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Propuesta metodológica para el análisis de imágenes informativas impresas y en línea / Belén Puebla-Martínez, Laura González-Díez, Pedro Pérez-Cuadrado
Este trabajo propone la utilización de un conjunto de categorías y variables a la hora de analizar las imágenes que invaden los medios informativos de cualquier índole. Mediante una bibliografía especializada y una propuesta de análisis de contenido —no únicamente cuantitativo— se concluyen dos premisas básicas: una, que cualquier análisis de la imagen no tiene sentido sin un objetivo; y dos, que nunca se hace necesario contemplar absolutamente todas las variables existentes. Lejos de formular una teoría de la imagen de la que obviamente participa, se pretende ver su comportamiento en un soporte humilde universalmente extendido, sea impreso o digital.
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Este artículo explora la circulación de una imagen en medios digitales, como un fenómeno propio de la cultura visual digital. El marco teórico conecta las líneas de cultura visual y cultura digital, para comprender la circulación como parte del proceso de comunicación, así como el vínculo entre materialidad, prácticas y contextos. Se aborda el caso de la imagen “Mex I can”, mediante el seguimiento de su rastro en medios digitales. Con estos datos se realizó un análisis de contenido cualitativo, para identificar los temas y contextos sociales que se vinculan a las modificaciones técnicas y la circulación de la imagen en internet. Como resultado, se identificaron diferentes momentos y cambios en la fotografía, desde su publicación en 2017 hasta 2020. La imagen se toma, modifica y recomparte en torno a acontecimientos sociopolíticos específicos. Si bien todos expresan el orgullo mexicano, se evidencian algunos acuerdos y desacuerdos políticos sobre esta idea.
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La fenomenología feminista se propone como mirada que evidencia la normalización de las prácticas incorporadas de salud y belleza ligadas al estilo de vida ‘fitness’ en las mujeres. Ante la pregunta: ¿Cómo se construye la imagen del cuerpo “saludable” que las mujeres tienen y desarrollan, atravesado por las prácticas del estilo de vida ‘fitness’, a partir de y, en interrelación, con ‘Instagram’? Se responden con etnografía para el Internet para comprender las visualidades corporales y las prácticas hegemónicas del ‘fitness’ y se triangula con entrevistas narrativas a cuatro mujeres. Se resalta el papel de la fotografía digital para la, propuesta propia, hiperconciencia corporal.
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Este artículo presenta una aproximación al fenómeno de la desinformación visual con la intención de desarrollar una taxonomía que clasifique las técnicas empleadas en la producción de imágenes falsas en contenidos desinformativos relacionados con la aparición y desarrollo de la pandemia del COVID-19. Partiendo de una muestra de 80 ítems de contenidos visuales desinformativos en relación con la pandemia y sus consecuencias sociales, extraídos de páginas webs informativas, medios digitales y redes sociales. Se ha desarrollado sobre la muestra un proceso inductivo en cuatro fases: primeramente, una recogida y rastreo, seguido de la observación e interpretación de sus contenidos, para clasificarlos y obtener finalmente unas pautas comunes referenciales extrapolables. De este modo se busca establecer patrones vigentes que permitan catalogar las técnicas y procesos de manipulación fotográfica. Como resultado se ha obtenido una propuesta de taxonomía a modo de mapa de las tácticas que mayoritariamente se han empleado para la desinformación visual durante la pandemia. Se establecen tres segmentos clasificatorios primarios: manipulaciones ex ante, ex facto y ex post, haciendo alusión al periodo temporal en el que la alteración de la fotografía (des)informativa tiene lugar. Finalmente, surge una segunda disposición clasificatoria atendiendo a la tipología exacta de la técnica manipulativa empleada. En conclusión, queda patente el papel de la fotografía en la desinformación que afecta a la crisis pandémica actual, poniendo de relieve los diversos caminos manipulativos que la imagen puede tomar. La propuesta pretende contribuir al anhelo de quienes, ante esta pandemia doble, la vírica y la desinformativa, ven la oportunidad de reforzar una más férrea alfabetización mediática.
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¿Qué comparte la gente en Instagram? ¿Y por qué hoy en día Instagram es una plataforma perfecta para estudiar la fotografía popular alrededor del mundo? La mayoría de las discusiones acerca de Instagram en medios populares se dedican sólo a algunos casos: autorretratos, celebridades, estrellas de instagram y blogueros de moda.
