑ a b c d e f et g (en) S.M Pawson, M. K.-F. Bader, « LED lighting increases the ecological impact of light pollution irrespective of color temperature », Société américaine d'écologie, octobre 2014. ↑ (en) Christophe Martinsons, Dina Attia, Francine Behar-Cohen, Samuel Carré, Olivier Enouf, Jack Falcón, Claude Gronfier, David Hicks, Arnaud Metlaine, Leena Tahkamo, Alicia Torriglia et Françoise Viénot, « Correspondence: An appraisal of the effects on human health and the environment of using light-emitting diodes », Lighting Research & Technology, vol. 51, no 8,‎ 17 décembre 2019, p. 1275-1276 (ISSN , e-ISSN , OCLC , DOI , HAL , lire en ligne [PDF]). ↑ « Avis et rapport de L'Anses relatif aux effets sur la santé humaine et sur l'environnement (faune et flore) des systèmes utilisant des diodes électroluminescentes (LED) », sur ANSES, 5 avril 2019. ↑ « LED - Diodes électroluminescentes », sur Agence nationale de sécurité sanitaire de l'alimentation, de l'environnement et du travail, 2 février 2018. ↑ « Systèmes d’éclairage utilisant des diodes électroluminescentes : des effets sanitaires à prendre en compte » [PDF], sur ANSES, 25 octobre 2010 (consulté le 19 mai 2019). ↑ « NF EN 62471 », Sécurité photobiologique des lampes et des appareils utilisant des lampes, sur AFNOR, décembre 2008 (consulté le 19 mai 2019). ↑ (en) Christine Nguyen et Julia Calderone, « Astronauts found something troubling in these shots from space », businessinsider.com, 12 janvier 2016 [vidéo]. ↑ Bruno Gayral, « LEDs for lighting: Basic physics and prospects for energy savings », Comptes Rendus. Physique, vol. 18, nos 7-8,‎ 2017, p. 453–461 (ISSN , DOI , lire en ligne, consulté le 16 janvier 2025) ↑ (en) Thomas W. Davies, Jonathan Bennie et Kevin J. Gaston, « Street lighting changes the composition of invertebrate communities », Biology Letters, 23 octobre 2012 (en ligne le 23 mai 2012). ↑ (en) Richard Fox, « The decline of moths in Great Britain: a review of possible causes », Insect Conservation and Diversity, 2013 [PDF]. ↑ (en) Thomas W. Davies, Jonathan Bennie, Richard Inger, Natalie Hempel de Ibarra et Kevin J. Gaston, « Artificial light pollution: are shifting spectral signatures changing the balance of species interactions? », Global Change Biology, vol. 19, no 5,‎ mai 2013, p. 1417–1423 (lire en ligne). ↑ (en) E. F. Schubert, J. K. Kim, « Solid-state light sources getting smart, » Science, 27 mai 2005. ↑ (en) Willian E. Walliner, Lee M. Humble, Robert E. Levin, Yuri N. Baranchikov et Ring T. Card, « Response of adult lymantriid moths to illumination devices in the Russian far east », Journal of Economic Entomology, vol. 88, no 2, avril 1955. ↑ (en) David L. Wagner, Roy G. Van Driesche, « Threats posed to rare or endangered insects by invasions of nonnative species », Annual Review of Entomology, 2010 [PDF]. ↑ (en) Commission européenne, « LITES: Led-based intelligent street lighting for energy saving », (archive, consulté le 11 octobre 2014), courte présentation [PDF] et notice, sur CORDIS. Annexes[modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia : Bibliographie[modifier le code] Frank Wohlrabe, Guide pratique de l’infrarouge : télécommande, télémétrie, tachymétrie, Publitronic, 29 mai 2002 (ISBN 2866611284). Libero Zuppiroli et Daniel Schlaepfer, Lumières du futur, Presses polytechniques et universitaires romandes, 2011 (ISBN 9782880749422). Articles connexes[modifier le code] Diode électroluminescente organique Lampe électroluminescente Boîte quantique (« quantum dot » ou QD pour les anglophones) État solide (électronique) Plan lumière Charlieplexing Liens externes[modifier le code] Une catégorie est consacrée à ce sujet : Diode électroluminescente. Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Britannica Den Store Danske Encyklopædi Store norske leksikon Notices d'autorité : (en) [vidéo] [vidéo] « Fonctionnement du diode électroluminiscente », sur YouTube Portail d'information sur les LED et l'éclairage fiches techniques de LED (rechercher sous le nom de « solid state lamps ») Fabrication d'une LED Diodes électroluminescentes LED pour l'éclairage - Panorama et tendances technologiques v · mDiodes Tubes Diode à vide Diode à vapeur de mercure Semi-conducteurs Diode à pointe Diode Schottky Diode électroluminescente Diode à avalanche Diode Zener Diode IMPATT (en) Diode Transil Photodiode Photodiode à avalanche (en) Photodiode PIN Diode laser Diode Gunn Diode PIN Diode varicap Diode à effet tunnel Diac v · mÉlectronique Analogique Alimentation électrique Amplificateur Mesure Opérationnel Bobine Capteur Circuit intégré Composants analogiques programmables (FPAA) Commutateur Condensateur Diode Filtre Potentiomètre Radiocommunication Résistance Thyristor Transistor Triac Tube Numérique ASIC Circuit logique programmable (CPLD/EPLD/FPGA/PAL/PLA/PLD) Convertisseur analogique-numérique Convertisseur numérique-analogique DSP µContrôleur µProcesseur Ordinateur Porte logique Opto-électronique Cellule photoélectrique Cellule photovoltaïque LED Diode laser OLED Photocoupleur Photodiode Microélectronique MEMS Automatique Électricité Électrochimie Électromagnétisme Électrotechnique Robotique Traitement du signal v · mTechnologies d'éclairage Chronologie et histoire Chronologie des techniques d'éclairage Éclairage des rues à Paris Incandescence Combustion Acétylène Bougie Chandelle Cierge Essence Gaz Huile Lanterne Pétrole Sécurité Manchon à incandescence Torche Lampes à filament Classique Halogène Nernst Luminescence Décharge basse pression Cathode froide Néon Germicide Lampe de Wood Lumière noire Plasma Vapeur de sodium Décharge haute-pression Halogénures métalliques Vapeur de mercure Vapeur de sodium Lampe à arc au xénon Fluorescence Tube fluorescent Lampe fluorescente Induction Électroluminescence Diode électroluminescente (LED) Lampe LED Diode électroluminescente organique (OLED) Arc électrique Xénon Stroboscope Bougie Jablochkoff Autres Chimiluminescence bâton lumineux Radioluminescence Support des lampes électriques v · mTechnologies des écrans Vidéo Ancienne génération Afficheur fluorescent (VFD) 7 segments 9 segments 14 segments 16 segments 22 segments Tube cathodique (CRT) Surface-conduction Electron-emitter Display (SED) Field Emission Display (FED) Écran à plasma (PDP) Génération actuelle Écran plat écran à cristaux liquides (LCD) diode électroluminescente organique (OLED) matrice active à diodes électroluminescentes organiques (AMOLED) MicroLED Vidéoprojecteur Digital Light Processing (DLP) cristaux liquides sur silicium 3LCD Génération suivante Écran laser Écran à liquide ferroélectrique (FLD) Écran modulateur interférométrique (IMOD) Technologie à couche épaisse à diélectrique électroluminescent (TDEL) Écran à nanocristaux Écran à boîte quantique (QD-LED) Time-multiplexed optical shutter (TMOS) Telescopic pixel display (TPD) Liquid crystal lasers (LCL) Laser Phosphor Display (LPD) Non vidéo Tube Nixie Papier électronique Électromécanique girouette à pastilles afficheur à palettes affichage à sept segments Rollable display Eggcrate Écran en 3D Stéréoscopie Autostéréoscopie Holographie générée par ordinateur Écran volumétrique Écran à éclairage laser Média statique Hologramme Projection cinématographique Enseigne lumineuse Projecteur de diapositives Rétroprojecteur Roll sign Articles liés Technique d'affichage Imagerie à grande gamme dynamique (HDRI) Distance d'observation HDTV optimale Portail de l’électricité et de l’électronique Portail d

Cet article ne cite pas suffisamment ses sources (février 2022). Si vous disposez d'ouvrages ou d'articles de référence ou si vous connaissez des sites web de qualité traitant du thème abordé ici, merci de compléter l'article en donnant les références utiles à sa vérifiabilité et en les liant à la section « Notes et références ». En pratique : Quelles sources sont attendues ? Comment ajouter mes sources ? La culture, en sociologie comme en éthologie, est définie comme « ce qui est commun à un groupe d'individus » et comme « ce qui le soude », c'est-à-dire ce qui est appris, transmis, produit et inventé. Ainsi, pour une organisation internationale comme l'UNESCO : « Dans son sens le plus large, la culture peut aujourd’hui être considérée comme l'ensemble des traits distinctifs, spirituels, matériels, intellectuels et affectifs, qui caractérisent une société ou un groupe social. Elle englobe, outre les arts, les lettres et les sciences, les modes de vie, les lois, les systèmes de valeurs, les traditions et les croyances. » Ce « réservoir commun » évolue dans le temps par et dans les formes des échanges. Il se constitue en de multiples manières distinctes d'être, de penser, d'agir et de communiquer en société. En philosophie, le mot « culture » désigne ce qui est différent de la nature. Par abus de langage, le mot « culture » est employé pour désigner presque exclusivement l'offre de pratiques et de services culturels dans les sociétés modernes, et en particulier dans le domaine des arts et des lettres. Définitions[modifier le code] La culture est, selon le sociologue québécois Guy Rocher : « un ensemble lié de manières de penser, de sentir et d'agir plus ou moins formalisées qui, étant apprises et partagées par une pluralité de personnes, servent, d'une manière à la fois objective et symbolique, à constituer ces personnes en une collectivité particulière et distincte. » — Edward B. Taylor, Primitive Culture, 1871 Pluralité de définitions[modifier le code] Différentes définitions du mot « culture » reflètent les théories diverses pour comprendre ou évaluer l’activité humaine[1]. En 1952, les anthropologues Alfred Kroeber et Clyde Kluckhohn ont rédigé une liste de plus de 150 définitions différentes du mot culture dans leur livre Culture: a critical review of concepts and definitions[2]. La définition que peuvent en faire les gouvernements lorsqu’ils fixent sa mission au Ministère de la Culture diffère de celle que l’on en donne dans les sciences humaines ou de celle qui correspond à la « culture générale » de chacun. Il existe de puissants enjeux politiques et économiques pour définir et encadrer la culture. Lorsque les entrepreneurs tentent de faire valider la notion de « culture d'entreprise » ou les ingénieurs celle de « culture technique », ils contribuent à étendre l'amplitude des significations mais au prix d'en diluer certaines caractéristiques spécifiques, comme l'opposition plus traditionnelle entre des styles plus spontanés, artistiques, religieux, fondés, comme le disait Georg Wilhelm Friedrich Hegel, sur le « sentiment » et des types d'actions davantage fondés sur le calcul, la cognition, la règle. Bien que fréquemment les deux mondes s'entrecroisent, devons-nous pour autant les confondre, contribuant alors à privilégier une conception totalisante de la culture ? Le mot « culture » est parfois employé dans un sens restreint pour désigner l'industrie des « biens culturels », c'est-à-dire les entreprises et activités de production, de distribution et de gestion de droits d'exploitation de spectacles et de contenus audio-visuels reproductibles (voir Économie de la culture). Ce secteur, sous l'effet du développement des technologies de l'information et de la communication, est en pleine transformation et son avenir fait l'objet de controverses politiques tendues. Selon Geert Hofstede, la culture est une programmation mentale collective propre à un groupe d’individus. De manière plus générale, en éthologie, la culture animale désigne tout comportement, habitude, savoir, système de sens (en anthropologie) appris par un individu biologique, transmis socialement et non par héritage génétique de l’espèce à laquelle appartient cet individu. La culture se définit en ce sens comme un ensemble de connaissances transmis par des systèmes de croyance, par le raisonnement ou l’expérimentation, qui la développent au sein du comportement humain en relation avec la nature et le monde environnant. Elle comprend ainsi tout ce qui est considéré comme « acquisition de l’espèce », indépendamment de son héritage instinctif, considéré comme naturel et inné. Ce mot reçoit alors des définitions différentes selon le contexte auquel on se réfère. Mais la culture n'est pas réductible à son acception scientifique, car, comme l'indique la définition de l'UNESCO, elle concerne les valeurs à travers lesquelles nous choisissons aussi notre rapport à la science. En ce sens, elle relève davantage de la communauté politique des êtres humains que de l'espèce comme objet de science. Approche critique[modifier le code] Plus récemment, le concept de culture a largement été critiqué, notamment par des chercheurs comme Ingrid Piller (en)[3], Joana Breidenbach (de)[4], Unni Wikan (en)[5] ou Adam Kuper (en)[6]. Pour ces chercheurs non francophones, principalement issus de l'anthropologie ou des sciences politiques, le concept de culture serait avant tout un outil qui aurait remplacé le concept de race, reproduisant un certain nombre de stéréotypes essentialistes. Le haut commissariat des droits de l'homme des Nations-Unies, par la voix de ses rapporteuses spéciales dans le domaine des droits culturels, publie des rapports sur les droits culturels, notamment ceux des femmes[7]. Farida Shaheed (en)[8], en 2012, propose « de passer d’un modèle qui considère la culture comme un obstacle aux droits des femmes à un modèle qui vise à garantir une égalité de jouissance des droits culturels. En outre, une telle approche constitue un outil important pour la réalisation de tous les droits de l’homme. »[9]. Culture individuelle et culture collective[modifier le code] En langue française, le mot « culture » désigne tout d’abord l’ensemble des connaissances générales d’un individu. C’est la seule définition qu’en donne en 1862 le Dictionnaire national de Bescherelle. Les connaissances scientifiques y sont présentées comme élément de premier plan. C’est ce que nous appelons aujourd’hui la « culture générale ». Après le milieu du XXe siècle, le terme prend une seconde signification. Par exemple, le Petit Larousse de 1980 donne, en plus de la conception individuelle, une conception collective : ensemble des structures sociales, religieuses, etc., des manifestations intellectuelles, artistiques, etc., qui caractérisent une société. Le terme peut alors revêtir l’un ou l’autre sens, mais la proximité des domaines d’utilisation de chacun en fait une source d’ambiguïté. En langue allemande, la définition de la culture individuelle ou culture générale correspond au mot Bildung[10]. Il existe un autre mot, Kultur, qui correspond à un patrimoine social, artistique, éthique appartenant à un ensemble d’individus disposant d’une identité. Ainsi, ce terme homophone, qui correspond plutôt en français à l’une des acceptions de civilisation, et par les échanges d’idées entre la France et l’Allemagne, s’est petit à petit amalgamé avec le sens initial du mot culture en français. Cette seconde définition est en train de supplanter l’ancienne, correspondant à la culture individuelle. Néanmoins, les dictionnaires actuels citent les deux définitions, en plaçant le plus souvent la « culture individuelle » en premier. Il y a en français deux acceptions différentes pour le mot culture : la culture individuelle de chacun, construction personnelle de ses connaissances donnant la culture générale ; la culture d'un peuple, l'identité culturelle de ce peuple, la culture collective à laquelle on appartient. Ces deux acceptions diffèrent en premier lieu par leur composante dynamique : la culture individuelle comporte une dimension d’élaboration, de construction (le terme Bildung est généralement traduit en éducation), et donc par définition évolutive et individuelle ; la culture collective correspond à une unité fixatrice d’identités, un repère de valeurs relié à une histoire, un art parfaitement inséré dans la collectivité ; la culture collective n’évolue que très lentement, sa valeur est au contraire la stabilité figée dans le passé, le rappel à l’Histoire. C’est dans cette dichotomie que ces deux significations peuvent s’opposer : La culture collective comporte une composante de rigidité pouvant s’opposer au développement des cultures individuelles, ou pouvant conduire à des contrecultures, concept qui est inimaginable avec le sens individuel, la connaissance ne pouvant être que positive. La science, toujours en évolution, n’est de ce fait pas raccrochée au concept de culture individuelle, dans les acceptions populaires, alors qu’elle en est une des composantes principales dans la teneur initiale du terme. Mais c’est par l’art et l’histoire que les deux concepts se rejoignent. La culture individuelle inclut la connaissance des arts et des cultures, celle des différentes cultures humaines, et celle affiliée à la culture (collective) à laquelle l’individu s'apparente. C’est là le point d’amalgame entre les deux acceptions : la culture (individuelle) est comprise comme connaissance de la culture (collective) dont on dépend. Fusionnant ainsi deux acceptions différentes, le terme « culture » tend actuellement, en France, vers un compromis dans son acception courante, où il désignerait essentiellement des connaissances liées aux arts et à l’Histoire, plus ou moins liées à une identité ethnique. Les deux sens doivent cependant être analysés distinctement : la culture collective et la culture individuelle se recoupent en réalité, non seulement par leur homonymie, mais aussi par la filiation de l'espèce et de l’individu à une entité culturelle. Langage courant[modifier le code] L’utilisation populaire du mot « culture » dans beaucoup de sociétés occidentales, permet de réaliser un classement de son caractère en fonction de croyance, de la consommation de biens ou de l’exercice d’activités considérées comme élitistes : la cuisine, l’art, et la musique par exemple. En ethno-archéologie[modifier le code] Article détaillé : Culture archéologique. En ethno-archéologie et en anthropologie sociale et culturelle, par sa « culture » nous voulons distinguer chaque groupe humain occupant un certain espace géographique pendant une période donnée[11]. Nous nous appuyons pour ce faire sur la répartition homogène dans cet espace géographique d'un certain nombre de types d'objets (formes de poteries, outils de silex, art mobilier, architecture, pratiques funéraires, etc.) et ainsi définir la « culture matérielle » de chaque « culture » entendue de ce point de vue ethno-archéologique. Le Chasséen tire son nom du site de Chassey-le-Camp en Saône-et-Loire, la culture de Yangshao tire le sien d'un site près du village de Yangshao, au Nord du Henan, etc. ce sont autant de « cultures » sur une aire géographique bien plus étendue que ces sites mais en constante redéfinition en fonction de l'état des recherches. Point de vue sociologique[modifier le code] Cette section peut contenir un travail inédit ou des déclarations non vérifiées (juin 2025). Vous pouvez aider en ajoutant des références ou en supprimant le contenu inédit. Si vous ne connaissez pas le sujet, laissez ce bandeau (vous pouvez alors contacter les auteurs). Si vous supprimez le contenu mis en cause (vous pouvez préalablement contacter les auteurs), argumentez précisément cette suppression dans la page de discussion (un manque de référence n'est pas un argument ; une recherche réelle de référence doit avoir été effectuée, être formellement documentée). Outre le fait que nous ayons tendance à ne distinguer qu'une culture unique à l'échelle — la Culture — et qu'il est d'usage de la définir par rapport à la Nature, la sociologie propose d'étudier les phénomènes culturels au pluriel. Lorsque nous nous intéressons à la culture d'un point de vue sociologique, il s'agit de constater dans les faits qu'il existe des pratiques culturelles qui diffèrent selon l'espace et le temps, selon la position sociale occupée par les individus au sein de la société, selon le genre, le travail exercé, etc. De manière plus précise, chaque pratique culturelle est étroitement liée aux représentations ; Pierre Bourdieu appelle ces représentations habitus, un concept qui s'apparente à des « lunettes ». Ainsi, chaque individu, étant donné qu'il est un produit socio-historique, un homme vivant parmi d'autres hommes, éduqué d'une certaine façon et habitué à des pratiques sociales qu'il juge « normales », chaque individu donc, se fait ses propres représentations de ce qui est légitime et non-légitime, beau et laid, bien ou mal. L'individu n'est pas un atome isolé qui ferait ce qu'il fait naturellement, mais répond à des exigences dont il ne se rend pas compte. Quand nous nous interrogeons sur la Culture — qu'est-ce qu'une culture et qu'est-ce qui n'en est pas une ? — il faut dépasser un certain ethnocentrisme, il faut étudier la Culture comme étant un objet scientifique comme un autre, comme le physicien par exemple étudie les astres. Car définir la Culture, doit différer et se débarrasser des jugements de valeurs et des jugements moraux. Nous avons tendance à penser la Culture comme un noyau dur inaltérable qui ne changerait que par « périodes » ou « stades » de l'évolution humaine. La Culture est ce que les hommes en font ; elle n'est pas par ailleurs chose tombée du ciel, par une sorte d'ésotérisme réservée à des génies qui seraient génies innés. Norbert Elias, dans son opus du Processus de civilisation, invite à penser la Culture comme une dynamique de transformations successives dans l'histoire de l'Homme en liaison aux changements sociaux (centralisation de l'État, principe de différenciation et de logique concurrentielle entre les individus, pacification des mœurs) et aux évolutions techniques. Derrière le mot Culture donc, des forces coexistent, se repoussent et fusionnent entre elles. Dans son ouvrage Mozart : sociologie d'un génie, N. Elias montre que le compositeur autrichien est lui-aussi déterminé sociologiquement ; dans une optique de démystification de l'histoire et non de destruction de croyance, Elias explique que bien que Mozart soit un génie célébré, il est situé dans un espace social propice qui lui a permis d'être ce qu'il est devenu (entre autres, père compositeur et violoniste pour la cour d'Autriche de son époque). Pour Pierre Bourdieu, la Culture ne fait référence qu'à l'existence d'une culture dominante et légitimée, antagonique à une culture dominée dont les valeurs ne sont pas reconnues. Chaque individu, doté d'un capital économique, d'un capital social et d'un capital culturel déterminé par son champ social, est forcé d'intérioriser les normes reconnues par le champ dominant pour pouvoir à son tour être reconnu. Par exemple, la musique symphonique/classique est dite légitime, alors que la musique métal ou le rap ne le sont pas. Dans les pratiques culturelles des individus positionnés en haut de l'échelle sociale, aller à l'opéra est plus fréquent que pour un ouvrier ; pour saisir cette domination, il faut non pas simplement s'intéresser aux œuvres-mêmes, mais aux catégories sociales dont les individus sont issus, car selon la position sociale occupée, les représentations changent : il y a l'influence de règles sociales sur les pratiques individuelles. La Culture demeure du sens, des schèmes culturels individualisés, c'est-à-dire façonnés par l'individu en rapport avec son héritage, la manière dont il en hérite, et en rapport aux autres : la Culture n'est viable qu'au pluriel. Types de composants[modifier le code] Une représentation de la culture consiste à la regarder comme formée de quatre éléments qui sont « transmis de génération en génération en apprenant »[12] : les valeurs ; les normes ; les institutions ; les artefacts. Julian Huxley donne une division légèrement différente, en mentifacts, socifacts et artifacts, pour des sous-systèmes idéologiques, sociologiques, et technologiques respectivement. La socialisation, du point de vue de Huxley, dépend du sous-système de croyance. Le sous-système sociologique oriente l’interaction entre les gens. Les objets matériels et leur utilisation forment le sous-système technologique[13]. En général, les archéologues se focalisent sur la culture matérielle, alors que l’anthropologie culturelle se focalise sur la culture symbolique, encore qu'in fine les deux groupes s’intéressent aux relations entre ces deux dimensions. De plus, les anthropologues conçoivent le mot « culture » pour se référer non seulement à la consommation de biens, mais au processus général qui produit de tels biens et leur donne une signification, et aux relations et pratiques sociales dans lesquelles de tels objets et processus sont imbriqués. Valeurs[modifier le code] Les systèmes de valeurs comprennent des idées et des matériaux qui semblent importants dans la vie. Elles guident les croyances qui composent la culture en partie. Il est possible de reconnaître des systèmes de valeur associés de préférence à des civilisations. Ainsi, dans ce que nous appelons encore l'Occident, il semble que la conversation culturelle se préoccupe beaucoup de la question de la règle, de la mesure, de la loi physique ou sociale, alors qu'en Extrême-Orient, l'affaire la plus importante concerne l'identité dans le monde. Les valeurs des sociétés villageoises (comme en Afrique ou en Amérique latine) portent davantage sur l'équilibre entre l'homme et la nature, garanti par l'intercession des hommes-médecine. Les valeurs des sociétés nomades sont plutôt attachées à résoudre les problèmes des antagonismes inévitables entre groupes sur le territoire commun. À l'intérieur de la sphère occidentale, le point de vue anglo-saxon insiste encore davantage sur la loi (culture de la common law, et de la rule of law). Ceci correspond à une religiosité inspirée des protestantismes préoccupés de l'usage rationnel du temps personnel (comme le montrait Max Weber), ce qui permet l'autodiscipline, libère un certain libéralisme et fait l'économie d'un contrôle par l'autorité collective. En France, le plus laïc des pays occidentaux - tradition que l’on pourrait faire remonter au gallicanisme de Philippe le Bel, à la Pragmatique Sanction de Bourges, ou aux positions de Bossuet - nous avons plutôt affaire à une reprise administrative nationale de l'ancienne autorité catholique, où se trouve préservé un principe d'arbitrage divin et royal, désormais déposé dans l'État laïc. La Révolution française introduit un statut civil équivalent pour tous les citoyens, indépendamment des croyances ou appartenances religieuses, mais ne renie pas longtemps - avec Napoléon - le principe du pouvoir transcendant et paternaliste. Celui-ci subsiste aujourd’hui dans la trame culturelle de ce pays qui demeure de ce point de vue de tradition catholique. Néanmoins, comme partout ailleurs en Europe, nous y rencontrons le débat avec les deux religions et cultures du « Livre » (la Bible), qui forment les deux autres variantes de la culture occidentale au sens large : la tradition judaïque, qui insiste sur l'alliance entre Dieu et son peuple, au travers d'une loi