Revue de presse théâtre

Crédit photo : Jean-Louis Fernandez



Le Récit d’un homme inconnu, texte de Anton Tchekhov, mise en scène, adaptation, scénographie et lumière de Anatoli Vassiliev

 Dès que le public pénètre dans la salle de théâtre, son regard est saisi par le vaste décor scénique d’un appartement bourgeois et cossu qui baigne dans une lumière radieuse. Au-dessus, suspendue dans le lointain, la photo ancienne de la Perspective Nevski à Saint-Pétersbourg.

Sur la scène élevée, un long vestibule s’étire de jardin à cour, pièce tout en longueur fermée par des murs et leurs trois portes blanches encastrées et qui, ouvertes, laissent entrevoir ses coulisses arrière.

Le spectateur assiste en voyeur à des séances élégantes d’habillage et de déshabillage du maître de maison, livré aux mains habiles de son valet silencieux. La pièce de vie face au public surmonte une terrasse en demi-lune, accessible en contre-bas par quelques marches sur les côtés.

La scénographie est graduée, selon trois niveaux, un tapis de cirque en demi-cercle près du public, l’appartement surélevé et Saint-Pétersbourg.

Rien ne laisserait supposer dans ce Récit d’un homme inconnu de Tchékhov, créé par Anatoli Vassiliev, que sonne la fin des années 1880 en Russie, au temps troublé d’un groupe terroriste – intellectuels et étudiants poseurs de bombes -, rappel sonore d’une intelligentsia déçue.

L’homme inconnu est le valet silencieux qui fait rouler ses dessertes multiples à l’heure du thé, à l’intention des maîtres, Orlov et sa maîtresse Zinaïda. Il est le narrateur Vladimir Ivanovitch, ex-officier de la marine et de mouvance révolutionnaire, incarné par Stanislas Nordey, comédien, metteur en scène et directeur du Théâtre national de Strasbourg.

Vladimir Ivanovitch n’est pas le valet de chambre du comte Orlov par hasard : le père de celui-ci, homme d’Etat, est la cible des terroristes. Le valet est un politique habité d’une vie intérieure intense et inconnue.

Entre Orlov et le valet de chambre, rayonne la femme romantique et romanesque, Zinaïda – lumineuse Valérie Dréville – qui accorde sa foi à celui qu’elle aime. Passionnée par les idées politiques, elle s’embrase pour des hommes désenchantés et blessés que l’amour ne peut sauver.

Aux antipodes du valet, Orlov – Dom juan interprété par l’acteur Sava Lolov -, porte beau, protégé encore par son ironie, un Platonov de la pièce éponyme de Tchékhov. Amateur de vins, de livres, le héros fascine les femmes par sa liberté et son refus des attachements.

Le premier volet pétersbourgeois du spectacle révèle la belle Zinaïda, épouse qui a quitté son mari pour le seul amour du comte Orlov, distant et replié sur ses lectures. Déçue, désobligée et enceinte, elle le quitte.

Avant que ne s’ouvre le second volet, le valet descend sur le demi cercle de la salle près du public, narrant l’action passée et préparant l’avenir.

La seconde partie fait tomber le voilage de la vue de Saint-Pétersbourg, laquelle est remplacée par l’image des canaux d’une Venise ensoleillée. Après avoir renoncé à tuer la victime ciblée – un rêve qu’il a cru vivre en faisant éclater superbement un pantin de foire rempli de bouteilles vides -, le valet s’est enfui à Venise avec la belle à laquelle il s’est attaché.

Une caméra ancienne projette un film sur une voile blanche, comme accrochée à des mâts et rivée à des plombs – ancres marines -, où l’on voit les amants assis et se faisant face dans une gondole, lisant haut.

Ils vivent dans la Sérénissime –passions, jeux, fêtes et champagnes.

De longues rangées de bouteilles vides et scintillantes sertissent le bas des murs de l’appartement – une installation dont le drame aura usage.

Puis accouche la jeune femme, sans espoir, mais debout et consolée. Quand on a cru l’enfant mort-né, c’est sa mère qui a quitté la vie de bon gré.

L’atmosphère – esthétique, morale et sensuelle – relève de la plénitude à connotation mi sucrée, mi amère du film Mort à Venise (1971), d’après la nouvelle de Thomas Mann dont Luchino Visconti fit une œuvre mythique.

Participent à l’ambiance délicate et surannée, non seulement la création lumière de Philippe Berthommé, mais encore les costumes de Vadim Andreev et Renato, des vêtements fin de siècle de la société privilégiée à l’allure proustienne – couleurs claires, blanc cassé et beige, matières soyeuses, robes féminines épanouies et mises masculines d’allure sûre.

Canotier pour les hommes, chapeau d’Arlequin pour le carnaval vénitien de Zinaïda et dessous chic.

Et si la musique apaisante et entêtante pour le narrateur malade de la nouvelle de Tchékhov était La Sonate au clair de lune de Beethoven :

«Comme il jouait bien ! D’abord, j’eus envie de pleurer… puis, il m’apparut que ma vie n’était pas aussi mauvaise que je le pensais et qu’aujourd’hui encore il m’était possible de la recommencer intérieurement. La phtisie ne m’en empêchera pas, car on peut la guérir au Caire ou à Madère. Et il y a sur cette terre une matière si riche pour une vie joyeuse, féconde et élevée ! »

Dans la mise en scène du maître russe Anatoli Vassiliev, le contrepoint musical est assuré par les reprises lancinantes de la Cinquième Symphonie de Mahler, écho d’emblée identifiable à Mort à Venise.

Le spectacle est un enchantement scénique – un envoûtement assuré -, ne serait-ce encore que par les séances chorégraphiées, entre silences et mouvements dansés que chacun des trois interprètes accomplit – avec une prédilection de Zinaïa pour ses tournoiements gracieux, le sourire aux lèvres, qui s’ouvre manifestement au monde et à l’autre – un astre.

Les mouvements sont amples, retenus et épanouis – le virement de l’être sur lui-même, conscient de ses facultés ressaisies – esprit et corps.

Et en dépit du temps qui passe et des lassitudes physiques et morales.

Aussi ces danses traduisent-elles la face lumineuse de ces trois aventuriers de la liberté dont la femme est un symbole des plus actifs.

La face nocturne, tissée de la trivialité des jours, laisse surgir avec le temps des points de rupture à travers les convictions perdues – amour et politique, en vue d’un monde meilleur –, soit la mort de l’étincelle de vie.

Véronique Hotte

A lire également, sur son travail avec Anatoli Vassiliev, l’ouvrage de Valérie Dréville, Face à Médée – Journal de répétition paru aux Editions Actes Sud.

TNS – Théâtre national de Strasbourg, salle Koltès, du 8 au 21 mars.

MC93 à Bobigny, dans le cadre de la programmation hors les murs du Théâtre de la Ville, du 27 mars au 8 avril. Théâtre national de Bretagne à Rennes, du 12 au 20 avril.

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Par Véronique Hotte dans son blog Hottello

Crédit photo : Jean-Louis Fernandez



Tarkovski, le corps du poète, texte original de Julien Gaillard, extraits de textes de Antoine de Baecque et Andreï Tarkovski, mise en scène, montage de textes et scénographie de Simon Delétang

 « Le film devrait être pour l’auteur et pour le spectateur un acte moral purificateur », tel est le souhait éthique et esthétique du cinéaste Andreï Tarkovski (1932-1986), perçu en son époque soviétique de méfiance – glasnost et perestroïka comprises – comme l’héritier de la vieille culture russe, ante-révolutionnaire, spiritualiste et prophétique – un défenseur lyrique d’un enracinement profond dans la Terre-Mère.

Or son cinéma se situe, selon ses vœux, hors-temps ou relève de tous les temps.

La démarche est poétique, hors de l’unité dramatique conventionnelle ; elle s’accomplit dans la contemplation faite de dévoilements patients et mystérieux.

La mise en scène du spectacle de Simon Delétang, Tarkovski, le corps d’un poète, dresse le portrait en fragments et le paysage mosaïque d’un poète visionnaire.

Petite table et verre d’eau, une conférencière évoque l’acte de foi et d’orgueil de ce Maître solitaire qui ne supporte pas la moindre trahison intérieure et milite pour la vérité : « Pourquoi une cruche de lait explose-t-elle dans Le Sacrifice ? Que fait un chien dans la Zone de Stalker ? Comment un cheval blanc traverse-t-il l’écran dans Solaris ou Nosthalgia ?, selon les commentaires avertis d’Antoine de Baecque.

 La comédienne Pauline Panassenko, qui parle un beau russe tonique, accorde toute l’intensité, la ténacité, la conviction et l’énergie attendues de la part de l’artiste génial.

 Puis résonnent les basses profondes des chantres orthodoxes, et le rideau scénique s’ouvre sur la chambre d’une villa italienne aux murs blanchis à la chaux et aux fenêtres de bois sombre qui projettent une lumière solaire sur un sol à damiers.

Le décor pourrait être un intérieur de Nostalghia (1983), film tourné en Italie, non loin peut-être de de la maison que Tarkovski aurait achetée pour y vivre un jour.

L’absolu reste inaccessible, au-delà de la sentimentalité et de la mélancolie pour une terre natale forcément trop lointaine. Dès 1984, il ne plus retourne plus en URSS.

Au lointain, trône un large lit – fer forgé et drap blanc – pour un défunt sur lequel est posé une bougie fragile, lumière vivante de gisant qui tout à coup se met à parler.

Entre rêveries et souvenirs, Stanislas Nordey, acteur, metteur en scène et directeur du Théâtre National de Strasbourg, incarne Tarkovski dont le monologue exprime la teneur existentielle d’un artiste avisé, habité par une exigence constante. Malade cloué au lit, le créateur solitaire s’auto-analyse (Le Miroir -1974), il se lève et marche.

Surgit un paysan interprété par la carrure de Jean-Yves Ruf qui à la fois interpelle et veille l’artiste, au nom de la Russie. Quelque chose lie Tarkovski à Ivan de L’Enfance d’Ivan (1962), cette souffrance qui associe le héros aux jeunes russes de la génération des années 1960 dont il exige qu’ils ne s’endorment pas spirituellement.

Les images de l’eau – thème récurrent – nourrissent les rêves, les souvenirs de Tarkovski dirigés vers la mère – femme et patrie. Un cabinet de toilette, lavabo et faïence blanche permet à l’un ou l’autre des acteurs de venir boire un verre d’eau.

Nombreux, les journalistes, critiques et reporters radio viennent interroger le Maître : Que signifient les films Andreï Roublev (1966), Stalker (1979), Nostalghia (1983) … ?

De belles énigmes dont nulle réponse objective ou concrète n’est jamais dispensée.

Le poète doit avoir l’imagination et la psychologie d’un enfant qui découvre le monde.

Seul, il affronte tous les autres – insensé, radical, intransigeant, malheureux et fou.

Stanislas Nordey, alias Tarkovski, alias Don Quichotte, alias le Prince Mychkine, joue le Stalker dans la Zone, idéaliste affrontant le tragique d’un monde désespéré.

Le comédien marche en avant, épaules relevées et rentrées, bras balancés de travailleur soviétique, se tourne, reculant, pas arrière, et observe l’imaginaire déposé.

Quelques scènes du film sont reprises qu’inaugure le lancer vif d’un tissu blanc sur le plateau. Thierry Gibault, présence chaleureuse et esprit facétieux, joue L’Ecrivain, et le paisible Jean-Yves Ruf le Professeur physicien. Ce duo beckettien médite sur l’art, la science et la conscience, déroulant une parabole morale aspirant à la beauté.

Et si la beauté doit sauver le monde – prophétie dostoïevskienne -, elle passe aussi par Andreï Roublev (1966), sa Russie du XVème siècle avec la passion de Roublev, peintre d’icônes inspiré, habité par l’immensité de la terre et du peuple russes.

