Revue de presse théâtre

Critique d'Eric Demey dans La Terrasse - publiée le 23/11/2022

Spectacle dense et captivant sur les renoncements de la gauche et l’avènement du sombre paysage politique contemporain, 1983 offre une lecture extrêmement intéressante de notre passé récent, autour de l’avènement du libéralisme et de l’essor du racisme anti-immigrés.

Avec quarante ans de recul, l’Histoire peut commencer. C’est-à-dire l’analyse d’un passé qui a construit notre présent. La lecture que font Alice Carré et Margaux Eskenazi du début des années 80 est forcément subjective, partiale. Certains regretteront peut-être le large kaléidoscope de situations que déployait Et le coeur fume encore, pièce sur la guerre d’Algérie et les silences qui l’entourent encore. La pièce avait révélé le talent des deux jeunes artistes et de la troupe de la compagnie Nova. 1983 est un spectacle plus radical, plus sombre, mais tout aussi riche. Conçu autour du « virage de 1983 ». Quand Mitterrand tourne le dos à ses promesses pour s’aligner sur le dogme libéral et prôner la rigueur. Mais aussi quand une marche, mal nommée « marche des beurs », rassemble à Paris plus de 100 000 personnes réunies contre le racisme. Peu avant que Jean-Marie Le Pen soit invité pour la première fois à la télé, à l’émission « L’Heure de vérité », accédant à une légitimité médiatique qui ne pose plus jamais question pour sa fille aujourd’hui. 1983 arpente ce passé et montre comment le fameux TINA (there is no alternative de Thatcher), la désagrégation des luttes sociales et la montée de l’extrême droite et du racisme sont intimement liés.

Madeleine de Proust et transmission

Pour cela, le duo Carré-Eskenazi reconduit les recettes qui ont fait leurs preuves dans leur précédent travail. Implication des comédiens dans un long travail de recherche documentaire, traversée de l’Histoire à hauteur d’hommes et de femmes, entrelacement des histoires individuelles, interprètes qui jouent les personnages sans tenir compte de leur sexe, leur âge ou leur couleur supposée, allers-retours entre la fiction et le réel de la représentation, le tout avec énergie, arrière-plan du rôle de l’art dans l’Histoire – notamment ici la musique de Rachid Taha – mais aussi simplicité et efficacité d’une interprétation rondement menée, variété des moyens scéniques – micro, vidéo, musique – et pluralité des approches qui permet de toujours relancer l’intérêt du spectateur. Si certains (rares) passages gagneraient à moins souligner ce qui a déjà été compris, l’ensemble fera l’effet d’une madeleine de Proust sur tous ceux qui ont vécu ces années – la naissance des radios libres, l’espoir soulevé par l’arrivée de la gauche au pouvoir, les grèves dans l’automobile à Aulnay, Poissy… – avec l’immense apport de leur éclairage rétrospectif. Mais la troupe est jeune. Aucun des interprètes n’était né en 1983. Et le spectacle veut avant tout faire œuvre de transmission d’une Histoire qui permette de mieux comprendre notre présent. Il s’adresse donc aussi aux jeunes générations et atteint parfaitement son but. Comment la lutte des classes a cédé le pas à la rivalité entre français et « étrangers », comment le racisme a pu s’installer et l’extrême-droite se retrouver aux portes du pouvoir. Le spectacle est politiquement ancré et développe une lecture politique tranchante et passionnante, à la théâtralité rafraîchissante, aussi simple que virtuose.

Eric Demey / La Terrasse

Propos recueillis par Olivier Frégaville - Gratian d'Amore pour l'Oeil d'Olivier - 14 janvier 2023

Dans le cadre du Festival azuréen Trajectoires, la comédienne gracile se glisse dans la peau d’un ado de onze ans, qui entre en sixième. Portant au plateau avec deux autres artistes, J’ai trop d’amis de David Lescot, Lyn Thibault, découverte dans la trilogie Des territoires de Baptiste Amann, s’amuse dans ce conte ludique autant que lucide et confirme sa capacité à changer de rôle avec une belle aisance. Rencontre.

Par Sandrine Blanchard (Nantes, envoyée spéciale) dans Le Monde 13/01/23

A Nantes, près de 15 000 professionnels du secteur ont partagé pendant deux jours leurs inquiétudes et leurs propositions pour sortir de la crise.

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/01/13/le-blues-du-milieu-du-spectacle_6157695_3246.html

« Le spectacle vivant est face à une crise d’une ampleur sans précédent. La période du Covid n’était qu’un galop d’essai. La crise est désormais multifactorielle. » D’un ton calme mais ferme, Nicolas Marc, créateur et directeur des Biennales internationales du spectacle (BIS), observateur depuis plus de vingt ans de ce secteur culturel, ne cache pas sa forte inquiétude.

Mercredi 11 et jeudi 12 janvier, la dixième édition des BIS, rendez-vous important de la filière du spectacle vivant (180 exposants, plus d’une centaine de débats et forums), a vu affluer quelque 14 800 professionnels à la Cité des congrès, à Nantes. Un record. Mais ces retrouvailles, après trois ans d’interruption pour raison sanitaire, ont eu un goût amer. « Tsunami », « lame de fond » « étouffement », des mots rudes ont été employés au fil des discussions et prises de parole.

2023 serait-elle l’année de tous les dangers ? L’USEP-SV, la fédération des organisations professionnelles du secteur subventionné du spectacle vivant, n’a pas hésité à intituler son débat : « La fin du service public du spectacle vivant en 2023 ?  » Un titre « un peu provocateur, mais à la hauteur des préoccupations », a justifié Frédéric Maurin, président du Syndicat national des scènes publiques.

Malaise diffus

Après une crise sanitaire qui a mis à l’arrêt les lieux de spectacle pendant de longs mois, de nouveaux et nombreux nuages s’amoncellent sur un secteur qui n’a jamais digéré avoir été classé comme « non essentiel » durant l’épidémie de Covid-19. A la nécessité de reconstruire le lien avec le public viennent s’ajouter la hausse du prix de l’énergie, la très probable baisse des subventions d’un certain nombre de collectivités territoriales, les tensions sur le marché de l’emploi et sur le niveau des rémunérations. Mais aussi l’embouteillage de productions et la faiblesse de la diffusion, le risque d’un phénomène accru de concentration dans le secteur privé de la musique et du spectacle, la pénurie de matériel, les enjeux pressants de transition écologique et la crainte que certains festivals fassent les frais de l’organisation des Jeux olympiques en 2024, malgré les assurances du contraire apportées par Rima Abdul Malak, ministre de la culture.

« Tsunami », « lame de fond », « étouffement », des mots rudes ont été employés au fil des discussions et prises de parole

« Le théâtre public de Montreuil voit sa facture de gaz multipliée par six et celle d’électricité par trois, et risque de devoir fermer un mois plus tôt » (Alexie Lorca, maire adjointe de cette ville de Seine-Saint-Denis). « Dans le réseau opéra-orchestres, neuf adhérents sur dix envisagent de réduire leur activité » (Aline Sam-Giao, présidente des Forces musicales et directrice générale de l’Auditorium-Orchestre national de Lyon). « Nous sommes confrontés à une pénurie de main-d’œuvre, près de 20 % des techniciens se sont reconvertis après le Covid » (Eric Barthélémy, administrateur du Syndicat national des prestataires de l’audiovisuel scénique et événementiel). « Depuis cette rentrée, on se retrouve face à un mur quant à l’avenir de notre programmation » (Caroline Sonrier, directrice de l’Opéra de Lille). Etc, etc. Le malaise est diffus.

Signe d’une période sous tension, le conseil régional des Pays de Loire, dont la vice-présidente chargée de la culture, Isabelle Leroy, ont renoncé à occuper leur stand et à participer aux BIS, craignant d’être pris à partie par des artistes qui contestent le projet de baisse des subventions pour le secteur culturel.

Confrontées à des contraintes budgétaires, liées entre autres à la crise énergique, plusieurs collectivités locales sont tentées d’utiliser la culture comme variable d’ajustement. « Beaucoup de budgets vont être votés en mars, ça va arriver en cascade, et on mesurera l’ampleur de la crise, redoute Nicolas Marc. Oui, protégeons en France la baguette de pain, mais protégeons aussi la filière culturelle dont le poids, l’importance, ne sont plus à démontrer. »

Manque de diffusion

« La culture soigne, relie, il faudrait dans l’avenir des ordonnances de culture comme il y a désormais du sport sur ordonnance », selon Christopher Miles, directeur général de la création artistique au ministère de la culture. Surtout, il faut résoudre un mal ancien et profond qui touche le secteur du spectacle vivant : un rythme effréné de créations, mais un manque de diffusion. « Le défi majeur est de mieux produire, pour mieux diffuser, insiste M. Miles. Une régulation maîtrisée et une décroissance sont nécessaires. »

Nicolas Marc, créateur des Biennales internationales du spectacle : « Beaucoup de budgets vont être votés en mars, ça va arriver en cascade et on mesurera l’ampleur de la crise »

A écouter les directeurs de lieu culturel subventionné, il semble que cet enjeu du ralentissement de l’activité de production, afin d’augmenter la durée de vie des projets (nombre de représentations et tournées), soit désormais partagé par une majorité de professionnels. « On est depuis longtemps en crise de surproduction », reconnaît Salvador Garcia, directeur de Bonlieu, scène nationale d’Annecy. « Il est temps de penser de manière transversale par rapport aux labels », ajoute-t-il.

Le ministère, précise M. Miles, travaille sur « une révision des cahiers des missions et des charges des labels et réseaux nationaux, un renforcement de la logique de coopération » et considère qu’« il ne faut pas avoir de complexe sur le rapprochement public-privé ».

Malgré une crise « jamais vue », il a donc aussi été question d’avenir et de refondation. Comme ses prédécesseurs, Rima Abdul Malak s’est rendue aux BIS, jeudi 12 janvier. Mais contrairement à eux, la ministre de la culture n’a fait ni discours ni annonce, préférant passer plus de trois heures à parcourir les stands pour s’entretenir avec des responsables de syndicat, d’organisme professionnel, d’association…

La baisse des subventions des collectivités locales ? « L’Etat peut dialoguer, peut peser dans les discussions, mais l’Etat ne peut pas systématiquement compenser les retraits et les désengagements des collectivités. C’est un vrai sujet », a reconnu la ministre. Un petit carnet à la main, Rima Abdul Malak a pris en note les nombreuses questions qui fâchent.

Sandrine Blanchard  (Nantes, envoyée spéciale) / Le Monde 

Légende photo : Inauguration des Biennales internationales du spectacle par leur directeur Nicolas Marc, le 11 janvier 2023, à la Cité des congrès de Nantes. DELPHINE PERRIN/BIS DE NANTES

Par Emmanuelle Bouchez dans Télérama - 10 janvier 2023

Le parcours d’un homme acculé au suicide par une société qui l’ostracise jusqu’au pire. La pièce des années 1920 du dramaturge soviétique Nicolaï Erdman, mise en scène par Jean Bellorini, résonne terriblement avec les errances de la Russie actuelle.

Lire l'article sur le site de Télérama : https://www.telerama.fr/sortir/le-suicide-au-tnp-de-villeurbanne-baisers-mortels-de-russie-7013774.php

« Ce qu’un vivant peut penser, seul un mort peut le dire. » Cette réplique choc du Suicidé, pièce écrite par le jeune dramaturge Nicolaï Erdman (1900-1970) à propos de la Russie soviétique de 1928, résonne avec celle de Vladimir Poutine. Elle a valu la censure totale à son auteur. Le grand Meyerhold lui-même n’a pu la mettre en scène, avant d’être sauvagement assassiné en 1940 par les sbires de Staline. Erdman fut plus tard relégué en Sibérie à cause d’un poème satirique. Ensuite, il n’a plus écrit que des comédies pour le cinéma.

Il y a sept ans, le metteur en scène Jean Bellorini, aujourd’hui à la tête du Théâtre national populaire de Villeurbanne, avait déjà monté Le Suicidé en allemand, avec le Berliner Ensemble. Sa fable était clownesque. Elle exprime désormais davantage un sens de l’absurde mélancolique, porté par son épatante troupe de complices, François Deblock en tête, à la virtuosité époustouflante dans le rôle de Sémione, « le suicidé ».

Sur la scène vide, le couple formé par ce dernier et Macha est, également, filmé de haut, têtes à l’envers, sur un lit de fer. Image hilarante projetée sur grand écran où l’on voit le mari chômeur réveiller sa femme épuisée pour s’enquérir du saucisson de foie. Mais ce personnage égoïste se transforme peu à peu en révélateur des impasses de la société soviétique. Après un quiproquo lui ayant collé une image de suicidaire, il s’individualise, sort de la « masse », tandis que des « groupes d’intérêts » cherchent à lui fourguer une raison idéologique à son futur geste.

Images modernes et drame intemporel

À commencer par Aristarque, qui représente « l’intelligentsia ». Il y a aussi l’organisateur magouilleur d’un stand de tir qui ressemble, lui, aux mafieux de la Russie actuelle. Sans avoir besoin d’appuyer la caricature, l’équivalence avec la société russe contemporaine saute aux yeux. La chape de terreur, tombant ici si lourdement du Kremlin, se confond avec celle décrite par ceux qui quittent aujourd’hui leur pays. Le metteur en scène provoque une onde de choc supplémentaire en projetant vers la fin une vidéo postée, en septembre dernier, par le jeune rappeur russe Ivan Petunin, qui s’est a priori donné la mort pour protester contre la mobilisation générale.

Perdues dans l’espace si large, les tribulations vociférantes de Sémione – traduites crûment par André Markowicz – se cognent à des portes tombées d’en haut. Accordéon, cuivres et percussions accompagnent en direct ses errances jusqu’au tableau central : un spectaculaire banquet décomptant les minutes avant ce suicide désiré par tous d’un homme de plus en plus seul. Sémione, en slip, debout sur la table, goûte son quart d’heure de célébrité en chantant Creep, de Radiohead. Là est la force du spectacle : insuffler mille détails sensibles et drôles pour ne pas désespérer le public. Et rendre ainsi justice à cette ironie si noire de Nicolaï Erdman.

Emmanuelle Bouchez

TTTT  2h20. Jusqu’au 20 janvier, TNP, Villeurbanne (69), tél. : 04 78 03 30 00 ; les 27 et 28 janvier, Opéra de Massy (91) ; 9 au 18 février, MC93, Bobigny (93) ; les 1er et 2 mars, La Coursive, La Rochelle (17) ; le 9 mars, espace Jean Legendre, Compiègne (60) ; du 16 au 18 mars, La Criée, Marseille (13) ; les 12 et 13 avril, MCA, Amiens (80).

Légende photo : La troupe du “Suicidé”, présenté à Villeurbanne puis en tournée dans toute la France.