interprétable ; et la tradition musulmane, qui veut rétablir le principe de la liberté absolue de Dieu. Nous constatons ici combien le monde des valeurs ne se développe pas au hasard, mais bien comme système logique de différences assumées. Nous pouvons aussi observer que ce caractère de conversation entre les valeurs demeure le plus souvent inconscient, caché par l'intransigeance de leurs partisans respectifs. Normes[modifier le code] Les normes sont constituées par les attentes sur la façon dont les personnes doivent se comporter dans diverses situations. Chaque culture a des méthodes, appelées sanctions, pour imposer ses normes. Les sanctions varient avec l’importance de la norme ; les normes qu’une société impose formellement ont le statut de lois. En France, la langue française a le statut de langue officielle, et qu’à ce titre, elle est la langue de l’administration et du droit civil. Aux États-Unis, il existe une tradition normative très importante en matière industrielle et financière. Les normes comptables en Europe sont actuellement assez largement inspirées des normes américaines. Institutions[modifier le code] Les institutions sont les structures de la société dans et par lesquelles les valeurs et les normes sont transmises. Nous avons vu que, dans le cas de la France, la défense de la langue fut prise très tôt en charge par le souverain, François Ier pour le statut de langue officielle du français par l'Ordonnance de Villers-Cotterêts (1539)[14], Richelieu pour l’Académie française. De là est née, en France et dans la plus grande partie de l’Europe, une tradition qui lie la culture avec les institutions publiques. Aux États-Unis, il n’existe pas une emprise aussi importante de la puissance publique sur la culture proprement dite. Ainsi, de nombreuses grandes entreprises ont des collections d’œuvres d'art telles qu’elles ouvrent des musées privés. Des hommes d'affaires et milliardaires n'hésitent pas à réaliser du mécénat et par leur philanthropie alimentent de grandes fondations (qui portent d'ailleurs souvent leur nom) et qui ont développé des actions dans le secteur de la culture, des arts et de l'enseignement artistique (des grands musées comme le Metropolitan ou Guggenheim à New-York, les Fondations comme Ford, Carnegie, etc.). Les industries culturelles, mettant en œuvre les bases d'un véritable management culturel, se sont dès le départ développées sur un modèle d'entreprises privées avec au fil des décennies un mouvement de forte concentration financière faisant des grands groupes américains du secteur les principaux protagonistes d'un oligopole mondial des industries de l'entertainment et des médias (Time Warner, Disney, Fox, etc.). Ainsi, depuis les années 1950, l’industrie américaine du cinéma, concentrée à Hollywood, domine non seulement économiquement mais aussi symboliquement, la distribution des films à grand succès et la consécration des grandes vedettes. En France, la majorité des institutions culturelles sont des organisations en gestion publique ou des organisations de type associatif mais avec une forte dépendance à des collectivités publiques : académies, musées, bibliothèques, médiathèques, conservatoires, salles de concert et de théâtre, orchestres, opéras, Maisons des jeunes et de la culture. La France a été l'une des premières démocraties modernes à se doter d'un ministère de la Culture en 1959[15]. Elle fut suivie par de nombreux autres pays en Europe mais selon des formules adaptées à leur contextes respectifs. Les « petits pays » (petits par leur taille) comme les Pays-Bas, la Finlande, l'Autriche ou le Portugal, ont dans leurs organisations gouvernementales respectives un ministère plus large (Éducation par exemple) auquel est rattaché un secrétariat d'État chargé de la Culture. Les pays à structure fédérale ont des équivalents dans leurs régions (en réalité des États fédérés) qui exercent la compétence culturelle. Ainsi, en Allemagne, on trouve dans le gouvernement de chaque Land une direction de la Culture et des Arts, le plus souvent rattachée à l´Enseignement, la Recherche et la Formation professionnelle (ce qui s'explique notamment par l'importance des institutions d’enseignement artistique). L’Espagne s'est quant à elle dotée d’un ministère de la Culture en 1978, dès que la page du franquisme fut tournée. Le Royaume-Uni constitue un exemple des plus intéressants dans la prise en compte de l’action étatique en faveur de la culture car il s’agissait d’abord pour le gouvernement d’intervenir et de soutenir les institutions artistiques et en particulier celles du spectacle vivant (théâtre, danse, musique) telles que la Royal Shakespeare Company, le Royal Opera House Covent Garden, les grands orchestres londoniens, etc. Nous considérons donc un schéma assez voisin dans les pays européens. Dans le cas de la musique classique par exemple, nous pouvons observer que toutes les institutions musicales (hormis quelques notables exceptions) bénéficient du soutien de collectivités publiques (État, régions, villes). Le Royaume-Uni toutefois se distingue du reste de l'Europe car les institutions musicales y sont plus autonomes, assez rarement des établissements publics. En revanche dans le domaine des musées, une forte proportion des institutions sont publiques. De ce point de vue, le Royaume-Uni se distingue des États-Unis, les traditions culturelles des deux pays étant assez distinctes. Que ce soit en France ou en Europe, certains lieux privés peuvent être considérées comme des institutions : des châteaux privés comme Chenonceau, des abbayes comme Fontfroide à Narbonne, l'écomusée d'Alsace ou encore de grandes manifestations d'animation existant depuis longtemps comme La Cinéscénie issus d’une initiative locale, même si le rayonnement est national. Depuis une trentaine d’années les collectivités locales (communes, départements et régions) se sont dotées de leur propre politique culturelle et jouent un rôle essentiel dans l’animation et la régulation de la vie culturelle locale. Ces politiques, souvent menées en partenariat avec les services de l’État, participent de plusieurs logiques : faciliter l’accès à la culture du plus grand nombre, soutenir la production artistique et les artistes, contribuer au développement économique et renforcer l’image des collectivités locales. Depuis le Traité de Maastricht, certains aspects de la culture font maintenant partie des responsabilités de l’Union européenne, dans le cadre des principes de subsidiarité. En particulier, l’Union européenne doit veiller à l’application de la politique linguistique européenne, qui pose certaines difficultés de mise en œuvre. Nous distinguons donc deux modèles : le modèle américain, caractérisé par une alliance forte entre public et privé (où le privé joue un rôle prépondérant en matière purement culturelle), et le modèle européen, essentiellement public. Artefacts[modifier le code] Les artefacts — choses ou aspects de la culture matérielle — décrivent des valeurs et des normes d’une culture. Grandes manifestations de la culture collective[modifier le code] Culture et art[modifier le code] La culture est aussi indissociable du patrimoine artistique, au sens où elle est un rattachement à des valeurs traditionnelles. Cet aspect de la culture est beaucoup plus marqué en Europe et en Asie, qu’en Amérique et surtout aux États-Unis, pour des raisons historiques évidentes. Néanmoins, les États-Unis admirent le patrimoine culturel européen {{Interprétation personnelle}}, car il s’agit de leurs racines culturelles : nous le constatons dans les acquisitions des œuvres d'art, dans leur présence dans les lieux artistiques (Paris, Bruges, Venise, etc.), dans les mécénats américains pour la restauration de quelques éléments symboliques du patrimoine européen (château de Versailles, etc.), dans les échanges musicaux (chefs d'orchestre, etc.), etc. Le respect des Américains pour l’histoire monarchique de la France paraît surprenant au premier abord, mais il révèle cet attachement à un patrimoine historique qu’ils n’ont pas, et une reconnaissance au rôle joué par la France dans l’Histoire et dans la défense des libertés aux États-Unis. Lorsque est évoqué le patrimoine, on a tendance à penser au patrimoine bâti et à l’architecture, mais c’est aussi la sculpture, la peinture, le vitrail, la musique, la littérature, le folklore, la langue. Depuis plusieurs années, l'UNESCO a développé un programme en direction du patrimoine immatériel (convention de 2003 pour la sauvegarde du patrimoine culturel immatériel avec 3 actions clés : la liste du patrimoine immatériel nécessitant une sauvegarde urgente ; la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité (géants et dragons processionnels en France, en Belgique et en Italie, le Cantu a tenore en Sardaigne, etc.) ; le registre de bonnes pratiques de sauvegarde. Le patrimoine est par ailleurs très riche aussi en Asie et en Afrique du Nord, comme c'est le cas par exemple pour les civilisations chinoise, indienne, arabe et berbère; et le patrimoine de l’Afrique noire (arts premiers) commence aussi à être redécouvert par la communauté internationale. Culture et langage[modifier le code] Voir aussi : Catégorie langue et culture La langue est probablement, dans les sociétés humaines, ce qui permet le mieux de véhiculer une culture, tant orale qu’écrite. C’est ainsi que la culture française s’est développée dans l’Europe des Lumières, en fait essentiellement parce qu’elle était parlée dans plusieurs cours princières. Cette prééminence du français était due au rayonnement culturel de la France au XVIIIe siècle, et à l’admiration que des souverains étrangers (en Prusse, en Russie, etc.) portaient, à tort ou à raison, aux souverains français. Cette prééminence avait en réalité été préparée par l’édit de Villers-Cotterêts, signé par François Ier en 1539, qui établissait le français comme langue officielle, c’est-à-dire comme langue de l’administration et du droit (écrit). Dans ce sens, Richelieu fonde en 1635 l’Académie française, qui sert dès lors de régulateur et d'académie linguistique officielle. Au XVIIe siècle, de grands écrivains comme Corneille, La Fontaine, Molière, Racine ou encore Madame de Lafayette, donnèrent au français classique ses lettres de noblesse. Aujourd’hui, la langue anglaise est devenue une langue véhiculaire, porteuse d’un grand nombre d’informations dans des domaines comme le militaire, la finance, la science, et aussi et surtout l’informatique, la plupart des langages informatiques étant historiquement formés sur des mots de la langue anglaise. Les normes, en particulier comptables (l’informatique étant issue à l’origine de la comptabilité générale), tendent à imposer un certain modèle culturel. En France, après la Seconde Guerre mondiale, certains choisirent de réagir contre cette forme d’« impérialisme linguistique » en établissant des liens culturels avec les pays de langue française dans le monde : la francophonie. La protection de la langue française est aujourd’hui intégrée dans le droit français : article 2 de la Constitution de 1958, loi Toubon. Également,dans certaines régions francophones, tel que le Québec, des lois ont aussi été mises en place pour contrer la propagation de l'anglais. Nous pouvons également dénoter la présence de liens culturels qui s'établissent autour de l’espagnol (entre l’Espagne et l’Amérique du Sud). L’arabe est également un bon exemple des liens culturels établis autour de cette langue parlée le plus souvent dans le monde musulman, et qui se développa en même temps que la grande civilisation musulmane entre le VIIIe et le XVe siècle. Le multilinguisme est, au moins officiellement, reconnu dans la politique linguistique de l'Union européenne, comme portant une valeur de diversité culturelle[16]. Le langage étant l’un des modes de communication les plus importants (mais pas le seul), nous voyons apparaître des modèles linguistiques de communication fondés sur les fonctions du langage. Dans le schéma de Jakobson, par exemple, nous voyons ces concepts culturels liés au message lui-même, contenus notamment dans le code de communication. Culture et technique[modifier le code] Sciences et techniques sont en interaction permanente, puisque les techniques sont les applications des sciences dans la société. Parler des manifestations techniques de la culture revient donc à aborder ses relations avec les sciences. Nous pouvons constater, depuis plus de trois siècles, une incompréhension entre les sciences (plus précisément les sciences « exactes ») et la culture, voire à des conflits. Jacques Ellul a notamment développé la thèse selon laquelle la technique s'auto-accroît, imposant ses valeurs d'efficacité et de progrès technique, niant l'homme, ses besoins, et notamment sa culture. Claude Allègre note, dans Un peu de science pour tout le monde : « Dans un monde que la rationalité façonne, l’irrationalité tend à prendre le pouvoir, comme le montre l’essor sans précédent des astrologues, cartomanciens, et sectes de tout poil. La raison principale de cette dérive est qu’au nom d’une spécialisation nécessaire et toujours exigeante, les scientifiques se sont isolés et ont laissé la science s’abstraire de la culture générale. Or, il n’y a pas d’avenir pour un savoir humain, quel qu’il soit, en dehors de la culture, et il ne saurait être de culture dans le monde d’aujourd’hui qui tienne la science à distance ». Le philosophe Hans Jonas montre en effet, dans le Principe responsabilité (1979), que l’homme tend à adopter, vis-à-vis de la science et surtout de ses applications technologiques, un comportement prométhéen. Il prône le principe de précaution et se trouve à l’origine des principes philosophiques du développement durable. L’astrophysicien Jean Audouze, ancien directeur de l’Institut d’astrophysique de Paris, dresse le même constat, et appelle de ses vœux une réconciliation entre la science et la culture. Importance et place de la culture collective[modifier le code] La diversité culturelle dans les communautés humaines[modifier le code] Nous pouvons distinguer à travers le monde les cultures écrites et les cultures orales. La langue, écrite ou orale, joue ainsi un rôle essentiel dans l’élaboration d’une forme de connaissance sociale, qui est la pensée du sens commun, socialement élaborée et partagée par les membres d’un même ensemble social ou culturel. Nous appelons quelquefois cette connaissance commune une représentation sociale. Dans le domaine de l’archéologie et de l’anthropologie, la culture se définit comme étant l’ensemble des connaissances et des comportements qui caractérisent une société humaine, ou plus généralement un groupe humain à l’intérieur d’une société. Seulement quelques cultures sont parvenues à l’état de civilisation dans l’Histoire de l’humanité. Même s’il existe une culture dominante dans une société, généralement formée autour de la culture de l’élite, il se forme toujours des groupes sociaux dont les intérêts, les pratiques, sont particuliers par rapport à la culture dominante. Nous trouvons ainsi diverses formes de cultures, comme la culture populaire, la culture de masse, la culture de jeunesse, ou ce que l’on appelle la subculture (ou culture intime). Dans la définition que donne l'UNESCO du patrimoine culturel immatériel, la diversité culturelle apparaît comme un élément déterminant : « Ce patrimoine culturel immatériel, transmis de génération en génération, est recréé en permanence par les communautés et groupes en fonction de leur milieu, de leur interaction avec la nature et de leur histoire, et leur procure un sentiment d'identité et de continuité, contribuant ainsi à promouvoir le respect de la diversité culturelle et la créativité humaine »[17]. La culture enfantine se distingue de celle des adultes, car les systèmes de représentation d’un enfant et d’un adulte sont nécessairement différents. Faire dialoguer des personnes de cultures différentes peut nécessiter une médiation interculturelle. Des personnes se sont spécialisées dans la médiation culturelle. Selon Christian Puren, il existerait plusieurs composantes à la compétence culturelle : transculturelle, métaculturelle, interculturelle, pluriculturelle, co-culturelle. Cette distinction permet d'analyser les situations où elles s'articulent, se combinent ou se superposent[18]. Culture et nature[modifier le code] Article connexe : Coévolution § Coévolution gène-culture. Beaucoup de personnes aujourd’hui identifient souvent la culture ou la « civilisation » à un état évolué de l’humanité, qui s’opposerait, selon eux, à l’état sauvage, la « nature » étant un état sauvage selon eux. Beaucoup de projets réalisés du XVIIIe siècle au début du XXe siècle, qui eurent lieu dans le cadre de la révolution industrielle, s'orientèrent dans le sens précédent. Tel n’était pourtant pas le cas de beaucoup de philosophes des Lumières, comme John Locke qui fonda la philosophie politique sur la loi de la nature (law of nature), Robert Boyle, auteur d’ouvrages sur la méthode expérimentale (voir philosophie de la nature), Jean-Jacques Rousseau (rêveries d’un promeneur solitaire), Samuel von Pufendorf (qui inspira la constitution des États-Unis), ou de nombreux courants de peinture au XIXe siècle (école de Barbizon, impressionnisme, etc.). Dans les dernières décennies, de nombreux philosophes se sont inquiétés des rapports avec la nature (René Dubos, Hans Jonas, etc.). Selon la philosophie moderne, et en particulier dans le sillage de Claude Lévi-Strauss, nous considérons généralement que la culture est naturelle à l'homme, dans le sens où tous les hommes en ont une et qu'un quelconque « état de nature » (état pré-culturel) ne serait qu'une pure fiction. Pour ce thème, voir l'article Jean-Jacques Rousseau. Des découvertes récentes montrent que la nature, le biologique, influence la culture. Par leurs recherches, Robert Stoller et ses collaborateurs ont montré que, dans des cas d'erreur sur la détermination du sexe à la naissance résultant d'une anomalie biologique non apparente, des forces de la nature agissent « sur les attitudes et comportements d'un enfant à travers ses jeux, son habillement, ses choix de partenaires de jeu, etc., autrement dit, que l'inné peut influencer l'acquis »[19]. Voir aussi : état de nature, Philosophie de la nature, développement durable, Droits de la nature. Même si la culture physique était à l’origine cantonnée aux gymnases, le développement des activités sportives modernes tend à se rapprocher de la nature : alpinisme, ski (notamment le ski de fond), cyclisme, kayak, canyoning, etc. Facteur culturel dans la mondialisation[modifier le code] La mondialisation fait sans aucun doute intervenir des enjeux culturels considérables. Ainsi, après la fin de la guerre froide, les différentes sociétés ont parfois vécu ce que nous appelons le choc des civilisations. Depuis la chute du mur de Berlin (1989) apparaît ainsi un modèle prédominant, le modèle anglo-saxon réputé « libéral », mais où, en fait, nous trouvons un engagement très fort de la puissance publique américaine dans l’industrie de l’armement et l’industrie informatique. L’emprise américaine est particulièrement forte sur les aspects culturels, et joue sur les interactions multiples (entreprises, partenariats avec des ONG) à partir des composants fondamentaux de la culture (valeurs, normes, institutions, artefacts). L'influence socioculturelle s'exerce par l'intermédiaire du social learning, et de ses composantes que sont l'enseignement, la langue, et le cinéma[20]. Ce modèle anglo-saxon, appuyé sur l’anglais comme langue véhiculaire, tend à imposer certains modes de fonctionnement dans les institutions mondiales, notamment commerciales, qui, selon certains observateurs, peuvent traduire une forme d’impérialisme culturel et linguistique. Le développement de la culture de masse depuis les années 1930, dans le sillage de l’américanisation, a favorisé des modes de consommation et de production qui ne sont plus forcément aujourd’hui compatibles avec les contraintes sociétales contemporaines. Dans le sixième essaicomposé pour la Crise de la culture, Hannah Arendt analyse la culture de masse, transformation de l'objet culturel en un loisir, pour ensuite proposer l'attitude à adopter vis-à-vis de l'art pour ne pas le soumettre à la logique de la société de consommation[21]. Face à cette forme de domination, certains pays réagissent en prônant la diversité culturelle, et s’organisent en conséquence. En France, l’expression exception culturelle recouvre l'ensemble des solutions adoptées pour défendre la diversité culturelle. Elles passent par des formes d’action concentrées autour de l’État (aides publiques et subventions aux différentes formes de médias, comme les décrets dits Tasca de 1990) mais aussi par la démarche privée grandissante et l'effort de qualité sur le matériel artistique. Culture et patrimoine[modifier le code] Article détaillé : Patrimoine (culture). Spontanément, l'expression patrimoine culturel fait penser à un patrimoine matériel (sites, monuments historiques, œuvres d'art, etc.). L'UNESCO a établi en 1972 une liste du patrimoine mondial, composée de plusieurs centaines de sites dans le monde[22]. Cette conception du patrimoine a évolué depuis une quinzaine d'années. Nous lui avons d'abord adjoint une liste Mémoire du monde (1992), qui recense les collections documentaires d'intérêt universel (déclaration des droits de l'homme et du citoyen, instauration du système métrique, mémoire du canal de Suez, etc.). En 1997, la notion de patrimoine oral et immatériel de l'humanité a été définie par l'UNESCO[23]. Nous nous orientons donc progressivement vers une conception du patrimoine qui inclut à la fois un patrimoine matériel, mais aussi un patrimoine culturel immatériel (PCI). Ce changement de conception du patrimoine n'est pas sans conséquences sur les représentations sociales et la psychologie sociale des communautés, puisque les traditions vivantes (carnaval de Binche par exemple) et documentaires sont reconnues au même titre que les monuments et œuvres d'art du passé. Lorsque des effets similaires se produisent sur un ensemble d’individus appartenant à une même communauté, nous parlons alors de biais culturel. Culture et entreprises privées[modifier le code] Article détaillé : Culture d'entreprise. L’objectif des entreprises n’est pas le plus souvent de produire de la culture. Néanmoins, et même dans les secteurs autres que la culture, d’une part, nous pouvons trouver d'une part que les liens avec les activités culturelles sont accrus, et d’autre part que la notion de culture d'entreprise se développe, notamment avec l’apparition de chartes définissant les valeurs partagées des personnes travaillant dans une même entreprise. Historiquement, ce fut la création des comités d'entreprise qui permit d’abord aux employés de bénéficier d’activités culturelles proches de leur lieu de travail (prêt de livres, de disques, etc.). Plus récemment, les activités de mécénat se sont multipliées, afin de renforcer l’image des entreprises : par exemple le sport (voile, tennis, football, cyclisme, etc.), pour donner une image d’esprit d'équipe. Le mécénat tend à s’ouvrir aujourd’hui à des activités plus artistiques. Nous voyons par exemple des entreprises privées participer à l’organisation d’expositions. Ainsi une entreprise du secteur pétrolier peut trouver des intérêts à participer à des expositions en relation avec la culture arabo-musulmane par exemple. Dans le cadre de stratégies de développement durable et de responsabilité sociétale, nous observons aujourd’hui une multiplication des messages des entreprises autour de chartes d’entreprise, et de mécénats culturels ou sociaux. Ces différents aspects ont pour objectif de renforcer l’image de l’entreprise. Ce type d’activité est très naturel aux États-Unis, où les relations entre entreprises et ONG s’établissent facilement. Ce mode de fonctionnement décentralisé et privé n’est pas encore totalement passé dans les mœurs dans beaucoup de pays européens, particulièrement en France, où la puissance publique joue traditionnellement un rôle important. Les ONG culturelles peuvent pourtant favoriser l’éducation dans les pays en développement (en Afrique par exemple), et renforcer les liens. Néanmoins, si l’entreprise considère le mécénat comme de la communication pure dans ses rapports d’activité annuels (voir responsabilité sociétale), cela peut cacher dans certains cas des insuffisances dans les stratégies. La culture d'entreprise, impulsée par les décideurs, et expliquée aux employés et aux parties prenantes de l’entreprise, devrait ainsi participer d’une manière générale à la construction d’une culture stratégique d’entreprise. Évolution, diffusion et sélection culturelles[modifier le code] Principes généraux de l’évolution culturelle[modifier le code] Les cultures concernant la seule espèce humaine, et que nous pouvons repérer dans le vivant au lien étroit qu'elles entretiennent avec le langage symbolique et avec les formes spécifiques d'organisation, les techniques et technologies qui en découlent, se modifient sans cesse depuis leur émergence, il y a plusieurs centaines de milliers d'années. Elles se situent dans le prolongement des cultures des primates qui furent nos ancêtres, et qui ressemblaient plausiblement en partie à celles qui sont encore celles de « nos cousins » les grands singes. Toutefois, entre l'utilisation de la voix (dans l'aria des gibbons) ou le recours à l'instrumentation simple, voire l'existence de relations sociales très complexes (chez les chimpanzés, comme le démontrent les travaux de Jane Goodall), et le fonctionnement découlant d'une interposition d'une grille de signifiants commune entre les individus d'une même société et le monde, il existe une rupture. Celle-ci est difficilement niable, quels que soient les efforts - méritoires et fort utiles - pour abolir la notion de « propre de l'homme », qui reste à expliquer, notamment pour ce qu'il a entraîné une divergence assez extraordinaire entre le destin de notre espèce et ceux des autres, les plus proches. Il se manifeste deux lignes d'analyse antagoniques sur ce problème : l'une met en avant légitimement l'appartenance de l'humanité à la nature, et se défie des préjugés religieux (préférant situer l'origine de l'homme dans une décision divine), ou de la réticence largement partagée à accepter que nous sommes aussi une espèce animale. La seconde, fondant les sciences humaines et sociales, tente de résister à un « naturalisme » réducteur en défendant leur domaine propre, irréductible à d'autres niveaux de réalité : le domaine d'une anthropologie qui trouve précisément son territoire dans l'étude de ce que l'homme ne partage pas avec les autres animaux. Il faut sans doute dépasser les formes dogmatiques de cet antagonisme inévitable pour définir plus finement le rapport entre « continuité naturelle », entre cultures des primates et cultures humaines, et l'apparition d'une divergence spécifique. Pour ce faire, nous pouvons avoir recours jusqu'à un certain point à l'analogie entre la « longue évolution » (du vivant) et la « très courte » (de la culture humaine) : des biologistes (comme Jean Claude Ameisen) ont étudié l'histoire des bactéries, afin de comprendre l'incroyable complexité des mécanismes assurant vie et mort des cellules dans les organismes multicellulaires. Ils concluent à la nécessité de reconstituer des « époques disparues », pour interpréter la situation présente, et comprendre des phénomènes comme le cancer. D'autres biologistes se sont intéressés davantage à l'histoire des espèces elles-mêmes : dans tous les cas, l'analogie avec les histoires humaines se révèle heuristique, quitte à payer le prix de l'anthropomorphisme en dotant les gènes ou les cellules de traits humains intentionnels comme des « intérêts », ou des « stratégies ». En revanche, les spécialistes des sciences humaines utilisent peu le recours aux savoirs biologiques. Ils ont sans doute tort en partie, mais leurs arguments n'ont rien à voir avec une variante du Créationnisme : ils tentent seulement de mettre au point des outils d'analyse qui ne soient pas d'abord importés d'autres disciplines, alors que dans leur propre domaine (notamment pour la période de moins de 30 000 ans pour laquelle ils disposent de traces incontestables de la culture symbolique : rites funéraires, représentations, systèmes de signes), la diversité et la confluence, bref le mouvement des cultures, semble obéir en priorité à des lois spéciales. Analogies avec l'évolution biologique[modifier le code] Tout comme il y a une évolution biologique, certains éthologues, ainsi que plusieurs généticiens, estiment qu’il y a une évolution culturelle, et que cette évolution se fait par mutation, puis est transmise par des « gènes » de la culture, appelés mèmes, qui subissent une pression sociale et environnementale, aboutissant à leur disparition ou au contraire à leur expansion (propagation). La spécificité durable des cultures humaines est qu’elles fonctionnent comme des « conversations politiques » entre positions différentes, des processus de propositions-objections, réorganisant constamment les collectifs sociaux. La disparition d’une culture n’est donc pas nécessairement la « mort » d’un organisme, mais le passage à une autre configuration conversationnelle ; l’abandon de certaines métaphores collectives pour d’autres. L'analogie avec l'évolution des formes vivantes demeure intéressante et fructueuse car, comme les cultures langagières humaines, les espèces biologiques