La beauté advient encore avec l’apparition au lointain d’un détail démesurément agrandi de la Madonna del Parto de Piero della Francesca  : « les yeux tournés/ en dedans toute/ à ce qui vit en elle/ elle voit/ ce qui l’aveugle… », écrit Julien Gaillard.

Hélène Alexandridis représente la Femme – la Fille et la Mère -, prétexte d’une Annonciation où la dame aurait été prise par le vent. Elle incarne aussi Larissa, l’épouse aimée de Tarkovski dont les paroles apaisent le poète épuisé et souffrant :

« Ainsi j’ai compris que je n’étais pas seule. Qu’au monde il existait encore une âme. … Comme toi, j’avance sans savoir où je vais. Comme toi, mon pas pèse sur la terre. Comme toi, il ne pèsera bientôt plus… La mémoire des morts est en nous… »

Des évocations encore du Sacrifice (1986) – l’incendie d’une maison et d’un arbre.

La couleur de l’or et du feu – rappel du fond doré des icônes – envahit le dessin des murs de la maison radieuse qui luit au soleil de l’amour, de la foi et de la charité. Le plateau final est jonché de cloches, d’un chien et de bottes – rappels symboliques.

Tarkovski, le corps du poète de Simon Delétang propose reflets et échos de l’œuvre du cinéaste, prenant le temps de la pause et du silence, laissant les solos, duos et trios advenir tandis que les autres figures scéniques restent immobiles et muettes.

Les musiques sacrées de Bach, entre autres, livrent à la fresque poétique sa capacité à sculpter le temps – temps de théâtre, de méditation et de contemplation.

Véronique Hotte

Théâtre National de Strasbourg, salle Grüber, du 19 septembre au 29 septembre.

Théâtre Les Célestins à Lyon, du 11 au 15 octobre.

La Manufacture Théâtre des Quartiers d’Ivry, du 2 au 6 mai 2018.

Comédie de Reims à Reims, le 11 mai 2018.

Fabienne Arvers dans Les Inrocks

Rubrique hebdomadaire des spectacles à ne pas manquer du 20 au 26 septembre

Renaud Herbin présente quatre spectacles au Festival mondial des théâtres de marionnettes de Charleville-Mézières (du 16 au 24 septembre). Concepteur du COI (Corps Objet Image), il aime surtout décloisonner les arts et “sortir la marionnette d’une problématique disciplinaire. Elle est poreuse au cirque, à la danse, aux arts visuels.” Cette nécessité à “affirmer la marionnette comme un outil au service d’une écriture contemporaine” est aussi au cœur de la démarche du théâtre d’objet d’Agnès Limbos, autre artiste “fil rouge” du festival, qui présente deux spectacles, dont une création, une exposition et une conférence .

D’autres créations sont attendues : celle des chorégraphes Héla Fattoumi et Eric Lamoureux, Oscyl, des “présences dansantes” inspirées de l’entité ailée de Hans Arp, les marionnettes à taille humaine de Chambre noire de la compagnie franco-norvégienne Plexus Solaire. Ou encore After Tchekhov de la compagnie russe Samoloe , Passager clandestin de la compagnie Arketal qui est une adaptation de la pièce de Patrick Kermann, The Great Disaster. Impossible de les citer toutes… Mais signalons quand même un Focus Finlande avec 5 spectacles.

Avec Tarkovski, le corps du poète, mis en scène par Simon Delétang au TNS de Strasbourg du 19 au 29 septembre, on assiste à la “première grande tentative théâtrale de dresser un portrait et un paysage d’évocations de ce poète de l’image”. Auteur réalisateur de sept films majeurs – de Stalker à Andreï Roublev, ou de Solaris au Sacrifice –, il fut censuré en Union soviétique et dut s’exiler et s’éloigner de ses proches pour tourner ses derniers films. Le spectacle réunit des textes d’Antoine de Baecque, Serge Daney et de Julien Gaillard. Sur le plateau, Stanislas Nordey qui incarne Tarkovski entouré d’Hélène Alexandridis, Thierry Gibault, Pauline Panassenko et Jean-Yves Ruf.

Plaisir de retrouver la romancière brésilienne Clarice Lispector au théâtre avec La Pomme dans le noir mise en scène par Marie-Christine Soma à la MC93 de Bobigny du 20 septembre au 8 octobre. Dans son roman Le Bâtisseur de ruines, elle imagine “le voyage initiatique d’un héros sans héroïsme, fuyant le crime qu’il a commis”. Sa rencontre avec deux femmes va modifier sa trajectoire. “J’aime l’idée de cette renaissance des personnages par la rencontre qu’ils font, confie la metteuse en scène. En ce moment où tout est exclusion dans notre monde, je trouve extraordinaire cette idée qu’un individu qui s’exclut par le crime puisse se réinscrire dans la communauté humaine.” Autre plaisir : retrouver l’acteur Carlo Brandt dans le rôle de Martin, aux côtés de Pierre-François Garel, Dominique Reymond et Mélodie Richard.

Amateurs d’allitérations, l’ouverture du festival des Francophonies de Limoges (du 20 au 30 septembre) est pour vous : Voyage en bordure du bord du bout du monde se déroule évidemment dans la rue, on le voit mal enfermé entre quatre murs avec un titre pareil et il est signé Cie 3 points de suspension. On enchaîne avec le petit bijou de théâtre de François Gremaud et Pierre Mifsud, Conférence de choses et c’est parti pour dix jours de spectacle de danse, de théâtre, de musique et de lectures. A voir : Eddy Merckx a marché sur la Lune de Jean-Marie Piemme, mis en scène par Armel Roussel, Zvizdal (Tchernobyl, si loin, si proche) par le groupe Berlin et Cathy Blisson, L’Humanité et Les héros de et par Josse de Pauw, Narcose de Hafiz Dhaou et Aïcha M’Barek ou Kalakuta Republik de Serge Aimé Coulibaly. A découvrir : Body Revolution/Attendre de Mokhallad Rasem, , Tram 83 de Fiston Nasser Mwanza Mujila mis en scène par Julie Kretzschmar.

“Les Héros” de Josse de Pauw, (© Kurt van der Elst)
Autre incontournable : Actoral, festival des arts et des écritures contemporaines (du 26 septembre au 14 octobre). Une 17e édition qui conjugue à merveille l’art du risque, l’amour de la création et l’écoute sensible d’une époque “en prise avec sa plus grande crise morale depuis des siècles, estime son directeur Hubert Colas. Mais la foi n’est pas morte. Nos armes sont les mots et les gestes de l’art. Nous n’abandonnerons aucun navire en perdition. Nous ne nous détournerons d’aucun regard sur la misère qui croît à travers le monde. Notre responsabilité est totale. Notre vie en dépend.”
A voir notamment : les créations de Vincent Thomasset, Tommy Milliot, Simon Mayer, Dave Saint-Pierre ou Ildi ! Eldi. Outre les spectacles, Actoral propose aussi des Face à Face entre artistes, des rencontres avec des auteurs, des projections de films et des concerts. Un festival nomade qui se balade dans Marseille et son public avec lui.

Légende photo
“La Pomme dans le noir” Mise en scène de Marie-Christine Soma - d’après “Le Bâtisseur de Ruines” de Clarice Lispector (© Christophe Raynaud de lage)

Par Olivier Joyard dans les Inrocks

Dépénalisation, adoption du Pacs, mariage pour tous : trois épisodes pour relater trois moments de tension de la société française sur la question de l’homosexualité. La série est attendue sur ARTE en 2018.


La chaleur de juin a pris les corps par surprise cette année. C’est sous cette météo lascive que le tournage de la minisérie Fiertés de Philippe Faucon, consacrée aux luttes homosexuelles depuis 1981, se termine. Quelques jours avant l’heure dite, nous nous glissons sur le plateau, où l’habituelle chorégraphie des techniciens a lieu dans un concert de murmures.

L’atmosphère est aussi calme que dans une colonie de chats. La canicule n’est pas seule responsable, car le boss des lieux donne lui-même l’exemple. Entre les prises, le réalisateur s’adresse aux acteurs présents (le jeune Benjamin Voisin, Frédéric Pierrot, Emmanuelle Bercot) d’une voix douce, s’agenouille auprès d’eux pour imaginer en quelques secondes d’infimes modulations. Il assied aussi une méthode, enchaînant nonchalamment et sans transition un compliment (“Ça marchait très bien”) avec l’ombre d’un doute (“Ça allait trop vite”). De l’art de tordre les acteurs pour toucher au but.

“J’ai accepté un petit rôle en partie pour le voir travailler, avoue la réalisatrice et actrice Emmanuelle Bercot. Son style ‘invisible’ est très construit. Le travail des comédiens n’est pas facile : il faut être très ‘blanc’ dans le jeu, mais aussi se montrer naturel. J’ai dû éliminer tout ce que je cherche à apporter en tant qu’actrice et que je capte dans les films que je réalise : des gestes, des attitudes, des scories. Ici, il n’y a pas d’intention de jeu mais une forme de dépouillement. La première prise que j’ai faite, j’ai eu l’impression d’être moi-même – il paraît que j’ai un visage très expressif. Philippe m’a dit : ‘On va refaire la même, sans les mimiques’…”
Une œuvre discrète, mais toujours en prise avec la société
Comme souvent chez l’auteur de Fatima, la scène tournée ce matin-là pourrait n’avoir l’air de rien. Sur la terrasse d’une maison de ville du XXe arrondissement de Paris, deux parents et leur fils sont assis à la table du petit déjeuner.  Une tension s’immisce, l’ado quitte les lieux, bientôt suivi par son père. C’est tout. Mais les gestes sont précis et les paroles pesées.

Faucon semble accorder la même importance à ce micromoment d’une vingtaine de secondes qu’il en donnerait à une grande révélation. Son sens de la hiérarchie n’est pas le sens commun et c’est probablement ce qui captive dans son travail depuis un quart de siècle.

Bercé par les films de Robert Bresson, le bientôt sexagénaire a construit une œuvre d’abord discrète (on se souvient du très beau Samia, en 2000), qui a décollé en notoriété dans les années 2010 par collusion avec les préoccupations d’une France métissée et diverse qu’il sonde depuis toujours. La Désintégration (2011) racontait la radicalisation jihadiste de jeunes hommes d’origine maghrébine, tandis que le lumineux Fatima, sur le destin d’une femme de ménage et de ses filles, lui a valu le César du meilleur film en 2016.

Le périple d’un couple en forme d’épopée

Avec Fiertés, le réalisateur opère en apparence un léger déplacement. Sur une idée des scénaristes José Caltagirone et Niels Rahou (qui ont coécrit avec Faucon après avoir rédigé un traitement), les trois épisodes racontent l’histoire d’une famille et d’un amour gay sur plus de trente ans.

Le premier volet se déroule au moment de la dépénalisation de l’homosexualité en 1981, le deuxième à l’adoption du Pacs en 1999 et le troisième en 2013, alors que le mariage pour tous entre dans la loi après les difficultés que l’on sait.

Sous cette trame historique se dessine le périple du couple que forment Victor et Serge, dont la différence d’âge de dix-huit ans n’empêche pas la construction d’une longue épopée. Il est question ici de sida, d’enfants adoptés, de discriminations au sein de la cellule familiale, avec comme moteur le passage du temps, l’évolution des corps et des mœurs.

Se démarquer d’autres fictions à l’univers proche

“Il y a une belle bande d’acteurs et des choses à défendre politiquement”, analyse le comédien et metteur en scène de théâtre Stanislas Nordey, qui n’avait plus montré son visage à une caméra depuis N’oublie pas que tu vas mourir de Xavier Beauvois, en 1995. “Ici, le militantisme est incarné par la vie, ajoute Samuel Theis, qui interprète Victor dans les épisodes 2 et 3. Il y a tant de gens qui ont des désirs simples qu’il faut les représenter.” Frédéric Pierrot, Chiara Mastroianni, Jérémie Elkaïm, Sophie Quinton et Loubna Abidar complètent le casting.


