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Fotografía en gotas... 'Audrey en Roma'. Expo en Roma. Más de 8.000 imágenes inéditas de Hepburn.
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George Hurrell, el fotógrafo que pulía estrellas.

George Hurrell, el fotógrafo que pulía estrellas. | Fotografía en gotas... | Scoop.it

Le llamaban “grand seigneur of the Hollywood portrait” (el gran señor del retrato hollywoodiense) o “the master of light” (el maestro de la luz), y algunos lo consideran el mejor retratista que jamás haya trabajado para las estrellas del cine. Su recuerdo parece reservado a los cinéfilos más nostálgicos, aquellos que gustan de bucear en la mitología de la época dorada de Hollywood. Al igual que leyendas invisibles del tamaño de Bill Gold, Harry Lange o Sid Avery, su nombre no aparece en las conversaciones sobre el séptimo arte. Pocos recuerdan que un día fue el más grande, en aquellos tiempos donde los estudios se mataban por trabajar con George Hurrell: el hombre que convirtió el glamour en su traje de andar por casa.

 

Hurrell nació en Covington (Kentucky) en 1904, a pocos kilómetros de Cincinnati. Su pasión, desde muy joven, fue la pintura, y con ocho años pasaba horas dibujando todo lo que se cruzaba por delante de sus ojos. Viendo claramente que aquello sería algo más que un hobby, en los años veinte Hurrell se mudó a Chicago para estudiar en el Instituto de Arte. Allí descubrió, mientras trataba de entender el funcionamiento de una cámara para fotografiar sus cuadros, que quizá había encontrado algo mejor que el dibujo y la pintura. En 1925 conseguiría una beca para ir a inmortalizar cuadros y artistas a una colonia creativa de California. El viaje abrió la mirada del fotógrafo. Quedó fascinado por la luz de aquella región y decidió que Los Ángeles podría ser un buen lugar para tratar de averiguar qué quería hacer con su vida.

 

“Le gustaban mucho las fiestas. En una de ellas conoció a Poncho Barnes, una piloto, y, tras conversar con ella un buen rato, acabaron pactando que Hurrell le haría unas fotos para su recién adquirida licencia”, cuenta por teléfono desde Londres Phil Moad, uno de los mayores expertos sobre la obra de Hurrell, encargado de supervisar la Kobal Collection, el mayor archivo fotográfico del mundo relacionado con el séptimo arte. Las fotos le gustaron tanto a Barnes que –en agradecimiento– le presentó a Ramón Novarro, una estrella del cine mudo con un contrato con la Metro Goldwyn Mayer (MGM) del que quería librarse para construirse una carrera como cantante de ópera. “Novarro hizo que Hurrell le fotografiara con distintos atuendos, y su plan era enviar esas fotos a Italia y Francia e intentar así reinventar su carrera. MGM se enteró y Louis B. Mayer, el jefe de la casa, prohibió en persona a Novarro hacer algo semejante”, sigue explicando Moad. “Sin embargo, las fotos corrieron por el estudio y Norma Shearer, la esposa de Irving Thalberg (vicepresidente de MGM durante dos décadas), quedó fascinada por ellas. MGM iba a producir una película llamada La divorciada. Piense que estamos hablando de 1929 y por aquel entonces se preveía que aquel iba a ser un filme escandaloso. Las candidatas para interpretar a la protagonista de la película eran Joan Crawford, Greta Garbo y la propia Shearer. Garbo era demasiado pija y no quería hacerlo; Crawford tenía una imagen muy marcada, la de una chica a la que le gustan las fiestas, la diversión, así que estaba también descartada; finalmente, Shearer era perfecta para el rol. Pero Thalberg, su marido, dijo que no, que aquello no iba a funcionar, que ella era demasiado dulce y el público no la creería. Así que Shearer, que quería expandir sus cualidades como actriz, pensó en Hurrell. Le pidió el teléfono de este a Novarro y le llamó: ‘George, quiero hacer este personaje, mi marido dice que soy demasiado dulce para hacerlo y que nadie va a creérselo. ¿Puedes ayudarme a cambiar mi imagen?’. Naturalmente, Hurrell dijo que sí. El día convenido, Shearer llegó allí, con un vestido y nada más, sin ropa debajo, intentando parecer una mujer atrevida, casi indecente. Si hoy miraras esas fotos, te parecerían de una ingenuidad aplastante: hay algo de escote, pero nada más. Sin embargo, con los retratos consiguió el rol e hizo algo más: ganó el Oscar a mejor actriz. Así que MGM hizo lo único que podía hacer: en 1930 le contrató”.

 

Hurrell pasó los dos años siguientes fotografiando a Clark Gable, Joan Crawford, Greta Garbo… Sin embargo, una indiscreción (una escapada de fin de semana haciendo retratos para otro estudio a espaldas de la MGM que llegó a oídos de quien no debía) hizo que Howard Strickling, el publicista que mandaba más que el presidente en la compañía, le pusiera de patitas en la calle. De aquella época, Moad destaca la manera peculiar en que Hurrell retrataba: ponía música ligera, creaba una atmósfera de relax, conversaba con las estrellas y las hacía sentirse cómodas. Si eso no funcionaba, fingía ruidos de pedos con la boca, la actriz se reía y él aprovechaba para tomar la foto. “Un día se pasó por su estudio Greta Garbo, que no tenía mucho sentido del humor. Se ofendió con aquellas bromas que consideraba de mal gusto y dijo que jamás volvería a trabajar con Hurrell”.

 

Tras dejar MGM, el fotógrafo desplegó todo su talento free-lance para Warner Brothers, Paramount y Columbia. Retrató a Errol Flynn, Mae West, Humphrey Bogart, James Cagney, Bette Davis… Cuando se cansó de aquello, se largó a trabajar en publicidad al corazón del mundo: Nueva York. Pasó los cincuenta en una oficina de Madison Avenue e incluso colaboró con el ejército, tomando retratos de los altos mandos en plena guerra fría. Cuando quiso volver a Los Ángeles y meter de nuevo la cabeza en el cine, todo había cambiado tanto que solo pudo conseguir un empleo como foto fija: eran los años sesenta y nadie se acordaba de Hurrell. En 1965, sin embargo, varios museos empezaron a colgar su obra, apareció un libro que repasaba su trayectoria y, de pronto, su nombre volvió a estar en boca de todos. A principios de los setenta recorrió otra vez Hollywood y por su objetivo pasaron Robert Redford, Paul Newman y Liza Minnelli. Su última etapa, que empezó cuando Hurrell se retiró a su casa californiana, incluyó a Sharon Stone y Brooke Shields. En 1981, un retrato suyo del actor Ramón Novarro se adjudicó por 9.000 dólares (7.200 euros), un precio jamás alcanzado hasta entonces por una fotografía relacionada con el mundo del cine. La muerte le sobrevino mientras finalizaba su trabajo para Warren Beatty y Annette Bening en Bugsy. Tenía 88 años y llevaba más de 50 agarrado a su cámara. A lo largo de su carrera había fotografiado a generales en sus despachos, pintores en sus refugios, a todas las estrellas habidas y por haber, y a un buen montón de amigos que deseaban colgar un retrato del grand seigneur en su pared.

 

Así, 35 años después del último libro relevante sobre su obra, llega Hurrell: The Kobal Collection (Reel Art Press), con casi 300 retratos de la época dorada de Hollywood, elaborado a cuatro manos por el citado Moad y el editor británico Tony Nourmand. No hay duda de que la amistad entre el también desaparecido John Kobal y Hurrell ha sido un punto de inflexión para la concreción de este proyecto, ya que todo el legado del maestro de la luz está en las mismas manos. “Él fue el primer fotógrafo-celebridad de Hollywood”, concluye Moad. “Muchos intentaron imitarle, pero ninguno lo consiguió. Gracias a su fondo como pintor, supo utilizar la luz y las sombras para definir una era. Ayudó a moldear la imagen de las estrellas tal como las conocemos ahora, y no solo gracias a su talento; también era un hombre con una capacidad diplomática increíble. Socializaba con todo el mundo. Las estrellas le conocían. Espero que el libro ayude a descubrir al hombre que fotografió a todos esos actores: conocemos sus fotos icónicas, pero no sabemos nada de él. Estaría bien cambiar eso”.

 

‘Hurrell: The Kobal Collection’. Tony Nourmand y Phil Moad. Reel Art Press. 288 páginas

 

De: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/10/11/actualidad/1349972075_231181.html

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“El turismo en Europa hace cien años”. Fotografías del Museu Frederic Marès y del IEFC.

“El turismo en Europa hace cien años”. Fotografías del Museu Frederic Marès y del IEFC. | Fotografía en gotas... | Scoop.it

Una exposición virtual de fondos del Museo Marés y otros recoge las primeras imágenes captadas por las cámaras de los viajeros de hace un siglo.

 

Es tiempo de regreso de vacaciones. Muchos de los que mañana se enfrentarán a la vuelta al trabajo lo harán recordando lo bien que se lo han pasado durante sus días de asueto y los lugares que han visitadoi. Con el tiempo, lo único que quedará serán las fotografías, los cientos de imágenes que han capturado durante estos días con sus cámaras. Y aunque ahora el mundo digital hace que se hayan multiplicado por mil, siempre ha sido así, desde que la fotografía nació a finales del siglo XIX y principios del XX. Entonces eran unas pocas personas pertenecientes a las élites económicas las que tenían acceso a cámaras fotográficas. Eran los mismos que podían viajar y hacer turismo, casi siempre en circuitos culturales, que poco tienen nada que ver con los actuales, siempre masificados, en los que realizaban fotografías que con el tiempo se han convertido en documentos históricos.

 

Desde entonces, el fenómeno del turismo y el de la fotografía, han crecido en paralelo de forma imparable, aunque han perdido gran parte del encanto que tuvo en esos momentos. El Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña (IEFC), que conserva más de 800.000 originales y el Museo Frederic Marés, que posee una de las primeras colecciones públicas de fotografía del siglo XIX en España, han organizado la exposición virtual El turismo en Europa hace cien años, con algunas de las primeras imágenes que captaron de ciudades y monumentos estos turistas.

 

Los autores de las placas e instantáneas son particulares como el juez de la villa de Sarrià Enrique Barrie, el abogado Eduard Monteys y los empresarios Manuel Perdigó y Jaume Roca. En la mayoría de sus fotografías los protagonistas son sus familiares, sus mujeres e hijos que pasean por las calles de ciudades como París, Roma, Niza, Venecia, Londres o Montecarlo, que hacen excursiones y toman el sol en las playas de moda de entonces, en situaciones que se intuyen poco cómodas por la parafernalia y los encorsetados vestidos y bañadores de ellas, o incluso descansan en las habitaciones de sus hoteles tras una agotadora jornada.

Buena parte de estos documentos son imágenes estereos-cópicas, una técnica que hacía furor en los primeros años de la fotografía. Pioneras del 3D, tan de moda actualmente, este sistema permitía disfrutar en sociedad de la visión de los del mundo de una forma mucho más ajustada a la realidad.

 

La exposición ha sido coordinada por Ernest Ortoll y Laia Foix, y cuenta con un texto del especialista en fotografía antigua y su conservación, Pep Parer, experto en fotografía estereos-cópica. El Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña muestra en su web otras interesantes galerías fotográficas: es el caso de las imágenes deportivas del gran fotógrafo Merletti, una de barcos mercantes, que sustituyeron a los barcos de vela; también otra de los primeros ferrocarriles que cruzaron Barcelona, impagables fotos de familia o las siempre conmovedoras imágenes de la Exposición Universal de 1929, el gran acontecimiento mundial que vivió la ciudad de Barcelona.

 

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/09/02/catalunya/1346541172_171565.html

 

http://www.iefc.es/documentacio/galeria-viatges-turisme/index-viatges-turisme-cast.php

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Nueva York da acceso a su archivo fotográfico.

