Raconter notre vie paraît une des choses les plus ordinaires qui soient. Une expression de l’unique, dans le fait où chacun révèle son intime à sa manière. Par-delà nos différentes manières de travailler, nous considérons tous (peut-être à tort) que notre rôle se limite fondamentalement à dévoiler, recueillir et enregistrer des traces supposées être autant de bribes visibles d’une vérité cachée ou inaccessible de nos réels. Les circonstances de la réalisation de ces figures de révélation varient d’un spectateur à l’autre, d’un moment à un autre. Ces travaux personnels accompagnent les moments de crises de l’adolescence, ou encore des évènements mémorables. Cette pratique est ambivalente tant elle est une manière de confession ou d’exhibition, questionnement de Soi par Soi, dans une visée morale et thérapeutique.

Essayer de comprendre et rassembler la vie. Exprimer une colère, une faiblesse, une passion. Cela peut aussi être une intention de témoignage du quotidien. Comme objet d’étude, l’intime intéresse autant le sociologue, le psychologue, l’historien en littérature que celui des coutumes, et dernièrement beaucoup d’artistes, en raison de cet intérêt croissant pour la recherche à forme historique sur la vie quotidienne et ses représentations. Plusieurs formes existent au dévoilement de l’intime...

Le terme Overflow résume bien l’excès, la prolifération, le flux incessant des données informationnelles qui circulent sur les réseaux sociaux mais aussi le flux des déplacements physiques des êtres humains et des moyens de transport. Cette vision globale d’un tourbillon où les humains et les machines interagissent dans un jeu de pouvoir et de soumission fascine et effraie en même temps. Percevez-vous une aliénation ou une exaltation dans le pouvoir que les individus ont d’accéder et de participer à l’effervescence du monde (devenu monde technologique jusque dans nos affects) ?

Pour l’exposition Overflow, j’ai rassemblé une série de pièces que j’ai créées entre 2007 et 2015, qui ont en commun d’aborder des relations entre des flux de données et l’humain. Elles décrivent différents types de situations :  un paysage en 3D généré en direct par des tweets exprimant des désirs (Ecotone), un film infini produit par la juxtaposition aléatoire de flux d’information en direct, de vidéos tournées in situ et de musiques de blockbusters (Précursion), une parole qui explose faute de pouvoir reproduire celle de la télévision (Circuit fermé),  l’irruption de messages sonores dans l’espace de l’exposition (Set-up) et des situations urbaines qui s’assimilent à des comportements machiniques (série de vidéos Ex / if).  En élaborant l’exposition, une continuité m’a semblée assez évidente entre ces différents projets :  tous évoquent d’une manière ou d’une autre les enjeux de nos échanges avec ces flux, et surtout ce que devient la notion d’humain dans ce paysage...

TicArtToc, intitulé « Arts 2.0 » se penche sur le statut et l’évolution de l’art à l’âge numérique: comment, d’une part, la technologie et les réseaux sociaux influencent les pratiques artistiques et le rapport du public aux œuvres, de plus en plus interactif, et comment, d’autre part, les artistes vivent cette révolution.

Numérisation de l’art et arts numériques: deux facettes d’un même phénomène que nous nous proposons d’explorer à travers des témoignages d’artistes et des textes de réflexion.

Sous quelles conditions un territoire est-il construit en regard de la programmation informatique? Comment reterritorialiser Internet à l'échelle du corps? Par où l'algorithme pénètre-t-il nos échanges symboliques? Avec la société i Matériel, puisqu'il s'agit de composer avec les flux d'informations, nous devons presque accepter de partir de nulle part et d'in-terminer notre développement.

Aussi, loin de vouloir établir des catégories ou des principes prétendant établir un plan d'action, cette thèse se pose le problème de ce qui toujours, dans un programme, échappe aux codes; des nouvelles images telles qu'elles débordent les écrans et des milieux humains, profondément hybridés par les automates programmés.