Interrogé sur l’existence d’autres fictions traitant d’un univers proche comme la récente When We Rise aux Etats-Unis, écrite par Dustin Lance Black et dont le  pilote a été réalisé par Gus Van Sant – sans compter le magnifique 120 battements par minute de Robin Campillo côté cinéma –, Philippe Faucon précise son désir.
“Fiertés raconte trois périodes politiques qui sont aussi trois moments de tension et de crispation dans la société française autour de la question de l’homosexualité. La série permet de prendre un recul intéressant sur des choses dont on a perdu conscience. 1980, c’est une période que j’ai connue comme étudiant. J’avais des amis en lutte contre ces états de fait de la société.”

“Des parents, à l’époque, pouvaient demander l’internement psychiatrique de leur fils ou de leur fille. Ce sur quoi nous avons vraiment travaillé, ce sont les personnages, ce qui les lie, leurs sentiments, les raisons pour lesquelles ils agissent. Des histoires amoureuses, avec leurs difficultés, que la société ou le regard des autres compliquent. La dimension politique ici n’est pas dans le militantisme, mais dans la revendication et l’affirmation de l’intimité.”

Trouver un rythme plus rapide, celui de la série

Ces mots résonnent avec la plupart des films de Philippe Faucon, qui n’a cessé de chercher dans les interstices de vies souvent banales quelque chose d’une émancipation. “La thématique de Fiertés, je me rends compte que je l’ai déjà abordée dans deux films pour la télévision : Muriel fait le désespoir de ses parents, qui montrait l’éveil au désir lesbien d’une adolescente, et Les Etrangers, sur un jeune homosexuel qui pour fuir sa famille se portait volontaire au départ en Bosnie.”

“Ce qui lie ces personnages à ceux de Fiertés, c’est qu’ils ont à s’affirmer contre un regard qui les assigne et les enferme. Il y a peut-être aussi des points communs avec d’autres figures de ma filmographie. Sabine et Samia ont eu à défendre une part d’elles-mêmes qui n’était pas reconnue, mais au contraire entravée. C’était même le cas de Fatima.”


En tournant trois épisodes de cinquante minutes en trente-six jours, l’habitué des plateaux de cinéma a dû se faire violence, trouver un rythme plus rapide sans pour autant renoncer à sa touche. “De mon point de vue, ce sont de vrais plans, du vrai jeu”, précise l’intéressé. Et une vraie série ? La question n’est pas centrale pour Faucon, qui admet une culture très limitée du genre.
“Par goût et par manque de temps – j’ai toujours des films à rattraper –, je n’ai jamais vraiment regardé une série entièrement. Je me retrouve à pratiquer une forme qui est assez loin de moi et de mon histoire. Comme je suis toujours un peu intéressé par ce qui m’est étranger, c’est un détour que j’ai bien aimé faire.” 
Au moment du scénario, il lui a fallu intégrer quelques règles dont il n’avait pas une grande connaissance. “Dans l’écriture d’une série, il se passe toujours un événement, alors que moi je fais des choses qui sont d’une certaine façon à l’opposé.” L’art de filmer les temps morts et les dramaturgies à contretemps constitue pourtant l’essentiel créatif des séries contemporaines dites d’auteur depuis près de deux décennies. Comme Monsieur Jourdain dans Le Bourgeois gentilhomme faisait de la prose sans le savoir, Philippe Faucon pourrait revamper les séries françaises sans vraiment le vouloir. Réponse sur Arte, en 2018.

Publié dans Sceneweb


La Comédie De l’Est, CDN de Colmar, à l’initiative de son directeur Guy Pierre Couleau propose un festival du 28 au 30 septembre 2017 pour célébrer les 70 ans de la décentralisation, en compagnie des 4 autres centres dramatiques de la région Grand Est (La Comédie de Reims, le NEST de Thionville, le TJP de Strasbourg et la Manufacture à Nancy), ainsi que du Théâtre National de Strasbourg et le Théâtre du Peuple de Bussang.

Je consacre toujours du temps à essayer de répondre clairement, parce que je suis certain que, loin d’être anodine, cette question est très importante pour nos métiers. La Comédie De l’Est a acquis son statut de centre dramatique national, soixante-six ans après que fût installé à Colmar le premier centre dramatique de l’Est. On a pu parfois remettre en question ce qui devrait être communément admis comme un des plus ambitieux et des plus généreux projets de notre société : démocratiser le théâtre et le rendre accessible au plus grand nombre d’entre nos concitoyens.

Le théâtre est notre miroir, le reflet de ce que nous sommes et de ce que nous faisons du monde dans lequel nous naissons et vivons. Sans le théâtre, difficile de croire que nous pouvons nous représenter qui nous sommes vraiment. C’est un art noble, simple d’accès, indispensable, qui ne se pratique que dans le partage et par le don. Ayant fait une grande partie de ma carrière d’acteur puis de metteur en scène au sein des centres dramatiques, j’en suis aujourd’hui devenu directeur et l’exercice de cette fonction me permet de comprendre mieux le projet si ambitieux de la décentralisation théâtrale.

Un centre dramatique national est un théâtre dont l’activité est centrée sur la création de spectacles. Un théâtre d’art populaire, ni moralisateur, ni stigmatisant, mais qui, au contraire, pose des questions et livre des pistes de réflexion sur de grands thèmes humains, grâce à la poésie dramatique et par le génie des auteurs. Créer des spectacles chaque année demande d’inviter des artistes dans nos murs, ce qui revient à accepter l’autre et sa singularité, respecter ce qu’il nous apporte de différent, d’inconnu, d’insoupçonné. C’est pour nous la possibilité de s’enrichir d’un univers nouveau et d’accroître notre capacité personnelle à vivre mieux les bouleversements et l’évolution du monde. Vivre en découvrant est aussi vivre en se construisant. C’est l’autre qui me construit et c’est une des raisons pour lesquelles je fais du théâtre. En cette période très difficile, nous voulons être un théâtre démocratique ouvert au plus grand nombre. Nous voulons contribuer à construire le sens de nos vies et travailler au bien commun. Nous voulons être au coeur de la société.

C’est pour cela que, loin d’être une citadelle réservée à une élite, notre théâtre travaille chaque jour avec les institutions culturelles, les écoles, les centres médicaux, les musées, les bibliothèques, les entreprises privées, les prisons, les associations … Transmettre, donner à penser, contribuer à créer une plus grande richesse de la pensée, offrir aux autres un regard ouvert sur le monde et ce qui nous environne, tels sont nos objectifs au quotidien, telles sont nos ambitions et nous nous sentons responsables de cette mission qui nous est confiée par nos tutelles pour le bien du public : démocratiser et partager l’art du théâtre. C’est ce que nous faisons chaque jour. Notre travail s’appelle « faire du théâtre ».

Il n’y a « rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, rien de plus nécessaire que le théâtre » disait Louis Jouvet. Nous reprenons cette phrase à notre compte en ces temps de doute et de perdition pour beaucoup d’autres autour de nous. Oui, le théâtre est nécessaire à notre temps, à nos semblables et nous le vérifions chaque jour. Certes, le théâtre est construit d’illusions, de vanités et de magies. C’est ce qui en fait sans doute sa beauté et sa nécessité : sans magie, point de rêves, sans vanité, nulle profondeur, sans fausseté, pas de vérité.
Et la vie, notre vie a aujourd’hui grand besoin de vérité. »
Guy Pierre Couleau

Tamara
Comédie de l’Est – CDN de Colmar
Texte et mise en scène : Guy Pierre Couleau
Avec Anne Le Guernec et Kuno Schlegelmilch
« À l’invitation du musée Unterlinden, et autour de l’exposition ‹ Otto Dix – le Retable d’Issenheim ›,
j’ai imaginé une performance pour une actrice et un artiste plasticien. À partir des ‹ Leçons de peinture › écrites par Otto Dix en 1958, je me suis échappé vers l’art des acteurs et leur capacité à se métamorphoser. Inspiré par le portrait de la danseuse Tamara Danischewski et la leçon de peinture n° 20 d’Otto Dix, j’ai ainsi composé une
fantaisie sur l’actrice et son rôle, le peintre et son modèle, l’artiste et le personnage. » – Guy Pierre Couleau
Foyer du Théâtre Municipal de Colmar
Je 28.09 à 12h30
Ve 29.09 à 12h30

Cancrelat
Comédie de l’Est – CDN de Colmar
De Sam Holcroft – mise en scène : Vincent Goethals
Avec Léna Dia, Marlène Le Goff, Ruby Minard, Juliette Steiner, José-Maria Mantilla et Logan Person
Ce spectacle a été créé lors de la première édition d’« Acteurs Studio », un tremplin inédit pour jeunes
comédiens. Dans la salle de classe de Beth, les élèves crient, se battent, cassent fenêtres et portes… Mais Beth, professeur de sciences naturelles, est convaincue que c’est par le savoir que ses élèves réussiront dans la vie.
Cependant, dehors, la guerre fait rage…
Studio Delphine Seyrig – C D E
Jeudi 28.09 à 14h15
Vendredi 29.09 à 10h et à 19h

La vie des formes
TJP – CDN de Strasbourg
Conception et interprétation : Renaud Herbin et Célia Houdart
Que provoquent les rencontres ? Celle de Célia Houdart et Renaud Herbin les plongent au coeur de ce qui les trouble: la façon dont naissent les figures et les personnages des fictions qu’ils inventent. Chacun à leur manière – écrivain et marionnettiste –, ils les façonnent dans la matière. Entre ce qui est donné à voir de cette relation et les textes que Célia Houdart fait entendre, s’invente un monde inédit où les évocations se répondent. Une relation à trois s’instaure.
Studio Delphine Seyrig – C D E
Je 28.09. à 19h

Ma langue père
NEST, CDN de Thionville
Conception : Jean Boillot
Création sonore : David Jisse
Assis devant un ordinateur et des consoles, un DJ. Debout devant un pupitre,
une actrice. Elle est équipée d’une oreillette. Le DJ mixe des sons qu’on
entend, et envoie dans l’oreillette de l’actrice des extraits d’enregistrements
de discours de trois ministres de la Culture. L’actrice les redit immédiatement,
en imitant textes et intonations : totem-amplificateur d’un nouveau genre.
Entre sons et voix, pendant 30 minutes, un dialogue s’établit.
Salle Michel Saint-Denis – C D E
Je 28.09. à 20h30

Histoire de la littérature récente
Comédie de Reims
D’Olivier Cadiot
Mise en voix : Ludovic Lagarde
Avec Laurent Poitrenaux
Les écrivains sont de beaux allumeurs. Ils passent leur temps à essayer, non de mettre la main sur la littérature, qui ne se laisse pas prendre, mais de mettre le feu aux mots et à ceux qui les aiment : ils leur tournent autour. Olivier Cadiot est de ces enjôleurs magnifiques. Cette lecture au titre paisible et ironiquement rassurant se présente comme une sorte de guide pratique pour aspirant littérateur, avec conseils avisés et exercices cadrés.
Salle Michel Saint-Denis – C D E
Je 28.09. à 21h

Don Juan revient de guerre
Comédie de l’Est – CDN de Colmar
D’Ödön Von Horváth
Mise en scène : Guy Pierre Couleau
Avec Carolina Pecheny, Jessica Vedel, Nils Öhlund
Don Juan a perdu de sa superbe. Au sortir de l’horreur de la guerre de 1914 – 1918, l’homme est fatigué. Il va son chemin dans une Allemagne aux prises avec la crise, à la recherche de la fiancée qu’il a jadis abandonnée. Cette pièce exceptionnelle met en scène trente-cinq femmes pour un seul homme. Et c’est le destin de ces femmes que nous conte l’auteur, sans concessions, en témoin critique et chroniqueur fidèle de l’actualité qu’il avécue.
Salle Michel Saint-Denis – C D E
Ve 29.09. à 14h15 et 21h

La Nuit juste avant les forêts
La Manufacture, CDN de Nancy
De Bernard-Marie Koltès
Lu par Michel Didym
« La Nuit juste avant les forêts » ce sont soixante-trois pages de phrases liées l’une à l’autre pour que l’on n’ait pas le temps de respirer, soixante-trois pages pour dire la dérive, la colère, la dignité de celui qui vit « à côté », à côté d’une maison, d’un travail, d’une famille. Un solo du désespoir qui est aussi une leçon de vie.
Salle Michel Saint-Denis – C D E
Ve 29.09. à 20h30

Ce que la vie signifie pour moi
TNS
De Jack London
Lu par Stanislas Nordey
Cette brève « autobiographie », parue en 1906, est
l’un des textes politiques de Jack London les plus
marquants. Dans ce récit personnel, il retrace le
chemin qui le mena à devenir socialiste. Crieur de
journaux, pilleur d’huîtres, ouvrier dans une
conserverie, employé d’une teinturerie, électricien,
vagabond… Il nous livre ici les voies qui firent de lui
un auteur engagé.
Salle Michel Saint-Denis – C D E
Sa 30.09. à 18h30

Par Anne Diatkine
Photo Mathieu Zazzo pour Libération

Désormais plus souvent sur les planches que devant la caméra, la comédienne se sent apaisée de se consacrer désormais au théâtre.

