Arts Numériques - anthologie de textes

En s’appuyant sur l’analyse d’un corpus d’œuvres numériques utilisant l’oxymore de l’écran-support qui, selon Gérard Wajcman : « cache ce qui est derrière et […] donne à voir ce qui se peint dessus », il s’agira de mettre au jour les nouveaux enjeux du hors écran dans les interventions numériques de web artistes tels que François Dourlen ou Zach King. Au-delà d’une pratique brouillant les pistes entre artiste et amateur, ces démarches s’inscrivent dans l’histoire de l’art en transposant les ambiguïtés topologiques de l’univers surréaliste sur l’écran et le hors écran de leur tablette numérique ou de leur téléphone mobile.

Selon Serge Tisseron : « Le téléphone mobile a donné une incroyable liberté de mouvement au preneur d’images. Il peut sauter, s’accroupir, s’allonger sur le sol sans que cela paraisse étrange. Beaucoup de gens ont découvert avec ces appareils, le plaisir de faire des photos non seulement avec l’œil, non seulement avec les mains, mais avec le corps entier ».

Comment la souplesse d’utilisation de ces appareils « mobiles » induit-elle de nouvelles prises en compte spatiotemporelles du hors-écran ? L’analyse de ces mises en scène qui instaurent un peu de « jeu » dans le maillage réticulaire du regard numérique soulèvera le voile de Zeuxis en renouvelant les bases du dialogue entre réalité, réalité diminuée et réalité augmentée…

Réel-Virtuel : enjeux du numérique est une revue en ligne pluridisciplinaire, avec une dominante artistique.

Raconter notre vie paraît une des choses les plus ordinaires qui soient. Une expression de l’unique, dans le fait où chacun révèle son intime à sa manière. Par-delà nos différentes manières de travailler, nous considérons tous (peut-être à tort) que notre rôle se limite fondamentalement à dévoiler, recueillir et enregistrer des traces supposées être autant de bribes visibles d’une vérité cachée ou inaccessible de nos réels. Les circonstances de la réalisation de ces figures de révélation varient d’un spectateur à l’autre, d’un moment à un autre. Ces travaux personnels accompagnent les moments de crises de l’adolescence, ou encore des évènements mémorables. Cette pratique est ambivalente tant elle est une manière de confession ou d’exhibition, questionnement de Soi par Soi, dans une visée morale et thérapeutique.

Essayer de comprendre et rassembler la vie. Exprimer une colère, une faiblesse, une passion. Cela peut aussi être une intention de témoignage du quotidien. Comme objet d’étude, l’intime intéresse autant le sociologue, le psychologue, l’historien en littérature que celui des coutumes, et dernièrement beaucoup d’artistes, en raison de cet intérêt croissant pour la recherche à forme historique sur la vie quotidienne et ses représentations. Plusieurs formes existent au dévoilement de l’intime...

Sous quelles conditions un territoire est-il construit en regard de la programmation informatique? Comment reterritorialiser Internet à l'échelle du corps? Par où l'algorithme pénètre-t-il nos échanges symboliques? Avec la société i Matériel, puisqu'il s'agit de composer avec les flux d'informations, nous devons presque accepter de partir de nulle part et d'in-terminer notre développement.

Aussi, loin de vouloir établir des catégories ou des principes prétendant établir un plan d'action, cette thèse se pose le problème de ce qui toujours, dans un programme, échappe aux codes; des nouvelles images telles qu'elles débordent les écrans et des milieux humains, profondément hybridés par les automates programmés.

Pour penser les flux, il est indispensable de considérer un terrain, un fragment de milieu humain. Deux projets en rapport avec cette notion de territoire – une mission de service public visant à mettre en réseau un ensemble d'opérateurs culturels sur la ville de Bourg-en-Bresse, et une œuvre d'art numérique investissant, par le portrait social, la question d'une ré-appropriation individué des flux – nous permettront de faire progresser ce mi-lieu hyper-complexe entre le corps et le programme.

En définitive, il s'agira de voir quels genres d'affect il nous est nécessaire de connaître afin que les réseaux numériques accompagnent une augmentation de notre puissance d'exister.

Elles se collectent et se rachètent, s’exhibent et se sécurisent, se balancent aux services de renseignement et se piratent. Ombre de l’homme moderne, les données deviennent un terrain sur lequel le fantasme se cultive à la pelle. Les artistes de l’exposition Données à voir leur ouvrent le ventre.

Comme son nom l’indique, l’exposition Données à voir ramène à portée de regard l’hydre tentaculaire du « Big Data »  dans une temporalité à la fois chronologique et circulaire.

