Cultures & Médias

Les équipes de François Hollande vont récupérer la gestion du site de l'Élysée ainsi que ses comptes sur les réseaux sociaux. Leurs contenus sont profondément marqués par la présidence de Nicolas Sarkozy.

Mardi 15 mai, François Hollande récupérera les codes nucléaires de la France. Ses équipes numériques, elles, hériteront de la gestion de la présence du président de la République sur Internet: le site de l'Élysée et ses comptes officiels sur Facebook, Twitter, Flickr et Dailymotion, suivis au total plus de 120.000 fois.

Lancé en 1997, à l'occasion du 14 Juillet, le site Internet de l'Élysée est avant tout un support de communication institutionnel, qui permet notamment de contacter le président de la République. Comme le veut la tradition, chaque courrier envoyé par des citoyens français obtient une réponse. Sous l'ère Chirac, le site n'a été rafraîchi qu'une fois, au printemps 2005. Il a longtemps pâti d'une interface austère et de fonctions rudimentaires, malgré une tentative de diffuser en direct une interview du chef de l'État dès 1999.

En 2007 et 2010, les deux sites de Nicolas Sarkozy

En 2007, le site a connu son unique passation de pouvoir. Elle s'est concrétisée quatre mois après l'élection de Nicolas Sarkozy. Élysée.fr se métamorphose alors radicalement et reprend l'interface du site de campagne de l'ex-candidat. La photo du président se retrouve incrustée dans la bannière en haut de page, tandis que la chaîne de télévision de campagne NS TV, se transforme en PR TV. Le nouveau site «est à l'image de Nicolas Sarkozy», commente le Journal du Net, tandis que Politique.net y voit déjà le symbole d'une «hyperprésidence».

Cette version restera en ligne plus de deux ans, jusqu'en avril 2010.

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Prévue fin mars à la Cité du livre, la manifestation culturelle a été annulée car "non validées" par l'adjointe de la Culture.

Les intervenants avaient été invités, le programme ficelé des semaines à l'avance. Fin mars 2012, plusieurs lieux culturels aixois avaient prévu d'organiser une manifestation culturelle autour de l'Algérie, cinquante ans après son indépendance. Le tout est finalement tombé aux oubliettes.

Sur le papier, tout roule. Et puis..., le hic.

À l'origine du projet, le théâtre du Bois de l'Aune qui, en partenariat avec Vitez, devait dérouler ses planches à Il était une fois Germaine Tillion : un spectacle mis en scène par Xavier Marchand, autour de la figure de la résistante et déportée de la Seconde Guerre mondiale qui avait ensuite mené un combat engagé contre la torture durant la guerre d'Algérie. "Puis, le théâtre m'avait téléphoné pour un partenariat. L'idée était de prolonger la séance avec un film ; j'avais choisi La Bataille d'Alger, ainsi que Rome plutôt que vous, de Tariq Teguia,sur une Algérie plus contemporaine, explique Sabine Putorti, de l'Institut de l'image. J'ai proposé ensuite, un peu naïvement, à la Cité du livre si elle voulait se greffer à la manifestation, et Annie Terrier des Écritures croisées a répondu favorablement." Le Cobiac (Coopération internationale pour le développement de la lecture et des bibliothèques) basé à la Méjanes s'ajoute à la liste des organisateurs.

Au final, c'est une manifestation sur trois jours, plutôt étoffée, qui prend forme : table-ronde intitulée "50 ans après l'indépendance, l'Algérie... ?" avec des intervenants algériens - le poète El Mahadi Acherchour, la journaliste Salima Ghezali, l'auteur Akram Bulkaid - autour de débats, de diffusion de films, de pièces, etc. Sur le papier, tout roule. Et puis..., le hic. "Comme d'habitude, la directrice de la Cité du livre avait son rendez-vous annuel avec Patricia Larnaudie, l'élue à la culture, pour valider la programmation. Et le lendemain, nous avons été prévenus par un mail laconique, venant du secrétariat de la Cité du livre, signalant que ces soirées n'avaient pas été validées par la municipalité, se concluant par 'Il faut annuler'", raconte Annie Terrier, des Écritures croisées.

Maryse Joissains évoque une "atteinte à l'ordre public"

Devant la nouvelle, les différents protagonistes accusent le coup. Et puis écrivent à Patricia Larnaudie pour pouvoir en discuter. "Nous n'avons pas eu de réponse." Début avril, Jean-Louis Jouanaud, président des Écritures croisées, prend sa plume pour s'adresser directement au maire, Maryse Joissains : "Nous renouvelons par la présente notre volonté expresse de vous rencontrer pour parler de ce qui commence à apparaître comme la censure grave d'une élue sur un sujet qui concerne l'ensemble des lecteurs et électeurs d'Aix-en-Provence, écrit-il. Nous nous tenons à votre entière disposition – aux jour et heure de votre choix – pour vous présenter l'ensemble du dispositif culturel que nous souhaitions et souhaitons toujours mettre en place avec l'ensemble de nos partenaires autour du cinquantenaire de la fin de la Guerre d'Algérie et de l'évolution de ce pays sur cette assez longue période."

