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J.S. Bach. La Pasión según San Mateo. nº 1 Coral

Primera parte coral de la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach. Una de las partituras mas profundas, geniales y hermosas de toda la historia de la...
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Biografía de Arturo Márquez Navarro

Biografía de Arturo Márquez Navarro | music | Scoop.it
Carlos Medina's insight:

Nació en Álamos, Sonora, un 20 de diciembre. Es el mayor de los nueve hijos de los señores Arturo Márquez y Aurora Navarro y el único en la familia dedicado a la música.

Sus primeras experiencias musicales fueron escuchando valses, polcas y chotises.

En 1962 se trasladó con su familia a Los Ángeles, California, y al cumplir 16 años de edad comenzó a estudiar violín, tuba, trombón y piano, instrumento, este último, con el que empezó a realizar sus primeras composiciones con un acompañamiento de armonía intuitivo.

A los 17 años regresó a México y se instaló en la ciudad de Navojoa, Sonora, en donde de dirigió a la Banda Municipal durante un año. De 1970 a 1975 estudió piano con los maestros Carlos Barajas y José Luis Arcaraz en el Conservatorio Nacional de Música de la ciudad de México.

En 1976 ingresó al Taller de Composición del Instituto Nacional de Bellas Artes, que tenía su sede en las instalaciones de la Sociedad de Autores y Compositores, en donde estudió con los maestros Joaquín Gutiérrez Heras, Héctor Quintanar, Federico Ibarra y Raúl Pavón; en 1980, al concluir dicho taller, el gobierno de Francia le otorgó una beca de perfeccionamiento en París, con Jacques Castérède, por dos años, donde realizó las composiciones Moyolhuica y Enigma, en la Cité des Arts.

En 1982 ingresó al Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical Carlos Chávez (Cenidim), y en 1983 estrenó Mutismo para dos pianos. Conocíó entonces a Ángel Cosmos, quien lo invitó a formar el Grupo Música de Cámara, junto con el fotógrafo Juan José Díaz Infante, en 1985 presentaron el Concierto interdisciplinario con músicos y fotógrafos.

En 1987 obtuvo el segundo lugar en el Concurso Nacional de Composición Felipe Villanueva, y trabajó como investigador y coordinador de difusión en el Cenidim.

Entre 1988 y 1990 asistió al Instituto de Artes de California, becado por la Fundación Fulbright, donde estudió con Morton Subotnick, Mel Powell, Lucky Mosko y James Newton, e incursionó en la computación aplicada a la música, donde sus obras se fusionan con la música latina, el jazz y la música contemporánea, y realiza la composición de En Clave para piano.

En 1990, de vuelta en México, formó parte del grupo Mandinga, con Irene Martínez y Andrés Fonseca, y realizó la composición Tierra, La Nao y Cristal del Tiempo, con medios electrónicos. Ellos dos introducen al compositor en el mundo del baile de salón, especialmente del danzón. Así, se inspira en este último y compone el Danzón No. 1, con computadora y sintetizadores.

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Biografia de Silvestre Revueltas

Biografia de Silvestre Revueltas | music | Scoop.it
Carlos Medina's insight:

(Santiago Papasquiaro, México, 1899 - Ciudad de México, 1940) Compositor, violinista y director de orquesta mexicano considerado uno de los máximos y más influyentes representantes de la corriente nacionalista. Formado como violinista y director de orquesta en su tierra natal y Estados Unidos, empezó a componer relativamente tarde, a principios de la década de 1930, seguramente influido por el ejemplo de Carlos Chávez, de quien fue director asistente entre 1929 y 1935 en la Orquesta Sinfónica de México. En 1937 marchó a España, y participó de manera activa en la guerra civil a favor del bando republicano. Compositor autodidacta, su producción musical es muy escasa, aunque valiosa, con títulos como el ballet El renacuajo paseador (1933) y las obras orquestales Ocho por radio (1933), Redes (1935), Homenaje a Federico García Lorca (1935) y La noche de los mayas (1939). Destaca entre sus obras Sensemayá (1938), su partitura más conocida dentro y fuera de su patria. Un profundo conocimiento de la música mexicana y la primacía absoluta del ritmo otorgan a estas páginas de Revueltas un singular atractivo.