Nueva York da acceso a su archivo fotográfico. | Fotografía en gotas... | Scoop.it

La ciudad más fotogénica del mundo, la que más hemos visto en el cine y en la televisión, permite ahora acceder a su memoria fotográfica. Los Archivos Municipales de la ciudad de Nueva York han publicado online 870.000 fotografías procedentes de sus fondos. Imágenes que van desde mediados del siglo XIX hasta los años 80 del siglo pasado. Y eso son sólo menos de la mitad de las fotos disponibles en los archivos.

 

A medida que el tiempo y el dinero lo permita, el resto de esas imágenes históricas serán también digitalizadas y publicadas.

 

Las fotografías fueron tomadas por funcionarios públicos y no se trata de imágenes artísticas, sino de fotos realizadas para trámites legales, para registrar la construcción o reparaciones de infraestructuras de la ciudad, para capturar escenas de crímenes… Entre esos fotógrafos desconocidos destaca el nombre de Eugene de Salignac, un funcionario que produjo alrededor de 20.000 fotografías de Nueva York entre 1904 y 1932. También existen en los archivos fotografías de fichas policiales. Entre ellas, las del mítico mafioso Lucky Luciano, detenido el 18 de abril de 1932, antes de convertirse en una leyenda criminal tras la II Guerra Mundial.

 

El laboratorio digital de los Archivos Municipales de Nueva York se creó en 2003 para digitalizar los fondos fotográficos en peligro de perderse para siempre. El laboratorio ofrece además a los ciudadanos la posibilidad de hacer pedidos de imágenes históricas en alta resolución, del mismo modo que se pueden solicitar copias impresas de las fotografías que conforman los archivos.

 

 

Galería | nyc.gov
Vía | elpais.com
Foto | New York City Municipal Archives

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Sergio Larraín, el gran fotógrafo chileno que dio la espalda al mundo.

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Sergio Larraín ,el fotógrafo chileno más reputado, exmiembro de Magnum, falleció el martes a los 81 años en su casa de Tulahuén, Chile.

 

Había dado la espalda a la fotografía de primera línea al inicio de los 70, tras adquirir su prestigio en tan solo dos décadas. Su obra, acogida en museos como el MoMa, está enmarcada en temas como la injusticia social y en retratos a personajes claves de su época, como Pablo Neruda y Pelé.

 

"El juego es partir a la aventura, como un velero, soltar velas", escribió a su sobrino Sebastián Donoso en una carta datada en 1982 sobre cómo trabajaba, hoy citada por el periódico chileno La Tercera. "Vagar y vagar por partes desconocidas, y sentarse cuando uno está cansado bajo un árbol, comprar un plátano o unos panes y así tomar un tren, ir a una parte que a uno le tinque, y mirar, dibujar también, y mirar. Salirse del mundo conocido, entrar en lo que nunca has visto, dejarse llevar por el gusto, mucho ir de una parte a otra, por donde te vaya tincando. De a poco vas encontrando cosas y te van viniendo imágenes, como apariciones las tomas". La misiva es hoy reproducida en muchos blogs y foros de fotografía, como testimonio en primera persona de alguien que se retiró del mundo.

 

Larraín nace en Santiago de Chile en 1931, dentro de una familia acomodada. Pudo estudiar ingeniería forestal en Universidad de Berckley, California. Una cámara Leica le hace romper con sus estudios. "Lo primero de todo es tener una máquina que a uno le guste, la que más le guste a uno", confiesa a su sobrino en esa carta "porque se trata de estar contento con el cuerpo, con lo que uno tiene en las manos y el instrumento es clave para el que hace un oficio, y que sea el mínimo, lo indispensable y nada más".

 

Las injusticias sociales serán un tema recurrente en su obra. Su fotografía tiene un marcado estilo desde su primer gran reportaje, sobre niños marginales que viven a orillas del Río Mapocho. El fotógrafo se hace invisible. Los retratados no parecen cambiar su actitud por tener a un hombre con una cámara en la mano, que encuadra de manera poco convencional, con planos contrapicados, a nivel de suelo.

 

Larraín quemó parte de sus negativos tras dejar Magnum. Sus obras se salvaron gracias a las copias que tenía Koudelka.


Sus fotografías son más que bien acogidas desde el principio. Salta a formar parte de la colección iberoamericana del MoMa de Nueva York y consigue en 1958 una beca del British Council, que le permite desarrollar un reportaje sobre Londres. El trabajo impresiona a Henri Cartier Bresson, dueño de las llaves del Olimpo fotográfico: la agencia Magnum. Pero para entrar al selecto club, tiene que pasar al menos una prueba. El francés le encarga al chileno una misión casi imposible: retratar a Giuseppe Russo, un mafioso italiano huido de la justicia y acusado de varios asesinatos. Larraín no se amedrenta y comienza una investigación en Roma que le lleva hasta Sicilia mientras fotografía y fotografía todo lo que ve, pero sin encontrar al huido. Un abogado, amigo del prófugo, le presenta finalmente a Russo en Caltanissetta. Quince días en su círculo de guardaespaldas y desconfianzas sin tomar la cámara. El fotógrafo se hace pasar por un simple interesado en el arte antiguo y se hace tan invisible que a ninguno de los matones le parece raro que retrate finalmente al capo con una Leica de 35 mm. El reportaje se pública en Life, Paris Match y toda suerte de revistas de primera línea. Larraín termina entrando en Magnum en 1962, tres años después.

 

El fotógrafo tiene todo. Tiene ojo, tiene talento, publica su primer libro, El rectángulo en la mano, trabaja en la mejor agencia, que le abre las puertas para retratar a Pablo Neruda, Pelé, hace reportajes sobre la exclusión social, disecciona la ciudad de Valparaiso, retrata la Argelia que quiere romper con el colonialismo, y hasta dicen que inspira a Julio Cortázar para su cuento Las babas del diablo.

 

Pero Larraín se cansa de todo y se repliega hacia su interior en 1970, tras conocer al boliviano Óscar Ichazo, cuya doctrina le llevó al aislamiento. Rompe con Magnum, retira todos sus negativos, los quema y parte de su obra se salva gracias a las copias que celosamente guardó su compañero de firma, el checo Josef Koudelka.

 

Desde entonces Pasa la mayor parte de su vida entre montañas, recluido en su interior y enseñando a otros meditación y yoga; no abandona su retiro ni siquiera cuando estrenan una gran retrospectiva sobre su obra en 1999 en Instituto Valenciano de Arte Moderno. Los que le visitan para preguntarle sobre su pasado, como la periodista Verónica Torres que escribió uno de los mejores reportajes sobre este genio en la revista chilena The Clinic, solo reciben respuestas metafísicas y algún ejemplar de las publicaciones que él mismo edita. Sus fotografías, reveladas en un cuarto oscuro instalado en el sótano de su casa, solo las ven los más cercanos. Así, la mayor parte de su vida.

 

De: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/08/actualidad/1328726652_070975.html

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'CONTACTOS. Los mejores fotógrafos del mundo revelan los secretos de su profesión'

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Fotógrafos como Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Helmut Newton, Nan Goldin o Martin Parr revelan sus secretos profesionales en una edición de tres DVD con 33 entrevistas y un libro. Un compendio que constituye un autoanálisis del proceso y las motivaciones de su trabajo.

 

La mítica serie Contactos, impulsada durante años por el Centro Nacional de la Fotografía de Francia y la cadena televisiva Arte, aparece ahora en el mercado español en una excelente edición íntegra de tres DVD. Entre 1989 y 2004 se realizaron los 33 episodios que componen la serie completa, cada uno de ellos de 13 minutos de duración y dedicado a un fotógrafo. La idea original partió de William Klein: cada fotógrafo elegido presentaría y comentaría personalmente sus hojas de contactos. Se trataba inicialmente de mostrar un material de uso interno desconocido para el público: las impresiones en papel de un rollo o de una secuencia de negativos que sirven al fotógrafo para revisar su trabajo y seleccionar las imágenes.

 

El atractivo de la propuesta consistía en que estas hojas de contactos mostrarían tanto los aciertos como los errores, tanto las fotografías seleccionadas para ser mostradas como las desechadas, permitiendo a través de los comentarios del fotógrafo vislumbrar su método de trabajo y sobre todo el proceso de selección definitiva de las imágenes. Aunque algunos de los episodios siguen fielmente esta idea de partida, muy pronto el marco de análisis, o quizás sería más adecuado denominarlo autoanálisis, desbordó la idea original para convertirse en un exacto autorretrato, a través de su obra, de cada uno de los artistas seleccionados.

 

La fórmula se mantiene inalterable a lo largo de los 33 episodios: el único motor de la narración es la voz en off del fotógrafo mientras vemos en pantalla sus obras, construyéndose un íntimo y fluido diálogo entre lo que vemos y lo que oímos. La efectividad y versatilidad de tan sencillo método se revela extraordinario teniendo en cuenta la extrema variedad de autores y estilos incluidos en la serie. De hecho el conjunto de los 33 autores prácticamente recorre el conjunto de concepciones, prácticas y sensibilidades que encontramos en el medio fotográfico durante las últimas décadas. La simple relación de fotógrafos ya lo pone de manifiesto: desde Cartier-Bresson a Jeff Wall, pasando por Nan Goldin, Araki, William Klein, Raymond Depardon, Doisneau, Elliot Erwitt, Giacomelli, Helmut Newton, Don McCullin, Sophie Calle, Andreas Gursky, Sugimoto, Lewis Baltz, Thomas Ruff, John Baldessari, Bernd y Hilla Becher, Boltanski, Roni Horn, Thomas Struth o Wolfgang Tillmans.

 

Seguro que se puede echar de menos algún nombre, pero lo que es incuestionable es que la nómina de fotógrafos es indiscutible en calidad y representatividad. En un intento por definir, agrupar y clasificar a los diversos autores, cada uno de los tres DVD que componen la serie tiene un título que correspondería a un momento u orientación del medio fotográfico: La gran tradición del foto-reportaje, La renovación de la fotografía contemporánea y La fotografía conceptual. Es aquí donde aparece el único defecto que podría objetarse a un magnífico proyecto, la adscripción errónea o un tanto arbitraria de algunos nombres a una u otra categoría: por ejemplo, la adscripción de Helmut Newton al reportaje, o la de Martin Parr a la fotografía conceptual. Una cuestión menor que no enturbia en absoluto la densa perspectiva que ofrece el visionado de los 33 episodios no sólo sobre el trabajo de cada uno de los fotógrafos sino también acerca de los enormes cambios y transformaciones ocurridos en el campo fotográfico durante las últimas décadas: la incorporación de la fotografía al ámbito de las artes plásticas, el abandono de la hoja de contactos que simboliza con claridad un cambio de método y concepción, la preocupación por el formato de las imágenes, la aparición de las herramientas digitales, el cuestionamiento y problematización de la objetividad, la hibridación del medio con otros soportes, etcétera.

 

Los diferentes episodios de la serie van dejando clara constancia de estos cambios: las imágenes de las hojas de contactos que protagonizan los primeros capítulos van dando paso a la visión de las obras en el espacio expositivo o a la presentación de borradores, preparativos o esquemas de trabajo previos a la toma. El azar, como elemento fundamental en la construcción de la imagen al que aluden muchos de los fotógrafos del primer DVD dedicado al foto-reportaje, es sustituido por la relación o la vinculación entre concepto y visión o idea e imagen.