Pour penser les flux, il est indispensable de considérer un terrain, un fragment de milieu humain. Deux projets en rapport avec cette notion de territoire – une mission de service public visant à mettre en réseau un ensemble d'opérateurs culturels sur la ville de Bourg-en-Bresse, et une œuvre d'art numérique investissant, par le portrait social, la question d'une ré-appropriation individué des flux – nous permettront de faire progresser ce mi-lieu hyper-complexe entre le corps et le programme.

En définitive, il s'agira de voir quels genres d'affect il nous est nécessaire de connaître afin que les réseaux numériques accompagnent une augmentation de notre puissance d'exister.

http://www.maisonpop.fr/spip.php?article1970

La Nature, la Vie, le Vivant : des concepts philosophiques au cœur de la création artistique, de la poétique et des sciences. Depuis la fin des années 1980-début des années 1990, l’art a quitté le domaine de la représentation pour créer avec la dynamique même du vivant ce que l’on nomma alors le "bio-art". Quelque vingt-cinq ans plus tard, les techniques et les formes ont évolué et se sont diversifiées, le bio-art s’écrit désormais au pluriel.

Dans son ouvrage phare de 1964 Understanding Media: The Extensions of Man, (“Pour comprendre les médias: les prolongements technologiques de l’homme”), Marshall McLuhan donne une belle définition de l’artiste dont il reconnait le rôle décisif: “L’artiste est l’homme qui dans tout domaine, scientifique ou humaniste saisit les conséquences de ses actes et des nouvelles connaissances dans son propre temps. C’est l’homme de la conscience intégrale”. Et interroge: “si les hommes pouvaient être convaincus que l’art est la connaissance précise et anticipée de la manière de faire face aux conséquences psychiques et sociales de la prochaine technologie, deviendraient-ils pour autant des artistes?”

Dans leur recherche les artistes ont toujours utilisé les techniques et les technologies de leur époque, adoptant les outils qu’ils pensaient être les plus aptes à exprimer leur poétique. Aujourd’hui, on trouve parmi les technologies émergentes, une catégorie qualifiée de “bio”, c’est-à-dire qui fait appel à des technologies relevant du règne organique, de la biologie, du vivant, de la vie. Traiter de la vie peut sembler éloigné de l’art, cependant l’art est à même de dialoguer avec la science et d’aborder la vie de manière inédite, retrouvant une fonction de questionnement critique et une aura innovante.

...

Ce texte à été repris dans le dossier thématique “Arts&Sciences” dans mcd – Magazine des Cultures Digitales, n. 81, Mars / Avril / Mai 2016, réalisé avec le soutien du ministère de la Culture et de la Communication, invité par Annick Bureaud.

Elles se collectent et se rachètent, s’exhibent et se sécurisent, se balancent aux services de renseignement et se piratent. Ombre de l’homme moderne, les données deviennent un terrain sur lequel le fantasme se cultive à la pelle. Les artistes de l’exposition Données à voir leur ouvrent le ventre.

Comme son nom l’indique, l’exposition Données à voir ramène à portée de regard l’hydre tentaculaire du « Big Data »  dans une temporalité à la fois chronologique et circulaire.

Pour le mettre en perspective, les artistes présentés n’ont pas besoin de l’expertise « postinternet » ou du label « art numérique ». Car si l’on doit au web 2.0 l’explosion du nombre de données et à Edward Snowden la révélation de leur instrumentalisation politique...

Des artistes ont exploité des données personnelles ou scientifiques pour présenter des œuvres numériques d'un genre nouveau, lors de la Digital Week de Nantes et du festival Scopitone.

Comment se regarder voir ? La Société i Matériel développe des dispositifs de vision qui nous engagent à interroger les machineries numériques et les images posées au-devant d'elles, qui nous concernent et que, souvent, nous leur fournissons même avec un certain plaisir...

Dans quelle mesure ces machineries qui nous entourent fabriquent un paysage écran ? Qu'en est-il finalement de notre relation à cette notion de paysage peut-être obsolète ? Car, désormais, l'art ne peut probablement que (dé)jouer l'image entre les lignes pour afficher, souligner, son caractère expérimental, voire son rôle de franc-tireur.

