Comunicación en la era digital

Este ensayo tiene como objetivo el análisis narrativo de las representaciones contemporáneas más paradigmáticas de autómatas, robots, androides/ginoides, cíborgs o replicantes existentes en los ámbitos cinematográfico y televisivo. A través de diferentes técnicas –como el Matte Painting, 3D, VFX, CGI o Motion Capture–, los ejemplos escogidos provocan la más inquietante y desgarradora distopía posible: la del humano-no humano; unos engendros cuyos cuerpos se rinden a la voluntad del propio artificio, tendiendo en algunos casos hacia su transformación final en un complejo algoritmo. Para ello, se han seleccionado una serie de títulos a través de los cuales exploraremos diferentes vías: tanto la trasposición corporal de lo diferente en una serie de universo(s) futuro(s) imaginado(s), como la deconstrucción de la realidad-real, fuente de todo mundo alternativo –metaverso–; así como la disociación de identidades, elemento que supone el primer paso hacia la deconstrucción total del ser, cobrando forma bajo los parámetros narrativos, iconográficos y estéticos del cine.

El artículo aborda la narrativa transmedia en los true crime, género narrativo caracterizado por la investigación y reconstrucción de crímenes y escándalos reales, convertido en uno de los más exitosos en las plataformas de streaming. Indaga en el recorrido del relato periodístico hasta el formato audiovisual para demostrar, de este modo, la continuidad constatable a través de los siglos. Para ello se acude al método histórico, al análisis documental de teorías narrativas clásicas y contemporáneas, y al análisis de un caso reciente y paradigmático: la docuserie Lucía en la telaraña (RTVE Play, 2021). Los resultados confirman que el true crime emplea como fuente el relato periodístico, ampliando su capacidad de explicar de forma comprensible historias complejas; en este género se identifican, también, elementos de un eje dramático básico que lo hace fácilmente trasladable de un género a otro, de un lenguaje a otro y, por tanto, de un formato a otro. Como principal conclusión se comprueba que, efectivamente, el true crimerepresenta una continuidad con la tradición narrativa clásica sobre crímenes y sucesos.

Las series de streaming han ganado una gran popularidad gracias a la expansión de plataformas como Netflix y HBO. El nuevo formato favorito de las y los jóvenes alberga problemáticas sociales como la violencia sexual cuya representación debe utilizarse como instrumento de educación informal positiva para la audiencia. Pero no ha sido así en las ficciones estrenadas antes del #MeToo, por lo que el presente estudio utiliza una metodología mixta para indagar en la forma de abordar esta cuestión en la actualidad. Se ha realizado un análisis de contenido de las series Euphoria, Westworld, The End of The F*** World, La Casa de Papel y Normal People, así como veinte entrevistas a jóvenes consumidores para explorar la recepción de estas producciones. Los resultados obtenidos muestran un avance en la representación al alejarse del imaginario compartido de “la violación del callejón” para mostrar otros escenarios como la presión ejercida por una pareja o la difusión de imágenes íntimas. A pesar de esto, las series analizadas aún no muestran la cuestión del consentimiento de una forma explícita ni tratan la violencia sexual como un problema social. Por tanto, la audiencia percibe las agresiones como un ataque individual sin raíz patriarcal.

La consolidación de múltiples plataformas digitales, lleva a reconocer una relación más horizontal entre el público consumidor de servicios streaming y las ofertas televisivas, lo que propicia la constitución de subjetividades y comunidades digitales emergentes por la forma en que se configuran entornos virtuales para dialogar, debatir o teorizar sobre algunos contenidos. Este artículo analiza tres producciones televisivas que resultaron fenómenos mediáticos cuando sus públicos replantearon la condición tradicional de ser televidente: Games of Thrones, Stranger Things y Dark, experiencias de comunidad favorecida por la forma en que el consumo de seriales televisivos, hizo de plataformas y redes sociales, medios y espacios de interacción que permiten a los públicos consumidores, constituirse en comunidades de práctica y sentido; territorios a donde ha podido migrar el consumo como expresión de una televidencia activa.