A un moment donné, la parole s’arrête : Emmanuelle Béart n’arrive pas à qualifier ce qu’elle était encore il y a peu, et qu’elle est toujours pour des millions de gens. «Une star ?» «Quelle horreur, ce mot.» «Une actrice très en vue ?» «Ce n’est guère mieux.» «Une vedette ?» «Arrêtons.» Si bien qu’échouant à trouver le mot juste, on est bien obligée de la regarder, aujourd’hui, dans la lumière printanière de l’appartement qu’elle vient d’emménager, à moins que ce soit sa peau (transparente) et ses cheveux (très blonds) qui ensoleillent l’espace. Une (très belle) femme au visage reposé («vous plaisantez ? Il n’y a pas au monde plus insomniaque que moi») et maquillage invisible. Pas de bijoux, les cheveux tirés, un long pull crocheté gris, aucun artifice, pas même celui du naturel travaillé.

Dans quelques heures, sur le plateau du Rond-Point, elle sera «Elle», personnage anonyme, chef de quelque chose toujours pressée, avide de pouvoir, qui veut un enfant, aimerait aimer, réussir à avoir du plaisir, que ce soit avec «L’un» (Laurent Sauvage) ou «L’autre» (Thomas Gonzalez), dans Erich Von Stroheim, de Christophe Pellet, mis en scène par Stanislas Nordey. C’est elle qui a dit sa préférence pour la pièce de Pellet parmi plusieurs que Nordey lui avait proposé de lire, attirée par le mélange de trivialité et de mystère du texte de ce dramaturge quasi inconnu, et notamment par ses mots : «Un corps premier, un corps absolu, libre de toutes les images passées.»

C’est peut-être la seule réplique où le diktat du personnage coïncide avec celui de l’actrice. On entre donc chez Emmanuelle Béart, et elle commence par parler d’une seule traite de la pièce, sans laisser d’intervalle pour l’ombre d’une question. Puis : «Ce qu’elle réveillait chez moi, c’était la question : "Que reste-t-il de mon désir, et notamment celui d’être actrice de cinéma ?"» Elle dit : «Je ne demande pas un grand film. Mais une rencontre. Quand je vois pour la première fois un film que j’ai tourné, j’ai le plus souvent l’impression d’un pull passé à la machine. C’est bien ce qu’on a tourné, mais tout a rétréci. Les émotions, les sentiments, comme le reste.»

Emmanuelle Béart n’a aucune difficulté à déménager, laisser des cartons, jeter ses dossiers, s’extraire de sa vie, s’en forger une autre, tomber amoureuse, cette fille est un lézard, et c’est peut-être ainsi que depuis sept ans, elle a, en toute discrétion, abandonné les oripeaux de la star de cinéma pour apprendre un autre métier : comédienne de théâtre dans une troupe, («je n’ai pas dit troupeau»), et une communion («au lieu de la communication»), payée au cachet (215 euros brut par soir) le même montant que ses partenaires, au plus loin de la hiérarchie du cinéma, où tout fait signe et se contractualise : la hauteur des lettres qui disent le nom sur l’affiche, sa place dans le générique, la montée des marches quelles que soient les marches, et ainsi de suite. Emmanuelle Béart a aujourd’hui presque gagné cette conquête de l’anonymat, ce parcours à l’envers. «Quand on choisit le théâtre subventionné, on choisit forcément de ne pas être au centre.» Et aussi : «C’est un autre corps qu’on utilise. Parfois, je me dis que j’aurais dû ne jamais faire du cinéma. Ma vraie maison, c’est le théâtre, alors même que je n’ai aucune formation. Encore maintenant je n’en ai pas toutes les clés.» Se ravise : «Et pendant que j’affirme ceci, j’ai de nouveau très envie de tourner. On vient de me proposer un formidable projet… Je dois donner une réponse, aujourd’hui.» Avec honnêteté, elle dit «le sentiment d’abandon» qu’elle a ressenti de la part des cinéastes, et qu’elle n’a pas «su surfer sur une nouvelle vague», qu’elle a manqué de «gnaque», de «curiosité», de «ferveur». Que ces dernières années l’ont menée à l’enterrement de tous ses «pères», ceux qui l’ont «magnifiquement aidée à devenir femme et actrice», Claude Berri, Claude Chabrol, Jacques Rivette. La mort de Rivette, notamment, l’a «fracassée».

«Je suis responsable de beaucoup plus de choses que je ne veux bien l’admettre», remarque-t-elle sans tristesse ni nostalgie. Mais elle s’est sans doute d’autant moins battue pour continuer à être sur les écrans qu’elle n’a jamais eu à lutter pour être actrice. «Tout m’a été donné. J’ai eu à me battre pour beaucoup de choses, ne serait-ce que pour vivre, en avoir envie - et ce combat, je l’ai gagné - mais pas pour jouer. Je me suis jetée devant la caméra de manière très intense. C’était une fuite et je sais ce que je fuyais. Je n’ai plus besoin de cette course aujourd’hui.» Lorsqu’elle a débuté, son père était ravi, «faite pour ça et rien d’autre», et c’était le «rien d’autre» qui importait précise-t-elle avec humour. Sa mère, qui avait connu une expérience de la caméra avec Godard dans les Carabiniers, était catastrophée, «c’était le pire qui pouvait lui arriver». Quant à sa grand-mère, grecque «au sang bleu», qui lui a insufflé le désir d’être comédienne, elle exultait. «Elle a été comédienne à travers moi par procuration, car dans son milieu une femme ne pouvait pas travailler.» Mais jusqu’à son dernier jour - et Emmanuelle Béart la mime en riant avec son accent grec - son aïeule lui a répété : «Tu es une très bonne comédienne. Mais un petit peu moins bonne, quand même, que Juliette Binoche !» Sa grand-mère tant aimée a expiré son dernier souffle à 107 ans, dans les bras et la maison de sa petite-fille avec laquelle elle vivait, et avec toute sa tête. La nuit, Emmanuelle Béart passe son temps à souligner des textes, prendre des notes, découper des articles, les coller, faire des dossiers sur la correspondance de Mozart avec son père, même si elle sait qu’ils ne lui serviront pas et qu’elle les jettera plus tard, peu importe, sa démarche n’est pas utilitaire. La nuit, elle lit les quotidiens, le Monde et Libération. Mais aussi, elle écrit, «simplement pour ne pas oublier». Face au sommeil, elle a «abdiqué», tant pis pour lui s’il ne veut pas d’elle, son absence ne l’empêche pas de rêver. Depuis longtemps, Emmanuelle Béart travaille à deux documentaires : l’un sur l’adoption et l’autre sur son père, le compositeur Guy Béart, au parcours tumultueux, né en Egypte et grandi au Liban avant de devenir Français.

Bref, Emmanuelle Béart prend le temps de travailler - «mais c’est un travail qui n’est pas du même ordre que le personnage que je joue», et elle est particulièrement fière que ses trois enfants soient eux aussi «des bosseurs». Sa fille aînée, Nelly, est avocate, son fils cadet, Johan, est en master d’éco, et le petit dernier de 8 ans est lui aussi un travailleur qu’elle amène tous les matins à l’école. Elle dit son âge sans qu’on le lui demande, «53 ans», et aussi qu’elle ne s’attendait pas à ce que tout «se redéploie et s’apaise» après la cinquantaine. Elle vit depuis plusieurs années avec «l’homme de sa vie». Au cinéma, elle s’est promis de refuser tous les rôles de femmes plus jeunes.

14 août 1963 Naissance à Gassin (Var). 1989 Les Enfants du désordre (Yannick Bellon). 2017 Erich Von Stroheim (Christophe Pellet) au Théâtre du Rond-Point jusqu’au 21 mai.

Anne Diatkine

Par Vincent Bouquet pour son blog Du Théâtre par gros temps

« Erich von Stroheim » / Crédit photo : Jean-Louis Fernandez.

Stanislas Nordey est un touche-à-tout. Loin de se cantonner à un seul registre, le directeur du TNS prouve, au gré des spectacles qu’il monte, qu’il est à l’aise avec tous les sujets qu’ils soient politiques (Je suis Fassbinder), métaphysiques (Affabulazione) ou intimes. Erich von Stroheim, la pièce de Christophe Pellet, dont il s’empare au Théâtre du Rond-Point, appartient à cette dernière catégorie, et Nordey démontre, une nouvelle fois, qu’il a la sensibilité nécessaire pour en faire un joli objet scénique, sur lequel peu de choses, formellement, sont à redire. Sauf, qu’en lui-même et pour lui-même, le texte de Pellet apparait pour le moins limité, prisonnier d’un triangle sexuel névrotique auquel il a donné naissance mais dont il ne sait finalement que faire.

Car, entre Elle (Emmanuelle Béart), l’Un (Victor de Oliveira) et l’Autre (Thomas Gonzalez), il n’est pas, ou peu, affaire de sentiments. Elle est une femme-maîtresse, accomplie et mûre, pour qui le travail occupe une place prépondérante ; l’Un est un acteur porno, las de passer ses soirées déguisé en militaire, en plombier ou en marin, alors qu’il anticipe son déclin physique ; l’Autre est un jeune premier, un « tigre », frais d’une insolente jeunesse mais excessivement paumé, tentant de trouver sa place au milieu, ou plutôt en périphérie, de ce couple qui semble l’utiliser pour mieux se sauver. Entre eux, tout juste est-il question d’une attirance sexuelle bilatérale, où le sexe est considéré comme un bien de consommation, à la limite de la prostitution. Le désir, la passion, toutes ces choses qui font le sel des relations, ont laissé la place à une intense névrose – ponctuée de fluctuants rapports dominant-dominé – qui les ronge, tous les trois, à petit feu.

Friable substrat

S’il proclame que « cette histoire privée est celle de l’humanité », Christophe Pellet dépeint, paradoxalement, une situation qui en manque cruellement. Les passions supputées y sont si froides que rien, ou presque, dans ce sombre tableau ne renvoie aux attributs mêmes de l’être humain, et, a fortiori, au fonctionnement du sentiment amoureux ou sexuel. Le sujet initial de la transformation, voire de la mort, du couple, vu comme un carcan sclérosant pour l’individu, peut paraître universel mais le traitement que lui inflige Pellet est d’une superficialité telle qu’il ne parvient jamais à lui conférer une dimension réflexive. Touchant du doigt d’ambitieuses thématiques dignes d’intérêt – Comment s’aimer ? Sexe et amour sont-ils liés ? Comment se construire une place dans la société ? -, il n’échappe pas aux écueils trop cuistres, attendus ou caricaturaux pour convaincre.