La cathédrale Notre-Dame de Chartres est un édifice catholique situé au cœur de la ville de Chartres dans le département français d'Eure-et-Loir, en région Centre-Val de Loire. Monument de l'architecture gothique, elle est traditionnellement considérée comme l'une des cathédrales de ce style les mieux conservées par ses sculptures, vitraux et dallages. Elle a été construite au début du XIIIe siècle, pour la majeure partie en trente ans, sur les ruines d'une précédente cathédrale romane, elle-même détruite lors d'un incendie en 1194. Des ajouts ont par la suite été réalisés, tels la chapelle de Vendôme ou encore la flèche nord qui date du XVIe siècle. Abritant une relique que la tradition identifie comme le voile de la Vierge, elle est un grand lieu de pèlerinage marial qui domine la ville de Chartres et la plaine de la Beauce et se dévoile au regard à près de trente kilomètres de distance. Elle a notamment inspiré les écrivains Joris-Karl Huysmans et Charles Péguy. L'édifice fait l'objet d'un classement au titre des monuments historiques par son recensement sur la liste des monuments historiques protégés en 1862[1]. Par ailleurs, il est parmi les premiers monuments français inscrits sur la liste du patrimoine mondial par l'UNESCO en 1979. Historique[modifier le code] Les édifices précédents[modifier le code] Légendes chartraines[modifier le code] La légende de l'élection divine et mariale de Notre-Dame de Chartres est une tradition forgée au XIVe siècle[Note 1] par les chanoines de la cathédrale[2]. Vers 1420, le prédicateur Jean de Gerson s'appuie probablement sur cette légende pour évoquer une ancienne grotte occupée par des druides carnutes cent ans av. J.-C., grotte dédiée à « la Vierge devant enfanter » (légende d'une statue de déesse mère qui aurait servi de sanctuaire aux premiers chrétiens, à l'époque romaine, la statue portant l'inscription Virgini pariturae[Note 2]).[citation nécessaire] Ce mythe des druides commence à se constituer dans le grand courant qui fait abandonner la légende de l'origine troyenne des Francs pour un retour à la tradition gauloise[3]. Il est popularisé au XVIIe siècle par l'avocat au Parlement de Paris Sébastien Roulliard[4], pèlerin au sanctuaire de Chartres en 1608. Ce mythe des druides s'est ainsi développé pendant des siècles à partir de compilations, et a été progressivement intégré par l'historiographie religieuse locale qui en a donné toutes les apparences de la vérité historique[5]. Cette « Vierge devant enfanter » est par la suite vénérée dans la chapelle de Notre-Dame de Sous-Terre à l'intérieur de la crypte, sous la forme d'une statue d'origine romane datée du XIIe siècle[6]. Puits des « Saints Forts »[modifier le code] Après la galerie courbe qui dessert les chapelles absidiales de la crypte, s'ouvre dans le mur de gauche une niche abritant l'ouverture d'un puits qui est le lieu le plus ancien de la cathédrale. Appelé puits des « Saints Forts », autrefois « Lieux Forts », il a été probablement creusé à l'intérieur de l'enceinte de l'oppidum carnute d'Autricum à l'époque gallo-romaine[7]. Profond d'environ 33,5 m, il est alimenté par la nappe phréatique circulant sous la cathédrale et atteignant les courants qui rejoignent l'Eure[Note 3]. Alimentant en eau l'oppidum, il est resté en dehors de l'église jusqu'en 1020. La crypte abritant la statue de la Vierge et le puits est au Moyen Âge le lieu de rassemblement des pèlerins, surtout locaux[Note 4]. Le puits est comblé au milieu du XVIIe siècle et son emplacement est caché : le clergé chartrain juge en effet fâcheuses les superstitions attachées au puits et à la crypte, dite « caveau de Saint-Lubin » et devenue grotte druidique, si bien qu'il fait construire une épaisse maçonnerie dissimulant l'un et l'autre. Le puits est retrouvé, dégagé en 1900–1901 par l'historien local René Merlet[8], la niche et l'ouverture datant de 1903, année de la restauration aux frais des fidèles. Merlet réactive le mythe druidique car la tradition locale affirme depuis que ce puits votif est réputé être d'époque celtique, faisant l'objet d'offrandes. Les sanctuaires chrétiens étant parfois construits sur de précédents lieux de culte païens, la tradition chartraine a ainsi associé la grotte druidique à de nombreuses légendes[5].[Information douteuse] Des origines à la cathédrale de Fulbert[modifier le code] Selon des traditions tardives et légendaires qui visent à prouver l'antériorité du siège épiscopal de Chartres sur celui de Sens[9], la construction du premier édifice aurait eu lieu vers 350. Appelé « cathédrale d'Aventin », du nom du premier évêque de la ville, Aventin de Chartres, cette dernière date plus probablement du début du VIe siècle[10]. Placée sous le vocable de la Vierge, elle est incendiée en 743 ou 753 par les troupes du duc d'Aquitaine Hunald Ier[Note 5]. La cathédrale reconstruite est à nouveau détruite par les vikings danois le 12 juin 858 puis remise en état par l'évêque Gislebert de Chartres. On lui doit probablement certaines parties de l'actuel martyrium, appelé caveau Saint-Lubin[11]. En 876, le roi d'Aquitaine Charles le Chauve, petit-fils de Charlemagne, fait don à la cathédrale de la relique connue sous le nom de « Voile de la Vierge » ou « Sainte Tunique »[12]. Cet événement fait de Chartres un sanctuaire de premier plan[13]. Enfin, après avoir été incendiée le 5 août 962 pendant la guerre qui oppose le duc de Normandie Richard Ier de Normandie au comte de Chartres, Thibaud Ier de Blois[14], la cathédrale fit l'objet d'un nouveau sinistre provoqué par la foudre le 7 et 8 septembre 1020. La cathédrale de Fulbert[modifier le code] L'évêque Fulbert de Chartres[Note 6] entreprend aussitôt la reconstruction de la cathédrale. Malgré un nouvel incendie qui ravagea la charpente, elle est consacrée par le successeur de Fulbert, l'évêque Thierry (Theodoricus), le 17 octobre 1037[15]. La cathédrale de Fulbert était constituée de deux niveaux avec des accès différenciés. La crypte était consacrée à la vénération des reliques tandis que l'étage supérieur était dédié aux cérémonies présidées par l'évêque. Par la suite, une puis deux tours furent ajoutées pour encadrer la façade occidentale, avant que celle-ci ne soit elle-même rebâtie en même temps que le portail royal. Construction de la cathédrale actuelle[modifier le code] Le 5 septembre 1134, la ville de Chartres est presque entièrement détruite par un incendie. Si la cathédrale romane de Fulbert est épargnée, c'est l'occasion de construire une nouvelle façade sur le terrain rendu libre et d'édifier le portail royal vers 1145-1150[16]. La ville est de nouveau la proie d'un incendie le 10 juin 1194. Le voile de la Vierge de Chartres aurait été providentiellement mis à l'abri dans le martyrium dit « chapelle de Saint Lubin » par des clercs. Après deux ou trois jours de déblayage, les chanoines qui s'étaient réfugiés avec elle et la relique sont retrouvés[17]. En réchappent plusieurs parties : les cryptes, les deux tours qui ne subissent que des dégâts mineurs. Le portail occidental est conservé ainsi que les trois baies de vitraux le surplombant. Un autre vitrail, « Notre-Dame de la Belle Verrière », est aussi sauvé de l'incendie avant d'être remonté dans le déambulatoire[18]. La réédification de la cathédrale, sous la forme que nous connaissons aujourd’hui, débute immédiatement après cet incendie, ce qui suppose un programme architectural planifié depuis longtemps. Initié par l'évêque Renaud de Bar, ce projet n'est donc certainement pas la conséquence de l'incendie. Les historiens émettent deux hypothèses : soit l'incendie est un accident de chantier (chantier de restauration ou de construction, par exemple lors de travaux de soudure)[19], soit il a été provoqué pour débloquer une situation conflictuelle entre les chanoines et l'évêque[20]. Certains architectes qui interviennent dans la construction de cette cathédrale gothique sont de nos jours connus, mais il faut prendre en compte une succession de maîtres d’œuvre venus d'autres chantiers contemporains[21],[22]. Toutefois force est de constater l'extrême rapidité du chantier et ce, sans rupture de financement : la nef est bâtie avant 1210. Le bois d'échafaudage retrouvé dans des anciens trous de boulin permet de dater la construction de la cathédrale par dendrochronologie. Les arbres d'où sont issus ce bois ont été abattus en 1195, après l'incendie. Le bas de la cathédrale a été construit de 1210 à 1215, en allant de la nef vers le chœur. La nef terminée, les claires-voies (des rangées de fenêtres en hauteur) du chœur sont réalisées entre 1215 et janvier 1221, année où les chanoines s'installent. Donc, à ce moment, fenêtres et voûtes sont probablement en place, pour protéger le mobilier. Les claires-voies des transepts sont érigées de la fin des années 20 au début des années 30. Entre 1222 et 1226, Guillaume le Breton (chroniqueur), écrit son admiration pour l'église de Chartres, l'édifice lui paraissant achevé[23]. Les fenêtres constituent pour l'époque le plus vaste et le plus onéreux ensemble en verre dans un édifice : ce matériel est plus coûteux que la pierre. Un étalage de cette dépense se manifeste au niveau du fenestrage des claires-voies : chacun est constitué de deux fenêtres à lancette et d'une rosace au-dessus ; jusqu'alors, la rose était plus petite que la largeur des lancettes, mais à Chartres elle a la même taille, augmentant la surface de verre. Lors de la construction, les roses de la façade occidentale et les fenêtres de transepts sont installées d'abord, chacune avec son propre remplage. Celles du sud sont installées entre 1225 et 1230, suivies par celles du nord[23]. Dès 1221, les chanoines s'installent dans leurs stalles, ce qui indique que l'érection du chevet est achevé. Tout le gros œuvre, hormis les porches, les voûtes et les pignons du transept, est achevé en une trentaine d'années (1194-1225)[24]. En 1240, les vitraux sont déjà réalisés et la consécration solennelle a lieu le 24 octobre 1260[25]. De 1200 à 1230, l'intérieur de la cathédrale est recouvert de plâtre et peint en ocre, avec les colonnes badigeonnées en blanc. Par-dessus, des faux joints ont été retracés pour donner l'illusion de conserver la maçonnerie visible[23]. L'édifice est très tôt envisagé par les historiens de l'art comme la formule fondatrice du gothique classique mais ce jugement doit être nuancé, la construction de la cathédrale chartraine s'inscrivant dans un contexte d'émulation générale faite d'échanges et de transferts d'expérience[26]. La cathédrale est construite par des ouvriers spécialisés, appelés compagnons, réunis en confréries ou fraternités. Ces derniers, payés à la tâche, ont parfois laissé sur les pierres quelques signes gravés, les marques de tâcheron qui sont leurs signatures[27]. La chapelle Saint-Piat et la salle capitulaire[modifier le code] Article détaillé : La chapelle Saint-Piat et la salle capitulaire. La chapelle Saint-Piat de Chartres est une chapelle hors les murs de la cathédrale, reliée à cette dernière par un escalier vitré qui conduit à l'ancienne chapelle du premier étage. Fermée à la visite en 2000, elle bénéficie durant 24 ans d'un long processus de recherches et de restauration et rouvre le 21 septembre 2024 afin d'exposer le trésor de la cathédrale et une collection de pièces archéologiques datant en grande partie du XIIIe siècle. Le trésor est présenté dans la chapelle du premier étage et le dépôt lapidaire au sein de l'ancienne salle capitulaire située au rez-de-chaussée. Les deux salles communiquent par un escalier dans la tourelle sud. Comme les tours et les parties hautes de la cathédrale, l'édifice est géré par le Centre des monuments nationaux. La chapelle de Vendôme[modifier le code] Article détaillé : chapelle de Vendôme. La chapelle fut construite par Louis de Bourbon, comte de Vendôme à la suite du vœu qu'il fit le 31 mai 1413, alors qu'il était à Chartres en pèlerinage d'action de grâce pour avoir été libéré de la captivité où le tenait son frère Jacques de Bourbon comte de la Marche, partisan des Bourguignons[28]. Par acte capitulaire du 2 décembre 1414, les chanoines permirent au comte de Vendôme de bâtir sur la cathédrale une chapelle hors d'œuvre[28]. La chapelle a en effet été prise en abattant le mur du collatéral sud de la cathédrale, encadrant la construction entre les deux contreforts de la cinquième travée. Après la bataille d'Azincourt, où Louis de Bourbon fut à nouveau fait prisonnier, les travaux sont réalisés en 1417 par Geoffroy Sevestre[29],[30], pendant sa longue captivité[28]. Délivré en 1422, il s'engagea ensuite auprès de Jeanne d'Arc[28]. Les aménagements à l'époque moderne[modifier le code] À la Renaissance, divers aménagements sont opérés. Le 26 juillet 1506, la flèche de bois recouverte de plomb qui surmonte la tour nord disparaît dans un incendie allumé par la foudre. Les chanoines chargent l'architecte Jehan de Beauce de reconstruire entièrement en pierre le « clocher Neuf » dans le style gothique flamboyant, travail achevé en 1513. Le même architecte entame la construction en 1514 de la clôture de chœur dont la réalisation s'étend sur deux siècles[31] et érige en 1520 le pavillon de l'horloge de type Renaissance, structure extérieure devant la première travée du côté septentrional de la nef[32]. L'ensemble est peu modifié au XVIIIe siècle. En septembre 1723, cinq nouvelles cloches sont installées. En 1757 les chanoines de Chartres, gênés par la faible lumière descendant des vitraux, voulurent les remplacer par des fenêtres grisailles en verre opaque, plus lumineuses. Ainsi ils en détruisirent une douzaine, surtout pour mieux voir dans le chœur. Une mésaventure arriva également aux vitraux des églises de Paris à la même époque. Heureusement, vers 1700, François Roger de Gaignières, antiquaire, avait fait réaliser des aquarelles d'un grand nombre des vitraux de Chartres, gardant la mémoire de ceux qui ont été détruits depuis[23]. Le jubé du XIIIe siècle (probablement construit entre 1230 et 1240[33]) de plus de vingt mètres de long est détruit en 1763 lors des réaménagements du chœur. Certains fragments sont remployés comme dalles. Cette clôture est notamment remplacée en 1769 par une grille en fer forgé dessinée par l'architecte Victor Louis. Le jubé du XVIIIe siècle[modifier le code] Le jubé du XVIIIe siècle, réalisé en 1769[34] sous l'épiscopat de Pierre Augustin Bernardin de Rosset de Rocozels de Fleury, se compose en effet de la grille de Victor Louis[35],[36], encadrée de chaque côté d'un bas-relief de Pierre-François Berruer, lui-même flanqué à droite et à gauche de deux allégories de vertus, hauts-reliefs d'environ 2,75 m de hauteur du même sculpteur. Chacun des deux ensembles latéraux est soutenu par un soubassement en avancée décoré de rinceaux[37]. Sont ainsi placés : sur la partie gauche, un bas-relief figurant le baptême du Christ[38],[39], accompagné des vertus : l'Espérance, appuyée sur une ancre marine[36], la Charité, portant un pélican le ventre ouvert afin de nourrir son petit[36] ; sur la partie droite, le bas-relief de l'Annonciation[40],[39], accompagné des vertus : la Foi, soulevant un calice[35], l'Humilité, piétinant une couronne[35]. Les trois premières vertus sont les vertus théologales. Pour respecter la symétrie, l'architecte conçoit dans son projet d'ajouter une des quatre vertus cardinales, la Tempérance. Le sculpteur préfère la transformer en représentation de l'Humilité[33]. Tous ces éléments sont exposés dans la salle basse du clocher sud, à l'exception du baptême de Jésus, accroché sur le mur ouest de la salle basse du clocher nord. Dessin du jubé du XVIIIe siècle et photographies de ses composants (vue de la nef) Sergent-Marceau, 1782 (détail). La Charité. Le baptême du Christ. L'Espérance. La grille centrale. La Foi. L'Annonciation. L'Humilité. La cathédrale à l'époque contemporaine[modifier le code] Période révolutionnaire[modifier le code] Sous la Révolution française, la cathédrale est convertie en temple de la Raison le 9 frimaire an II (29 novembre 1793)[41] ou le 15 novembre 1793[42], puis en temple du culte de l'Être suprême. Le culte catholique est rétabli en 1795[41]. Elle subit des dommages pendant la Terreur : destructions de vitraux et des statues du portail sud, disparition de tout le mobilier, plomb de la couverture arraché et fondu pour fabriquer des balles de fusil[Note 7]. L'orfèvrerie et l'argenterie du trésor sont également fondus. La statue de Notre-Dame-de-Sous-Terre est livrée aux flammes. Le député de la Convention Sergent-Marceau, originaire de Chartres, est nommé en octobre 1792, adjoint à la commission conservatrice des monuments des arts. C'est à ce titre qu'il prend des mesures pour que soit évitée la destruction de toutes les sculptures et même de tout l'édifice[43]. Les chapelles absidiales reçoivent même des embellissements grâce à l'entrepreneur-architecte Laurent Morin[42]. Après la Révolution[modifier le code] Le 4 juin 1836, un vaste incendie dû à la négligence de deux ouvriers plombiers qui avaient laissé leur brasero sans surveillance, détruit la toiture et la « forêt » (la charpente en bois de châtaignier)[44]. La relation de cet accident est faite par Lejeune en 1839, puis reprise par Merlet et Sablon en 1860[45]. Grâce à la révolution industrielle et sa foi dans les possibilités architecturales de nouveaux matériaux incombustibles, l'architecte départemental Édouard Baron propose son remplacement par une charpente métallique de 600 tonnes de fonte et de fer laminé, et une toiture constituée de 11 000 plaques de cuivre. La charpente est réalisée de 1836 à 1841 par l'ingénieur Émile Martin et l'entrepreneur parisien de serrurerie Sylvain Mignon, tandis que Quenehen réalise la couverture en cuivre[46]. L'effort est soutenu par des dons et plusieurs lois de financement que fait voter le ministre des Cultes Sauzet, l'État propriétaire des cathédrales depuis le Concordat de 1801 prenant à sa charge une grande partie de la reconstruction[47]. La cathédrale est sauvée de la destruction le 16 août 1944, pendant la Seconde Guerre mondiale grâce au colonel américain Welborn Griffith. Celui-ci remet en question l'ordre reçu de détruire les clochers de la cathédrale, ses chefs croyant que les Allemands s'y abritaient et s'en servaient comme poste d'observation. Il se porte volontaire pour aller vérifier avec un autre volontaire la présence de soldats allemands à l'intérieur. Constatant que la cathédrale est vide, il sonne les cloches pour avertir de l'absence d'ennemi. Il est tué au combat le même jour à Lèves près de Chartres. Il est décoré à titre posthume de la croix de Guerre avec palme, de la Légion d'Honneur et de l'Ordre du Mérite par le gouvernement français, ainsi que de la Distinguished Service Cross du gouvernement américain[48],[49]. Au XIXe et XXe siècles, plusieurs éléments (clochers, vitraux, chapelles, crypte)[50] font l'objet de restaurations sur proposition de la commission des Monuments Historiques. Les fouilles archéologiques qui sont effectuées à cette occasion permettent un renouvellement des connaissances par les apports de l'archéologie du bâti[51]. La cathédrale de Chartres est classée en 1979 comme Patrimoine mondial par l'UNESCO aux trois motifs suivants : représenter un chef-d’œuvre du génie créateur humain. « Construite assez rapidement et presque d’un seul jet, la cathédrale de Chartres constitue, par l’unité de son architecture et de sa décoration, l’expression totale et achevée d’un des aspects les plus unanimes du Moyen Âge chrétien » ; témoigner d’un échange d’influences considérable… « La cathédrale de Chartres a exercé une influence considérable sur le développement de l’art gothique en France et hors de France » ; offrir un exemple éminent d’un type de construction… « La cathédrale de Chartres est à la fois un symbole et un édifice type : l’exemple le plus éclairant que l’on puisse choisir pour élucider la réalité culturelle, sociale et esthétique de la cathédrale gothique ». Travaux de restauration depuis 2009 et directive de protection (2022)[modifier le code] Cette section doit être actualisée. (juin 2025) Il manque des informations récentes pertinentes et vérifiables, et certains passages peuvent annoncer des événements désormais passés, ou des faits anciens sont présentés comme actuels. Mettez à jour ou discutez-en.Motif : Certaines sections concernant les campagnes de restauration de ces dernières années sont incomplètes et datées (juin 2025). En 1989 dans le Bulletin monumental, l'historien d'art Jürgen Michler (1936-2015)[52] a étudié la polychromie originale de l'intérieur de la cathédrale de Chartres[53]. Cet article a conduit le service des Monuments historiques à remettre en question sa vision traditionnelle de la cathédrale gothique et sa politique de restauration. Le service des Monuments historiques admettait que les murs étaient sombres et dénués de tout décor intérieur contrastant avec l'éclat des vitraux. Jürgen Michler a montré, qu'au contraire, les murs sont revêtus d'une polychromie claire créant avec le coloris des verrières un ensemble architectural lumineux facilitant la lecture des vitraux. Financés par le ministère de la Culture, la région Centre-Val de Loire et par de nombreux dons (soit en tout près de 14 millions d'euros), la cathédrale est actuellement en plein chantier de restauration. Les travaux ne sont d'ailleurs toujours pas terminés : en 2027, par exemple, commencera le chantier de restauration des trois portails de la façade méridionale du transept. Intérieur[modifier le code] La première partie des travaux, en 2008, concernait deux chapelles du chœur (chapelle des martyrs et chapelle d'axe). Il s'agissait d'expérimenter la reconstitution des enduits. Le haut-chœur a été restauré entre 2009 et 2010. Cette opération a mis au jour des badigeons ocre et blanc du XIIIe siècle, reprenant un motif de pierre, jusque-là cachés par la pollution[54]. Le bas-chœur a été provisoirement masqué par une restitution de l'ancien jubé. De juillet 2010 à novembre 2011, le narthex (côté intérieur de la façade occidentale, ou « avant-nef »), le bas-chœur et le déambulatoire nord ont été mis en travaux. En septembre 2012, Notre-Dame du Pilier fut transférée dans le collatéral nord de la nef. Les travaux ont été suspendus entre les fêtes de Pentecôte 2013 et 2014. La montée des échafaudages de la nef (trois premières travées côté croisée du transept) est en cours depuis juin 2014. Il est prévu deux ans pour la totalité de nef (un peu moins : Pentecôte 2014 à Pâques 2016). Le tour du chœur, composé de plusieurs de centaines de statues, a été entièrement restauré entre 2016 et 2022. Extérieur[modifier le code] Les restaurations extérieures entreprises en 2006 ont porté sur la façade occidentale, les portails de la façade nord et les contours de la rose sud. Comme à l'intérieur, les chercheurs ont découvert que la totalité de la superficie extérieure était peinte : des traces de badigeon de couleur ocre et blanc recouvrant les parois sont caractéristiques d'une polychromie sur enduit[54]. Cette polychromie extérieure identique au revêtement couvrant intérieur, révèle notamment une esthétique du faux appareil et laisse entrevoir combien la couleur des cathédrales, lumière matérielle, devait participer à l’effet de transparence, favoriser la confusion visuelle entre la paroi et l’enveloppe, niant ainsi « la réalité lithique de l’édifice sous le voile d’une luminance incarnée »[55]. Vitraux[modifier le code] Articles détaillés : Vitraux de Chartres et Chapelle Saint-Piat. Les vitraux du XIIIe siècle, répartis sur quatre-vingt-quatorze baies, font l’objet d'un programme de restauration complet au rythme de deux à trois baies par an (la restauration d'une baie est estimée à environ 160 000 euros). En 2012, les deux tiers des baies étaient déjà restaurés : le niveau inférieur (déambulatoire, bas-côté de la nef et chapelles rayonnantes), les baies hautes du chœur, les rosaces du transept avec les lancettes correspondantes, et les verrières de la façade ouest (les plus anciennes). En 2017, après la réfection du toit de la chapelle Saint-Piat[56], les sept vitraux de la chapelle, dont les plus anciens datent du XIVe siècle[57], sont restaurés grâce au financement de l'association Chartres sanctuaire du Monde[58] : les trois baies nord et la