Pour le mettre en perspective, les artistes présentés n’ont pas besoin de l’expertise « postinternet » ou du label « art numérique ». Car si l’on doit au web 2.0 l’explosion du nombre de données et à Edward Snowden la révélation de leur instrumentalisation politique...

Des artistes ont exploité des données personnelles ou scientifiques pour présenter des œuvres numériques d'un genre nouveau, lors de la Digital Week de Nantes et du festival Scopitone.

Comment se regarder voir ? La Société i Matériel développe des dispositifs de vision qui nous engagent à interroger les machineries numériques et les images posées au-devant d'elles, qui nous concernent et que, souvent, nous leur fournissons même avec un certain plaisir...

Dans quelle mesure ces machineries qui nous entourent fabriquent un paysage écran ? Qu'en est-il finalement de notre relation à cette notion de paysage peut-être obsolète ? Car, désormais, l'art ne peut probablement que (dé)jouer l'image entre les lignes pour afficher, souligner, son caractère expérimental, voire son rôle de franc-tireur.

Depuis les dernières décennies, le Mexique et la Colombie ont vécu des phénomènes violents  liés au trafic et à l’exportation de drogues illicites qui ont bouleversées leurs référents sociaux, culturels, territoriaux, moraux et représentatifs. La violence qui dérive du problème du narcotrafic oblige à déployer des stratégies de survie à tous les niveaux, tant physique que symbolique et des nouvelles façons de vivre au niveau de l’organisation, de la tolérance et de la clairvoyance. Même si la population essaie de ne pas voir cette situation, la réalité finit par l’affecter de plusieurs manières car il est impossible de nier l’insécurité quotidienne et les morts liés à la corruption. Le phénomène de narco-violence s’installe dans un territoire, redéfinie ses frontières, modèle les relations de pouvoir, génère de nouvelles pratiques sociales culturelles et transforme les références emblématiques de la population à plusieurs niveaux.

L’art peut être une stratégie de sens, vis-à-vis d’une réalité sociale qui blesse et qui génère des dynamiques d’exclusions, comme le font les guerres, les génocides et la violence extrême dans toutes ses modalités, le narcotrafic engendre un univers de terreur. Dans ce contexte, il existe une pratique artistique orientée vers le concept de reterritorialisation tel que proposé par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans l’œuvre L’Anti-Œdipe1, c’est-à-dire : « la réappropriation du territoire et de la conscience collective sous de nouvelles modalités ». Une construction de sens qui intègre une réflexion du phénomène du narcotrafic à partir d’un regard complexe qui cherche à nous sensibiliser dans une dimension plus humaine.

À peine reconnues, cartographiées, relayées dans les grands médias et introduites dans les galeries, les activités artistiques comprises sous le terme générique "d'arts numériques" subissent déjà une mutation. Principalement initiées par des bricoleurs et des artisans, ces disciplines transversales hybrides sont actuellement le jeu d'une nouvelle tendance : un retour au réel qui répond à l’idée du philosophe Gilbert Simondon selon laquelle « une nouvelle culture technique passe par la connaissance des objets techniques qui nous entourent et introduisent de nouvelles médiations avec le monde extérieur ». En d’autres termes, les pratiques artistiques numériques entrent dans une ère post-média.

Voilà quelques temps en effet que l’on voit s’épanouir des œuvres qui, si elles collaborent toujours activement avec les machines, se rapprochent néanmoins de plus en plus des origines de ces pratiques artistiques : l’artisanat, la mécanique. Ancêtre des arts technologiques, l’artisanat célèbre l’union de l’homme et du matériau, pour accoucher d’une pratique, parfois non-intellectuelle, pas toujours artistique dans le sens où elle ne découle pas forcément d’une proposition ou d’un questionnement relevant du domaine de l’art, mais elle pose cependant la question de la "pratiquabilité" et de l’investissement du public, au sein des nouvelles démarches artistiques. ...

La suprématie du discours de l’interface est le discours dominant de la scène performative contemporaine : celle qui intègre les technologies. Ce discours est basé sur la vision dualiste et matérialiste du monde occidental, sur une culture de l’objet tel que l’a identifié Christine Buci-Glucksmann (2003). J’expliquerai, dans la section sur la méthodologie, comment le développement d’une pensée intégrative est nécessaire pour sortir de ces pièges réductionnistes ainsi que pour investir les enjeux de la corporéité. L’approche de l’interface, telle que conçue dans le domaine des arts visuels, a donc été majoritairement importée dans le milieu des arts vivants performatifs.