Photo Juliette Parisot

Tribune publiée dans Libération - 7 janvier 2023

Face à la vague inédite de déprogrammations, à l’instar de l’exposition de Bastien Vivès, auteur de BD visé par une enquête pour diffusion d’images pédopornographiques, l’Observatoire de la liberté de création rappelle que seul le juge peut restreindre la liberté de diffusion.

par l'Observatoire de la liberté de création, (Acid, Addoc, Aica, CGT spectacle, Fedelima, Fnar, les Forces musicales, LDH, Ligue de l’enseignement, SCA, SRF, SFA, Snap-CGT)

Trois déprogrammations récentes ont attiré l’attention de l’Observatoire de la liberté de création. Il s’agit du film les Amandiers de Valeria Bruni-Tedeschi, retiré de certains écrans, de la pièce de Laurène Marx Pour un temps sois peu, qui devait se jouer ce mois-ci au Théâtre 13, dans une mise en scène et une incarnation par une comédienne cisgenre, et d’une exposition de Bastien Vivès au Festival international de la bande dessinée à Angoulême, mis en cause pour certaines de ses œuvres antérieures et certains de ses propos publics.

Le diffuseur qui choisit de prendre une œuvre en charge s’engage, prend la responsabilité de montrer l’œuvre au public. Il la prend par rapport à l’œuvre, aux auteurs, structures, coauteurs, metteurs en scène, comédiens, techniciens, compagnies, et la prend vis-à-vis du public auprès duquel il la promeut en lui faisant la promesse que celui-ci pourra accéder à l’œuvre qui va advenir. Cette promesse ne peut être rompue par l’Etat, ou par la ville dont dépendrait le lieu de diffusion, et encore moins par celui qui a choisi l’œuvre. Car il a conclu une sorte de contrat avec le public. Fort de cette promesse, le public qui répond à l’appel de l’œuvre pourra y accéder et construire sa propre opinion à son sujet.

Se confronter à la pluralité des opinions

A cet égard, la critique est libre. Chacun peut discuter un choix de programmation pour des raisons qui relèvent de son opportunité politique, sociale, sociétale, ou de ce qu’elle fait, performe, ou tient comme discours. Le monde de l’art n’est pas un îlot social exempt de toute reddition de comptes et doit accepter de se confronter à la pluralité des opinions.

Si la diffusion de l’œuvre ou l’œuvre elle-même suscitent une opposition, le diffuseur peut et, à notre sens, doit organiser une discussion : le public, éclairé par son propre rapport à l’œuvre, par son propre jugement – et non ce que d’autres en disent – aura ainsi la possibilité de s’exprimer. Et le programmateur doit accepter, au cours de ce débat, de voir ses choix contestés. La culture ne doit pas être un lieu de pouvoir, mais de questionnement, d’échange et de partage.

Si la demande de déprogrammation repose sur le fait que l’œuvre montrée serait passible de la loi, c’est le juge qu’il faut saisir : lui seul peut légalement restreindre la liberté de création et de diffusion et engager la responsabilité du diffuseur ou des auteurs. Et les organisations qui composent l’Observatoire, et en particulier la Ligue des droits de l’homme, se réservent d’ailleurs d’intervenir à l’instance, soit pour défendre l’œuvre injustement critiquée soit, à l’inverse, pour faire condamner des œuvres qui, par exemple, sous couvert de fiction, diffusent des discours explicitement injurieux ou discriminatoires.

Une liberté fondamentale protégée par la loi

Dans ce contexte, il nous paraît essentiel de rappeler que la liberté de création et de diffusion des œuvres est une liberté fondamentale protégée par la loi du 7 juillet 2016. Toute limitation de cette liberté est strictement encadrée par l’article 10 de la convention européenne de sauvegarde des droits de l’homme. La restriction doit être prévue par la loi, nécessaire dans une société démocratique et strictement proportionnée à l’intérêt protégé. L’entrave à ces libertés est même un délit prévu par l’article L 431-1 du code pénal à certaines conditions (concertation, menaces, violences, dégradations…).

Il nous paraît aussi important de rappeler ce qu’est une censure. C’est d’abord l’examen d’une œuvre avant qu’elle ne soit rendue publique. Examen qu’accomplit tout censeur de l’Etat, au nom de l’Etat, lorsque la censure préalable est légale. C’est le cas du cinéma. Aucun film ne peut sortir en salle sans un visa, autorisation administrative de diffusion délivrée par le ministère de la Culture. Le visa imposé est discutable devant les tribunaux.

En littérature, dans les arts plastiques, au théâtre, pour les expositions, la musique ou la danse, la censure préalable a disparu. Est-ce à dire que la censure n’y existe plus ? De fait, beaucoup moins, mais elle n’a pas disparu. De même pour le cinéma : une fois passée la censure préalable qui lui est spécifique, d’autres types de censure peuvent exister.

L’Observatoire de la liberté de création rappelle que le choix d’une œuvre dans le cadre d’une programmation est libre. Tout programmateur, diffuseur, éditeur, a parfaitement le droit de refuser des projets et d’en valoriser d’autres. La liberté de programmation est désormais protégée par la loi du 7 juillet 2016 puisque l’Etat, les collectivités territoriales et leurs établissements publics doivent veiller à son respect (article 3).

L’Observatoire de la liberté de création – qui regroupe quinze membres, dont de nombreuses organisations professionnelles, et des personnalités de l’art et de la culture – considère aujourd’hui nécessaire de rappeler ces lois et ces principes, car l’actualité récente nous confronte et confronte le public à une vague inédite de déprogrammations et d’appel à la déprogrammation dans tous les champs de l’art et de la culture (cinéma, théâtre, lieux d’exposition).

La peur du débat

Chacune de ces déprogrammations, chacun de ces appels a son histoire propre, son contexte particulier, sa complexité indéniable. Si l’on peut comprendre certaines des raisons qui poussent à les réclamer, il nous appartient de rappeler que – outre le fait qu’elles font rarement progresser les causes défendues –, en dehors d’une décision judiciaire, toute mesure qui empêche le public d’exercer son droit d’accès à l’œuvre et son droit de juger par lui-même est inacceptable. Elle renvoie le public à l’état d’infans au nom duquel des tiers, plus adultes que lui, prendraient des décisions sans le consulter.

La déprogrammation constitue un renoncement, et non un acte de courage. La peur du débat, ce lieu indispensable du partage du dissensus, est le lit de tous les pouvoirs autoritaires. Quand il suffit de faire peur pour que ceux qui sont en responsabilité cèdent, des jours mauvais s’annoncent. Sans parler, bien entendu, des menaces et violences qui constituent un délit pénal (article 431-1 du code pénal).

Le temps de la résistance est peut-être devant nous. Restons donc debout avant que le vent ne souffle plus fort.

Signataires : François Lecercle, Thomas Perroud, Agnès Tricoire, Daniel Veron, les codélégués de l’Observatoire de la liberté de création et Elisabeth Caillet, Eric Chevance, Sophie Houdard, Jill Gasparina, Jacinto Lageira, Christophe Kantcheff, Malte Martin, Myriam Mechita, Marie-José Mondzain, Bénédicte Pagnot, Christian Ruby, Valérie de Saint-Do, Mathieu Simonet, Cy Jung, membres de l’Observatoire de la liberté de création.

Légende photo : Le film «les Amandiers» de Valeria Bruni-Tedeschi (Jérome Presbois)

Publié sur le site d'Artcena le 9 janvier 2023

La nouvelle directrice se fixe comme objectifs d’être à l’écoute du territoire et de fédérer les publics.

Par Armelle Héliot dans son blog - 7 janvier 2023

Séduit par le roman d’Eric Faye, Olivier Cruveiller l’a adapté, le met en scène avec Barthélémy Fortier, le joue avec Natalie Akoun, Nina Cruveiller, le musicien Laurent Valéro. Un spectacle mystérieux, évanescent, très émouvant.

Dans cette très jolie salle de l’Epée de Bois, au plus près de l’espace de jeu, les ombres, les lumières, les sons, les couleurs de voix, les silhouettes des interprètes, tout prend une force entêtante et saisit sourdement. Au charme de la salle, répond le charme de la représentation. Une salle dite « le studio », ou salle de répétition. Un gradin modeste, une acoustique excellente. Tout ceci convient à la perfection à Nagasaki, adaptation du roman d’Eric Faye qui reçut pour cet ouvrage le Grand prix de l’Académie Française en 2010.

Il s’agit d’une étrange histoire. Monsieur Shimura-San, modeste salarié, célibataire plus très jeune, mène sa vie calme et régulière dans une grande solitude. Un jour, il se rend compte que des denrées disparaissent de son frigidaire. Comment est-ce possible ? Personne ne s’occupe de son ménage, personne n’est censé pénétrer dans « sa » maison de papier.

En technicien, il va piéger l’intrus. Une intruse. Elle s’est réfugiée dans la chambre du fond et dort dans le placard à futons, ne sortant pour profiter du soleil qui pénètre, que lorsque Monsieur Shimura-San est au travail.

Dans des lumières dorées, avec comme élément de décor principal des panneaux translucides qui permettent des jeux d’ombres, le spectacle se déploie tout en douceur. Il y a d’abord le récit de l’homme, prenant à témoin le public en quelque sorte. C’est Olivier Cruveiller, de l’inquiétude, l’angoisse, la colère sourde, l’énervement, la décision, la réplique…à l’acceptation de la vérité. Comme toujours sur une ligne rigoureuse mais sans raideur aucune.

Un musicien est présent et accompagne toute la représentation au violon ou au bandonéon. Laurent Valéro signe la composition et l’interprète. Cela ajoute aux dominantes mystérieuses et charmeuses en même temps de ce qui pourrait être un conte fantastique, mais est, au contraire, inscrit dans une réalité. Sociale, dérangeante.

Puis des femmes vont surgir. La même à deux âges de sa vie, dans des costumes presqu’identiques (imaginés par Natalie Akoun).

Grâce de tout l’être, allure de blonde fée de conte, Natalie Akoun est la femme qui s’est installée chez Monsieur Shimura-San. De sa voix tendre, chantant parfois, elle avance, dévoilant peu à peu les raisons de sa présence. Et, avec Nina Cruveiller, jeune génération, on apprend pourquoi cette maison n’est pas comme les autres pour celle qui joue les coucous.

C’est beau, simple, touchant, intelligemment adapté et mis en scène avec Barthélémy Fortier, merveilleusement incarné. Un conte, un songe. Mais le réel aussi.

Théâtre de l’Epée de Bois, Cartoucherie, les jeudi et vendredi à 21h00, samedi à 16h30 et 21h00, dimanche à 16h30. Jusqu’au 15 janvier. Tél : 01 48 08 39 74. Puis au 100, rue de Charenton, du 23 au 25 mars, du 30 mars au 1er avril, du 6 au 8 avril, à 20h00.

Légende photo : Une atmosphère prenante et quatre interprètes excellents. Photo DR.

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello - 4 janvier 2023

Par autan, mise en scène et scénographie de François Tanguy. Son Eric Goudard, François Tanguy, lumières François Fauvel, Typhaine Steiner, François Tanguy, costumes Odile Crétault, construction François Fauvel, Erik Gerken, Jean Guillet, Jimmy Péchard, Paul-Emile Perreau. Avec Frode Bjornstad, Samuel Boré, Laurence Chable, Martine Dupé,  Erik Gerken, Vincent Joly, Anaïs…

« Le murmure du vent s’approchait rapide. En première ligne, on pouvait distinguer une sorte de plainte assoupie et très loin, à l’arrière, l’accroissement d’une clameur multiple qui s’avançait en s’étalant. On y distinguait comme des roulements d’une multitude de tambours, une note impétueuse et mauvaise, et le chant d’une foule en marche. (Joseph Conrad, Typhon).

Les souffles d’air, l’évocation du vent fantasque traduisent les mouvements de l’atmosphère et de la respiration, de l’air et de la vie, le vent et le souffle vital. Phénomène craint, le vent apporte le dérèglement du « temps » et la tempête; il chasse et apporte les nuages, offre la pluie et le soleil. Ouragans et tempêtes, accélérations, déviations et tourbillons sur les vents contraires, tel le vent d’autan, orageux et impétueux, soufflant du large, sud, sud-ouest, sur le littoral sud de la France. 

La face terrible du vent existe, symbole associé à la violence des hommes, tempête de mer ou de terre, de jour ou de nuit, inspirant la poésie romantique où le vent souvent ravage les étendues et fait renaître à la fois la nature et l’âme. Shelley y voit l’ « enchanteur des spectres, l’« esprit sauvage », l’« âme farouche ». Il est évoqué Robert Walser, avec Kleist à Thoune – (Histoires) : « La campagne paraît vouloir se cacher au mauvais temps, vouloir se dégonfler. Le lac est dur et sombre, et les vagues parlent méchamment. Comme pressé d’annoncer un malheur, un vent de tempête fait irruption et ne trouve plus la sortie. Il se cogne d’un flanc de montagne à l’autre. »

Du phénomène météorologique au souffle vital, du physique au méta-physique, le vent, invisible et présent, semble une des réalités culturelles les plus riches, aussi mobile et changeante que la vie.

Il n’en fallait pas davantage pour l’inspiration de Par autan, le dernier spectacle de François Tanguy et du Théâtre du Radeau, cérémonial convivial – rituel ou messe scénique -, installé dans un appentis de jardin, hangar, débarras, où seraient remisés du bois, de vieilles tables, des bancs, un fouillis de cadres, de planches de menuiserie oubliées : une invitation onirique au voyage. On entend souffler le vent depuis l’extérieur sur la scène, air qui soulève les rideaux et les robes.

En suivant les stations d’un chemin de croix laïque et inventif à parcourir tant bien que mal, là où « on »- les interprètes accompagnés du regard intrigué des spectateurs –  pourrait se frayer un passage et franchir les obstacles, entre petits rideaux clairs coulissants et autres tentures libres.

Des châssis de bois sont transportés en équilibre fragile, portes et parois transbahutées à l’horizontale, à mains nues, par les acteurs, s’entraidant les uns les autres – sujets débraillés de fresques et portraits en pied descendus de leur tableau. Ce sont des présences existentielles d’un autre temps et universelles en même temps, fugitives et récurrentes, issues de la littérature et la poésie, en un ballet chorégraphié de gestes, postures et remuements dans un décor mouvant.

Et avant que le vent ne se lève et ne fasse tout trembler – sons et vibrations -, le public entend les bruits apaisants de la Nature, les chants des oiseaux dans les sous-bois – expressions de gaieté.

La musique tient lieu sur scène de premier souffle et de nécessité vitale – Beethoven, Brahms, Bach, Dvorak, Grieg, Mahler, Rachmaninov…-, de même, l’énergie salutaire de fragments de poèmes, de souvenirs littéraires et de bribes de théâtre,  relevant de la mémoire et de l’imaginaire par les grands artisans du verbe: Walser, Kafka, Shakespeare, Tchekhov, Dostoieïvski, Kleist…                                                                 

Chapeaux noirs pour les hommes façon fin XIX è, fausses barbes et moustaches, mais aussi romantisme des lourds manteaux russes de fourrure ; étoffes colorées pour les femmes, robes longues et déguisements de bric et de broc: un paysage onirique entre souvenirs et songes. 