baie est sont confiées à l'atelier de Claire Babet de La Bourdinière-Saint-Loup (Eure-et-Loir), les trois baies sud à l'atelier Pinto de Tusson (Charente)[59],[60]. De nouveaux vitraux créés par l'artiste coréenne Bang Hai Ja et réalisés par les ateliers Glasmalerei Peters de Paderborn (Allemagne) sont installés en 2022 au niveau inférieur de la chapelle Saint-Piat dans la salle capitulaire destinée à devenir le lieu d'exposition du trésor de la cathédrale[61],[62]. Le trésor de la cathédrale[modifier le code] Article détaillé : Chapelle Saint-Piat. Un quart de siècle après sa fermeture au public, après des travaux de réaménagement de la chapelle Saint-Piat, le trésor de la cathédrale est ouvert à la visite le 21 septembre 2024[63],[64]. Ce trésor, connu depuis l'inventaire de 1322, comprend notamment[64] : un ensemble d’armures royales médiévales ; des colliers de coquillages, ou wampums, offerts au XVIIe siècle par deux tribus indiennes d’Amérique du Nord ; le tabernacle dit de saint Aignan, cuivre, XIIIe siècle, Classé MH (1899)[65],[66] ; un retable d’Ancien Régime ; des sculptures monumentales médiévales provenant de la cathédrale, dont six statues-colonnes et quatre colonnettes du portail royal déposées dans les années 1970 ; trois hauts-reliefs du jubé du XIIIe siècle : la Nativité, l'Adoration des Mages, le Réveil des Mages endormis, Classé MH (1903)[67] ; la navette à encens de Miles d'Illiers, en forme de navire, nacre et argent, 1540, Classé MH (1899)[68]. Projet d'aménagement du parvis[modifier le code] La mairie de Chartres a pour projet d'aménager le parvis de la cathédrale par la construction d'un centre d'interprétation à partir de 2020[69]. Ce nouveau bâtiment engendrant une modification de la perspective de l'édifice a été avalisée par la commission nationale des monuments historiques section « abords ». Cette annonce suscite des contestations relatives à son utilité et à son impact sur les abords de la cathédrale[70],[71]. Protection[modifier le code] Selon l'UNESCO, la cathédrale a une « valeur universelle exceptionnelle » et relève, à ce titre, du patrimoine mondial[72]. En conséquence, Chartres et les communes aux alentours font l'objet d'une directive de protection et de mise en valeur des paysages destinée à préserver les vues sur la cathédrale, approuvée en 2022 par un décret en Conseil d'État[73]. Évènements importants[modifier le code] Article détaillé : Sacre d'Henri IV. Henri IV est sacré dans cette cathédrale et non pas à Reims, comme le voulait la coutume. Reims et Paris sont en effet tenus à cette époque par l'armée de la Ligue catholique, qui opposent leur résistance au roi à cause de sa religion protestante[74]. Arrivé le 17 février à Chartres, il passe ses journées en prières et en recueillement et se fait sacrer roi de France dans la cathédrale de Chartres le 27 février 1594 : après s'être vêtu d'une chemise blanche, ouverte devant et derrière pour permettre l'onction, et d'une cape en satin cramoisi, il entre solennellement dans la cathédrale, non pas selon la légende sur son cheval, mais à pied[75]. La cérémonie se déroule dans le chœur, le peuple ne pouvant la voir à cause du jubé. À la fin de ce rituel, le roi et l'évêque s'installent sur le jubé afin que le prélat célèbre la messe et que le peuple puisse y participer. Après la messe du sacre, un cortège se dirige vers l'évêché, sous les « Vive le Roi » de la foule, pour un immense banquet[75]. Structure[modifier le code] Plan, composition et dimensions principales[modifier le code] La forme de l'édifice, orienté vers le Nord-Est, est celle d'une croix latine avec nef basilicale. La nef comprend cinq travées voûtées d'ogives quadripartites sur plan barlong que longent des collatéraux voûtés d'ogives quadripartites implantées sur des travées plus larges que longues, rompant ainsi avec le tracé quadrangulaire traditionnel[76]. Les deux bas-côtés deviennent doubles à l'entrée du chevet. Les bras du transept se composent de trois travées voûtées d'ogives quadripartites sur plan barlong et sont percés en leurs extrémités de trois portails précédés de porches flanqués de tourelles qu'une flèche devait dominer[Note 9]. Le projet primitif envisageait peut-être une tour couronnant le carré oblong du transept comme le suggèrent les quatre piles massives composées de colonnes engagées qui cantonnent ce carré[77]. Autour du rond-point du chœur, hémicycle composé de sept pans, le double déambulatoire est lui aussi voûté d'ogives quadripartites, le couloir annulaire extérieur présentant une variation inhérente à la difficulté du plan tournant[77]. Ce déambulatoire dessert les chapelles absidiales et la sacristie construite entre 1260 et 1270 au nord sur deux travées dont l'axe est légèrement différent de celui de la cathédrale[32]. Les chapelles absidiales sont de deux types, rayonnantes à cinq pans pour les trois chapelles les plus saillantes, ou murales à deux ou trois pans pour trois chapelles moins importantes, situées entre les chapelles rayonnantes. Du sud au nord du déambulatoire, les chapelles sont distribuées ainsi : chapelle de tous les Saints nommée précédemment chapelle Saint-Loup et de Saint-Gilles, à trois pans portant les baies no 24, 22 et 20 ; chapelle des Confesseurs ou de Saint-Nicolas, à cinq pans portant les baies no 18, 16, 14, 12 et 10 ; l'accès à la chapelle Saint-Piat s'effectue au travers d'une ancienne chapelle murale à deux pans, portant les baies no 8 et 6 ; chapelle des Apôtres, chapelle axiale de l'édifice, encadrée par deux statues de Charles-Antoine Bridan : la Madeleine, à gauche et le Christ à droite[78] ; les cinq pans portent les baies no 4, 2, 0, 1 et 3 ; chapelle à deux pans portant les baies no 5 et 7 ; chapelle des Martyrs ou de Saint-Étienne dite aujourd'hui chapelle du Saint-Cœur de Marie, à cinq pans portant les baies no 9, 11, 13, 15 et 17 ; chapelle murale à trois pans potant les baies no 19, 21 et 23. La cathédrale gothique reprend le massif occidental de l'ancien édifice. Avec les dimensions suivantes[79], l'édifice fait partie des plus grandes cathédrales de France : hauteur sous voûte : 37,50 m ; hauteur du sol au faîte de la toiture : 51 m ; hauteur du clocher de style roman : 105 m ; hauteur du clocher de style gothique : 115 m ; longueur extérieure (sans la chapelle Saint-Piat) : 130,20 m (contre 145 m pour Amiens) ; longueur intérieure : 130 m (contre 133 m pour Amiens) : dont longueur de l’avant-nef : 17 m, longueur de la nef : 44 m, croisée du transept : 14 m, longueur du chœur : 37 m, déambulatoire et chapelle axiale : 18 m ; largeur du vaisseau central de la nef : 16,4 m (contre 12 m pour Notre-Dame de Paris) ; largeur de la nef avec les bas-côtés : 33 m ; largeur intérieure du transept de trumeau à trumeau: 63,4 m ; largeur du chœur avec les bas-côtés : 47 m ; largeur de la façade Ouest : 48 m : dont le Portail Royal : 15 m ; largeur de chacune des façades nord ou sud : 40 m. La cathédrale de Chartres, située dans une région de plaine dépourvue d'obstacles, est visible sur le territoire de plus de cent communes et à près de trente kilomètres de distance[80], conduisant à la mise au point d'un projet de directive de protection et de mise en valeur des paysages[81]. Élévation[modifier le code] Le grand vaisseau adopte une élévation à trois niveaux : grandes arcades en arcs brisés profilées d'un méplat entre deux tores et reposant sur des colonnes à supports engagés (l'abandon du voûtement sexpartite au profit d'un voûtement quadripartite barlong n'appelle plus d'alternance des supports qui est subtilement rappelée par la variation du dessin des supports, alternativement circulaire et octogonal)[82] ; triforium qui devient « continu », composé de quatre arcades brisées à la clef par travée ; fenêtres hautes à lancettes géminées en arc brisé surmontées d'une rose à huit lobes qui occupe toute la largeur du mur[83]. La maîtrise de l'arc brisé, de l'ogive et de l'arc-boutant a ainsi permis la suppression du niveau des tribunes propre aux années 1140-1180 (cathédrales de Laon, Noyon et Senlis, entre autres) et l'agrandissement des arcades et des fenêtres hautes[84]. L'autre trait de l'élévation chartraine est l'équilibre entre les lignes verticales et les lignes horizontales soulignées par les deux bandeaux continus profilés en amande qui encadrent le triforium dont les arcades semblables créent une puissante horizontale[85]. Détails complémentaires[modifier le code] Avec une superficie de 650 m2, le chœur est le plus étendu de France et le transept d'une longueur de 63,4 m est le plus long de France. La crypte romane est également la plus vaste de France. Dans cette crypte se trouve le puits des Saints-Forts, d'une profondeur de 33 mètres. La cathédrale comprend 3 500 statues, dont 200 dans la clôture du chœur. On compte neuf portails sculptés, ce qui est unique en Europe. La grande rosace, avec un diamètre de 13,36 mètres, est une des plus grandes du monde : les deux rosaces du transept de Notre-Dame de Paris ont un diamètre de 13,1 mètres. Près de 9 000 personnages sont représentés dans la cathédrale, si l'on inclut les vitraux. La Vierge est figurée 181 fois. On compte 176 verrières. La surface totale de vitraux est de 2 600 m2 ; la cathédrale possède ainsi la plus importante surface au monde de vitraux des XIIe et XIIIe siècles. Le sol de la nef est en très légère pente : en partant des portails de la façade occidentale et en se dirigeant progressivement vers la croisée des transepts, on monte petit à petit. Par contre, le sol des bas-côtés est bien horizontal, de sorte qu'il est au même niveau que celui de la nef à la croisée des transepts, mais du côté de la façade occidentale il est à quatre marches au-dessus de celui de la nef. Épargné par les guerres et les révolutions, l'édifice est considéré comme la cathédrale gothique la plus complète et la mieux conservée de France : environ 90 % de son gros œuvre, 80 % de ses sculptures, 60 % de ses vitraux ainsi que de son dallage sont d'origine, bien qu'elle soit construite avec les techniques de l'architecture romane, montrant ainsi une continuité et non une rupture entre ces deux types d'architecture[54]. Matériaux de construction[modifier le code] La cathédrale est principalement construite en calcaire de Beauce, qui s'est déposé dans un immense lac qui couvrait la Beauce au Miocène (Tertiaire) il y a environ 20 millions d'années. Il est appelé « pierre de Berchères » car il provient principalement des carrières de Berchères-les-Pierres, à dix kilomètres au sud-est de Chartres, mais aussi des carrières de Ver, de Corancez et d'Emprainville (village maintenant disparu)[86]. C'est un calcaire dur, lourd et compact (peu poreux, il est étanche), avec une texture grossière peu adaptée aux fines sculptures. Il est difficile à travailler, mais il est solide et très résistant dans le temps[87]. Malgré ses défauts, cette pierre a permis d'y sculpter les moulures, les roses, les arcatures, les balustrades, les colonnettes monolithiques et leurs chapiteaux, et les autres subtilités de l'architecture gothique. Ailleurs dans la région, cette pierre a été plus souvent réservée aux fondations et aux soubassements des bâtiments, tandis que des calcaires plus fins et tendres ont été utilisés en élévation, mais ces derniers étaient difficilement disponibles à Chartres. De nos jours, outre une carrière dédiée aux besoins des restaurations de la cathédrale, cette pierre de Beauce est surtout exploitée en concassé pour en faire du granulat pour béton. C'est également cette pierre de Berchères qui constitue le solide dallage à l'intérieur de la cathédrale, très bien conservé et poli par les semelles des visiteurs au cours des siècles[88]. Le labyrinthe est aussi en pierre de Berchères, qui est de couleur claire, contrastant avec une pierre marbrière noire probablement importée des Ardennes. Lors des restaurations récentes, de la craie a été repérée dans les voûtes, c'est un calcaire plus léger que la pierre de Berchères, et plus adapté pour ce type de structure[89]. Les sculptures des portails, en revanche, sont en calcaire lutétien, plus précisément du « liais franc », qui provient des anciennes carrières de Paris. Il a comme fossiles caractéristiques, rares, les milioles et les cérithes. C'est une pierre à la fois dure et très fine, d'excellente qualité pour la sculpture. Cette pierre se reconnait bien ici à sa teinte plus jaune qui se détache de la pierre de Berchères qui est d'un blanc grisâtre. Le liais n'existe qu'en une couche de 30 à 40 cm d'épaisseur dans les carrières de Paris, c'est cette contrainte qui a déterminé le style allongé et assez plat des statues[90],[91],[92]. D'autres calcaires lutétiens sont employés en moindre mesure : celui du Mantois et de Maule pour les soubassements, les chambranles des portes et les ébrasements des portails occidentaux ; calcaire à milioles pour les tympans des portails ; calcaire à patine jaune-rose et empreintes de cérithes pour le linteau et les sommiers du portail de la Vierge[93]. La clôture du chœur quant à elle, finement sculptée, est en pierre de Vernon, une craie blanche, tendre et très fine, réputée à la fin du Moyen Âge et à la Renaissance, et bien adaptée pour ce type de sculpture, elle contient quelques rares silex noirs très durs[94]. Extérieur[modifier le code] Les tours[modifier le code] Pour l'essentiel, le massif occidental est construit au XIIe siècle. La moitié supérieure de sa partie centrale remonte au XIIIe siècle et les étages supérieurs de la tour septentrionale au début du XVIe siècle, d'où l'asymétrie de la partie supérieure des tours[32] : la tour sud (dite « clocher vieux »), d'une hauteur de 103 m, est reconnaissable à sa flèche effilée ; elle a été édifiée entre 1142 et 1170 ; la tour nord (dite « clocher neuf »), haute de 115 m et ornée de baies sculptées, a été achevée en 1516. Les étages inférieurs de la tour nord sont en vérité plus anciens que la tour sud : on entreprend la construction du premier étage en 1134, après un incendie datant de la même année, le second étage est réalisé entre 1145 et 1152, et le troisième étage commencé en 1194, après un autre incendie. Son beffroi est à l'origine un simple clocher de bois, mais il est détruit par un incendie en 1506. Cette même année, on décide de confier la construction d'une nouvelle flèche à Jehan de Beauce. Il achève son clocher de style gothique flamboyant en 1516. La tour sud est de plan carré pour les trois premiers niveaux, de plan octogonal pour le quatrième niveau et la flèche. Cette flèche est recouverte d'écailles taillées dans la pierre. Sa forme pourrait avoir été inspirée par la flèche de l'église de la Trinité de Vendôme, située à 80 km au sud de Chartres[95]. Sa pureté géométrique a inspiré de nombreux artistes et écrivains, parmi lesquels Charles Péguy qui l'a dite « unique au monde »[96] et Joris-Karl Huysmans qui l'a décrite comme « s'effusant d'un seul jet, (...) chassant dans les nuages une fumée de prières par sa pointe »[97]. Le clocher neuf (tour nord), richement décoré, peut être décomposé en quatre niveaux. Le premier est de plan carré, percé de baies géminées à réseaux gracieux en forme de gouttes (typique du gothique flamboyant). Le deuxième niveau est de plan octogonal, et s'appuie sur quatre arcs-boutants dont les culées, coiffées de pinacles à crochets, contiennent des niches sur trois de leurs (quatre) faces, dans lesquelles on peut voir des statues d'apôtres. Ses baies contiennent des roses à triskèle et sont coiffées de gables. Au troisième niveau, toujours de plan octogonal, huit culées viennent supporter deux doubles étages d'arc-boutant chacune (soit quatre arcs en tout), tous richement décorés de sculpture. Le quatrième niveau, également de plan octogonal, comprend encore des fenêtres et supporte la flèche ornée de crochets. Ce beffroi contraste avec la base romane, reconnaissable à ses contreforts épais et ses ouvertures réduites. Au sommet de la flèche sud se trouve une lune, tandis qu'à celui de la flèche nord se trouve un soleil. Le clocher nord a contenu six cloches, dont trois bourdons. On peut citer, principalement, Marie et Gabrielle, les plus gros et les plus anciens de la cathédrale. On estimait Marie pesant quinze tonnes et Gabrielle dix. Ces six cloches ont été fondues vers la fin 1793 pour fabriquer des canons et de la monnaie de bronze. Les cloches[modifier le code] La cathédrale possède 7 cloches, 6 cloches de volée et 1 timbre. Le timbre (La 2 - 4.900 kilos), fondue en 1520 par Pierre Savyet, est la seule cloche rescapée des époques pré-révolutionnaires. Elle mesure 1,95 mètres et a été classé au titre des monuments historiques le 6 février 1942. Deux cloches de volée ont été fondues en 1840 par les frères Alexandre et Jean-Baptiste Cavillier, fondeurs à Amiens : Marie (bourdon) : Sol 2 - 6 200 kilos ; Joseph : Si 2 - 2 350 kilos. Les quatre autres ont été fondues en 1845 par Petitfour frères, fondeurs à Arbot (Haute-Marne) : Anne : Ré 3 - 2 040 kilos ; Élisabeth : Mi 3 - 1 515 kilos ; Fulbert : Fa # 3 - 1 095 kilos ; Pia : Sol 3 - 870 kilos. Façade ouest[modifier le code] La façade occidentale constitue la porte d'entrée principale de l'édifice religieux. Encadrée par deux tours, elle présente un programme sculpté important : 24 grandes statues (il en reste 19 aujourd'hui) et plus de 300 figures forment un décor en harmonie avec l'architecture de la cathédrale[98]. L'identification des statues est incertaine, mais sur le plan artistique elles représentent un jalon important de l'évolution du style gothique : malgré un aspect assez hiératique, elles présentent selon Bulteau « une délicatesse et une habileté inimitables dans les détails, une naïveté charmante, une expression chrétienne admirable »[99]. Cette façade large de 47,65 m est percée d'une rosace de 12 mètres de diamètre : autour d'un œil central à douze lobes, rayonnent douze colonnes à larges chapiteaux portant 12 quartiers à 2 médaillons entre lesquels s'inscrivent 12 rosaces extérieures à huit lobes, séparées par des quadrilobes. On y distingue les compositions en panneaux et les larges bordures à motifs végétaux des encadrements. La rose surmonte trois baies semi-romanes en lancette : la baie axiale, appelée verrière de l'Enfance du Christ, mesure 11 mètres de haut sur 3,80 mètres de large (c'est la plus grande baie du XIIe siècle en France)[100]. Elle est flanquée au sud du vitrail de l'Enfance et au nord d'une verrière consacrée à l'Arbre de Jessé) répondant point par point aux trois portails sculptés de l'étage inférieur, appelés le portail royal. Au sommet se trouve une galerie de 16 statues identifiées comme la lignée des rois de Juda, avec au milieu la statue du roi David reposant sur un lion. Cette galerie est elle-même surmontée à l'extrémité du pignon dont le galbe comporte une statue de la Vierge entourée de deux anges et le sommet une statue de trois mètres représentant le Christ donnant sa bénédiction[101]. Sa fonction principale est de porter au loin le son des cloches, de solenniser l’entrée dans l’église, de donner un point de départ aux liturgies des pèlerinages (le trumeau de son portail central est ainsi détruit pour augmenter la largeur des deux portes et faciliter les processions), et en même temps d’afficher par le programme iconographique les grands principes de la foi[102]. Le portail royal[modifier le code] Le portail royal est antérieur à la reconstruction de l'édifice au XIIIe siècle. Épargné lors du grand incendie de 1194, il date des années 1145-1150. Parvenu pratiquement intact jusqu'à nous, il s'intègre dans le massif occidental qui se compose de trois baies largement décorées, cette composition tripartite ayant une influence manifeste avec la façade harmonique de filiation anglo-normande[104]. Structure innovante, ce triple portail à statues latérales, à tympan, linteau et voussures sculptées a une influence architecturale importante puisqu'il est repris par de nombreuses cathédrales gothiques (Le Mans, Angers, portails nord et sud de Bourges, statues-colonnes de Rochester et Sangüesa)[10]. Situé à la charnière de l'art roman et de l'art gothique, il a probablement été réalisé par les mêmes sculpteurs que le portail de la basilique Saint-Denis. Il se démarque par la grande qualité de ses sculptures. Le programme iconographique mêle des scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament, associant ainsi les précurseurs de la Chrétienté - le peuple juif - à l’accomplissement de la promesse, formulée selon le dogme chrétien. Les trois tympans proclament les mystères de la Foi. Ils représentent respectivement de gauche à droite, selon une interprétation courante, l'Ascension, la Parousie et l'Incarnation. Les trois baies précédées d'un perron à cinq marches sont unifiées par une longue frise sculptée qui, courant de chapiteau en chapiteau entre les statues-colonnes et les tympans, raconte la vie du Christ avec des dizaines de petites figures réparties en trente-six scènes[99]. Cette frise se lit de droite à gauche en allant du portail central au clocher neuf, puis de gauche à droite en allant du portail central au clocher vieux. La baie de gauche[modifier le code] Le tympan de gauche illustre l'Ascension du Christ. Certains spécialistes voient toutefois dans ce tympan une représentation de la descente aux Limbes ou ne se prononcent pas sur son sujet[99]. Les voussures sont ornées des signes du zodiaque et des mois de l'année. Deux de ces signes, toutefois, sont sculptés sur les voussures de la baie de droite. Ébrasement de gauche : Sara (?), Abraham (?), Agar (?)[105] Le tympan : le Christ soutenu par deux anges Ébrasement de droite : Moïse et statue mutilée (copie)[105] Quelques signes du zodiaque et activités typiques de certains mois de l'année La baie centrale[modifier le code] Le tympan central illustre le quatrième chapitre de l'Apocalypse. Le Christ est représenté en majesté trônant dans une mandorle et tenant le livre des sept sceaux de l'Apocalypse. Il est entouré du tétramorphe – quatre animaux ailés symboles des quatre évangélistes. Sur les voussures, une troupe céleste glorifie le Christ : des anges tenant des astrolabes et les 24 vieillards de l'Apocalypse tenant dans leurs mains des flacons de parfum et des instruments de musique. Au sommet, deux anges tiennent une couronne au-dessus de la tête du Christ. Sur le linteau, on peut voir les douze apôtres ainsi que deux personnages, peut-être les prophètes Élie et Hénoch. Selon Émile Mâle, ce portail s'inspire de ceux de Carennac, pour le Christ dans une mandorle accompagné des apôtres, et de Moissac pour la représentation des 24 vieillards de l'Apocalypse. Par la suite ce tympan fut imité au portail sud de la cathédrale du Mans et dans de nombreuses autres églises[106]. Les statues-colonnes qui soutiennent le tympan représentent David, Salomon[107], la Reine de Saba – peut-être Isaïe ou Ézéchiel. Le décor qui enserre les statues représente les derniers feux du style roman : il se compose d'entrelacs, de colonnettes et de feuilles d'acanthe qui témoignent d'influences méridionales. Colonnette sculptée d'un élément du zodiaque, ébrasement de gauche : signe du Sagittaire Même colonnette, signe de la Balance Trois statues de l'ébrasement de gauche : reine, Joseph (?), Isaïe (?)[105] Tympan : le Christ entouré du tétramorphe Statues de l'ébrasement de droite : Ézéchiel[108] ou Samuel, David, la reine de Saba, Salomon[105] La baie de droite[modifier le code] Le tympan de droite comprend une représentation de la Vierge sur le trône, dominant des scènes de sa vie. Sur les voussures sont notamment figurés les sept arts libéraux, chacun étant accompagné d'un personnage l'ayant illustré : Pythagore pour la Musique, Boèce[105] pour l'Arithmétique, Quintilien[99] ou Cicéron[105] pour la Rhétorique, Euclide[105] pour la Géométrie, Aristote[105] pour la dialectique, Ptolémée pour l'Astronomie, enfin Donat[105] pour la Grammaire. C’est aujourd'hui l'entrée habituelle de la cathédrale, côté ouest. Ébrasement de gauche : jeune roi (copie[103]), rois Tympan : (de haut en bas) la Vierge sur le Trône ; la présentation de Jésus au Temple ; Annonciation, Visitation et Nativité Ébrasement de droite : Matthieu, Charlemagne ou Constantin, Hildegarde de Vintzgau ou une reine[105] Voussures : Pythagore Le portail nord[modifier le code] Le portail nord est aussi appelé « portail de l'Alliance ». Il se présente, comme le portail sud, sous la forme d'un porche percé de trois portails. Des accès l