En s’appuyant sur l’analyse d’un corpus d’œuvres numériques utilisant l’oxymore de l’écran-support qui, selon Gérard Wajcman : « cache ce qui est derrière et […] donne à voir ce qui se peint dessus », il s’agira de mettre au jour les nouveaux enjeux du hors écran dans les interventions numériques de web artistes tels que François Dourlen ou Zach King. Au-delà d’une pratique brouillant les pistes entre artiste et amateur, ces démarches s’inscrivent dans l’histoire de l’art en transposant les ambiguïtés topologiques de l’univers surréaliste sur l’écran et le hors écran de leur tablette numérique ou de leur téléphone mobile.

Selon Serge Tisseron : « Le téléphone mobile a donné une incroyable liberté de mouvement au preneur d’images. Il peut sauter, s’accroupir, s’allonger sur le sol sans que cela paraisse étrange. Beaucoup de gens ont découvert avec ces appareils, le plaisir de faire des photos non seulement avec l’œil, non seulement avec les mains, mais avec le corps entier ».

Comment la souplesse d’utilisation de ces appareils « mobiles » induit-elle de nouvelles prises en compte spatiotemporelles du hors-écran ? L’analyse de ces mises en scène qui instaurent un peu de « jeu » dans le maillage réticulaire du regard numérique soulèvera le voile de Zeuxis en renouvelant les bases du dialogue entre réalité, réalité diminuée et réalité augmentée…

Réel-Virtuel : enjeux du numérique est une revue en ligne pluridisciplinaire, avec une dominante artistique.

La suprématie du discours de l’interface est le discours dominant de la scène performative contemporaine : celle qui intègre les technologies. Ce discours est basé sur la vision dualiste et matérialiste du monde occidental, sur une culture de l’objet tel que l’a identifié Christine Buci-Glucksmann (2003). J’expliquerai, dans la section sur la méthodologie, comment le développement d’une pensée intégrative est nécessaire pour sortir de ces pièges réductionnistes ainsi que pour investir les enjeux de la corporéité. L’approche de l’interface, telle que conçue dans le domaine des arts visuels, a donc été majoritairement importée dans le milieu des arts vivants performatifs.

La conception traditionnelle de l’interface qui se situe au croisement entre le technologique et l’humain, formalise une pragmatique communicationnelle dont le but est de traduire et de transformer le corps-langage humain et le langage-calcul de l’ordinateur écrit Emanuel Quinz, qui fait son analyse d’un point de vue des arts visuels et médiatiques, même si toute une évolution du concept d’interface prend place par la suite, il reste que même si le concept de l’interface artificielle se raffine, il fonctionne encore sur des principes de sélection et de réduction, en contrepoint avec le corps qui est comparé à une interface physiologique hyper complexe...

« Mais où est passé cet adaptateur Thunderbolt ?! » Il est 17 h 30, et le creative technologist de l’exposition « Matt Pyke & Friends » à La Gaité Lyrique n’est pas de bonne humeur. Dans une heure trente, les portes du Centre ouvriront et cette exposition à base de projections monumentales, d’animation hyper léchée et d’Oeuvres interactives repose aussi un peu sur cet adaptateur Thunderbolt «qui était là, sur la table, il y a 5 minutes », au milieu des huit MacBook Pro, des tablettes graphiques, des souris bluetooth, du Coca Zéro et du stress. Si cet objet anodin a suscité un léger moment de colère quelques minutes (il a fini par être retrouvé), c’est parce qu’il fait partie de la boîte à outils nécessaire à Matt Pyke pour diffuser ses travaux, ainsi que ceux d’une bonne partie des artistes numériques. Serveurs, Cloud, logiciels de retouche, de montage et de 3D, algorithmes, GPS, pistons hydrauliques, câbles de toutes sortes et mille autres technologie encore : ce sont les pinceaux, les systèmes de diffusion et les accélérateurs pour l’art d’une toute nouvelle génération d’artistes. Face au « paradigme numériques de 3D, algorithmes, GPS, pistons hydrauliques, câbles de toutes sortes et mille autres technologies encore : ce sont les pinceaux, les systèmes de diffusion et les accélérateurs pour l’art d’une toute nouvelle génération d’artistes...