 

Silvestre Revueltas fue el mayor de cuatro hermanos que cultivaron diferentes disciplinas artísticas (José fue escritor; Fermín, pintor, y Rosaura, bailarina y actriz). Desde muy joven manifestó interés por la música. En 1913 ingresó al Conservatorio Nacional y en 1917 viajó a Estados Unidos para perfeccionar sus estudios de violín. En los años veinte y treinta difundió la música de concierto en toda la República Mexicana, ocupó la subdirección de la recién creada Orquesta Sinfónica Nacional (1928-1935) y dirigió la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios.

Movido por sus convicciones políticas, viajó a España, donde apoyó la causa republicana durante la Guerra Civil Española (1936-1939). De regreso a México compuso numerosas piezas sinfónicas y continuó desarrollando su labor docente. El devenir de la Guerra Civil, sin embargo, le había sumido en una profunda melancolía que no hizo sino aumentar una destructiva adicción al alcohol que acabó prematuramente con su vida.

Silvestre Revueltas formó parte de un grupo autores nacionalistas que buscaba la renovación de las formas recuperando los valores de la música indígena y el pasado prehispánico, acercándose al mismo tiempo a los lenguajes de la vanguardia europea para, a partir de ésta, obtener una auténtica expresión nacional. El más influyente fue sin duda Carlos Chávez, que agrupó a su alrededor a un buen número de seguidores. En el marco de esta corriente nacionalista, la música dionisiaca y vital de Revueltas ofrece novedades en todos los sentidos. Revueltas aprovechó todos los recursos instrumentales, dio a las cuerdas papeles percutivos y a los metales un énfasis melódico que recuerda el sonido de las bandas pueblerinas. En cuanto a la estructura de sus obras, las armonías son disonantes y los contrapuntos chocan rítmicamente.

Su obra abarca desde piezas para dotaciones pequeñas, como es manifiesto en Ocho por radio (1933), hasta obras para gran orquesta, como Janitzio (1933) y Sensemayá (1938). Para el cine elaboró partituras que han seguido interpretándose en forma independiente, como Redes (1935) y La noche de los mayas (1939). Sus composiciones fueron numerosas; entre ellas destacan, junto a las citadas, los poemas sinfónicos Cuauhnáhuac (1930), Esquinas (1930), Ventanas (1931) y el ballet El renacuajo paseador (1933). A pesar de su absoluta brevedad, que contribuye de hecho a hacerla aún más efectiva, Sensemayá (1938), título que hace referencia a una serpiente tropical, es la obra más conocida de Silvestre Revueltas. Todos los rasgos del estilo del músico están presentes en ella, empezando por la absoluta primacía del ritmo como generador de la composición, influencia directa del Stravinsky de La consagración de la primavera.

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5ta Sinfonia ( IV. Movimiento) - Beethoven - OSJBGUH & OSJBB

5ta Sinfonia ( IV. Movimiento) Ludwig Van Beethoven Sinfonica Juvenil Batuta Guillermo Uribe Holguin & Sinfonica Juvenil Batuta Bogotá 28 de Noviembre - 2012...
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Biografía de Wolfgang Amadeus Mozart - quién es, información, datos, historia, obras, vida

Biografía de Wolfgang Amadeus Mozart - quién es, información, datos, historia, obras, vida | music | Scoop.it
Biografía resumida, vida de Wolfgang Amadeus Mozart Johannes Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart Compositor austriaco
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Estudió con
Carlos Medina's insight:

Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Con sólo 3 años ya interpretaba piezas en el piano. A los 5, compuso sus primeras obras y hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras.

En 1762, Leopoldo se llevó a sus dos hijos Nannern (hermana mayor de Wolfgang) y a él mismo, a tocar ante el emperador en Viena. El 9 de junio de 1763 iniciaron una gira que duró tres años y medio, en la que visitaron las cortes de Múnich, Mannheim, París, Londres, La Haya, Zúrich, Donaueschingen y Múnich, cosechando grandes éxitos. Durante el viaje Mozart conoció a músicos y obras de otros compositores como Johann Christian Bach, a quien Mozart visitó en Londres en 1764 y 1765. La música de Mozart se publicó cuando tenía solamente 7 años, entonces ya era reconocido como un experto violinista. Más tarde tocó en París, Bruselas y Londres, donde ya se le consideró un genio.

Su primera ópera, la Finta Semplice la escribió con sólo 12 años. En 1769, fue designado director de concierto del príncipe de Salzburgo. Entre 1769 y 1773, hizo 3 viajes a Italia. Más tarde viajó a Viena, Munich y París en busca de un nuevo trabajo, pero resultó en vano.