Surgit la figure de la mariée dans sa robe et sa voilette blanches (extrait de La Noce de Tchekhov) – le vent s’en donne à coeur joie pour les faire s’envoler. Une rixe sourd entre deux invités autour du débat sur le nouvel éclairage électrique, tandis qu’un autre ne cesse de demander à son interlocuteur s’il y a en Grèce des morilles ou tel autre animal exotique. La même jeune fille – Anaïs Muller – interprète ailleurs le monologue de Nina, écrit de Treplev pour celle qu’il aime, La Mouette.

Ou bien, un extrait encore  Poésie de T.S. Eliot : « Sur le bord du Léman je m’assis et pleurai… Sweet Thames, run softly till I end my song Run softly, je ne parle pas fort, ni pour longtemps. Mais j’entends derrière moi dans une rafale glacée Grelotter des cliquetis et des rires décharnés. »

Chants et déclamations en langues diverses, pianiste à son instrument, dans le chaos d’un méli-mélo improbable, bric-à-brac et fouillis indescriptibles, la vie va à travers le temps qui passe – souffle de vent et brise d’espérance. Et se font entendre des bribes de de théâtre mémorable  : « Non, non, mon rêve s’est poursuivi au-delà de la vie. Oh, c’est alors que s’éleva la tempête dans mon âme. Il me sembla franchir le flot mélancolique en compagnie de ce sombre passeur dont parlent les poètes, pour entrer au royaume de perpétuelle nuit. » (Shakespeare, Richard III)

Les acteurs s’affairent à leur tâche scénique, marchent sur une table après l’avoir recouverte d’une nappe blanche, y installent des chaises en formica renversées, sautent les gués et les obstacles entre les bancs. Ils disparaissent, à cour et à jardin, et à l’horizon d’une suite de pièces comme encastrées jusqu’au mur de lointain, et réapparaissent accoutrés différemment, baroques, décalés.

Peut-être sont-ils les anges de La Sonate de Walser, encore : « Les anges ne connaissent pas l’espoir. Un ange espère-t-il ? Non les anges sont au-dessus de tous les espoirs, de tous… »

Une aventure à la fois fantasmagorique et poétique, musicale et verbale, littéraire et théâtrale.

Véronique Hotte

Du 6 au 14 janvier 2023 au Théâtre National de Strasbourg. Les 25 et 26 janvier 2023 à L’Archipel – Scène nationale de Perpignan. Les 2 et 3 février 2023 à la Comédie de Caen – CDN. Les 8 et 9 mars 2023 au Centre dramatique national de Besançon.

Crédit photo : Jean-Pierre Estournet.

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 5/01/23

Les Russes connaissent surtout Nicolaï Erdman comme scénariste de films et pourtant, avec seulement deux pièces, c’est un dramaturge russe majeur du XXe siècle qui décrit avec un humour carnassier la société soviétique des années Staline. Jean Bellorini avait monté "Kroum" d'Hanokh Levin à Saint-Petersbourg, c'était dans le monde d'avant. Aujourd'hui au TNP, il met en scène "Le Suicidé".

Photo Juliette Parisot

Par Yannick Ripa dans Libération - 4 janvier 2023

Vingt-huit spécialistes dressent un panorama historique de la place des femmes dans les salles de spectacle, de la méfiance à la fréquentation mondaine, jusqu’à la démocratisation et l’émancipation.

Nul n’ignore que, pendant des siècles, les femmes furent exclues, de par le monde, des lieux de pouvoir, politique ou économique, mais de là à penser qu’il a pu en être de même des salles de spectacle... C’est pourtant ce que suggère l’exclamation du titre. Or, le mot spectatrice est attesté dès l’Antiquité, dans sa forme latine. S’il est présent dans les premiers dictionnaires français des XVIIe et XVIIe siècles, il n’est devenu usuel que récemment, remplaçant des termes qui désignaient des femmes («les dames», «las mujeres», «the ladies»), voire des métonymies qui les invisibilisaient, telles «les loges». Cet étonnant constat a invité 28 des plus grands spécialistes mondiaux de l’histoire du théâtre à se pencher davantage sur la question, en multipliant les angles d’approche à travers le temps et l’espace. Première ambition : trouver des sources émanant des intéressées afin de connaître leurs motivations à se rendre aux spectacles, et la réception qu’elles en eurent, puis saisir la naissance de l’idée reçue selon laquelle la prétendue émotivité des femmes rendrait leur présence au spectacle dangereuse pour leur santé et influerait sur leur jugement de l’œuvre proposée en «une approche spontanée».  Voire «lacrymale» ! D’emblée, il s’agit de se dégager des opinions masculines qui, depuis Platon, réduisent, selon les directrices et directeur de cette novatrice étude, les femmes à «l’image de consommatrices passives de biens culturels», dépourvues donc de capacités critiques.

Stratégie des apparences

Cette représentation genrée perdure au fil des siècles, et s’accroît dans les discours théâtrophobes européens du XVIIe siècle, moment d’augmentation de la fréquentation des salles par les femmes, en corrélation avec l’affirmation de leur rôle culturel dans le cadre «de la galanterie et de la civilisation mondaine», mais aussi, souligne Clotilde Thouret, en raison de l’«introduction d’une émotion» : la pudeur, la modesty anglaise. Manifesté en public, ce sentiment est l’expression de l’honneur féminin, de sa chasteté, aux antipodes de l’honneur masculin. Critère de goût, la pudeur peut avoir un impact sur la création, mais permet aux opposants, moralistes en tout genre de condamner le théâtre qui ferait passer les femmes de l’innocence à la débauche, reproche d’autant plus acerbe qu’il atteint celles de la haute société – le menu peuple féminin applaudira, lui, aux spectacles de rue. L’enjeu à la cour de France est alors autre : être invitée à ses représentations théâtrales et musicales conforte le statut de dame (soit 9 à 10 % des centaines de personnes des familles et maisons aristocratiques), mais l’invitation valorise les élues. Elles participent ainsi à la sociabilité cruciale, constituant, selon Laura Naudeix, «la caractéristique la plus séduisante de l’entourage du prince».

«Destinataires privilégiées des divertissements», celles-ci sont néanmoins réduites à une forme d’inertie, tout en contribuant à pacifier les relations de cour durant ces moments de divertissement. Ce rôle social se perpétue, en se transformant dans les salles : l’attention et les commentaires des spectatrices – journaux intimes, échanges épistolaires, rubriques mondaines de la presse – portent moins sur ce qui se déroule sur la scène qu’autour d’elles. De fait, les classes aisées viennent autant pour voir que pour être vues. L’opéra n’échappe pas à cette stratégie des apparences, propre à la bourgeoisie triomphante du XIXe siècle. Or, dans les coulisses de l’opéra Le Peletier, à Paris, se pressent «des spectatrices clandestines» (Emmanuelle Delattre-Destemberg), les mères des danseuses, interdites de spectacle et de sa gratuité depuis 1817, exclues par l’élitisme accru du public des lieux. Pourtant elles sont encore un «meuble de rigueur», selon le mémorialiste du Second Empire Charles de Boigne, provoquant «un choc social», au détour d’un couloir où elles croisent le grand monde et les riches abonnés.

Réseaux féminins et féministes

A compter de la fin du XIXe siècle, la démocratisation des spectacles et la naissance du cinéma modifient la donne : le nombre d’autrices augmente et «un regard féminin se forme» (Katharine Mitchell). Les réseaux féminins et féministes – cercles, tels le Ladies’ Club ou le Cercle de la Française, et sociétés de «femmes auteurs dramatiques» comme le Théâtre féministe – contribuent à cette dynamique. Ils attirent un public féminin, à la bienveillance stimulante (Nathalie Coutelet) et ouvrent la porte à l’émancipation des spectatrices.

Yannick Ripa / Libération

Herbert Achternbusch

Auteur de théâtre (1938-2022)

Décès le 10 janvier 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Herbert_Achternbusch

Marie-Thérèse Allier

Fondatrice - directrice de la Ménagerie de verre (1931 - 2022)

Décès le 26 mars 2022

https://sceneweb.fr/la-mort-de-marie-therese-allier-la-directrice-de-la-menagerie-de-verre/

https://www.liberation.fr/culture/scenes/mort-de-marie-therese-allier-tete-chercheuse-incontournable-des-arts-experimentaux-20220328_MSDNQNARXBCUBEO3TYMSGM6EFI/?redirected=1

Amarande

Comédienne, chanteuse (1933-2022)

Décès le 11 mars 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Amarande

Bernard Ballet

Comédien (1941 - 2022)

Décès le 17 février 2022

http://lejournaldarmelleheliot.fr/bernard-ballet-un-si-large-chemin/

Véronique Barrault

Comédienne (1958 - 2022)

https://fr.wikipedia.org/wiki/V%C3%A9ronique_Barrault

Jean-Louis Bauer

Acteur, Auteur de théâtre (1952 - 2022)

Décès le 30 septembre 2022

https://www.avantscenetheatre.com/auteurs/jean-louis-bauer

Monique Blin

Directrice de théâtre et de festival (1933 - 2022)

Décès le 25 janvier 2022

https://www.rfi.fr/fr/culture/20220126-d%C3%A9c%C3%A8s-de-monique-blin-l%C3%A9gendaire-cofondatrice-des-francophonies-%C3%A0-limoges

Arlette Bonnard

Comédienne, metteuse en scène

(Décès le 21 juillet 2022)

https://hottellotheatre.wordpress.com/2022/07/31/la-disparition-darlette-bonnard-enjary-grande-dame-rare-et-fidele-au-theatre-dart/

http://lejournaldarmelleheliot.fr/arlette-bonnard-une-grande-vie-dartiste/

Micheline Boudet

Comédienne (1926 - 2022)

Décès le 5 juillet 2022

https://www.lefigaro.fr/theatre/mort-de-micheline-boudet-rire-eclatant-de-la-comedie-francaise-20220707

Michel Bouquet

Comédien, pédagogue (1925 - 2022)

Décès le 13 avril 2022

https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2022/04/13/l-acteur-michel-bouquet-est-mort_6121989_3382.html

Peter Brook

Metteur en scène - Fondateur du Théâtre des Bouffes du Nord

(1925-2022) Décès le 2 juillet 2022

https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2022/07/03/le-metteur-en-scene-britannique-peter-brook-est-mort_6133145_3382.html

Brigitte Chamarande

Comédienne (1955 - 2022)

Décès le 14 mars 2022

https://www.programme.tv/news/cinema/215178-lactrice-brigitte-chamarande-est-morte-quelques-jours-apres-sa-mere/

Normand Chaurette

Auteur de théâtre québécois (1954 - 2022)

Décès le 31 août 2022

https://www.actes-sud.fr/actualites/deces-de-normand-chaurette

https://www.ledevoir.com/culture/theatre/751605/deces-du-dramaturge-quebecois-normand-chaurette

Claire Chavanne

Scénographe (1960 - 2022)

Décès le 14 novembre 2022

https://z-upload.facebook.com/scenographes/posts/5728579797237499

Jean-Louis Comolli

Cinéaste (1941-2022)

Décès le 19 mai 2022

https://www.cnc.fr/cinema/actualites/jeanlouis-comolli-disparition-dun-infatigable-passeur-de-mots-dimages-et-de-sons_1691265

Mylène Demongeot

Actrice (1935 - 2022)

Décès le 1er décembre 2022

https://www.midilibre.fr/2022/12/01/la-celebre-actrice-et-productrice-mylene-demongeot-est-decedee-a-87-ans-dune-longue-maladie-10839968.php

Jean-François Driant

Directeur de théâtre (1964 - 2022)

9 septembre 2022

https://www.culture.gouv.fr/Presse/Communiques-de-presse/Hommage-de-la-ministre-de-la-Culture-Rima-Abdul-Malak-a-Jean-Francois-Driant

Christian Fenouillat

Scénographe, peintre (1952-2022)

Décès le 20 août 2022

http://lejournaldarmelleheliot.fr/adieu-a-christian-fenouillat/

Ezio Frigerio

Scénographe, costumier (1930-2022)

Décès le 2 février 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Ezio_Frigerio

https://www.radiofrance.fr/francemusique/mort-du-grand-scenographe-et-costumier-italien-ezio-frigerio-4229172

Denis Garnier

Directeur de théâtre (1942 - 2022)

Décès le 27 octobre 2022

https://www.lanouvellerepublique.fr/poitiers/poitiers-disparition-de-denis-garnier-ancien-directeur-de-la-scene-nationale

Gabriel Garran

Metteur en scène - Directeur de théâtres (1927 - 2022)

Décès le 6 mai 2022

https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2022/05/09/la-mort-de-gabriel-garran-createur-du-theatre-de-la-commune-a-aubervilliers_6125346_3382.html

Christian Gasc

Costumier de théâtre et de cinéma (1945 - 2022)

Décès le 11 janvier 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Christian_Gasc

Jean-Luc Godard

Cinéaste (1930-2022)

Décès le 13 septembre 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Luc_Godard

Olivier Hémon

Comédien (1950 - 2022)

Décès le 13 septembre 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Olivier_H%C3%A9mon

Pierre Hoden

Comédien, danseur, metteur en scène (1962 - 2022)

Décès le 31 juillet 2022

http://www.lesaffranchis.org/lesaffranchis/lequipe/

Irulaane (Lauriane Renaud)

Autrice, metteuse en scène (1978 - 2022)

Décès le 23 août 2022

https://www.francebleu.fr/infos/societe/l-ecrivaine-tourangelle-lauriane-renaud-alias-irulaane-est-decedee-1661441000

Olivia Kryger

Comédienne (1969 -2022)

Décès le 22 janvier 2022

https://www.theatre-contemporain.net/biographies/Olivia-Kryger/presentation/?path=biographies/Olivia-Kryger/presentation

Jean Lebeau

Directeur de théâtre (1945-2022)

Décès le 3 mars 2022

https://www.lesarchivesduspectacle.net/?IDX_Personne=22424

Michel Le Royer

Comédien (1932 – 2022)

Décès le 25 février 2022

https://decesdescelebrites.wordpress.com/2022/02/25/michel-le-royer/

Dominique Lerminier

Directeur technique (1953 – 2022)

Décès le 25 août 2022

http://theatreducampagnol.fr/index.php/actualite/354-faire-part-de-deces-de-dominique-lerminier

Pierre Londiche

Comédien (1932-2022)

Décès le 24 novembre 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Pierre_Londiche

Danielle Lopès

Comédienne, autrice sous le nom de Leïla Miloudi

Décès le 14 avril 2022

https://lodan3.wixsite.com/deila

Dominique Marcas

Comédienne (1920 - 2022)

Décès le 15 février 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Dominique_Marcas

Michelle Marquais

Comédienne (1926 - 2022)

Décès le 29 janvier 2022

https://www.lefigaro.fr/theatre/michelle-marquais-mort-d-un-grand-caractere-20220201

Teresa Mota - Demarcy 

Comédienne (1941-2022)