La conception traditionnelle de l’interface qui se situe au croisement entre le technologique et l’humain, formalise une pragmatique communicationnelle dont le but est de traduire et de transformer le corps-langage humain et le langage-calcul de l’ordinateur écrit Emanuel Quinz, qui fait son analyse d’un point de vue des arts visuels et médiatiques, même si toute une évolution du concept d’interface prend place par la suite, il reste que même si le concept de l’interface artificielle se raffine, il fonctionne encore sur des principes de sélection et de réduction, en contrepoint avec le corps qui est comparé à une interface physiologique hyper complexe...

TicArtToc, intitulé « Arts 2.0 » se penche sur le statut et l’évolution de l’art à l’âge numérique: comment, d’une part, la technologie et les réseaux sociaux influencent les pratiques artistiques et le rapport du public aux œuvres, de plus en plus interactif, et comment, d’autre part, les artistes vivent cette révolution.

Numérisation de l’art et arts numériques: deux facettes d’un même phénomène que nous nous proposons d’explorer à travers des témoignages d’artistes et des textes de réflexion.

http://www.maisonpop.fr/spip.php?article1970

La Nature, la Vie, le Vivant : des concepts philosophiques au cœur de la création artistique, de la poétique et des sciences. Depuis la fin des années 1980-début des années 1990, l’art a quitté le domaine de la représentation pour créer avec la dynamique même du vivant ce que l’on nomma alors le "bio-art". Quelque vingt-cinq ans plus tard, les techniques et les formes ont évolué et se sont diversifiées, le bio-art s’écrit désormais au pluriel.

Dans son ouvrage phare de 1964 Understanding Media: The Extensions of Man, (“Pour comprendre les médias: les prolongements technologiques de l’homme”), Marshall McLuhan donne une belle définition de l’artiste dont il reconnait le rôle décisif: “L’artiste est l’homme qui dans tout domaine, scientifique ou humaniste saisit les conséquences de ses actes et des nouvelles connaissances dans son propre temps. C’est l’homme de la conscience intégrale”. Et interroge: “si les hommes pouvaient être convaincus que l’art est la connaissance précise et anticipée de la manière de faire face aux conséquences psychiques et sociales de la prochaine technologie, deviendraient-ils pour autant des artistes?”

Dans leur recherche les artistes ont toujours utilisé les techniques et les technologies de leur époque, adoptant les outils qu’ils pensaient être les plus aptes à exprimer leur poétique. Aujourd’hui, on trouve parmi les technologies émergentes, une catégorie qualifiée de “bio”, c’est-à-dire qui fait appel à des technologies relevant du règne organique, de la biologie, du vivant, de la vie. Traiter de la vie peut sembler éloigné de l’art, cependant l’art est à même de dialoguer avec la science et d’aborder la vie de manière inédite, retrouvant une fonction de questionnement critique et une aura innovante.

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Ce texte à été repris dans le dossier thématique “Arts&Sciences” dans mcd – Magazine des Cultures Digitales, n. 81, Mars / Avril / Mai 2016, réalisé avec le soutien du ministère de la Culture et de la Communication, invité par Annick Bureaud.

Ce cahier virtuel sera consacré à l’esthétique et à la poétique des œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles. Considérer, concevoir, problématiser et théoriser une esthétique (art visuel) ou une poétique (littérature) des œuvres hypermédiatiques s’avère essentiel quant aux évolutions constantes et aux changements que le numérique entraîne sur les formes d’expression, les modalités et les supports empruntés. D’une part, nous interrogerons les éléments qui créent la poéticité ou l’esthétique des œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles. Autrement dit, comment procèdent et d’où naissent leurs qualités littéraires et esthétiques? D’autre part, nous nous intéresserons aux éléments de nature poétique dans les œuvres littéraires pour écrans tactiles: sont-ils similaires à ceux opérant dans les œuvres pour écrans non tactiles? C’est-à-dire, est-ce que la poétique ou l’esthétique des œuvres pour écrans tactiles possède les mêmes traits définitoires que celle des autres œuvres hypermédiatiques? Cette dernière interrogation entraîne elle-même une série de questions: s’il y a des différences sur le plan poétique et esthétique entre les œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles et celles pour écrans non tactiles, comment caractériser cette évolution? Aussi, quels sont l’impact et le rôle que joue l’interactivité accrue par la dimension tactile dans ces œuvres hypermédiatiques? En regard de l’Histoire courte des humanités numériques, il faudra donc également analyser et mesurer l’impact de l’inclusion de la technologie tactile sur les réflexions préalablement engagées. Quels gestes et manipulations, quels processus lecturaux, quelles esthétiques nouvelles engagent-elles? Comment ces gestes et opérations ou figures de manipulation, renouvelés dans une certaine mesure par les possibilités du support tactile, sont-ils partie intégrante de l’esthétique de l’oeuvre hypermédiatique? 