Cette fois-ci, la députée-maire UMP répond - signalant qu'elle valide la décision de son adjointe, "lui faisant confiance". Elle précise à La Provence que "cette manifestation aurait pu porter atteinte à l'ordre public parce qu'elle était très pro-algérienne et que la mémoire sur ces événements n'est pas tout à fait apaisée..."

"Nous sommes en période d'élection, poursuit Sabine Putorti, j'avais décidé de laisser tomber. Je ne suis pas dans une attitude militante. Mais ce que je déplore, c'est qu'il n'y ait pas de dialogue. J'aimerais qu'on nous fasse confiance... Je ne suis pas vraiment fâchée, mais je trouve ça dommage : ces débats, ces films sont de bons supports qui peuvent aider à réconcilier." Pour le coup, c'est raté.

Julien DANIELIDES

The Strindberg & Cinema Festival in Los Angeles featured two films that Ingmar Bergman made for Swedish television: his version of August Strindberg’s A Dream Play (1963) and his portrait of a theater director, After the Rehearsal (1984).

The second night of the Strindberg & Cinema Festival featured two films that Ingmar Bergman made for Swedish television: a filmed production of August Strindberg’s A Dream Play (1963) and Bergman’s acclaimed self-portrait of a theatre director, After the Rehearsal (1984). While After the Rehearsal was released internationally as a feature film after initially airing on Swedish television, this was the first time that A Dream Play had been shown in North America.

Typically, this site is reserved for commentary on new work, but there are times when an unexpected juxtaposition casts old and even supposedly familiar works in fresh and deeper perspectives. It had been some twenty years since I’d seen After the Rehearsal. I remembered it as a wry, often insightful, at times pointed commentary on the art of theatre, especially the elusive arts of directing and acting.

I’d filed the experience in the same corner of my private memory palace along with Truffaut’s Day for Night (1973) and Fellini’s 8 ½ (1962). That comfortable and sophomoric take on the film was roundly shaken and reconfigured by the experience of seeing it again through older, more experienced eyes, and from the advantage of having just seen Bergman’s filmed version of A Dream Play.

Over his long career, Bergman mounted some thirty productions of works by Strindberg (1849-1912), including four different productions of A Dream Play: this 1963 filmed version was the first, followed by stage productions in 1970, 1977, and 1986. Luckily, I read a synopsis of the play prior to the screening, which was in the original Swedish, without subtitles, and which needless to say, made the intensely dialogue-heavy film hard-going for the non-Swedes in the house. With the exception of a few judicious cuts, Bergman’s shooting script faithfully followed Strindberg’s play script.

For those unfamiliar with the play, it is one of Strindberg’s most poetic and philosophical. Like a dream, time and place and age are fluid. The narrative, such as it is, involves the Daughter of the Hindu god Indra coming to Earth to gain some understanding of what it means to be human. She’s guided in turns by three men—an Officer, a Lawyer, and a Poet. She discovers the constant struggle and suffering of the human condition, at first observing, then experiencing that elusive blend of hope and despair that keeps humans keeping on despite life’s many tolls, obstacles, and disappointments.

In a revealing 2003 interview conducted a few years before his death, Bergman describes his near-obsession with Strindberg’s work, a compulsion that began when he was fourteen and consumed him right to the end. One of his last productions was a radio version of Strindberg’s chamber play, The Pelican. Bergman always considered the Daughter in A Dream Play as one of the most compelling women’s roles in the Strindberg canon, perhaps in all of dramatic literature. The only Strindberg plays that Bergman returned to as often were Miss Julie and Ghost Sonata. Many have observed that Bergman’s 1984 Fanny and Alexander is a loose, contemporized adaptation of A Dream Play.

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Vendu à 1,5 million d’exemplaires et adapté par France 5, le livre « Métronome » de Lorant Deutsch est un succès. Cet ouvrage pose pourtant « problème » pour des historiens.

Passé par la télévision, le théâtre et le cinéma, Lorànt Deutsch est aujourd’hui associé au monde de la littérature depuis la sortie, en 2009, de « Métronome, l’histoire de France au rythme du métro parisien », son premier livre consacré à l’histoire de Paris.