L’attentat de Sarajevo est l’assassinat perpétré le dimanche 28 juin 1914, de l’archiduc François-Ferdinand, héritier de l'Empire austro-hongrois, et de son épouse, Sophie Chotek, duchesse de Hohenberg[1], par le nationaliste serbe Gavrilo Princip[2], membre du groupe Jeune Bosnie (Mlada Bosna). Cet événement est considéré comme l’élément déclencheur de la Première Guerre mondiale qui eut pour conséquences la défaite, la chute et le démembrement des empires russe, austro-hongrois, allemand et ottoman. Cinq ans plus tard, la date anniversaire du 28 juin est choisie pour la signature du Traité de Versailles[3]. Contexte historique et géopolitique[modifier le code] Une série d'insurrections en Bosnie-Herzégovine, Serbie et Bulgarie contre l'Empire ottoman embrase les Balkans entre 1875 et 1878. La Russie intervient au nom du panslavisme et obtient une victoire nette sur les Turcs qui se conclut par le traité de Berlin. Selon les termes du traité, les sandjaks turcs de Bosnie et d'Herzégovine sont occupés et administrés au nom du sultan par l'empire Austro-Hongrois. De son côté, la Serbie obtient son indépendance qui, sous la dynastie des Obrenović, adopte une politique pro-autrichienne. En 1903, un coup d'État porte sur le trône de Serbie Pierre Karageorgevitch, partisan de l'expansionnisme serbe et d'une politique pro-russe. Les relations entre la Serbie et l'Autriche-Hongrie ne vont dès lors pas cesser de se dégrader sur fond de faiblesse de plus en plus prononcée de l'Empire ottoman. En 1908, les deux sandjaks de Bosnie-Herzégovine sont annexés par l'Autriche-Hongrie, ce qui déclenche de vives protestations diplomatiques, notamment de la part de la Russie et de la Serbie. L'Empire allemand soutient diplomatiquement l'Autriche-Hongrie. De surcroît, cette occupation est mal vécue par une partie des populations slaves, qui souhaitent la création d'une jugo slavija (littéralement en serbo-croate : « État slave du Sud ») — en français Yougoslavie — aux dépens de l'Autriche-Hongrie. Enfin, les guerres balkaniques dans les années 1912 et 1913 entraînent la perte de la majeure partie des possessions ottomanes en Europe. La Serbie devient la grande puissance des Balkans, ce qui menace l'Autriche-Hongrie et crée un climat de tension exacerbé par le pangermanisme et le panslavisme[4]. Contrairement à une idée répandue, la notion d'origine médiatique de « poudrière » pour décrire la situation des Balkans est à nuancer et son « explosion » n'était pas une fatalité. Les nombreuses relations diplomatiques à cette époque permettent en effet de résoudre les crises par des conférences internationales, si bien que l'hypothèse d'une escalade jusqu'à la guerre semblait inconcevable jusqu'à l'attentat. Celui-ci a entraîné des réactions exaltées et pris de vitesse les forces pacifistes[5]. Toutefois, certains historiens, comme Jean-Paul Bled[6], pensent que compte tenu des intérêts en jeu le conflit était inévitable et que les efforts diplomatiques n'ont fait qu'en retarder l'échéance. Visite de l'archiduc héritier[modifier le code] Les autorités austro-hongroises choisirent comme date de la visite de l'archiduc le 28 juin 1914, jour de Vidovdan (une fête religieuse importante chez les Serbes orthodoxes, qui célèbre la Saint-Guy). C'est aussi la date anniversaire de la bataille de Kosovo Polje en 1389, une défaite des Serbes devant l'armée turque qui entraîna l'annexion de leur royaume à l’Empire ottoman pour plus de quatre cent cinquante ans[7]. Aussi le voyage de l'archiduc héritier, inspecteur général des armées, était-il considéré par la minorité serbe comme une provocation. Cette date correspondait également au quatorzième anniversaire du mariage morganatique du couple princier et l'archiduc héritier voulait mettre à profit cette visite en province pour apparaître publiquement avec son épouse et lui faire profiter des honneurs que l’étiquette de la maison impériale et royale ne lui permettait pas de recevoir à la cour[8]. Le même jour, l'ambassadeur serbe rencontre à Vienne le ministre austro-hongrois de Bosnie-Herzégovine, Leon Biliński, et tente vainement de le convaincre de l'imminence de l'attentat qui menace l'archiduc François-Ferdinand d'Autriche s'il se rend à Sarajevo[9]. Mais Biliński refuse de tenir compte de l'avertissement de l'ambassadeur de Serbie à Vienne, Jovan Jovanović (sl), qu'un attentat était en préparation[10]. Des proches du prince lui avaient également déconseillé ce déplacement. Le chapelain de l'archiduc lui avait aussi déconseillé ce voyage. Logeant depuis le 25 juin à Ilidža, une station thermale à environ 12 kilomètres à l'ouest de Sarajevo, François-Ferdinand assista aux manœuvres militaires les 26 et 27 juin. Les circonstances du voyage d'inspection de François-Ferdinand à la suite des grandes manœuvres organisées en Bosnie-Herzégovine semblent avoir favorisé les assassins. La duchesse de Hohenberg, n'étant pas membre d'une famille impériale ni royale, ne pouvait recevoir les honneurs militaires. Aussi, le prince de Montenuovo, grand-maître de la cour, ordonna-t-il le retrait des troupes (40 000 hommes) de Sarajevo ; le couple ne bénéficiait donc plus de la protection de l'armée. Le couple princier passa la nuit du 27 au 28 juin à Ilidža et prit à 9 h 25 le train pour Sarajevo, où il était attendu pour plusieurs réceptions[11]. Complot d'Apis[modifier le code] Jeune Bosnie, un groupe de jeunes nationalistes serbes, musulmans et croates[12], était équipé de modèles de pistolets de 1910, issus de la FN Herstal, et de bombes fournies par la Main Noire, une société secrète soutenue par les services secrets serbes et qui avait déjà fomenté un attentat (non mis à exécution) contre l'empereur François-Joseph en 1910[13]. La Main Noire était dirigée par le responsable des services secrets serbes, le colonel Dragutin Dimitrijević, dont le nom de code dans l'organisation était Apis à cause de son physique et de son caractère redoutable[14]. Bien que liée au gouvernement serbe, la Main Noire dispose d'une autonomie considérable. L'armement du groupe de Princip, formé plus de révolutionnaires que de nationalistes, n'est connu que d'Apis[15]. Mais malgré toutes les précautions d'Apis, le président du Conseil serbe, Nikola Pašić, apprend la préparation de l'attentat grâce à Stojan Protić, le ministre de l'Intérieur[10]. Il fait alors demander une enquête sur Apis[10], et, avec Protić, tente d'arrêter la mission du groupe de Princip[10]. Tentative plus que difficile, en effet, le président serbe ne connaissant absolument pas les réseaux de Jeune Bosnie. Il prend malgré tout contact avec les Serbes de Bosnie et demande à son ministre de la Guerre, Dušan Stefanović, de stopper les activités des services de renseignements serbes qui seraient selon lui une menace pour le gouvernement de Serbie[10]. Il n'est pas clairement établi s'ils vont avertir le gouvernement austro-hongrois, mais il est sûr que l'ambassadeur serbe à Vienne, Jovan Jovanović (en), parle du groupe de Princip à Leon Biliński, le ministre des Finances et gouverneur de Bosnie, sans que l'on sache s'il s'agit d'une initiative individuelle ou d'une demande du gouvernement serbe d'informer Vienne[10]. Le degré d'implication de la Main Noire est contesté. Certains estiment que c'est cette organisation qui fut responsable de l'attaque et que les membres de Jeune Bosnie n'étaient que les exécutants. D'autres considèrent que Jeune Bosnie était idéologiquement très éloignée de la Main Noire et était si peu expérimentée que la Main Noire était persuadée que le complot ne réussirait pas. Cependant, la plupart sont d'accord pour dire que la Main Noire a fourni les armes et le cyanure aux assassins qui se sont entraînés au tir dans un parc de Belgrade[16]. Des liens directs entre le gouvernement serbe et l'action du groupe de Princip n'ont jamais été prouvés. Il existe en fait des indices qui laissent penser que le gouvernement serbe a tenté, de bonne foi, d'étouffer les menaces terroristes en Bosnie, puisqu'il évitait de susciter la colère du gouvernement austro-hongrois, après le contrecoup des guerres balkaniques. Selon une autre théorie, l'Okhrana aurait participé à l'attentat avec la Main Noire. Le projet d'attentat aurait été approuvé par l'ambassadeur de Russie à Belgrade Nikolai Hartwig et l'attaché militaire russe à Belgrade Viktor Artamonov[17]. En 1914,les relations entre l'Autriche-Hongrie et la Serbie étaient bonnes. Le Premier ministre serbe, Nikola Pašić, tenait particulièrement à ce bon voisinage, ce qui lui était reproché par les partisans d'une ligne panslave plus radicale et hostile à la présence autrichienne dans les Balkans. Ainsi les Russes et les Serbes voyaient d'un mauvais œil le slavophilisme de l’archiduc François-Ferdinand qui pourrait octroyer aux Bosniaques les mêmes droits qu'aux Autrichiens et aux Hongrois[18]. Attentat[modifier le code] Aucune source ne permet de déterminer avec certitude ce qui s'est réellement passé. Les minutes du procès permettent toutefois de savoir comment le complot a été organisé et mis à exécution. Partis de Belgrade, où ils s'exerçaient, les conspirateurs purent traverser la frontière sans encombre avec la complicité de certains agents au service de la Serbie[réf. souhaitée] et séjourner à Sarajevo quelques jours avant l'arrivée du couple princier. Les sept conspirateurs n'avaient aucune expérience dans le maniement des armes, et ce n'est que par une extraordinaire succession de coïncidences qu'ils parvinrent à leur fin. Le 28 juin dans la matinée, l’archiduc François-Ferdinand et sa femme Sophie Chotek, arrivent à Sarajevo. Le programme de la journée est rythmé par différentes visites : inspection d’une caserne militaire, visite à l’hôtel de ville afin de rencontrer le conseil municipal, inauguration du musée de Sarajevo, déjeuner à la résidence du gouverneur de Bosnie-Herzégovine, visite de la grande mosquée puis retour à la gare afin de rentrer à Vienne par le train[19]. Ils prennent place dans une limousine noire décapotable, immatriculée AIII 118. Ils sont accompagnés du général Oskar Potiorek et du comte Harrach, garde du corps personnel de l’archiduc[19]. Les sept conspirateurs sont postés le long du quai. Tous, à l’exception de l’un d'eux, sont armés de revolvers et de petites bombes rectangulaires. Aucun plan précis n’a été défini. Chacun a la consigne de passer à l’acte dès qu’il en a l’occasion[19]. Première tentative[modifier le code] À 10 h 15, le défilé de six voitures dépasse le premier membre du groupe, Mehmed Mehmedbašić, placé près de la banque austro-hongroise ; celui-ci n'ose pas tirer car, selon son témoignage, un policier se tenait derrière lui[20]. Le deuxième membre, Vaso Čubrilović (en), laisse également passer le convoi, craignant selon ses dires de toucher la duchesse. Nedeljko Čabrinović, lui, est déterminé. Après avoir demandé à un policier d’un ton faussement joyeux quelle est la voiture de l’archiduc, il lance une bombe (ou un bâton de dynamite d'après certains rapports) sur la voiture de François-Ferdinand, mais, dans la précipitation, n'attend pas les huit secondes recommandées pour la lancer : selon la légende, le prince, qui a eu le temps de prendre la bombe dans sa main, l'aurait jetée par terre[21] ou selon d'autres témoignages, la bombe rebondit sur son épaule ; en réalité, la grenade rebondit sur la voiture du prince et atterrit sous la voiture suivante, l'explosion blessant gravement ses passagers (le comte Fos-Waldeck et l'aide de camp du gouverneur territorial, le lieutenant-colonel Merizzi), ainsi qu'un policier et plusieurs personnes dans la foule. Les voitures se hâtent alors vers l’hôtel de ville, et la foule panique. « J’étais sûr que quelque chose de ce genre se produirait », s’exclame l’archiduc François-Ferdinand[19]. Čabrinović, lui, saute dans la Miljacka pour avoir le temps d'avaler sa pilule de cyanure, mais la police le rattrape et le sort de la rivière. Il est violemment frappé par la foule avant d'être placé en garde à vue. La pilule de cyanure qu'il avait prise était vieille ou de trop faible dosage, de sorte qu'elle n'a pas eu l'effet escompté. De plus, la rivière ne dépassait pas dix centimètres de profondeur. Les autres conspirateurs, Cvjetko Popović et Gavrilo Princip, renoncent à agir, le cortège de voitures roulant désormais trop vite à moins que certains aient présumé que l'archiduc avait été tué. Le dernier conspirateur, Trifun Grabež, placé au niveau de l'hôtel de ville, renonce également car il est mal positionné en raison des mouvements de foule[22]. À ce stade, la tentative d'attentat est alors considérée comme un échec par ses auteurs. Erreurs de communication[modifier le code] De son côté, l'archiduc-héritier et la duchesse de Hohenberg arrivent finalement à l’hôtel de ville où ils sont accueillis par le maire musulman, Fehim Effendi Curčić. Pensant que l’explosion entendue était un coup de canon tiré en l’honneur de leur visite, il commence son discours de bienvenue : « Votre Altesse Impériale et royale, nos cœurs sont remplis de joie à l’occasion de cette charmante visite que votre Altesse nous fait l’honneur d’accorder à la capitale de notre pays, et… »[19]. Il n’a pas le temps de finir. Furieux de ne pas se voir présenter d’excuse après l'attentat[19], l'archiduc François-Ferdinand l’interrompt : « C'est inadmissible ! Est-ce là l'habitude des Bosniaques d'accueillir avec des bombes ceux qui viennent pacifiquement à eux et de bonne foi ? »[23]. La réception officielle prévue se déroule dans un climat tendu[19]. L'archiduc émet ensuite inopinément le désir de visiter les victimes de la bombe (de Čabrinović) avant d'aller déjeuner. Le général Oskar Potiorek décide alors de changer l'itinéraire. Au lieu de tourner à droite en prenant la rue François-Joseph comme prévu initialement, le cortège devra longer le quai le long de la rivière pour se rendre à l’hôpital de la gare où sont soignées les victimes[19]. Il en avertit l'occupant de la première voiture du convoi, le Dr Edmund Gerde, commissaire de la ville mais ce dernier omet de le signaler au chauffeur, une première erreur qui va engendrer de la confusion au sein du cortège. Contre toute attente, aucune escorte supplémentaire n'est par ailleurs prévue pour protéger le convoi[19]. Assassinat[modifier le code] À 10 h 45, le couple impérial quitte l'hôtel de ville dans sa limousine[24], une Phaeton double Gräft & Stift, où ont également pris place le général Potiorek et le comte Harrach. Gavrilo Princip, lui, est placé devant le magasin Moritz Schillers Delikatessen[25], au croisement de quai et de la petite artère transversale qui rejoint la rue François-Joseph. N'ayant pas été informés du changement d'itinéraire, les chauffeurs des deux premières voitures prennent à droite au lieu de longer le quai. Dos à la route, le gouverneur Potiorek s'en aperçoit trop tard. Ce n'est que lorsque sa propre voiture, où se trouve également l'archiduc, tourne dans la même rue qu'il se rend compte de leur erreur. « Qu’est-ce que tu fais ? Tu te trompes de route, il faut rester sur le quai pour rejoindre l’hôpital »[19], lance-t-il au chauffeur. Celui-ci s'arrête alors au milieu de la foule pour faire demi-tour, ce qui est long et compliqué car la voiture ne possède pas de marche arrière. À proximité, Princip voit là une occasion de lancer sa bombe, puis se ravise. La foule étant trop dense, il craint de ne pas pouvoir se dégager suffisamment pour viser correctement la voiture. Son pistolet Browning à la main, il se dirige vers la voiture de l'archiduc. Un policier tente de l’intercepter mais trébuche après avoir reçu un coup de pied dans le genou de la part d’un autre serbe, Mihajlo Pušara, qui se tenait à proximité. Arrivé à hauteur de la voiture, Princip tire deux fois : la première balle traverse le bord de la voiture et atteint la duchesse de Hohenberg à l’abdomen. La seconde balle atteint l'archiduc dans le cou. Tous deux sont conduits à la résidence du gouverneur, où ils meurent de leurs blessures quinze minutes plus tard[26]. Princip tente de se suicider, d'abord en ingérant le cyanure, puis avec son pistolet. Comme Nedeljko Čabrinović, il vomit le poison (ce qui fit penser à la police que le groupe s'était fait vendre un poison beaucoup trop faible ou ce qu'ils croyaient être du cyanure)[27] ; le pistolet lui fut arraché des mains par un groupe de badauds avant qu'il ait eu le temps de s'en servir. Par ce geste, les coupables voulaient proclamer leur volonté de voir se réaliser une « Grande Serbie » regroupant tous les Slaves du Sud. Bien que l'archiduc ait été peu apprécié par son oncle l'empereur et roi François-Joseph Ier et que certains (à cause de ses idées sur l'avenir de l'Empire où une place plus grande aurait été donnée aux Slaves) aient pu ne pas regretter sa disparition (tant du côté serbe que hongrois), l'Autriche-Hongrie lance un ultimatum à la Serbie, le 23 juillet 1914. Condamnations[modifier le code] Le procès des auteurs et complices de l'attentat a lieu à Sarajevo en octobre 1914. Seize sentences sont rendues, allant de trois ans de travaux forcés à la mort par pendaison. Danilo Ilić, Velijko Čubrilović et Miško Jovanović sont exécutés à Sarajevo le 3 février 1915. Nedeljko Kerović et Jovan Milović voient leur peine de mort commuée en prison à vie, mais meurent en prison de la tuberculose en avril 1916. Les autres conspirateurs, y compris l'assassin Gavrilo Princip, évitent la mort parce qu'ils sont mineurs. Gavrilo Princip, Nedeljko Čabrinović et Trifko Grabež sont condamnés chacun à vingt ans de travaux forcés, Vasa Čubrilović à seize ans et Cvetko Popović à treize ans. Čabrinović meurt de maladie le 23 janvier 1916, Grabež le 21 octobre 1916 et Princip le 28 avril 1918. Parmi les autres condamnés à des peines de prison tous sont morts en prison par maltraitance bien que leurs procès aient été réguliers et légaux[28]. Conséquences[modifier le code] Articles détaillés : Crise de juillet et Ultimatum du 23 juillet 1914. Pendant leur interrogatoire, Prinzip, Čabrinović, et les autres ne dévoilent rien de la conspiration. Les autorités estiment que l'emprisonnement est arbitraire[pas clair], jusqu'à ce qu'un des membres, Danilo Ilić, perde son sang-froid lors d'un banal contrôle d'identité et dévoile tout aux deux agents qui l'ont arrêté, dont le fait que les armes étaient fournies par le gouvernement serbe. L'Autriche-Hongrie accuse la Serbie de l'assassinat. L'entourage de l'empereur est divisé : le comte Berchtold, ministre des Affaires étrangères après avoir été ambassadeur à Paris, Londres et Saint-Pétersbourg, souhaite une intervention immédiate en Serbie sans déclaration de guerre tandis que le comte Tisza, Premier ministre hongrois, nationaliste magyar craignant l'annexion de territoires peuplés de Slaves, promeut la voie diplomatique. Une entrevue à Potsdam avec le chancelier allemand Theobald von Bethmann Hollweg assure les partisans de la guerre du soutien allemand qui délivre aux Austro-Hongrois un « chèque en blanc ». Au cours du Conseil de la Couronne du 7 juillet 1914, l'Autriche-Hongrie pose un ultimatum. Seul le comte Tisza s'y oppose. Le lendemain, le 8, il rédige une lettre qui prévient ainsi l'empereur : « Une attaque contre la Serbie amènerait très vraisemblablement l'intervention de la Russie et une guerre mondiale s'ensuivrait ». L'un des points[29] de cet ultimatum est particulièrement irréalisable, si bien que la Serbie ne peut accepter l'ensemble des conditions. Le 25 juillet, soutenu par la Russie, le gouvernement serbe refuse la participation de policiers autrichiens à l'enquête sur le territoire serbe. Les relations diplomatiques entre les deux États sont rompues. Le 28 juillet, soutenue par l'Allemagne, l'Autriche-Hongrie déclare une guerre « préventive » à la Serbie, ce qui, par le jeu des alliances, mène ensuite à la Première Guerre mondiale. L'Europe s'engage alors dans quatre années de guerre. Dans la Wiener Zeitung du 29 juillet, l'empereur et roi François-Joseph déclare à ses sujets : « J'ai tout examiné et tout pesé ; c'est la conscience tranquille que je m'engage sur le chemin que m'indique mon devoir ». Malgré cette déclaration officielle toujours chargée de rassurer les peuples, d'autres sources affirment que l'empereur octogénaire aurait signé la déclaration de guerre en disant : « Une guerre préventive, c'est comme un suicide par peur de la mort ». Par ailleurs, suivant la tradition, François-Joseph aurait demandé au pape Pie X de bénir ses armées. Le Saint-Père lui aurait répondu : « Je ne bénis que la paix. » Dans son ouvrage consacré aux Habsbourg[30], l'historien Henry Bogdan mentionne : « Un hommage inattendu fut rendu plus tard à François-Joseph par le président Poincaré[31] : « C'était un souverain riche de bonnes intentions… Il n'a pas voulu le mal, il n'a pas voulu la guerre, mais il s'est entouré de gens qui l'ont faite. » » Citations issues des interrogatoires des membres de jeune Bosnie[modifier le code] Nedeljko Čabrinović : « Mon idéal était une république yougoslave, en général une république slave »[32]. Gavrilo Princip : « J’aspire à l’union de tous les Yougoslaves, sous quelque forme politique que ce soit, et à leur délivrance de l’Autriche. Le mobile principal était encore la vengeance pour toutes les souffrances que l’Autriche fait endurer au peuple »[33]. Vaso Čubrilović : « je suis nationaliste, donc pour la réunion de tous les Yougoslaves en un seul État »[32]. Rencontre des descendants[modifier le code] Le 11 novembre 2018, cent ans après la fin de la Première Guerre mondiale, Anita de Hohenberg (arrière petite-fille de François-Ferdinand de Habsbourg) et le cinéaste Branislav Princip (descendant de Gavrilo Princip) se sont rencontrés à Graz en Autriche. Cette entrevue, émouvante pour les deux descendants, a été surnommée par la presse autrichienne et serbe, « les mains de la paix »[34],[35]. Dans la culture[modifier le code] La chanson Sarajevo du groupe de power metal suédois Sabaton raconte l’assassinat de François-Ferdinand de Hasbourg et de sa femme[36]. Une version romancée de l'attentat est donnée dans l'intrigue du film The King's Man : Première Mission (The King's Man), sorti en 2021. Un groupe de rock Britannique a pris le nom de Franz Ferdinand Notes et références[modifier le code] ↑ « Page du Figaro du lundi 29 juin 1914 relatant le double attentat contre l'archiduc d'Autriche et sa femme en Bosnie », sur Le Figaro, 29 juin 1914. ↑ « 28 juin 1914 : la Grande Guerre a-t-elle commencé dans les Balkans ? », RFI,‎ 28 juin 2014 (lire en ligne, consulté le 19 décembre 2016). ↑ https://francearchives.gouv.fr/fr/actualite/166529238 ↑ Dušan T. Bataković, Histoire du peuple serbe, L'Âge d'Homme, 2005, p. 192. ↑ Rémy Porte, 1914. Une année qui a fait basculer le monde. Essai d'histoire globale, Armand Colin, 2014, p. 121. ↑ Jean-Paul Bled, L'agonie d'une monarchie. Autriche-Hongrie 1914-1920, Tallandier, 2014. ↑ Thierry Mudry, Histoire de la Bosnie-Herzégovine. Faits et controverses, Ellipses, 1999, p. 145. ↑ (en) G. J. Meyer, A world undone. The story of the Great War, 1914 to 1918, Delacorte Press, 2006, p. 3. ↑ Michèle Savary, Sarajevo 1914 : vie et mort de Gavrilo Princip, L'Âge d'Homme, 2004, p. 131. ↑ a b c d e et f Frédéric Le Moal, La Serbie, du martyre à la victoire 1914-1918, éditions 14-18, (ISBN 978-2-916385-18-1), p. 35. ↑ Nīkolaĭ Nīkolaevīch Shebeko, Souvenirs. Essai historique sur les origines de la guerre de 1914, Bibliothèque Diplomatique, 1936, p. 182. ↑ Frédéric Le Moal, La Serbie, du martyre à la victoire 1914-1918, éditions 14-18, (ISBN 978-2-916385-18-1), page 33. ↑ Bernard Schnetzler, Les erreurs stratégiques pendant la Première Guerre mondiale, Economica, 2004, p. 177. ↑ Margaret MacMillan, Vers la Grande Guerre. Comment l'Europe a renoncé à la paix, Éditions Flammarion, 2014, p. 157. ↑ Frédéric Le Moal, La Serbie, du martyre à la victoire 1914-1918, éditions 14-18, (ISBN 978-2-916385-18-1), p. 34. ↑ (en) Vladimir Dedijer, The Road to Sarajevo, Simon and Schuster, 1966, p. 290. ↑ (en) Sean McMeekin, The Russian Origins of the First World War, Harvard University Press, 12 décembre 2011, 344 p. (ISBN 978-0-674-06320-4, présentation en ligne). ↑ (en) David MacKenzie, Apis, the Congenial Conspirator, East European Monographs, 1989, p. 126. ↑ a b c d e f g h i et j Jean-Christophe Buisson, « Princip a assassiné l’archiduc », Le Figaro Histoire, octobre-novembre 2017, p. 66-71. ↑ (en) Steven Parissien, Assassinated ! 50 Notorious Assassinations, Book Sales, 2009, p. 95. ↑ Un témoin sarajévien raconte que le « fait que la bombe n'ait pas atteint sa cible s'explique par le sang-froid de François-Ferdinand en la prenant de ses propres mains et en la jetant dans la rue… Je n'en croyais pas mes yeux. ». ↑ Albert Mousset, Un drame historique. L'attentat de Sarajevo : documents inédits et texte intégral des sténogrammes du procès : avec huit planches hors-texte et un plan, Payot, 1930, p. 480-484. ↑ Georges Ayache, 1914 - une guerre par accident, Éditions Flammarion, 2012, p. 21. ↑ Gary Sheffield, La Première Guerre mondiale en 100 objets : Ces objets qui ont écrit l'histoire de la grande guerre, Paris, Elcy éditions, 2013, 256 p. (ISBN 978 2 753 20832 2), p. 8-9 ↑ (en) Mike Dash, « The Origin of the Tale that Gavrilo Princip Was Eating a Sandwich When He Assassinated Franz Ferdinand », Smithsonian,‎ 15 septembre 2011 (lire en ligne, consulté le 15 janvier 2016). ↑ (en) William C. Potter, A Bosnian diary, 2005, p. 289. ↑ Michèle Savary, Sarajevo 1914. Vie et mort de Gavrilo Princip, L'Âge d'homme, 2004, p. 128. ↑ (en) Andrej Mitrovic, Serbia's Great War, 1914-1918, Londres, C. Hurst & Co., 2007 (lire en ligne), p. 77 ↑ L'envoi d'enquêteurs autrichiens dans le pays est considéré par Belgrade comme une violation de la constitution et de la loi sur la procédure criminelle. ↑ Henry Bogdan, Histoire des Habsbourg, des origines à nos jours, Perrin, 2002. ↑ Raymond Poincaré, Au service de la France, Paris, 1932. ↑ a et b « L'attentat de Sarajevo d'après les sténogrammes du procès et d'autres documents inédits » [PDF], Revue d'histoire moderne et contemporaine, 1928. ↑ M. K., « Bosnie : la difficile mémoire de l'attentat déclencheur de la 1re guerre mondiale », sur BFM TV, 28 juin 2014 (consulté le 14 mars 2021). ↑ (sr) « Istorija – rukovali se potomci Ferdinanda i Principa », B92.net,‎ 11 novembre 2018 (lire en ligne, consulté le 11 novembre 2018). ↑ (sr) « Pojavila se fotografija "istorijskog rukovanja" FOTO », B92.net,‎ 12 novembre 2018 (lire en ligne, consulté le 12 novembre 2018). ↑ (en) Sabaton, « Paroles et faits historiques » , sur sabaton.net (consulté le 7 mai 2024). Voir aussi[modifier le code] Articles connexes[modifier le code] La Main noire (Serbie) Jeune Bosnie Crise de juillet Ultimatum du 23 juillet 1914 Causes de la Première Guerre mondiale Bibliographie[modifier le code] Vladimir Dedijer, La Route de Sarajevo, Éd. Gallimard, 1969, 482 p. Albert Mousset, Un drame historique - L'attentat de Sarajevo : documents inédits et texte intégral des sténogrammes du procès, Éd. Payot, 1930. (en) Clive Ponting, Thirteen Days, Chatto & Windus, Londres, 2002. Jean Guerreschi, Montée en première ligne, Julliard, 1988, 484 p. Michèle Savary, La vie et mort de Gavrilo Princip, L'Âge d'Homme, 2004. Dušan T. Bataković (dir.), Histoire du peuple serbe, Lausanne, L'Âge d'Homme, 2005. Jean Claude Reverchon, Guerre inachevée, paix manquée 1914-1918, Ed. L'Harmattan 2018 (ISBN 978-2-343-12310-3) Cédric Simonin, Les dernières heures du monde d'avant - L'attentat de Sarajevo, Erick Bonnier, 2022 (ISBN 9782367602523) Émission radiophonique[modifier le code] « L’assassinat de François Ferdinand d’Autriche : le coup de pistolet qui fit des millions de morts » le 25 juin 2014 dans L'Heure du crime de Jacques Pradel, sur RTL Liens externes[modifier le code] Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Internetowa encyklopedia PWN Nationalencyklopedin Store norske leksikon Notices d'autorité : () v · mHistoire de l’Autriche Antiquité Culture de Hallstatt Norique (Noricum) Pannonie (Pannonia) Moyen Âge Maison de Babenberg Margraviat d’Autriche Privilegium Minus Duché d’Autriche Habsbourg Maison de Habsbourg Territoires héréditaires Privilegium Maius Archiduché d’Autriche Autriche intérieure Autriche antérieure Monarchie de Habsbourg Guerres austro-turques Pragmatique Sanction Habsbourg-Lorraine Guerre de Succession d’Autriche Joséphisme Empire d’Autriche Congrès de Vienne Révolution autrichienne de 1848 Compromis austro-hongrois Autriche-Hongrie Cisleithanie Crise bosniaque Trialisme États-Unis de Grande-Autriche Première Guerre mondiale Attentat de Sarajevo Crise de juillet Ultimatum du 23 juillet 1914 Entre-deux-guerres République d’Autriche allemande Traité de Saint-Germain Première République d’Autriche Austromarxisme Guerre civile autrichienne Austrofascisme (Ständestaat) Anschluss Seconde Guerre mondiale Résistance autrichienne Après-guerre Occupation alliée Staatsvertrag Deuxième République d’Autriche Portail de l’Autriche-Hongrie Portail de la Première Guerre mondiale Portail de la Serbie et du peuple serbe Portail de la Bosnie-Herzégovine Portail de la criminologie <img style="border: none; position: absolute;" src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; width="1" height="1" alt=""> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Attentat_de_Sarajevo&oldid=235283385 ».