Décès le 1er janvier 2022

https://www.lefigaro.fr/theatre/mort-de-teresa-mota-intellectuelle-et-grande-comedienne-portugaise-20220105

Paule Noëlle

Comédienne (1942 -2022)

Décès le 28 mars 2022

http://lejournaldarmelleheliot.fr/paule-noelle-enfant-de-troupe/

René de Obaldia

Auteur de théâtre, poète (1918 – 2022)

Décès le 27 janvier 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Ren%C3%A9_de_Obaldia

Dominique Paturel

Comédien (1931 – 2022)

Décès le 28 février 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Dominique_Paturel

Jacques Perrin 

Comédien - Producteur de films documentaires (1941 – 2022)

Décès le 21 avril 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jacques_Perrin

Jean-Claude Perrin

Comédien, auteur de théâtre (1943 – 2022)

Décès le 13 mai 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Claude_Perrin_(acteur)

François-Xavier Phan

Comédien (1984- 2022)

Décès le 8 décembre 2022

http://www.lumieredaout.net/8-presentation/bio/437-francois-xavier-phan

https://www.loeildolivier.fr/2021/11/francois-xavier-phan-comedien-par-nature

Sidney Poitier

Comédien (USA) (1927-2022)

Décès le 6 janvier 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Sidney_Poitier

Jacques Rosner

Metteur en scène - Directeur du CNSAD (1936 – 2022)

(Conservatoire national supérieur d’art dramatique)

Décès le 30 mars 2022

https://www.culture.gouv.fr/Regions/Drac-Occitanie/Actualites/Actualite-a-la-une/Hommage-a-Jacques-Rosner-ancien-directeur-du-Theatre-national-de-Toulouse

Hélène de Saint-Père

Comédienne (1963 – 2022)

Décès le 4 mai 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9l%C3%A8ne_de_Saint-P%C3%A8re

Catherine Spaak

Comédienne (1945 – 2022)

Décès le 17 avril 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Catherine_Spaak

Jean-Marie Straub

Cinéaste (1936-2022)

Décès le 20 novembre 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Marie_Straub_et_Dani%C3%A8le_Huillet

https://www.cnc.fr/cinema/actualites/jeanmarie-straub-le-dernier-mot_1836975

François Tanguy

Metteur en scène - Théâtre du Radeau (1958-2022)

Décès le 7 décembre 2022

https://www.theatre-du-soleil.fr/fr/au-fil-des-jours/mort-du-metteur-en-scene-francois-tanguy-287

Alain Tanner

Cinéaste suisse (1929 – 2022)

Décès le 11 septembre 2022

https://www.telerama.fr/cinema/mort-d-alain-tanner-realisateur-de-la-salamandre-et-deserteur-eclaire-7012023.php

Maurice Taszman

Traducteur, dramaturge, metteur en scène (1934 – 2022)

Décès le 4 août 2022

https://www.editionstheatrales.fr/auteurs/maurice-taszman-318.html

https://www.facebook.com/people/Le-Groupov/100063618575079/

Jean-Louis Trintignant 

Comédien (1930 – 2022)

Décès le 17 juin 2022

https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2022/06/17/l-acteur-jean-louis-trintignant-est-mort_6130853_3382.html

https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Louis_Trintignant

Gaspard Ulliel

Comédien, mannequin (1984 – 2022)

Décès le 19 janvier 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Gaspard_Ulliel

Charlotte Valandrey

Comédienne (1968 – 2022)

Décès le 13 juillet 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Charlotte_Valandrey

Philippe van Kessel

Acteur, metteur en scène, directeur de théâtre belge (1946 – 2022)

Décès le 11 février 2022

https://www.lalibre.be/culture/scenes/2022/02/11/philippe-van-kessel-est-decede-le-theatre-national-en-deuil-4ET7DW6FDJGJVJIF2BI74O46ZU/

Michel Vinaver 

Auteur de théâtre (1927 - 2022)

Décès le 1er mai 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Michel_Vinaver

https://www.tnp-villeurbanne.com/hommage-a-michel-vinaver/

Monica Vitti 

Actrice (1931 – 2022)

Décès le 2 février 2022

https://fr.wikipedia.org/wiki/Monica_Vitti

André Wilms

Comédien, metteur en scène  (1947 – 2022)

Décès le 9 février 2022

http://lejournaldarmelleheliot.fr/andre-wilms-lunique/

Christèle Wurmser

Comédienne, écrivaine

Décès le 26 décembre 2022

https://www.rueduconservatoire.fr/christele-wurmser-a-rejoint-les-anges/#.Y7atsXbMLIU

Article d 'Anne Diatkine, envoyée spéciale à Cracovie pour Libération  02/01/23

A Cracovie, le metteur en scène polonais évoque sa dernière création qui, à partir de l’hymne de John Lennon, questionne la fin des utopies et la destruction du monde.

En Pologne, la tenue d’un festival de théâtre est-elle seulement concevable, comme si de rien n’était, sans qu’il ne soit imprégné par la guerre en Ukraine ? Evidemment que non. Mais que peuvent avoir à dire ou à montrer à son propos les artistes qui ne semblent pas dérisoires ou hors sol ? Comment l’invasion de l’Ukraine par la Russie joue-t-elle sur les œuvres – autant sur leurs formes que sur leur perception ? Le festival Boska Komedia (littéralement la divine comédie) dirigé par Bartosz Szydłowski qui s’est tenu à Cracovie du 7 au 16 décembre existe depuis quinze ans, et dans un contexte politique ultra réactionnaire et autoritaire – le parti d’extrême droite Droit et Justice est toujours à la tête du gouvernement, il est réputé pour ses gestes subversifs. Cela semble ne pas manger de pain, ne pas rendre la neige qui tombe drue moins glaciale, mais il est arrivé que les membres du jury se scotchent la bouche d’un adhésif noir en réponse à un acte de censure. Ce peut être aussi, comme lors de cette édition, l’invitation à assister à ce qui a tout l’air d’une conférence – bien qu’elle soit portée par trois acteurs – et qui est un réquisitoire contre les conséquences mortelles de la politique migratoire de Jaroslaw Kaczynski, à l’encontre des Syriens tués à la frontière biélo-polonaise. Cette année, l’édition porte le titre éloquent de «Tabous polonais». A abattre ?

Les jurys, les concours, les prix, sont précisément tout ce que déteste Krystian Lupa, dont l’œuvre traverse depuis longtemps les frontières, célébré en France, notamment grâce au Festival d’automne et le théâtre de l’Odéon. Alors qu’on se rencontre bien avant la cérémonie de clôture, Lupa explique : «Dès qu’il y a compétition, ça se passe mal, c’est toujours très douloureux y compris quand le spectacle gagne des récompenses. Avant de participer à Boska Komedia, on a beaucoup discuté avec les acteurs pour savoir comment s’extirper du syndrome du concours et du désir d’être primé.» Il reprend à son compte ce mot de Thomas Bernhard dont il a porté à la scène nombre de récits : «A chaque fois que je reçois un prix, j’ai l’impression qu’on me chie sur la tête.» La veille, poursuit Lupa sans s’épargner et toujours en riant, la représentation d’Imagine, pièce d’actualité conçue d’après l’hymne pacifique et planétaire de John Lennon était «ratée». Et de tacler le «manque de rythme, contretemps, inertie, alors que les acteurs étaient exceptionnels la veille». Mais peut-on être exceptionnel deux soirs de suite ?

Loft désespéré et chic

Où est-on ? Chez lui, au premier étage d’un immeuble moderniste des années 30, à l’origine construit pour des fonctionnaires plutôt modestes, comparables aux bâtiments en briques rouges qui bouclent les quartiers excentrés parisiens. L’appartement tient tout autant de la bonbonnière que de la galerie d’exception tant les murs sont remplis de tableaux en tout genre, signés par lui et par d’autres, beaucoup d’autres, dont son ami Zbysław Marek Maciejewski. Aucun espace vacant, il faudrait plusieurs jours pour tout observer, et l’œil, qui peine à rester tranquille, se pose au hasard sur un dessin d’Artaud par Balthus, tout à côté d’une petite gravure de Picasso. Même les particules crachées par le chauffage au charbon sert au metteur en scène pour dessiner à même le mur ce qu’il nomme «les tableaux de la poussière» : «La poussière se couche sur le mur en créant des formes diverses, et moi je l’utilise, je crayonne par-dessus, j’étale, je frotte, je m’en inspire pour en créer mon propre dessin…» explique-t-il dans une monographie consacrée à son œuvre picturale.

Kristian Lupa est d’une humeur à la fois chancelante et excellente. Il va avoir 80 ans, il est profondément désemparé de laisser aux générations à venir une planète dont il n’aurait jamais cru possible qu’elle soit dans un état guère plus enviable, pour d’autres raisons, que celle qui l’a vu naître 1943 en Silésie, près de la frontière tchèque. Il se demande à quoi ont bien pu servir toutes les utopies des années 60-70, imaginés par des têtes pensantes et icônes encore adulées aujourd’hui alors même qu’il ne semble plus envisageable de se projeter dans un futur qui ne confonde pas à une fin. Le constat est précisément l’objet de cette dernière création en cinq heures, qui, peut-être, si des vents favorables guident les dieux de la programmation théâtrale, sera visible en France durant la saison 2023-2024. Ou pas du tout.

Imagine est pourtant un spectacle qui puise sa matière directement de la proximité de la guerre, sans jamais tomber dans l’illustration. Tout commence dans un loft plutôt new-yorkais mais ce pourrait être dans n’importe quel endroit où l’idée du loft new-yorkais suscite du désir ainsi que la compagnie d’Antonin Artaud, de Janis Joplin, de Patti Smith, Susan Sontag, de Timothy Leary, et d’une Actrice majuscule dont chacun des gestes semble exprimer l’hyperbole d’une féminité spectaculaire, la femme alpha comme on dit l’homme alpha. On comprend peu à peu que ces icônes sont surtout une série de «spectres» dont il importe peu qu’on les identifie.

«Ils cherchent à se libérer de l’armure que la société a plaquée sur eux»

Ce même spectacle se terminera sur une terre dévastée où parfois un humain minuscule se transforme en insecte pour s’élancer dans les airs englouti par des ailes géantes et terrifiantes – notre devenir-ptérosaures ? – images stupéfiantes et cauchemardesques comme seul Lupa sait en fabriquer – loin d’Avatar. Entre les deux – du loft désespéré et chic où des fantômes se chicanent, se séduisent, se morfondent, se droguent, au no man’s land traversé de charniers et de bestioles codeurs ne sachant plus s’exprimer que par bits, 1 et 0, – qu’est-il arrivé ? Comment est-on passé d’un après-guerre riche en utopies en tout genre, malgré la Seconde Guerre mondiale, au désespoir littéral ? Des lits, des fauteuils, un Artaud qui soliloque, une Janis Joplin qui sollicite un peu d’amabilité : rien de nostalgique cependant, dans ce rêve où chaque icône paraît déjà percluse de solitude – «Je n’arrive à rien… malgré mes efforts, j’ai manqué l’épreuve de la maturité», dit Janis dans cette factory warholienne recréé, où toutes les actions sont filmées avec des téléphones portables. Souvent, les acteurs se dévêtent, comme pour se désengluer d’eux-mêmes.

Parfois, ils descendent directement dans la jauge, parmi les spectateurs du premier rang, et il y a de la sauvagerie dans cette nudité. Lupa nous expliquera par la suite que dans Imagine, la nudité est produite par la souffrance et la solitude. Il note : «Parfois, les gens qui ont l’intention de se suicider se déshabillent. Ils cherchent ainsi à se libérer de l’armure que la société a plaquée sur eux. Ce dénuement n’est pas seulement un acte symbolique mais une nécessité intérieure, un cri. Les saints qui cherchaient des lieux désertiques pour se purifier éprouvaient eux aussi le besoin de mettre à nu.» Ce sont cependant moins les corps nus qui dérangent les spectateurs du théâtre Powszechny, splendide salle à l’italienne du XIXe siècle, que les propos antinationalistes portés par les acteurs – et par l’hymne de John Lennon. Et vlan, cinq spectateurs qui partent d’un coup et à grand bruit à l’injonction d’imaginer un monde sans nations, sans frontières, sans dieu non plus.

Le plus étonnant est que durant ces cinq heures, le metteur en scène, caché dans la salle parmi les spectateurs divague, improvise, chantonne, commente son propre spectacle, les mouvements des spectateurs, ceux des acteurs. Eux n’improvisent pas, mais ils jouent avec cette voix qui bourdonne et slaloment. Le public rit. Les acteurs interagissent. Certains sont dans la salle sans qu’on ne les ait vus quitter le plateau. La maison théâtre est pleine de frictions, elle est ronde, sans quatrième mur, La puissance tutélaire du metteur en scène, peintre et écrivain Tadeusz Kantor, figure tutélaire omniprésente encore aujourd’hui à Cracovie, et qui lui aussi parlait à ses acteurs et au public pendant ses spectacles, semble prégnante. «J’ai commencé à l’admirer quand j’étais aux beaux-arts. Il était en marge et très critiqué par le milieu artistique de l’époque. Qui l’appelait le commis-voyageur. Il a fallu l’immense succès de la Classe morte à l’étranger, pour qu’un peu à contrecœur, il soit admis ici», nous dira Krystian Lupa.

«Le même rythme»

On avait oublié, on n’aurait jamais cru, que la célèbre chanson de John Lennon puisse avoir, aujourd’hui encore, une portée subversive. «Bien sûr que si, nous contredit Lupa. C’est simplement que vous vivez dans un pays en paix depuis des décennies et dont les frontières ne sont pas menacées.» Certes, elle est sucrée comme un bonbon. Mais le metteur en scène se souvient de la révolte des archevêchés polonais lorsqu’elle a été chantée aux Jeux olympiques de Tokyo en 2020. «Pour eux, à cause des paroles, c’était vraiment «la chanson du diable.» Les nationalistes de tout crin également ne peuvent pas supporter d’imaginer un monde où les frontières sont diluées. Pas plus maintenant qu’à l’époque où elle a été écrite et servie de protest song contre la guerre du Vietnam.» Le metteur en scène se souvient de Yoko Ono, qui ponctuait toutes ces phrases par «imagine». «Il fallait l’entendre au pied de la lettre, comme : «C’est possible. C’est vraiment possible…»»

Krystian Lupa explique que les acteurs ont choisi eux-mêmes les icônes auxquelles ils ont décidé de s’identifier. Lui a choisi Artaud pour le représenter. Durant quatre séances d’improvisation, chaque acteur a commencé par garder le secret sur celle ou celui qu’il représentait. Puis le coming out a eu lieu. «J’ai pris toute cette matière et je me suis mis à écrire. Leurs choix m’ont permis de me replonger dans les textes de Susan Sontag ou Patti Smith que j’avais un peu oubliés.» Lupa dit qu’il «jazze» avec ses acteurs durant les représentations d’Imagine et que sa langue est celle du pays qui accueille le spectacle. Qu’à chaque fois il essaie de trouver une astuce pour s’insérer dans ce que dit l’acteur, casser la déclamation, initier une pensée, un mouvement. «Je ne suis jamais premier mais soumis à ce que les acteurs proposent. L’acteur est un clarinettiste et moi je suis un saxophone. Ensemble, on tente de choper le même rythme.»