Des historiens, blogueurs et passionnés ont réagi après l’adaptation coûteuse (1 million d’euros, par les deniers publics) de l’ouvrage par France 5. Ils s’interrogent quant à une certaine vision de l’histoire, notamment « pro-royaliste », « anti-républicaine » et « anti-révolutionnaire ».

Car jusque là, peu de médias ont été critiques, autant à l’égard du livre que de la série télévisée :
•« Un pavé d’une science impressionnante » selon BibliObs ;
•« Un récit enlevé de l’histoire de France vue de Paris, entre vulgarisation et effluves d’une réelle érudition » selon Libération ;
•« Cette série donne envie de chausser ses meilleures baskets pour parcourir la ville » selon Le Monde.
 •« Une prouesse technique et ultra pédagogique » selon Télérama.

La série a été regardée en moyenne par 1 million de téléspectateurs, un record pour la chaîne française sur cette case horaire. Et comme le précise William Blanc, doctorant en histoire et président de l’association d’éducation populaire Goliard(s), l’ouvrage n’a pas été confiné à quelques érudits.

« “Métronome”, disponible au rayon histoire, est en passe de faire autorité pour ses millions de lecteurs, repris par des responsables politiques (Robert Hue en a fait son coup de cœur) et scolaires (à Paris, ici et là). Ce qui est mis à bas, c’est l’action patiente des historiens de terrain et des éducateurs populaires qui, depuis des décennies, interviennent en milieux scolaire. »

Dans les livres : des erreurs historiques

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In Barbara Stanwyck: The Miracle Woman, Dan Callahan argues convincingly that with the help of some of the better directors and writers of her generation, actress Barbara Stanwyck drew from her painful childhood and adolescence to develop her remarkable acting style across a range of genres.

His critical analyses of her performances are not, thankfully, uncommitted, academic regurgitations of what others have written, but highly observant, passionately written considerations of her artistry.

Callahan writes persuasively that this gifted, driven actress’s early years are also responsible for her later, troubled private life, although the source of Stanwyck’s right-wing political leanings deserves more careful consideration.

Finally, Callahan’s biography helps explain what to this reviewer’s mind is Stanwyck’s gift to the cinema: a “less-is-more” approach to acting that asked her audience to take her characters on their (the characters’) own terms.

Born Ruby Stevens on July 16, 1907, in Brooklyn, Barbara Stanwyck would later admit to having “had a terrible childhood. Let’s just say,” she added, “‘poor’ is something I understand.”

Orphaned at the age of two—her mother was killed when a drunk knocked her off a street car, and two weeks later her father went to work on the Panama Canal never to return—she was first left in the care of her older sister, Millie (a chorus girl), who, when she went on the road, left Ruby and her brother Byron in foster care.

Callahan claims that whatever she saw in foster care homes and the streets of Brooklyn “seems to have made her as guarded as possible,” and accounts, at least partially, for her on-screen ability to hide barely suppressed emotions behind a stoical face.

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Ré-enchanter le monde. C'est le programme de la 18e édition du Festival de Fès
de musiques sacrées du monde, qui se tiendra du 8 au 16 juin 2012 dans la
magnifique médina Fassienne classée au patrimoine mondial de l'UNESCO.

Ré-enchanter le monde par la poésie, la quête du beau et la spiritualité  enchanteresse de la musique. Pour rendre un hommage particulier à Omar al  Khayyâm, ce savant persan du XIe siècle, astronome, mathématicien, philosophe et  poète, à la vie parsemée de mystères et légendes. Le Festival s'ouvrira sur une  mise en scène de ses paroles par Tony Gatlif. Le réalisateur de Latcho  Drom (1993) – où il racontait déjà par le chant et la musique la longue  route du peuple Rom - mettra ainsi en scène un de ses rêves d'enfant : traverser  l'Orient sur un tapis volant, d'Egypte jusqu'en Inde en passant par  Samarcande.

Un voyage en musique qui s'annonce  enchanteur, d'Archie Shepp, ensemble américain qui reviendra aux  racines du blues éloignant - pour un temps - le Gospel des grandes chorales, à  Mukhtiyar Ali, du Rajasthan, qui nous fera découvrir les chants mystiques et  dévotionnels du grand poète Kabir. Rodolph Burger mettra en musique le Cantiques  des Cantiques, en hommage à Mahmoud Darwich mais aussi à Alain Bashung qui le  lui avait commandé pour son mariage, avant de mourir. Björk viendra à Fès  présenter Biophilia, sa dernière création, hymne à la nature, et Joan
Baez – pour une forme plus laïque de spiritualité, inscrite au cœur de la  civilisation occidentale - clôturera le festival partageant, comme à chaque  fois, un peu de son engagement indéfectible pour la liberté et la dignité  humaine.