Entre ouverture et fermeture du média lui-même, entre ouverture vers de nouvelles médiations et fermeture sur un transfert de pratiques antérieures, c'est bien sur cette frontière que semble se situer, à la lecture de ce numéro, le ou les multimédia(s) aujourd'hui.

Les auteurs montrent en effet la diversité des voies empruntées, des interrogations, sous lesquelles transparaît, sinon une crise, du moins une mutation des productions multimédias. Celle-ci, poussée par des objectifs ambitieux et soutenue par une avancée technologique rapide, s'appuie souvent sur une consolidation faible des acquis et des expériences. Dès lors, une analyse critique de ces productions s'imposait, opérée à la lumière de pratiques informatives et communicationnelles antérieures. Les travaux de ce numéro y contribuent. Ils traitent de domaines aussi variés que le cédérom, les productions «on line» et «off line », les dispositifs artistiques, la télévision en ligne...

Un regard critique est tout d'abord porté sur les pratiques actuelles, les positionnant les unes par rapport aux autres, tentant d'en percevoir les contours. Ces approches théoriques sont effectuées avec rigueur. Elles abordent les multimédias sous plusieurs angles : organisation des informations, navigation, construction du sens, influence du contexte technique et du contexte socioculturel. Enfm, quelques analyses étudient plus particulièrement certains dispositifs : les WEBTV, le télé-achat, les production~ littéraires informatiques...

À la fin du XXe siècle, une réalité dite « virtuelle» s’est de plus en plus imposée entre l’humain et l’écran de l’ordinateur. Dans les années 1990, des artistes ont commencé à réaliser des installations en réalité virtuelle qualifiées d’« immersives». La dimension interactive et immersive de ces installations interroge l’expérience de l’œuvre et son accessibilité.

Cette étude cherche à mettre en question l’expérience du temps, de l’espace et du corps dans l’art virtuel considéré comme univers tridimensionnel.Afin de mieux comprendre dans quel contexte la notion du « virtuel» ou de « réalité virtuelle » se construit, j’esseyerai premièrement de définir le mot « virtuel», à  partir de sa première occurrence dans l’Antiquité, puis de l’inscrire dans la longue durée de l’histoire de la représentation.

Puis l’analyse de cinq œuvres virtuelles permettra d’approfondir une réflexion sur le temps, l’espace et le corps dont on se servira pour définir les caractéristiques récurrentes dans les arts virtuels.Il faut ici ouvrir une courte parenthèse pour mieux montrer cette distinction entre les images actuelles et précédentes, ce qui nous conduit à faire une telle recherche. Pour répondre à cette question précise, nous nous appuierons sur deux aspects des arts numériques : Premièrement le tableau est un exemple de représentation. Un film ou une vidéo sont des séquences de représentations. Les œuvres virtuelles ne sont ni des instances ni des séquences de représentations. Elles sont des machines virtuelles qui  produisent elles-mêmes des représentations construites en temps réel. Ou encore, comme Edmond Couchot le rappelle, elles ne représentent pas, elles ne présentent pas, mais elles stimulent.

...

Lorsqu’une nouveauté technique émerge, le champ des arts s’en saisit comme moyen de création. À la suite de la photographie, le numérique exemplifie à son tour cette tendance. Toutefois, si l’on parle couramment d’« art numérique », il ne faut pas y voir la tentative d’en faire un mouvement, ni même de délimiter par cette appellation un médium comparable à la peinture, la performance ou la photographie. Et pour cause : il existe à la fois de la peinture numérique, des performances utilisant des outils numériques et bien sûr de la photo numérique.

Aussi, l’art numérique recoupe abondamment d’autres étiquettes courantes en art contemporain par exemple l’art interactif et l’art participatif. Si l’on considère qu’une œuvre relève de l’art numérique à partir du moment où sa réalisation ou sa présentation au public engage nécessairement du numérique, on tente alors de qualifier un art non pas par une technique, mais par un matériau

Le travail artistique à l'ère d'internet associe la création d'oeuvres interactives à la production de formes de communication et d'exposition nouvelles visant à impliquer le public. La mise en oeuvre d'art, devenue également indissociable de la pratique des médias, tend à se dématérialiser. Comment ne pas perdre l'aspect incarné de l'art ? Existe-t-il un art numérique à part entière, ou l'art est-il simplement réceptif au numérique comme l'ensemble de la société ? La matière première de l'inspiration artistique est-elle devenue numérique ?