El 4 de agosto de 1782, contrajo matrimonio con Constanze Weber sin el consentimiento paterno. Tuvieron 6 hijos de los cuales sólo dos sobrevivieron, Karl Thomas y Franz Xaver Wolfgang nacido el 26 de julio de 1791. Conoció la obra de Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach gracias al barón Gottfried Van Swieten, que tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de compositores barrocos. Por entonces se ganaba la vida como profesor y su mujer, como cantante.

El 14 de Diciembre de 1784 ingresa en la Masonería con el grado de Aprendiz, en la Logia Zur Wohltätigkeit(de la Beneficencia) de Viena. Fue introducido por el Barón Otto Von Gemminger Hombag. Mozart le había conocido tiempo atrás en la muy musical ciudad de Mannheim. Tal fue su entusiasmo por la logia, que en muy poco tiempo llegó a ser Maestro, por entonces, el penúltimo grado hasta Gran maestro. Ese entusiasmo fue inoculado en su padre Leopoldo, que ingresaría más tarde en la Logia, y en el músico Joseph Haydn, quien fue introducido personalmente por Mozart, si bien éste no estuvo presente en la iniciación de su compañero, pues se encontraba en la Mehlgrabe de Viena estrenando su concierto para piano K466.

No consiguió ningún puesto oficial en Viena hasta 1787, cuando Joseph II le contrató como compositor con un sueldo muy bajo. Escribe Seralgio y más tarde compuso una de sus obras maestras: Las Bodas de Figaro. Otra de sus obras más conocidas, Don Giovanni, fue un desastre en su presentación en 1788. Continuó componiendo grandes obras instrumentales. Su famosa serenata Eine Klein Nachtmusik fue compuesta en 1787. Cosi van Tutte, fue una obra cómica presentada en 1790.

En los últimos años de su vida, compuso La Flauta Mágica. En marzo de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el concierto para piano y orquesta KV 595. Dejó 46 sinfonías, 20 misas, 178 sonatas para piano, 27 conciertos para piano, 6 para violín, 23 óperas y otras 60 composiciones orquestales. Su obra abarcó todos los géneros musicales en sus más de seiscientas creaciones.

Mozart falleció en Viena el 5 de diciembre de 1791. Fue enterrado en una fosa común junto a otros 12 cadáveres.

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Música electrónica

Música electrónica | music | Scoop.it
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Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta (creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy está en uso otra terminología como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas.

 

Antecedentes históricos

    En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónicas. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de música electrónica no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.

    El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de figuras destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.

    A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.

    A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en universidades estadounidenses y, en menor medida, en Europa.

    Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la actualidad.

    El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores son ahora más asequibles, y los programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.

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Musica clasica

Musica clasica | music | Scoop.it
En esta página encontrarás las mejores piezas y los mejores compositores de la música clásica.
Carlos Medina's insight:

El concepto de música ha acompañado al hombre desde sus orígenes. Su etimología, del griego, mousiké (arte de las musas), le da un origen ciertamente divino o sobrehumano. La idea de dar coherencia a los sonidos que nos rodean, o que el hombre mismo ha descubierto en su contacto con el mundo, le dan sentido a éste arte, eminentemente expresivo del hombre. Pese ha que se han hecho hallazgos que sugieren que el hombre primitivo usaba herramientas naturales para crear sonidos y ritmos, su referente histórico más antiguo puede ubicarse en la Grecia Antigua. El hombre griego aunaba en un mismo concepto danza, poesía y música, ligándola a las representaciones dramáticas y a los ritos, usando la música como medio de expresar su asombro ante el misterio de la divinidad. En su mitología, Apolo era el patrono de la música, y Euterpe, su musa inspiradora por medio de la cual los dioses se manifestaban a los mortales.

 

Pitágoras (siglo IV a.c) fue quizá el primer pensador griego en estudiar las relaciones entre los sonidos. El primer teórico musical, definió el arte musical como “síntesis de los opuestos, unidad de múltiples y combinación de contrarios”. Dentro del pensamiento pitagórico, música y matemáticas, son caras de una misma moneda puesto que la matemática daba una explicación concreta y racional del mundo físico y también espiritual; por su parte la música, era un ejemplo abstracto del cosmos y su armonía evidente en todas las cosas.
A partir de este punto, filosofía y música se verán inextricablemente unidas. Particularmente en lo que refiere a la teoría pura de la armonía musical, Pitágoras halla que entre las notas ―como en los números― existe una relación estrecha tonal y de intensidad.