CRISTIANO RONALDO GOAT SUIIII (en italien : Rinascimento) amore j'aime la bite e la chate a ta mere , une période de grands culturels en Europe qui couvre plus d’un siècle (de la fin du XIVe siècle, dit Trecento, jusqu’à la fin du XVIe siècle, dit Cinquecento). Elle est implicitement italienne (il Rinascimento[1]), puisque ce pays fut son foyer de rayonnement pour l'Europe entière, dans une perspective d'universalité. La Renaissance italienne a commencé dans une période de grandes réalisations et de changements culturels en Italie qui a duré de la fin du XIVe jusqu’au début du XVIe siècle, constituant la transition entre le Moyen Âge et l'Europe moderne. Les origines du mouvement remontent au début du XIVe siècle, principalement dans la sphère littéraire, bien que certaines de ses caractéristiques fondamentales soient également détectées de manière naissante dans le patronage, l'intellectualisme et la curiosité pour la culture classique. Cependant, de nombreux aspects de la culture italienne restent dans leur état médiéval et la Renaissance ne se développe pleinement qu'à la fin du siècle. Le mot Renaissance a une signification explicite, représentant l'intérêt renouvelé de la période pour la culture de l'Antiquité classique, après ce qu'on a appelé juste là les « âges sombres » . Ces changements, bien qu'importants, ont été concentrés dans les classes supérieures et pour la grande majorité de la population, la vie a peu changé par rapport au Moyen Âge. La Renaissance italienne a débuté dans la région de Toscane, avec son épicentre dans les villes de Florence et Sienne. Elle a un impact majeur sur Rome, ornée de quelques bâtiments de style ancien, puis profondément remaniée par les papes du XVIe siècle. Les idées et les idéaux de la Renaissance se sont répandus dans le reste de l'Europe, et on les retrouve dans les Renaissances espagnole, française, nordique et anglaise. Chaque région ou presque a développé un style propre, s'enrichissant des apports des « grands » de passage dans leur cité mais préservant une « manière » de peindre, un « style » régional, qui distingue les différentes écoles[2]. La Renaissance italienne est connue pour ses réalisations culturelles comprenant des créations littéraires avec des écrivains tels que Petrarque, Castiglione et Machiavel, des œuvres d'art de Michel-Ange, Raphael, Léonard de Vinci et de grandes œuvres d'architecture, comme Santa Maria del Fiore à Florence et la basilique Saint-Pierre à Rome. Apparition de la notion de Renaissance[modifier le code] Le terme « renaissance » est en fait un terme moderne qui devient courant au XIXe siècle dans les travaux d’historiens comme Jacob Burckhardt[3]. Dans les écrits de la fin du Moyen Âge, l'idée d'une rinascita (renaissance) correspond à un courant plutôt qu'à une période, orienté vers un retour à l'éducation classique, entraînant une impression exaltante de renouveau touchant aussi bien la morale que les activités politiques et artistiques[4]. Selon l'historien Jean Delumeau, le mot Renaissance nous est venu d'Italie et concernait le domaine des arts. Giorgio Vasari a employé le terme « Rinascita » en 1568 dans Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori[5]. Le sens du mot Renaissance s'est progressivement élargi. Le terme de « Renaissance » en tant qu'époque et non plus pour désigner un renouveau des lettres et des arts, a été utilisé pour la première fois en 1840 par Jean-Jacques Ampère dans son Histoire littéraire de la France avant le XIIe siècle[6] puis par Jules Michelet en 1855 dans son volume consacré au XVIe siècle La Renaissance dans le cadre de son Histoire de France. Ce terme a été repris en 1860 par l'historien de l'art suisse Jacob Burckhardt (1818-1897) dans son livre Culture de la Renaissance en Italie[3]. Suivant les historiens de l'art, la Renaissance commencerait au Duecento (XIIIe siècle) ou au Trecento (XIVe siècle) par une période dite de Pré-Renaissance. Selon l'historien de l'art Jacob Burckhardt, cette Renaissance avant l'heure commence dès le XIe siècle en Toscane et se diffuse le siècle suivant jusqu'en Provence et en Italie centrale et se poursuit par la Première Renaissance au Quattrocento[7]. Elle se transforme en Haute Renaissance au début du Cinquecento (entre 1500 et 1530), suivie du maniérisme ou Renaissance tardive qui va de 1520 (mort de Raphaël) pour se terminer en 1580[7]. Contexte historique[modifier le code] Article détaillé : Histoire de l'Italie. La Renaissance marque la transition entre le Moyen Âge et l’Époque moderne en Europe. Bien que l’on date les origines d’un mouvement de mécénat et d’effort intellectuel cantonné au milieu instruit à la première moitié du XIVe siècle, beaucoup d’aspects de la culture et de la société italienne restent largement médiévaux. L’époque est surtout connue pour son retour à la culture classique antique après ce que les humanistes de la Renaissance nomment l’Âge sombre[8]. Ces changements, bien qu’importants, ne se produisent que dans les plus hautes couches de la société, et pour la grande majorité de la population la vie quotidienne reste peu différente de celle au Moyen Âge, même si l'essor de la bourgeoisie marchande[9] a permis d'élargir l'accès à la prospérité, ce qui contraste avec la plus triste condition de l'Europe dans le Haut Moyen Âge. La Renaissance italienne est d'abord un phénomène économique qui s'amorce dès le XIIe siècle à la suite de la première croisade. Les routes commerciales de l'Orient s'ouvrent aux marchands européens, et l'Italie, au centre de la Méditerranée, devient la plaque tournante du commerce entre l'Europe et l'Asie. Les cités marchandes italiennes s'enrichissent grâce au commerce de la soie et des épices. Un système bancaire moderne se crée et une nouvelle classe sociale voit le jour : la bourgeoisie. Le Florin (devise de Florence) devient la monnaie internationale du bas Moyen Âge. Cette richesse amène les cités-Etats italiennes à rivaliser entre elles dans les domaines de la culture, des arts et des sciences. Chaque prince, pour apparaître plus puissant que son voisin, est prêt à dépenser des fortunes pour avoir les meilleurs artistes et les plus beaux monuments. La Renaissance italienne prend racine en Toscane (Italie Centrale), concentrée autour de Florence et Sienne. Le mouvement a ensuite des répercussions importantes dans d'autres villes italiennes dont Venise[10] puis Rome qui est grande partie reconstruite par les papes des XVe et XVIe siècles. Pendant les guerres d'Italie, les idées et idéologies de la Renaissance se répandent dans toute l’Europe, suscitant la Renaissance à Fontainebleau et Anvers et la Renaissance anglaise. On connaît de la Renaissance les œuvres littéraires, entre autres, de Pétrarque, Castiglione et Machiavel (voir littérature française du XVIe siècle) ; les travaux d’artistes comme Michel-Ange, Léonard de Vinci ou encore Raphaël (voir art de la Renaissance), et les grands travaux architecturaux, comme le Dôme de Florence et la basilique Saint-Pierre à Rome (cf. Architecture de la Renaissance). D’autre part, les historiens considèrent que la fin du xvie siècle en Italie s’est accompagnée d’une régression économique et de très peu de progrès en science, ce qui a permis l'essor de la culture protestante au xviie siècle[réf. nécessaire]. Les raisons de la fin de l'hégémonie italienne dans le commerce et les sciences sont principalement dues au changement des routes commerciales après la découverte de l'Amérique. Le rôle de la mer Méditerranée se marginalise de plus en plus, les pays de l'océan Atlantique profitent mieux des nouveaux équilibres géopolitiques, d'abord l'Espagne et le Portugal, mais ensuite surtout la France, l'Angleterre, les Pays-Bas, et en général les nations du nord de l'Europe. La réforme protestante a probablement joué un rôle dans le renouveau politique et économique des nations du nord. Origines[modifier le code] L'Italie du Nord et la Toscane à la fin du Moyen Âge[modifier le code] À la fin du Moyen Âge, le sud de l'Italie et Rome par deux fois centre de l’Empire romain, sont plus pauvres que le reste de l'Italie[11]. Rome est presque en ruines, et la région des États pontificaux est administrée avec laxisme, peu réglementée et ordonnée. En effet, la résidence du pape a été déplacée à Avignon sous la pression du roi de France Philippe le Bel[12]. Toutefois, dès le XVe siècle, Rome atteint la splendeur des autres cités d'Italie centrale (Pérouse, Assise, Spolète, Orvieto, Urbino). Rome devient, après Florence, un des hauts lieux de la Renaissance italienne[11]. Le sud, en revanche, passé par plusieurs dominations étrangères, ne connaît pas, à cette époque, le même renouveau économique et artistique, avec quelques exceptions comme la cité marchande d'Amalfi. On peut aussi considérer comme précurseur des idéaux de la Renaissance le grand raffinement de la cour de Palerme au XIIIe siècle sous Frédéric II surnommé stupor mundi. Un certain renouveau artistique a eu lieu par la suite aussi à Naples sous Alphonse d'Aragon au XVe siècle, mais, en général, le sud de l'Italie reste à l'écart des bouleversements économiques et sociaux de la Renaissance[11]. Les États du centre et du nord de l'Italie comptent parmi les plus riches d’Europe[13]. Les croisades ont tissé des liens commerciaux durables avec le Levant, et la quatrième croisade a grandement ébranlé l’Empire byzantin, rival commercial des Vénitiens et des Génois. Les principales routes de commerce venant de l’est traversent l’Empire byzantin ou les pays arabes et vont jusqu’aux ports de Gênes, Pise et Venise. Les marchandises de luxe comme les épices, les colorants et la soie sont achetées en Orient, importées en Italie puis revendues à travers l’Europe. De plus, les cités-États à l’intérieur des terres profitent de la riche région agricole de la vallée du Pô. Les routes terrestres et maritimes apportent de la laine, de la farine et des métaux précieux de France, d’Allemagne et des Pays-Bas par le biais des foires de Champagne. Le vaste commerce qui s’étend de l’Égypte jusqu’à la mer Baltique génère des excédents qui rendent possibles de considérables investissements dans les exploitations minières et l’agriculture. Ainsi, bien que l'Italie ne détienne pas plus de ressources que beaucoup d’autres parties de l’Europe, le niveau de développement, stimulé par le commerce, lui permet de prospérer. Florence devient l’une des plus riches villes de l’Italie, en grande partie grâce à sa production de laine textile sous la surveillance de la guilde commerciale dominante, la corporation Arte della Lana. La laine est importée d’Europe du Nord et d’Espagne à partir du XVIe siècle et les colorants venant d’Orient sont utilisés pour fabriquer des textiles de grande qualité[14]. Ces routes commerciales italiennes, qui se déploient sur toute la Méditerranée et au-delà, véhiculent aussi la culture et la connaissance. Durant la période médiévale, les travaux incarnant l’éducation classique des Grecs se sont répandus peu à peu en Europe occidentale, à travers les traductions et les traités arabes, depuis Tolède et Palerme. C’est par les croisades que se fait le premier contact de l’Europe avec l’éducation classique, préservée par les Arabes, mais l'événement le plus marquant est la Reconquista espagnole au XVe siècle, dont résultent les traductions de textes arabes par les spécialistes de l’école de Salamanque. La pensée scientifique, philosophique et mathématique entre en Italie par l'Égypte et le Levant. Éléments déclencheurs des nouvelles études linguistiques de la Renaissance, des textes grecs et les érudits capables d’apprendre aux Italiens à les lire arrivent de Constantinople après sa conquête par les forces ottomanes en 1453 dans les académies de Florence et Venise, qui renaissent de leurs cendres[15],[16]. Les érudits humanistes cherchent dans les bibliothèques monastiques d’anciens manuscrits et retrouvent Tacite et d’autres auteurs latins ; avec la redécouverte de Vitruve, les principes architecturaux de l’Antiquité peuvent à nouveau être observés, et les artistes de la Renaissance sont encouragés, dans l’optique de l’optimisme humaniste, à surpasser les Anciens, parmi lesquels Apelle[11]. Le XIIIe siècle, période de prospérité[modifier le code] L’Europe connaît un bond économique global au XIIIe siècle. Les routes commerciales des états italiens s’allient aux ports de la Méditerranée et finissent par créer, avec la Hanse nordique, un réseau économique en Europe, pour la première fois depuis le IIIe siècle. Les cités États d’Italie croissent énormément durant cette période et gagnent en puissance, devenant de ce fait entièrement indépendantes du Saint-Empire romain germanique. Dans le même temps, les infrastructures commerciales modernes voient le jour : sociétés par actions, système bancaire international, marché des changes systématisé, assurance et dette publique. Florence devient le centre de cette industrie financière, propulsant le florin au statut de devise principale du commerce[17]. Une nouvelle classe dominante émerge, constituée de marchands qui gagnent leur situation par leurs compétences financières, adaptant à leur profit le modèle aristocratique féodal qui a dominé l’Europe au Moyen Âge. La montée en puissance des communes en Italie est une particularité du Moyen Âge tardif, celles-ci accaparant le pouvoir des évêques et des seigneurs locaux. Dans une grande partie de la région, la noblesse terrienne est beaucoup plus pauvre que les patriarches des villes : la croissance inflationniste de l’économie médiévale laisse les propriétaires sur la paille. Le développement du commerce au début de la Renaissance accentue cet aspect. Le déclin du féodalisme et la croissance urbaine influent l’un sur l’autre ; par exemple, la demande de produits de luxe engendre une croissance du marché, enrichissant de nombreux négociants qui, à leur tour, demandent plus de produits de luxe. Ces changements donnent aussi aux marchands un contrôle presque total des gouvernements des cités-États, mettant encore en avant le commerce. Un des effets les plus importants de ce contrôle politique est la sécurité : dans un système féodal, ceux qui deviennent extrêmement riches courent constamment le risque de se brouiller avec la monarchie et de voir leurs terres confisquées (c’est le cas de Jacques Cœur en France). Les états du nord gardent aussi beaucoup de lois médiévales qui entravent le commerce, dont les lois contre l’usure et l’interdiction de négocier avec des non-chrétiens. Dans les cités-États d’Italie, ces lois sont abrogées ou réécrites[18]. L’effondrement du XIVe siècle[modifier le code] Le XIVe siècle voit une série de catastrophes précipiter l’Europe vers une récession économique. La « période médiévale chaude » se termine, et commence le petit âge glaciaire[19]. Ces changements climatiques provoquent une baisse significative du rendement agricole, conduisant à des famines répétées, accentuées par la croissance rapide de la population au début du siècle. La Guerre de Cent Ans entre la France et l’Angleterre perturbe le commerce de l’Europe au nord-ouest ; quand, en 1345, le roi Édouard III d'Angleterre nie ses dettes, il contribue à la faillite des banques de Bardi et Peruzzi, les deux plus importantes de Florence. Le commerce est également perturbé à l’est par l’expansion de l’Empire ottoman. La peste noire est cependant la catastrophe la plus dévastatrice. Décimant la population dans les villes densément peuplées d’Italie, elle frappe plusieurs fois, par intermittence. Florence, par exemple, dont la population avant l’arrivée du fléau était de 45 000 habitants, se voit réduite de 25 à 50 % en 47 ans[20],[N 1]. Un trouble général s’ensuit, incluant une révolte des ouvriers du textile florentins, les ciompi, en 1378[24]. C’est pendant cette période d’instabilité qu’apparaissent les premières figures de la Renaissance, comme Dante et Pétrarque[25], et les premières inspirations artistiques de la Renaissance se manifestent durant la première moitié du XIVe siècle, notamment dans le réalisme de Giotto. Paradoxalement, certains de ces désastres ont participé à édifier le courant de la Renaissance. En décimant plus d’un tiers de la population européenne[13], la peste noire laisse derrière elle une population plus riche, mieux nourrie, et qui a incontestablement plus d’argent à dépenser en produits de luxe comme l’art et l’architecture. Tandis que les effets du fléau commencent à décliner au début du XVe siècle, la population anéantie connaît une nouvelle croissance démographique, renouvelant la demande de produits et de services. Le nombre de personnes capables de les fournir étant réduit, les classes les plus basses sont remises en valeur. De plus, cette demande crée également une classe florissante de banquiers, marchands et artisans qualifiés. Les horreurs de la Peste Noire et l’incapacité de l’Église à apporter du réconfort lui font perdre son emprise. En outre, l’effondrement des banques de Bardi et Peruzzi permet aux Médicis de gagner de l'influence à Florence. Le médiéviste américain Roberto Sabatino Lopez affirme que la dépression économique est un facteur essentiel de la naissance du courant de la Renaissance[26]. Selon lui, si l’époque avait été plus prospère, les hommes d’affaires auraient rapidement réinvesti leurs gains afin de gagner encore plus d’argent dans un climat favorable à l’investissement. À l’inverse, durant les années les plus difficiles du XIVe siècle, les plus riches ont peu de perspectives d’investissement pour leur capital et préfèrent en dépenser en culture et en art. Contrairement aux textes romains, qui ont été conservés et étudiés en Europe occidentale depuis l'Antiquité tardive, l'étude des textes grecs anciens était très limitée dans l'Italie médiévale. Les ouvrages de la Grèce antique sur les sciences, les mathématiques et la philosophie étaient étudiés depuis le Haut Moyen Âge en Europe occidentale mais les œuvres littéraires, oratoires et historiques grecques d'Homère, les dramaturges grecs, Démosthène et Thucydide) n'ont été étudiées au Moyen Âge que par des érudits byzantins. Certains historiens affirment que la Renaissance timouride à Samarcande était liée à l'Empire ottoman dont les conquêtes ont entraîné la migration d’érudits grecs en Italie[15],[16],[27],[28]. L'hypothèse avancée par l’historien Hans Baron est une autre explication répandue de l’avènement de la Renaissance italienne : la première cause de la Renaissance serait la longue série de guerres entre Florence et Milan (voir Guerres d'Italie). À la fin du XIVe siècle, Milan est devenue une monarchie centralisée sous le contrôle de la famille Visconti. Jean Galéas Visconti, qui dirige la ville de 1378 à 1402, est connu à la fois pour sa cruauté et son habileté à gouverner. Projetant de bâtir un empire en Italie du Nord, il lance une série de guerres. Milan conquiert ses États voisins et défait les diverses coalitions menées par Florence qui cherche en vain à stopper son avancée. Le point culminant est le siège de Florence en 1402, au moment où la ville semble sur le point de tomber, avant que Jean Galéas ne meure, laissant son empire s’effondrer derrière lui. D’après la thèse d’Hans Baron, durant ces guerres interminables, les personnalités politiques de Florence ont rallié le peuple en présentant la guerre comme un conflit entre la république libre et la monarchie despotique, entre les idéaux des Grecs et des Républiques romaines et ceux de l’Empire Romain et des royaumes du Moyen Âge. Leonardo Bruni est, selon Baron, la personnalité la plus impliquée dans la diffusion de cette idéologie. Baron affirme que la plupart des figures du début de la Renaissance sont apparues durant cette période de crise à Florence, comme Ghiberti, Donatello[29], Masolino et Brunelleschi, marqués par cette idéologie républicaine. Plus tard, ces derniers défendront avec d’autres les idées républicaines qui auront un énorme impact sur la Renaissance. Développement[modifier le code] Relations internationales[modifier le code] Article détaillé : Guerres d'Italie. L’Italie centrale et septentrionale est divisée en cités-États, parmi lesquelles Milan, Florence, Pise, Sienne, Gênes, Ferrare, Mantoue et Venise, qui sont les plus puissantes. Au Moyen Âge l’Italie du Nord est divisée par la longue bataille pour la suprématie entre les forces de la Papauté et le Saint-Empire romain germanique : chaque ville se prononce pour une des factions, mais des disputes internes éclatent entre les guelfes et les gibelins. Les guerres entre états sont monnaie courante et les invasions de l’étranger restreignent les sorties des empereurs romains germaniques. La politique de la Renaissance se développe sur cet arrière-plan. Depuis le XIIIe siècle, les armées étant constituées principalement de mercenaires, les cités prospères peuvent rassembler des forces considérables malgré leur faible population. Au cours du XVe siècle, les cités les plus puissantes annexent les cités voisines plus faibles. Florence prend Pise en 1406, Venise s’approprie Padoue et Vérone, tandis que le duché de Milan annexe un certain nombre de territoires alentour, dont Pavie et Parme. Durant la première partie de la Renaissance se déroule une guerre quasi permanente sur terre comme sur mer entre les cités-États qui luttent pour la suprématie. Sur terre, ces guerres sont livrées principalement par des armées de mercenaires appelés condottières : ce sont des troupes de soldats en provenance de toute l’Europe, mais plus particulièrement d’Allemagne et de Suisse, bien souvent menées par des capitaines italiens. Ces mercenaires ne sont pas disposés à risquer leur vie outre mesure, et la guerre devient ainsi une guerre de sièges et de manœuvres, occasionnant peu de batailles rangées. Il est aussi dans l’intérêt des mercenaires des deux camps de prolonger les conflits pour assurer la pérennité de leur contrat. D’un autre côté, les mercenaires sont une menace constante pour leurs employeurs : s’ils ne sont pas payés, ils se retournent souvent contre leur patron. Lorsqu’il devient évident qu’un état est entièrement dépendant de ses mercenaires, ceux-ci sont tentés d’en prendre le contrôle et d'en assurer le fonctionnement eux-mêmes ; cela se produit d’ailleurs de nombreuses fois[30]. La neutralité est maintenue avec la France, qui se retrouve entourée d'ennemis lorsque l'Espagne conteste la revendication de Charles VIII sur le royaume de Naples. La paix avec la France a pris fin lorsque Charles VIII a envahi l'Italie pour s'emparer de Naples[31]. En mer, les cités italiennes investissent beaucoup de flottes dans les batailles. Les principaux antagonistes sont Pise, Gênes et Venise ; cependant, après une longue lutte, les Génois parviennent à soumettre Pise. Venise se montre un adversaire plus puissant, et bien que les deux villes soient de forces à peu près égales, la flotte génoise est battue durant la bataille de Chioggia à l’entrée de la lagune de Venise en 1380 ; Venise domine ainsi les mers. Tandis que ses domaines sur les rives de la mer Égée sont perdus au profit des Turcs et que le commerce sur la mer Noire lui est fermé, l’attention de Venise se tourne vers le continent, c'est le début de la Renaissance vénitienne. Des décennies de combats sur le continent affirment Florence et Milan en tant que villes dominantes, et ces deux puissances mettent finalement de côté leurs différences et signent la Paix de Lodi en 1454, ramenant la région à un calme relatif pour la première fois depuis des siècles. Cet accord persistera durant les quarante années suivantes, et l’hégémonie incontestée de Venise sur les mers amène également à une paix sans précédent presque jusqu’à la fin du XVe siècle. Au début de ce siècle, les aventuriers et les négociants, tels Nicolò de' Conti (1395-1469), voyagent jusqu’en Asie du Sud-Est et en reviennent avec des nouvelles fraîches sur la situation mondiale, présageant des voyages plus lointains des Européens dans les années à venir. Florence sous les Médicis[modifier le code] Article détaillé : Maison de Médicis. En 1293, les Ordonnances de justice ont été promulguées et sont devenues la constitution de la république de Florence tout au long de la Renaissance italienne[32]. Les nombreux palais luxueux de la ville étaient entourés d'hôtels particuliers construits par la classe marchande toujours prospère[33]. En 1298, l'une des principales familles bancaires d'Europe, les siennois Bonsignori, ont fait faillite et la ville de Sienne a donc perdu son statut de centre bancaire d'Europe au profit de Florence[34]. Ils sont suivis par la richissime famille Tolomei. Jusqu’à la fin du XIVe siècle, la famille Albizzi a été à la tête de Florence. Leurs principaux opposants sont les Médicis, d’abord sous Jean de Médicis, puis sous son fils Cosme. Les Médicis contrôlent la Banque des Médicis, qui est alors la plus importante banque européenne, et plusieurs autres entreprises à Florence et ailleurs. En 1433, la famille Albizzi parvient à faire exiler Cosme[35]. Cependant, une Seigneurie pro-Médicis est élue l’année suivante et Cosme revient à Florence. Les Médicis prennent la tête de la ville, qu’ils garderont pendant trois siècles. Florence reste une république jusqu’en 1537, qui marque traditionnellement la fin de Renaissance à Florence, mais les Médicis et leurs alliés gardent une main de fer sur les instruments des institutions républicaines, excepté pendant de courtes périodes après 1494 et 1527. Cosme et Laurent n’occupent que rarement des postes officiels, mais sont les dirigeants incontestés de la ville[36]. Cosme de Médicis est très populaire parmi les citoyens, principalement pour avoir apporté une ère de prospérité et de stabilité à la ville. Une de ses réalisations les plus importantes est la négociation de la Paix de Lodi avec François Sforza, mettant fin à des décennies d’une guerre contre Milan et apportant une stabilité à une grande partie de l’Italie du Nord. Cosme est aussi un important mécène, que ce soit directement ou indirectement, par l’exemple qu’il donne[36]. Lui succède son fils malade Pierre de Médicis, qui meurt cinq ans plus tard. En 1469 les rênes de la ville passent à Laurent, le petit-fils de Cosme, alors âgé de vingt-et-un ans, qui deviendra « Laurent le Magnifique ». Laurent est le premier membre de la famille à être instruit dès son plus jeune âge dans la tradition humaniste et est considéré comme l’un des plus grands mécènes de la Renaissance. Sous Laurent, les Médicis prennent officiellement le pouvoir à Florence avec la création d’un nouveau Conseil des Sept, que Laurent préside. Les institutions républicaines existent toujours, mais ont perdu toute autorité. Laurent est moins brillant en commerce que ses illustres prédécesseurs, ainsi l’empire commercial des Médicis s’érode lentement. Laurent perpétue l’alliance avec Milan, mais les relations avec la papauté se dégradent ; en 1478, des agents du Pape s’allient avec la famille Pazzi dans une tentative pour l’assassiner. Bien que la conjuration échoue, Julien, le jeune frère de Laurent, est tué. Cet assassinat raté déclenche une guerre avec la papauté et Laurent s’en sert pour se justifier de centraliser plus encore le pouvoir entre ses