 

El trabajo de edición de los diferentes registros que se desarrolla a partir de las hojas de contacto se contrapone claramente a la previsualización de la imagen en otros autores. El término artesano que reclaman para definirse a sí mismos algunos fotógrafos, como por ejemplo Cartier-Bresson, deja paso al estatuto de artista. El fotógrafo William Klein compara la hoja de contactos con el diván del psicoanalista, y realmente podría decirse que la serie viene a ser efectivamente como sentar al fotógrafo en el diván. Las reflexiones de unos y otros son lógicamente muy diferentes, y en cierto modo revelan algo de la personalidad de cada uno. Algunos son emotivos, casi confesionales, otros se sitúan muy adecuadamente en una posición de distanciamiento crítico con la propia obra, y otros se acercan también con coherencia al magisterio y cierto didactismo. Es destacable, por ejemplo, el ejercicio testimonial que llevan a cabo Raymond Depardon y Mario Giacomelli, en dos de los episodios más interesantes de esta serie. El primero, centrándose en sus conocidas imágenes del asilo de San Clemente en Venecia, realiza un sólido ejercicio de desmitificación y un autorretrato sobre el dolor a partir de la angustia y el desconcierto del fotógrafo ante lo que ve. Giacomelli, con una alta dosis de espontaneidad, expone sugerentes ideas sobre el uso de la luz, con sus característicos blancos quemados y sus siluetas negras, y sobre el tránsito en sus imágenes desde la realidad hacia el ensueño. William Klein convierte la lectura y explicación de sus hojas de contacto en una especie de diario. Cartier-Bresson, por su parte, condensa en unos minutos su conocido pensamiento sobre la fotografía y revisa especialmente su práctica del retrato. Doisneau, que se define no como "cazador" sino como "pescador" de imágenes, expone la vertiente más irónica y maliciosa de su trabajo, y explica bien el tránsito en su trayectoria desde una cierta mordacidad en sus inicios hacia un lado más tierno y emotivo, algo que resume en buena medida la deriva en general de la fotografía humanista que él mismo representa. Es interesante también la autocrítica que explicita el reportero de guerra Don McCullin al poner de manifiesto las contradicciones que le asaltan en el desarrollo de su oficio y el riesgo de hipocresía ante el teatro del dolor. En el episodio de Nan Goldin, que equivale a revisar con ella su álbum de familia ("utilizaba la cámara como si fuera mi memoria"), la fotógrafa aprovecha para rechazar las convencionales interpretaciones de su trabajo y reivindicar su obra como una mirada hacia la condición humana, el dolor y la dificultad de sobrevivir. Sophie Calle, por su parte, dota a su relato de la misma condición, simultáneamente ficticia y autobiográfica, que desprenden sus proyectos. Araki, para quien sus fotos son su diario y la cámara su memoria, se muestra tan sentimental como tormentoso en su suntuoso acercamiento al sexo y la muerte. Hiroshi Sugimoto, para quien la "visión interior" es lo primero que se impone en su trabajo fotográfico, revisa y sintetiza su obra como una reflexión sobre el tiempo que le permite sondear la historia de la conciencia humana. Martin Parr, divertido y mordaz, aplica toda su ironía para explicar su acercamiento a la vertiente más desgarradora, disfuncional y desordenada de nuestra sociedad. Mientras Andreas Gursky dice sentirse como un aparato que deja constancia y expresa el espíritu del tiempo con imágenes universalmente válidas, Thomas Ruff y Lewis Baltz se muestran, por el contrario, sorprendentemente cercanos en su escepticismo sobre la accesibilidad de la verdad y el papel que en ello puede jugar la fotografía. Jeff Wall explica pormenorizadamente su relación con la pintura y el fotomontaje, la relación que hay en sus imágenes entre fragmento y microcosmos, la verdad de lo real como idea de referencia de todo su trabajo y la importancia de la fealdad y lo grotesco. Boltanski habla del álbum familiar y de "la pequeña memoria" y Roni Horn reflexiona sobre su interés por recolectar acontecimientos circulares y cíclicos. Bernd y Hilla Becher explican con tanta exactitud como didactismo su influyente obra y la metodología de su trabajo. Y Thomas Struth cierra abruptamente su relato con una rotunda y provocadora afirmación: "Tengo la impresión de que la facultad para leer fotografías no está muy desarrollada actualmente, por ello es importante hablar un lenguaje preciso en las imágenes para evitar malentendidos". Quizás una de las mayores virtudes de la serie Contactos sea, finalmente, contribuir a mejorar nuestra capacidad para leer fotografías y comprender el medio fotográfico.

 

Contactos. Los mejores fotógrafos del mundo revisan los secretos de su profesión. Intermedio. Barcelona, 2012. 3 DVD. 408 páginas. 29,95 euros.

 

De: http://www.elpais.com/articulo/portada/Psicoanalisis/fotografia/elpepuculbab/20120128elpbabpor_40/Tes

 

 

Características técnicas del digipack


Duración total: DVD_1: 156 min. • DVD_2: 143 min. • DVD_3: 130 min. — Tipo de DVD: DVD 9 x 3 — Formato: 1.33:1 / 4:3 — Zona: 2 — Sonido: Mono 2.0 / Dolby Digital (AC3) — Audio: V.O. y DOBLAJE EN CASTELLANO — Subtítulos: Castellano. — Material adicional: Semblanzas de los 33 fotógrafos.

 

DVD 1 / LA GRAN TRADICIÓN DEL FOTO-REPORTAJE
1988 – 20000 • video • color / blanco y negro • 12 x 13 min. • Dur. total: 156 min.

HENRI CARTIER-BRESSON / WILLIAM KLEIN / RAYMOND DEPARDON / JOSEF KOUDELKA / ROBERT DOISNEAU / ÉDOUARD BOUBAT / ELLIOTT ERWITT / MARC RIBOUD / LEONARD FREED / MARIO GIACOMELLI / HELMUT NEWTON / DON McCULLIN

 

DVD 2 / LA RENOVACIÓN DE LA FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA
1993 – 2000 • video • color • 11 x 13 min. • Dur. total: 143 min.

SOPHIE CALLE / NAN GOLDIN / DUANE MICHALS / SARAH MOON / NOBUYOSHI ARAKI / ANDREAS GURSKY / JEAN-MARC BUSTAMANTE / HIROSHI SUGIMOTO / LEWIS BALTZ / JEFF WALL / THOMAS RUFF

 

DVD 3 / LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL
1997 – 2004 • video • color • 10 x 13 min. • Dur. total: 130 min.

JOHN BALDESSARI / BERND Y HILLA BECHER / CHRISTIAN BOLTANSKI / ALAIN FLEISCHER / JOHN HILLIARD / RONI HORN / MARTIN PARR / GEORGES ROUSSE / THOMAS STRUTH / WOLFGANG TILLMANS

Films © 1989-2004 ARTE France, KS VISIONS, Le Jeu de Paume.
Una coproducción de ARTE France, Unité de Programme Documentaires Thierry Garrel, Pierrette Ominetti. Productores delegados: Riff International, Alain Taïeb; KS VISIONS, Jean-Pierre Krief y Alex Szalat.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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'Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) '

'Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) ' | Fotografía en gotas... | Scoop.it

CaixaForum, Lleida

Hasta el 9 de Abril 

 

 

 

«Ser fotógrafo es atrapar el propio asombro».

 

Durante toda su vida, Jacques Henri Lartigue (1894-1986) fue fiel a esa inquietud. Desde su más tierna infancia fotografió todo aquello que le conmovía, que le hacía feliz, que le parecía bello y que le servía para luchar contra el paso del tiempo y el olvido. Reconocido hoy de forma unánime como uno de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, su obra constituye un documento único de una época y una forma de vivir.

Un mundo flotante.

 

Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) es la primera gran exposición antológica del fotógrafo que se realiza en España. Reúne alrededor de 120 fotografías, procedentes de la Donation Jacques Henri Lartigue de París.

 

La muestra hace especial hincapié en los temas que resultaron una constante durante toda su carrera: la fotografía como instrumento de la memoria, una herramienta para capturar la fragilidad de la existencia y la brevedad de la felicidad. También refleja su particular visión de las mujeres y de un mundo que cambiaba velozmente. Todo ello permitirá descubrir al visitante el retrato de una época ya desaparecida a partir de las imágenes inconfundibles de Lartigue, un maestro que durante sus casi 90 años de trayectoria nunca dejó de considerarse un aficionado.

 

La exposición Un mundo flotante. Fotografías de Jacques Henri Lartigue (1894-1986) ha sido comisariada por Florian Rodari y Martine d'Astier de la Vigerie, directora de la Donation Jacques Henri Lartigue, con la asistencia de Maryam Ansari. La muestra podrá verse del 15 de diciembre de 2011 al 9 de abril de 2012 en CaixaForum Lleida (Blondel, 3).

 

 

 

 

Información adicional


Horario: De lunes a sábado, de 10.00 a 20.00 h
Domingos y festivos, de 11.00 a 14.00 h
25 de diciembre y 1 de enero, cerrado

Visitas comentadas para el público general:
Jueves y sábados, a las 19.00 h

 

Actividad gratuita

Plazas limitadas
Habrá servicio de interpretación al catalán.
Será necesario presentar documento identificador

 

http://www.agendacentrosobrasociallacaixa.es/es

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'Los grandes de la fotografía se desnudan'

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De Cartier-Bresson a William Klein, Helmut Newton, Josef Koudelka o John Baldessari, las leyendas de la cámara revelan los secretos sobre su obra.

 

Para Cartier-Bresson solo contaban los instantes, el resto se desvanece. El mesías del fotorreportaje, fallecido en 2004 a los 95 años, nunca buscó "la gran foto", solo la encontró. "Robamos para luego dar", confiesa un hombre que se define a sí mismo como un artesano de su oficio al servicio del único Dios de la cámara: el tiempo. Para la mayoría de los 33 maestros de la fotografía autorretratados en la serie documental ideada por William Klein Contactos -producida por el canal Arte y el Centro Nacional de la Fotografía francesa y editada ahora en España por Intermedio- el tiempo es mucho más que un reloj que marca las horas.

 

La obsesión es común a todos ellos. El tiempo y la memoria es la presa que la mayoría de los fotógrafos, ya sean documentalistas, poetas o artistas, necesitan cazar. Lo explican con su voz en off en las piezas de 13 minutos que discurren sobre el fondo de sus propias imágenes.

 

De Cartier-Bresson al propio Klein, a Raymond Depardon, Josef Koudelka, Robert Doisneau, Elliot Erwitt, Helmut Newton, Sophie Calle, Nan Goldin, Nobuyoshi Araki, Hiroshi Sugimoto, Jeff Wall, John Baldessari, Bernd y Hilla Becher, Andreas Gursky o Martin Parr. Dividida en tres bloques (La gran tradición del fotorreportaje, La renovación de la fotografía contemporánea y La fotografía conceptual), la serie rastrea el latido creativo de hombres y mujeres que prefirieron mirar el mundo desde el objetivo de su cámara.

 

Cartier-Bresson era así de claro: "Si lo pienso, no sale". Tampoco le gustaba el retrato (pese a que fue célebre retratista de Camus, Matisse o Beckett, entre otros muchos); le exigía más rigor que cualquier otra disciplina. "El entorno", solía decir, "me importa tanto como el propio rostro".

 

William Klein, ideólogo de estas confesiones, recorre las ciudades de sus fotolibros -Nueva York, Tokio...- para afirmar que lo suyo es "una descarga de energía sensual y violenta" o que "el azar hace una foto". Lejos de ese golpe de calle, su compatriota Duane Michaels reivindica la verdad de los sueños: "Fotografiar la realidad es fotografiar la nada, lo esencial no está en la calle sino en las grandes emociones".

 

Testigos de la historia como el checo Koudelka (que se niega a explicarse a sí mismo, "no sé hablar, no me interesan las palabras") o testigos de la intimidad como Helmut Newton, el mirón entre los mirones, que señala como una de sus sesiones favoritas una que recoge la presencia cómplice y burlona de su esposa y colega, Alice Springs, mientras él fotografía a una modelo desnuda. "Siempre digo que a los hijos hay que matarlos", dice este maestro del erotismo. "Si una foto es fea, la mato. No tiene sentido defenderla. La gente joven cuida demasiado a sus bebés".