Malgré tout, sur ce friable substrat, Stanislas Nordey construit un bel édifice théâtral, où le trio de comédiens, particulièrement bien dirigés, donne du relief et de la chair à leurs personnages. Utilisant l’élégante scénographie d’Emmanuel Clolus et la voix de la Callas (Mon coeur s’ouvre à ta voix, extrait de Samson et Dalila de Saint-Saëns) avec une infinie délicatesse, il crée un univers d’une sensibilité palpable, qui tranche avec la raideur du texte de Pellet. Seul point négatif : l’utilisation du dispositif scénographique, aussi réussi soit-il, est trop systématique pour ne pas devenir lassante. Surtout, la pièce se voit saccadée par des interruptions trop régulières qui brisent les prémices d’un élan dans lequel, parfois, elle venait tout juste de s’embarquer. Elle n’en avait pourtant nul besoin.

Erich von Stroheim de Christophe Pellet, mis en scène par Stanislas Nordey au Théâtre du Rond-Point (Paris) jusqu’au 21 mai. Durée : 1h20. **

Par Jean-Pierre Thibaudat pour son blog Balagan :

Plus de vingt ans après la disparition de « Prospero » paraît « Parages », une revue vouée aux textes de théâtre, animée par des auteurs et qui parle d’eux mais aussi de maisons d’édition, d’écoles et de théâtres qui les concernent. Le premier numéro de « Parages » manquait de hauteur, le second n’en manque pas mais bute sur une marche glissante.

L’acteur, metteur en scène, directeur du TNS (Théâtre national de Strasbourg) et gros dévoreur de textes de théâtre qu’est Stanislas Nordey l’a voulue, l’auteur Frédéric Vossier l’a conçue, la revue Parages, après un numéro 1 (juin 2016) qui fut un tour de chauffe, prend sa vitesse de croisière (un à deux numéros l’an) avec la présente sortie de son numéro 2.

De « Prospero » à « Parages »

Parages entend être « une revue de réflexion et de création » vouée au « théâtre de texte contemporain », dans la diversité de sa « galaxie » : « auteurs, textes, inédits » bien sûr, mais aussi « institutions, écoles, maisons d’édition ».

Il y a plus de vingt ans, quelques saisons durant, Prospero fut la revue (trimestrielle) du Centre national des écritures du spectacle (la Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon), avec pour rédacteur en chef un auteur, Michel Azama. Elle se voulait « une revue d’écrivains de théâtre, conçue pour donner leur point de vue sur tous les aspects de la vie théâtrale et débrouiller ce qui se passe entre écriture et plateau ». De fait, on y vit des auteurs écrire des critiques de spectacles ou de textes de confrères auteurs. Dans Prospero n°1, Jean-Luc Lagarce racontait comment il écrivait et Didier-Georges Gabily s’entretenait avec Bernard Dort. Dans Prospero n°2, Claudine Galea se penchait sur une pièce d’Hubert Colas, Visages. Seule rescapée d’une autre époque, elle figure également dans Parages /02 avec l’un de ses textes.

Une autre époque ? « Beaucoup de directeurs de structures – CDN ou Scènes nationales – avouent n’avoir pas le temps, ou la compétence, pour lire les écrivains de théâtre d’aujourd’hui », écrivait Azama. La situation a-t-elle beaucoup changé ? En revanche, pour ce qui est des comités de lecture au sein de ces établissements dont Azama déplorait l’absence, la situation a évolué. De même, le rédacteur en chef de Prospero s’insurgeait contre le fait que la notion d’« artiste associé » soit réservée aux metteurs en scène, ce n’est plus le cas aujourd’hui avec Claudine Galea, Marie Ndiaye et Pascal Rambert, auteurs associés au TNS mais cela reste une exception.

« Comité de rédaction » pour Prospero ou « Ensemble éditorial » pour Parages, les auteurs sont nettement majoritaires dans le pilotage de ces revues. Quatre (Mohamed El Khatib, Claudine Galea, Lancelot Hamelin, David Lescot) sur six membres pour Parages, les deux autres étant des personnes sensibles aux écritures contemporaines : la journaliste Joëlle Gayot (France-Culture) et la maîtresse de conférences en arts de la scène Bérénice Hamidi-Kim (Université Lumière-Lyon-2).

« Le Bruit du monde », revue

Cette dernière entre dans le dédale d’une passionnante jeune autrice, Pauline Peyrade dont, pour l’heure, seules deux pièces Ctrl-X et Bois impériaux sont publiées (ensemble, aux Solitaires intempestifs). La première a été mise en scène par Cyril Teste, la seconde a fait l’objet d’une mise en espace par Anne Théron. L’an dernier, Pauline Peyrade participait aux Sujets à vif du Festival d’Avignon, formant un attachant tandem avec la circassienne Justine Berthillot et l’on y entendait des extraits de Poings, son dernier texte (à paraître). En outre, Pauline Peyrade dirige une revue électronique Le Bruit du monde dont il existe une version papier. Chaque numéro est centré autour d’un axe (de « Prise de parole » pour le n°1, à « Censuré » pour le n°4, le plus récent) et est parrainé par un auteur : Philippe Malone, Sonia Chiambretto, Christophe Pellet, Magali Mougel pour les quatre premiers numéros. Des noms que l’on retrouve ou que l’on retrouvera dans Parages.

Suite du sommaire : Christophe Pellet et Eric Noël, auteur canadien, qui se sont rencontrés à Montréal lors d’une résidence d’écriture, proposent une savoureuse correspondance amoureuse fictive et par mail. C’est aussi par mail qu’Anne Théron et Alexandra Badea correspondent. Elles parlent d’amour, de politique, d’enfance, de larmes (elles ont un projet ensemble sur le rapport mère/fille) et de leurs lectures : Cynthia Fleury, W.G Sebald, Georges Didi-Huberman.

L’un des principes de la revue consiste à donner aux membres du comité la possibilité d’avoir un invité. Joëlle Gayot invite ainsi David Léon ; Claudine Galéa, Jean-René Lemoine ; David Lescot, Céline Champinot. Chaque invité apporte en cadeau un texte inédit ou un extrait d’une écriture en cours. C’est riche, souvent surprenant, toujours éclairant.

En 2003, l’auteur Enzo Corman fondait au sein de l’Ensatt, un département « écrivain dramaturge ». Magali Mougel, Pauline Peyrade et d’autres sont passés par là. Dans Parades/02, Corman raconte la genèse de ce département unique dans les écoles de théâtre françaises qu’il codirige aujourd’hui avec un ancien élève, Samuel Gallet.

De L’Arche au Rond-Point

Un focus est consacré à la maison d’édition L’Arche où sont publiés Badea et Pellet. Etude universitaire sur l’un des auteurs phares de la maison, Fabrice Melquiot ; portrait par ce dernier du directeur de la maison d’édition Rudolf Rach qui, lui, nous restitue une rencontre avec Thomas Bernhard où il est question de contrat et d’argent ; et enfin très beau portfolio de Jean-Louis Fernandez photographiant la petite équipe de L’Arche dans sa boutique-bureaux à deux pas de la place Saint-Sulpice.

Parages /02 s’achève par une incongruité qui s’étale sur 47 pages (c’est de loin l’ensemble le plus long du numéro) : un séjour « en immersion » de Lancelot Hamelin au Théâtre du Rond-Point, établissement dont Frédéric Vossier évoque sans rire « la démesure, l’aspect inclassable et hors du commun ». Il faut tout le talent de l’auteur Lancelot Hamelin pour retenir notre attention en parcourant ce lieu que l’on peut tout autant qualifier de fourre-tout, opportuniste et malin. Pourquoi parler de ce théâtre dans Partages alors que la question des auteurs et de leur traitement y est escamotée?

Comme c’était à prévoir, le directeur de l’établissement pressé et fort occupé, retarde le moment de rencontrer l’insaisissable dramaturge relooké en néo-journaliste gonzo. Hamelin en profite pour s’attarder au bar (passage obligé et prolongé de tout journaliste gonzo) dont les cocktails aussi compliqués qu’écœurants et les histoires pas tristes qu’il y entend dressent, par ricochets, un portrait en creux du théâtre assez croquignolesque. Assurément bien plus intéressant que l’entretien accordé enfin par le directeur dans son vaste bureau dont le journaliste occasionnel résume la décoration par un délicieux oxymore : « humble mégalomanie ».

Dans le numéro 7 de Prospero, Michel Azama saluait la disparition de l’auteur Heiner Müller devenu directeur d’un grand théâtre allemand. Et achevait ainsi son édito : « Nous voulons espérer qu’un jour nous verrons en France de grands auteurs à qui auront été accordés les moyens de travailler, de grandir, d’approfondir leur œuvre en dirigeant un théâtre. » Ce jour est arrivé en 2003 au Théâtre du Rond-Point et il perdure. Le directeur n’est peut-être pas un « grand auteur » mais c’est un auteur dont la « poésie » « atteint cet étrange tremblement proche du rire », si, si, c’est Lancelot Hamelin qui le dit. On a les Heiner Müller qu’on peut.

Parages /02, 190 p., 15 euros, revue distribuée par Les Solitaires intempestifs.

Propos recueillis par Emmanuelle Bouchez dans Télérama 

Il est convaincu que la culture peut résoudre beaucoup de choses. Et pourtant, faute de propositions fortes, l'homme de théâtre (et de gauche) ne s'y retrouve pas. Rencontre avec Stanislas Nordey.
Il assume déjà tous les métiers de la scène : directeur du Théâtre national de Strasbourg, metteur en scène, acteur chez les autres dès qu'il le peut… Néanmoins, Stanislas Nordey, qui appartient à cette génération de quinquas aujourd'hui au pouvoir dans l'institution, trouve du temps pour suivre de près la campagne présidentielle. Via la lecture quotidienne de la presse écrite, et à la source, sur les sites des candidats dont il a épluché par le menu tous les programmes.

Quel regard portez-vous sur la campagne ?

Elle existe, contrairement à ce que tout le monde dit, même si les grands médias mettent le paquet sur les affaires. Chacun des candidats trace des lignes auxquelles on peut s'identifier ou pas. En revanche, certains secteurs sont laissés de côté… comme la culture : le silence de tous sur ce sujet (y compris des petits candidats, car Yannick Jadot, quand il était encore en campagne, n'en faisait pas grand cas non plus), est frappant. La bonne surprise, si j'en juge par le prisme des médias car je ne suis pas immergé dans le réel des meetings, est que le thème sécuritaire n' a pas dévoré toute la place… On parle surtout social et économie.
“Si le mot ‘culture’ surgit tout à coup lors des interviews, cela ressemble à une blague !” 

Comment expliquez vous une telle absence des sujets culturels ?

Absence telle que si le mot « culture » surgit tout à coup lors des interviews, cela ressemble à une blague ! Les politiques n'en sont pas les seuls responsables. Les éditorialistes et les commentateurs relèguent la culture dans un angle mort. Mais je ne devrais pas vous dire cela à vous, Télérama, qui en avez organisé Les Etats Généreux. Au vu des récents attentats et des fractures en cours dans la société, il est très dommageable, voire aberrant, d'assumer une telle impasse.

Sans être un doux utopiste, j'en suis convaincu : la culture est un terrain où l'on peut résoudre beaucoup de choses. Ce n'est pas davantage de plan vigipirate qu'il faut porter dans les territoires abandonnés, mais plus de culture et d'éducation. Les deux sont indissociables : transmission des savoirs et ouverture d'esprit passent par ce carrefour-là. Je le sais parce que je l'ai souvent expérimenté moi-même en faisant des ateliers dans les quartiers : des gamins que les profs disaient perdus, en proie à l'exclusion, à l'abandon, à l'intolérance et à la haine de l'autre se réveillent parce qu'ils rencontrent quelque chose qui les touche.