mains[37]. L’expansion de la Renaissance[modifier le code] Les idéaux de la Renaissance se répandent d’abord de Florence aux États voisins de Toscane, tels Sienne et Lucques. La culture toscane devient bientôt un modèle pour tous les États de l’Italie, et les Italiens de Toscane prédominent dans toute la région, notamment en littérature. Cependant, Florence n'est pas seule à inventer un style nouveau, dès le XIVe siècle, d'autres centres existent comme Sienne, Padoue, Venise, Vérone et Rimini. Leur nombre augmente au XVe siècle quand foisonnent des écoles régionales de haute qualité[2]. En 1447, François Sforza arrive au pouvoir à Milan et métamorphose rapidement cette ville encore médiévale en un centre majeur d’art et d’apprentissage. Venise, qui est une des villes les plus riches de par sa domination de la mer Méditerranée, devient également un centre culturel, surtout en architecture. L'apparition de petites cours implante le mécénat[38] dans des villes de moindre importance, qui développent leurs propres arts : Ferrare, Mantoue sous les Gonzague, Urbino sous Frédéric III de Montefeltro. À Naples, la Renaissance démarre par le mécénat d’Alphonse V d'Aragon qui a conquis Naples en 1443. Il soutient des artistes comme Francesco Laurana et Antonello de Messine, et des écrivains tels le poète Jacopo Sannazaro et l’érudit humaniste Ange Politien. Il se produit parfois des accidents graves qui remettent en question les conquêtes les plus récentes, comme la grande peste noire qui ravage l'Italie au milieu du XIVe siècle, touchant Florence , mais surtout Sienne qui voit disparaitre ses deux plus grands créateurs du moment, les fères Lorenzetti, affectant les thèmes et l'esprit de la peinture toscane pendant plusieurs décennies[2]. En 1417, la papauté est de retour à Rome, mais l'ancienne cité impériale demeure pauvre et en grande partie en ruines après les premières années de la Renaissance[39]. La grande transformation commence sous le pontificat de Nicolas V, qui devient pape en 1447. Il lance un effort de reconstruction spectaculaire qui aboutira finalement au renouveau d'une grande partie de la cité. L'érudit humaniste Aeneas Silvius Piccolomini devient pape sous le nom de Pie II en 1458. À mesure que la papauté s'allie ou tombe sous le contrôle des riches familles, telles que les Sforza du duché de Milan, les Médicis à Florence, les Este à Ferrare et Modène, les Doria à Gênes, les Montefeltro à Urbin et les Borgia à Rome, l'esprit de la renaissance artistique et philosophique en vient à dominer la papauté. Aux XVe et XVIe siècles les plus grands artistes tels que Botticelli, Michel-Ange et Raphaël viennent s'installer à Rome. Ce dernier artiste fut missionné par le pape Jules II pour effectuer la décoration de plusieurs chambres du palais du Vatican. Il s'agit là d'une commande audacieuse puisque jusqu'à présent Raphaël n'avait réalisé que de petites fresques. Cela montre le pouvoir prédominant de la papauté sur les commandes artistiques au point de pousser les artistes à innover et à diversifier leurs techniques. Le pape Sixte IV poursuit l'œuvre de Nicolas, son ordre le plus connu concernant la construction de la chapelle Sixtine. Les papes deviennent également de plus en plus des gouvernants séculiers à mesure que les États pontificaux sont forgés au sein d'un pouvoir centralisé par une série de « papes de guerre ». La nature de la Renaissance change également à la fin du XVe siècle. L'idéal de la Renaissance a été pleinement adopté par les classes dirigeantes et l'aristocratie. Au départ, les artistes de la Renaissance étaient vus comme des artisans avec peu de reconnaissance et de prestige. À la fin de la Renaissance, les grandes figures exercent une grande influence et peuvent exiger des honoraires importants. Un commerce florissant autour de l'art de la Renaissance se développe. Tandis qu'aux débuts de la Renaissance, de nombreux grands artistes étaient issus de basses ou petites classes sociales, ils devinrent au fur et à mesure fortunés et membres d'une classe à part entière[39] . L'éducation humaniste[modifier le code] Alors que Dieu était au cœur de la pensée médiévale, la Renaissance place l'homme au centre de ses préoccupations. À partir des années 1440, les souverains prennent l'habitude de donner une éducation humaniste à leurs enfants, mêlant les idéaux chevaleresques d'honneur et de gloire aux exemples de politique et de stratégie militaire empruntés à l'Antiquité. L'éthique de la Rome et de la Grèce antique leur donnait un cadre moral au sein duquel ils pouvaient bâtir leur vie publique et privée. L'humaniste étudiait la grammaire, la rhétorique, la poésie, l'histoire et la philosophie morale, et accordait une grande importance à la lecture des textes classiques en latin, langue de l'élite cultivée. Bon nombre de ces textes, redécouverts à la fin du Moyen Âge connaissent alors un regain d'intérêt sans précédent[4]. La Renaissance et les classes sociales[modifier le code] En tant que courant culturel, la Renaissance italienne n’affecte qu’une petite partie de la population. Le nord et le centre de l'Italie sont les régions les plus urbaines d’Europe, et pourtant la population est encore constituée aux trois-quarts de paysans vivant dans les campagnes[40] pour lesquels la vie ne diffère que très peu de celle du Moyen Âge[41]. Mais les conditions de vie en Italie s'améliorent en général. Dans le nord de l'Italie, la société n’a jamais vraiment été féodale, et la plupart des paysans travaillent dans des fermes privées ou comme métayers. Selon certains spécialistes, la transformation des élites citadines en propriétaires terriens entraîne une tendance à la re-féodalisation[42]. La situation est différente dans les villes, qui sont dominées par une élite commerciale[13], aussi sélecte que l’aristocratie des royaumes médiévaux. Ce groupe constitue le principal mécène et le premier destinataire de la culture de la Renaissance. En deçà se trouve une importante classe d’artisans et de membres de guildes qui vivent confortablement et ont un pouvoir non négligeable sur les gouvernements républicains, au contraire du reste de l’Europe, où les artisans font véritablement partie des classes les plus basses. Lettré et instruit, ce groupe participe activement au développement de la culture de la Renaissance[43]. Cependant, la population citadine est constituée en majorité de travailleurs semi-qualifiés ou sans emploi, sur lesquels la Renaissance n’a pas plus d’effet que sur les paysans. On trouve quelques exemples d’individus qui, partant d’un humble niveau, ont escaladé l’échelle sociale, mais Burke remarque deux études importantes dans cette région qui montrent que les données ne peuvent clairement attester d’une augmentation de la mobilité sociale. La plupart des historiens pensent que cette mobilité sociale était assez importante au début de la Renaissance, puis qu’elle a diminué durant le XVe siècle[44]. Les inégalités dans la société sont très marquées[45]. La nature de la Renaissance change à la fin du XVe siècle. Ses idéaux sont pleinement adoptés par la classe dirigeante et l'aristocratie. Au début de la Renaissance, les artistes étaient encore considérés comme des artisans avec peu de prestige et de reconnaissance. Au début du XVIe siècle, les principaux artistes acquièrent une grande influence et devenir riches. Un commerce d'art florissant s'est développé. Alors qu'au début de la Renaissance, la plupart des principaux artistes appartenaient à la classe moyenne ou inférieure, ils sont devenus de plus en plus aristocrates[46]. L'importance des cités[modifier le code] Traditionnellement, l'art se condense dans les grands centres religieux, en qualité comme en quantité, comme sur le chantier d'Assise. Au Trecento, les artistes s'expriment dans un cadre religieux. Le cycle d'Ambrogio Lorenzetti au Palais public de Sienne est le signe d'une évolution remarquable et irréversible : les cités deviennent les foyers permanents de création artistique : l'invention picturale s'y développe en même temps que s'y fixent les ateliers des maîtres. Ce phénomène est lié à l'expansion des communes au cours du XIIIe siècle : les cités gagnent et défendent leur autonomie politique et économique, se transforment en foyers de culture où l'art a pour fonction, en particulier, l'exaltation du gouvernement local et de son esprit. La culture picturale acquiert une diversité organisée selon les cités, et les régimes politiques à l'intérieur desquels l'artiste travaille. Un art laïc fait alors son apparition[47]. L'histoire artistique de Sienne est exemplaire. Elle démontre qu'il est impossible d'interpréter l'histoire de la peinture entre le XIVe et le XVe siècle comme un mouvement de « progrès », uniforme et équivoque : les cultures et les réalités locales sont des éléments constitutifs du rythme et du dynamisme réels de l'évolution artistique. Certaines attitudes politiques et culturelles ont pu jouer un rôle historique positif, tandis que d'autres aboutissent à l'échec d'une école bien implantée et vivante. La cité qui ne s'adapte pas à l'évolution en cours se trouve progressivement sur les marges de la grande création artistique, ou, du moins, sur celles du courant créateur le plus riche d'avenir, dans la mesure où il est le mieux capable d'épouser les transformations de la demande[48]. La fin de la Renaissance italienne[modifier le code] Article détaillé : Maniérisme. La fin de la renaissance est aussi imprécise que son début. L'arrivée au pouvoir à Florence du moine austère Girolamo Savonarole en 1497 marque la fin du rayonnement de la ville et le retour triomphant des Médicis représente le début de la dernière étape artistique appelée maniérisme. Savonarole est arrivé au pouvoir lors d'une répression généralisée de la laïcité et de l'indulgence de la Renaissance[49]. Son bref règne a conduit à la destruction de nombreuses œuvres d'art brûlées sur le « Bûcher des vanités » au centre de Florence. Avec le retour des Médicis au pouvoir en tant que grands-ducs de Toscane, la contre-réforme dans les églises se poursuivit. En 1542 arrive l'Inquisition et quelques années plus tard est créé l'Index Librorum Prohibitorum excluant un grand nombre d'œuvres littéraires de la Renaissance. Arrive aussi la fin de la stabilité politique, à travers une série d'invasions étrangères, connues sous les guerres d'Italie, qui se sont poursuivies pendant plusieurs décennies, commençant en 1494 avec l'invasion française qui a dévasté le nord de l'Italie et mis fin à l'indépendance de nombreuses cités-états. Plus dommageable est le sac de Rome, le 6 mai 1527[39] , par les troupes allemandes et espagnoles, mettant fin pendant deux décennies au rôle de la papauté en tant que principal mécène de l'art et de l'architecture de la Renaissance[50] . Alors que la Renaissance italienne décline, la Renaissance nordique embrasse plusieurs de ses idéaux et transforme ses styles. De nombreux grands artistes italiens choisissent d'émigrer comme Léonard de Vinci qui s'installe en France en 1516. Des équipes d'artistes invités à transformer le château de Fontainebleau, créent l'école du même nom, qui répand le style Renaissance italienne en France. François Ier commet Rosso Fiorentino qui dessine le pavillon de Pomone, le pavillon des Poesles, la galerie Basse (tous détruits) et surtout la galerie François Ier (1534-1540). Giorgio Vasari désigne Fontainebleau comme la « Nouvelle Rome »[51],[N 2]. De Fontainebleau, les nouveaux styles, transformés par le maniérisme, ont propagé la Renaissance à Anvers , et de là à toute l'Europe du Nord[52]. Cette « diffusion nordique » est également représentative d'une tendance plus large. Les routes méditerranéennes n'étant plus les principales routes du commerce européen, en 1498, Vasco de Gama atteint l'Inde. À partir de ce moment, la principale route commerciale de l'Est passe par les ports atlantiques de Lisbonne, Séville, Nantes, Bristol et Londres. Ces endroits supplantent l'Italie en richesse et en puissance[53]. Culture[modifier le code] Place de la culture[modifier le code] Les mythes et dieux de l'Antiquité ont survécu tout au long du Moyen Âge dans les couvents et les abbayes comme le démontre la science encyclopédique de Dante. Au Trecento, la culture n'est plus la spécialité des clercs savants et devient la chose de laïcs au nombre grandissant. Dès le début du XVe siècle, des manuscrits endormis jusque là sont découverts. L'esprit médiéval tendait à « moraliser » le thème antique pour l'insérer dans le grand système chrétien ; à la Renaissance, l'intérêt se porte sur le thème en lui-même. La moralisation demeure toujours, ainsi L'Ovide moralisé connait un certain succès jusqu'à la fin du XVIe siècle[54]. Ce processus conduit à la récupération de l'ensemble de l'histoire humaine : les cultures et les créations successives sont les approches d'une même vérité chrétienne. Une nouvelle définition de l'humanité se dessine progressivement qui n'est plus uniquement déterminée par sa finalité religieuse : l'au-delà et sa récompense demeurent la fin suprême, mais la grandeur de l'action terrestre reçoit un prestige nouveau[54]. Désormais, c'est par sa culture que l'homme cultivé appartient à l'humanité tout entière et trouve sa dignité terrestre. L'idée de « l'honnête homme » se met en place, tel que le circonscrira le XVIIe siècle français. Il n'y a pas de rupture entre culture et religion, les deux sphères de l'activité mentale, mais un clivage social important apparait entre l'ignorant (l'imperitus, le vulgus, le populus) et celui qui sait (sapiens, doctus, litteratus). Le thème de l'opposition entre les docti et les imperiti revient souvent dès la fin du XIVe siècle, la culure devenant une détermination intellectuelle et sociale[54]. Place de la culture dans la peinture[modifier le code] Le peintre de la Renaissance tente de retrouver une unité propre à l'histoire évoquée par la peinture, entre ce que montre l'image et ce que raconte le texte antique, tel que l'on peut en imaginer la réalité ou la vraisemblance historique. Après Giotto, Masaccio donne au Christ et aux Apôtres des habits convenant à leur propre époque et non plus à celle du peintre. La peinture devient savante dans cette recherche de la cohérence : le travail matériel du peintre doit être précédé d'une enquête parfois presque archéologique et de lectures lui permettant de reconstituer les conditions vraisemblables dans lesquelles la scène représentée a pu se dérouler. Cette recherche s'étend à l'architecture à l'intérieur de laquelle la scène a lieu. Pour une Annonciation, il s'agira de situer celle-ci dans un bâtiment dont le style puisse évoquer l'architecture antique, comprise alors comme l'architecture romaine en Italie alors que la peinture du Nord situe les mêmes épisodes de l'histoire sainte dans des bâtiments souvent de style gothique ou flamboyant[54]. L'identification du spectateur avec le personnage est plus difficile, mais elle s'accompagne d'une actualisation plus grande des personnages et de leurs sentiments par l'intermédiaire de la mimique et de la « gestuelle »[54]. Littérature et poésie[modifier le code] Article détaillé : Littérature italienne. La révolution de la littérature italienne au XIIIe siècle a contribué à préparer le terrain pour la Renaissance. Avant la Renaissance, la langue littéraire en Italie est le latin, le français ou le provençal. C'est à partir du XIIIe siècle que les auteurs italiens ont commencé à écrire dans leur langue maternelle. Vers 1250, un changement majeur se produit dans la poésie italienne lorsque le Dolce stil novo met l'accent sur l'amour platonique plutôt que sur l'amour courtois, avec des écrivains comme Guittone d'Arezzo et Guido Guinizelli[55]. Avec l'impression de livres initiée à Venise par Aldo Manuce , un nombre croissant d'ouvrages sont publiés en italien vernaculaire, en plus des textes grecs et latins qui constituaient le courant dominant de la Renaissance italienne. La source de ces livres s'est étendue au-delà de la théologie jusqu'aux époques pré-chrétiennes de l'Empire romain et de la Grèce antique. Cela ne veut pas dire qu'aucune œuvre religieuse n'a été publiée à cette époque : La Divine Comédie du Dante Alighieri reflète une vision du monde médiéval paradigmatique. Le christianisme reste une influence majeure pour les artistes et les auteurs. Au début de la Renaissance italienne, l'objectif principal était l'étude et la traduction d'œuvres classiques du latin et du grec. Les écrivains, cependant, ne se contentaient pas de se reposer sur les lauriers des anciens auteurs. Beaucoup ont essayé d'intégrer les méthodes et les styles des anciens dans leurs propres œuvres. Parmi les Romains les plus copiés figurent Cicéron, Horace, Salluste et Virgile et parmi les Grecs, Aristote, Homère et Platon. La littérature et la poésie de la Renaissance sont également influencées par les sciences technologiques et la philosophie. L'humaniste Petrarque , figure clé dans le sens renouvelé de la recherche, était également un poète à succès qui a publié plusieurs ouvrages importants dans ce genre. Il écrit de la poésie en latin, y compris l'épopée des guerres puniques , 12 et une collection d' amour sonnets intitulé « Canzoniere », dédié à son amour non partagé , Laura. Il était le plus célèbre écrivain de sonnets italiens, et les traductions de son œuvre en anglais par Thomas Wyatt, répandent la forme littéraire en Angleterre, où elle fut utilisée par William Shakespeare et d'innombrables autres poètes. Boccace, un disciple de Pétrarque, est devenu un écrivain renommé par ses propres mérites. Son œuvre principale, le Decameron est un recueil de 100 histoires racontées par 10 conteurs échappés pendant 10 nuits dans la banlieue de Florence afin de fuir la peste noire. Il est une source d'inspiration pour de nombreux auteurs de la Renaissance, dont Geoffrey Chaucer et William Shakespeare. La politique avec le christianisme, l'antiquité classique et l'érudition est la quatrième source d'influence sur la littérature de la Renaissance. Les œuvres les plus célèbres du philosophe politique Nicolas Machiavel sont « Histoire de Florence » et « Le Prince » . Ce dernier reste une œuvre littéraire influente, de sorte que dans la société occidentale le terme « machiavélique » est synonyme du pragmatisme politique invoqué par le livre. Philosophie et science[modifier le code] Articles détaillés : Humanisme de la Renaissance et Sciences et techniques de la Renaissance. Pétrarque est le fondateur d'une nouvelle méthode d'étude, l'humanisme de la Renaissance. L'humanisme est une philosophie optimiste qui voit l'homme comme un être sensible et rationnel, avec la capacité de penser et de décider par lui-même signifiant une opposition à la vision de l' Église catholique, transformée en idéologie mystique qui présente l'esprit comme la réalité absolue. L'humanisme considère l'homme comme intrinsèquement bon par nature, contrairement à la vision chrétienne du péché originel qui doit être racheté. Pétrarque encourage l'étude des classiques latins et emporte avec lui son exemplaire d'Homère. Une étape essentielle de l'éducation humaniste a été proposée par Pico della Mirandola à la recherche de manuscrits oubliés. Découvrir le passé est à la mode, une quête devenue un des objectifs sociaux majeurs. Les patriciens italiens, des princes marchands et des despotes ont investi dans la construction de bibliothèques. Les œuvres de l'antiquité ont été traduites du grec et du latin dans les langues modernes à travers l'Europe. Vers 1450, Gutenberg met au point la technique de l’imprimerie, qui permet de réaliser le rêve des humanistes : diffuser largement les connaissances, trouvant une classe moyenne réceptive. L'admiration pour les sources classiques consacre la vision aristotélicienne et ptolémaïque de l'univers. L'humanisme souligne que la nature doit être considérée comme une création spirituelle non régie par des lois mathématiques. Dans le même temps, les philosophes ont perdu beaucoup de leur rigueur et les règles de la logique déductive considérées comme secondaires par rapport à l'intuition et à l'émotion. Ce n'est qu'à la diffusion de la Renaissance dans le nord de l'Europe que la science renaît, avec des figures comme Copernic , Francis Bacon et Descartes. L'astronomie s'émancipe de l'astrologie. La résolution d’équations du troisième degré permettent ainsi à Johannes Kepler de calculer un lever de terre sur la Lune et Galilée à la fin du XVIe siècle, invente le télescope. la Renaissance permet, pour les disciplines scientifiques de la matière, la création de disciplines et d'épistémologies distinctes mais réunit par la scientificité, elle-même permise par les mathématiques, car, selon l'expression de Pascal Brioist : « la mathématisation d’une pratique conduit à lui donner le titre spécifique de science »[56]. Sculpture et peinture[modifier le code] Article connexe : Primitifs italiens. Au Trecento et au Quattrocento, la culture émerge comme facteur déterminant dans l'élaboration et la perception de l'image picturale. Elle se voit reconnaitre des capacités nouvelles à transmettre des idées et des concepts d'une profondeur et d'une complexité équivalentes à celles reconcentrées dans les textes[54]. L'importance grandissante de la culture dans la société italienne joue un rôle direct sur la transformation de la peinture : pour acquérir la dignité nouvelle et souhaitée, la peinture doit être elle-même « cultivée », el

Sénèque (en latin Lucius Annaeus Seneca), parfois nommé Sénèque le Jeune, Sénèque le Philosophe ou Sénèque le Tragique, né vers l'an 4 av. J.-C. à Corduba et mort le 12 avril 65 à Rome, est un homme d'État romain, un philosophe et un dramaturge. Conseiller à la cour impériale sous Caligula puis Claude, il est exilé en 41 en Corse, où il écrit ses premiers traités philosophiques avant d'être rappelé comme tuteur du jeune Néron. Lorsque celui-ci accède au pouvoir, il devient son conseiller puis l'un des personnages les plus influents de l'Empire, aux côtés du préfet du prétoire Burrus. La mort de ce dernier en 62 précipite la disgrâce de Sénèque, qui est acculé au suicide par ordre de Néron. Ses traités philosophiques comme De la brièveté de la vie, De la colère ou De la vie heureuse, et surtout ses Lettres à Lucilius exposent ses conceptions philosophiques stoïciennes. Ses tragédies constituent l'un des meilleurs exemples du théâtre tragique latin, certaines œuvres nourriront le théâtre classique français du XVIIe siècle, comme Œdipe, Phèdre ou Médée. Biographie[modifier le code] Jeunesse et débuts[modifier le code] Sénèque est né à Corduba en Bétique (aujourd'hui Cordoue en Andalousie). La date précise de sa naissance n'est pas connue, mais on la situe habituellement au début de notre ère[1], entre l'an 4 av. J.-C. et 1 apr. J.-C.[2] Sa famille n'est pas hispanique ni originaire du territoire bétique, mais semble avoir été originaire d'Italie du Nord[3],[4]. Il est le deuxième fils d'Helvia et de Marcus Lucius Annaeus Seneca (dit « Sénèque l'Ancien »), un rhéteur aisé de rang équestre. Novatus, dit « Gallion », son frère aîné, est proconsul d'Achaïe à Corinthe, où, selon les Actes des Apôtres[5], Paul de Tarse comparaît devant lui en 51. Sénèque est également l'oncle de l'écrivain Lucain, fils de son frère cadet Mela[6]. Il est encore très jeune lorsque sa famille s'installe à Rome, où son père lui prodigue une éducation soignée. Il est d'abord attiré par le pythagorisme. Vers 20 ans, il commence à souffrir d'une maladie aujourd'hui associée à la tuberculose et se rend en Égypte afin de se rétablir. De retour à Rome en 31, il commence sa carrière à la cour. À partir de 37, il est élu questeur et obtient le droit de siéger au Sénat. Particulièrement lié au richissime Crispus Passienus — dont la première épouse, Domitia, est la tante de Néron et la seconde, Agrippine, la mère du futur empereur — Sénèque devient un proche de la cour impériale[7]. Sous Caligula[modifier le code] Conseiller à la cour impériale sous Caligula, Sénèque se fait rapidement remarquer pour son talent. Cela lui attire la jalousie de l'empereur lui-même. Dans ses écrits ultérieurs, Sénèque décrit Caligula comme un monstre et ne lui trouve aucune qualité. Caligula d'après Suétone déteste Sénèque[8]. Selon Dion Cassius, il le fait condamner à mort « pour avoir bien plaidé devant le Sénat » et lui ordonne de se suicider. Cependant, Sénèque aurait dû son salut à l'intervention de l'une des maîtresses de l'empereur, qui le fait gracier. L'une des raisons avancées pour cette décision est la santé défaillante de Sénèque, qui laisse envisager une mort rapide de maladie[9]. Sénèque, lui, explique sa propre survie comme étant due à sa patience et à son dévouement[10]. Sous Claude[modifier le code] Sénèque est alors la victime des intrigues de Messaline, la troisième épouse de l'empereur Claude, qui l'accuse d'adultère avec Julia Livilla. Les historiens modernes jugent que cette accusation ne fut qu'un prétexte, étant donné que Messaline avait surtout des motifs politiques pour éliminer Julia Livilla. Sénèque est une nouvelle fois condamné à mort, peine commuée en exil par Claude. De 41 à 49, Sénèque est relégué en Corse. Il est difficile de faire la part de la légende dans les diverses anecdotes rapportées par la tradition locale. Il est improbable qu'il ait vécu en ermite dans la tour de Sénèque, nid d'aigle perché sur le chaînon montagneux du cap Corse. Selon un autre récit traditionnel, Sénèque, qui aurait attenté à la vertu d'une bergère corse, aurait été, par vengeance, roulé nu dans un buisson d'orties, ce qu'attesterait le nom vernaculaire d'une variété d'orties : l'Urtica di Seneca[11]. Dans ses écrits ultérieurs il a porté des jugements très peu flatteurs sur l'île et sur ses habitants dont il disait : « Se venger est la première loi des Corses, la seconde, vivre de rapines, la troisième, mentir et la quatrième, nier les Dieux[12]. » C'est durant son exil que Sénèque aurait écrit ses Consolations. Il tente dans sa Consolation à Polybe de plaire au secrétaire de Claude qui venait de perdre son frère[13]. Le texte attribué à Sénèque n'ayant pas eu l'effet espéré, il n'est rappelé qu'après la mort de Messaline, en 48 ou 49 à la demande d'Agrippine devenue la nouvelle épouse de Claude. En 50, il devient préteur grâce à l'influence d'Agrippine. Vers cette époque, il épouse également Pauline, originaire d'Arles[14], sans doute fille de Pompeius Paulinus, préfet de l'annone, c’est-à-dire chargé de l’approvisionnement de Rome, auquel il dédie le traité De la brièveté de la vie (De brevitate vitae). Sous Néron[modifier le code] En 49, Sénèque est rappelé à Rome à la demande d'Agrippine, qui le fait engager comme tuteur du jeune prince Néron alors âgé de 12 ans[15]. Ce dernier succède à Claude sur le trône impérial en 54, à l'âge de 17 ans. L'influence de Sénèque est particulièrement forte au cours de sa première année en tant que conseiller impérial. C'est d'ailleurs lui qui compose l'éloge funèbre prononcé par Néron à la mort de Claude, comme il compose, par la suite, bon nombre des discours du nouvel empereur. Plus tard, Sénèque écrit l’Apocoloquintose ou Transformation de