 

Lejos de los mandamientos del fotoperiodismo o del humor de Newton, la francesa Sophie Calle se espía a sí misma a través de los demás, el californiano Baldessari busca en la televisión, el cine y la basura imágenes fugaces mientras el japonés Araki hace recuento de una vida dedicado a las epifanías sobre su pasado y su futuro. "Cuando empecé reinaba el fotógrafo de Magnum y su objetividad. Había que negar los sentimientos propios. Mi camino era muy distinto. Me fotografiaba a mí mismo y lo que me rodeaba. Por eso fotografié mi luna de miel. Luego, mi mujer murió y aquellas fotografías cobraron una nueva dimensión: eran un presentimiento de su propia muerte".

 

Curiosamente, el tipo que se hizo famoso por fotografiar pubis y pechos de centenares de japonesas, cree que la fotografía más dramática de su vida es la más pudorosa: solo se ven su mano y la de su mujer agarradas en su última despedida. Un desgarro muy distinto al vivido en los márgenes de la sociedad (donde la identidad sexual, las drogas y el sida trazaron un trágico destino) por la frágil Nan Goldin: "Cuando empecé quería conservar las huellas de la verdadera vida y la cámara era mi memoria... Finalmente, creo que mi obra es sobre el dolor y la dificultad de sobrevivir".

 

Pero quizá sea otro japonés, Hiroshi Sugimoto, quien vaya más lejos en la infatigable búsqueda del tiempo y de la memoria. La finura de su serie sobre viejas salas de cine resulta ser una espiritual reflexión del vacío. "Demasiada información nos conduce a la nada", dice él. En los tiempos de la sobreinformación y del infinito carrete digital, la frase resulta premonitoria. Lo único importante sigue siendo dar con el instante.

 

De: http://www.elpais.com/articulo/cultura/grandes/fotografia/desnudan/elpepicul/20111204elpepicul_1/Tes

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'MYSTIQUE. COLECCIÓN CGAC, ARCO E IFEMA'

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Antigua Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela
Hasta el 7 de Enero

 

 

 

 

La exposición ‘Mystique. Colección CGAC, ARCO e IFEMA’, comisariada por Christina Ferreira, supone una muestra más de la relación constante con la aparición de nuevos lenguajes artísticos entre el CGAC y la universidad compostelana desde la inauguración del centro de arte a comienzos de la década de los 90. Una relación que se inició con unas jornadas de música contemporánea y que, más allá de diversos proyectos expositivos conjuntos a lo largo de estas dos décadas, encuentra una línea de trabajo continuada en las actividades del Máster en Arte Contemporáneo de la USC.

 

Mystique, de Carlos Congost, abre la muestra, que pretende dialogar con la Iglesia de la Universidad a través de una serie de obras de arte contemporáneo que llevan al concepto del “místico” o experiencia muy difícil de conseguir en la que se llega al grado máximo de unión del alma humana con el Sagrado. En la nave central del espacio se recreó un ‘cubo blanco’ a modo de sala de exposición convencional que preside la fotografía La última cena-Gaza del artista multimedia hindú Vivek Vilasini que recrea la bíblica escena protagonizada por mujeres ataviadas con el shador para llamar la atención sobre su problemática social.

 

La fotografía de Jorge Barbi recoge su intervención de un minarete que se fusiona con las torres de la catedral en el cielo compostelano, mientras Manuel Vilariño dibuja una gran cruz de pimiento, cruz efímera y olorosa por la que serpea la huella de un reptil; símbolo de una mística pagana. Por su parte, María Pía Oliveira fotografía una instalación monocromática de algodón creando así sensaciones de levidade y ascensión y Sofia Jack, con una pequeña escultura de acero inoxidable, ironiza sobre la mujer actual representándola como una diosa Shiva de múltiples brazos y múltiples tareas.

 

Este espacio se completa con la obra de Richard Orjis & Anthony Goicolea en un repetitivo autorretrato de este último para representar una comunidad religiosa cuyos miembros acaban siendo muy similares entre sí.

 

Saliendo de la sala y dialogando con los altares de las naves laterales podemos ver Aura, la escultura lumínica de Brigitte Kowanz que se junta con la instalación de Carlos Pazos, un curioso bodegón tridimensional titulado A flor dos erros. Con una estética pop, la acuarela de Jiri Georg Dokoupil representa una escena de iluminación religiosa. El maletín de Antoni Tàpies Amis i Amat reinterpreta aquella obra de Llull en que el amigo es el creyente y Dios el amado.

 

En la capilla, Isaque Pinheiro recrea el mito del milagro de las rosas (unos panes que se transforman milagrosamente en rosas protagonizado por la reina Sabela de Portugal) con un despliegue de elementos de porcelana que forman una gran rosa. Otra transformación de tipo más naturalista pero no por eso menos milagroso, nos es sugerida por Din Matamoro con su obra A auga axitouse e tornou branca, una interesante pintura plana que adquiere relieve con la distancia.

 

En el altar mayor, El relicario de Christian Boltanski compuesto por cajas huecas de metal que van subiendo en forma piramidal y salpicadas de curiosas cajas de luz que iluminan unos viejos retratos fotográficos. La pieza El agujero de Jack Leirner, forma tres huecos minimalistas donde se recogen los restos y detritos de papeles, diseños y marcas. Asentada frente al altar mayor, La boda, una obra irónica y litúrgica de Elmgreen Dragset.

 

La obra de Mónica Alonso, Color de carne triste, forma parte de la serie TrB (trasplantes de belleza) con la que investiga las diferentes calidades psicológicas de los colores. Observando en su contorno a las personas que sufren de tristeza, angustia o marginación, trata de plasmar esas tonalidades “apagadas” que adquiere la piel con esas emociones. Una carcasa vacía, como huella de la carne, subraya esa tristeza, ese vacío emocional.

 

Marie-Jo Lafontaine los muestran en un hermoso vídeo su contemporánea visión de la pasión, mientras Joan Fontcuberta enlaza una antigua técnica de representación como es el mosaico con la fotografía digital e internet para recrear la obra de Gustave Courbet de 1866. La exposición finaliza con la pieza Santiago, una fotografía de la intervención de George Rousse realizada en el vestíbulo del CGAC, en la que el artista representa el plano topográfico del Fujiyama, un lugar de peregrinación japonés que dialoga con otro lugar de peregrinación como Santiago.

 

 

De: http://www.xunta.es/notas-de-prensa/-/nova/17390/pezas-das-coleccions-arte-cgac-arco-ifema-exporanse-igrexa-universidade-ata-vindeiro

 

 

Localización: http://g.co/maps/vy7km

 

 

 

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I Concurso de Fotografía: A/B-12 ARCHIVOS y BIBLIOTECAS, 12 MIRADAS

I Concurso de Fotografía: A/B-12 ARCHIVOS y BIBLIOTECAS, 12 MIRADAS | Fotografía en gotas... | Scoop.it

La Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas organiza el I Concurso de Fotografía: “A/B-12 ARCHIVOS Y BIBLIOTECAS, 12 MIRADAS”, con el doble objetivo de contribuir a un mejor conocimiento de la labor de los y las profesionales de los archivos, bibliotecas y centros de documentación de la Comunidad Autónoma y de los trabajos que desarrollan.

 

Participantes

 

Podrán participar todas aquellas personas físicas mayores de 18 años que ejerzan o hayan ejercido su actividad profesional en el mundo de los archivos, bibliotecas y centros de documentación (archivística, biblioteconomía, documentación, gestión documental, restauración, digitalización, investigación y usuarios, labores auxiliares, etc.), en el ámbito de la Comunidad Autónoma de Andalucía.

 

Presentación de las imágenes

 

El plazo de presentación concluirá a las 23:59 horas del día 11 de diciembre de 2011.

Cada participante enviará un correo electrónico a una de estas dos direcciones: archivos.dglab.ccul@juntadeandalucia.es o librobcd.dglab.ccul@juntadeandalucia.es, haciendo constar en el asunto “Para el I Concurso de Fotografía A/B-12 Archivos/Bibliotecas 12 miradas”.

 

Premio

 

El autor o autora de la imagen ganadora recibirá un lote de libros editados por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. La imagen ganadora, junto a las otras once seleccionadas, formarán parte de las diversas actividades de difusión organizadas por esta DGLAB.

 

El Fallo del concurso

 

Se hará público a partir del 15 de diciembre de 2011 a través del Portal de Archivos de Andalucía www.juntadeandalucia.es/cultura/archivos y se comunicará además individualmente a las personas seleccionadas.

El premio será entregado en un acto que se celebrará a mediados de diciembre, momento en que quedará inaugurada la exposición de los trabajos seleccionados.

 

 

De: http://www.juntadeandalucia.es/cultura/archivos/web_es/contenido?id=c66bfeca-1449-11e1-b77d-000ae4865a5f

 

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'Cada lugar, una historia'

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La Fundación del Patrimonio Histórico, en colaboración con la empresa se servicios culturales SERCAM, ha puesto en marcha una nueva actividad cultural destinada a cumplir su objetivo de difusión del patrimonio histórico de Castilla y León: los Premios de Fotografía “Cada lugar, una historia”. El concurso fotográfico busca reflejar, a través de imágenes originales, los valores y cualidades de los bienes culturales, especialmente los recuperados por la Fundación, y de forma muy especial su relación con las personas, es decir, no se interesa sólo por la belleza estática sino también por la referencia humana y social. 113 fotografías, enviadas por 67 personas, compitieron en la primera edición.

 

 

Premiados

 

Roberto Calvo ganó el primer premio del concurso de fotografía “Cada lugar, una historia”, por su foto titulada “Niebla”, una imagen de la catedral de León, en blanco y negro, que el jurado, compuesto por técnicos de la FPH, de SERCAM y expertos en fotografía, ha valorado por “la espectacularidad casi cinematográfica de la luz, la belleza del instante que refleja y el ambiente sugerente en el que el monumento, la catedral de Santa María, sólo aparentemente oculto, ilumina y envuelve la vida cotidiana de la ciudad, convive y se integra en una atmósfera urbana y humana”.

 

El segundo premio fue para Jesús González por su imagen titulada “Hormigas” en la que refleja “en un ejercicio de perspectiva, la aplastante grandeza de la iglesia vallisoletana de San Benito, frente a la dimensión insignificante de quienes caminan, ajenos, a sus pies”. El jurado ha reconocido “la composición ordenada, geométrica, cuidada y correcta y la pulcritud de las líneas”.

 

El tercer premio lo ganó la fotógrafa segoviana Eva Martín Luengo, por su instantánea titulada “Vigía”, una imagen del interior de la Basílica de San Vicente de Ávila, tomada desde el cenotafio de los Santos Mártires. “La imagen consigue, con gran sencillez, una sugestiva conexión con el espectador, en la que uno de los personajes tallados en el cenotafio mira a cámara y entabla un diálogo silencioso con nosotros: un pequeño detalle escultórico, rescatado de la penumbra, nos traslada una reflexión tranquila y amable sobre el tiempo” consideró el jurado.

 

 

De: http://www.fundacionpatrimoniocyl.es/textosATV.asp?id=544

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'La petite portugaise'

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Hace casi 45 años, un conocido fotógrafo francés de origen haitiano, Gérald Bloncourt, visitó los arrabales pobres de París y le hizo una foto a una niña morena al pie de la chabola en la que malvivía. Bloncourt se enamoró de la foto y la colgó desde aquel día en las paredes de su casa. La tituló La petite portugaise y pasó a simbolizar, tras ser reproducida en muchas exposiciones y publicaciones, las condiciones de vida de la emigración dura y miserable del Portugal de los años sesenta. Nadie supo nunca el nombre de aquella niña que se tapaba con la mano la sonrisa, conocida como A menina do bairro de lata.