Ce cahier regroupe des articles d'Emmanuelle Pelard, Anaïs Guilet, Elonora Acerra, Valérie Dupuy, Côme Martin, Serge Bouchardon, Alexandre Gefen et Claire Jeantet, Marc Verat et Franck Soudan, ainsi que de Diogo Marques.

Le son trouve dans l'interactivité et les nouvelles écritures de nombreuses manières de s'exprimer. Tour d'horizon des projets innovants ayant placé le son au coeur de l'expérience utilisateur.

Le travail sur le son peut parfois faire la différence entre une belle oeuvre et une oeuvre magistrale. Et pourtant il est d’usage de dire – dans le monde de l’audiovisuel notamment – que le son est relégué au rang de parent pauvre, qu’il est le premier à souffrir en cas de réduction budgétaire…

La création nouveaux médias va donner aux artisans du son de nouvelles opportunités pour s’exprimer, des nouveaux formats où le son peut jouer un rôle plus important, voire dominant. Le son s’est très vite imposé dans les nouvelles écritures comme un vecteur puissant d’immersion, je vous propose aujourd’hui un tour d’horizon de ses utilisations diverses et variées.

La matière première de l'art dans une société de l'information se compose de gré ou de force d'informations diffusées dans les médias pour les détourner de leur stricte fonction communicationnelle et les interroger dans des appareillages critiques.

À partir d'œuvres hypermédias diffusées dans des installations ou sur les réseaux, la Société i Matériel se déploie comme une entreprise virale pour s'infiltrer dans le système de l'art et sur ce nouvel eSPACE que nous côtoyons quotidiennement, inexorablement augmenté par les technologies numériques.

Depuis longtemps certains artistes préoccupés par les questions écologiques ont dénoncés dans leur art l’irresponsabilité de l’industrialisation sauvage (ou économie rouge) qui mène le monde à sa perte, comme par exemple, l’œuvre de Thomas Hirschhorn constituée d’une centaine de globes terrestres bleus affublés de protubérances pansées par du ruban adhésif beige en guise de pansements. Cette installation était accompagnée de photos témoignant de l’état de déclin de la planète du point de vue politique, économique et écologique.

Si on remonte plus loin dans le temps, l’utilisation de ready-made par Marcel Duchamp serait un geste écologique dit Pierre Restany, car« il fait basculer, d’un seul coup, l’art, de l’esthétique à l’éthique ». Préconisant de la sorte un art d’attitude, soit de faire de son emploi du temps un art, il dit : « J'espère qu'un jour, on arrivera à vivre sans être obligé de travailler ». Il s’oppose à la soumission au temps et au travail de la société industrielle, à la mécanisation des individus. Avec lui l'artiste devient un modèle de comportement : une éthique de la résistance....

Les crises simultanées (financière, écologique, géopolitique etc..) que traverse l’humanité à l’heure de l’hypercapitalisme globalisé sont par nature intrinsèquement liées au développement technologique hypertrophique que connaît le monde depuis un siècle, et aux phénomènes qu’il génère (trading haute fréquence confié à des algorithmes, pollutions multiples liées à la surconsommation énergetique etc...). Cette situation concourt à mettre en tension les représentations qui jusqu’ici nous permettaient d’appréhender notre environnement (spatial mais également temporel). Si la technique se révèle être un élément accélérateur des diverses crises que nous traversons, il convient toutefois de saisir en quoi, avant tout cela même, elle configure et tout à la fois déstabilise notre rapport au monde, en tant précisément qu’originairement constitutive de ce rapport.

Au fil d’une réflexion nouant technique, espace et temps, Bernard Stiegler indique « que l’homme, être prophétique, sans qualité, a besoin de boussole dans la mesure même où il est originellement déboussolé : sa spatiotemporalité procède de son défaut d’origine. La désorientation est originaire dans la mesure même où l’histoire des techniques est celle de la « conquête de l’espace et du temps » durant laquelle s’établissent et se transforment calendarités et cardinalités, distinguant levant et couchant, Orient et Occident, destinations, destins ». ...

En une décennie, le monde des médias et de l’image a été profondément bouleversé sous le double effet d’Internet et des nouvelles ergonomies visuelles/numériques. En passant de deux

Dans le contexte d'une modification profonde du monde des médias et de l'image, cet ouvrage examine l'hypothèse selon laquelle l'image se trouve placée dans une négociation entre des enjeux et des finalités d'invention technologique et de création scientifique ou artistique. Plusieurs cas et oeuvres impliquant des images interactives négociées sont ainsi étudiés, entre art, science et technologie.