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Alexander Torres's curator insight, August 8, 2015 4:17 PM

Concierto de música clasica

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Religión y Mitos de Mesoamérica: La Música Prehispánica

Religión y Mitos de Mesoamérica: La Música Prehispánica | music | Scoop.it
Religión y Mitos de Mesoamérica
Carlos Medina's insight:

La música indígena mexicana era una parte importante (e indispensable) en las ceremonias religiosas, guerras, fiestas, juegos, coronaciones, sacrificios, entierros etc. Se transmitía de manera oral pues nunca se desarrollo una escritura musical propiamente dicha, aun que existen pinturas donde el glifo que representa el hablar va acompañado con flores lo que significa el canto o poesía.

Los aztecas enseñaban el arte de la música y la danza en escuelas llamadas Cuicacalli (casa del canto) y preparaban artistas como el Ometochtli (director de ejecuciones musicales), el Talpizcatzin (constructor, ejecutor y maestro de ejecuciones musicales), el Cuicapicque (compositor de cantos), el Tlamacazque (ejecutor de caracol y flauta), el Quaquacuiltzin (tañedor del teponaztli y cantor) entre otros.

Existían instrumentos de aliento como las flautas y flautines (chililihtli, tlapizalli), los jarros silbadores y ocarinas (huilacapitztli), el caracol marino que se usaba como trompeta (atecocolli).

Las percusiones consistían en el disco metálico parecido a un gong (tetzilacatl), el tambor vertical, hecho de un tronco hueco hermosamente decorado y en la parte superior recubierto con piel de venado u ocelote y se percutía con las manos (huehuetl), a su vez de estos mismos materiales se hacían tambores mas grandes (panhuehuetl) y uno gigantesco de 2.50 metros que se usaba desde lo alto de los templos y su percutir se escuchaba a 12 kilómetros de distancia (tlalpanhuehuetl). El tambor horizontal, hecho de tronco hueco y que se percutía con dos macillos cubiertos en la punta por hule, se usaba en el cambio de guardia nocturna de palacios y templos, en ceremonias religiosas y para dar señales de guerra (teponaztli), la concha de tortuga percutida con un asta de venado (ayotl).

Existían otros instrumentos diversos como los raspadores de hueso para la danza (tzicahuaztli), las sonajas de barro, metal o calabazo seco (ayacachtli), el raspador de hueso apoyado en un cráneo humano como caja de resonancia usado para las ceremonias fúnebres (omichitzicahuaztli) y los capullos secos de mariposas atados en grupo alrededor de los tobillos de los danzantes, a manera de sonajas que sonaban rítmicamente con la danza (tenabaris).

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Arturo Márquez - Danzón No. 2 (OFUNAM)

Arturo Márquez Compositor mexicano, nacido en Álamos, Sonora en 1950. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música. Sus maestros pri...
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"La Noche de los Mayas" S. Revueltas

Programa realizado por la Orquesta Filarmónica de Medellín y bajo la dirección del maestro Francisco Rettig de Chile, concierto que contó con la participació...
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Obertura de Las Bodas de Fígaro / W. A. Mozart - Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de México

Gala Musical de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de México. 29 de Septiembre de 2008. Teatro Metropólitan. Ciudad de México. Obertura de Las Bodas de F...
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Biografía de Johann Sebastian Bach - quién es, información, datos, historia, obras, vida

Biografía de Johann Sebastian Bach - quién es, información, datos, historia, obras, vida | music | Scoop.it
Biografía resumida, vida de Johann Sebastian Bach Organista y compositor alemán del periodo barroco
Nació el 21 de marzo de 1685 en el seno de una familia que durante siete g
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Nació el 21 de marzo de 1685 en el seno de una familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia, en Eisenach, Turingia (Alemania).

Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre, Johann Ambrosius. Cuando éste falleció, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph, por entonces organista de Ohrdruff. En 1700 comenzó a trabajar como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.

En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de Weimar, para pasar en ese mismo año a Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. A finales de 1705 consiguió un permiso para cursar estudios con Dietrich Buxtehude, organista y compositor danés afincado en Alemania. Entre ambos músicos se estableció un relación tan positiva que su estancia Lübeck se prolongó un mes más de lo acordado. Esto levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que además se quejaban de las florituras y armonías con las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos.