Pero en enero, tras hablar con un amigo, Maria da Conceição Tina, una profesora de portugués y de francés de Coimbra de 52 años, comenzó a preguntarse si no sería ella la protagonista de esa foto-emblema, como explicaba ayer en un emocionante reportaje de Patrícia Carvalho en el diario Publico. La actual profesora dudaba, porque no recordaba haber visto nunca un fotógrafo en el barrio de chabolas de Saint-Denis en el que residió durante dos años junto a su padre, su madre y su hermano. Pero reconoció instintivamente la muñeca que sujetaba esa niña con el brazo. También el paisaje de barro y de chabolas que se amontonaba tras ella. Tras vacilar mucho, se decidió a contactar con el fotógrafo para asegurarse. En junio se conocieron y tras ver y reconocer también a Bloncourt, 45 años más viejo, a Maria da Conceição ya no le quedaron más preguntas.


Hasta ahora. Hasta que se reconoció en la foto con la muñeca en el brazo y conversó con Bloncourt en París y se convenció de que no es bueno olvidar determinadas cosas y de que su pasado de emigrante pobre, como el de otros miles de portugueses –y españoles- que viajaron hacia el norte en aquellos años, no tiene nada de vergonzoso o reprobable. Sobre todo ahora que muchos portugueses vuelven a emigrar para escapar de la crisis económica que ahoga el país. Ella misma, que se define como una mujer feliz, lo precisa: “Una hija mía, de 24 años, ha cursado Enfermería, pero no consigue encontrar trabajo y está pensando irse al extranjero. Esto es triste. No porque la vaya a echar de menos, sino porque eso demuestra que estamos mal políticamente, porque este país no puede aprovechar a sus licenciados y les obliga a hacer lo que hicieron sus padres: irse”.

 

 

De: http://blogs.elpais.com/rua-lisboa/2011/11/la-nina-del-barrio-de-lata.html

 

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'The Future of the Photography Museum'

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5 november - 7 december 2011

 

Guest curators: Lauren Cornell, Jefferson Hack, Erik Kessels, Alison Nordström

 


During the entire month of November, Foam is offering its visitors a glimpse into the future of a photography museum. In The Future of the Photography Museum, Foam explores not only how photography can be shown in the form of an exhibition, but also how audiences can be made partners in numerous activities. Presenting, informing and participating; the exhibition offers a unique visual experience on every level as well as a great deal of material for thought.


For The Future of the Photography Museum, Foam has invited four guest curators in the field of international culture, each of whom has interpreted the theme in their own way. The result is an intriguing exhibition with four distinct and sometimes provocative presentations.


The guest curators are:


Lauren Cornell (New Museum, NY) | Photography and multimedia
In a visual economy with an abundance of images and exhibitions, a photo is not only read and remembered in relation to its subject matter, but also through the moment of discovery, classification and the interplay of forces in which meaning is created. In her presentation, Cornell exhibits images by photographers who show the effect that the limitless circulation of images has on the meaning of photography. She accomplishes this with works by a new generation of artists who do not view themselves primarily as photographers, but who make use of photography in combination with other media, such as video, internet and installations.


Jefferson Hack (Dazed & Confused, London) | Photography as image
The digitalisation of photography has freed the medium from the tangible, physical object. Thus, photography is now predominantly viewed as purely image, experienced via screens and projections. In two large-scale sculptures entitled 'Mother Sculpture' and 'Rise Sculpture', created from dozens of monitors, Hack shows new work by photographers who have long worked for his magazine Dazed&Confused. However, he also provides space for new talent. Work by established names, young photographers and amateurs are explored in a presentation which incorporates the newest technology and interactivity as well.


Erik Kessels (KesselsKramer, Amsterdam) | Photography in abundance
Through the digitalisation of photography and the rise of sites such as Flickr and Facebook, everyone now takes photos, and distributes and shares them with the world - the result is countless photos at our disposal. Kessels visualises 'drowning in pictures of the experiences of others', by printing all the images that were posted on Flickr during a 24-hour period and dumping them in the exhibition space. The end result is an overwhelming presentation of a million prints.


Alison Nordström (George Eastman House, NY) | Photography as object
It isn't the image, but the object itself that we write on, tear up in anger, kiss or touch, that we keep in our wallet, beside our bed or hang up on the fridge. And museums preserve, maintain and catalogue this object. Part of the power of photos is that they survive us, and their meaning changes with time and place. Nordström's selection from the George Eastman House collection - with images from nineteenth, twentieth and twenty-first centuries - emphasises the value of the physical print as a source of information within the museum as a place for concentration, study and reflection.

 


A museum, however, consists of more than just exhibitions. In addition to the museum galleries with the theme of 'Presenting', other spaces in the museum have been specifically designed with a clear focus during The Future of the Photography Museum. The theme of the entrance hall and the library on the third floor is 'Branding', an important aspect of the contemporary museum. The young people of Foam Lab have carried out a critical investigation here. A 'What's Next?' study and information centre has been created in the front galleries, and given the title: 'Informing', so that visitors can read about, consider and discuss the future of photography. The focus of the atrium is 'Activating' - here visitors can become active participants instead of passive observers.

 

http://www.foam.org/press/2011/whatsnext

 

http://www.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-15756616

                                 

 

 

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'La cámara de Pandora' otorga a Joan Fontcuberta el Nacional de Ensayo.

'La cámara de Pandora' otorga a Joan Fontcuberta el Nacional de Ensayo. | Fotografía en gotas... | Scoop.it

El fotógrafo catalán, vinculado a la galería cántabra Juan Silió, recibe el premio por una colección de textos sobre la función de la fotografía en la era digital.

 

Un fotógrafo atípico e inquieto, Joan Fontcuberta, es el ganador del Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Ensayo. Lo recibe trece años después de haber ganado el Nacional de Fotografía por su innovadora y singularísima obra en el campo de la imagen. Distinguido ahora por sus palabras y reflexiones, se le premia por 'La cámara de Pandora. La fotografí@ después de la fotografía', colección de textos sobre la función de la fotografía en la era digital editada por el sello Gustavo Gili.


Dotado con 20.000 euros, Cultura concede anualmente este galardón para distinguir el trabajo ensayístico de de un autor español, escrito en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado y editada en España durante el año anterior al fallo. Nacido en Barcelona en 1955 y licenciado en periodismo y publicidad por la Autónoma de Barcelona, Joan Fontcuberta es fotógrafo, crítico y profesor.


Además de su prolífica y original obra fotográfica, que se ha mostrado en Santander en diversas ocasiones gracias a la galería Juan Silió, Fontcuberta ha realizado una notable labor como ensayista, editor y comisario de exposiciones. Entre sus ensayos figuran 'El beso de Judas. Fotografía y verdad' y la ahora premiada 'La cámara de Pandora', en la que desgrana en dieciséis ensayos el cambio de paradigma de la fotografía en el mundo digital.


Como creador de imágenes, parte de conceptos fotográficos que trascienden los códigos de la fotografía y entra en el montaje y la instalación a través de herramientas informáticas y toda suerte de recursos con los que tiende trampas que ponen a prueba la percepción del espectador, como los pintores hacían con los trampantojos. Un campo en el que entró hace una década con propuestas como 'Paisaje de la seguridad', juego de sombras chinescas tratado con sofisticación tecnológica. «Más que una técnica, desarrollo la idea de la huella fotográfica, a la que le doy otra presentación no estrictamente fotográfica, de pura proyección, de transposición analógica a objetos o a imagen digital y de esculturas interactivas» explicó entonces. Insistió en esta exploración de nuevos soportes expresivos, en los límites de la fotografía y en sus conexiones con la pintura, la literatura o el lenguaje tecnológico en 'Karelia: Milagros & Co'.

Se inició Fontcuberta muy joven en la fotografía, realizando su primera muestra individual a los 19 años. Su primer trabajo fue como redactor publicitario en la agencia Danis-Benton and Bowles de Barcelona. Desde entonces ha combinado su trabajo creativo con el publicitario, periodístico, didáctico -«el que más me satisface»- y teórico. Ha sido profesor en centros y universidades de Europa y Estados Unidos. En la actualidad es profesor de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra. Ha sido editor de publicaciones especializadas como 'Nueva Lente', 'Aperture', 'Afterimage', 'European Photography', 'Lápiz'o 'Photovisión' y ha colaborado en diversas etapas con varios diarios.


Promotor y fundador de un sinfín de iniciativas, organizó en 1979 las Jornadas Catalanas de Fotografía cofundó la Primavera Fotográfica de Barcelona en 1982 y fue director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arles en 1996.

 

De: http://www.eldiariomontanes.es/v/20111125/cultura/fotografia/camara-pandora-otorga-joan-20111125.html

 

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"La Rusia zarista, a todo color"

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"The Russian Empire of Czar Nicholas II Captured in Color Photographs by Sergei Mikhailovich"

A partir del 19 de Octubre en el Gestalten Space de Berlín.

 

Era la primera vez que el zar Nicolás II veía fotografías en color. El químico y fotógrafo Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii había preparado todo un espectáculo visual para dejarlo boquiabierto. Misión cumplida. Horas más tarde abandonaba la Villa de los Zarescon la promesa de financiación que buscaba para su proyecto de documentación de las gentes, los paisajes, los monumentos y los enclaves históricos de Rusia. En color. Corría 1908.Prokudin-Gorskii llevaba varios años, desde 1904, trabajando con placas fotográficas para desarrollar un método que le permitiera aumentar la sensibilidad de las emulsiones pancromáticas y así obtener fotografías de brillantes colores.

 

Con el dinero del zar importó el equipamiento necesario y se embarcó en su primer viaje fotográfico en el verano de 1909. Allá donde iba le precedían cartas de recomendación del ministro de comunicación y transporte, así que la cooperación de las autoridades locales y su libertad de movimiento estaban garantizadas. El canal de Mariinsky, que atravesaba el corazón del imperio ruso, fue su primer retratado.

 

La presentación pública de ese primer viaje fue un éxito absoluto. Todo el mundo quedó impresionado con sus instantáneas en color. Pero la reproducción masiva de esas imágenes resultó ser más complicada de lo esperado: técnicamente era posible, pero exigía un tiempo y un dinero que no habían previsto, y tuvieron que renunciar. Ni el zar podría, de momento, incluir las fotografías en los libros de historia de escolares de todo Rusia, ni Prokudin-Gorskii imprimir miles de postales a todo color.

 

Continuó con la expedición. Entre 1910 y 1915 viajaría a Turkestán, Afganistán, el Cáucaso, diversas provincias de Asia central y Siberia, con sus ayudantes -se cree que tenía un pequeño equipo- y su cuarto oscuro ambulante, que instalaba en carruajes o vagones de tren, dependiendo del destino. En esos años retrató a trabajadores de todo tipo -agricultores, leñadores, barqueros-, a terratenientes, puentes de madera y de acero, presas, vías férreas, iglesias y monasterios medievales...

 

Pero el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914 interrumpió su proyecto -tuvo que dedicarse a inmortalizar a los valientes soldados, orden del zar- y en 1915 se quedaría sin mecenazgo.

 

Tras el triunfo de la revolución de octubre, Prokudin-Gorskii se marchó al exilio con más de 6.000 placas de vidrio en su equipaje y se instaló con su familia en Londres, donde dictó conferencias y publicó artículos sobre los procesos de la fotografía en color. Por entonces, la técnica era un experimento prometedor con varios peros: era cara, imperfecta y no podía explotarse comercialmente. Eran tiempos del blanco y negro.