La neige qui tombe le ramène à la guerre en Ukraine, qui selon lui, balaie tous les sujets possibles. Mais cette éradication, estime-t-il, est aussi un défi lancé à tout artiste pour échapper à la vacuité. Il s’apprête à adapter les Emigrants de W.G Sebald paru en 1992 en Allemagne à propos de la destruction de la maison Europe, «le déracinement, l’exil, l’extermination, la déshumanisation, la manière dont on jette les gens hors de leur foyer, en détruisant non seulement des millions de vies mais aussi leur destinée». Il reprend : «Car chaque vie est portée par une finalité interne sans forcément qu’elle en ait conscience.» La deuxième partie d’un diptyque commencé avec Imagine ? Rendez-vous cet été.

Anne Diatkine / Libération

Légende photo : «Imagine», le spectacle de Krystian Lupa représenté à l’occasion du festival Boska Komedia à Cracovie. (Natalia Kabanow)

par Laurent Goumarre dans Libération - 2 janvier 2023

Dans un spectacle particulièrement ingénieux, six acteurs imitent le chanteur, l’incarnant sans jamais l’édulcorer.

Cinq hommes et une femme se relaient pour «faire» le chanteur. (Vincent Pontet/coll. Comédie-Française)

Ils sont cinq garçons et une fille à «faire» Gainsbourg sur le plateau pour une scène de concert à venir. Faire Gainsbourg plutôt que le jouer, avec bien sûr des indices : verre d’alcool, pompes zizis blanches aux pieds, parfois une contraction du visage, le mouvement des doigts à la cigarette, une intonation. Mais pas d’imitation forcée ; le propos est ailleurs dans une question qui revient souvent entre eux :

«Tu fais Gainsbourg là ?

— Pourquoi ? Je le fais pas bien ?»

Faire Gainsbourg, qu’est-ce que c’est ? C’est répondre à des questions en puisant dans les entretiens auxquels l’artiste s’est abondamment prêté sur toute sa carrière. Tout l’enjeu de la pièce, de sa dramaturgie se tient là dans cette économie de la parole : discours contre prise de parole. Que dit un artiste quand il répond ? Qu’est-ce que raconte Gainsbourg interrogé ? il confisque la question, répond à côté, joue le jeu de mots, force le trait :

«Quel est votre instrument préféré ?

— Mon cul.»

En travaillant le rapport de force, question-réponse, la pièce «fait» le portrait de ce Serge que se refilent les six comédiens. Ce Serge est un virus qui contamine le langage, retourne les mots à l’envoyeur, avec l’idée que les mots, au fond, c’est sexuel, ça s’enfile comme des perles. Bref ce Serge est un outil théorique pour faire entendre Gainsbourg.

Déjouer l’exercice d’admiration

Et on l’entend bien ? Mieux que ça. Le club des six, il faut ici les citer : Yoann Gasiorowski, Benjamin Lavernhe, Noam Morgensztern, Marie Oppert, Sébastien Pouderoux, Stéphane Varupenne, tous musiciens et chanteurs, font leur «Gainsbourg point barre» pour reprendre le sous-titre. Là encore, le spectacle trouve le moyen de déjouer l’exercice d’admiration en amenant progressivement la pièce vers le concert. Dès lors le rapport au public change, avec applaudissements à la fin de chaque titre formidablement réinterprété. Il faut saluer le travail des arrangements qui ne vont jamais dans le sens du poil mais ne font pas les petits malins non plus, comme pour Mon légionnaire  performé par un Noam Morgensztern électrique. Bien sûr, on retrouvera quelques incontournables : la Chanson de Prévert, Je suis venu te dire que je m’en vais, la Javanaise, mais aussi ces titres vénéneux qui marquent l’enfer gainsbourien : Love on the Beat et Vu de l’extérieur avec ses paroles d’autant plus choquantes qu’il le dit avec une douceur détachée : «Tu es belle vu de l’extérieur /Hélas, je connais tout ce qui se passe à l’intérieur /C’est pas beau même assez dégoûtant…»

Vu de l’extérieur s’impose à cet égard comme le meilleur commentaire de ce spectacle coupé en deux, brillant d’ingéniosité qui regarde Gainsbourg justement à bonne distance. Provocateur sexuel ? Affirmatif. Misogyne ? No comment. Les Serge ne cherche pas à édulcorer le personnage ni à le lisser pour le rendre plus acceptable. C’est Gainsbourg à prendre ou à laisser. On prend. Point barre

Critique d'Olivier Frégaville - Gratian d'Amore dans L'Oeil d'Olivier - 12 janvier 2023

Au ThéâtredelaCité de Toulouse avant d’investir l’Odéon en février prochain, Galin Stoev présente sa vision très limpide de la célèbre tragicomédie de Tchekhov. Avec ingéniosité et fulgurance, le metteur en scène donne vie au naufrage de cette famille au bord de la rupture.

Quelque part dans un domaine aux généreuses dimensions, à quelques encablures de Karkhoff dans le cœur de la Russie, la vie semble paisible, en apparence. Le travail des champs occupait jusqu’à présent toute la maisonnée. Mais depuis peu tout a changé. Sérébriakov (Andrzej Seweryn, suffisant à souhait), professeur d’université à la retraite, quelque peu vaniteux et hypocondriaque, père de la jeune Sonia (Élise Friha en alternance avec Marie Razafindrakoto), propriétaire des lieux, joue à son corps défendant les trouble-fête. Habitué à être le centre du monde, à que tous cèdent à ses caprices et règlent leur pas sur le sien, il ne se rend même pas compte que plus rien ne va.

Une vie en déshérence

En effet, au grand désespoir, de l’ancienne Nounou (épatante  Catherine Ferran) qui continue à assurer la gestion du quotidien, tout est chamboulé. On vit la nuit, on dort le jour. Sonia ne sait plus que faire pour plaire à son père, qui n’a d’yeux que pour sa nouvelle femme, la trop belle Elena (évanescente Suliane Brahim), objet de convoitise de tous les mâles de la maison. Au premier d’entre eux, l’Oncle Vania (troublant Sébastien Eveno), un doux rêveur, ayant sacrifié son bonheur et sa part de l’héritage pour le bonheur de sa jeune sœur depuis longtemps disparue, laisse le domaine à l’abandon. En second, le médecin (flamboyant Cyril Gueï), un ami de la famille, qui préfère se saouler et rester à portée de l’objet de ses désirs plutôt que d’aller soigner ses patients. Avec une belle insouciance, tous se laissent aller à l’indolence, rient, vivent jusqu’au vertige, sans voir que le temps file et que la fin de leur monde ouaté est proche.

Une relecture au temps présent

Tchekhov fait partie des auteurs préférés de Galin Stoev, qui aime la manière qu’a l’écrivain russe de montrer l’âme humaine dans toute sa complexité, sans la juger. De cette humanité, le directeur du ThéâtredelaCité s’est essayé l’an passé à décrypter les grandes lignes et à dévoiler les secrets en portant au plateau Ivanoff de l’auteur norvégien Fredrik Brattberg. Il s’attache cette fois à faire entendre la langue du dramaturge russe, sa pensée.

Retraduisant Oncle Vania avec l’aide de son assistante Virginie Ferrere, il a tenu à l’accorder au temps présent. L’œuvre s’y prête merveilleusement tant elle résonne avec les maux d’aujourd’hui. Évoquant les enjeux climatiques, les fins de mois difficiles, les problèmes du quotidien tant sentimentaux que socio-économiques, mettant en exergue les forces et les faiblesses de chacun, la pièce invite dans l’intimité d’une famille qui se déchire faute de pouvoir s’aimer. Ici, pas de vrais méchants ou de faux gentils, juste des monstres du quotidien, des êtres luttant pour leur survie avec leurs défauts et leurs qualités. 

Une mise en scène écoresponsable

Face à la crise énergétique et aux difficultés budgétaires, Galin Stoev a fait le choix d’une production écoresponsable. Son scénographe Alban Ho Van a réutilisé le décor d’IvanOff pour créer le salon du domaine de Sonia. Planches de bois brut, grilles en fer, mobilier désuet insufflent à l’ensemble une atmosphère à la fois cosy et impécunieuse. Loin des adaptations habituelles d’Oncle Vania qui accentuent la mélancolie des personnages, le metteur en scène d’origine bulgare ne cherche pas à extrapoler, à mettre en situation, mais plutôt à donner vie, en tout simplicité, à cette famille désormais désunie et incapable de se comprendre, de s’aimer. Du jeu parfaitement tenu des comédiens, tous excellents dans leur rôle, se dégage une vérité sans chichis, une lumineuse banalité.

À la faveur d’un travail précis, ciselé, et d’une lecture attentive des textes qu’il porte au plateau, Galin Stoev touche au plus juste et invite à découvrir un autre Vania, un vaurien magnifique, un éperdu d’amour, un homme intelligent, simple, voué à travailler la terre jusqu’à sa mort. On rit, on pleure, on vibre, tout comme dans la vraie vie… c’est finalement ça, le théâtre ! 

Oncle Vania d’Anton Tchekhov
ThéâtredelaCité
1 rue Pierre Baudis
33000 Toulouse
jusqu’au 14 janvier 2023
durée 2h30

Tournée 
du 2 au 26 février 2023 à l’Odéon-Théâtre de l’Europe

Texte français de Virginie Ferrere et Galin Stoev
Mise en scène de Galin Stoev assisté de Virginie Ferrere
Avec Suliane Brahim – Sociétaire de la Comédie-Française, Caroline Chaniolleau, Sébastien Eveno –Comédien permanent associé au projet de direction de la Comédie – CDN de Reims, Catherine Ferran – Sociétaire honoraire de la Comédie-Française, ,Cyril Gueï,Côme Paillard, Marie Razafindrakoto en alternance avec Élise Friha, Andrzej Seweryn – Sociétaire honoraire de la Comédie-Française et Vincent Desprez
Scénographie d’Alban Ho Van
Lumières d’Elsa Revol
Costumes de Bjanka Adžić Ursulov
Sons et musiques de Joan Cambon avec l’aide pour la création des machines musicales de Stéphane Dardé

Par Véronique Hotte dans Webthéâtre - 14 janvier 2023

A Kiev, en 2015, Lucie Berelowitsch, directrice du Préau - CDN de Normandie - Vire, avait créé Antigone, un projet franco-ukrainien composé d’une équipe artistique ukrainienne et française. Les Dakh Daughters y jouaient le chœur, et l’une d’entre elles, le rôle d’Antigone. La tournée en France a débuté en 2016, et en 2021, la reprise d’Antigone, à la Grande Halle de la Villette, n’a pu se faire vu la pandémie : la période de tournée s’est transformée en création des Géants de la montagne.

Par Fabienne Darge  (Strasbourg, envoyée spéciale) le 12 janvier 2023

L’ultime création du metteur en scène, mort en décembre, est comme une quintessence de son art unique et poétique.

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/01/12/theatre-par-autan-les-fantomes-du-temps-de-francois-tanguy_6157585_3246.html

Est-il besoin de dire quelle émotion particulière on éprouve à voir ce Par Autan, dernière − dans tous les sens du terme − création de François Tanguy ? Le metteur en scène, inventeur d’une œuvre théâtrale d’une poésie folle, à nulle autre pareille, est mort soudainement, le 7 décembre 2022, à 64 ans. Par Autan est donc le dernier spectacle que l’on verra de lui, créé comme toujours avec son Théâtre du Radeau, ancré dans une ancienne fonderie du Mans depuis le milieu des années 1980.

Et ce spectacle est comme un grand rêve de théâtre, une quintessence de l’art de François Tanguy, chez qui la dramaturgie classique, avec ses dialogues et ses personnages, n’a pas cours. C’est un art d’apparition et de disparition, de convocation des fantômes, de ravaudage, de reprisage et de collage des oripeaux du théâtre, de la littérature et de la musique, dans lesquels le metteur en scène ne cessait de s’immerger.

Ils sont nombreux, les fantômes qui hantent cet ultime tour de piste du montreur de sortilèges, dernier opus qui emprunte son titre au vent d’autan, un vent d’orage qui souffle du sud et dont on dit qu’il peut rendre fou. Il souffle en tout cas comme un fou sur le décor qui, comme toujours avec le Théâtre du Radeau, est fait de bric et de broc, avec des meubles de récup, des draps blancs en guise de rideaux qui coulissent, et des panneaux de Plexiglas qui glissent, recomposant un espace mouvant, des perspectives toujours différentes.

Chaos sans cesse réagencé

Ces fantômes sont d’abord ceux de l’écrivain suisse Robert Walser (avec des textes divers extraits de Rédactions de Fritz Kocher, de La Sonate, de Kleist à Thoune et de Tableau vivant) et d’Anton Tchekhov avec sa pièce La Noce, qui forment le corpus principal qui structure tout le spectacle. Mais il y en a bien d’autres, qui traversent ce paysage en forme de chaos sans cesse réagencé : Shakespeare avec Hamlet, Le Roi Lear ou Richard III, Heinrich von Kleist, Kafka et son Journal, Kierkegaard, Dostoïevski et ses Frères Karamazov… Sans oublier Samuel Beckett avec En attendant Godot, dont la première scène est réinterprétée ici de manière réjouissante.

Passent dans ce Par Autan des chevaliers, des hallebardiers, des héros fatigués, des cantatrices et des actrices en robe de velours rouge ou en tenue de mariée, tout un bric-à-brac du théâtre sur lequel s’est déposé le voile du temps. Incarnation par excellence du héros romantique depuis que Gérard Philipe l’a fait entrer dans la légende, le Prince de Hombourg fait une apparition qui déclenche des éclats de rire, car le prince est sérieusement décati. Robert Walser écrit : « Il me semble voir devant moi le Prince de Hombourg. On l’a fourré dans un costume de son époque et il n’est pas peu fier à présent des couleurs qu’il porte, assez à l’aise, dirait-on, dans le genre m’as-tu-vu. »

Ce fumet d’apocalypse s’accompagne d’un sens de l’absurde plus marqué qu’auparavant

C’est tout un théâtre d’ombres qu’a animé François Tanguy, accompagné par des musiques de Beethoven, Schumann, Brahms, Rachmaninov, Mendelssohn, Dvorak ou Scarlatti. Les ombres d’une culture qui fut la nôtre, sans doute, peut-être en train de devenir fantomatique, de se dissoudre dans l’acide de temps nouveaux. Il y a dans Par autan un entêtant parfum de fin du monde, que confirme aussi ce célèbre passage de La Mouette, de Tchekhov, en forme de poème dramatique évoquant la disparition de plantes, d’animaux et de ce qui fait une bonne partie de notre monde vivant.