On voit pourtant dans beaucoup de programmes une volonté de renforcer la présence de l'art à l'école : chez Benoît Hamon, Jean-Luc Mélenchon, François Fillon, ou Emmanuel Macron par exemple…

Certes mais cela reste vague : aucun n'affiche clairement les moyens qu'il y met. Or il faut un arbitrage budgétaire, car cela coûte cher. Je ne sens pas émerger le désir d'un projet d'ampleur comme le fut le plan Lang-Tasca [en décembre 2000, ndlr]. C'est sans doute lié à l'affaiblissement, ces dernières années, du ministère de la Culture lui-même. Je n'ai rien à reprocher à François Hollande… L'une de ses grandes fautes, pourtant, est cette valse de trois ministres en cinq ans : un vrai manque de sérieux, car, pour construire, il faut du temps.
“J’aurais rêvé d’une candidature de Christiane Taubira, parce qu’elle aurait truffé ses discours de citations de poètes !”

Qu'est ce que vous attendez d'une élection présidentielle ?

Je suis un incorrigible gauchiste même si je n'ai jamais été encarté nulle part. J'ai été politisé très tôt : je défilais dans la cour d'école primaire en 1974 avec des pancartes « Mitterand Président/Giscard au placard » ! Si j'ai aimé Mitterrand, c'est parce qu'il lisait et écrivait lui-même. A l'inverse, pendant l'une des dernières mandatures, on a eu un président (Nicolas Sarkozy) qui ne finissait jamais ses phrases… Aujourd'hui, j'aurais rêvé d'une candidature de Christiane Taubira, parce qu'elle aurait truffé ses discours de citations de poètes ! Les candidats, toujours si prompts à parler de « LA » France, évoquent pourtant rarement sa langue et sa littérature…
Sur le plan politique, la présidentielle est un instant démocratique fort et j'y crois beaucoup : les citoyens se retrouvent ensemble pour parler du monde dans lequel ils vivent ou dans lequel il veulent vivre. Et des directions à prendre, en fonction de ce qui a été fait et de ce qui pourrait être fait. On attend toujours des candidats qu'ils définissent leur projet de société… Il y a bien des choses ici ou là. Mais la cohérence d'un geste fort se fait attendre.

Qu'est ce qui a changé depuis… 1974 ?

Ce qui ne change pas, c'est l'absence de femme ! Pourquoi donc, en politique, n'arrive-t-on pas à rendre effective la parité ? La diversité de la France multi-culturelle d'aujourd'hui n'est pas présente non plus ! Comme au parlement, tout cela reste très paresseux. La société civile bouge donc plus vite que nos responsables politiques. Le grand renouvellement n'est pas là : François Fillon, Jean-Luc Mélenchon, Benoît Hamon, sont tous en piste depuis plus de trente ans. Emmanuel Macron est le plus jeune, mais il est quand même loin du profil des Podemos ou des hommes de la société civile. Nous sommes encore encalminés dans quelque chose de très traditionnel.
“Je ne sais pas pour qui je vais voter, et vu la faiblesse des projets, ce n’est pas la culture qui déterminera mon choix”
Les querelles d'appareils, elles, sont toujours vivaces : en tant qu' homme de gauche, je ressens une colère très forte de voir que Benoît Hamon et Jean-Luc Mélenchon ont été incapables de fusionner. Ce sentiment est très partagé ; je l'entends beaucoup autour de moi. Visiblement, ces politiques n'ont pas compris ni écouté ce qui bouge dans la société : le rapprochement, le dépassement des barrières. On dirait qu'ils remettent des frontières partout ! Emmanuel Macron semble l'avoir senti, mais je ne sais pas s'il est capable d'incarner vraiment ces déplacements sensibles aujourd'hui dans la population… Des déserteurs du PS iront vers lui, d'autres vers Philippe Poutou ou Nathalie Arthaud. Moi, je ne sais toujours pas pour qui je vais voter. Au vu de la faiblesse des projets, ce n'est pas la culture qui déterminera mon choix.

Les artistes peuvent-ils prendre une place dans la campagne ?

Si la culture y avait toute sa place, cela aurait du sens, oui. Mais là, s'il s'agit de parler de l'ISF ou du terrorisme, ce n'est pas mon rôle. Soutenir tel ou tel candidat ? Ce n'est pas passionnant non plus comme position : s'agit-il de se faire plaisir ou de s'attirer les bonnes grâces de notre favori, s'il est élu ? Si d'aventures, de Fillon à Mélenchon, l'un ou l'autre parmi les principaux candidats avait besoin de mon éclairage pour bâtir son projet, je le ferais volontiers. Mais cela n'arrivera pas à l'occasion de cette présidentielle : quand les politiques cherchent à organiser des déjeuners avec les artistes, c'est surtout pour faire joli. Rarement pour engranger des idées nouvelles ou tenir compte d'expériences concrètes.

Vous êtes pessimiste…

Pas du tout ! Au fil des affaires, je vois poindre la nécessité d'un renouvellement profond de l'espace politique. La moralisation de la vie publique en est un aspect ; la façon de faire de la politique, encore un autre. La vieille manière d'exister sur ce terrain va disparaître avec la retraite des « éléphants » ! Si cela n'arrive pas dans cette présidentielle, ça sera pour la prochaine… ou pour la suivante.

Par Brigitte Salino (Strasbourg, envoyée spéciale) dans Le Monde - 26.03.2018
A la MC93 de Bobigny, le metteur en scène russe adapte de façon magistrale une nouvelle d’Anton Tchekhov.


Anatoli Vassiliev aime les nouvelles d’Anton Tchekhov, parce que, dit-il, « il y a une violence qu’on ne trouve pas dans ses pièces. » On ne s’étonnera donc pas que le maître russe du théâtre ait choisi, plutôt que Platonov, par exemple, de mettre en scène l’inouï Récit d’un homme inconnu, que l’on peut voir à la MC93 de Bobigny, après sa ­création au Théâtre national de Strasbourg.

Ce texte est écrit à la première personne par Stepan, valet au service d’Orlov, fonctionnaire de Saint-Pétersbourg dans les années 1880. Stepan n’est pas son vrai prénom, ni valet son vrai ­métier. Ancien officier de marine converti à la révolution, il s’est ­introduit chez Orlov pour tuer son père, qui occupe un poste au sommet de l’Etat. Ce point de départ rappelle Les Justes (1949), la pièce d’Albert Camus sur les révolutionnaires russes face à la question du terrorisme. Mais Tchekhov n’est pas Camus : il ne va pas sur le terrain des idées, il scrute l’âme d’un homme inconnu à lui-même, qui se révèle à travers l’histoire d’un trio, Stepan, Orlov, et la maîtresse de celui-ci, Zinaïda.

Dans la nouvelle, on apprend tardivement le projet d’assas­sinat politique de Stepan, que l’on voit observer son maître, un homme cynique et jouisseur, que Zinaïda, en femme passionnée et naïve, prend pour un être d’exception. Quand elle s’installe chez lui, après avoir quitté son mari, elle mesure peu à peu son erreur. Stepan les observe, en silence. Il abhorre la veulerie ironique d’Orlov, et compatit à la souffrance de Zinaïda, qu’il ­accompagne quand elle quitte son amant, enceinte.

Les sous-sols de la vie

Anatoli Vassiliev suit leur chemin, qui ramènera Stepan à Saint-Pétersbourg, seul avec la petite fille de Zinaïda, morte, sans doute suicidée. Ce qui est inouï, dans sa mise en scène, c’est la clarté qu’il donne aux sous-sols de la vie décrits par Tchekhov. Il fallait trouver la pièce dans la nouvelle. Anatoli Vassiliev a su le faire : le théâtre-récit qu’il propose est un cadeau de l’esprit pour le spectateur, invité à prospecter l’âme de chacun des personnages comme il le ferait, seul, à la lecture de la nouvelle. Il y a des moments de ­silence de la même nature que ceux pendant lesquels on lève les yeux d’un livre, et souvent ces moments sont accompagnés de la musique du Mépris, le film de Jean-Luc Godard, qui pourrait être une toile de fond imaginaire de la mise en scène.

Cette musique obsédante accompagne le clapotis de la lagune à Venise où Stepan et Zinaïda commencent leur voyage, les mouvements de la pensée et le chahut des sentiments qui travaillent les personnages, l’appel impérieux qui les pousse à danser sur le triste volcan de leur vie – ce qu’ils font, et alors le théâtre atteint à la beauté de l’instant.

Cela advient parce que Vassiliev a su choisir les comédiens de son Récit d’un homme inconnu. Deux ont déjà travaillé avec lui : Stanislas Nordey (Stepan), et Valérie Dréville, liée par un long compagnonnage au metteur en scène, dont elle rend compte dans un livre passionnant (Face à Médée, Actes Sud, 144 p., 19,90 euros) consacré à son travail sur Médée-Matériau, de Heiner Müller.

L’ACTEUR DEVIENT LE VIATIQUE D’UN THÉÂTRE QUI N’EXPLIQUE PAS, MAIS MONTRE UN PROCESSUS EN MARCHE, TOUT SIMPLEMENT

Sava Lolov, le troisième acteur, entre avec une telle aisance dans le trio et le rôle d’Orlov qu’il semble connaître Anatoli Vassiliev de tout temps. Tous jouent d’une manière en rupture avec ce que l’on voit d’ordinaire sur les scènes : ils projettent les mots comme si c’étaient des objets, et ces mots acquièrent une telle matérialité qu’on croit les voir, tels des cailloux lancés dans l’espace. Ainsi, l’acteur devient le viatique d’un théâtre qui n’explique pas, mais montre un processus en marche, tout simplement.

Il y a dans le décor du spectacle un parasol bleu, qui s’ouvre quand Stepan et Zinaïda quittent le froid russe pour la douceur du sud de l’Europe. Sur le parasol, il est écrit : Paradisio. « Saisissez les restes de votre vie avec ténacité, ou essayez de les sauver », dit ­Stepan à Zinaïda. Elle essaiera, ne pourra pas. Et on la verra crever d’un coup de couteau son ventre dont sortira une chair rouge qu’elle laissera dans une bassine. Avant, à Saint-Pétersbourg, Stepan aussi avait crevé un sac en plastique qui avait fini par prendre l’aspect d’un corps d’homme, après qu’il l’eut rempli d’objets. C’était le fantôme du père d’Orlov, qu’il aurait pu tuer, un jour où l’occasion s’était présentée. Le révolutionnaire repenti ne l’avait pas fait, parce qu’il avait compris qu’il voulait « vivre, vivre et rien d’autre ».

Le Récit d’un homme inconnu, de Tchekhov. Adaptation, mise en scène et décor : Anatoli Vassiliev. MC93, 9, boulevard Lénine, Bobigny (Seine-Saint-Denis). Tél. : 01-40-60-72-72. De 9 € à 25 €. Durée : 4 heures. Jusqu’au 8 avril. Au TNB à Rennes, du 13 au 21 avril.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan

« Que celui qui le désire se regarde dans mes films comme dans un miroir, et il s’y verra. » Simon Delétang a placé cette phrase du cinéaste Andreï Tarkovski en exergue de son spectacle « Tarkovski, le corps du poète ». Et je m’y suis vu.


Scènde de "Tarkovski, le corps du poète" © Jean-Louis Fernandez
Un drap blanc aux plis impeccables couvre le corps d’Andréï Tarkovski allongé dans un lit, face à nous, au fond de la scène. Il est mort. Il dort. Il rêve. Il se lève. On peine à reconnaître l’acteur tant est frappante la ressemblance avec le poète-cinéaste. Il lui aura suffi de lisser ses cheveux habituellement embroussaillés et de se laisser pousser la moustache pour parachever son visage émacié et ainsi accomplir la troublante ressemblance. Cependant, la voix, la façon très particulière de frapper les mots en leur soufflant dessus et celle d’arpenter la scène à grands pas ou encore de jouer du piston avec les bras convoquent l’identité de l’acteur : Stanislas Nordey. Quelle impression doit éprouver un acteur allongé ainsi sur un lit de mort ?