 

Pero el fotógrafo del zar no encontraba su sitio en la capital británica y no tardaría en mudarse a París, donde abrió un pequeño estudió fotográfico con sus hijos Dimitri y Mikhail. Tras su muerte, a los 81 años, fueron ellos quienes vendieron en 1948 su colección de fotografías a la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, que esperó décadas hasta encontrar la tecnología adecuada para devolver el color original a los negativos de Prokudin-Gorskii.

 

El archivo fotográfico completo está disponible en la web de la biblioteca desde 2001. Y allí fue donde Robert Klanten, editor de Gestalten, vio por primera vez el trabajo de este "revolucionario" de la fotografía en color. El paso siguiente fue seleccionar las 283 fotografías que recoge en el libro Nostalgia. The Russian Empire of Czar Nicholas II. "La mayoría de la gente piensa en el pasado como algo que sucedió en blanco y negro", comentaba Klanten en la revista Time. Prokudin-Gorskii demostró que, al menos la Rusia del zar Nicolás II, podía contemplarse a todo color.

 

 

http://blogs.elpais.com/storyboard/2012/09/la-rusia-zarista-a-todo-color.html

http://www.gestalten.com/space

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"Another London: International Photographers Capture City Life 1930-1980"

"Another London: International Photographers Capture City Life 1930-1980" | Fotografía en gotas... | Scoop.it

Tate Britain, Millbank, Westminster, SW1P 4RG

Sunday, 26 August

Until 16.09.12

 

 

Black and white photographs colourfully portray the tribes of London

 

Unadulterated happiness: swinging on the wheel, high above the ground, at the fair on Hampstead Heath in 1949, in Wolf Suschitzky’s photograph that effortlessly conveys that sense of moving at ease through the sky. Fourteen years earlier the same photographer, just arrived from Vienna, immortalised a gravely courting couple smoking their cigarettes over a tea in Lyons Corner House, the behatted lady apparently entertaining a genteel proposition; and inbetween Suschitzky shows us the view of total devastation in 1942, flattened streets strangely punctuated by arbitrary heaps of rubble, taken from the vantage point of St Paul’s Cathedral, that miraculous survivor of wartime bombing.

 

Suschitzky – he was a film cameraman and director as well – is but one of two score photographers whose work is on view in Another London. Among the group are the stars of the profession - Henri Cartier-Bresson and Irving Penn, Bruce Davidson and Elliott Erwitt for starters – as well as the lesser known. All are from elsewhere, and they came as tourists, visitors, immigrants and refugees.

 

An enthralling and unexpected selection, the anthology resonates beyond this showing. It’s taken from the Eric and Louise Franck collection which has been donated to the Tate, and it’s part of the process by which the gallery has very belatedly but with almost overwhelming enthusiasm entered into collecting and showing photography as a medium in in its own right, with a very active patrons group supporting acquisitions. One of the benefits of Tate joining the fray is evident in the installation of this show, roughly chronological and rhythmically paced throughout its seven sections, with images shown in clusters, and individual photographers in depth. Vitrines show a number of books with images from settlers by such as the American Alvin Langdon Coburn, the German E O Hoppé, and passers by (usually on the way to America) such as the Hungarian Moholy-Nagy.

 

There are claims that this is another London, and on the grounds that nothing is so remote as the recent past, there is an element of truth in this. In Bill Brandt’s 1930s Early morning on the doorstep, four glass milk bottles form a gracefully statuesque group next to two folded newspapers, the Telegraph and the long defunct News Chronicle. The Telegraph’s front page is a dense maze of small ads, whilst the Chronicle is graced with a smiling picture of the hugely celebrated 1930s New Zealand aviatrix, Jean Batten, the dignified tableau hinting at the breakfast soon to take place behind the as yet closed door.

 

Everything is naturally in all shades of black and white, and the predominant silvery greys ensure that colour, often so profoundly unnatural, is not missed one bit. Among the many things we are reminded of is the ubiquity of London fog and smog, which make for a fascinating and mysterious atmosphere: what absorbed visiting Impressionists in the 1870s occupied visiting photographers a century on.

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Samuel Aranda, fotógrafo español ganador del World Press Photo 2012.

Samuel Aranda, fotógrafo español ganador del World Press Photo 2012. | Fotografía en gotas... | Scoop.it

La voz del fotógrafo catalán Samuel Aranda (Santa Coloma de Gramanet, 1979), ganador del premio Wold Press Photo en la categoría Photo of the Year de 2011, suena tranquila por teléfono. Desde que supo la noticia, su teléfono tunecino no ha parado de sonar, y la cobertura es tan deficiente que hasta que no sale a la terraza resulta imposible entender una palabra. Antes de que se corte la llamada y sea imposible retomar la conexión, tiene tiempo de contestar a unas preguntas para EL PAÍS.

Quizá es una metáfora de que, para comunicarse, hay que intentar salir siempre de la zona de confort. Como ha hecho este fotógrafo independiente que ha retratado buena parte de las revoluciones árabes en Túnez, Yemen, Libia y Egipto. Su trayectoria está asociada a la denuncia de las disonancias, las víctimas de conflictos bélicos y la supervivencia de los desposeídos. Entre otros tema, su cámara ha captado el influjo de inmigrantes africanos en España, el entorno de la Camorra napolitana, los menores inmigrantes en España, los niños que malviven en las calles en Bucarest, la Franja de Gaza, la memoria histórica de los represaliados del franquismo…

Aranda comenzó a colaborar, a los 19 años, con EL PAÍS y El Periódico de Catalunya, y ha trabajado también para la Agence France-Presse y la agencia Efe. Su inquietud le ha llevado a fotografiar en Colombia, Kosovo, Sudáfrica, Moldavia, Uzbekistán. Pero ha sido Yemen el país cuya realidad –la de un pueblo que se levantó para reclamar libertad y justicia al presidente Ali Abdullah Saleh— ha salido a la palestra por la imagen que tomó el 15 de octubre de 2011.

La foto premiada muestra a una madre cubierta por un velo integral de la que apenas vemos su nariz y las manos, enfundadas en guantes de látex, que sostienen a un familiar herido durante la represión de las manifestaciones en Yemen. “Esa imagen está tomada en las puertas de una mezquita en Saná, tras una manifestación en la que francotiradores del Gobierno mataron a 10 personas e hirieron a otras tantas", relata Aranda. "La mujer que aparece en la imagen está esperando a recibir asistencia sanitaria. Allí estuvo sentada durante unos segundos antes de poder entrar. Instantes después, se llevaron al herido. Pertenece a una serie de cuatro o cinco fotogramas. Recuerdo el caos del momento, todo el mundo estaba gritando…".

Un instante de piedad, de ternura y de recogimiento, pero en el que la mujer aparece "con una entereza brutal", según Aranda. Lo cual contrasta con la imagen habitual de la mujer en esos países. "Estamos acostumbrados a ver a mujeres llorando en las imágenes que nos llegan del mundo árabe. Esta foto muestra algo diferente", afirma.

"Ella no llora ni grita, sostiene al familiar entre sus brazos mientras espera a ser atendida. Refleja la fortaleza de la mujer. No es tan raro. Creo que la imagen que tenemos en los países de Occidente de la mujer del mundo árabe como una persona oprimida no es del todo cierta. En Yemen, en la plaza donde se sucedieron las grandes manifestaciones, las líderes de la revolución son mujeres. En la sociedad yemení, son ellas las que realmente llevan el peso".

Aranda no elude en la conversación —breve por la pésima calidad de la línea telefónica— el debate, constante en la profesión, sobre el significado de la intervención del fotógrafo como persona que documenta una realidad. "Hoy recibiré no sé cuántas llamadas para felicitarme por el premio", dice. "Pero lo fundamental", recalca, "es que seamos conscientes de que lo importante no soy yo como fotógrafo. Es la mujer que fotografié, que muestra lo que está pasando en Yemen. Llevan un año de revolución, están machacados y nadie se acuerda de ellos".

Con humildad, Aranda piensa que existe el riesgo de poner la autoría por encima del periodismo. "Nosotros documentamos lo que pasa. No somos artistas ni creadores. Para mí, el fotoperiodismo es un oficio. Y creo que a veces nos olvidamos de ello, los fotógrafos corremos el riesgo de ser muy egocéntricos".

En España, nunca, ningún medio le ha dado la suficiente importancia a la fotografía

El fotógrafo catalán también ha declarado que espera que "esos editores gráficos que antes no te cogían el teléfono, ahora cojan las llamadas". Ningún medio español ha ofrecido un contrato estable para que cubra las revoluciones árabes, a pesar de haber sido portada en múltiples ocasiones en el periódico The New York Times. "Soy freelance", afirma. "Desde que empezó la primavera árabe, el 90% de mis ingresos han provenido del New York Times. En los últimos cuatro meses, tengo unas condiciones estables: me han hecho seguro médico y tengo exclusividad con el periódico a nivel de prensa diaria. Actualmente sólo trabajo con el NYT y el Magazine de La Vanguardia".

Mientras el ganador de la imagen del año del World Press Photo vende sus trabajos a la prensa estadounidense y es representado por la agencia Corbis, como fotógrafo ha sufrido en muchas ocasiones el desinterés de los medios españoles. ¿Qué está pasando?

"Es un problema, está muy viciada la situación", se lamenta. "Es como una espiral. En España, nunca, ningún medio le ha dado la suficiente importancia a la fotografía".

La conversación se corta y el operador tunecino ofrece todo el rango posible de mensajes de error que indican que Samuel Aranda, y su número de teléfono, están al límite. Como la cuenta bancaria de un fotógrafo independiente, premiado con el más prestigioso galardón del fotoperiodismo mundial, que hasta hace poco tenía grandes dificultades para pagar sus facturas.

 

 De: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/10/actualidad/1328879850_629068.html

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'Last Days of the Arctic'

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London, Proud Chelsea

 

Start Date: 26th January 2012
End Date: 11th March 2012

 

Proud Chelsea is delighted to present Last Days of the Arctic: a moving and insightful photographic portrait of a disappearing landscape and the Inuit people who inhabit it, by celebrated photojournalist Ragnar Axelsson.

 

Inspired by the fast – diminishing way of life of communities dependent on nature and the land around them for survival, Axelsson presents us with a breathtaking introduction to a life of Greenlandic hunters in one of the most remote regions of the world, and at once demonstrates its temporality.

 

As the world turns its gaze toward the Arctic; the landscape whose inhabitants have done the least to cause climate change is where the devastating effects are most visible. Their ancient culture is set to become extinct; the probability of these communities continuing to live traditionally is becoming increasingly unlikely. In his native Iceland, Ragnar looked at the fishermen and farmers of remote villages and thought if he did not photograph them, then no one would know they ever existed. It is this thought that has led to this unique body of work captured in Greenland, with unprecedented access to a community that rarely let outsiders in.

 

We are pleased to present, for the very first time at Proud Chelsea, a unique photo-reportage exhibition including these exceptional photographs of a society in its twilight, the awe inspiring landscapes they live in and the unique hunting rituals which are part of their cultural identity.

 

 

Venue - Proud Chelsea
Address: 161 King's Road
London
SW3 5XP
United Kingdom
Venue Website: proud.co.uk

 

 

Ragnar Axelsson is an Icelandic photographer and photojournalist, born in 1958. He has worked for the Icelandic newspaper Morgunblaðið since 1976 and as a freelance shooting projects in various parts of the world for numerous magazines and agencies. The North has for a long time fascinated him and different aspects of north appeared in his photography regurarly. In 2004, he published "Faces of the north", a collection of his black and white photographs of traditional ways of life in Iceland, the Faroes and Greenland taken over a period of fifteen years, preserving that way a glimpse of a lifestyle that is gradually vanishing.