Mais ce fumet d’apocalypse s’accompagne d’un sens de l’absurde plus marqué qu’auparavant, et d’un humour qui n’était pas toujours au rendez-vous dans toutes les créations de François Tanguy. Et si les figures de cet étrange théâtre s’animent, c’est grâce à des acteurs dépositaires d’un jeu bien particulier, lui aussi porté par une sorte de poésie du bancal. Que ces acteurs soient des fidèles du Théâtre du Radeau (Laurence Chable, cofondatrice de l’aventure, Martine Dupé, Frode Bjornstad, Erik Gerken, Vincent Joly) ou des nouveaux venus (Anaïs Muller et le musicien Samuel Boré), ils excellent dans cette forme de présence/absence propre à l’art de François Tanguy.

Après la mort de son fondateur, le Radeau va, pendant un certain nombre de mois, tourner non seulement Par autan mais aussi Item, sa création précédente. Et faire ainsi découvrir, pour un moment encore, à de nouveaux spectateurs, l’art si singulier et précieux de François Tanguy. Que vogue le radeau, malgré les vents mauvais de l’histoire.

Par autan, par le Théâtre du Radeau. Mise en scène : François Tanguy. Théâtre national de Strasbourg, jusqu’au 14 janvier. Puis tournée jusqu’en mars, à Perpignan, Caen et Besançon, et lors de la saison 2023-2024, avec notamment une reprise au T2G de Gennevilliers, dans le cadre du Festival d’Automne.

Fabienne Darge (Strasbourg, envoyée spéciale)

Légende photo : « Par autan », par le Théâtre du Radeau, pièce mise en scène par François Tanguy, au Théâtre des 13 vents, à Montpellier, le 16 mai 2022. JEAN-PIERRE ESTOURNET

Par Fabienne Darge dans Le Monde - 10 janvier 2023

Le directeur du Théâtre national populaire de Villeurbanne passe à côté de la comédie géniale et acide de l’auteur russe Nicolaï Erdman.

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/01/10/theatre-les-grands-ecarts-du-suicide-vu-par-jean-bellorini_6157328_3246.html

Tic-tac. Qu’y a-t-il entre ce tic et ce tac ? Une vie d’homme, qui peut basculer vers la mort. A tic, vous êtes vivant. A tac, vous êtes mort. Voilà ce qui va peut-être arriver à Sémione Sémionovitch, l’antihéros du Suicidé, une pièce géniale, écrite par l’auteur russe Nicolaï Erdman (1900-1970) en 1928. Jean Bellorini, le directeur du Théâtre national populaire de Villeurbanne (Rhône), la remonte aujourd’hui avec sa troupe française, après en avoir signé une première mise en scène en allemand, en 2016, avec les comédiens du Berliner Ensemble.

Comment s’est-il retrouvé dans cette situation, ce Sémione Sémionovitch, petit homme banal et insignifiant, pour ne pas dire un peu médiocre, chômeur de son état ? Une nuit, il était au lit avec sa femme, quand il a été pris d’une envie irrépressible de manger du saucisson de foie. Il a réveillé son épouse, s’est disputé avec elle et, là-dessus, a disparu en menaçant de pousser bien vite son dernier soupir.

A partir de là, la folle mécanique imaginée par Nicolaï Erdman se met en route. La nouvelle du futur suicide de Sémione fait débouler une noria de personnages, qui veulent utiliser son acte pour faire valoir leur cause. Qu’il s’agisse de la religion, de l’intelligentsia, du petit commerce ou de l’amour romantique, il faut, disent-ils, que « le défunt verse son eau à notre moulin ». Le problème, c’est que Sémione, qui se sentait un moins que rien avant toute cette affaire, retrouve goût à la vie en même temps qu’il retrouve de la valeur aux yeux des autres, en tant que futur suicidé. Que faire ? Tic-tac, tic-tac, tic-tac. Le compte à rebours s’accélère. Un homme va mourir, mais peut-être pas celui qu’on croit.

Fantoches en quête de sens

Rien d’étonnant à ce qu’il ait été bien vite interdit par la censure soviétique, ce portrait à l’acide de la Russie stalinienne, pays dans lequel il n’y eut, souvent, que le temps d’un souffle entre le tic de la vie et le tac de la mort. « A l’époque où nous sommes, ce qu’un vivant peut penser, seul un mort peut le dire », ne se prive pas de déclarer Nicolaï Erdman dans sa pièce. Mais Le Suicidé dépasse largement sa dimension historique et politique, pour ouvrir une belle réflexion sur la valeur de la vie et le sens de l’existence.

Il manque à ce « Suicidé » à la fois le tragique, la dimension grinçante et ce comique russe bien particulier, d’autant plus ravageur qu’il est d’un noir absolu

La pièce pourrait donc faire des étincelles aujourd’hui, ce qui n’est malheureusement pas le cas dans la mise en scène de Jean Bellorini, en petite forme artistique après la belle réussite du Jeu des ombres, son précédent spectacle, en 2020. Il manque à ce Suicidé à la fois le tragique, la dimension grinçante et ce comique russe bien particulier, d’autant plus ravageur qu’il est d’un noir absolu. Ici, tout est un peu fade, malgré les charmants costumes colorés signés par Macha Makeieff.

Jean Bellorini joue surtout sur la dimension superficielle du vaudeville et sur le burlesque, alors qu’Erdman n’adopte cette forme que pour mieux la déjouer et offrir, comme l’écrit André Markowicz, le traducteur de la pièce, une « comédie de la bureaucratie et de la terreur ». Les personnages sont privés de substance, et même les bons acteurs de la troupe du metteur en scène – François Deblock, Clara Mayer, Marc Plas… – ne sont pas ici à leur meilleur. Comme s’ils n’avaient pas su comment attraper ces fantoches en quête de sens qui peuplent la pièce, humains déshumanisés par un système absurde, une mécanique qui broie les individus.

L’utilisation de la vidéo, une première chez Jean Bellorini, n’apporte rien, tant les images semblent plaquées sur la mise en scène, sans jamais entrer en dialogue avec elle. Et le final apparaît lui aussi comme bien artificiel, qui s’ouvre brusquement sur la réalité contemporaine en convoquant, sur le grand écran de fond de scène, la figure du jeune rappeur russe Ivan Petunin. Celui-ci s’est donné la mort, le 30 septembre 2022, à 27 ans, après avoir posté une vidéo expliquant qu’il refusait d’aller combattre en Ukraine.

On aura compris que, pour Jean Bellorini, d’un système russe à un autre, il n’y a que l’épaisseur d’une feuille de papier à cigarette. Mais on aurait préféré que ce soit le théâtre qui parle, plutôt qu’une pesante démonstration.

Le Suicidé, de Nicolaï Erdman (traduit du russe par André Markowicz, Les Solitaires intempestifs). Mise en scène de Jean Bellorini. Théâtre national populaire de Villeurbanne, jusqu’au 20 janvier.

A la MC93 de Bobigny (Seine-Saint-Denis), du 9 au 18 février, puis tournée jusqu’en avril à La Rochelle, Compiègne, Marseille et Amiens.

Fabienne Darge  (Villeurbanne (Rhône), envoyée spéciale)

Par Véronique Hotte dans son blog Hottello - 10 janvier 2023

Ce qu’il faut dire, texte de Léonora Miano (Des écrits pour la parole à L’Arche Editeur), mise en scène de Stanislas Nordey. A la MC93 de Seine-Saint-Denis de Bobigny.

Née au Cameroun, Léonora Miano a suivi des études de lettres anglo-américaines en France où elle a vécu de nombreuses années avant de s’installer au Togo. Son premier roman, L’intérieur de la nuit, paraît en 2005 (Plon). Ses derniers ouvrages sont Rouge impératrice (roman, Grasset, 2019), Afropea. Utopie post-occidentale et post-raciste (essai, Grasset, 2020).

« Lorsque tu as dit Noir / Lorsque tu as dit Blanc / Pour ne parler en fait Ni de la peau Ni de sa couleur Mais pour Prendre position Occuper une place Te donner une mission Nous murer dans la race. » (Ce qu’il faut dire) Au-delà de la réparation, de l’excuse, de la vengeance, de la rancœur, une autre voie serait possible sans doute. L’écriture lancée est musique et battements rythmiques.

L’Europe conquérante a défiguré d’autres continents – l’Amérique notamment, ainsi le sort des Amérindiens, parqués dans des réserves -, et l’Afrique subsaharienne passée et présente :

« N’entrons pas dans les détails de la Déportation transatlantique Laissons de côté l’esclavage que la France d’alors sut pratiquer avec talent  dans ses colonies de la Caraïbe d’Amérique du Sud et de l’Océan indien Acceptons de remettre à plus tard l’étude des mécanismes mentaux de l’Europe La confusion pathologique Entre rencontre et assujettissement Entre contact et viol Entre échange et pillage. Faisons l’impasse sur l’invention de la race, l’obsession de la race… »

La dernière création de Stanislas Nordey – metteur en scène et directeur du Théâtre National de Strasbourg, particulièrement attentif et sensible à la réalité d’un monde d’immédiate contemporanéité en plein bouleversement – procède, entre autres, d’un constat d’échec : « Il y a, sur les plateaux de théâtre en France, une sous-représentation avérée des gens issus des différentes couches d’immigration ainsi que des personnes nées dans les Outre-mers. Comment faire pour que ça évolue ? »

Que faire de la question de la nomination, de la désignation, continue-t-il : « les Blancs ont dit aux gens des populations subsahariennes qu’ils étaient Noirs. Une frontière a été créée, une distinction  faite entre les êtres par la couleur de la peau. Alors peut-on repenser les choses autrement ? »

« Est-ce qu’on peut se passer de la violence, surpasser l’envie de retourner à l’autre celle qu’il nous a fait subir ? » (Léonora Miano)

Ce qu’il faut dire est composé de trois chants, issus de récitals donnés par l’auteure elle-même. Le premier, La question blanche, pose la question de la nomination, de l’assignation – le « tu » s’adresse alors aux personnes à la peau blanche. Le deuxième, Le fond des choses, plonge au fond de cet océan de douleur, d’incompréhension, de violence de la colonisation – ce chant est une adresse à nous tous. Et La fin des fins est une forme d’éclaircie – en tout cas c’est ce que je ressens, avance Stanislas Nordey -, un dialogue platonicien entre la narratrice et Maka, un personnage masculin d’une autre génération – ce dernier chant est un dialogue possible entre deux personnes qui ont la peau noire, en France, en Europe.  Des écrits pour être entendus.

« J’aime écrire pour la parole, voilà tout, dit L’auteure ; C’est l’influence de la poésie du Black Art Movement que j’ai beaucoup lue, entendue, etc. C’est la trace aussi de l’oralité subsaharienne, de la joute verbale qui est, dans bien des pays d’Afrique, une manière de marquer son intérêt pour l’autre. »

Le texte musical appelle une présence instrumentale. Olivier Mellano en a composé la musique et Lucie Delmas, percussionniste, joue de ses instruments sur le plateau de la représentation, les mots portés étant comme repris en écho ou lancés dans une résonance frappante et percutante.

Dans un monde où les nominations sont enjeux de domination, invitation est faite au public à prendre ses responsabilités et distances face aux assignations de la langue et récits nationaux.

La parole est d’une poésie incisive pour la reconquête des mémoires – être tout simplement soi. Requiem pour une Europe des privilèges, ces chants sont un hymne à la connaissance de soi.

Le projet est imaginé avec Gaël Baron, un compagnon de route de Stanislas Nordey et avec Océane Caïraty, Ysanis Padonou et Mélody Pini, trois anciennes élèves-comédiennes du Groupe 44 de l’école du TNS – promotion sortie en juin 2019. Celles-ci portent en elle « la France d’aujourd’hui, celle d’une jeunesse acharnée à faire voler en éclats les clichés, les retards d’une société qui ne sait parfois pas ouvrir les yeux sur elle-même. Elle sont Afropéennes, selon la terminologie de Léonora Miano, et éclairent la scène d’une lumière à elles – ce regard d’une génération qui porte droit le regard à la fois sur le passé et le présent – et un possible avenir.

Dans le spectacle, les jeunes femmes et l’homme ont la peau noire – Afropéens ou non. L’auteure se définit elle-même comme Afropéenne et écrit en fait depuis deux endroits : du continent africain lié à ses ascendants et du continent  européen – de la France – lié à sa descendance, par sa fille notamment, née et grandie en France. Léonora Miano se situe au cœur des deux continents.

Les Afropéens nomment les gens qui ont grandi en Europe où ils sont minoritaires : comment vit-on dans le présent de la société française, en ne faisant pas l’impasse sur l’héritage historique ? Par « l’assimilation » ou bien en inversant la prise de pouvoir et de domination …? A méditer.

Engagement, provocation, humour et vitalité, le texte agit comme un punching-ball tonique et vif

. 

Ysanis Padonou a la grâce juvénile de qui, n’étant sûre de rien, s’interroge, prudente et sincère. Mélody Pini joue d’une aisance scénique – élan et enthousiasme -, regardant le public qu’elle invective avec délicatesse et main de fer. Quant à Océane  Caïraty, longue silhouette paisible, elle dispense une parole nuancée, ouverte à l’avenir, entre distance souriante et conviction intense. Gaël Baron a la posture de qui s’interroge et propose à la salle ses questionnements, à l’écoute et dans l’expectative, tendu encore vers une destinée qui semblerait enfin acquise aux changements.

« Quant aux noms que tu voudrais voir apposés sur des plaques, sache qu’ils ne valent pas pour eux-mêmes. Leur puissance réside dans l’innommé qu’ils représentent. Leur force est celle de cohortes sans nom. Légions de gueux qui vécurent, au cœur de la géhenne, dans le ventre de la mort, des vies humaines », assène la narratrice à l’homme d’expérience, Maka, dans la belle scénographie d’Emmanuel Clolus – installation plastique moderne de structures contemporaines.

Une belle maîtrise de la salle – une vraie attention à l’affût -, qui guette ce qui lui échoit d’entendre.

Véronique Hotte

Du 13 au 22 janvier 2023, mardi 14h30, mercredi, jeudi, vendredi 20h, samedi 18h, dimanche 16h, à la MC93, Maison de la Culture de Seine – Saint-Denis de Bobigny. Tél :  (0)1 41 60 72 72.

Par Nicole Vulser dans Le Monde  - 9/01/23

Malgré le retour du public, le secteur du spectacle fait face à l’inflation des coûts énergétiques, aux hausses de salaires et aux baisses des aides publiques.

Lire l'article sur le site du Monde : 
https://www.lemonde.fr/culture/article/2023/01/09/les-salles-de-concerts-et-de-theatre-peinent-a-boucler-leur-budget_6157120_3246.html

L’accalmie a été de courte durée. Les salles de concerts, de spectacle et de théâtre sortent à peine la tête de l’eau en termes de fréquentation – les plus grandes ont retrouvé leur public, mais les moyennes et les plus petites n’ont pas récupéré, loin s’en faut, leur étiage pré-Covid-19. Or cette reconquête se double d’un faisceau de difficultés financières qui conjugue l’inflation des coûts énergétiques, l’envolée des cachets des artistes, les hausses salariales, une baisse des aides publiques… Au point où bon nombre se demandent comment continuer à produire des spectacles jusqu’à la fin de l’année.