Allongée à côté de Tarkovski

La scène est troublante, je suis troublé, je m’égare. Je me demande si, le lendemain, jour de la levée du corps, je vais retrouver ainsi ma mère : allongée dans un lit, recouverte d’un drap blanc, ne laissant apparaître d’elle que son visage, yeux clos, enfin apaisée. Aura-t-elle, elle aussi, une bougie sur le ventre ? Je voudrais chasser cette image, me concentrer sur le spectacle, mais non. Quand on entre dans une salle de théâtre, peut-on faire abstraction de sa vie ? 

S’oublier ? C’est impossible et tant mieux.

Quelques jours plus tôt, un coup de téléphone m’a annoncé la mort de ma mère. Tout se passe comme si sa disparition – attendue et logique à un âge avancé –, lui redonnait vie : il y a longtemps que je ne l’avais sentie si présente autour de moi, en moi. Elle est là devant moi, étendue dans ce lit, sur une des scènes du Théâtre national de Strasbourg portant le nom d’un metteur en scène, Klaus Grüber, qui me fut cher. Elle est là, allongée à côté de Tarkovski, artiste venu d’un pays qui fut cher à ma mère et où elle ne s’est cependant jamais rendue, par crainte d’être déçue sans doute.

Tarkovski, le corps du poète, le spectacle du metteur en scène Simon Delétang avait commencé là-bas, en Russie alors Union soviétique, dans la beauté de la langue russe qui chante sans qu’on le lui demande. Mais c’est aussi une langue qui peut aussi avoir la sécheresse, la violence du knout. Dans le prologue ou introduction du spectacle, une femme (Pauline Panassenko) se tient assise derrière une table à l’avant-scène. Elle a l’allure d’un procureur. Les cheveux tirés, le regard froid, claquant ses phrases comme des coups de fouet, elle ressemble à ces glaciales présentatrices du journal de télévision sur ORT, la chêne nationale russe, inféodée au pouvoir encore plus que les autres. La femme martèle le texte : une fine analyse de l’œuvre de Tarkovski par Antoine de Baecque, admiratif mais nullement inconditionnel du cinéaste. Traduit en russe, le texte prend des allures de réquisitoire, de perverse oraison funèbre. Fin du prologue, lumière sur le lit du mort.

Intrusions extérieures

Tarkovski se lève donc et entre dans ses rêves, dans ses films, dans ses textes. « J’ai fait un rêve cette nuit. J’ai rêvé que j’étais mort. Mais je voyais, ou plutôt je sentais tout ce qui se passait autour de moi. », dit-il (un extrait de son Journal). Et puis il ressuscite et personne ne s’en étonne. Je me souviens que la nuit où ma mère est morte dans son sommeil, je me suis couché très tard sans pour autant réussir à trouver le sommeil. Sans le savoir, je l’ai veillée toute la nuit.

Sur scène, ce sont maintenant des spectateurs qui interpellent Tarkovski. En fait : des lettres de spectateurs, désarçonnés, mécontents ou emballés, bouleversés au sortir d’un de ses films, des lettres ou des propos que le cinéaste cite dans ses écrits. Cette intrusion de voix extérieures (spectateurs, journalistes, écrivains) ira grandissante au fil du spectacle. Des béquilles scéniques par trop grossières ; le spectacle, malgré lui, vire à une anecdotique chronique biographique.

Difficile de s’engouffrer sans filet dans la vie et l’œuvre de Tarkovski. Difficile d’être toujours à la hauteur de ce propos exprimé dans le spectacle par Tarkovski au point que l’on peut penser que son interprète (Nordey) le prend à son compte, tant sa conviction est parlante : « La grandeur de l’homme moderne est dans sa protestation. Gloire à ceux qui protestent en s’immolant devant la foule muette et stupide, gloire à ceux qui sortent sur la place publique avec des pancartes et des banderoles, affrontant l’inévitable répression. S’élever au-dessus de la simple aptitude à vivre : si l’humanité est capable de cela, c’est que tout n’est pas perdu et qu’il y a encore une chance. » J’aurais aimé partager ces mots avec ma mère, alors je le fais ici, en les lui offrant présentement, elle la Résistante, la compagne de cellule de Charlotte Delbo, la militante à gauche toute, qui ne lâchait rien.

Faut-il quand on écrit sur les spectacles des autres, laisser à la porte de la salle, le spectacle de sa propre vie ? En passant outre, ne risque-t-on pas de verser dans le voyeurisme, l’autofiction de mes deux ? Il y a des jours où l’on ne se pose pas la question. « Je dois avouer que, lorsque des critiques professionnels ont fait l’éloge de mes travaux, leurs opinions et leurs critères m’ont la plupart du temps déçu ou irrité. J’avais l’impression qu’au fond d’eux-mêmes ils étaient restés indifférents ou impuissants, et qu’ils remplaçaient leur spontanéité et leur perception directe par des clichés de cinéphiles », écrit Tarkovski dans Le Temps scellé.
Jamais oubliées, les premières images de son film Le Miroir me reviennent en boomerang dès que paraît l’actrice Hélène Alexandridis sur scène, forte de sa blondeur, de sa finesse, de sa détermination. Je revois l’actrice du film de profil, assise sur la barrière, fumant une cigarette. Le dernier des Récits de jeunesse de Tarkovski (écrits bien avant qu’il ne fasse des films et retrouvés après sa mort) évoque différentes photographies, dont plusieurs de sa mère. Il parle d’elle comme de Dieu, en majuscule. « La voilà encore. Avec Sa lourde chevelure claire, Elle est assise sur une barrière en bois. Un champ labouré apparaît derrière Elle. (…) Elle fume une cigarette. Elle est sur le point, là, maintenant, d’avaler une bouffée de tabac et Son visage n’exprime rien de plus et devient, de ce fait, réel et fantastique, comme le temps, comme un moment passé mais présent. » Cette incertitude et cette transfiguration du temps sont constitutifs de l’art de Tarkovski. Le spectacle entend s’en faire l’écho.

La femme assise sur une barrière

Dans Le Temps scellé, le cinéaste revient longuement sur cette scène. Il explique qu’il avait fait en sorte que l’actrice Margarita Terekhiva ne lise pas le scénario, si bien qu’elle ne pouvait pas savoir si le mari qu’elle attendait en fumant, assise sur la barrière, allait revenir au pas. « Ce qu’il nous fallait percevoir était l’aspect unique et singulier de cet instant précis, et non son lien avec le reste de sa vie », souligne-t-il. Ainsi doivent être les acteurs à l’heure de la représentation : sans passé, sans avenir, dans un extrême présent, dans la joie de l’être-là.

Cette scène de la femme assise sur une barrière revient vers la fin de Tarkovski, le corps du poète, racontée ou plutôt comme vue par deux acteurs, Pauline Panassenko et Thierry Gibault. Il en va de même pour l’excellent Jean-Yves Ruf qui, à son tour, voit une maison, une grange brûler comme cela arrive dans plusieurs films de Tarkovski, retour d’un autre souvenir d’enfance. La grange brûle, les corps aussi. Humaines ou végétales, toutes les cendres se ressemblent.

Simon Delétang dit avoir été bouleversé par les films et les écrits de Tarkovski. Il souhaite partager cette passion par le biais du théâtre. Son spectacle est comme une dette qu’il honore. Il déborde de reconnaissance. Ses propositions sont aussi multiples qu’inégales. Le metteur en scène a commandé à Julien Gaillard, un auteur qui lui est proche, Le Corps du poète, un texte que l’on entend dans la dernière partie. Un texte dont le style, le vocabulaire, le phrasé introduisent dans le corpus Tarkovski comme un corps étranger qui lui fait mal, tout comme l’agent des pompes funèbres, croyant bien faire le jour de la crémation de ma mère, allait parler d’elle en termes doucereux, insupportables.

Simon Delétang a cependant une idée folle et forte : poussant dans ses retranchements sa pertinente scénographie, il déploie sur toute la scène une vaste toile reproduisant un détail de La Madone del Parto, une fresque de Piero della Francesca que Tarkovski a sans doute vue quand il a décidé de ne pas revenir en URSS et de vivre en Italie où il allait réaliser ses deux derniers films. C’est un visage de femme, mais aussi d’enfant, mais encore de mère. C’est un visage d’une douceur absolue. Stanislas Nordey (Tarkovski) et Hélène Alexandridis (sa femme, sa mère) se tiennent par la main et regardent ce visage vers lequel ils marchent. De dos, ils s’éloignent de nous, se rapprochent du visage. Alors j’ai fermé les yeux.

Tarkovski, le corps du poète, Théâtre national de Strasbourg, salle Grüber, à 20h sf dimanche 24, jusqu’au 29 septembre.

Théâtre des Célestins, Lyon, du 11 au 15 octobre ;

La Manufacture, théâtre des Quartiers d’Ivry, du 2 au 6 mai 2018 ;

Comédie de Reims, le 11 mai 2018.

Légende photo :  Scène de "Tarkovski, le corps du poète" © Jean-Louis Fernandez

Ecoutez les entretiens autour de Tarkovski dans l'émission de France-Culture par Caroline Broué "La Grande Table" (27 mn)

https://www.franceculture.fr/emissions/la-grande-table-1ere-partie/tarkovski-dans-la-peau

De l'Enfance d'Ivan à Nostalghia en passant par Solaris, en à peine sept longs-métrages, Andreï Tarkovski a marqué l'histoire du cinéma du XXe. Ce cinéaste phare de la modernité européenne est à l'honneur cet été au Festival de la Rochelle et la Cinémathèque Française.


Andreï Tarkovski• Crédits : Marcello Mencarini
Né en 1932 dans la maison de campagne familiale, Andreï Tarkovski meurt en décembre 1986 en France atteint d'un cancer. Il a tenu un journal de 1970 à sa mort surnommé par lui-même "Le Martyrologe". Les affres de la création, le contexte politique en Russie qui muselle le cinéma y côtoient les réflexions sur son nouveau rôle de père ou bien encore les futurs projets de vie. Ce journal fait l'objet d'une troisième édition, publiée en février 2017, nourrit de textes inédits, réflexions et projets retrouvés par sa femme Larissa Tarkovskaïa.



Dès L’Enfance d’Ivan (Lion d’Or à Venise 1962), son premier film, le cinéaste pose les jalons d’une œuvre puissante et épurée et s’impose à l’international. Durée des plans-séquences, usage du ralenti, éclatement de la trame temporelle seront ainsi autant de recours aux possibilités plastiques du septième art pour mieux scruter l'épaisseur du temps.

Le Festival de la Rochelle, du 30 juin au 9 juillet, et la Cinémathèque Française, à partir du 28 juin lui consacrent une rétrospective. A noter également : la ressortie en salle le 5 juillet en versions restaurées de L'Enfance d'Ivan, Andreï Roublev, Solaris, Le Miroir et Stalker .



Pour en parler, La Grande Table reçoit Antoine de Baecque, historien et critique de cinéma, auteur d'une biographie sur Andreï Tarkovski publiée par Les Cahiers du Cinéma et Stanislas Nordey, qui se glisse dans la peau du cinéaste dans la pièce "Tarkovski, le corps d’un poète" mise en scène par Simon Delétang, visible au Théâtre de Lyon - Les Célestins à partir d'octobre 2017.

Stanislas Nordey : "Je retrouve chez Tarkovski une foi dans l'art."

Antoine de Baecque : "Tarkosvki a beaucoup appris d'Eisenstein et de cette poésie là."