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Nuestro mundo digital es cada vez más visual. Aplicaciones móviles centradas en la fotografía digital como Instagram son vehículos para la creación, manipulación y difusión instantánea de imágenes. Instagram supone, por tanto, una ventana abierta a la investigación en Ciencias Sociales y Humanidades Digitales, y una oportunidad de investigar cómo los jóvenes usuarios de esta aplicación desarrollan la cultura visual en sus entornos locales a través de lenguajes visuales globales. En este trabajo se repasa la metodología usada para estudiarlo a través del análisis de la producción de Instagram en Granada a partir de una muestra de 955.564 publicaciones y 375.758 imágenes publicadas y geolocalizadas recogidas a lo largo de un año (entre abril de 2017 y de 2018), con el objetivo de mostrar cómo se construye socialmente la imagen de una ciudad.
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La difusión de fotografías vinculadas a la actualidad a través de las redes sociales antes incluso de ser publicadas en los medios de comunicación, ha alterado el rol tradicional de fotógrafos y de editores gráficos. Estas fotografías, vistas por millones de personas en todo el mundo y cuya difusión se produce a través de Twitter, Facebook o Instagram, eluden la fase de edición gráfica otrora fundamental en todo proceso de comunicación periodística, pues es en esta fase donde se otorga un sentido concreto y consciente a las imágenes. Esto supone que las fotografías son publicadas sin atender a ninguna estrategia de planificación ni revisión de la producción, lo que deriva en un uso descontrolado de la imagen periodística. Pero no solo ha sido eliminado el criterio de selección con la desaparición del editor gráfico, también la autoría, con fotógrafos fagocitados por los propios sujetos retratados, en imágenes donde no hay firma ni copyright, y donde la mirada del autor parece haber sido desplazada del visor de su cámara.
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En el presente trabajo nos proponemos un estudio teórico sobre los cambios en la fotografía a partir de la digitalización de su dispositivo y el advenimiento de los nuevos medios de comunicación con base en Internet. En primer lugar, nos abocamos al análisis de distintas teorías sobre la fotografía, particularmente en aquellas que plantean la especificidad de la imagen fotográfica a partir de su carácter indicial, el funcionamiento del dispositivo y la representación de lo real. En relación a lo anterior revisamos los debates que a partir de la década del noventa, con el advenimiento de las tecnologías digitales y los nuevos medios de comunicación, plantearon la muerte de la fotografía y la era de la postfotografía. Finalmente, proponemos algunas reflexiones e interrogantes sobre la etapa actual del pensamiento sobre la fotografía digital contemporánea, las transformaciones en las prácticas fotográficas, y en los modos de representación, a partir de los cuestionamientos a la credibilidad de la fotografía (basada en la dimensión icónico-indicial y el registro directo de lo real).
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En la historia de la fotografía, los desarrollos tecnológicos proporcionan una base para nuevas formas de imágenes. Estos, a su vez, son seguidos por nuevas formas de teorizar la imagen fotográfica. El bajo precio y la facilidad de uso de la cámara Kodak Brownie en 1900 dio lugar a un movimiento masivo de la fotografía amateur, introdujo la instantánea y estableció una tradición de álbumes de fotografías familiares. Del mismo modo, alrededor del 2010 aumentó la popularidad de un nuevo tipo de dispositivo para la toma de imágenes, el intercambio de imágenes y la visualización de las mismas mediante un teléfono inteligente con cámara incorporada, conexión inalámbrica a Internet y plataformas on-line para compartir imágenes en redes sociales. La disponibilidad de tales dispositivos ha proporcionado la base tecnológica para la formación de un nuevo subgénero de la fotografía amateur: el selfie. El selfie continúa la tradición del autorretrato fotográfico, pero al mismo tiempo nos presenta un tipo de imagen radicalmente nuevo que exige formas igualmente nuevas de analizarlo. Asimismo, la autorrepresentación y el desempeño de las identidades en entornos de intercambio de imágenes on-line se pueden teorizar desde diferentes perspectivas. En este trabajo nos centraremos en un punto de vista del selfie como un medio para hablar de la propia biografía, fragmentar el yo, experimentar la multiplicidad del sujeto o evidenciar las cuestiones de género. Veremos ejemplos de artistas que trabajan con el uso de selfie en redes sociales como una forma de capital social que nos invita a reconfigurar las conexiones supuestas entre visibilidad, rostro/cuerpo y política y estableceremos un paralelismo con artistas contemporáneos que ya adelantaron estas cuestiones para intentar demostrar que el fenónemo selfie sigue la tradición del autorretrato en el arte.
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Este artículo estudia la frecuencia y variaciones de uso de imágenes de perfil en trece adultos, seis mujeres y siete hombres, adscritos a Facebook. Seguimientos de 6 meses, reportes semanales de los participantes y tipificación de las imágenes de perfil mediante un sencillo sistema de clasificación, permitieron construir una tipología de usuarios y matizar algunas preconcepciones e ideas comunes acerca de la supuesta profusión y diversidad de formas de representación de la persona en la web.