En 1707 contrajo matrimonio con Maria Barbara Bach, prima segunda suya, y se trasladó a Mulhose, donde trabajó como organista en la iglesia de San Blas. Un año después regresó a Weimar como organista y violinista de la corte del duque Wilhelm Ernst. Allí permaneció durante los siete años siguientes y se convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714.

En Weimar compuso unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit (c. 1707), además compuso obras para órgano y clavicémbalo. Entre 1717 y 1723 ejerció como maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música para su mujer e hijos para el estudio de la técnica del teclado y el arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado (I, 1712; II, 1742), las Invenciones (1722-1723) y el Orgelbüchlein  (Pequeño libro para órgano, 1713-1717).

Tras un año de la muerte de su mujer en 1720, se casó con Anna Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior esposa. En 1723 se radica en Leipzig, ciudad donde vivió ya hasta su muerte.

Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela eclesiástica no le satisfacía por las disputas continuas con miembros del consejo municipal. Las 202 cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso, destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. La Pasión según san Juan y La Pasión según san Mateo también se escribieron durante su estancia en Leipzig, al igual que su Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.

Johann Sebastian Bach comenzó a quedarse ciego el último año de su vida, falleciendo el 28 de julio de 1750, tras someterse a una fallida operación ocular. Dejó su influencia en músicos posteriores como Mozart, Beethoven, Mendelssohn o Chopin.

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Ludwig van Beethoven - Music Biography, Credits and Discography : AllMusic

Ludwig van Beethoven - Music Biography, Credits and Discography : AllMusic | music | Scoop.it
Carlos Medina's insight:

Los acontecimientos de la vida de Beethoven son parte de la leyenda romántica, evoca imágenes del creador solitario, agitando el puño en el destino y finalmente superarla mediante un esfuerzo supremo de voluntad creadora. Nacido en la pequeña ciudad alemana de Bonn en o alrededor de 16 de diciembre 1770, recibió su primera educación de su padre y otros músicos locales. Cuando era adolescente, se ganó algo de dinero como asistente de su maestro, Christian Gottlob Neefe, entonces se le concedió la mitad del salario de su padre como músico de la corte del electorado de Colonia con el fin de cuidar a sus dos hermanos más jóvenes, como su padre cedió a alcoholismo. Beethoven tocaba la viola en varias orquestas, convirtiéndose en amigos con otros jugadores como Antoine Reicha, Nikolaus Simrock y Franz Ries, y comenzó a tomar en las comisiones de composición. Como miembro de la orquesta de capilla de la corte, fue capaz de viajar y conocer a algunos miembros de la nobleza, uno de ellos, el conde Ferdinand Waldstein, se convertiría en un gran amigo y mecenas de él. Beethoven se trasladó a Viena en 1792 para estudiar con Haydn, a pesar del carácter espinoso de su relación, humor concisa de Haydn ayudó a formar el estilo de Beethoven. Sus posteriores maestros en la composición fueron Johann Georg Albrechtsberger y Antonio Salieri. En 1794, comenzó su carrera en serio como pianista y compositor, aprovechando siempre que podía del patronato de los demás. Alrededor de 1800, Beethoven comenzó a notar su sordera invadiendo gradualmente. Su desaliento creciente sólo intensificó sus tendencias antisociales. Sin embargo, la Sinfonía n º 3 "Eroica", de 1803 comenzó un período sostenido de triunfo creativo innovador. En años posteriores, Beethoven estuvo plagado de dificultades personales, incluyendo una serie de romances fallidos y una batalla de custodia desagradable durante un sobrino Karl. Sin embargo, después de un largo periodo de inactividad de la composición comparativa que dura desde aproximadamente 1811 hasta 1817, su imaginación creativa triunfó una vez más sobre sus problemas. Últimas obras de Beethoven, sobre todo el último cinco de sus 16 cuartetos de cuerda y el último cuatro de sus 32 sonatas para piano, tienen una calidad de éxtasis en el que muchos han encontrado un significado místico. Beethoven murió en Viena el 26 de marzo de 1827.