Este trabajo presenta un análisis sobre la evolución y el desarrollo de las tramas feministas en las narrativas de plataformas de vídeo bajo demanda (VOD). Con la llegada de la televisión a la carta, el contenido de ficción en formato serie ha experimentado una proliferación como nunca dentro del sector audiovisual; el número de personajes protagonistas femeninos ha aumentado en los últimos años, así como las showrunners o creadoras de series de televisión. De este modo, mediante un análisis de caso se han estudiado doce series de televisión de las cuatro principales plataformas de contenido en streaming para comprobar la presencia de series de ficción con narrativa predominantemente feminista en la actualidad.

Los servicios de las plataformas digitales audiovisuales en directo (streaming) de grandes operadores como Netflix se han consolidado en el contexto de la pandemia de covid 19 en América Latina. Este escenario genera una serie de procesos desiguales e inequitativos en las dimensiones de producción, distribución y consumo audiovisual, por lo que la intención de este trabajo es reivindicar, recuperar e incentivar la discusión sobre el establecimiento de políticas audiovisuales basadas en los preceptos de la diversidad cultural, para proteger las cinematografías latinoamericanas y regular las condiciones del poder corporativo, económico y comercial de aquellas empresas que dominan los mercados a nivel mundial. La estrategia de análisis se basó en una revisión documental y estadística que describe cómo el cine latinoamericano presenta una serie de asimetrías que permanecen y continúan desde la etapa analógica y se incrementan en un contexto digital. Las líneas de trabajo propuestas para el establecimiento de estrategias políticas de diversidad cultural en América Latina, que surgen como resultado de este análisis, se fundamentan en 10 ejes para elaborar una propuesta de políticas públicas para la diversidad cultural en el sector audiovisual latinoamericano.

La decisión de Netflix de incorporar juegos en su catálogo tradicional de contenidos en noviembre de 2021 se percibe como una apuesta cuya concreción resulta aún incierta. Esta investigación explora los primeros meses de este nuevo servicio tratando de determinar cómo se ha producido la incorporación de este contenido en la plataforma, qué tipo de entretenimiento se ofrece y cómo se localiza dentro de la estrategia de contenidos de la compañía, así como la recepción por parte de sus usuarios y suscriptores. La metodología se fundamenta en una triangulación metodológica cuantitativa y cualitativa recogida en una ficha de análisis para cada uno de los juegos de la muestra (n=14).

El torture porn, las referencias constantes al giallo italiano o al cine de explotación, los mensajes anticapitalistas, la moda distópica en las narrativas audiovisuales y la popularización y el asentamiento definitivo de las plataformas de streaming a causa de la pandemia del COVID-19 han dado lugar al establecimiento de una nueva moda: la tendencia de un público al disfrute de la crueldad espectacularizada y disfrazada de sermón político. Lejos de tratar de censurar dichas obras, se pretende promover la reflexión sobre la sensación de cinismo de la ciudadanía y el abandono que sufre por parte de sus gobernantes, lo que la industria del entretenimiento audiovisual pareciera aprovechar mediante el tanteo de la sensación de desencanto general en Occidente. En medio de este ecosistema aparece la serie de Netflix El juego del calamar, un festival de imaginería sádica con profundos tintes políticos que recupera en un solo producto varios de los géneros y ejes temáticos mencionados. El objetivo principal de la presente investigación es analizar las características del interés por las narrativas de este tipo mediante un análisis de contenido de esta serie, a fin de examinar los elementos que configuran algunas claves del entretenimiento mainstream vía streaming. Las claves serían la estética de la crueldad y el sermón social como coartada de la narrativa. Como resultado, las tramas se respiran previsibles y frías pero la imaginación audiovisual, fresca y atractiva, por lo que el fondo anticapitalista se percibe en un segundo plano.