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Este articulo realiza un estudio de 200 perfiles de Facebook de personas adultas con la finalidad de conocer cuáles son las fotografías más utilizadas para la conformación de la imagen del perfil y qué herramientas utilizan los usuarios que ya han dejado atrás la adolescencia para reforzar su identidad en esta red social.
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La fotografía ha evolucionado de la materialidad de la gelatina de plata a la virtualidad de las imágenes generadas por ordenador (CGI). Este ensayo es un análisis de 3 obras que usan el archivo fotográfico en distintos formatos: Atlas de Gerhard Richter (proyecto en curso) está compuesto por material físico, 9-Eyes de Jon Rafman (proyecto en curso) está formado por imágenes digitales extraídas de Google Street View y Postcards from Home de Roc Hermes (2016) es un libro que recopila pantallazos de la plataforma Home de PlayStation 3. El método de estudio consiste en identificar las similitudes y las diferencias en cuanto a cómo fueron concebidos estos trabajos en la mente de los artistas y por otra parte como ha ido cambiando el medio fotográfico en cada uno de ellos. El interés de la investigación radica en identificar los cambios que se han producido en la fotografía analógica, digital y virtual en conceptos como identidad, objetividad, verdad y realidad.
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El fenómeno del selfie es una actividad social ligada a la tecnología. Se analiza este fenómeno de acuerdo con los postulados y categorías conceptuales de David Morley como la domesticación y mediación de los aparatos tecnológicos. Se describe el surgimiento del fenómeno del selfie como consecuencia de la modernidad y el avance tecnológico en las sociedades modernas y tradicionales. Se detallan los diferentes motivos para compartir un selfie y lo que se pretende comunicar.
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El auge de las redes sociales y el protagonismo de la fotografía en ellas han traído cambios en la producción y en la recepción de las imágenes, así como en la construcción de nuestra intimidad. Dentro de este entorno social digital, nos convertimos en consumidores y productores de imágenes al mismo tiempo, voyeurs observados a uno y otro lado de la pantalla, que comparten vidas ficcionadas y fotografiadas compulsivamente para su consumo online. En este artículo, abordamos la autobiografía mediática construida en la esfera virtual y que compone la Happygram, poniendo el foco de atención en la transformación de la mirada y de la imagen fotográfica, así como en las nuevas narrativas visuales que se generan en nuestro archivo personal. Paralelamente, analizamos las respuestas fotográficas en el arte contemporáneo ante estas nuevas dinámicas, que reflexionan sobre el protagonismo del selfie y el registro de las experiencias que compartimos y consumimos en este panóptico digital.
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Objetivos: analizar los contenidos publicados por los principales health foodies españoles con el fin de conocer tanto el uso que hacen de Instagram desde el punto de vista gastronómico y publicitario como el grado de compromiso que alcanzan con su audiencia social. Metodología: se realiza un análisis de 1.174 contenidos publicados en Instagram por parte de seis health foodies españoles durante quince días. El estudio se lleva a cabo desde tres perspectivas: el compromiso conseguido con su actividad, la presencia de elementos propios de la gastronomía y la inserción de marcas, productos y servicios en los contenidos difundidos. Resultados: se detecta que un mayor número de seguidores no implica un mayor grado de compromiso con la audiencia social ni viceversa, que no solo promocionan marcas relacionadas con la alimentación y la gastronomía y que la alimentación vegana y de gusto salado priman por encima de otros estilos alimentarios.
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¿Qué significa “rostro latinoamericano”? ¿No son los rostros biológicos, sociales, culturales y representados de América Latina parecidos a otros rostros de otros continentes? ¿Subrayar su peculiaridad no expone quizás al riesgo de atribuir una esencia artificial a un conjunto de estereotipos y prejuicios? El rostro es un objeto complejo desde su propia definición lingüística: cara, semblante, rostro son lexemas que, dentro de una sinonimia superficial, designan matices distintos de una entidad misteriosa. El desafío es grande cuando se elige enfatizar la dimensión geo-cultural. El rostro cesa de ser un conjunto de células biológicas y se vuelve una colmena de células semióticas, cuya configuración y reconfiguración trabajan incesantemente signos, discursos y textos variados, con complicados efectos de superposición en el tiempo y en el espacio. Nuestras caras son enjambres semióticos constantemente mutantes, pero no son amorfos. La hipótesis que subyace en este número especial con que deSignis inaugura la colección HORS SERIE es que una semiosfera tan problemática y conflictiva como la de América Latina, donde a menudo los rostros se vuelven imágenes de dominación y poder, y al mismo tiempo de rescate y liberación, presenta la paradoja del rasgo individual y del colectivo.