Carrera época de Beethoven, a menudo se divide en períodos tempranos, medios y fines, representados, respectivamente, por los trabajos basados en modelos clásicos de período, por piezas revolucionarias que ampliaron el vocabulario de la música y por las composiciones escritas en un lenguaje musical único, muy personal la incorporación de elementos de la escritura contrapuntística y la variación al acercarse a las formas a gran escala con total libertad. Aunque sin duda objeto de debate, estas divisiones apuntan a la inmensa profundidad y multifariousness de la personalidad creativa de Beethoven. Beethoven transformó profundamente todos los géneros que tocó, y la música del siglo XIX parece crecer a partir de sus composiciones, como si de una crisálida. Un pianista formidable, se trasladó la sonata de piano de la sala a la sala de concierto con las obras del período medio ambiciosas y virtuoso como el "Waldstein" (N º 21) y "Appassionata" (No. 23) sonatas. Su ciclo de canciones An die Ferne Geliebte de 1816 estableció el patrón de ciclos similares de todos los compositores de canciones románticas, desde Schubert a Wolf. La tradición romántica de "programa" música descriptiva o comenzó con "Pastoral" de Beethoven Sinfonía n º 6. Incluso en la segunda mitad del siglo XIX, Beethoven todavía inspira directamente tanto a los conservadores (como Brahms, quien, al igual que Beethoven, en el fondo se mantuvo dentro de los límites de la forma clásica) y radicales (como Wagner, que vieron la Novena Sinfonía como un presagio de su propia visión de la obra de arte total integración de la música vocal e instrumental con las otras artes). En muchos aspectos revolucionarios, la música de Beethoven sigue siendo atractivo universal debido a su humanismo característico y fuerza dramática.

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Historia de la música en México

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Historia de la música en México. Neolítico. Música prehispana. Azteca, Maya, Mixteca, Zapoteca, Tolteca, Otomi, Totonaca y Tarasca. Música ritual, guerrera y recreativa. De cuerda. Colonial. José Mariano Elízaga.
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la música tiene sus orígenes en los lenguajes tonales, cuna común de la música y el lenguaje. En la época prehistórica la música siempre se acompañaba de ritos y danzas mítico-religiosas. La característica era la melodía estrecha con 2 o 3 sonidos repetidos y monótonos que recuerdan al ritmo del hombre al andar.
A partir de entonces se diferencian dos tipos de efectos de música que siguen existiendo en la actualidad: la "excitación violenta" y la "calma y tranquilidad". Para hacer música, nuestros antepasados recurrían a gritos, chillidos y registros muy agudos. Aquí hay que buscar el origen de la música instrumental: para distorsionar la voz se empezaron a utilizar objetos externos.
Los inicios de la música instrumental están al servicio del ritmo y el ruido.

A partir del neolítico aparecen los primeros instrumentos capaces de producir melodías simples, fabricados en su mayoría con huesos y pieles de animales como las flautas de hueso con agujeros, xilófonos de huesillos o tambores de piel humana.
Durante cientos de miles de años (aprox. entre el 600.000 y 100.000 A.C.) el hombre se dedicó a manipular cadáveres para la obtención de instrumentos. Por lo tanto, la gente que se dedica a criticar la música poco melódica y a afirmar una y otra vez que la mejor música era la de antes, debería de haber nacido hace unos cuantos miles de años.
O por lo menos tener en cuenta que las composiciones pueden o bien excitar o bien tranquilizar a los oyentes y que ambas tendencias deberían de ser respetadas por igual.

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Etapas y características de la música barroca.

Etapas y características de la música barroca. | music | Scoop.it
Etapas y característcas del barroco musical El pensamiento  barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este período se busca una codificación de todo...
Carlos Medina's insight:
Etapas y característcas del barroco musicalEl pensamiento  barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,…) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):

    “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas….”

Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,…). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos.

Etapas

Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:

BARROCO TEMPRANO (1580-1630).  Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Las obras son, todavía, de poca extensión. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. Los compositores más destacados son: en Italia C. Monteverdi, J. Peri, G. Frescobaldi, y en Alemania M. Praetorius.BARROCO MEDIO(1630-1680). Es la época de la ópera y la cantata, y con ella, la distinción entre aria, arioso y recitativo. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal. Se produce una vuelta hacia el contrapunto. Los compositores más relevantes de esta época son: H. Purcell en Inglaterra y J.B. Lully en Francia.BARROCO TARDÍO (1680-1750).  Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas dimensiones más largas, aparece el estilo concertado, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. La tonalidad queda totalmente establecida. Las figuras más representativas son: los italianos A. Vivaldi, D. Scarlatti y los alemanes J.S. Bach, G.F. Haendel y G.P. Teleman.
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