Avec la participation de : Gaël Charbau, commissaire invité ; Lyes Hammadouche, artiste plasticien ; Jacques-François Marchandise, directeur de la Recherche et de la Prospective de la FING, co-directeur de la Chaire des Bernardins ; Françoise Parfait, professeure des universités en arts et médias à Paris I, responsable du master recherche arts et médias numériques.

Ce cahier virtuel sera consacré à l’esthétique et à la poétique des œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles. Considérer, concevoir, problématiser et théoriser une esthétique (art visuel) ou une poétique (littérature) des œuvres hypermédiatiques s’avère essentiel quant aux évolutions constantes et aux changements que le numérique entraîne sur les formes d’expression, les modalités et les supports empruntés. D’une part, nous interrogerons les éléments qui créent la poéticité ou l’esthétique des œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles. Autrement dit, comment procèdent et d’où naissent leurs qualités littéraires et esthétiques? D’autre part, nous nous intéresserons aux éléments de nature poétique dans les œuvres littéraires pour écrans tactiles: sont-ils similaires à ceux opérant dans les œuvres pour écrans non tactiles? C’est-à-dire, est-ce que la poétique ou l’esthétique des œuvres pour écrans tactiles possède les mêmes traits définitoires que celle des autres œuvres hypermédiatiques? Cette dernière interrogation entraîne elle-même une série de questions: s’il y a des différences sur le plan poétique et esthétique entre les œuvres hypermédiatiques pour écrans tactiles et celles pour écrans non tactiles, comment caractériser cette évolution? Aussi, quels sont l’impact et le rôle que joue l’interactivité accrue par la dimension tactile dans ces œuvres hypermédiatiques? En regard de l’Histoire courte des humanités numériques, il faudra donc également analyser et mesurer l’impact de l’inclusion de la technologie tactile sur les réflexions préalablement engagées. Quels gestes et manipulations, quels processus lecturaux, quelles esthétiques nouvelles engagent-elles? Comment ces gestes et opérations ou figures de manipulation, renouvelés dans une certaine mesure par les possibilités du support tactile, sont-ils partie intégrante de l’esthétique de l’oeuvre hypermédiatique? 

Ce cahier regroupe des articles d'Emmanuelle Pelard, Anaïs Guilet, Elonora Acerra, Valérie Dupuy, Côme Martin, Serge Bouchardon, Alexandre Gefen et Claire Jeantet, Marc Verat et Franck Soudan, ainsi que de Diogo Marques.

Le son trouve dans l'interactivité et les nouvelles écritures de nombreuses manières de s'exprimer. Tour d'horizon des projets innovants ayant placé le son au coeur de l'expérience utilisateur.

Le travail sur le son peut parfois faire la différence entre une belle oeuvre et une oeuvre magistrale. Et pourtant il est d’usage de dire – dans le monde de l’audiovisuel notamment – que le son est relégué au rang de parent pauvre, qu’il est le premier à souffrir en cas de réduction budgétaire…

La création nouveaux médias va donner aux artisans du son de nouvelles opportunités pour s’exprimer, des nouveaux formats où le son peut jouer un rôle plus important, voire dominant. Le son s’est très vite imposé dans les nouvelles écritures comme un vecteur puissant d’immersion, je vous propose aujourd’hui un tour d’horizon de ses utilisations diverses et variées.

La matière première de l'art dans une société de l'information se compose de gré ou de force d'informations diffusées dans les médias pour les détourner de leur stricte fonction communicationnelle et les interroger dans des appareillages critiques.

À partir d'œuvres hypermédias diffusées dans des installations ou sur les réseaux, la Société i Matériel se déploie comme une entreprise virale pour s'infiltrer dans le système de l'art et sur ce nouvel eSPACE que nous côtoyons quotidiennement, inexorablement augmenté par les technologies numériques.