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Nul ne peut en douter, le trouble, en matière d’art, est lié à la question de la réception de l’œuvre par le spectateur. Et donc, à ce qu’il est convenu d’appeler l’expérience esthétique, si vraiment l’expression correspond bien à la chose envisagée. Considérons une œuvre : ici, sont d’emblée cités la vidéo de Sigalit Landau (Barbed Hula) et l’œuvre de Thomas Hirschhorn exposée à la dernière biennale de Venise (2011), l’une pour le trouble qu’elle induit relativement à la question des frontières (une femme faisant du houla-hop avec un fil de fer barbelé devant la mer en Israël) et l’autre pour le trouble qu’elle provoque par des photographies violentes. Quelle est la nature de ce trouble ? Marc Jimenez répond à juste titre : « je crois qu’il est dans la nature de l’art et dans le rôle de l’artiste de modifier le regard du spectateur sur la réalité et donc, de troubler la perception habituelle, de faire voir les choses à travers une diffraction prismatique ». Et de citer Racine, plus précisément Phèdre rougissant et pâlissant à la vue d’Hippolyte : « Un trouble s’éleva dans mon âme éperdue, … ».

Le trouble ne peut donc être autre chose que le symptôme d’une relation à quelque chose (ici une œuvre), cette part d’énigme – très variable selon les œuvres – qui à la fois attire et déconcerte le regardeur. Plus précisément encore, Dominique Berthet, dans la préface de ce volume, souligne que le trouble est la manifestation d’une confusion, d’une émotion, d’un écart ou d’un dérèglement par rapport à un état « normal ». Il peut provenir du surgissement de l’imprévisible, comme de la rencontre de quelque chose d’insolite qui nous étonne.

Si le trouble peut être considéré comme un état déplaisant, un état affectif pénible, accompagné de crainte ou d’angoisse – ce qui s’entend assez bien lorsqu’on parle du trouble suscité par un événement (naturel ou politique) -, il en va autrement concernant les arts.

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Sur les trente-huit carnets laissés par Degas, vingt-neuf ont été donnés en 1920 au département des Estampes par son frère, René de Gas, en remerciement des importants travaux menés sur l’artiste par le conservateur Paul-André Lemoisne. Deux autres carnets sont conservés au Louvre, un au Metropolitan Museum de New York et les six derniers sont dans des collections privées. En 1976, un autre spécialiste de Degas, Theodore Reff, les publie, proposant une nouvelle chronologie et un appareil explicatif très riche, sous le titre The Notebooks of Edgar Degas : a catalogue of the thirty-eight notebooks in the Bibliothèque nationale and other collections.

Degas a utilisé ces carnets de 1853 à 1886. Cela représente cinq cent pages d’écriture et deux mille pages de dessins. Simples cahiers ou carnets de poche, ils fourmillent de notations diverses, triviales ou artistiques, pratiques ou poétiques, révélant l’homme et l’artiste, à condition de se laisser porter par l’ordre erratique de ce journal mêlant les sujets les plus divers sur une même page, truffé de lignes ou dessins sibyllins, laissant des pages blanches, rempli parfois dans tous les sens. L’éclectisme des centres d’intérêt est visible dans chaque carnet. On relève par exemple dans le premier carnet, successivement, des croquis de chevaux, de bataille, des scènes d’intérieur, plusieurs paysages délicatement rehaussés à l’aquarelle, un portrait du cardinal de Richelieu, le récit d’une promenade aux Haras du Pin, des esquisses de profil, des notations de peintre sur les couleurs « violet mauve clair, violet bleu, rouge rose, bleu gris… ». Ailleurs on lira des adresses d’amis, de modèles, de fournisseurs, des listes d’artistes relevées lors d’une exposition, des vers et des citations littéraires. Des notes techniques utiles à la représentation des corps apparaissent ici ou là, comme le relevé dans le premier carnet du système de proportions proposé dans L’Art de dessiner de Jean Cousin, ou encore, dans le carnet 2, des mesures précises du corps humain, « largeur des épaules, du menton au sommet de la tête… ». Degas consigne tout ce qui pourra nourrir son œuvre, les choses vues dans un voyage, une exposition, un musée comme au Louvre où il est inscrit comme copiste, ou à la Bibliothèque nationale où il consulte des monnaies grecques ou des miniatures mogholes. Lemoisne, dans un article paru dans La Gazette des Beaux-Arts au moment du don des carnets, y découvre même un Degas paysagiste que son œuvre peint ne laisse pas soupçonner. Une intense activité secrète sublimée, concrétisée, dans son œuvre artistique.

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