En los últimos años, y en especial tras la crisis sanitaria del COVID-19, se ha incrementado el consumo de plataformas de vídeo online como alternativa al consumo de medios audiovisuales tradicionales. Este artículo explora la divulgación científica presente en el contexto español de Twitch –plataforma hegemónica de vídeo-streaming–, focalizando en el análisis de contenido de textos audiovisuales generados por influencers de ciencia que cohabitan en Twitch junto a gamers, esports y todo tipo de social media entertainment. Para ello se empleó una orientación metodológica cualitativa –basada en un set de categorías semiótico-discursivas– que se aplicó sobre la producción de una muestra de seis de los divulgadores científicos más representativos de la twitchesfera española. Los resultados despliegan las estrategias discursivas de los textos analizados y visibilizan las particularidades de un tipo de divulgación científica –generada por influencers de ciencia y emitida en streaming– que convive dentro del ecosistema mediático con los medios generalistas y las fuentes oficiales científicas. En concreto, los divulgadores científicos de Twitch apuestan por un formato audiovisual basado en el personality vlog y un discurso caracterizado por una articulación expresiva eminentemente didáctica, la interacción sincrónica con el usuario y el uso de un tono ameno basado en unos códigos comunes compartidos con la comunidad. Pese a tratarse de un tipo de comunicación científica en ciernes y de la condición efímera de sus emisiones, los resultados de este estudio apuntan a la divulgación en Twitch como un vehículo eficiente para captar la atención del público joven hacia contenidos científicos y al compromiso de los creadores estudiados por un discurso basado en la calidad divulgativa y el rigor científico.

La interfaz es un nodo donde convergen elementos culturales, sociales y tecnológicos. Este trabajo parte de la hipótesis de que las plataformas determinan los comportamientos y usos de los usuarios a través de su diseño. Los usuarios retroalimentan a estas plataformas apropiándose de ellas a través de sus usos. Esta investigación se centra en el análisis de las funcionalidades de las aplicaciones de streaming y los patrones de comportamiento predefinidos por los desarrolladores de las aplicaciones.

Plataformas como Netflix o Spotify se han convertido en referentes del consumo de medios y la actividad digital de los jóvenes a nivel mundial. El objetivo del presente artículo ha consistido en abordar la experiencia de acercamiento de estudiantes universitarios internacionales a sus servicios de streaming durante sus periodos de movilidad académica en Barcelona, España. Para ello se recurrió a un enfoque etnográfico que ha permitido analizar el impacto que la migración temporal por la que los jóvenes atraviesan tiene en los hábitos de uso de sus plataformas de transmisión de contenidos. Los hallazgos del estudio sugieren que los desplazamientos transnacionales inciden favorablemente en la relación de los estudiantes con sus servicios de streaming al permitirles expandir sus dietas mediáticas con contenidos del sitio de acogida al mismo tiempo en que pueden continuar consumiendo los recursos audiovisuales de su lugar de origen.

El objetivo de este libro es generar una serie de aportes críticos respecto a dos definiciones propias del sector audiovisual que hoy en día se han resignificado tanto en sus soportes de circulación como en las maneras de consumirse, para constituirse en verdaderos fenómenos socioculturales en cuanto a la redistribución y recombinación de sentido se refiere. Se trata de las Industrias Creativas y del fenómeno Transmedia.

El presente trabajo procurará aportar elementos para hacer una historia de las plataformas de streaming musical. La perspectiva genealógica asumida permitirá establecer las condiciones de posibilidad bajo las cuales dichas plataformas surgieron y se consolidaron. Si bien el objeto de estudio puede presentarse bajo un aspecto único y simple, su procedencia remite a una proliferación de sucesos heterogéneos formados según velocidades diversas; es así que resultará preciso dar cuenta no sólo de las continuidades históricas sino de las irregularidades y los cortes que sacuden y trastocan esa continuidad. De allí que, si desde un punto de vista se puede pensar en una temporalidad lineal y homogénea que recorrería secularmente las tecnologías de grabación y reproducción del sonido desde sus primeras manifestaciones hasta la actualidad (del fonógrafo a Spotify), desde otro punto de vista –que se daría a sí mismo la tarea de cortar verticalmente aquí y allá el arco histórico presuntamente uniforme– se observaría por un lado que no hay relación de necesidad en los pasajes de unas tecnologías a otras, y por otro, que las tecnologías no son suficientes para explicar esos pasajes. Por ello, el abordaje histórico que se presenta obedece a una serie de entrecruzamientos superpuestos que, partiendo del último cuarto del siglo XIX, se van desplegando, mutando, desplazando y generando las condiciones de posibilidad para el surgimiento de la música de plataformas en el siglo XXI. El recorrido trazado pondrá de relieve las relaciones entre tecnologías, pero relevará también las relaciones entre las tecnologías y las disciplinas, teorías y discursos que las sustentan, así como también se ocupará de las relaciones entre las tecnologías, las prácticas socio-culturales asociadas a ellas y la industria musical, sin todo lo cual las plataformas de streaming musical no hubieran sido posibles.