His newest publication "Last days of the Arctic" is a breathtaking introduction to a life of Greenlandic hunters in the most remote communities in the world. Professor Mark Nuttall, one of the leading Arctic scholars, wrote the foreword for the book, which in sincere and simple way represents the part of world that we now watch changing.
To learn more about Ragnar Axelsson, please visit his homepage.
Here below you can see a documentary of him made by his son Jón Snær Ragnarsson. The film is in icelandic only.

 

http://www.youtube.com/watch?v=u3yxDnaben4

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'Weegee: Murder is my Business' El fotógrafo de los asesinos.

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Nueva York celebra el genio de Weegee con una selección de sus míticas fotografías de sucesos. Las imágenes fueron tomadas entre 1935 y 1946.

 

Nunca es tarde para dar el salto, cambiar de vida y además, dejar huella. Weegee lo hizo con 36 años. Y las más de 20.000 fotografías que tomó a partir de ese momento demuestran que no se equivocó. La exposición Weegee: Murder is my Business (Weegee: El asesinato es mi negocio) que se inauguró el viernes en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York y podrá verse hasta septiembre, se centra en un centenar de ellas, concretamente en una selección de las que tomó entre 1935 y 1946, cuando decidió cambiar el cuarto oscuro en el que durante años se dedicó a imprimir para otros por su propia aventura tras la cámara. Son las imágenes con las que cinceló para la historia el turbio paisaje de crímenes y delincuentes de las malas calles neoyorquinas, instantáneas con las que contribuyó a darle caché artístico a un género, la incipiente fotografía sensacionalista, que gracias a Weegee adquirió popularidad pero también respeto, aunque ha llovido mucho desde entonces y hoy sea un arte más que cuestionable.

 

Pero la particular mirada de Weegee, cargada de teatralidad, hizo que asesinatos sangrientos, policías agresivos con fedora y gabardina y delincuentes magullados de medio pelo se transformaran bajo sus ojos en retratos de una ciudad en la que sus habitantes, curioseando desde las ventanas, o acercándose para jalear un arresto, humanizaban esas escenas y cambiaban el centro de gravedad de lo que se contaba en ellas.

 

"Su interés por los espectadores de crímenes o de tragedias ciudadanas construyeron un lenguaje propio que en última instancia sirvió para ofrecer un retrato veraz de la era de la Depresión. Y aunque se le ha tachado de naive y hay quien no ha querido tomarle en serio, sus fotos de esa época están a la altura de la de muchos grandes de la fotografía documental, desde Robert Capa a Walker Evans. Además, abrió una duda en el fotógrafo y el espectador, cómo retratamos la muerte, y esa pregunta nos la seguimos haciendo" explicó a este diario Brian Wallis, comisario de la muestra.

 

El título de la exposición es el mismo con el que el propio Weegee tituló la que él realizó en 1941 para la Photo League, esa cooperativa de fotógrafos neoyorquinos interesados en temas sociales y que agrupó a los mejores nombres de aquella época, desde Berenice Abbott a Robert Frank. En la muestra también pueden verse algunas de las fotografías de aquel grupo puesto que Wallis ha querido contextualizar el trabajo de Weegee, mostrando desde los periódicos en los que publicaba hasta la habitación en la que dormía. "Weegee vivía enfrente del cuartel general de la policía, bebía en los mismos bares que los agentes… Se dice que le sacó unas fotos al hijo de uno de los comandantes y a partir de ahí se le abrieron todas las puertas y así conseguía llegar el primero" explica Wallis. El comisario subraya que Weegee no se limitaba a llegar y tomar la foto -3 o 4 como mucho- si no que "movía el sombrero de un muerto o incluía ‘attrezzo’ en las escenas del crimen, algo que ha llevado a algunos a cuestionarle aunque yo creo que es precisamente esa teatralidad lo interesante de su trabajo".

 

Era una época periodísticamente muy diferente a la actual, en la que había ocho tabloides en Nueva York –hoy hay cuatro diarios y sólo dos son tabloides- que Weegee visitaba cada día tras imprimir múltiples copias de sus fotos y llevarlas personalmente a cada periódico. "Lo hizo durante toda su carrera, no permitió que otros manipularan sus negativos" aclara Wallis. Con un gran sentido del humor no exento de cierto egocentrismo –firmaba Weegee, el famoso-, aprendió a utilizar la cámara haciéndose autorretratos -el ICP tiene más de 1500 en sus archivos-. Algunos pueden verse en la exposición, entre ellos la serie en la que Weegee muestra los pasos a través del sistema policial desde que un delincuente es arrestado hasta que se sienta frente al juez. Esa serie fue publicada en la revista Life y le abrió las puertas de una profesión que por aquel entonces pagaba 35 dólares "por dos asesinatos", como reza una factura que le dio la misma revista y que él decidió colgar en su habitación (al cambio, 430 euros de los de hoy, frente a los 100 que con suerte se cobraría por esas dos fotos en la actualidad).

 

Su carrera se fue forjando además durante una época, la de la prohibición, que vio la consolidación del crimen organizado. Weegee, que como buen fotoperiodista sabía que había que tener amigos hasta en el infierno, se codeó con miembros de El Sindicato y de Murder Inc, conoció bien a Lucky Luciano o Bugsy Siegel, pero también a otros que no hicieron historia y que también le avisaban de donde había que estar para llegar el primero a la escena del crimen. Ellos contribuyeron amigablemente a hinchar ese curriculum fotográfico del que a menudo presumía, fanfarroneando con la cifra de 5000 asesinatos, "cercana a la realidad" dice Wallis. Algunos de esos asesinatos llegaron a exponerse en las paredes del MOMA en la década de los cuarenta, junto a algunas de las imágenes que realizó para el diario PM, un tabloide en el que, entre otras cosas, recogió escenas de la vida cotidiana en Coney Island, que vivió sus años dorados por aquel entonces. Después Weegee decidió dar el salto a Hollywood. Pero esa, es otra historia.

 

De: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/01/25/actualidad/1327500607_246932.html                                                                                                                                                                                                                                                                                                       

http://www.icp.org/museum/exhibitions/traveling/weegee

 

 

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Juan Gatti, 'Contraluz'

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 Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid

 Hasta el 1 de Abril

 

 

La Comunidad de Madrid presenta la primera gran exposición de Juan Gatti (Buenos Aires, 1950), que vive, desde 1980, en Madrid. Esta muestra, comisariada por Rafael Doctor, presenta fotografías en blanco y negro de nueva creación, así como una antología de sus obras anteriores, tanto en el ámbito del diseño gráfico como en el fotográfico, y recorre su trabajo de los últimos 30 años. También contará con un montaje audiovisual que permitirá convertir la cúpula de la Sala Canal en un inmenso planetario. La muestra está patrocinada por Purificación García.

 

El montaje que se puede ver en la sala está concebido de forma dual: una primera parte, que ocupará la planta baja de la sala de exposiciones, tiene como objetivo hacer un repaso por el rico universo del diseñador a través de los diferentes ámbitos en los que ha trabajado: entre otras, tendremos oportunidad de ver imágenes de las campañas como las que realizó para Sybilla, Jesús del Pozo, su trabajo para Purificación García o los carteles que desarrolla, a partir del año 1988, para las películas de Pedro Almodóvar (Mujeres al borde de un ataque de nervios, Átame, Tacones lejanos, Hable con ella, La mala educación, Volver y Los abrazos rotos, entre otras).


Una segunda parte, que ocupa el resto de la sala, es la que da título a la exposición, Contraluz, y es su trabajo más amplio y personal. Aquí, la iconografía de Juan Gatti, que normalmente ha estado asociada a la moda o el diseño editorial, se amplía y los objetos logran tener la misma entidad que el propio ser humano pues, en ambos, es la luz la que les da sentido como forma visual. En la Sala Canal de Isabel II, la serie Contraluz se presenta como una sucesión de experiencias sensoriales diferentes.

 

 


Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Santa Engracia, 125
28003 Madrid

 

De: http://www.madrid.org/cs/Satellite?c=CM_InfPractica_FA&cid=1142663136281&idConsejeria=1109266187218&idListConsj=1109265444710&idOrganismo=1109266228350&language=es&pagename=ComunidadMadrid%2FEstructura&pid=1109265444699&sm=1109266100977

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'No lugares. Fronteras urbanas'

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Sala Ángel de la Hoz del Centro de Documentación de la Imagen de Santander

Hasta el 30 de Diciembre

 

 

La Sala Ángel de la Hoz del Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS) cierra el año con una exposición fotográfica de Alberto Sainz que recorre espacios urbanos de distintas capitales europeas donde la gente se cruza y se encuentra, pero no se comunica, lo que el antropólogo Mar Augé define como "no lugares".


La muestra, que han presentado este viernes en rueda de prensa el propio fotógrafo, el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santander, César Torrellas, y la coordinadora del CDIS, Manuela Alonso, incluye 21 fotografías de 18 países, entre ellos España.

Bajo el título 'No lugares. Fronteras urbanas', las imágenes son fruto de un trabajo de "reflexión" realizado por Alberto Sainz a lo largo de tres años, entre 2009 y 2011, y muestran espacios creados para el consumo, la comunicación y la circulación en las principales capitales de Europa.

 

Así, se exponen fotografías relacionadas con aeropuertos, autopistas, trenes o metros, zonas de almacenamiento y de venta, semáforos, bibliotecas, ascensores, incluso redes de cables que transforman los espacios "unificándolos" y que ponen en contacto a las personas muy a menudo "sólo con una imagen de sí mismo", según su autor.

En algunas de ellas se refleja también el pasado histórico de la Europa del siglo XX, con "guiños" a la Segunda Guerra Mundial o referencias al genocidio de Bosnia, ha explicado Sainz.

 

Las imágenes están situadas en Francia, Bélgica, Holanda, Dinamarca, Suecia, Hungría, Bulgaria, Turquía, Grecia, Albania, Montenegro, Bosnia y Herzegovina, Croacia, Eslovaquia, República Checa y Polonia.

 

Para el fotógrafo, esta muestra constituye un "alegato a la tolerancia" y con ella ha pretendido ahondar en la condición individual de cada uno de nosotros, mostrar con "claridad y precisión" la actual realidad europea, la "más cotidiana", la que evidencia los "fundamentos" que definen "nuestras rutinas diarias, nuestras raíces y naturalezas humanas".

 

En este sentido, el concejal de Cultura ha señalado que esta exposición lleva detrás un "estudio, reflexión e investigación" sobre el mundo de la fotografía, y el trabajo tiene como "nexo común" la obra antropológica de Marc Augé, reflejando espacios donde multitud de gente de distintas culturas y nacionalidades "se cruzan" pero no establecen comunicación.

 

Manuela Alonso por su parte ha indicado que con esta muestra, que estará abierta hasta el próximo 30 de diciembre y en la que también colabora la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), el CDIS cierra el ciclo expositivo de este año.

Ya en 2012, el centro organizará talleres didácticos en los primeros meses del año, no abiertos al público en general, sino a los que se accede en grupos, y a partir del segundo semestre volverá a abrirse para exposiciones fotográficas relacionadas con proyectos vinculados con la investigación.

 

Alonso ha destacado, además, la calidad de las copias de la muestra de Alberto Sainz, realizadas, según ha explicado el fotógrafo, con un papel "100 por cien algodón" con un tipo de impresión que dura cientos de años. Un trabajo que ha llevado a cabo Luis Otí.

 

 

De: http://www.20minutos.es/noticia/1239301/0/

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'Maestros Húngaros de la fotografía: Robert Capa, Brassaï, André Kertész, László Moholy-Nagy y Martin Munkácsi'

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Ibercaja Patio de la Infanta, Zaragoza

Hasta el l 31 de Diciembre de 2011

 

Entre las dos guerras mundiales, cinco autores húngaros hicieron contribuciones fundamentales al desarrollo técnico y estético de la fotografía. Robert Capa, Brassaï, André Kertész, László Moholy-Nagy y Martin Munkácsi revolucionaron la fotografía documental y el fotoperiodismo, la fotografía artística y de moda, incluso la fotografía experimental. Sus nombres son tan decisivos para la historia del medio como reconocidos por el público aficionado.