Stanislas Nordey : "Je suis rentré dans l'esprit de Tarkovski par la poésie. Son père poète l'a beaucoup influencé."

Extrait de L'Enfance d'Ivan, d'Andreï Tarkovski (1962)
Extrait Andrei Tarkovski répond au micro de Yves Mourousi (TF1 Actualités 13H, 1978)
Extrait du Miroir, d'Andrei Tarkovski (1978)
Extrait d'Andrei Tarkovski fils interviewé dans l'émission "Création on air" (16/11/2016)
En seconde partie d'émission, retrouvez Marielle Macé et François Dubet pour questionner ce qui peut faire "nous" aujourd'hui...

Intervenants

Antoine de Baecque
Historien de la littérature, un critique de cinéma et de théâtre et un éditeur français

Stanislas Nordey
comédien et metteur en scène français

Par Stéphane Capron dans ScenewenClaudia Stavisky et Marc Lesage ont présenté ce matin la riche saison 2017/2018 du Théâtre des Célestins de Lyon. Elle débutera le 13 septembre par la création de Rabbit Hole Univers parallèles de David Lindsay-Abaire, Prix Pulitzer en 2007, qui dessine le portrait d’un couple qui tente de surmonter la mort accidentelle de leur fils. Le couple sera interprété par Julie Gayet et Patrick Catalifo. L’actrice est très rare au théâtre, la dernière fois qu’elle est montée sur scène c’était en 1996 au Théâtre Montparnasse pour Les Abîmés de Michaël Cohen. Claudia Stavisky reprendra un peu plus tard en novembre Tableau d’une exécution de Howard Barker pour quelques représentations avant une tournée.

Parmi les autres créations de la saison, Dans la peau du monstre d’après LilLI / Heiner (INTRAMUROS) de Lucie Depauw et intégral dans ma peau de Stéphanie Marchais. Un diptyque théâtral mis en scène par Cécile Auxire-Marmouget et Christian Taponard. Ainsi que Je n’ai pas encore commencé à vivre de Tatiana Frolova du théâtre knaM que l’on pourra voir dans le cadre du Festival Sens Interdit en octobre.

On attend avec beaucoup d’impatience Margot, d’après Massacre à paris de Christopher Marlowe par Laurent Brethome (en janvier 2018 – le spectacle sera créé le 9 novembre à la Scène nationale d’Albi). Il s’agit du regard critique et engagé d’un Anglais sur la France du XVIe siècle. Une pièce épique avec 16 comédiens sur scène. En mars on pourra voir Actrice de Pascal Rambert avec Marina Hands et Audrey Bonnet. Autre auteur contemporain présent dans la saison Rémi de Vos avec Botala Mindele dans une mise en scène par Frédéric Dussenne (création en septembre au Théâtre de Poche de Bruxelles). Le Théâtre des Célestins coproduit trois pièces avec le Théâtre National de Strasbourg: Tar kovski, le corps du poète (en octobre)
d’après les textes de Julien Gaillard, Antoine de Baecque et Andreï Tarkovski dans une mise en scène Simon Delétang avec Hélène Alexandridis, Thierry Gibault, Stanislas Nordey, Pauline Panassenko et Jean-Yves Ruf. Le Pays lointain de Jean-Luc Lagarce dans un mise en scène de Clément Hervieu-Léger avec Audrey Bonnet, Loïc Corbery de la Comédie Française, Vincent Dissez, Nada Strancar et Stanley Weber (en avril 2018). Ainsi que À la trace d’Alexandra Badea dans une mise en scène d’Anne Théron (en février 2018).

Stéphane CAPRON – www.sceneweb.fr

13 sept. → 8 oct. 2017
Rabbit Hole Univers parallèles
David Lindsay-Abaire / Claudia Stavisky

3 oct.→ 14 oct. 2017
Dans la peau du monstre
Lucie Depauw – Stéphanie Marchais /
Cécile Auxire-Marmouget – Christian Taponard

11 → 15 oct. 2017
Tarkovski, le corps du poète
Antoine de Baecque – Andreï Tarkovski – Julien Gaillard / Simon Delétang

16 → 18 oct. 2017
Ça va ?
Jean-Claude Grumberg / Daniel Benoin

Spectacles présentés dans le cadre de Sens Interdits
19 → 21 oct. 2017
Martyr
Marius von Mayenburg / Oskaras Koršunovas

19 → 22 oct. 2017
Je n’ai pas encore commencé à vivre
Tatiana Frolova / Théâtre KnAM

23 → 24 oct. 2017
Body Revolution & Waiting
Mokhallad Rasem

24 → 25 oct. 2017
Bec-de-lièvre Vengeance ou pardon
Fabio Rubiano

27 → 28 oct. 2017
Nord-Est
Torsten Buchsteiner / Galina Pyanova / ARTiSHOCK theater

28 → 29 oct. 2017
La Mission, souvenir d’une révolution
Heiner Müller / Matthias Langhoff

10 → 12 nov. 2017
Tableau d’une exécution
Howard Barker / Claudia Stavisky

16 → 18 nov. 2017
Eva Perón & L’Homosexuel ou la Difficulté de s’exprimer
Copi / Marcial Di Fonzo Bo

21 → 25 nov. 2017
La vie que je t’ai donnée
Luigi Pirandello / Jean Liermier

28 nov. → 1er déc. 2017
L’Amour et les forêts
Éric Reinhardt / Laurent Bazin

5 → 9 déc. 2017
20 000 lieues sous les mers
Jules Verne / Christian Hecq – Valérie Lesort

14 → 31 déc. 2017
arturo brachetti Solo

15 → 22 déc. 2017
Ramona
Rezo Gabriadze

23 → 30 déc. 2017
Le diamant du Maréchal de Fantie
Rezo Gabriadze

9 → 13 jan. 2018
La Fuite !
Comédie en huit songes
Mikhaïl Boulgakov / Macha Makeïeff

11 → 21 jan. 2018
La Cuisine d’Elvis
Lee Hall / Pierre Maillet

17 → 24 jan. 2018
Margot
Christopher Marlowe / Laurent Brethome

26 jan. → 2 fév. 2018
Novecento
Alessandro Baricco / André Dussollier

6 → 10 fév. 2018
Petit éloge de la nuit
Ingrid Astier / Gérald Garutti

27 fév. → 10 mars 2018
Les Eaux et forêts
Marguerite Duras / Michel Didym

28 fév. → 3 mars 2018
À la trace
Alexandra Badea / Anne Théron

6 → 10 mars 2018
Actrice
Pascal Rambert

13 → 24 mars 2018
George Dandin ou le Mari confondu
Molière / Jean-Pierre Vincent

14 → 24 mars 2018
Loveless
Claude Jaget / Anne Buffet – Yann Dacosta

27 → 31 mars 2018
Tristesses
Anne-Cécile Vandalem

28 mars → 7 avr. 2018
Le Quat’sous
Annie Ernaux / Laurence Cordier

3 → 7 avr. 2018
Bluebird
Simon Stephens / Claire Devers

24 → 28 avr. 2018
Le Pays lointain
Jean-Luc Lagarce / Clément Hervieu-Léger

2 → 6 mai 2018
Professeur Bernhardi
Arthur Schnitzler / Thomas Ostermeier

15 → 22 mai 2018
Trintignant-Mille-Piazzolla
Jacques Prévert – Allain Leprest – Robert Desnos – Boris Vian… /
Jean-Louis Trintignant / Astor Piazzolla / Daniel Mille

16 → 26 mai 2018
Botala Mindele
Rémi De Vos / Frédéric Dussenne

12 → 16 juin 2018
Festen
Thomas Vinterberg – Mogens Rukov / Cyril Teste – Collectif MxM

LA SAISON 2017 / 2018
En chiffres
36 SPECTACLES
3 CRÉATIONS
10 COPRODUCTIONS
14 SPECTACLES INTERNATIONAUX
24 SPECTACLES grande salle
11 SPECTACLES célestine
5è édition de sens interdits festival international de théâtre
4è édition des utopistes , festival des arts du cirque

251 LEVERS DE RIDEAUX
153 REPRÉSENTATIONS GRANDE SALLE (SANS UTOPISTES)
95 REPRÉSENTATIONS CÉLESTINE
17 REPRÉSENTATIONS DANS LE CADRE DU FESTIVAL SENS INTERDITS
3 REPRÉSENTATIONS HORS LES MURS (SANS UTOPISTES)

Par Patrick Sourd dans Les Inrocks : 

Epoustouflant dans le rôle de Baal, Stanislas Nordey capte tous les regards en se donnant corps et âme à la cavale du poète maudit. Et irradie de sa présence la première pièce de Bertolt Brecht.

On n’est pas sérieux quand on vient juste d’avoir 20 ans. A cet âge, Bertolt Brecht écrit sa première pièce qu’il dédie à la figure de Baal, un poète inspiré par les vies brûlées de Rimbaud, Verlaine et Villon.
Tout à son excitation, il imagine un titre lui permettant d’user d’un crescendo de points d’exclamation : Baal bouffe ! Baal danse !! Baal se transfigure !!! Une manière de frapper les trois coups pour annoncer son entrée dans le monde de la dramaturgie.

“Il est contemporain de qui montera la pièce”

L’auteur ne cessera par la suite de remettre sa pièce sur le métier, dès l’année suivante en 1919, puis en 1920 et 1926, pour finir par signer son ultime palimpseste de Baal en 1955, un an avant sa mort. C’est la seconde version de l’œuvre que monte Christine Letailleur. Dans la limpide traduction d’Eloi Recoing elle est très sobrement titrée Baal (1919).

Brecht dépeignait son héros comme un être intemporel en allant jusqu’à préciser : “Il est contemporain de qui montera la pièce.” 

Christine Letailleur en fait un éternel témoin veillant sur la culture en Allemagne. Pour le costume de Baal, elle se réfère au look des années 1970, quand Volker Schlöndorff adaptait la pièce en téléfilm avec Rainer Werner Fassbinder dans le rôle-titre.

Il fallait un acteur hors pair pour incarner le poète

Dans une scénographie qu’elle cosigne avec Emmanuel Clolus, ses décors, sous des ciels mauves et bleu pétrole, se revendiquent des perspectives stylisées du cinéma expressionniste allemand. Il fallait un acteur hors pair pour incarner le poète, Stanislas Nordey endosse pour elle la défroque de Baal avec maestria.
Il s’agit de témoigner du parcours d’une vie se réclamant d’une radicalité insoluble dans le quotidien. Pour Brecht, “Baal est une nature ni particulièrement comique ni particulièrement tragique. Il a le sérieux de la bête”. Chaque étape de son existence devient une nouvelle pièce à charge qui construit sa légende.

Baal, un astre noir

Fauteur de troubles, buveur invétéré et méchant amant, rien ne sauve l’animal qui se transforme en un prédateur sexuel pour séduire les jeunes vierges tout autant que les femmes mariées. Même l’histoire d’amour qui le lie à Ekart (Vincent Dissez), son compagnon de débauche, se termine par un meurtre en coulisses.

Au travers d’une gestuelle qu’il sait rendre inséparable de son jeu, Stanislas Nordey fabrique le hors-norme d’un personnage qui commerce avec ses contemporains sans cesser d’affirmer son altérité. C’est le côté graphique de sa présence au plateau qui fascine. Elle focalise la lumière autant qu’elle l’absorbe pour honorer Baal à la manière d’un astre noir.

Baal (1919) de Bertolt Brecht, mise en scène Christine Letailleur, avec Stanislas Nordey, Vincent Dissez, Youssouf Abi-Ayad, Emma Liégeois, Karine Piveteau, Valentine Gérard, Manuel Garcie-Kilian, Clément Barthelet, Philippe Cherdel, Fanny Blondeau et Richard Sammut, du 20 avril au 20 mai, Théâtre national de la Colline, Paris XXe