En 2015 el mercado audiovisual español inicia un periodo de transformación. Netflix desembarca en el país y consolida el negocio del consumo audiovisual en streaming y bajo suscripción. A partir del 2019, con un consumo de la televisión de pago del 53% de los usuarios de Internet, se hace necesaria una readaptación de la estrategia empresarial y de contenidos. El modelo de consumo presente cambia y con ello las líneas de negocio de los principales grupos televisivos de nuestro país, obligados a crear y formalizar nuevas entidades que hicieran frente y se posicionaran ante el ecosistema internacional. En este estudio analizamos los modelos de las plataformas de streaming nacionales Atresplayer Premium del grupo Atresmedia y MiTele Plus del grupo Mediaset para determinar el estado de los agentes convencionales frente a los players internacionales. Se sigue una metodología descriptiva y de análisis de contenido completado con entrevistas a los responsables de ambas SVOD, contemplando una estrecha relación entre la actual ruptura de los hábitos de consumo y la consecuente desestructura del sector, y las consecuentes decisiones empresariales que van modificando la labor de las plataformas de streaming nacionales en base al cambio de demanda de contenido, planteando un esquema de negocio progresivo y cambiante.

La llegada de Disney+ a España en marzo de 2020 estuvo marcada por la pandemia del Covid-19. El periodo de confinamiento domiciliario entre la población española coincidió con la irrupción del nuevo servicio streaming de una de las marcas más conocidas y queridas a nivel mundial. Este estudio analiza la
estrategia publicitaria y de engagement empleada por Disney+ en
Twitter e Instagram.

En la era de la postpandemia, el vertiginoso avance de las tecnologías aceleró el cambio en los hábitos de consumo de productos audiovisuales y culturales, posicionando las plataformas de streaming por encima de la televisión tradicional en las preferencias de los usuarios y usuarias. A la par, las narrativas transmedia ofrecen un relato inmersivo y expansivo para audiencias exigentes y participativas. Estos cambios conllevan ventajas y desafíos que las audiencias deben conocer para superar las relaciones asimétricas históricamente planteadas por los medios tradicionales.

Este año los equipos de cada país que integran Obitel presentan los detalles que dan forma al estado de la producción, distribución, exhibición y consumo de la ficción audiovisual en televisión durante 2021. Fue un año marcado por el reinicio de la actividad productiva luego de la parálisis que implicó la pandemia y que reportamos en el anuario anterior. El proceso de recuperación adopta, como puede leerse en cada capítulo, características y velocidades distintas. La capacidad productiva preexistente y el nivel de desarrollo de la industria audiovisual de cada país marca además un punto de reinicio distinto para cada caso. A esto se suman cuestiones del contexto político, económico y social que gravitan en las potencialidades de cada mercado. El tema del año “Transformaciones en la serialidad de la televisión y su impacto en los formatos de la ficción televisiva iberoamericana en tiempos de streaming”, invita a conocer las formas distintivas y desiguales en que el ecosistema de producción y consumo en plataformas globales impacta transformando la serialidad y formatos de la ficción televisiva dentro del ámbito Obitel.