Pour Vincent Moisselin, directeur du Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles (Syndeac), qui représente 450 structures dont la grande majorité des centres dramatiques nationaux (CDN), la question de la fréquentation appartient au passé : « Depuis septembre, le public est revenu à 95 % de son niveau d’avant-crise », dit-il. « Les jeunes ont une furieuse envie de sortir et les concerts de musique urbaine font salle comble, confirme Malika Seguineau, directrice générale du Prodiss, l’organisation patronale des principales entreprises du spectacle musical et de variété. Les têtes d’affiche et les grands concerts se vendent très bien, même si cela s’avère plus tendu pour certains festivals. » Les billets même très chers pour Indochine, Orelsan, Red Hot Chili Peppers ou Coldplay sont partis très vite. La tendance est à l’optimisme aussi pour Aurélie Hannedouche, directrice du Syndicat des musiques actuelles (SMA), qui confirme « un rebond des ventes de places de concert en fin d’année » chez ses adhérents.

Même constat à Paris La Défense Arena, où la vice-présidente, Bathilde Lorenzetti, prévoit comme en 2022 un sold out pour les grands concerts à venir de Bruce Springsteen, Céline Dion ou Stromae. La Seine musicale a aussi affiché complet pour Starmania, et 90 nouvelles représentations – conditionnées au succès de cette première salve – ont été confirmées pour novembre 2023.

Dans le même bâtiment, Insula Orchestra, l’orchestre sur instruments d’époque de Laurence Equilbey, est plus à la peine : il a manqué au moins 15 % d’auditeurs par rapport à 2019. Selon Jean-Philippe Thiellay, président du Centre national de la musique (CNM), « les salles de moins de mille places souffrent énormément, leur fréquentation reste à – 35 %, voire – 40 %, par rapport à 2019 ». Les recettes de billetterie prévues pour 2022 devraient ressembler à celles d’avant-Covid-19, ce qui s’explique uniquement par le retour en grâce du public dans les salles de plus de 5 000 places (+ 15 % à 20 % par rapport à 2019).

Cette tendance se confirme aussi dans les théâtres. Bertrand Thamin, président du Syndicat national du théâtre privé (SNTP), qui en regroupe une centaine, se félicite que le public soit revenu, mais note une « situation de plus en plus contrastée » entre « des représentations qui marchent très fort et d’autres pas du tout ». « A nous d’être suffisamment bons pour donner envie aux spectateurs de venir ! », lance Jean-Marc Dumontet, à la tête de six théâtres parisiens privés.

« Grosse tension budgétaire »

La fréquentation a chuté de 20 % entre 2022 et 2019 dans 28 des 38 centres dramatiques nationaux (CDN), selon les premiers résultats d’une enquête, indique Joris Mathieu, directeur du Théâtre nouvelle génération (TNG) à Lyon. La clientèle plus âgée, toujours frileuse face à la pandémie, a encore du mal à revenir. L’inflation des prix, et donc la baisse du pouvoir d’achat incitent aussi à minorer les sorties et les loisirs, des jeunes comme des plus âgés, constate-t-il. Un problème majeur aux yeux de Stéphane Braunschweig, directeur de l’Odéon, qui offre 200 places aux moins de 28 ans tous les jeudis.

« Ce qui nous angoisse, ce sont les problèmes liés à l’inflation, aux revendications salariales et aux coûts de l’énergie », affirme le directeur du Syndeac. Jean-Philippe Thiellay ne cache pas non plus « une vraie inquiétude pour 2023 » pour des centaines de lieux et de festivals. « Pour eux, une baisse de recettes réduit à néant des marges déjà très faibles, mais là, la hausse des dépenses est très inquiétante », prévient-il.

Le directeur de l’Odéon doit faire face à « une grosse tension budgétaire », entre l’augmentation des salaires de 130 équivalents temps plein et un doublement du prix de l’énergie par rapport à 2019. « Cela affecte mécaniquement nos marges artistiques », se désole-t-il.

Les salaires de la convention collective nationale des entreprises artistiques et culturelles ont été augmentés, en deux temps, de 5 % entre décembre 2021 et mai 2022. « Certains syndicats réclament plus de 15 % », souligne Vincent Moisselin, ce qui conduit à des désaccords. « Ces hausses représentent jusqu’à 80 000 euros par an, auxquels s’ajoute l’envolée du coût de l’énergie, qui atteint souvent 150 000 euros », ajoute-t-il. Des sommes non budgétées qui donnent le vertige. Pour le directeur du Syndeac, il manque 30 millions d’euros à tous ses adhérents rien que pour faire face à la crise énergétique. A l’association des 38 CDN, ce chiffre s’élève à 1,5 million d’euros. Jean-Marc Dumontet est bien l’un des rares à affirmer ne pas subir l’impact de ces augmentations.

« Si l’an dernier les salles de concerts n’ont bénéficié qu’à la marge des aides de l’Etat en matière énergétique, a priori elles seront mieux soutenues », relativise Aurélie Hannedouche. « Pour autant, le financement minimal de l’Etat dans les scènes de musique actuelle [SMAC] de 100 000 euros par an est devenu dérisoire », ajoute-t-elle.

Toutes les structures déplorent une baisse des aides des collectivités territoriales, comme en Rhône-Alpes ou dans le Grand-Est. Les subventions nationales n’augmentent pas non plus malgré l’inflation. « Si bien que notre préoccupation majeure sera comment produire et diffuser nos spectacles à partir de septembre », résume Vincent Moisselin. « L’étau se resserre », confirme Joris Mathieu, en ajoutant : « Sans intervention forte des pouvoirs publics ou des collectivités, certains CDN devront réduire leur programmation, ce qui est contraire à nos missions et fragilisera les compagnies indépendantes. » Ce qu’Aurélie Hannedouche résume ainsi : « Il va falloir se serrer la ceinture. »

Nicole Vulser

04 JANVIER 2023 | PAR MAI LINH TANG STIEVENARD dans Toutelaculture.com

Le Théâtre 13 a annulé les représentations du spectacle « Pour un temps sois peu » de Lena Paugam. Celui-ci devait être présenté dès aujourd’hui jusqu’au 19 janvier en partenariat avec le CENTQUATRE-PARIS à l’occasion du Festival Les Singulier.es. Cependant, il été la cible de critiques d’associations trans. Il avait pourtant été joué près de 20 fois en France depuis 2021.

L’histoire d’une transition : le récit de Laurène Marx 

Le spectacle porté par la metteuse en scène Lena Paugam découle d’une commande du Collectif Lyncéus dont le thème était « C’était mieux après ». En 2019, le collectif commande un texte dans le cadre d’un appel à projet pour la 7e édition du Lyncéus Festival. Celui-ci a pour mission de porter les écritures théâtrales contemporaines à travers des projets d’accompagnement et développement de créations artistiques. Ainsi, en 2021, Laurène Marx, femme trans non-binaire, écrit-elle son texte Pour un temps sois peu à Binic, lieu de résidence du collectif. Paru aux Editions Théâtrales, l’œuvre de Laurène Marx  traite des questions de genre et de normativité à travers un récit autobiographique. Avec une plume à la fois sensible et violente, Marx retrace son parcours depuis sa prise de conscience et son coming-out, jusqu’aux démarches médicales et psychologiques. Sans omettre aucun détail, Marx livre un témoignage bouleversant et dresse à cœur ouvert les conséquences intimes et sociales de sa transition. Son œuvre s’inspire du travail de l’artiste trans non-binaire Alok Vaid-Menon qui explore les thèmes de genre et de traumatisme dans la communauté trans. C’est en assistant à une performance de l’artiste que Marx a une révélation quant à l’écriture de son texte. 

Retour sur le conflit

Le spectacle, présenté au Théâtre Sorano à Toulouse le 18 et 19 novembre, avait suscité l’indignation d’associations trans. Contrairement à ce que de nombreux médias rapportent, les associations n’avaient pas pour but d’aller manifester à Paris. Le soir du 19 novembre, après la seconde représentation, une table ronde s’était tenue sur le plateau pour réfléchir aux questions de genre et à la représentativité de la parole trans. Ce bord de scène réunissait le directeur et metteur en scène du Théâtre Sorano Sébastien Bournac, l’équipe artistique du spectacle composée de la comédienne Hélène Rencurel, Laurène Marx et Lena Paugam, l’artiste transgenre Flor Paichard, l’actrice trans Alice Needle et son collectif. Le débat était modéré par Lex Frattini, formateur à La Petite, association pour l’égalité des genres dans les arts et la culture. 

Le spectacle s’inscrit dans le cadre d’une série de portraits de femmes mis en scène par Lena Paugam. Le choix de la comédienne Hélène Rencurel pour incarner Laurène Marx avait mis le feu aux poudres au sein d’associations trans locales. De fait, la distribution du rôle principal avait soulevé certaines problématiques que nous nous attachons à analyser à travers cette enquête.

Cet article n’a pas vocation à se faire l’écho d’autres récits journalistiques sur le conflit autour du spectacle. Celui-ci approfondit le débat en donnant la parole à des professionnels du spectacle vivant et à des membres d’associations pour le droit et la représentation des trans. Un coup de projecteur nécessaire sur le lien entre art et société à travers la problématique de la représentation des genres. Nous avons été mis en contact avec des figures du spectacle vivant et d’associations trans par l’intermédiaire de Clar-T, association toulousaine de luttes et d’auto-support par et pour les personnes trans. Nous avons recueilli leur témoignage pour éclaircir le débat.

Légitimité de représentation : la différence entre jeu et performance

Le 19 novembre au soir, à l’extérieur du Théâtre Sorano, l’actrice trans Alice Needle interprétait le texte de Laurène Marx joué au même moment par l’actrice cisgenre Hélène Rencurel à l’intérieur du théâtre. Une manière pacifique et artistique pour les associations trans de manifester leur désaccord quant au choix de la comédienne pour incarner le portrait de Laurène Marx. 

Lea scénographe non-binaire Rachel Garcia, présent.e lors de la table ronde, affirme éprouver un regret artistique face à cette « (…) transposition » du discours de l’écrivaine trans Laurène Marx à travers la voix d’Hélène Rencurel, comédienne cisgenre. Selon ael, avoir choisi une actrice cisgenre pour porter le témoignage intime d’une femme trans est symptomatique d’une « ignorance globale de la société par rapport aux questions de transidentités ». Le monologue joué par Hélène Rencurel est « une œuvre politique » souligne-t-ael, et non une « matière textuelle » à interpréter. Pour Rachel Garcia, le texte de Laurène Marx est un manifeste, un hommage à la communauté trans qui ne devrait pas être illustré par n’importe qui. Et de ce fait, ael déclare : « Il s’agit d’une vie, d’un cri. » La nature intime du récit demande qu’il soit performé, et non interprété. « Une difficile distinction à faire entre incarnation et interprétation, entre un hommage ou un manifeste et une pièce théâtrale de répertoire. (…) Lorsque Steven Cohen (dans son spectacle « Put your heart under your feet…and walk !», ndlr) absorbe les (vraies ?) cendres de son défunt compagnon sur scène, aurait-on pensé une seconde possible de remettre en scène cette pièce avec un autre interprète…? », questionne Rachel Garcia.

Selon lea scénographe, la corporalité d’Hélène Rencurel ne pouvait faire saisir au public « les enjeux des corps trans » qui sont au cœur du texte. Pourtant, la comédienne fréquente la communauté trans, a beaucoup réfléchi et œuvré à cette interprétation. Elle a travaillé pendant un an pour incarner le rôle de Laurène Marx qui a souhaité, en voyant les répétitions après le Covid, « vouloir jouer son propre personnage », rapporte Le Figaro. Une demande refusée par Lena Paugam qui préférait s’en tenir à la distribution initiale et encourager Laurène Marx à monter sa propre version de la pièce. Hélène Rencurel n’est pas l’interlocutrice directement concernée par le débat. Elle appuie d’ailleurs la communauté trans, dont elle est proche, soutenant :« Je comprends et j’accompagne leur combat. (…) L’invisibilisation de leurs corps est un problème de société. Si jouer signifie les invisibiliser encore plus, alors cela ne m’est plus possible ». C’est aussi le constat que fait Rachel Garcia : le problème n’est pas celui de la faculté de la comédienne à incarner un rôle, mais celui d’un choix de mise en scène de Lena Paugam jugé peu judicieux. Cette dernière souhaitait donc conserver sa distribution, accentuant l’invisibilisation des acteur.ice.s trans par le récit d’une transition à travers un filtre cisgenre. Or, «(…) s’emparer de ce texte était une opportunité de donner un rôle à une actrice trans. Le public aurait gagné à découvrir un corps trans sur scène. » déplore Rachel Garcia. Pour reprendre ses mots, la communauté trans a éprouvé un fort « sentiment d’exclusion et d’invisibilisation » face cette adaptation qui ne semblait pas leur être adressée.

Dans sa tribune Facebook, lea scénographe explique « Ce texte ne se joue pas ; ne s’interprète pas ; ne se triche pas. Il se VIT. » L’artiste ne peut donc tout saisir, tout « performer », ou du moins uniquement de son point de vue, au risque d’offrir une représentation biaisée de ce qu’on l’on souhaite montrer. «Est-il vraiment pertinent de continuer à regarder des films sur les rapports mère-fille écrits et mis en scène par des hommes cis, par exemple ? » interroge Rachel Garcia. C’est sur cette distinction entre jeu et performance que s’appuie essentiellement le débat autour de la représentation des genres dans ce spectacle. La question de la correspondance entre ce qui est montré au théâtre et ce qui est dans la réalité en constitue le point névralgique. Selon Rachel Garcia, il est primordial d’« être vigilant face à l’invisibilisation et la représentation des personnes trans. En dépit de l’admirable travail d’interprétation qu’a livré Hélène Rencurel ».

« Rééquilibrer un déséquilibre criant »

Selon une étude statistique menée en 2020 par Représentrans sur la représentation des personnes transgenres et non-binaires dans la culture et l’audiovisuel, si ces dernier.e.s sont peu représenté.e.s, ce n’est pas par manque d’acteur.ice.s. mais par « des freins systémiques qui empêchent les personnes trans d’accéder à des carrières professionnelles, c’est-à-dire des discriminations directes ou indirectes de la part des acteur.ice.s du secteur culturel. », précise Lex Frattini, formateur à La Petite. Les statistiques de Représentans le prouvent. Sur 101 participant.e.s à l’enquête, 54,9% se produisent uniquement au théâtre. Dans ce pourcentage, ¾ ont répondu ne jamais avoir interprété de rôles trans. Un chiffre qui fait réfléchir quant à l’invisibilisation de la transidentité et de la non-binarité dans le spectacle vivant.