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.El primer apartado del libro, el que toma su título de la materia principal, Imagen y gesto, nos lleva por varios textos que nos aproximan a la política, las introspecciones y las búsquedas existenciales. En el segundo capítulo, Imagen y sociedad, predominan representaciones de la sociología visual ligadas a la ciencia, la ficción, los espacios y la muerte. La tercera sección, titulada Industria de la imagen, trabaja con las identidades creadas al calor de dos de los más importantes productos industriales de la cultura de masas: el cine y la fotografía. Nuestro cuarto episodio, Teoría y práctica de la cultura visual, nos lleva por tierras de las artes aplicadas, a saber: diseño industrial, diseño gráfico, entre otros. Finalmente, en Historia y filosofía de lo visual, nos animamos a ver aquello relacionado con filosofía del arte y elementos asociados a las tecnologías de la imagen y documentos iconográficos.
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El fotoperiodismo presenta un impacto significativo en los medios y agencias a través de Instagram, influido por la intervención de las redes y plataformas, los filtros y los algoritmos.
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Este artículo es un estudio sobre la evolución de la fotografía de 2 dimensiones a 3 dimensiones a través de la representación de animales. El objetivo es trazar el origen de las imágenes generadas por ordenador (CGI) desde una mirada crítica hacia el impacto del hombre en otras especies y la concepción de la realidad.
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A lo largo de este artículo se revisará la noción de performatividad aplicada al entorno de la comunicación visual contemporánea. La performatividad se propone como un posible paradigma de análisis de las imágenes que circulan en las redes sociales que puede posibilitar una mayor comprensión de las interacciones y de las prácticas fotográficas contemporáneas de la cultura digital.
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Este ensayo se propone reflexionar la manera en que el proceso de mediatización, característico de las sociedades industrializadas de hoy, ha reconfigurado dos prácticas sociales: el turismo y la fotografía. Para ello, analizo la relación entre éstas y la red social digital Facebook
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.En este artículo se aborda cómo la imagen fotográfica, reconocida oficialmente en el año 1839 en pleno auge del conocimiento científico, pasó de ser concebida como un medio de registro fiel de la realidad, a una imagen compleja que guarda múltiples dimensiones; y que responde a condiciones de producción, circulación y recepción determinadas por la ideología y el poder. Palabras clave: imagen fotográfica, complejidad, transdisciplina.
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En este trabajo abordamos el estudio empírico de la fotografía urbana compartida en Instagram. Estudiamos los casos de tres ciudades iberoamericanas etiquetadas como: #buenosaires, #cdmx y #madrid. Proponemos una aproximación distante (Moretti, 2007, 2015) a partir de cuatro técnicas de analítica de datos (Gandolmi y Haider, 2015) aplicadas a la investigación cultural. Indagamos acerca de los modos en que las ciudades son representadas por los usuarios en la plataforma, los usos sociales de los hahstags, y a nivel metodológico, las posibilidades de la analítica de datos para realizar un estudio sociocultural. En base al diseño metodológico y el análisis empírico establecemos conclusiones sobre los métodos de investigación basados en datos, sobre las representaciones urbanas, y sobre el uso y las prácticas de los usuarios en Instagram.
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El objetivo de este artículo es analizar la relación entre fotografía y verdad y evaluar de qué modo el mensaje icónico se modifica con la llegada de la era digital, la capacidad plástica de las imágenes de mapa de bits y la proliferación de fotografías en Internet y las redes sociales. En este artículo se recogen algunos resultados de una investigación con un enfoque diacrónico y antropológico, basada en el trabajo con documentación bibliográfica y en el análisis de imágenes difundidas desde diversos medios. Como valor añadido, se aporta la observación y experiencia activa como usuarios y profesionales del diseño gráfico y el uso de programas de retoque fotográfico como Adobe® Photoshop®. Se plantean preguntas para evidenciar cuestiones sobre el uso que viene haciendo la sociedad del retoque fotográfico y cuáles podrían ser los factores que crean interpretaciones sobre trabajos de retoque de imágenes considerados como necesidades de la edición técnica a diferencia de otros que sean entendidos como manipulación malintencionada. La imagen fotográfica funciona como elemento de la comunicación con diversos significados dependiendo del mensaje al que pertenece y los valores a los que sirve
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El trabajo se centra en estudiar la comunicación visual de las marcas desde la vertiente fotográfica y en investigar su aplicación en las redes sociales. Queremos analizar la fotografía y la definición de un estilo fotográfico como elementos indispensables para las empresas en la era digital, no solo como contenido sino también como herramienta de branding, así como las nuevas relaciones que se han creado entre fotógrafos, marcas y audiencia.
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Gráfica, vol. 10, n° 20 (2022).
Texto completo aquí: https://revistes.uab.cat/grafica/article/view/v10-n20-puebla-gonzalez-perez/214-pdf-es