Este artículo analiza la sostenibilidad de la industria musical desde la perspectiva de los intérpretes. Las plataformas de streaming de música, o Proveedores de Servicios de Música Digital (PSMD), han cambiado el paradigma de la industria de la música grabada, especialmente desde la década de 2010. Los modelos de negocio para los intérpretes han evo-lucionado desde fórmulas de royalty basadas en ingresos a sistemas de remuneración más complejos basados en una combinación de los ingresos derivados a suscripciones de pago y gratuitas basadas en publicidad. Anteriores investiga-ciones se han centrado mayoritariamente en el análisis de los modelos de negocio de los servicios de streaming desde la perspectiva de los actores de innovación (las plataformas digitales) o de los intermediarios dominantes tradicionales (los sellos discográficos y las editoriales). Sin embargo, no todas las transformaciones derivadas de la innovación son sos-tenibles. En este artículo planteamos que considerar la sostenibilidad de los modelos de negocio en la industria musical requiere tener en cuenta la perspectiva de los intérpretes. Combinamos una aproximación cualitativa con el análisis de fuentes primarias y secundarias para valorar la sostenibilidad de los modelos de negocio existentes y de las tendencias en prácticas de negocio actuales para diferentes tipos de intérpretes, incluyendo cifras de negocio y cómo los ingresos son compartidos. El articulo concluye que los PSMD favorecen una cadena de valor asimétrica, con actores creativos que apenas pueden capturar valor e innovaciones de base tecnológica que refuerzan la capacidad de capturar valor de los distribuidores digitales. Finalmente, se proponen algunos modelos de negocio alternativos para una sostenibilidad a largo plazo del mercado de la música digital.

    El presente artículo analiza el uso de las plataformas de streaming por parte de artistas de la música en el contexto de pandemia por Covid-19 y lo pone en relación a los aportes de Andrew Feenberg acerca de su teoría crítica de la tecnología (2005). Ante un contexto global de completa incertidumbre sanitaria, económica y social desatada por la proliferación del virus a comienzos del año 2020, el sector artístico fue uno de los sectores más perjudicados en la geografía mundial debido a la suspensión de las actividades escénicas presenciales (Capasso, Camezzana, Mora & Saez; 2020; Laborde, 2021). En Argentina, tras las disposiciones nacionales del ASPO –aislamiento social preventivo y obligatorio- que suspendió por meses toda presentación en vivo, una parte del sector musical nacional se inclinó al uso de las plataformas de streaming de música en vivo para poder subsistir ante la parálisis total del sector. El presente artículo busca reflexionar sobre estas nuevas modalidades en la práctica musical, sus configuraciones desiguales y la necesidad de promover una perspectiva decolonial (Gómez & Mignolo, 2012) y crítica de dichas plataformas así como del rol del Estado.

La llegada de las plataformas de streaming ha marcado un punto de quiebre en los mecanismos de consumo del cine, principalmente porque el factor tiempo-espacio se flexibiliza infinitamente. Se “customiza”. Sin embargo, la relación ya no de la obra de arte ni del cine, sino de los sujetos con su propio espacio, también se ha deformado, o al menos su percepción de él. Por lo tanto, es probable que este cisma sea natural a los procesos creativos y su recepción por parte de los espectadores mediados por los dispositivos tecnológicos. El presente trabajo pretende descifrar el nuevo lugar que ocupan el tiempo y el espacio en la relación entre el cine y su público, así como la presencia del aura en esta transacción. Para ello, se hará una breve revisión del sujeto espectador frente a las prácticas cinematográficas y se analizarán los códigos que permiten, o no, superar los límites del aquí y el ahora sugeridos por Walter Benjamin en su texto “La obra de arte en su época de reproductibilidad técnica”

La aparición de nuevos actores y plataformas tecnológicas, los cambios en los hábitos de consumo y la transformación del ecosistema digital han acelerado el proceso de innovación periodística en la última década (2010-2020), acentuado por la pandemia por Covid-19. El periodismo atraviesa desde hace años un proceso de cambio permanente que afecta a las prácticas, los productos y los profesionales. Este estudio identifica las innovaciones periodísticas más destacadas, describe sus características y analiza su impacto en función del valor aportado en la organización, de su alcance en la industria y de su contribución a la sociedad.