Cette fragilisation par l’invisibilisation, c’est ce contre quoi se bat activement La Petite, association pour l’égalité et la représentation des genres dans les industries culturelles et créatives (ICC). Anne-Lise Vinciguerra, directrice de l’association, affirme qu’il est nécessaire « d’agir pour plus d’égalité ». Lors de l’incarnation d’un rôle trans ou non-binaire, rares sont ceux dont le genre correspond à celui des protagonistes. Nous comptons aujourd’hui peu de récits du point de vue du vécu des personnes trans et observons à l’heure actuelle une médiatisation toujours hésitante. Dans le cas de Laurène Marx, « il s’agit bien d’un récit de vécu trans écrit par une personne concernée, ce qui est déjà un progrès. », reconnaît Lex Frattini. Très souvent, en effet, nous suivons l’histoire d’une personne trans ou non-binaire à travers le filtre de personnes cisgenres ayant écrit les récits et qui pourtant sont « ignorantes des réalités des vécus trans », ajoute-t-il. Anne-Lise Vinciguerra développe ce point de vue, affirmant que « seules les personnes dominantes (cisgenres, blanches, hommes, etc.) sont considérées comme suffisamment « neutres » pour tout interpréter », ce qui participe selon elle à établir « un rapport de pouvoir et de domination au théâtre ». Cette invisibilisation par « l’hégémonie de la parole et du regard cisgenre s’ajoute aux violences subies au quotidien par les personnes trans », déclare Lex Frattini, pour qui il est urgent de « viser une diversification des représentations médiatiques, toutes minorités confondues ».

Le bord de scène du 19 novembre au Théâtre Sorano a duré une heure. 45 minutes étaient consacrées au débat proprement dit et 15 minutes à un temps de questions réponses sur la représentation théâtrale. « Ce temps était court et pas idéal pour un débat fructueux. Les questions sont restées superficielles, les camps se sont polarisés. », déplore Lex Frattini. « Avec des espaces et des temps dédiés, on aurait pu creuser en profondeur et avancer ensemble vers notre objectif commun de faire de la place aux récits trans, vers plus de justice. », poursuit-il. C’est lors de ce bord de scène que Lucas Bonnifait, directeur du Théâtre 13, a changé d’avis quant à la programmation de la pièce, initialement prévue du 4 au 19 janvier dans le cadre du festival Les Singulier.e.s.

Ce temps d’échange a nourri sa réflexion sur le choix à faire. Lex Frattini a discuté avec Lucas Bonnifait. Selon le formateur, « le Théâtre 13 a vraiment compris la nécessité d’œuvrer pour plus de visibilité trans ». La déprogrammation de la pièce est donc un choix politique et éthique avant tout.

Lors du bord de scène, la metteuse en scène Lena Paugam s’est toutefois défendue:« On peut tout jouer, les comédiens sont censé.es s’effacer pour jouer un rôle ; il faut aussi que des personnes trans puissent jouer des personnes cis. » Des propos qui n’ont pas été bien reçus car ils présentaient un cas inversé. En outre, cette idée tendait à dissimuler encore plus la représentation de la transidentité et constituait un énième frein à la professionnalisation des personnes trans et non-binaires au théâtre. Comme nous l’avons vu avec les chiffres de Représentrans,   ¾ des acteur.ice.s trans n’ont encore jamais eu accès aux rôles trans. L’idée de Lena Paugam de leur faire incarner des rôles cisgenres semblait ainsi peu réaliste.

D’un commun accord avec Lena Paugam et sa compagnie Alexandre, le directeur Lucas Bonnifait a annoncé la déprogrammation du spectacle, remplacé par des tables rondes, des temps de rencontres et de débats autour des questions de représentation et de visibilité des personnes trans dans le spectacle vivant, en lien avec les associations LGBTQIA+ et des acteur.ice.s du spectacle vivant. Aujourd’hui, Lex Frattini remarque une « évolution lente vers plus de justice » avec l’effort des débats autour de la question de représentation des populations minorisées dans les médias et la culture. Un combat sociétal et culturel complexe qu’il est nécessaire de faire progresser afin « d’activement tenter de rééquilibrer un déséquilibre criant », ajoute-t-il.

Visuel : Affiche Pour un temps sois peu – Théâtre 13 – Glacière / © DR

Chronique de François Angelier publiée dans "Le Monde"  7/01/23

Le journal des lectures en poche du journaliste.

Lire l'article sur le site du Monde : 

https://www.lemonde.fr/livres/article/2023/01/07/gerard-philipe-pierre-francois-lacenaire-tintin-la-chronique-poches-de-francois-angelier_6156991_3260.html

« Gérard Philipe », de Geneviève Winter, Folio, « Biographies », inédit, 376 p., 9,90 €, numérique 9,50 €.

« Mémoires d’un poète-assassin », de Pierre-François Lacenaire, Chronos, 244 p., 8,90 €.

« Dictionnaire amoureux de Tintin », d’Albert Algoud, Plon, « L’abeille », 778 p., 14 €.

C’est l’impossible fusion de Puck et de Hamlet qui nous aurait sans doute offert la vérité sur Gérard Philipe (1922-1959), princier mélange entre le lyrisme ébouriffé d’un godelureau crépitant de vie et la grâce innée d’un dandy mélancolique, prince d’Avignon à la tour abolie flanqué d’un lutin démangé d’humour. Cette tension irrémédiable, on la retrouve à chaque ligne du portrait fervent et minutieux tracé par ­Geneviève Winter.

Elle suit pas à pas et mot à mot le passage météoritique de l’acteur. Fils d’un avocat affairiste, doriotiste puis collabo, et d’une mère tendrement vigilante qui couve l’éclosion du génie filial, Gérard Philipe ira de coup d’éclat en épiphanie, depuis l’ap­parition médusante de l’ange dans Sodome et Gomorrhe, de Giraudoux (1943), jusqu’à ces immolations scéniques que furent à partir de 1951, sur les planches du TNP et sous la férule de Vilar, à Avignon et dans le monde entier, les rôles éponymes du Cid (joué 199 fois) et du Prince de Hombourg, de Lorenzaccio et de Richard II. Un mythe scénique dont le cinéma « qualité française » démultipliera la légende, offrant de ce James Dean de la IVe République, candide compagnon de route du PCF et paladin syndical des acteurs, une image elle aussi écartelée entre ombres et lumières : Till l’espiègle (1956) répondant à Ripois le séducteur (Monsieur Ripois, 1954), Valmont (Les Liaisons dangereuses, 1959) à Fanfan la ­tulipe (1952) et le toubib décavé des Orgueilleux (1953) à l’ado séducteur du Diable au corps (1946). C’est dans ce battement inapaisable que s’est consumé Gérard Philipe, souriant Icare lancé vers un soleil noir de la dramaturgie.

On peut rêver à ce qu’aurait été le Lacenaire (1803-1836) de Gérard Philipe. Mais ce fut à Marcel Herrand (1897-1953), l’un des mentors de l’acteur, d’offrir au rimeur sanglant, dans Les Enfants du paradis, de Marcel Carné (1945), l’inquiétante lenteur nasillarde de sa diction (« Je ne vais tout de même pas finir sous la main de bourreaux de proviiiiince ! »). Ecrits entre novembre 1835 et janvier 1836 – les deux mois qui séparent sa condamnation à mort de son exécution –, les Mémoires de Lacenaire sont plus qu’un document et un plaidoyer pro domo, un petit chef-d’œuvre ­littéraire. Lire, pour s’en convaincre, son ode au tabac. Il y a déjà du Baudelaire et quasi du Maldoror dans le regard que ce tueur au poinçon, ­escroc rousseauiste détaillant ses méfaits, exposant ses stratégies pour culbuter la société et surtout justifiant son ralliement au mal (« Cette vengeance, je la voulais grande comme ma haine ») par la somme d’injustices dont il a été victime. « Que de fois j’ai été guillotiné en rêve ! », confie-t-il. Le 9 janvier 1836, le rêve devint réalité.

Gérard Philipe en Tintin ? Pourquoi pas. Il est mort alors que paraissait Tintin au Tibet et Georges Wilson, son compagnon du Conservatoire et du TNP, a bien joué Haddock. Le secret de l’inoxydable ­allant du reporter d’Hergé, on a tout pour le cerner si l’on déguste, de « AAH » à « Zut », le formidable dictionnaire assemblé par le maître tintinophile Albert Algoud, qui vit son héros comme Michelet, la France. On y trouve, avec un mélange de ­micro-érudition et d’humour, toute la lyre tintinienne, de l’abondance des barbus aux dérives oniriques, de « MRKRPXZKRMTFRZ ! » à « Wizz ». ­Régalant !

Retrouvez ici toutes les chroniques « poches » et les articles de François Angelier

François Angelier(Collaborateur du « Monde des livres »)

Par Armelle Héliot dans son blog - 5/01/2023

Après Lise Meitner, c’est Jocelyn Bell dont elle éclaire le destin. En alternance, deux spectacles remarquables donnés à la Reine Blanche. Remarquable.

Il y a d’abord Exil intérieur ou l’histoire de Lise Mettner, née autrichienne en 1878, de culture juive, découvreuse de la fission nucléaire au sortir de la première guerre, alors qu’elle est à Berlin, en 1918. Ecrasée par la deuxième guerre, contrainte à l’exil, elle mourra en 1968, sans avoir cessé de se consacrer à la recherche.

Ce premier volet, nous l’avons vu il y a plusieurs semaines et nous en avons rendu compte dans les colonnes du Quotidien du Médecin. Elisabeth Bouchaud y incarne une Lise Mettner très sensible, très intelligente. A ses côtés, Benoît di Marco est Otto Hahn, collègue allemand, chimiste qui travaille lui aussi au Laboratoire de radioactivité de l’Institut Wilhelm Kaiser de Berlin et recevra tous les honneurs. Le comédien dessine d’autres personnages, dans une narration très bien menée. De même Imer Kutllovci, Otto Robert Frisch, physicien, neveu de Lise et autres figures.

On retrouve Benoît Di Marco dans ce deuxième volet de « Flammes de science ». Il est principalement Anthony Hewish, directeur de thèse de la jeune étudiante à Cambridge, Jocelyn Bell. Jocelyn est née le 15 juillet 43, en Irlande. Après des études à Glasgow, elle est à Cambridge lorsqu’elle découvre les « pulsars », en 1967. Son professeur prend d’abord avec mépris sa recherche, avant de comprendre qu’elle a raison. Il publie sous son seul nom un article dans Nature et reçoit le prix Nobel en 1974. Une partie de la communauté scientifique connaît la vérité, mais Jocelyn Bell est un grand caractère et ne dit rien. Elle poursuivra ses recherches, recevant de nombreuses récompenses.

Marie Steen, qui met en scène les deux pièces, excelle à insuffler un rythme vif, en s’appuyant donc sur trois comédiens seulement, à chaque fois. Mais on est saisi par les « intrigues » et pris aussi par l’intelligence des scénographies mobiles de Luca Antonucci.

Benoît Di Marco ne craint pas les personnages rugueux, voire peu sympathiques. Il est fin et délié. Très précis. Clémentine Lebocey, est une douce Jocelyn, ligotée par des complexes (être irlandaise, n’être qu’une jeune étudiante, d’une famille de quakers) et surtout d’une noblesse d’esprit extraordinaire. Et une très grande savante, toujours à l’écoute du monde ; elle aura 80 ans le 15 juillet prochain. Clémentine Lebocey est remarquable, jamais démonstrative. Comme l’est son amie, sa colocataire, Janet Smith, étudiante en théologie. Les très jeunes femmes partagent des conversations très sérieuses sur le sens de la vie, la religion, le ciel des astrophysiciens et celui des croyants. Mais rien n’est lourd jamais et Roxane Driay est elle aussi ultra-sensible et vive.

Bref de très beaux moments de vrai théâtre qui nous éclairent et nous dévoilent des destins de femmes très intelligentes, flouées, volées même, mais d’une dignité et d’une hauteur de vue qui dépasse toutes les indignations. Des âmes fortes .

Théâtre de la Reine Blanche, les deux pièces en alternance, jusqu’au 28 janvier pour Exil Intérieur et ensuite seule à l’affiche, jusqu’au 5 février, Prix No’Bell. Horaires à vérifier : 14h30, 16h00, 18h00, 19h00, selon les jours. Durée : 1h20 à peu près, chaque pièce. Tél : 01 40 05 06 96.

www.reineblanche.com

reservations@scenesblanches.com

Les deux textes sont publiés dans la collection les Quatre-Vents de l’Avant-scène théâtre (15€). En vente sur place.

Publié dans Sceneweb le 28/11/22

Il s’appelle Narcisse. Hier, il fut l’archange à la voix d’or, chanteur prodige du plus grand groupe du monde. Aujourd’hui, il vit seul, reclus dans son appartement du dernier étage, ressassant sa jeunesse et sa gloire. Jusqu’à ce qu’on lui propose de reformer son groupe pour un dernier concert. Mais peut-il être encore celui que le monde entier réclame ? Dans quel but ? A quel prix ?

Habitué des belles aventures de troupe, Adrien Michaux est pour la première fois seul en scène. Dirigé par Lou Wenzel, il donne chair et souffle à son propre texte.

Quête d’identité, journal sous acide, épopée rock et intime croisant les mythologies, « Brûle Narcisse » reconvoque la figure de l’idole déchue et lui donne la parole, pour raconter son chemin de folie et de solitude – à la poursuite éperdue de son présent.

Narcisse, c’est le visage placardé dans notre chambre d’adolescent.e, à qui nous interdisons de changer, de vieillir, à qui nous ordonnons de rester figé dans l’instant bouleversant de sa gloire – parce que c’est à cet instant que nous l’avons aimé, à cet instant qu’il nous a rendus heureux.

Brûle Narcisse (mon destin sans nuage)
De et avec Adrien Michaux
Mise en scène : Lou Wenzel
Création son : François Caffenne
Création lumière : Thierry Pilleul
Production déléguée : Cie la Louve

Ce texte est lauréat de l’Aide à la création de littérature dramatique attribuée par Artcena. Il est publié aux Editions Koïnè.

Du 31 Janvier au 10 Février 2023
Théâtre-Studio d’Alfortville, à 20h30 (relâche le 5)

Le 18 Février
Garage-Théâtre de Cosne-sur-Loire

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan 3/01/23

Depuis 2018, aucun spectacle de l’immense metteur en scène Krystian Lupa n’est venu en France. Les spectacles du Polonais se sont multipliés dans son pays et ailleurs dans le monde, mais aucun n’a été programmé sur une scène française. Lupa aura 80 ans le 7 novembre prochain, il n’a jamais été si jeune, si productif, si imaginatif. Krystian revient !

Par Jean-Pierre Thibaudat dans son blog Balagan - 2 janvier 2023

Plume précieuse et appréciée de la rubrique théâtre au quotidien « Le Monde » de 1970 à 1995, Colette Godard fut une spectatrice assidue et curieuse des aventures théâtrales jusqu’au bout de sa vie. Elle est décédée le 31 décembre à l’âge de 96 ans. Adieu Colette.