l'empereur Claude en citrouille, qui ridiculise l'apothéose de Claude et fait l'éloge de Néron. En mai-juin 55, il devient consul suffect. Sénèque est ainsi, avec le préfet du prétoire Burrus et Néron lui-même, l'homme le plus influent de l'Empire romain. Selon Tacite, le quinquennium Neronis, terme désignant les cinq premières années du règne de Néron sous l'influence de Sénèque, s'avère être une période de prospérité pour l'Empire. En 56, il publie De la clémence, à la suite de la mort de Britannicus qui agite Rome. Le but de cet écrit fut sans doute de rassurer les foules vis-à-vis du pouvoir de Néron. Tacite rapporte qu'à la suite de cela, Sénèque obtint la moitié des propriétés du défunt, l'autre partie revenant à Burrus[16]. En 58, Sénèque est attaqué par Publius Suillius Rufus, qui lui reproche son immense fortune (300 millions de sesterces) acquise par ses amitiés et par l'usure, ainsi que sa tentative de débaucher des femmes de la maison princière. Rufus relaie également la rumeur d'une relation entre Agrippine et Sénèque, ce à quoi ce dernier réplique en accusant Rufus de corruption. Finalement, Sénèque s'en sort sans dommage, tandis que Rufus est condamné à l'exil et se fait confisquer la moitié de son domaine[17]. La fortune que Sénèque a accumulée est néanmoins colossale et constitue l'une des plus importantes de son époque : estimée à 75 millions de deniers, elle représente entre 5 et 10 % des revenus annuels de l'État romain[18]. Sénèque parvient à rompre le lien quasi incestueux de Néron et de sa mère, isole Agrippine et participe activement, quoique indirectement, à son assassinat en 59. Tacite écrira, « Aussi n'était-ce plus Néron, dont la monstruosité était au-delà de toute plainte, mais Sénèque que la rumeur publique condamnait, pour avoir avoué, en faisant écrire cela, le crime. »[19]. À ce moment-là, Sénèque était sans aucun doute extrêmement riche : il possédait des propriétés en Italie, mais aussi en Égypte et en Illyrie (actuelle Albanie). Dion Cassius affirme que la bataille de Watling Street a été causée par Sénèque, qui incitait les Bretons à contracter d'importants prêts à intérêts. Sénèque se montrait sensible à de telles accusations : dans De la vie heureuse, daté de cette époque, il argue que gagner et dépenser correctement sa richesse est un comportement approprié pour un philosophe. Mort[modifier le code] En 62, cependant, il commence à tomber en disgrâce après la mort de Burrus et, selon Tacite, il est jalousé pour sa richesse et il critique les goûts de Néron pour les chevaux et le chant[20]. À la suite de sa mise en cause, Sénèque demande à Néron d'être relevé de sa charge d’« ami du prince » et propose de lui restituer sa fortune. Néron refuse et, bien que Sénèque se soit retiré de la vie publique, tente sans succès de le faire empoisonner. En 65, Sénèque est compromis malgré lui dans la conjuration de Pison et contraint à un suicide forcé. Il se donne la mort en s'ouvrant les veines sur l'ordre de Néron. Tacite fait la mise en scène détaillée de son suicide[21] : « Ensuite le fer lui ouvre les veines des bras. Sénèque, dont le corps affaibli par les années et par l'abstinence laissait trop lentement échapper le sang, se fait aussi couper les veines des jambes et des jarrets. Bientôt, dompté par d'affreuses douleurs, il craignit que ses souffrances n'abattissent le courage de sa femme, et que lui-même, en voyant les tourments qu'elle endurait, ne se laissât aller à quelque faiblesse ; il la pria de passer dans une chambre voisine. Puis, retrouvant jusqu'en ses derniers moments toute son éloquence, il appela des secrétaires et leur dicta un assez long discours. […] Comme le sang coulait péniblement et que la mort était lente à venir, il pria Statius Annaeus, qu'il avait reconnu par une longue expérience pour un ami sûr et un habile médecin, de lui apporter le poison dont il s'était pourvu depuis longtemps, le même qu'on emploie dans Athènes contre ceux qu'un jugement public a condamnés à mourir. Sénèque prit en vain ce breuvage : ses membres déjà froids et ses vaisseaux rétrécis se refusaient à l'activité du poison. Enfin il entra dans un bain chaud, et répandit de l'eau sur les esclaves qui l'entouraient, en disant : « J'offre cette libation à Jupiter Libérateur. » Il se fit ensuite porter dans une étuve, dont la vapeur le suffoqua. Son corps fut brûlé sans aucune pompe ; il l'avait ainsi ordonné par un codicille, lorsque, riche encore et très puissant, il s'occupait déjà de sa fin[22]. » Comptant au nombre des conjurés, son frère cadet Mela ainsi que son neveu Lucain sont également acculés au suicide, tout comme l'est son frère aîné Gallion peu après, pour des raisons politiques[23]. Pierre Paul Rubens, 1612, La Mort de Sénèque - Alte Pinakothek, Munich. Luca Giordano, 1684, La Mort de Sénèque - musée du Louvre, Paris. Manuel Domínguez Sánchez, 1871, La Mort de Sénèque - musée du Prado, Madrid. Apport philosophique et moral[modifier le code] Conception de la religion[modifier le code] Selon Paul Albert (mort en 1880), longtemps avant Sénèque, la religion ancienne était tombée en désuétude : il n'y avait sans doute pas à Rome un esprit éclairé qui acceptât les fables du polythéisme ou les pratiques de superstition empruntées aux cultes de l'Orient[24]. Sénèque consent à ce qu'on donne à Dieu des noms plus larges. « Voulez-vous l'appeler nature ? Vous ne vous tromperiez point ; car c'est de lui que tout est né, lui dont le souffle nous fait vivre. Voulez-vous l'appeler monde ? Vous en avez le droit. Car il est le grand tout que vous voyez ; il est tout entier dans ses parties, il se soutient par sa propre force[25]. » Toutes ces définitions sont plus ou moins empruntées au stoïcisme scientifique[24]. En ce qui concerne le culte que réclament les dieux : « Le premier culte à leur rendre, c'est de croire en leur existence, puis de reconnaître leur majesté, leur bonté, sans laquelle il n'y a pas de majesté, de savoir que ce sont eux qui président au monde, qui gouvernent l'univers par leur puissance, qui sont les protecteurs du genre humain[26]. » « Ils ne peuvent ni faire ni recevoir une injustice[26]. » Une sorte d'enthousiasme religieux est exprimée dans ce passage : « En vain élèverez-vous les mains vers le ciel ; en vain obtiendrez-vous du gardien des autels qu'il vous approche de l'oreille du simulacre, pour être mieux entendu : ce Dieu que vous implorez est près de vous ; il est avec vous, il est en vous. Oui, Lucilius, un esprit saint réside dans nos âmes ; il observe nos vices, il surveille nos vertus, et il nous traite comme nous le traitons. Point d'homme de bien qui n'ait au-dedans de lui un Dieu. Sans son assistance, quel mortel s'élèverait au-dessus de la fortune ? De lui nous viennent les résolutions grandes et fortes. Dans le sein de tout homme vertueux, j'ignore quel Dieu, mais il habite un Dieu. S'il s'offre à vos regards une forêt peuplée d'arbres antiques dont les cimes montent jusqu'aux nues, et dont les rameaux pressés vous cachent l'aspect du ciel ; cette hauteur démesurée, ce silence profond, ces masses d'ombre qui de loin forment continuité, tant de signes ne vous annoncent-ils pas la présence d'un Dieu ? Sur un antre formé dans le roc, s'il s'élève une haute montagne, cette immense cavité, creusée par la nature, et non par la main des hommes, ne frappera-t-elle pas votre âme d'une terreur religieuse ? On vénère les sources des grandes rivières, l'éruption soudaine d'un fleuve souterrain fait dresser des autels ; les fontaines des eaux thermales ont un culte, et l'opacité, la profondeur de certains lacs les a rendus sacrés : et si vous rencontrez un homme intrépide dans le péril, inaccessible aux désirs, heureux dans l'adversité, tranquille au sein des orages, qui voit les autres hommes sous ses pieds, et les dieux sur sa ligne, votre âme ne serait-elle pas pénétrée de vénération ? Ne direz-vous pas qu'il se trouve en lui quelque chose de trop grand, de trop élevé, pour ressembler à ce corps chétif qui lui sert d'enveloppe ? Ici le souffle divin se manifeste[27]. » L'homme, non l'homme vulgaire, mais celui qu'il appelle le sage, est comme un dieu. Celui-là en effet est non seulement placé sur la même ligne que les dieux, mais il leur est supérieur : « Le sage ne diffère de Dieu que par la durée. (Bonus tempore tantum a Deo differt[28].) » Si Dieu est exempt de toute crainte, le sage aussi. Si Dieu est affranchi de la crainte par le bienfait de sa nature, le sage a l'avantage de l’être par lui-même : « Supportez courageusement ; c'est par là que vous surpassez Dieu. Dieu est placé hors de l'atteinte des maux, vous, au-dessus d'eux[29]. » Une doctrine de la vie bonne[modifier le code] Cet être parfait existe, quoique assez rare, « c'est un phénix qui ne naît que tous les cinq cents ans »[30]. Quant à la mort, il fallait être toujours prêt, se fortifier, s'encourager les uns les autres. On rappelait les beaux exemples de courage, les trépas héroïques ; ce n'était point pour exercer son esprit, comme dit Sénèque, (Non in hoc exempla nunc congero ut ingenium exerceam[31]). Sénèque combat parfois, mais faiblement, ce qu'il appelle « le désir de mourir » (libido moriendi) : « Le sage ne doit point fuir de la vie, mais en sortir. »[32]. Mais dans quelles circonstances ? On se donnait souvent la mort pour échapper aux ennuis et aux incommodités de la vieillesse. Il faut les supporter, dit Sénèque, tant que l'âme n'en sera point diminuée ou l'intelligence menacée. Mais si les supplices, si l'ignominie nous menacent, nous redevenons libres d'y échapper par la mort, car nous avons le droit de nous soustraire à tout ce qui trouble notre repos. Il va même jusqu'à accorder ce droit le jour « où la fortune commencera à être suspecte[33]. » On lui doit aussi cette citation célèbre : « Ce n'est pas parce que les choses nous paraissent difficiles que nous n'osons pas, c'est parce que nous n'osons pas qu'elles nous paraissent difficiles[34]. » Cependant, il faut saisir toutes les secondes de notre temps. Pour le préserver, Sénèque nous invite concrètement par exemple à lire les lettres de Lucilius. Il reste très romain dans son approche de la mort : la vie est pour lui un bien au sens patrimonial du terme et comme plusieurs stoïciens et épicuriens rejette le destin post-mortem. « Où seras-tu après la mort ? Avec ceux qui ne sont pas nés[35]. » Apport scientifique[modifier le code] Dans ses Questions naturelles (Naturales quaestiones), Sénèque propose une synthèse critique de témoignages et théories d'auteurs plus anciens, en particulier des philosophes grecs, concernant des phénomènes naturels[36]. Un astéroïde a été nommé (2608) Sénèque en sa mémoire, en raison entre autres de ses textes sur les météores et sur les comètes contenus respectivement dans les livres I et VII des Questions naturelles[36] . Œuvres[modifier le code] La datation supposée des écrits est indiquée. Faute d'indices chronologiques concrets, la datation à partir de critères stylistiques est hypothétique[37]. Physique[modifier le code] Sénèque écrivit entre 61 et 64 les Questions naturelles (Naturales quaestiones), en sept livres, son seul traité de physique qui survécut, il traite et observe des phénomènes et des réponses qui furent apportés pour les décrire et en chercher la cause. Les discussions sont savantes, en abordant la rationalité de l'univers avec plusieurs digressions morales[38]. Liber I, de ignibus caelestibus Liber II, de fulminibus et tonitribus Liber III, de aquis terrestribus Liber IV, de Nilo, de nubibus Liber V, de ventis Liber VI, de terrae motu Liber VII, de cometis Satire[modifier le code] c. 54 : Apocoloquintose (La transformation de l'empereur Claude en citrouille), une satire. La paternité du texte a divisé les philologues. Consolations[modifier le code] 41 : Consolation à Marcia (Ad Marciam consolatio) 41 : Consolation à ma mère Helvia (Ad Helviam matrem Consolatio) 41 : Consolation à Polybe (Ad Polybium consolatio) Dialogues et correspondance[modifier le code] 47-62 : La Constance du sage (De constantia sapientis) 49-64 : Sur la tranquillité de l'âme (De tranquillitate animi) 62-65 : De l'oisiveté (De otio), fragmentaire 58 : De la vie heureuse (De vita beata) 49-55 : De la brièveté de la vie (De breuitate uitæ) 41-52 : De la colère (De ira) 37-65 : De la providence (De providentia) 56 : De la clémence (De clementia) 61-63 : Des bienfaits (De beneficiis) 63 et 64 : Lettres à Lucilius (Epistulae morales ad Lucilium) Correspondance apocryphe[modifier le code] 14 Lettres de Paul et de Sénèque Une tradition remontant à l'Antiquité attribue à Sénèque une correspondance avec l'apôtre Paul de Tarse — qui est en fait un apocryphe de facture post-classique datant du IIIe ou début IVe siècle[39] — en vertu de laquelle le philosophe a parfois pu être considéré comme chrétien[40]. Si cette tradition n'est que rarement relayée par les auteurs médiévaux — dont certains retiennent cependant que Sénèque a pu être influencé par des chrétiens —, elle confère une grande popularité à son œuvre qui, dès le XIIe siècle, concurrence celle de Cicéron ; Sénèque apparaît ainsi aussi souvent que les Pères de l'Église dans les florilèges éthiques médiévaux[40]. Tragédies[modifier le code] Sénèque écrivit plusieurs tragédies ; la question de savoir si elles étaient destinées au théâtre ou à des lectures publiques demeure incertaine[41]. Dix tragédies à son nom sont connues ; la critique soupçonne que deux d'entre elles sont apocryphes : 53 : Agamemnon ; Hercule furieux ; Hercule sur l'Œta. Des doutes subsistent sur son authenticité, il est supposé que c'est un pastiche anonyme, une relecture d'Hercule furieux ; Médée Octavie. C’est la seule fabula prætexta complète qui ait survécu, plusieurs indices montrent que ce n'est pas l'œuvre de Sénèque mais celle d'un imitateur ultérieur : la tradition manuscrite fiable est défectueuse, le philosophe se met en scène, le style est bien différent et la pièce référence clairement le suicide de Néron ; Œdipe ; Phèdre ; Les Phéniciennes ou La Thébaïde, inachevée ou fragmentaire. Thyeste Les Troyennes, adaptation des Troyennes d'Euripide. Écrits perdus et fragments[modifier le code] Bon nombre de traités furent perdus[42],[43]. Ils subsistent seulement comme fragments, le plus souvent étant des citations conservées par des auteurs postérieurs[44] ou sont évoqués par Sénèque[45] : la correspondance perdue comprend des lettres à son frère Novatus, à son ami Caesonius Maximus et plusieurs lettres à Lucilius, du fait qu'Aulu-Gelle parle d'un XXIIe livre ; une Vie de mon père (De uita patris) ; des discours à Néron ; un éloge à Messaline ; deux traités de géographie : Sur la localisation de l'Inde (De situ Indiae) et Sur la localisation et la religion des Égyptiens (De situ et sacris Aegyptiorum) ; des poèmes (Carmina) et des épigrammes. Près de 70 épigrammes, totalisant approximativement 620 vers, sont présents dans l'Anthologie palatine, mais leur attribution est sujette à débat[46],[47],[48] ; des écrits de physique : Sur le tremblement de terre (De motu terrarum), Sur les pierres (De lapidum natura), Sur les poissons (De piscium natura) et Sur la forme du monde (De forma mundi), cités par Cassiodore, Raban Maur[49] et Pline l'ancien pour l'Histoire naturelle ; des livres traitant de philosophie : des exhortations, Sur les devoirs (De Officis), Sur la mort prématurée (De immatura morte), Sur la superstition (De superstitione) qui est largement cité par saint Augustin dans La Cité de Dieu, Sur le mariage (De matrimonio), Sur l'amitié (Quomodo amicitia continenda sit) et un livre sur la morale philosophique (Libri de philosophia morali). Dans la culture[modifier le code] Dante cite Sénèque au Chant IV de l'« Enfer », première partie de la Divine Comédie : « Tous l’admiraient, tous lui rendaient honneur. Là je vis Socrate et Platon, qui se tiennent plus près de lui que les autres … ; je vis Orphée, Tullius et Livius, et Sénèque le philosophe moral ; Euclide le géomètre, Ptolémée[50]. » Il est également nommé à plusieurs reprises dans la pièce de théâtre Britannicus, de Jean Racine, en tant que précepteur puis conseiller de Néron[51]. Plus tôt avait été créée La Mort de Sénèque par Tristan L'Hermite. John Malkovich interprète le rôle-titre de Sénèque (Seneca), film allemand réalisé par Robert Schwentke, sorti en 2023. Notes et références[modifier le code] ↑ Pierre Grimal 1976, p. 56. ↑ Paul Veyne, Sénèque, avant-propos, p. III, Bouquins, Paris, 1993. ↑ Hubert Zehnacker, Jean-Claude Fredouille, Littérature latine, p. 231, PUF, 2001. ↑ Paul Veyne, qui fait aussi allusion à l'Italie du Nord, penche plutôt, quant à lui, pour une origine espagnole : Sénèque, préface p. VII, Bouquins, Paris, 1993. Voir aussi la discussion en note (Ibid.). Paul Veyne relativise la question de l'origine : « Le racisme antique n'était pas le nôtre. […] Peu importait : qu'il descendît d'un vétéran italien ou d'un principicule ibérique, Sénèque était un Romain ; on n'allait pas chercher plus loin. ». ↑ Actes des Apôtres, chapitre 18, versets 12 à 18. ↑ Jean-Michel Croisille, « Lucain, neveu de Sénèque », Vita Latina, no 141,‎ 1996, p. 39 (lire en ligne). ↑ Veyne 2014, p. 7. ↑ Suétone, Vie de Caius, 53. ↑ Dion Cassius, LIX, 19. ↑ Jean-Paul Faur, « La première conspiration contre Caligula », Revue belge de philologie et d'histoire, t. 51, no 1,‎ 1973, p. 44-45 (lire en ligne). ↑ Roccu Multedo, « Sénèque », sur enciclopediacorsica.wordpress.com, 2012. ↑ « Sénèque », sur corsicamea.fr (consulté le 30 juin 2019). ↑ Sénèque, Consolatio ad Polybum. ↑ Sur Pauline et sa famille, une des grandes familles d'Arles, voir Jérôme Carcopino, Choses et Gens du pays d'Arles, Lyon, 1922, p. 18-24. ↑ (en) Emily R. Wilson, The Greatest Empire : A Life of Seneca, Oxford University Press, 2014 (ISBN 978-0-19-992664-0), p. XII. ↑ Tacite, Annales, vol. XIII, p. 18. ↑ Tacite, Annales, Livre XIII, chapitre XLII-3. ↑ Veyne 2014, p. 10. ↑ Tacite, Annales, XIV, 11, 3, trad. Pierre Wuilleumier, Les Belles Lettres. ↑ Tacite, Annales, XIV, 52. ↑ Tacite, Annales Livre XV, chapitre LX- 2 et suivants. ↑ Tacite, Annales, XV, 63-64. ↑ Veyne 2014, p. 3. ↑ a et b Paul Albert, Histoire de la littérature romaine, livre IV, chapitre I, 4. ↑ Sénèque, Questions naturelles, livre II, 45. ↑ a et b Sénèque, Lettres à Lucilius XCV. ↑ Sénèque, Lettres à Lucilius, XLI. ↑ Sénèque, De providentia, I. ↑ Sénèque, De la providence, VI : « Souffrez avec courage ; par là vous l’emporterez sur moi-même : je suis en dehors de la souffrance ; vous êtes, vous, au-dessus d’elle. ». ↑ Lettres à Lucilius, lettre XLII, Rareté des gens de bien. ↑ « Je n’entasse point ici les exemples comme exercice d’imagination, mais pour t’aguerrir » -. Sénèque, Lettres à Lucilius, Lettre XXIV - Craintes de l’avenir et de la mort. – Suicides par dégoût de la vie. ↑ « Vir fortis ac sapiens non fugere debet e vita, sed exire; et ante omnia ille quoque vitetur affectus qui multos occupavit, libido moriendi. » — Sénèque, Lettres à Lucilius — Lettre XXIV — Craintes de l’avenir et de la mort. — Suicides par dégoût de la vie. ↑ Sénèque, Lettres à Lucilius, LXX, Du suicide, quand peut-on y recourir. ↑ Sénèque, Lettres à Lucilius, XVII, 104, 26. ↑ Quæris quo jaceas post obitum loco ? Quo non nata jacent. (chœur des Troyennes, II, 3). ↑ a et b Janet Borg et Anny-Chantal Levasseur-Regourd (préf. Hubert Reeves), L'Exploration cométaire : De l'Antiquité à Rosetta, Paris, Nouveau monde éditions, coll. « Histoire des sciences », janvier 2018, 231 p. (ISBN 978-2-36942-524-3), chap. 1 (« Aux origines de l'astronomie cométaire »), p. 18-22. Sénèque, Questions naturelles, texte établi et traduit par P. Oltramare, Les Belles Lettres, 1961. ↑ Le théâtre de Sénèque, Vita Latina. p. 424 de la biographie de Grimal. ↑ Sénèque (trad. Paul Oltramare), Questions naturelles, Les Belles Lettres, 1929, Introduction. édition révisée en 1961 et 2003.. ↑ Wilson 2014, p. 216. ↑ a et b Carole Mabboux, Cicéron et la Commune : Le Rhéteur comme modèle civique (Italie, XIIIe – XIVe siècle), Publications de l’École française de Rome, 2022 (ISBN 978-2-7283-1546-8), p. 178. ↑ Léon Herrmann, « Les tragédies de Sénèque étaient-elles destinées au théâtre ? », Revue belge de philologie et d'histoire, vol. 3, no 4,‎ 1924, p. 841-846 (lire en ligne). ↑ Henri Bardon, La Littérature latine inconnue : Tome II : L'Époque impériale, Paris, klincksieck, 1953, chap. III « Au Temps des Julio-Claudiens » (note 1). ↑ Le troisième volume de l'édition Teubner en édite la grande majorité. ↑ (la) Vottero, D. (trad. du latin), Seneca : I frammenti, Bologne, Pàtron, 1998, 534 p. (ISBN 88-555-2469-0). ↑ Comme le livre sur la morale philosophique qu'il mentionne à plusieurs reprises dans Lettres 106, 1-3 ; 108, 1 et 39 ; 109, 1, 14 et 17 (A.D. Leeman, « Seneca's Plans for a Work 'Moralis Philosophia' and Their Influence On His Later Epistles », Mnemosyne, vol. 6, no 1,‎ 1953, p. 307–313 (ISSN et , DOI , lire en ligne, consulté le 29 août 2020)). ↑ « Les épigrammes de l'Anthologie latine attribuées à Sénèque », sur Folia Electronica Classica, 2006 (Texte français des épigrammes [PDF]). Le nombre des pièces poétiques varie selon les éditeurs, certaines épigrammes furent potentiellement divisées par la tradition manuscrite. ↑ Pierre Laurens, Histoire critique de la littérature latine, Les Belles Lettres, 2014, p. 381-384. ↑ Guy Cambier, « Carlo Prato, Gli epigrammi attributi a L. Anneo Seneca. Introduzione, testo critico, traduzione, commento, indice delle parole [compte-rendu] », L'Antiquité classique, t. 34,‎ 1965, p. 254-255 (lire en ligne). ↑ Il mentionne le De forma mundi dans De clericorum institutione III.XXV : (la) Patrologia Latina, t. CVII, Paris, apud J.-P. Migne editorem, 1851 (lire en ligne), p. 0403B. ↑ Commedia, Inf. IV, 141 (texte original) - Trad. Lamennais. ↑ « Britannicus (1670) - Wikisource », sur fr.wikisource.org (consulté le 25 novembre 2018). Bibliographie[modifier le code] Sources antiques[modifier le code] Dion Cassius, Histoire romaine, LX–LXII Tacite, Annales, XII–XV Recherche contemporaine[modifier le code] Juliette Dross, Le Philosophe dans la cité. Sénèque et l'otium philosophique, Brepols, 2022, 483 pages (ISBN 978-2-503-59634-1) Florence Dupont, Les Monstres de Sénèque, Belin, 2011, (1re éd. 1995), 352 pages (ISBN 2701161185). Jean Lombard, L'Enseignement philosophique de Sénèque. Lecture des Lettres à Lucilius, L'Harmattan, 2023, 142 pages (ISBN 978-2-14-034012-3) Martin Degand, Sénèque au risque du don. Une éthique oblative à la croisée des disciplines, Brepols, 2015, 440 pages (ISBN 978-2-503-55491-4) Jean-Christophe Courtil, Sapientia contemptrix doloris : Le Corps souffrant dans l'œuvre philosophique de Sénèque, 2015, 620 pages. (ISBN 978-90-429-3281-4) Ilsetraut Hadot, Sénèque : Direction spirituelle et Pratique de la philosophie, Vrin, 2014, 456 pages (ISBN 2711625699). Paul Veyne, Sénèque, Entretiens - Lettres à Lucilius, Bouquins, Robert Laffont, 2004 (1re éd. 1981) (ISBN 9782221071274). (en) Paul Veyne, Seneca : The Lfe of a Stoic, Routledge, 2014 (ISBN 978-0-415-91125-2) Paul Veyne, Sénèque : Une introduction, suivi de la lettre 70 des Lettres à Lucilius, Tallandier, 2007 (ISBN 2847344241). Joël Schmidt, L'Apôtre et le Philosophe : Saint Paul et Sénèque, une amitié spirituelle, Albin Michel, 2000, 219 pages, (ISBN 2226114289). Pierre Grimal, Sénèque, ou La Conscience de l'Empire, Fayard, 1991 (1re éd. 1978) (lire en ligne) (en) Emily R. Wilson, The Greatest Empire : A Life of Seneca, Oxford University Press, 2014 (ISBN 978-0-19-992664-0) Anthologies[modifier le code] Ainsi parlait Sénèque, Dits et Maximes de vie choisis et traduits du latin par Louis Gehres (édition bilingue), collection « Ainsi parlait », Éditions Arfuyen, Paris-Orbey, 2015. Ouvrages anciens[modifier le code] Paul Albert (1827-1880), Histoire de la littérature romaine (une partie du présent article est extraite de cet ouvrage). Eugène Albertini, La Composition dans les ouvrages philosophiques de Sénèque, Paris, E. de Boccard, 1923. Denis Diderot, Essai sur la vie de Sénèque le philosophe, sur ses écrits, et sur les règnes de Claude et Néron, 1778. Ressources philosophiques antiques[modifier le code] Sénèque le jeune, textes de la Bibliotheca Classica Selecta Seneca (Lucius Annaeus), textes du CNRS Sénèque, textes sur Remacle Voir aussi[modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia : Articles connexes[modifier le code] Asianisme La Mort de Sénèque Lettres de Paul et de Sénèque Liens externes[modifier le code] Œuvres en latin Une traduction juxtalinéaire du De vita beata de Sénèque par MM. D. Delaunay et J. Baillard Œuvres numérisées, études, bibliographies, sur le site de l'Académie Créteil P. Paré-Rey, Les éditions des tragédies de Sénèque conservées à la Bibliothèque nationale de France (XVe-XIXe s.), 17 janvier 2018, Carnet de recherches Hypothèses L'Antiquité à la BnF. Bases de données et dictionnaires[modifier le code] Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes : Britannica Brockhaus Deutsche Biographie Diccionario Biográfico Español Dizionario di Storia Enciclopedia italiana Enciclopedia De Agostini Enciclopédia Itaú Cultural Gran Enciclopèdia Catalana Hrvatska Enciklopedija Internetowa encyklopedia PWN Nationalencyklopedin Store norske leksikon Treccani Universalis Visuotinė lietuvių enciklopedija Notices d'autorité : () v · mPhilosophie hellénistique Stoïcisme Philosophie antique Philosophie hellénistique Frise chronologique Autres philosophes Persée de Cition Ariston de Chios Hérillos de Carthage Denys le Transfuge Sphéros Chrysippe de Soles Aristocréon Caton d'Utique Publius Clodius Thrasea Paetus Épicurisme Aire grecque Épicure Métrodore Hermarque de Mytilène Dionysios de Lamptrée Zénon de Sidon Polystrate Apollodore Philodème de Gadara Diogène d'Œnoanda Idoménée de Lampsaque Batis de Lampsaque Colotès Léontée de Lampsaque Basilide Aire romaine Lucrèce Scepticisme Pyrrhon d'Élis Timon de Phlionte Énésidème Agrippa Sextus Empiricus Voir aussi : Esquisses pyrrhoniennes Vocabulaire Liste des sceptiques anciens La Nouvelle Académie Antiochos d'Ascalon Arcésilas de Pitane Carnéade Charmadas Cicéron Clitomaque de Carthage Pamphile Philon de Larissa Héraclite de Tyr v · mTragédies de Sénèque Tragédies Agamemnon Hercule furieux Médée Œdipe Phèdre Thyeste Les Troyennes Les Phéniciennes (inachevée) Hercule sur l'Œta (paternité suspecte) Octavie (apocryphe) Représentation théâtre romain antique ludi ludi scaenici ludi Megalenses Métrique sénaire iambique trimètre iambique dimètre anapestique Chœur (théâtre) cantica Voir aussi fabula palliata fabula cothurnata fabula prætexta fabula togata Portail de la philosophie antique Portail de la littérature Portail du théâtre Portail de la Rome antique <img height="1" src="https://fr.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?useformat=desktop&amp;type=1x1&amp;usesul3=1"; width="1" alt="" style="border: none; position: absolute;"> Ce document provient de « https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Sénèque&oldid=235058956 ».

Retrouvez la liste des fermetures d'attractions à venir pour les semaines et mois à venir dans les deux parcs Disney. Pour prévoir et ... savoir quand venir !