Los cinco fotógrafos eran contemporáneos y estaban unidos por vinculos directos e indirectos. Todos alcanzarón el éxito siendo emigrantes, tras dejar su tierra natal en busca de oportunidades, por motivos políticos o económicos. Sin embargo, cada uno experimentó los acontecimientos y cambios del siglo xx con una visión única, diferenciada.

 

Esta exposición trata de seguir el desarrollo personal y profesional de los cinco artistas a través de unas imágenes conectadas a veces en el tiempo, a veces en el espacio.

 

 

Ibercaja Patio de la Infanta, Zaragoza
San Ignacio de Loyola, 16, CP. 50008
Zaragoza
http://obrasocial.ibercaja.es/v2_ficha_centro.php?id=a213529ee2bffcb2b699db3aa9db132f7b6d6222d45a5fc5

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'OBSERVADOS'. VOYEURISMO Y VIGILANCIA A TRAVÉS DE LA CÁMARA DESDE 1870.

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Fundación Canal, Madrid

 

Hasta el 8 de Enero.

 

La complacencia de ver sin ser visto. La mirada indiscreta en torno al erotismo, la violencia, el miedo, la muerte, el acecho a los famosos... Intromisión y una cámara son el eje de esta exposición de ciento setenta fotografías y dos piezas audiovisuales.

 

Trabajos de algunos de los fotógrafos más famosos de la historia como Brassai, Cartier-Bresson, Walker Evans, Robert Frank o Dorothea Lange muestran cómo el concepto de intimidad varía con el tiempo y cómo la vigilancia, en cualquiera de sus vertientes, está cada vez más presente, y de forma más natural, en nuestras vidas.

 

Exposición organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y la Tate Modern. Patrocinada por Trellis Fund y la Phyllis C. Wattis Foundation

 

Crédito de la imagen:
Extraño No. 1 © Shizuka Yokomizo

 

 

Fundación Canal, calle Mateo Inurria 2, Madrid.

ENTRADA LIBRE
Laborables y festivos: 11:00 a 20:00 horas
Miércoles: cerrado a partir de las 15:00 h.

 

http://www.fundacioncanal.com/

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‘Unseen photographs and selected works’

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La Fábrica Galería, Madrid

 

Hasta el 21 de Enero 

 

 

Treinta años después de su repentina muerte, las imágenes más impactantes y conmovedoras de Francesca Woodman llegan a Madrid con la exposición Unseen photographs and selected works. Una muestra, que reúne 20 fotografías, de la mujer que supo captar el cuerpo femenino, así como sus deseos y miedos más íntimos.

 

La Fábrica Galería homenajea a Francesca Woodman, que perdió la vida con tal sólo 23 años, con esta nueva exposición. Un recorrido por su corta, pero influyente carrera artística, compuesta de una serie de fotógrafías en blanco y negro, a través de las cuales la joven exploró el cuerpo humano y el complejo problema de representación del yo.

 

Un trabajo íntimo, directo y visceral, casi incomprensible para una casi adolescente. Retratos, misteriosas escenas y múltiples desnudos femeninos, conforman esta muestra de marcado caracter melancólica e inusitada belleza. Un paseo por el olvido, el pasado y el paso del tiempo al que solo Francesca Woodman supo acercarnos…

 

 

 

La Fábrica Galería
C/ Alameda 9
28014 Madrid, España

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'The invention of the savage'

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Musée du quai Branly, París

From Tuesday 29th November to Sunday 3th June 2012

 

General Curator

Lilian Thuram


Scientific Curators

Pascal Blanchard
Nanette Jacomijn Snoep

The exhibition

 

HUMAN ZOOS, The invention of the savage unveils the history of women, men and children brought from Africa, Asia, Oceania and America to be exhibited in the Western world in circus numbers, theatre or cabaret performances, fairs, zoos, parades, reconstructed villages or international and colonial fairs. The practice started in the 16th Century royal courts and continued to increase until the mid-20th Century in Europe, America and Japan.

 

A wide array of paintings, sculptures, posters, postcards, movies, photographs, mouldings, dioramas, miniatures and costumes provide insight on the scope of the phenomenon and on the success of the exotic performance industry, which captivated over a billion spectators who, between 1800 and 1958, marvelled at more than 35,000 individuals throughout the world.

 

Through 600 items and the screening of many film archives, the exhibition shows how this type of performance, when used as propaganda and entertainment, has fashioned the Western perspective and deeply influenced a certain perception of the Other for nearly five centuries.


The exhibition explores the sometimes fine lines between exotic individuals and freaks, science and voyeurism, exhibitionism and spectacle. It also questions visitors on their own contemporary biases.

 

While the exhibitions gradually disappear in the 30s, they have by then already had their effect, of setting a boundary between the exhibited and the spectators. Which begs the question: does that line still remain today?

 

 

Exhibition path

 

Human zoos, The invention of the savage aims at giving back their name to women, men and children used as extras, circus freaks, actors and dancers, by telling their diverse and forgotten stories.

 

Based on research started over ten years ago (Pascal Blanchard, Human zoos: Science and Spectacle in the Age of Empire, Liverpool University Press, 2008), a corpus of several thousand documents from over 200 international museums and private collections (including the Prado Museum, the Paris Musée des Arts Décoratifs, the British Library, the Victoria & Albert Museum, the National Portrait Gallery, the Muséum d'Histoire Naturelle, the Frankfurt historical museum, the musée du quai Branly and the private collection gathered by the Achac research group), and cross cooperation with over thirty countries, this is the first major exhibition to internationally approach what has been called the ‘human zoos’.

 

In a scenography inspired by the world of theatre, the exhibition historically and thematically approaches the staging of so-called ‘exotics’ or ‘freaks’, as well as the reactions to these popular scientific or avant-garde shows throughout the world. In an audio guide, Lilian Thuram provides his comments to visitors as they walk through the exhibition to view posters, photographs, sculptures and other items, putting them in their specific context.

 

ACT 1 - DISCOVERING THE OTHER: REPORT, COLLECT, PRESENT

 

The first Act features the 15th and 18th Century arrival of exotic people in Europe, and their consideration as ‘strange foreigners’, categorized in four archetypes throughout the exhibition: the savage, the artist, the freak and the exotic ambassador.

 

Various media reported on the parade of Brazil’s Tupinamba ‘savages’ for the royal entrance of King Henri II in 1550 in Rouen, on the arrival of Siamese ambassadors at the Court of Versailles in 1686, on the 1654 presentation of Inuits to King Frederik II in Copenhagen and on the return of Captain James Cook to England with Tahitian ‘Noble Savage’ Omai in 1774. The latter inspired a play that was presented in Paris and London for many years…

 

The exhibition also features a famous portrait of Antonietta Gonsalvus painted by Lavinia Fontana (1585), depicting one of the Gonsalvus children, a family of the Canary Islands known in the 16th Century for its legendary hairiness.

 

ACT 2 – FREAKS & EXOTICS: OBSERVE, CLASSIFY, CATEGORIZE

 

The early 19th Century brings the emergence of a new genre: ethnic shows. They first develop in theater cafés before spreading to larger and larger venues and being included in exhibitions and circuses.

 

This process of staging the difference blurs the difference between the deformed and the foreign: physical, psychological and geographical abnormalities are first staged, and then become the focus of performances.

 

The first ethnic and freak shows add a new dimension to popular culture by more and more regularly bringing together exotic people alongside freaks. Case in point: Saartje Baartman, nicknamed the “Hottentot Venus”, exhibited in London and Paris in the early 19th Century. She represents a new phase of the exhibition process.

 

The first shows fashion and structure the Western view on otherness, specifically from regions such as the various regions Europe hopes to conquer or in the process of colonizing.

 

In the early stages of imperial colonization, theories arise on the classification and organization of humanity and on the concept of race: an academic way of thinking that marked humanities throughout the 19th century.

 

ACT 3 – THE SPECTACLE OF DIFFERENCE: RECRUIT, EXHIBIT, SHARE

 

Between 1870 and WWII, many venues start specializing in ethnic performance as the Crystal Palace, Barnum and Bailey in Madison Square, the Paris Folies Bergères or the famous Panoptikum in Berlin. It is the time of the professionalization of the activity, and exotic performance morphs into mass entertainment.

 

Visitors are introduced to “actors of savageness” who become true genre professionals: Aboriginals, ‘lip-plate women’, Amazons, snake charmers, Japanese tightrope walkers or oriental belly dancers, but also the first black clown in France called “Chocolat” and drawn by Toulouse-Lautrec and legendary Buffalo Bill, whose show revolves on the native American Indian archetype, which forever brands the Far West imagery.

Unbeknownst to them, audiences encounter made-up ‘savages’. Generally paid, the exhibited actively participate in building the imagery.

 

ACT 4 – STAGING: EXHIBIT, MEASURE, PROFILE

 

Reconstructed ethnic villages, zoos, colonial and international fairs, science and spectacle merge in multiple places. Exotic peoples and physical strangeness are brought together on stage as if they both equally represented the realm of abnormality.

 

Excess, grandeur and ephemeral reconstructions characterize this section of the exhibition with posters and painted dioramas, film ,screenings, photographs, automates and postcards.

 

The practice starts in public gardens, following the one in Paris which, in 1877, is the first in Europe to exhibit tribes and groups. Such exhibitions lead to the invention of travelling Villages, like Carl Hagenbeck’s. Major tours start in 1874, and in 1878 until the 30s, international and colonial fairs include an exotic dimension to their programs.

While this trend primarily hits Europe, it also reaches America, Japan and the colonies themselves (Australia, India and Indochina), and attracts hundreds of million visitors.

 

 

http://www.quaibranly.fr/es/programmation/exposiciones/actualmente/exhibitions.html

 

Musée du quai Branly, París

37, quai Branly

75007 – 
Tel. : 01 56 61 70 00
tuesday, wednesday and sunday : 11am . 7pm
thursday, friday, saturday : 11am . 9pm

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THE 21st ANNUAL INTERNATIONAL LOS ANGELES PHOTOGRAPHIC ART EXPOSITION

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SANTA MONICA CIVIC AUDITORIUM / JANUARY 12 - 16, 2012

 

We live in a world where photographic imagery and new media representations are all pervasive. So what better way to explore photography’s relationship to contemporary culture and to the other arts than to spend a day, or two, or three at photo l.a, the country’s largest photo-based art exhibition and sale featuring photography, video and multi-media installations.

 

Now in its 20th year, photo l.a. once again promises to be a highlight of the year’s local arts scene. With over 50 exhibitors from around the world, you’ll be exposed to a wide variety of work from both established and newly emerging photographers. You can also attend an interesting selection of lectures, seminars, and panel discussions featuring an impressive lineup of photographers, collectors, publishers, critics, gallery owners and dealers, among others.

 

While this event promises a lot to see and do for adults, children are not forgotten. A group called Little Collector, which works to inspire the next generation of art lovers, is hosting a child friendly lounge where they’ll work with kids to create illustrated books to help keep them engaged.

 

So come to Santa Monica and learn, observe, collect and just have fun. Perhaps you’ll even go home with that perfect photograph for your home, office or special someone in your life.

 

 

DETAILS

 

When:

Thursday to Monday, January 13-17, 2011

Opening reception: Thurs., Jan. 13, 6 - 9 p.m.

Friday - Sunday, 11 a.m. - 7 p.m. (public hours)

Monday, 11 a.m. - 6 p.m.

 

Where: Santa Monica Civic Auditorium

1855 Main Street Santa Monica, CA 90401

323.458.8551

 

General Information:

info@artla.net | info@photola.com

323.937.5525 telephone

 

 

 http://www.photola.com/

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