La migración de creadores desde otras plataformas y la aparición de nuevas líneas de contenido están diversificando el universo temático de Twitch.tv más allá de su posición hegemónica en el ámbito del gaming. Este artículo explora las potencialidades colaborativas, educativas y creativas de las plataformas de live-streaming a través del análisis de la experiencia de coworking online “Sala de trabajo” lanzada por el canal de Twitch “JaimeAltozano” en plena irrupción de la crisis sanitaria del Covid-19. Una iniciativa que logró generar en tres meses de actividad una suma de 222.172 horas trabajadas por la comunidad participante. Nos aproximamos a este caso de estudio a partir de una metodología de investigación mixta (mixed method research design) que integró un estudio cuantitativo del fenómeno, 67 entrevistas en profundidad a usuarios y técnicas etnográficas de análisis de contenido. Los resultados obtenidos en las tres fases de investigación avalan la utilidad de la experiencia como enclave virtual dedicado a la productividad y ayudan a construir una cartografía del fenómeno en torno a siete conceptos clave: gamificación, sincronicidad, comunidad, participación, libre operabilidad y atmósfera común. Ante el contexto creciente de plataformización de los productos culturales, esta investigación constituye una inmersión efectiva en la realidad mediática de Twitch más allá del universo del videogaming y supone una muestra de las múltiples posibilidades de aporte comunitario y empoderamiento mediático a través del live-streaming.

La presente investigación tuvo como objetivo general analizar el proceso de transformación digital en dos radios limeñas: Oasis (100.1 FM) y Oxígeno (102.1 FM), para comprender la evolución del medio desde la perspectiva de millennials y centennials. Para ello se trabajó sobre la base de un enfoque cualitativo, el cual consistió en realizar entrevistas a profundidad a personas vinculadas a las emisoras que son materia de esta investigación, así como dos focus group: el primero dirigido a usuarios de plataformas de streaming y podcast de la muestra estudiada, y el segundo a oyentes millennials y centennials de las radios Oasis y Oxígeno. En cuanto a las conclusiones, los oyentes consideran que la radio debería mantenerse en su formato tradicional (señal abierta), pero incursionar también en el audiovisual e implementar una difusión de contenidos a través de plataformas de streaming y redes sociales. Todo ello para implementar una misma estrategia de posicionamiento en un entorno de transformación digital. Asimismo, es necesario que haya una mayor accesibilidad a la radio en vivo a través de los celulares que no implique un consumo de datos móviles.

Netflix es una plataforma de distribución de contenidos que ofrece una amplia variedad de series, películas, títulos de anime, documentales y otros contenidos premiados en miles de dispositivos conectados a internet. Entre sus distintas funciones destaca la forma de consumir el contenido que puedes disfrutar cuando y donde quieras y sin publicidad mediante suscripción. El usuario solo necesita de un dispositivo con una conexión a internet, ya sea un ordenador, una televisión o un smartphone. Esta forma de plantear la distribución de contenidos rompe con el modelo televisivo tradicional. Por lo que respecta a su modelo de negocio, se basa en a la suscripción ofreciendo contenidos sin cortes publicitarios y empleando una estrategia de marca donde el contenido es el centro de cualquier comunicación. En este sentido, frente a lo estricto del consumo televisivo tradicional, Netflix ofrece la oportunidad a los usuarios de visualizar el contenido en cualquier momento. El objetivo de este trabajo es analizar la penetración de Netflix en España entre la población general y los jóvenes en particular desde que Netflix llega a España en el año 2015. A este respecto, se analiza la repercusión que ha tenido la plataforma entre la audiencia, al mismo tiempo que se examina si supone una amenaza para el modelo televisivo español. Por ello, este estudio se fundamente en una metodología cuantitativa que se basa esencialmente en el análisis de datos secundarios y fuentes de prestigio dentro del mundo de la comunicación y académico. Los resultados iniciales muestran como la penetración de las plataformas como Netflix han arraigado a niveles elevados en España y como parece que está tendencia seguirá al alza, en un contexto donde las OTT ganan cada vez más audiencia, aunque las televisiones tradicionales siguen manteniendo su liderazgo.